ศิลปะเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 17 หมายเหตุเบื้องต้น สถาปัตยกรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 17 สถาปัตยกรรมเรอเนซองส์

สถาปัตยกรรมของยุคเรอเนซองส์ของเยอรมันเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในระหว่างการก่อสร้างอาคารสาธารณะและที่พักอาศัยในเมืองและที่ดินของระบบศักดินา ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 พระราชวังของประเทศและที่อยู่อาศัยสูญเสียลักษณะการป้องกันและได้รับการจัดวางตามปกติ ความสนใจอย่างมากคือความสะดวกสบายของบ้านและการตกแต่งที่หรูหรา สถาปัตยกรรมในเมืองในยุคนี้โดดเด่นด้วยการตกแต่งด้านหน้าด้วยพลาสติกแบบนูน

ความรุ่งเรืองของยุคบาโรกเยอรมันเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 18 ถึง ผลงานที่ใหญ่ที่สุดช่วงเวลานี้ย้อนกลับไปถึงที่ประทับของบาทหลวงในเมือง เวิร์ซบวร์ก(บาวาเรีย). เวิร์ซบวร์กกลายเป็นที่ตั้งของบาทหลวงในศตวรรษที่ 8 ภายใต้การนำของเฟรเดอริก บาร์บารอสซา พระราชวังแห่งนี้สร้างขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 และล้อมรอบด้วยสวนสาธารณะที่สวยงาม ทำให้ตื่นตาตื่นใจกับการตกแต่งที่หรูหรา ประติมากรรม และจิตรกรรมฝาผนัง พระราชวังและสวนสาธารณะถือเป็นวงดนตรีบาโรกที่ใหญ่ที่สุดและสวยงามที่สุดในเยอรมนี

ความปรารถนาในการตกแต่งที่หรูหราแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในสถาปัตยกรรมของ Zwinger (ต้นศตวรรษที่ 18) ซึ่งเป็นชุดพิธีการสไตล์บาโรกในเมือง เดรสเดน(แซกโซนี). เป็นลานสี่เหลี่ยมมีขอบโค้งมน ที่มุมและแกนของจัตุรัสมีศาลาที่เชื่อมต่อกันด้วยหลังคาโค้ง เดรสเดนถูกเรียกว่า "ฟลอเรนซ์ออนเดอะเอลเบ" เนื่องจากมีอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมมากมาย นอกจาก Zwinger แล้ว ที่นี่ยังเป็นอาคารโอเปร่า ที่อยู่อาศัยของผู้ปกครองชาวแซ็กซอน ระเบียงของ Bruhl ที่เรียกว่า "ระเบียงแห่งยุโรป" ฯลฯ ไปยังรายการวัตถุ มรดกโลก UNESCO รวมพื้นที่ทั้งหมดรอบๆ เมืองเดรสเดิน ซึ่งก่อตั้งขึ้นในศตวรรษที่ 18-19 และรวมถึงปราสาท พระราชวัง และ "ป่าหิน" อันเป็นเอกลักษณ์ที่ก่อตั้งโดย

พระราชวังออกัสตัสเบิร์กในเมือง บรูห์ล(นอร์ธไรน์-เวสต์ฟาเลีย) ใกล้โคโลญ สร้างขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 บนซากปรักหักพังของป้อมปราการยุคกลาง พระราชวังได้รับสไตล์โรโคโคที่ทันสมัยในสมัยนั้น ในสวนสาธารณะที่อยู่ติดกับพระราชวังก็มี กระท่อมล่าสัตว์ Falkenlust ในแง่ของความซับซ้อนของการตกแต่งไม่ได้ด้อยไปกว่าตัวพระราชวังเลย

โบสถ์แสวงบุญในหมู่บ้านบนเทือกเขาแอลป์ วิส(บาวาเรีย) สร้างขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เรียกได้ว่าเป็นผลงานชิ้นเอกในสไตล์บาวาเรียโรโกโค ความซับซ้อนและความแปลกประหลาดโดยธรรมชาติของสไตล์นี้ถูกนำมาสู่ความสมบูรณ์แบบที่นี่ - การปั้นปูนปั้นและการแกะสลักทองคำยังคงความเบาและความโปร่งสบายราวกับว่าพวกมันพร้อมที่จะละลายในแสงแดด ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 หลักการของลัทธิคลาสสิกซึ่งมีพื้นฐานมาจากแบบจำลองโบราณของกรีกได้รับการเสริมความแข็งแกร่ง: ประตูบรันเดนบูร์กในกรุงเบอร์ลิน (ปลายศตวรรษที่ 18) วงดนตรีวัลฮัลลาในเรเกนสบวร์ก (กลางศตวรรษที่ 19)

เมืองเล็ก ๆ ไวมาร์(ทูรินเจีย) ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 เป็นเรื่องจริง ศูนย์วัฒนธรรมเยอรมนีทำให้เมืองนี้กลายเป็นพิพิธภัณฑ์กลางแจ้งอย่างแท้จริง Goethe, Schiller, Bach, Liszt, Nietzsche, Strauss, Wagner และคนอื่นๆ อาศัยและทำงานที่นี่ คนดัง. “ไวมาร์คลาสสิก” ส่วนใหญ่จะประกอบด้วยอาคารต่างๆ จากศตวรรษที่ 18-19 และอนุสรณ์สถาน: พิพิธภัณฑ์บ้านเกอเธ่, พิพิธภัณฑ์บ้านชิลเลอร์, ศาลากลาง, บ้านลิซท์, ห้องแสดงงานศิลปะ, โบสถ์นักบุญเปโตรและเปาโล

ในช่วงศตวรรษที่ 19 กำลังถูกสร้างขึ้น ซึ่งปัจจุบันรู้จักกันในชื่อ "เกาะแห่งพิพิธภัณฑ์" บนแม่น้ำสปรี อาคารแห่งนี้ประกอบด้วยพิพิธภัณฑ์เก่าและใหม่ หอศิลป์แห่งชาติ พิพิธภัณฑ์ Bode และพิพิธภัณฑ์ Pergamon Altar (หลังเมื่อต้นศตวรรษที่ 20) มีเอกลักษณ์ ชุดสถาปัตยกรรมซึ่งมีอาคารที่รวบรวมคอลเลกชั่นงานศิลปะมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ย้อนหลังไปถึงสมัยโบราณ ยังเป็นอนุสรณ์สถานแห่งการพัฒนาเทคโนโลยีของพิพิธภัณฑ์อีกด้วย

ในศตวรรษที่ 19 สถาปัตยกรรมเยอรมันกลายเป็นเรื่องแห้งแล้งและเป็นวิชาการมากเกินไป และในทางตรงกันข้าม บาโรกก็เป็นหน้าที่สองของสถาปัตยกรรมเยอรมัน: การเชื่อมโยงที่มีชีวิตระหว่างสถาปัตยกรรมกับธรรมชาติที่น่าสนใจ เทคนิคทางศิลปะ, การตกแต่งประติมากรรมด้านหน้าและภายใน

ในเมืองพอทสดัม (บรันเดนบูร์ก) สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 18-19 ในรูปแบบบาโรก โรโคโค และคลาสสิก ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 Frederick II ได้สร้างวังแห่งความสุขแบบบาโรกของ Sans Souci (“ โดยไม่ต้องกังวล”) และถัดจากนั้น - ถ้ำของเนปจูน, โรงน้ำชาจีน, หอศิลป์ ฯลฯ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เฟรดเดอริก วิลเลียมที่ 4 ทรงสร้างพระราชวังชาร์ลอตเทินฮอฟ โรงอาบน้ำโรมัน พระราชวังโอเรนเจอรี และสวนใหม่ ทั้งหมดนี้เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความคลาสสิก

พระราชวังและสวนสาธารณะอีกแห่งในพอทสดัมมีพระราชวังสไตล์นีโอโกธิคที่สร้างขึ้นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เพดานห้องบอลรูมของพระราชวังแห่งนี้สื่อถึงท้องฟ้ายามค่ำคืนที่มีดวงดาว จากหน้าต่างพระราชวังมีวิวแม่น้ำและทะเลสาบที่สวยงาม พระราชวังเล็กถูกสร้างขึ้นริมฝั่งทะเลสาบ และในสวนสาธารณะมีหอคอย - สำเนาของหนึ่งในนั้น หอคอยยุคกลางในแฟรงก์เฟิร์ต อัม ไมน์

นอกจากนี้ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ถูกสร้างขึ้น (บรันเดนบูร์ก) บนฝั่งแม่น้ำไนส์เซ อุทยานแห่งนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาภูมิสถาปัตยกรรมในยุโรปและอเมริกา ตัวอย่างเช่น ที่นี่มีการใช้หลักการ "ทาสีต้นไม้" เป็นครั้งแรก และขอบเขตระหว่างสวนสาธารณะและชนบทโดยรอบก็เบลอ

ภูมิทัศน์อีกแห่งหนึ่งหรือสวนสาธารณะแบบอังกฤษตั้งอยู่ใกล้เมืองเดสเซา (แซกโซนี-อันฮัลต์) สวน ตรอกซอกซอย ประติมากรรม ปราสาท และศาลา ภูมิทัศน์ในท้องถิ่นสร้างความประหลาดใจด้วยความกลมกลืนอันน่าทึ่ง ราวกับว่าทุกสิ่งใน "อาณาจักรแห่งอุทยาน" นี้ถูกจัดเรียงโดยธรรมชาติ หากสวนสาธารณะสไตล์บาโรกของฝรั่งเศสครอบงำบุคคลโดยสั่งให้เขาเคลื่อนตัวไปยังจุดศูนย์กลางขององค์ประกอบที่วางแผนไว้ สวนภูมิทัศน์ก็อนุญาตให้เขาเดินและเพลิดเพลินไปกับทุกมุมโดยให้อิสระในการดำเนินการอย่างสมบูรณ์

ฉันจะขอบคุณถ้าคุณแบ่งปันบทความนี้บนโซเชียลเน็ตเวิร์ก:

รูปแบบสถาปัตยกรรมของเยอรมนีได้รับอิทธิพลอย่างเห็นได้ชัดจากประเทศอื่น ๆ องค์ประกอบของโกธิคฝรั่งเศสและเรอเนซองส์ของอิตาลีเป็นเรื่องปกติโดยเฉพาะ แต่ประเทศนี้ก็มีส่วนสนับสนุนสถาปัตยกรรมโลกเช่นกัน โดยเฉพาะในช่วงต้นศตวรรษที่ 20

เยอรมนีมีประเพณีอันยาวนานในด้านสถาปัตยกรรมพื้นถิ่น พร้อมด้วยบ้านชาวนาโบราณและคฤหาสน์ในเมืองที่มีรูปแบบเป็นเอกลักษณ์ ก่อนหน้านี้บ้านครึ่งไม้ถูกสร้างขึ้นทุกที่ เนื่องจากในอดีตไม้มีราคาถูกกว่าหินดี บ้านทุกหลังในหมู่บ้านชาวเยอรมันตกแต่งด้วยงานแกะสลักไม้

จากสไตล์การอแล็งเฌียงไปจนถึงสไตล์โรมาเนสก์

ชาวโรมันสร้างกำแพงเมือง ห้องอาบน้ำ วิลล่า และวัดวาอาราม แต่ประวัติศาสตร์ของสถาปัตยกรรมเยอรมันนั้นเริ่มต้นขึ้นราวๆ ปี 790 ด้วยการก่อสร้างโบสถ์ในพระราชวังในอาเคินโดยจักรพรรดิชาร์ลมาญ อาคาร 16 ด้านที่มีแปดเหลี่ยมตรงกลางนี้จำลองมาจากโบสถ์ไบแซนไทน์แห่ง San Vitale ในเมืองราเวนนา (อิตาลี) ที่นี่เป็นส่วนหนึ่งของพระราชวังอิมพีเรียลอันยิ่งใหญ่ที่ถูกทำลายไปยาวนาน ซึ่งเป็นหนึ่งในที่ประทับหลายแห่งของชาร์ลส์

พระราชวังอิมพีเรียลอีกแห่งหนึ่งแห่งศตวรรษที่ 11 สร้างขึ้นใหม่หลายครั้งและยังคงหลงเหลือมาจนถึงทุกวันนี้ที่กอสลาร์ในเทือกเขากอร์กา โบสถ์อาเคินทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับอาคารลัทธิอื่นๆ ของการฟื้นฟู Carolingian ซึ่งบางส่วนยังคงอยู่ - อาสนวิหารในเอสเซินและโบสถ์อารามเซนต์ปีเตอร์ในบาดวิมป์เฟิน

ลักษณะเด่นของโบสถ์เหล่านี้คือ Westwork ซึ่งเป็นอาคารแนวขวางด้านตะวันตกซึ่งมีห้องสวดมนต์ในคณะนักร้องประสานเสียง

รูปแบบสถาปัตยกรรมเยอรมันที่ใหญ่โตและซับซ้อนมากขึ้นเกิดขึ้นในอาณาจักรที่ได้รับการฟื้นฟูหลังศตวรรษที่ 10 ตัวอย่างคือโบสถ์เซนต์ไมเคิลในเมืองฮิลเดสไฮม์

โครงสร้างขนาดใหญ่ที่ใช้รูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่ายนี้สร้างขึ้นระหว่างปี 1001 ถึง 1033 ส่วนหน้าของอาคารเป็นรูปครึ่งวงกลมทั้งสองด้านของอาคาร หอคอยกลางทรงกลมสองหลัง และหอคอยทรงกระบอกสี่หลังพร้อมบันไดนั้นน่าประทับใจมาก ต่อมาความเจริญรุ่งเรืองของสไตล์โรมาเนสก์ในเยอรมนีส่งผลให้มีการก่อสร้างอาสนวิหารอันงดงามริมแม่น้ำไรน์ในเมืองไมนซ์ เทรียร์ วอร์มส และสเปเยอร์ สัดส่วนที่เข้มงวดของพวกเขาถูกทำให้อ่อนลงด้วยการตกแต่งด้วยส่วนโค้งครึ่งวงกลมที่ฐาน โคโลญจน์มีอนุสรณ์สถานสถาปัตยกรรมโรมาเนสก์ที่ร่ำรวยที่สุด

โกธิค

ตัวอย่างแรกของสถาปัตยกรรมกอทิกสามารถพบเห็นได้ในลิมบวร์ก อัน แดร์ ลาห์น ซึ่งด้านนอกของอาสนวิหารซึ่งเริ่มในปี 1211 ยังคงเป็นแบบโรมาเนสก์เป็นส่วนใหญ่ และการตกแต่งภายในถูกกำหนดโดยห้องใต้ดินปลายแหลมแบบโกธิก

อาคารสไตล์โกธิกแห่งแรกในเยอรมนี ได้แก่ Liebfrauenkirche ในเมือง Trier และโบสถ์ St. Elisabeth ในเมือง Marburg โบสถ์เซนต์เอลิซาเบธ - ห้องโถง; ทางเดินกลางและด้านข้างมีความสูงเท่ากัน ซึ่งจะกลายเป็นเรื่องปกติสำหรับเยอรมนี ในปี 1248 งานเริ่มก่อสร้างอาสนวิหารในเมืองโคโลญจน์ หลังจากการก่อสร้างคณะนักร้องประสานเสียง งานก็ช้าลง และอาสนวิหารโคโลญก็พบว่าตัวเองอยู่ท่ามกลางโบสถ์อันงดงามที่รอการสร้างเสร็จจนถึงศตวรรษที่ 19 มหาวิหารอีกแห่งหนึ่งคืออุล์ม ยอดแหลมสูง 161 ม. สร้างเสร็จในปี พ.ศ. 2433 เป็นยอดที่สูงที่สุดในโลก

ศตวรรษที่สิบสองและสิบสาม เป็นยุคก่อสร้างวัดใหญ่ คอมเพล็กซ์ที่มีลักษณะเหมือนเมืองอันเป็นเอกลักษณ์ของ Maulbronn ได้รับการอนุรักษ์ไว้เกือบทั้งหมด ปัจจุบันรวมอยู่ในรายการมรดกโลกขององค์การยูเนสโก

อาคารสไตล์โกธิกส่วนใหญ่ทำจากหิน แต่บนชายฝั่งทะเลบอลติกและในเมืองทางตอนเหนือของเยอรมนีบางแห่งเรียกว่าอิฐสไตล์โกธิกเกิดขึ้น

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

รูปแบบสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีไม่ได้หยั่งรากในเยอรมนีในทันทีในตอนแรกใช้เพื่อการตกแต่งเท่านั้นหรือใช้ร่วมกับองค์ประกอบแบบโกธิกที่ไร้สาระ ตัวอย่างเช่น โบสถ์ของนายธนาคาร Fugger ในปี 1512 ของโบสถ์เซนต์แอนน์ในเมืองเอาก์สบวร์ก ซึ่งเป็นอาคารยุคเรอเนซองส์แห่งแรกในเยอรมนี ยังคงรักษาห้องนิรภัยแบบโกธิกไว้ มิวนิกคาทอลิกมีความเกี่ยวข้องใกล้ชิดกับอิตาลีมากกว่าเมืองอื่นๆ มีอนุสรณ์สถานยุคเรอเนซองส์ทั้งหมด ที่สำคัญที่สุดคือโบสถ์เซนต์ไมเคิลซึ่งสร้างขึ้นโดยคณะเยซูอิตในปี 1597 และพระราชวัง

ในเยอรมนีตอนเหนือ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นโปรเตสแตนต์ อิทธิพลของดัตช์และเฟลมิชพบว่ามีการแสดงออกที่โดดเด่นที่สุดในสไตล์เรอเนซองส์เวเซอร์ ซึ่งโดดเด่นด้วยการตกแต่งที่มากเกินไป

รูปแบบสถาปัตยกรรมในประเทศเยอรมนีคือสไตล์บาโรกและโรโคโค

สไตล์บาโรกมีต้นกำเนิดในอิตาลี แต่สถาปนิกและช่างฝีมือชาวเยอรมันกลับนำเสนอเอกลักษณ์ของตนเอง โดยเฉพาะทางตอนใต้ของคาทอลิก

การต่อต้านการปฏิรูปที่นี่นำไปสู่ความจริงที่ว่าพิธีการจัดขึ้นในบรรยากาศที่แทบจะเป็นการแสดงละคร ซึ่งทุกสิ่งดึงดูดประสาทสัมผัส จุดสูงสุดของความหรูหรา อลังการ และจินตนาการคือโบสถ์แสวงบุญของ Fourteen Saints ซึ่งเริ่มสร้างขึ้นในปี 1744 ตามการออกแบบของ Johann Balthasar Neumann (1687-1753)

นอยมันน์ยังสร้างหรือมีส่วนร่วมในการก่อสร้างพระราชวังของอาร์ชบิชอปเชินบอร์นในบรูห์ล บรูชซาล และเวิร์ซบวร์ก

ความหรูหราสไตล์บาโรกและแฟนตาซีโรโคโคไม่ได้จำกัดอยู่เพียงทางตอนใต้ของเยอรมนี ลานและศาลา Zwinger ในเดรสเดินถือเป็นหนึ่งในสถานที่ที่หรูหราที่สุดสำหรับการเฉลิมฉลองในราชสำนัก และการตกแต่งภายในสไตล์โรโกโกอันงดงามของพระราชวัง Potsdam Sanssouci ของ Frederick the Great ก็ได้ทำลายภาพเหมารวมของการบำเพ็ญตบะปรัสเซียน

จากความคลาสสิกไปจนถึงการผสมผสานของสไตล์

ในศตวรรษที่ 18 คลาสสิกโบราณถือเป็นข้อบังคับสำหรับเมืองหลวง ในเมืองซองซูซี (พอทสดัม) สถาปนิกประจำศาลของเฟรเดอริกมหาราช เกออร์ก เวนสเลาส์ ฟอน โนเบลสดอร์ฟ (ค.ศ. 1699-1753) ได้สร้างเสาแนวคลาสสิก ในปี พ.ศ. 2334 ทางเข้ากรุงเบอร์ลินได้รับการเสริมกำลังด้วยประตูบรันเดนบูร์กขนาดมหึมาซึ่งเป็นแบบจำลองซึ่งเป็นโพรพิเลอาของเอเธนส์อะโครโพลิส

สถาปนิกปรัสเซียนที่ใหญ่ที่สุดในเวลานี้ เช่นเดียวกับหัวหน้าแผนกโยธาธิการคือคาร์ล ฟรีดริช ชินเคิล (พ.ศ. 2324 - 2384) เขาเปลี่ยนรูปลักษณ์ของกรุงเบอร์ลินและบริเวณโดยรอบ โดยสร้างพิพิธภัณฑ์ พระราชวัง และคฤหาสน์ในสไตล์นีโอคลาสสิก ในบาวาเรีย คู่แข่งของเขาคือ Franz Carl Leo von Klenze (1784-1864) เขาทำให้มิวนิกมีรูปลักษณ์ที่หรูหราอย่างแท้จริงด้วยอาคาร เช่น Glyptothek ซึ่งเป็นพิพิธภัณฑ์ประติมากรรมสาธารณะแห่งแรกของโลก วอน เคลนเซยังได้ออกแบบอนุสรณ์สถานที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อเพิ่มเกียรติแก่ลัทธิชาตินิยมเยอรมันที่เพิ่งเกิดขึ้นใหม่ เช่น วัลฮัลลา ซึ่งอยู่สูงเหนือแม่น้ำดานูบ และศาลาปลดปล่อยใกล้กับเคลไฮม์

หลังจากการรวมตัวกันของเยอรมนีในปี พ.ศ. 2414 อนุสรณ์สถานแห่งชาติได้ถูกสร้างขึ้น มีการค้นหารูปแบบสถาปัตยกรรมที่สอดคล้องกับจิตวิญญาณของ Second Reich อย่างมาก แต่มีอาคารหลายแห่งในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 อันที่จริงเป็นเพียงการผสมผสานองค์ประกอบจากรูปแบบสถาปัตยกรรมที่แตกต่างกันเท่านั้น

ราชวงศ์สวดภาวนาในโบสถ์โรโกโกอันหรูหราของบ้านพักเวิร์ซบวร์ก

ความทันสมัยในสถาปัตยกรรมเยอรมัน

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 - ช่วงเวลาแห่งความรุ่งเรืองอันสั้นของ Jugendstil (German Art Nouveau) ตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือการพัฒนาของ Mathildenhee ใน Darmstadt ในปี พ.ศ. 2442 สมาคมศิลปินและสถาปนิกได้ตั้งรกรากที่นี่

นับเป็นครั้งแรกในรอบทศวรรษของศตวรรษใหม่ที่มีการสังเกตรูปแบบสถาปัตยกรรมและเทรนด์ใหม่ ๆ อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน โครงสร้างที่มั่นคงผิดปกติ - หอคอย Einstein ของ Erich Mendelssohn ในเมืองพอทสดัม

อาคารสำนักงานที่มีลักษณะคล้ายเรือ Chilihaus ในฮัมบูร์กและ Reinhalle ในเมืองดุสเซลดอร์ฟเป็นเครื่องยืนยันถึงความสำเร็จของการแสดงออก ในทางตรงกันข้าม อาคารที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโรงงานผลิตรองเท้า Fagus ในอัลเฟลด์โดย Walter Grapius (พ.ศ. 2426-2512) ซึ่งมีหลังคาเรียบ ผนังกระจก และโครงสร้างลูกบาศก์ ได้กำหนดล่วงหน้าถึงการพัฒนาสถาปัตยกรรมเพิ่มเติม

การทำลายล้างครั้งใหญ่ในช่วงสงครามได้รับการชดเชยบางส่วนด้วยโครงการฟื้นฟูในช่วงทศวรรษปี 1950-1960 อาคารส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่นุ่มนวลและสงบซึ่งแพร่หลายในสมัยนั้น แต่อาคารดั้งเดิมก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน เช่น หอคอย Thyssen ในเมืองดุสเซลดอร์ฟ

อาจมีคริสตจักรสมัยใหม่ในเยอรมนีมากกว่าที่อื่น โบสถ์ Kaiser Wilhelm Memorial Church ในเบอร์ลินตะวันตกผสมผสานอนุสรณ์สถานสมัยใหม่และซากปรักหักพังหลังสงครามเข้าด้วยกันได้อย่างน่าสนใจ ก่อน กีฬาโอลิมปิกพ.ศ. 2515 กึนเทอร์ เบห์นิสช์ได้ออกแบบสนามกีฬาที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว โดดเด่น อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมผลงานล่าสุดโดยสถาปนิกชาวต่างชาติ เช่น Scott James Sterling (Stuttgart State Gallery) และ Brit Norman Foster (Frankfurt Bank of Commerce และการบูรณะ Reichstag ในเบอร์ลิน)

ในบรรดาประเทศต่างๆ ในยุโรปตะวันตกที่มีระบบความสัมพันธ์ศักดินาที่พัฒนาแล้ว ในประเทศเยอรมนี การกำจัดรากฐานในยุคกลางถือเป็นเส้นทางที่คดเคี้ยวและซับซ้อนที่สุด

ในด้านเศรษฐกิจและ ในทางการเมืองเยอรมนีพัฒนาในลักษณะที่ขัดแย้งและยากลำบาก วัฒนธรรมทางจิตวิญญาณและโดยเฉพาะอย่างยิ่งศิลปะของมันก็ขัดแย้งกันไม่น้อย

ในช่วงปลายยุคกลาง กระบวนการเดียวกันนี้เกิดขึ้นในเยอรมนีเช่นเดียวกับประเทศอื่นๆ ในยุโรป: บทบาทของเมืองเพิ่มขึ้น การผลิตด้านการผลิตพัฒนาขึ้น ชาวเมืองและพ่อค้ามีความสำคัญมากขึ้น และระบบกิลด์ยุคกลางก็ล่มสลายลง การเปลี่ยนแปลงที่คล้ายกันเกิดขึ้นในวัฒนธรรมและโลกทัศน์: การตระหนักรู้ในตนเองของบุคคลตื่นตัวและเติบโตขึ้น ความสนใจในการศึกษาความเป็นจริง ความปรารถนาที่จะมีความรู้ทางวิทยาศาสตร์ และความต้องการที่จะค้นหาสถานที่ของเขาในโลกก็เพิ่มขึ้น มีการค่อยๆ กลายเป็นโลกทางโลกของวิทยาศาสตร์และศิลปะ การปลดปล่อยพวกเขาจากอำนาจอันเก่าแก่ของคริสตจักร หน่อแห่งมนุษยนิยมเกิดขึ้นในเมืองต่างๆ ชาวเยอรมันเป็นเจ้าของหนึ่งในความสำเร็จทางวัฒนธรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ซึ่งเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดในการพัฒนาการพิมพ์ อย่างไรก็ตาม การเปลี่ยนแปลงทางจิตวิญญาณเกิดขึ้นในเยอรมนีช้ากว่าและมีการเบี่ยงเบนมากกว่าในประเทศต่างๆ เช่น อิตาลีและเนเธอร์แลนด์

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่สิบสี่และสิบห้า ในดินแดนเยอรมันไม่เพียงแต่ไม่มีแนวโน้มที่จะรวมศูนย์ของประเทศเท่านั้น แต่ในทางกลับกัน การกระจายตัวของมันทวีความรุนแรงมากขึ้น ซึ่งมีส่วนทำให้รากฐานของระบบศักดินาดำรงอยู่ได้ การเกิดขึ้นและการพัฒนาของความสัมพันธ์ทุนนิยมที่แตกหน่อในแต่ละอุตสาหกรรมไม่ได้นำไปสู่การรวมประเทศเยอรมนี ประกอบด้วยอาณาเขตขนาดใหญ่และขนาดเล็กหลายแห่งและเมืองจักรพรรดิอิสระ ซึ่งนำไปสู่การดำรงอยู่อย่างเป็นอิสระและพยายามทุกวิถีทางที่จะรักษาสถานะของกิจการนี้ ข้อโต้แย้ง การพัฒนาสังคมเยอรมนีสะท้อนให้เห็นในสถาปัตยกรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 15 เช่นเดียวกับในประเทศเนเธอร์แลนด์ ไม่มีการหันไปใช้เนื้อหาเชิงเปรียบเทียบใหม่ๆ และภาษาใหม่ของรูปแบบสถาปัตยกรรมที่แสดงถึงลักษณะสถาปัตยกรรมของอิตาลี แม้ว่าสถาปัตยกรรมกอทิกซึ่งเป็นรูปแบบสถาปัตยกรรมที่โดดเด่นกำลังจะหมดลงแล้ว แต่ประเพณีก็ยังคงแข็งแกร่งมาก อาคารส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 15 มีอิทธิพลในระดับหนึ่งหรืออีกระดับหนึ่ง

ส่วนแบ่งของอนุสรณ์สถานสถาปัตยกรรมทางศาสนาในเยอรมนีในศตวรรษที่ 15 มีขนาดใหญ่กว่าในประเทศเนเธอร์แลนด์ การก่อสร้างอาสนวิหารสไตล์โกธิกอันยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษก่อนๆ (เช่น อาสนวิหารในอุลมา) ยังคงดำเนินอยู่และแล้วเสร็จ อย่างไรก็ตาม อาคารวัดหลังใหม่ไม่โดดเด่นด้วยขนาดดังกล่าวอีกต่อไป เหล่านี้เป็นโบสถ์ที่เรียบง่ายกว่า ส่วนใหญ่เป็นแบบห้องโถง ทางเดินที่มีความสูงเท่ากันในกรณีที่ไม่มีปีก (ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับช่วงเวลานี้) มีส่วนทำให้พื้นที่ภายในรวมเป็นหนึ่งเดียวที่มองเห็นได้ ความสนใจเป็นพิเศษคือการออกแบบตกแต่งห้องใต้ดิน: ตาข่ายและห้องใต้ดินอื่น ๆ ที่โดดเด่น ภาพวาดที่ซับซ้อน. ส่วนขยายจากแบบเก่ายังมีลักษณะเป็นห้องโถงเดียว รูปแบบสถาปัตยกรรมเองก็มีความซับซ้อนและความแปลกประหลาดมากขึ้นในจิตวิญญาณของโกธิค "เพลิง" อย่างไรก็ตาม ที่สำคัญกว่านั้นคือสถานที่สำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ ในสถาปัตยกรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 15 อนุสาวรีย์ของสถาปัตยกรรมฆราวาสเริ่มที่จะครอบครองซึ่งในด้านหนึ่งความต่อเนื่องของประเพณีอันทรงคุณค่าของพลเรือน สถาปัตยกรรมกอทิกศตวรรษก่อนๆ และในทางกลับกัน แนวโน้มใหม่ๆ ที่ก้าวหน้าพบว่ามีดินที่เอื้ออำนวยต่อการพัฒนาของพวกเขา ประการแรกคืออาคารชุมชนในเมืองซึ่งการพึ่งพารูปแบบของสถาปัตยกรรมโบสถ์น้อยกว่าเมื่อก่อนนั้นเห็นได้ชัดเจนแล้ว

ในสถาปัตยกรรมอาคารที่อยู่อาศัยของตัวแทนของผู้รักชาติในเมืองในเยอรมนีและในเนเธอร์แลนด์การปฏิวัติที่โดดเด่นด้วยการปรากฏตัวในเมืองของอิตาลีของพระราชวังที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นของครอบครัวที่ร่ำรวยที่สุดยังไม่ได้เกิดขึ้น แต่ใน เมื่อเปรียบเทียบกับยุคกลางแล้วจะเห็นนวัตกรรมที่เห็นได้ชัดเจน - รูปแบบที่ซับซ้อนและอิสระมากขึ้น การใช้หน้าจั่วที่ตกแต่งอย่างหรูหราและโคมไฟหน้าต่างที่ยื่นจากผนังที่ด้านหน้าและแกลเลอรี่ที่มีหลังคาคลุมในสนามหญ้า

วิจิตรศิลป์ของเยอรมันในศตวรรษที่ 15 มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับโบสถ์มากขึ้น ความอ่อนแอของการพึ่งพาคริสตจักรนั้นแสดงออกมาเฉพาะในความจริงที่ว่างานจิตรกรรมและประติมากรรมได้รับการปลดปล่อยจากการอยู่ใต้บังคับบัญชาทางสถาปัตยกรรมไปยังอาคารโบสถ์ในระดับหนึ่งเท่านั้น รูปภาพที่แยกออกจากผนังและรวมตัวกันอยู่ที่แห่งเดียวภายในอาสนวิหาร ในโครงสร้างแท่นบูชาขนาดมหึมา ดังนั้นการวาดภาพและประติมากรรมจึงได้รับโอกาสในการดำรงอยู่อย่างเป็นอิสระ

หนึ่งในความสำเร็จของศิลปะเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 15 มีภาพวาดเพิ่มขึ้นซึ่งได้รับการพัฒนาไม่ดีในเยอรมนีในสมัยก่อน แต่มีการสร้างภาพวาดขาตั้งเพียงไม่กี่ภาพในช่วงเวลานี้ สถานที่นำถูกครอบครองโดยรูปแท่นบูชา ประวัติศาสตร์จิตรกรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 15 โดยพื้นฐานแล้วเป็นประวัติความเป็นมาของแท่นบูชาขนาดใหญ่แต่ละแท่น ซึ่งโดยปกติจะรวมการเรียบเรียงจำนวนหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดเฉพาะเรื่องทั่วไป

ชีวิตทางศิลปะของเยอรมนีมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการกระจายตัวครั้งใหญ่ ความไม่ลงรอยกันของแต่ละภูมิภาคของประเทศนำไปสู่การเกิดขึ้นของศูนย์ศิลปะท้องถิ่นหลายแห่ง อย่างไรก็ตาม ศิลปะเยอรมันโดยรวมยังคงมีความสามัคคีอยู่บ้าง สิ่งที่สำคัญที่สุดคือรูปเคารพทางศาสนาสูญเสียลักษณะทางจิตวิญญาณที่เป็นนามธรรมและเข้าใกล้ชีวิตด้วยความมั่นใจ การเน้นหลักเปลี่ยนมาอยู่ที่จุดเริ่มต้นการเล่าเรื่องและการแสดงออกของความรู้สึกที่มนุษย์มีชีวิตอยู่ในโครงเรื่องทางศาสนา แต่นวัตกรรมทั้งหมดนี้ยังไม่ได้รวมเป็นหนึ่งเดียว มุมมองที่สวยงาม. แม้แต่ในงานเดียวก็มักจะไม่มีความรู้สึกซื่อสัตย์ ศิลปินเองไม่มีเกณฑ์เฉพาะในการประเมินและรับรู้โลก

ผลงานที่เชื่อถือได้ของศิลปินเพียงไม่กี่คนที่มาถึงเรายังคงทำให้เราเข้าใจถึงความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคลได้ สิ่งนี้บ่งชี้ว่าจุดยืนใหม่ของศิลปินคือระบบความคิดสร้างสรรค์ในยุคกลางซึ่งลบล้างความเป็นเอกเทศทางศิลปะของปรมาจารย์แต่ละคนกลายเป็นอดีตไปแล้ว ศิลปินได้รับตำแหน่งที่มีเกียรติมากขึ้นในสังคมโดยไม่ได้เป็นช่างฝีมือของกิลด์ธรรมดาอีกต่อไป แต่เป็นหัวหน้าเวิร์คช็อปและเบอร์เกอร์ที่น่านับถือ

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 บุคคลสำคัญของการวาดภาพชาวเยอรมันและผู้ริเริ่มที่แท้จริงคือ Konrad Witz (1400/10–1445/47) ซึ่งทำงานใน Konstanz และ Basel เป็นครั้งแรกที่ภารกิจที่สมจริงเกิดขึ้นอย่างมีสติและมีลักษณะที่สอดคล้องกันในระดับหนึ่ง วิทซ์เป็นจิตรกรชาวเยอรมันคนแรกที่พยายามแก้ไขปัญหาความสัมพันธ์ระหว่างร่างมนุษย์กับสภาพแวดล้อม - ภูมิทัศน์หรือภายใน โดยเริ่มตีความภาพว่าเป็นโครงสร้างสามมิติที่ลึกล้ำ ในเวลานั้น ภูมิทัศน์เหล่านี้เป็นนวัตกรรมที่ยอดเยี่ยม มีอะไรใหม่คือธรรมชาติมาอยู่แถวหน้าที่นี่ และมีรูปปั้นรวมอยู่ในทิวทัศน์ด้วย ศิลปินพยายามที่จะบอกใบ้ขอบเขตเชิงพื้นที่จากเบื้องหน้าเข้าด้านใน สีกลายเป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่เชื่อมโยงกันในภาพวาดของ Vitsa แม้จะเป็นเรื่องปกติสำหรับศตวรรษที่ 15 ความโดดเด่นของเฉดสีในท้องถิ่นศิลปินมักแนะนำโทนสีที่โดดเด่นเช่นสีเทาของผนังในการตกแต่งภายในซึ่งเชื่อมโยงสีอื่น ๆ ทั้งหมด เขายังรู้จักการใช้ฮาล์ฟโทนซึ่งมักจะปรากฏในเงามืดด้วย ทั้งหมดนี้ไม่ได้ขัดขวาง Vitsu ตามธรรมเนียมของเวลานั้น ในบางกรณีจากการใส่พื้นที่ที่เป็นทองคำเป็นพื้นหลังหรือล้อมรอบศีรษะของนักบุญด้วยรัศมีสีทอง

แนวโวหารเดียวกันยังคงดำเนินต่อไปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 Michael Pacher ปรมาจารย์แห่งรัฐ Tyrolean ใต้จากเมือง Bruneck (ประมาณ ค.ศ. 1435–1498) – จิตรกรและประติมากร ช่างแกะสลักไม้ ผลงานของเขาสองแท่นเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง - แท่นบูชาของนักบุญ โวล์ฟกัง (สร้างเสร็จในปี 1481 ในโบสถ์ของเมืองแซงต์โวล์ฟกัง) และแท่นบูชาของบรรพบุรุษของโบสถ์ (สร้างเสร็จเมื่อประมาณปี 1483 ที่มิวนิก) การค้นหาที่สรุปไว้ในผลงานของ Witz พบว่ามีความต่อเนื่องในงานของ Pacher ซึ่งก้าวขึ้นสู่ระดับที่สูงขึ้นและมีรูปแบบที่ชัดเจนยิ่งขึ้น

เพื่อการพัฒนาแนวโน้มความเป็นจริงของการวาดภาพชาวเยอรมันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ความเชื่อมโยงระหว่างปรมาจารย์แต่ละคนกับศิลปะดัตช์ซึ่งเน้นไปที่การพิชิตขั้นสูงในเวลานี้มีความสำคัญมากกว่า ในผลงานของศิลปินเหล่านี้ มีแนวโน้มไปสู่ความสมบูรณ์เชิงอุปมาอุปไมย ความเป็นระเบียบเรียบร้อยในการเรียบเรียง และการอยู่ใต้บังคับบัญชาของรายละเอียดส่วนบุคคลในภาพรวม

ปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดในตระกูลนี้คือจิตรกรแม่น้ำไรน์ตอนบนและศิลปินกราฟิก Martin Schongauer (ประมาณปี 1435–1491) ซึ่งเป็นที่รู้จักในประวัติศาสตร์ศิลปะโดยส่วนใหญ่เป็นช่างแกะสลักที่โดดเด่น ผลงานที่ดีที่สุดของ Schongauer ในฐานะจิตรกรคือ “Madonna in the Pink Arbor” (1473) ภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมันตอนต้น ศิลปินพรรณนาถึงบรรทัดฐานที่เป็นสัญลักษณ์ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของปรมาจารย์สไตล์โกธิกตอนปลาย (ซุ้มสีชมพูเป็นสัญลักษณ์ของสวรรค์) แต่ในการตีความของเขา บรรทัดฐานนี้ไม่มีสิ่งใดที่งดงามอย่างไร้เดียงสา ดังเช่นใน Lochner ภาพขาดความกลมกลืนของมาดอนน่าชาวอิตาลี ดูเหมือนเขากระสับกระส่ายและเป็นเหลี่ยมมุม ความไม่สอดคล้องกันดังกล่าวซึ่งมีอยู่ในงานชิ้นเดียวถือเป็นเรื่องปกติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของเยอรมันทั้งหมดซึ่งประกอบเป็นหนึ่งในคุณสมบัติหลัก

Schongauer ครองสถานที่สำคัญในประวัติศาสตร์ของการแกะสลักยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมัน การแกะสลักทองแดงรุ่งเรืองเริ่มขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 ก่อนหน้านี้ การแกะสลักไม้เริ่มแพร่หลาย การแกะสลักเป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นประชาธิปไตยที่สุดในเยอรมนี โดยทำหน้าที่ที่หลากหลาย ทั้งทางศาสนาและทางโลกล้วนๆ มีการกระจายอย่างกว้างขวางและได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ประชาชน ไม้แกะสลักจากศตวรรษที่ 15 ยังคงเป็นศิลปะค่อนข้างมาก ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ การแกะสลักด้วยทองแดงมีความสูงทางศิลปะอย่างมาก ปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดในยุคแรกในสาขาศิลปะนี้คือปรมาจารย์นิรนาม เล่นไพ่(ยุค 40 ของศตวรรษที่ 15) แผนที่ของเขาหลายชุดได้รับการเก็บรักษาไว้ในต้นฉบับหลายฉบับ นอกจากนี้ ยังมีงานแกะสลักอื่นๆ อีกหลายอย่างที่เขาทำเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนา ซึ่งไม่ได้ปราศจากความสง่างามและความสง่างามที่แน่นอน

Schongauer เป็นปรมาจารย์หลักคนแรกที่มีบทบาทชี้ขาดในการพัฒนาการแกะสลักแบบเยอรมันต่อไป การแกะสลักทองแดงของเขามากกว่าร้อยชิ้นยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ เช่นเดียวกับภาพวาดที่อธิบายไว้ข้างต้น Schongauer สามารถสร้างตัวเลขได้ในงานแกะสลักเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนา ภาพที่สำคัญมีลักษณะความรุนแรงและศักดิ์ศรี พวกมันเพิ่มองค์ประกอบที่สมจริงอย่างมาก และใช้การแสดงสดจำนวนมาก เราเห็นการใช้ลายเส้นเชิงเส้นแบบใหม่ที่หลากหลายมากขึ้นใน Schongauer ซึ่งเขาสามารถสร้างความลึกและความโปร่งใสของเงาได้โดยใช้เฉดสีเงินบางๆ ที่ละเอียดอ่อน เขาสร้างงานแกะสลักที่ยอดเยี่ยมมากมายในหัวข้อชีวิตของพระคริสต์และพระแม่มารี ("การประสูติของพระคริสต์", "ความรักของพวกโหราจารย์", "การถือไม้กางเขน" ฯลฯ )

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 โรงเรียนศิลปะนูเรมเบิร์กกำลังพัฒนา Michael Wolgemuth อาจารย์ของ Dürer (1434–1519) เป็นหัวหน้าการประชุมเชิงปฏิบัติการที่ผลิตแท่นบูชาแบบสั่งทำพิเศษจำนวนมาก ยังไง บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์เขาไม่ค่อยสนใจ ผลงานที่ดีที่สุดของ Wolgemut เป็นของ ช่วงต้น(แท่นบูชาโฮเฟอร์, 1405)

ความสมบูรณ์และในขณะเดียวกันก็เปลี่ยนไปสู่ขั้นตอนใหม่ของการวาดภาพชาวเยอรมันในศตวรรษที่ 15 พบในผลงานของผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Augsburg - Hans Holbein the Elder (ค.ศ. 1465–1524) ศิลปินที่มีสิทธิเช่นเดียวกันสามารถรวมอยู่ในประวัติศาสตร์ศิลปะเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 16 ผลงานในยุคแรกๆ ของโฮลไบน์ผู้เฒ่ามีสไตล์คล้ายคลึงกับภาพวาดของชาวเยอรมันในศตวรรษที่ 15 โดยสิ้นเชิง (แท่นบูชาของอาสนวิหารออกสเบิร์ก ค.ศ. 1493; แท่นบูชาของเซนต์พอล ค.ศ. 1508, เอาก์สบวร์ก) ในฐานะคุณสมบัติใหม่ เราสามารถสังเกตองค์ประกอบของความสงบและความชัดเจนบางประการ ซึ่งได้รับการปรับปรุงอย่างมากในผลงานในภายหลังของศิลปิน ซึ่งสร้างขึ้นอย่างชัดเจนในวงโคจรของเทรนด์ใหม่ ในงานยุคแรกๆ ของ Holbein the Elder โทนสีอบอุ่นและลุ่มลึกมีอิทธิพลเหนือ; ต่อมาสีจะจางลงและเย็นลง ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือแท่นบูชาของนักบุญ Sebastian (1510; มิวนิก) สร้างขึ้นในช่วงรุ่งเรืองของงานของDürer ตัวเลขที่สร้างขึ้นอย่างถูกต้อง ความสงบ การแสดงออกทางสีหน้าที่ชัดเจน ความเป็นระเบียบเชิงพื้นที่ รูปทรงพลาสติกอ่อน ลวดลายคลาสสิกในสภาพแวดล้อมทางสถาปัตยกรรม และการตกแต่งได้ถ่ายทอดงานนี้ไปสู่โลกใหม่ของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

สถานที่สำคัญทางศิลปะเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยประติมากรรม ลักษณะทั่วไปของมันตลอดจนลักษณะที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 15 เส้นทางการพัฒนาที่ใกล้เคียงกับภาพวาดของเยอรมันในสมัยนั้น แต่ในงานประติมากรรมนั้น ประเพณีแบบโกธิกนั้นให้ความรู้สึกที่เข้มแข็งยิ่งขึ้น การพัฒนาองค์ประกอบที่สมจริงที่นี่ต้องเผชิญกับการต่อต้านที่ดื้อรั้นจากแนวคิดเก่าในยุคกลาง สัญลักษณ์เชิงนามธรรมของภาพทางศาสนายังคงครอบงำอยู่ที่นี่ ระบบของท่าทางและคุณลักษณะตามแบบฉบับ และการแสดงออกทางใบหน้าแบบเดิมๆ ที่เน้นย้ำอย่างคมชัดยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ ลักษณะกอทิกเหล่านี้ยังคงมีอยู่ตลอดศตวรรษที่ 15 ซึ่งมักจะครอบงำผลงานของศิลปินแต่ละคนโดยสิ้นเชิง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภูมิภาคที่ล้าหลังกว่าของเยอรมนี

อย่างไรก็ตามแม้จะมีความมีชีวิตชีวาของประเพณีแบบกอธิคแม้แต่ในประติมากรรมของเยอรมันในศตวรรษที่ 15 การเปลี่ยนแปลงที่ยิ่งใหญ่และลึกซึ้งในจิตสำนึกของมนุษย์ที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำมาด้วยกำลังเริ่มส่งผลกระทบ การเปลี่ยนแปลงเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดสองประการเป็นหลัก ประการแรกคือรูปแบบกอทิกเก่ากลายเป็นแบบจงใจและเกินจริง ราวกับว่าเกิดจากความปรารถนาที่จะรักษาความศรัทธาแบบเก่าและศรัทธาอันสูงส่งที่ไร้เดียงสาไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม อย่างไรก็ตาม เนื่องจากมุมมองในยุคกลางถูกทำลายไปมากในเวลานี้ รูปแบบกอทิกยุคกลางที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นแบบออร์แกนิกจึงกลายมาเป็นความหมายแฝงเชิงกลและเทียม ซึ่งมักจะกลายเป็นเทคนิคการตกแต่งภายนอกล้วนๆ ซับซ้อนและไร้ความหมาย

คุณลักษณะที่สองและสำคัญที่สุดของประติมากรรมของเยอรมนีในศตวรรษที่ 15 คือการที่แต่ละบุคคลแสดงความรู้สึกโดยตรงของมนุษย์ ความสนใจของศิลปินต่อความเป็นจริงโดยรอบ และภาพลักษณ์ที่มีชีวิตของมนุษย์ ปรากฏอยู่ในนั้น (ส่วนใหญ่ในช่วงปลายศตวรรษ ). ความหมายทางศิลปะประติมากรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 15 อย่างไรก็ตาม มันเป็นอย่างชัดเจนในจุดเริ่มต้นของการทำลายล้างของระบบศิลปะยุคกลางเก่า ในการบุกรุกเข้าสู่กิจวัตรที่ตายแล้วของศิลปะคริสตจักรของการมองเห็นที่ขี้อายครั้งแรกของการยืนยันชีวิตที่จริงใจ สัญญาณแรกของการแสดงออกของความรู้สึกและความปรารถนาของมนุษย์ นำศิลปะจากสวรรค์มาสู่โลก

ช่วงที่สามแรกของศตวรรษที่ 16 เป็นช่วงที่เยอรมนีเป็นช่วงรุ่งเรืองของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซึ่งเกิดขึ้นในบรรยากาศของการต่อสู้เพื่อการปฏิวัติอันเข้มข้น เพื่อตอบสนองต่อแรงกดดันที่เพิ่มขึ้นของเจ้าชายและขุนนางต่อชาวนาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ประชากรในชนบทของเยอรมนีจึงลุกขึ้นเพื่อปกป้องผลประโยชน์ของตน ความไม่สงบของชาวนาซึ่งเกิดขึ้นโดยชนชั้นล่างในเมืองในช่วงปลายไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16 เติบโตขึ้นเป็นขบวนการปฏิวัติที่ทรงพลังซึ่งยึดครองพื้นที่อันกว้างใหญ่ของดินแดนเยอรมันตะวันตกเฉียงใต้ ในการลุกฮือหลายครั้ง ความรู้สึกต่อต้านของตำแหน่งอัศวินและจำนวนประชากรในเมืองต่างๆ พบผลลัพธ์ของพวกเขา สมัยนั้นมาถึงเมื่อชาวเยอรมันรวมตัวกันเพื่อต่อสู้กับศัตรูทั่วไป - อำนาจของเจ้าชายและนิกายโรมันคาทอลิก

ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ วิทยานิพนธ์ที่มีชื่อเสียงของลูเทอร์ต่อต้านคริสตจักรศักดินาซึ่งตีพิมพ์ในปี 1517 "มีเอฟเฟกต์เปลวเพลิงราวกับสายฟ้าฟาดใส่ถังดินปืน" การก้าวขึ้นของการปฏิวัติทำให้เกิดบุคลิกที่โดดเด่นจำนวนหนึ่ง หน้าสว่างที่สุดหน้าหนึ่งของประวัติศาสตร์เยอรมันเกี่ยวข้องกับชื่อของผู้นำที่กล้าหาญของการปฏิวัติชาวนา Thomas Münzer ผู้นำของการลุกฮือของอัศวิน Franz von Sickingen และ Ulrich von Hutten และหัวหน้าการปฏิรูปของเยอรมัน Martin Luther

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 16 ในประเทศเยอรมนีมีความเจริญรุ่งเรืองในด้านมนุษยนิยมและวิทยาศาสตร์ทางโลก ซึ่งมุ่งต่อต้านวัฒนธรรมศักดินาที่เหลืออยู่ ความสนใจในสมัยโบราณและภาษาโบราณเพิ่มขึ้น ปรากฏการณ์ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในรูปแบบที่ไม่เหมือนใครในเยอรมนี ไม่มีมุมมองทางปรัชญาที่สอดคล้องกันขนาดนั้นที่นักคิดชาวอิตาลีนำไปสู่ศรัทธาอย่างไม่มีเงื่อนไขในจิตใจของมนุษย์ ศิลปะเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 16 ปรากฏต่อเราในลักษณะเดียวกัน ถึงกระนั้นก็ยังรู้สึกได้ถึงความแตกหักในตัวเขาด้วยกำลังทั้งหมด บุคคลสำคัญที่มีความคิดสร้างสรรค์บางคนกล้าโพสท่าและแก้ไขปัญหาทางศิลปะใหม่ๆ อย่างกล้าหาญ ศิลปะในตัวอย่างที่ดีที่สุดกลายเป็นพื้นที่วัฒนธรรมที่เป็นอิสระและเป็นอิสระซึ่งเป็นหนึ่งในวิธีการทำความเข้าใจโลกซึ่งเป็นการสำแดงกิจกรรมอิสระของจิตใจมนุษย์ เช่นเดียวกับประเทศอื่นๆ ในยุโรปตะวันตก ในเยอรมนีตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 สถาปัตยกรรมฆราวาสเริ่มมีบทบาทนำ ที่อยู่อาศัยในเมือง คฤหาสน์ ศาลากลาง หรือ บ้านซื้อขาย- เป็นอาคารประเภทที่โดดเด่นในยุคนี้ ในเมืองการค้าขนาดใหญ่ของเยอรมนีซึ่งประสบความรุ่งเรืองเมื่อต้นศตวรรษที่ 16 มีการก่อสร้างจำนวนมาก

แม้ว่าสถาปัตยกรรมเยอรมันยุคเรอเนซองส์จะมีรูปแบบหลากหลาย ซึ่งเกี่ยวข้องกับการแตกตัวของประเทศและการมีอยู่ของภูมิภาคที่โดดเดี่ยวไม่มากก็น้อย แต่หลักการทั่วไปบางประการก็แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในสถาปัตยกรรมเยอรมัน ประเพณีของสถาปัตยกรรมกอทิกยุคกลางไม่ได้ตายไปในสถาปัตยกรรมเยอรมันตลอดทั้งศตวรรษ โดยทิ้งร่องรอยไว้บนโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของอาคารยุคเรอเนซองส์ในเยอรมนี

การก่อสร้างยุคเรอเนซองส์ของเยอรมันมีพื้นฐานอยู่บนหลักการสองประการ: ความได้เปรียบที่เป็นประโยชน์ในการจัดพื้นที่ภายใน และการแสดงออกและความงดงามของรูปแบบภายนอกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด แผนในฐานะหลักการจัดระเบียบที่ขาดจุดมุ่งหมายของสถาปนิก ขึ้นอยู่กับความต้องการของเจ้าของและวัตถุประสงค์ของบ้าน การฉายภาพผนัง, หอคอยที่มีรูปร่างและขนาดต่าง ๆ, หน้าจั่ว, เชิงเทิน, ซุ้มประตู, บันได, บัว, หน้าต่างหลังคา, พอร์ทัลที่ตกแต่งอย่างหรูหรา, การฉายภาพอย่างเด่นชัด, กรอบหน้าต่างที่กำหนดไว้อย่างคมชัด, ผนังโพลีโครมสร้างความประทับใจที่มีเอกลักษณ์และงดงามอย่างยิ่ง ความสนใจเป็นพิเศษคือการออกแบบตกแต่งภายในซึ่งมีจิตวิญญาณที่เข้ากับรูปลักษณ์ของอาคาร เตาผิงที่ประดับประดาอย่างหรูหรา เพดานปูนปั้นที่ออกแบบอย่างหรูหรา ผนังที่ปูด้วยไม้และมักทาสี ช่องว่างภายในบ้านเยอรมันมีความงดงามที่ในยุคนี้บ่งบอกถึงการตกแต่งภายในสไตล์บาโรกซึ่งได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในเยอรมนีในเวลาต่อมา

ในช่วงเวลาวิกฤติในประวัติศาสตร์เยอรมัน ณ ปลายศตวรรษที่ 15 เริ่มดำเนินกิจกรรม ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเยอรมนี อัลเบรชท์ ดูเรอร์ Dürer เป็นหนึ่งในผู้สร้างผู้คนที่เก่งกาจซึ่งมาในช่วงหลายปีแห่งการหมักบ่มความคิดอย่างยิ่งใหญ่ นับเป็นการเปลี่ยนผ่านสู่ยุคประวัติศาสตร์ใหม่ และด้วยความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาได้เปลี่ยนปรากฏการณ์ที่ก้าวหน้าของแต่ละบุคคลซึ่งก่อนหน้านี้กระจัดกระจายอย่างวุ่นวายและเกิดขึ้นเองตามธรรมชาติให้กลายเป็นระบบมุมมองและบูรณาการ รูปแบบทางศิลปะจากการแสดงออกถึงเนื้อหาแห่งยุคสมัยอย่างครบถ้วนและเปิดเวทีใหม่ของวัฒนธรรมของชาติ ดูเรอร์ก็เป็นหนึ่งในนั้น คนสากลยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โดยไม่ต้องเข้าร่วมกลุ่มการเมืองใด ๆ ในการต่อสู้เพื่อการปฏิวัติ Dürer ซึ่งมุ่งเน้นไปที่งานศิลปะของเขาทั้งหมด กลายเป็นหัวหน้าของขบวนการทางวัฒนธรรมอันทรงพลังที่ต่อสู้เพื่อเสรีภาพ บุคลิกภาพของมนุษย์. งานทั้งหมดของเขาเป็นเพลงสรรเสริญมนุษย์ ร่างกายและจิตวิญญาณของเขา ความเข้มแข็งและความลึกของสติปัญญาของเขา ในแง่นี้ Dürer ถือได้ว่าเป็นหนึ่งในนักมานุษยวิทยาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อย่างไรก็ตาม ภาพลักษณ์ของมนุษย์ที่เขาสร้างขึ้นนั้นแตกต่างอย่างมากจากอุดมคติของอิตาลี ซึ่งก็คืออุดมคติของเลโอนาร์โด ดา วินชี และราฟาเอล Dürer เป็นศิลปินชาวเยอรมัน และผลงานของเขาเป็นผลงานระดับชาติอย่างลึกซึ้ง เขารักผู้คนในบ้านเกิดของเขา และอุดมคติทั่วไปที่เขาสร้างขึ้นก็จำลองรูปลักษณ์ของบุคคลที่เขาเห็นรอบตัวเขา - เข้มงวด กบฏ เต็มไปด้วย ความแข็งแกร่งภายในและความสงสัย พลังงานอันแรงกล้าและการสะท้อนที่มืดมน ต่างจากความสงบและความสามัคคีที่ชัดเจน

ครูหลักของDürerในภารกิจของเขาคือธรรมชาติ นอกจากนี้เขายังได้เรียนรู้มากมายจากการศึกษาภาพคลาสสิกของสมัยโบราณและยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี ความรักและความใส่ใจต่อธรรมชาติของศิลปินแสดงให้เห็นได้จากภาพร่างจากธรรมชาติอย่างต่อเนื่อง ไม่ว่าจะเป็นใบหน้าและร่างกายของมนุษย์ สัตว์ พืช ทิวทัศน์ ตลอดจนการศึกษาเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับการศึกษาร่างมนุษย์ ซึ่งเขาอุทิศให้ ทั้งบรรทัดปี. ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะสามารถเรียนรู้อะไรที่สำคัญได้ ยกเว้นเทคนิคการวาดภาพ จากอาจารย์ของเขา Wolgemut ซึ่งไร้ขีดจำกัดและความลึกใดๆ

Albrecht Dürer เกิดในปี 1471 ในเมืองนูเรมเบิร์ก ในครอบครัวของช่างฝีมือ - ช่างทอง พ่อของDürerมาจากฮังการี Dürerได้รับการฝึกอบรมด้านศิลปะเบื้องต้นจากพ่อของเขา ในปี 1486 เขาได้เข้าไปในห้องทำงานของ Wolgemut ภายในปี 1490–1494 การเดินทางของเขาผ่านทางตอนใต้ของเยอรมนีและสวิตเซอร์แลนด์เกิดขึ้นตั้งแต่ปี 1494–1495 เขาไปเยือนเวนิส ผลงานชิ้นแรกที่มาหาเราคือภาพวาด ภาพแกะสลัก และภาพวาดบุคคลหลายภาพ ภาพแรกสุดคือภาพวาด "ภาพเหมือนตนเอง" (1484) ทำด้วยดินสอสีเงิน ด้วยความรู้สึกอันลึกซึ้งธรรมชาติถูกแทรกซึม ทิวทัศน์สีน้ำ Dürer เห็นได้ชัดว่ามีอายุย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษที่ 1490 สร้างขึ้นระหว่างการเดินรอบนูเรมเบิร์ก ระหว่างการเดินทางไปทางใต้ของเยอรมนีและสวิตเซอร์แลนด์ และบนถนนสู่เวนิส เป็นผลงานที่ใหม่มากทั้งในรูปแบบการวาดภาพสีน้ำฟรีโดยอิงจากความสมบูรณ์ของสีที่รอบคอบ และในโครงสร้างองค์ประกอบที่หลากหลาย สิ่งเหล่านี้คือ "ทิวทัศน์ของอินส์บรุค" (1494–1495; เวียนนา), "พระอาทิตย์ตก" (ประมาณปี 1495; ลอนดอน), "ทิวทัศน์ของ Trient" (เบรเมิน), "ทิวทัศน์ในฟรานโกเนีย" (เบอร์ลิน)

เมื่อเขากลับมาจากเวนิส ดูเรอร์ได้แกะสลักทองแดงและบนไม้หลายครั้ง (บนทองแดง - “ความรักเพื่อการขาย” ค.ศ. 1495–1496 “ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์กับตั๊กแตน” ราว ค.ศ. 1494–1496 “ชาวนาสามคน ” แคลิฟอร์เนีย พ.ศ. 1497 "The Prodigal Son", แคลิฟอร์เนีย พ.ศ. 1498 ภาพแกะสลักไม้ - "Hercules", "Men's Bath") ซึ่งมีการกำหนดภารกิจของนายน้อยไว้อย่างชัดเจน ภาพแกะสลักเหล่านี้ แม้ในกรณีที่เนื้อหาประกอบด้วยหัวข้อทางศาสนา ตำนาน หรือเชิงเปรียบเทียบ ส่วนใหญ่จะแสดงถึงฉากประเภทต่างๆ ที่มีลักษณะเฉพาะของท้องถิ่นที่เด่นชัด ในทั้งหมดนี้มีบุคคลที่มีชีวิตอยู่ร่วมสมัยกับ Durer ซึ่งมักเป็นชาวนามีใบหน้าที่มีลักษณะเฉพาะและแสดงออกแต่งกายด้วยชุดในสมัยนั้นและรายล้อมไปด้วยสภาพแวดล้อมหรือภูมิทัศน์ที่ถ่ายทอดอย่างแม่นยำของพื้นที่ใดพื้นที่หนึ่ง มีพื้นที่มากมายสำหรับรายละเอียดของครัวเรือน

งานแกะสลักเหล่านี้เผยให้เห็นกาแล็กซี่อันยอดเยี่ยมของผลงานกราฟิกของ Durer หนึ่งในปรมาจารย์ด้านงานแกะสลักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวงการศิลปะโลก ขณะนี้ศิลปินสามารถใช้สิ่วได้อย่างคล่องแคล่ว โดยใช้จังหวะที่แหลมคมและเป็นมุมและวิตกกังวลด้วยความช่วยเหลือในการสร้างรูปทรงที่คดเคี้ยวและตึงเครียด แบบฟอร์มถูกแกะสลักด้วยพลาสติก แสงและเงาถูกถ่ายทอด และพื้นที่ถูกสร้างขึ้น พื้นผิวของการแกะสลักเหล่านี้ด้วยการเปลี่ยนสีเล็กน้อยของสีเงินนั้นโดดเด่นด้วยความงามและความหลากหลายที่น่าทึ่ง

งานชิ้นสำคัญชิ้นแรกของDürerคือชุดงานแกะสลักไม้ขนาดใหญ่จำนวน 15 แผ่นในหัวข้อ Apocalypse (พิมพ์สองฉบับพร้อมข้อความภาษาเยอรมันและละตินในปี 1498) งานนี้ประกอบด้วยการผสมผสานที่ซับซ้อนระหว่างมุมมองยุคกลางกับประสบการณ์ที่เกิดจากเหตุการณ์ทางสังคมที่ปั่นป่วนในสมัยนั้น ตั้งแต่ยุคกลางพวกเขายังคงรักษาสัญลักษณ์เปรียบเทียบสัญลักษณ์ของภาพความซับซ้อนของแนวคิดทางเทววิทยาที่ซับซ้อนจินตนาการลึกลับ จากความทันสมัย ​​- ความรู้สึกทั่วไปของความตึงเครียดและการต่อสู้การปะทะกันของพลังทางจิตวิญญาณและวัตถุ ฉากเชิงเปรียบเทียบประกอบด้วยภาพของตัวแทนจากชนชั้นต่างๆ ในสังคมเยอรมัน การใช้ชีวิตของผู้คนจริงๆ ที่เต็มไปด้วยอารมณ์ที่กระตือรือร้นและวิตกกังวล และการกระทำที่กระตือรือร้น สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือเอกสารที่มีชื่อเสียงซึ่งแสดงภาพนักขี่ม้าสันทรายสี่คนพร้อมธนู ดาบ ตาชั่ง และโกย ซึ่งกราบผู้คนที่หนีจากพวกเขา - ชาวนา ชาวเมือง และจักรพรรดิ ไม่ต้องสงสัยเลยว่านักขี่ม้าทั้งสี่เป็นสัญลักษณ์ของพลังทำลายล้างจิตใจของศิลปิน - สงคราม โรคร้าย ความยุติธรรมอันศักดิ์สิทธิ์ และความตาย ซึ่งไม่ละเว้นทั้งคนธรรมดาและจักรพรรดิ แผ่นเหล่านี้ปกคลุมไปด้วยลวดลายเส้นที่คดเคี้ยวที่แปลกประหลาดแทรกซึมไปด้วยอารมณ์ที่ร้อนแรงดึงดูดด้วยภาพที่สดใสและพลังแห่งจินตนาการ พวกเขายังมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อทักษะของพวกเขาด้วย การแกะสลักได้รับการยกระดับที่นี่ไปสู่ระดับของงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่และยิ่งใหญ่

ในช่วงทศวรรษที่ 1490 ดูเรอร์วาดภาพที่สำคัญจำนวนหนึ่งเสร็จ ซึ่งมีภาพบุคคลที่น่าสนใจเป็นพิเศษ: ภาพพ่อของเขาสองภาพ (ค.ศ. 1490; อุฟฟิซี และ ค.ศ. 1497; ลอนดอน); “ภาพเหมือนตนเอง” (1493; พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และ 1498; ปราโด), “ภาพเหมือนของ Osvadt Krell” (1499; มิวนิก) ภาพบุคคลเหล่านี้ยืนยันทัศนคติใหม่ที่มีต่อมนุษย์ซึ่งศิลปะเยอรมันไม่เคยรู้จักมาจนบัดนี้ ศิลปินมีความสนใจในตัวบุคคลนอกเหนือจากแนวคิดด้านศาสนาและประการแรกคือบุคลิกภาพที่เฉพาะเจาะจง การถ่ายภาพบุคคลของ Dürer มีลักษณะเฉพาะตัวที่คมชัดสม่ำเสมอ Dürer รวบรวมคุณลักษณะพิเศษเฉพาะที่มีอยู่ในบุคลิกภาพของมนุษย์ทุกคน ช่วงเวลาของการประเมินโดยทั่วไปจะมองเห็นได้เฉพาะในความตึงเครียดพิเศษ ความกังวลใจ ความวิตกกังวลภายในบางอย่างเท่านั้น นั่นคือคุณสมบัติที่สะท้อนถึงสภาวะ ผู้ชายกำลังคิดในเยอรมนีในช่วงเวลาที่ยากลำบากนั้น เต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมและภารกิจที่ไม่แน่นอน

ประมาณปี ค.ศ. 1496 มีการสร้างภาพวาดสำคัญชิ้นแรกเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนาของDürer - สิ่งที่เรียกว่า Dresden Altarpiece ซึ่งตรงกลางเป็นฉากที่แมรีแสดงความรักต่อพระกุมารคริสต์ และที่ประตูด้านข้างมีร่างของนักบุญแอนโธนี และเซบาสเตียน ที่นี่เราสามารถสังเกตคุณสมบัติเดียวกันทั้งหมด: ส่วนที่เหลือของสไตล์ของศตวรรษที่ 15 แสดงในมุมมองที่ไม่ถูกต้อง รูปทรงที่แหลมคม ความน่าเกลียดโดยเจตนาของทารก และในเวลาเดียวกัน - เพิ่มความสนใจไปที่ภาพลักษณ์ของการดำรงชีวิต เป็นคนมีความคิดมีหน้าตาเฉพาะตัว

ภาพวาดชิ้นแรกโดยDürerมีความโดดเด่นด้วยสไตล์การวาดภาพที่เข้มงวด โดดเด่นด้วยรูปแบบกราฟิกที่เป็นเศษส่วน โทนสีท้องถิ่นที่ชัดเจนและเย็น แยกออกจากกันอย่างชัดเจน และการเขียนที่นุ่มนวลและระมัดระวังค่อนข้างแห้ง

ปี 1500 กลายเป็นจุดเปลี่ยนในงานของDürer อย่างหลงใหล ผู้แสวงหาความจริงจากก้าวแรกในการสร้างสรรค์งานศิลปะ บัดนี้เขามาถึงการตระหนักถึงความจำเป็นในการค้นหากฎเกณฑ์เหล่านั้นตามที่ควรเปลี่ยนความประทับใจจากธรรมชาติให้เป็นภาพศิลปะ เหตุผลภายนอกสำหรับการวิจัยที่เขาเริ่มคือการประชุมที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้และสร้างความประทับใจให้กับเขาอย่างไม่อาจต้านทานได้ ศิลปินชาวอิตาลี Jacopo de' Barbari ผู้แสดงให้เขาเห็นภาพร่างกายมนุษย์ที่สร้างขึ้นทางวิทยาศาสตร์ Dürerคว้าข้อมูลที่มอบให้เขาอย่างตะกละตะกลาม ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ความลึกลับของอุดมคติคลาสสิกของร่างมนุษย์ก็หลอกหลอนเขา เขาทุ่มเทเวลาหลายปีในการทำงานเพื่อฝึกฝนมัน ต่อมาได้สรุปผลลัพธ์ใน "หนังสือเกี่ยวกับสัดส่วน" อันโด่งดังสามเล่ม ซึ่งเป็นการรวบรวมที่เขาทำงานมากว่าสิบปีเริ่มในปี 1515

รูปลักษณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างประการแรกของภารกิจเหล่านี้คือภาพเหมือนตนเองที่มีชื่อเสียงของปี 1500 (มิวนิก, ปินาโคเทค) ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของศิลปินซึ่งแสดงถึงความเป็นผู้ใหญ่เชิงสร้างสรรค์ของเขาอย่างสมบูรณ์ องค์ประกอบทั้งหมดของการเล่าเรื่องที่ไร้เดียงสาหายไปจากภาพบุคคลนี้ ไม่มีคุณลักษณะรายละเอียดของสถานการณ์ใด ๆ ไม่มีอะไรรองที่เบี่ยงเบนความสนใจของผู้ชมไปจากภาพลักษณ์ของบุคคล ความซื่อสัตย์ในเชิงสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Dürer และความจริงใจที่ไม่เคยล้มเหลวทำให้เขาต้องแสดงความกังวลและความวิตกกังวลเล็กน้อยในภาพนี้ การขมวดคิ้วเล็กน้อย สมาธิ และการเน้นสีหน้าจริงจังทำให้ใบหน้าดูเศร้าเล็กน้อย การเปลี่ยนแปลงเต็มรูปแบบของเส้นผมที่หยิกเป็นเศษส่วนซึ่งจัดวางกรอบใบหน้านั้นกระสับกระส่าย นิ้วที่แสดงออกบางๆ ดูเหมือนจะเคลื่อนไหวอย่างประหม่า โดยเอานิ้วแตะที่ขนของปกเสื้อ

ภารกิจของDürerอยู่ในรูปแบบของการศึกษาเชิงทดลอง ระหว่างปี 1500 ถึง 1504 เขาวาดภาพร่างมนุษย์เปลือยเสร็จจำนวนหนึ่งซึ่งเขาใช้เป็นต้นแบบ อนุสาวรีย์โบราณ. จุดประสงค์ของภาพวาดเหล่านี้คือเพื่อค้นหาสัดส่วนที่เหมาะสมที่สุดของร่างกายชายและหญิง ศูนย์รวมทางศิลปะของผลการวิจัยของDürerคือการแกะสลักทองแดงของ "อาดัมและเอวา" ในปี 1504 ซึ่งร่างจากภาพวาดในสตูดิโอจะถูกถ่ายโอนโดยตรง พวกเขาถูกวางไว้ในป่าเทพนิยายและรายล้อมไปด้วยสัตว์ต่างๆ เมื่อถึงเวลานี้ Dürer เริ่มมีชื่อเสียงอย่างกว้างขวาง เขาใกล้ชิดกับกลุ่มนักวิทยาศาสตร์นักมนุษยนิยมชาวเยอรมัน - W. Pirkheimer และคนอื่น ๆ การศึกษาทางวิทยาศาสตร์ของเขากำลังดำเนินไปอย่างเต็มรูปแบบ เช่นเดียวกับเลโอนาร์โด ดา วินชี ดูเรอร์สนใจประเด็นทางวิทยาศาสตร์ที่หลากหลาย ตั้งแต่อายุยังน้อยและตลอดชีวิตเขาหันมาศึกษาพืชและสัตว์ (ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของเขาจำนวนหนึ่งพร้อมภาพสมุนไพรดอกไม้และสัตว์ต่าง ๆ ได้ถูกเก็บรักษาไว้) เขายังศึกษาการก่อสร้างและป้อมปราการด้วย

ประมาณ 1500 Dürerทำงานที่ได้รับมอบหมายอันยิ่งใหญ่หลายชิ้นจนเสร็จสมบูรณ์ ภาพแท่นบูชา Paumgartner, ภาพคร่ำครวญของพระคริสต์ (ทั้งในมิวนิก พินาโคเทค) และภาพ Adoration of the Magi (ค.ศ. 1504; ฟลอเรนซ์, อุฟฟิซี) ถือเป็นองค์ประกอบทางศาสนาชิ้นแรกที่มีลักษณะเป็นยุคเรอเนซองส์ล้วนๆ ในศิลปะเยอรมัน เช่นเดียวกับผลงานทั้งหมดของ Durer ภาพวาดเหล่านี้สะท้อนให้เห็นอย่างมากถึงความสนใจของศิลปินต่อบุคคลที่มีชีวิตในสภาพจิตใจของเขา พื้นหลังแนวนอนเต็มไปด้วยชีวิตชีวา ในช่วงปีเดียวกันนี้ Dürer เริ่มทำงานกับภาพแกะสลักไม้ชุดใหญ่สามชุด (ที่เรียกว่า "ความปรารถนาอันน้อยนิด" และ "ยิ่งใหญ่" ของพระคริสต์ และชุดฉากจากชีวิตของมารีย์) ซึ่งเขาสร้างเสร็จในเวลาต่อมามาก ทั้งสามชุดได้รับการตีพิมพ์ในรูปแบบหนังสือพร้อมข้อความที่พิมพ์ในปี ค.ศ. 1511

ภายในปี 1506–1507 หมายถึงการเดินทางครั้งที่สองของDürerไปเวนิส หลังจากผ่านเส้นทางแห่งการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ครั้งสำคัญแล้ว ศิลปินที่เป็นผู้ใหญ่ก็สามารถรับรู้ถึงความประทับใจของศิลปะยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีได้อย่างมีสติมากขึ้น ผลงานที่สร้างขึ้นโดย Dürer ทันทีหลังจากการเดินทางครั้งนี้เป็นผลงานเพียงชิ้นเดียวของปรมาจารย์ที่มีความใกล้เคียงกับเทคนิคการมองเห็นคล้ายกับตัวอย่างภาษาอิตาลีคลาสสิก นี่คือภาพวาดสองภาพที่เต็มไปด้วยสันติภาพและความสามัคคีในหัวข้อทางศาสนา - "งานฉลองลูกประคำ" (1506; ปราก) และ "Madonna and Siskin" (1506; เบอร์ลิน), "Portrait of a Venetian" (1506; เบอร์ลิน) และ "Adam และเอวา” (1507; ปราโด) ผลงานชิ้นต่อมา "Madonna and Child" (1512; Vienna) ยังคงลักษณะเดียวกันนี้ไว้ ภาพวาดทั้งหมดนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งต่างจาก Durer โดยพื้นฐานแล้วมีความสงบเป็นรูปเป็นร่าง ความสมดุลของโครงสร้างองค์ประกอบ ความเรียบของรูปทรงโค้งมน ความเรียบเนียนของการประมวลผลแบบฟอร์มพลาสติก “อาดัมและเอวา” ของมาดริดมีลักษณะพิเศษในแง่นี้เป็นพิเศษ ความเหลี่ยมมุมและความกังวลใจของร่างของDürerตามปกติหายไปจากภาพเหล่านี้ ไม่มีอะไรที่เป็นส่วนตัวหรือมีเอกลักษณ์เกี่ยวกับพวกเขา นี้ ภาพที่สมบูรณ์แบบสิ่งมีชีวิตที่สวยงามของมนุษย์ สร้างขึ้นบนหลักการของหลักการคลาสสิก กล่าวถึงความงามสูงสุดของมนุษย์ บนพื้นฐานของความสอดคล้องกันของหลักการทางกายภาพและจิตวิญญาณ ท่าทางของพวกเขาโดดเด่นด้วยความยับยั้งชั่งใจและความสง่างาม การแสดงออกทางสีหน้าของพวกเขาชวนฝัน

สไตล์นี้ไม่โดดเด่นในงานต่อมาของDürer ในไม่ช้าศิลปินก็กลับมาสู่ภาพที่คมชัดและสดใสเฉพาะตัว ซึ่งเต็มไปด้วยดราม่าและความตึงเครียดภายใน อย่างไรก็ตามขณะนี้คุณสมบัติได้รับคุณภาพใหม่ หลังจากการวิจัยทางทฤษฎีทั้งหมดที่ดำเนินการโดย Dürer หลังจากมีประสบการณ์อย่างลึกซึ้งและนำผลงานของเขากลับมาทำใหม่จากอนุสรณ์สถานแห่งยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี ความสมจริงของเขาก็เพิ่มขึ้นสู่ระดับใหม่ที่สูงขึ้น ภาพวาดและงานแกะสลักที่เป็นผู้ใหญ่และตอนปลายของ Durer ได้รับคุณลักษณะที่มีลักษณะทั่วไปและความยิ่งใหญ่ ในนั้นความเชื่อมโยงกับศิลปะกอธิคตอนปลายอ่อนแอลงอย่างมีนัยสำคัญและหลักการเห็นอกเห็นใจอย่างแท้จริงซึ่งได้รับการตีความทางปรัชญาอย่างลึกซึ้งก็แข็งแกร่งขึ้น

ในปี ค.ศ. 1513–1514 Dürer สร้างสรรค์ผลงานจำนวนหนึ่งที่ถือเป็นจุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์ของเขา สิ่งเหล่านี้เป็นหลักในการแกะสลักทองแดงสามชิ้น ได้แก่ "Horseman, Death and the Devil" (1513), "St. เจอโรม" (1514) และ "เศร้าโศก" (1514) ภาพแกะสลักขาตั้งแผ่นเล็กๆ ถูกตีความในผลงานเหล่านี้เป็นงานศิลปะชิ้นใหญ่ ตามพล็อตเรื่อง การแกะสลักทั้งสามนี้ไม่เกี่ยวข้องกัน แต่สร้างเป็นห่วงโซ่อุปมาอุปไมยเพียงเส้นเดียว เนื่องจากธีมของพวกมันเหมือนกัน สิ่งเหล่านี้ล้วนรวบรวมภาพลักษณ์ของจิตใจมนุษย์ ซึ่งแต่ละอย่างมีความแตกต่างกันเล็กน้อย

แผ่นแรก - "นักขี่ม้าความตายและปีศาจ" - เน้นย้ำถึงหลักการที่เข้มแข็งเอาแต่ใจในบุคคล สวมชุดเกราะและหมวกกันน็อค มีดาบและหอก ผู้ขับขี่ที่แข็งแกร่งและสงบขี่ม้าที่ทรงพลัง โดยไม่สนใจปีศาจน่าเกลียดที่พยายามจะจับม้าของเขา ไปสู่ความตายอันน่าสยดสยองแสดงให้เขาเห็นสัญลักษณ์ ของเวลา - นาฬิกาทรายซึ่งอยู่ใต้กะโหลกศีรษะมนุษย์วางอยู่บนพื้นด้วยเท้าม้า การเดินของม้าควบคุมไม่ได้และมั่นใจ ใบหน้าของชายคนนั้นเต็มไปด้วยความตั้งใจและสมาธิภายใน

"เซนต์. เจอโรม" รวบรวมภาพความคิดที่ชัดเจนของมนุษย์ ในห้องหนึ่งซึ่งจำลองเครื่องเรือนของบ้านเยอรมันสมัยศตวรรษที่ 16 อย่างระมัดระวัง มีชายชราคนหนึ่งซึ่งมีศีรษะล้อมรอบด้วยรัศมีแสงนั่งอยู่ที่โต๊ะ แสงอาทิตย์ส่องเข้ามาจากหน้าต่าง ทำให้ห้องเต็มไปด้วยแสงสีเงิน ความเงียบที่ไม่อาจรบกวนครอบงำ สิงโตที่เชื่องและสุนัขกำลังงีบหลับอยู่บนพื้น

ภาพที่น่าประทับใจที่สุดถูกสร้างขึ้นในการแกะสลักครั้งที่สาม - "ความเศร้าโศก" อันโด่งดัง

ในเอกสารนี้ หลักการเชิงสัญลักษณ์มีความโดดเด่นที่สุด ซึ่งก่อให้เกิดการตีความที่หลากหลายโดยนักวิทยาศาสตร์จากหลายชั่วอายุคน ในปัจจุบันเป็นการยากที่จะพูดอย่างชัดเจนว่า Durer ใส่ความหมายอะไรลงในวัตถุทั้งหมดที่นำเสนอที่นี่คุณลักษณะของวิทยาศาสตร์และการเล่นแร่แปรธาตุในยุคกลางสิ่งที่เป็นรูปหลายเหลี่ยมและทรงกลมเกล็ดและระฆังระนาบและดาบหยักนาฬิกาทรายสุนัขนอนหลับตัวเลขบน กระดานดำเขียนด้วยปากกาสไตลัสหมายถึงอามูร์ ศิลปินตีความภาพดั้งเดิมของดาวเคราะห์ดาวเสาร์อย่างไรเพื่อเปรียบเทียบเรื่องความเศร้าโศก แต่ภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่ทรงพลัง - อัจฉริยะที่มีปีกซึ่งจมอยู่ในความคิดที่เข้มข้นและลึกซึ้ง - มีความสำคัญมากซึ่งเต็มไปด้วยความรู้สึกถึงพลังอันไร้ขอบเขตของจิตวิญญาณมนุษย์จนรายละเอียดทั้งหมดเหล่านี้ถูกผลักไสไปที่พื้นหลังและความเห็นอกเห็นใจ หลักการมาถึงข้างหน้า เป็นลักษณะเฉพาะที่ความสงบภายนอกของภาพนี้ไม่ได้ซ่อนความสงบภายในไว้เบื้องหลัง การจ้องมองที่เข้มข้นของ Melancholia แสดงถึงความคิดที่หนักหน่วงจังหวะการพับเสื้อผ้าของเธออย่างไม่หยุดยั้งโลกแห่งคุณลักษณะอันน่าอัศจรรย์ที่ล้อมรอบเธอทุกด้าน - ทั้งหมดนี้เป็นเรื่องปกติของสุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน

ลักษณะทั่วไปเหล่านี้ ภาพเชิงปรัชญาเป็นผลมาจากการไตร่ตรองเป็นเวลาหลายปีของศิลปิน ซึ่งเป็นพยานถึงความรู้ที่ลึกซึ้งที่สุดของเขาเกี่ยวกับมนุษย์และชีวิต กิจกรรมของดูเรอร์ในช่วงนี้ ปีที่เป็นผู้ใหญ่ยังคงมีความหลากหลายมาก เขาแสดงภาพบุคคลมากมายในการวาดภาพ การแกะสลัก และการวาดภาพ และวาดภาพประเภทพื้นบ้านอยู่ตลอดเวลา สิ่งที่เหลืออยู่จากเขาคือภาพชาวนาทั้งชุดซึ่งส่วนใหญ่มีอายุเฉพาะในช่วงหลายปีที่ผ่านมา (การแกะสลักทองแดง - "ชาวนาเต้นรำ", 1514; "The Piper", 1514; "At the Market", 1519) ในเวลาเดียวกันเขาทำงานด้านมัณฑนศิลป์และ กราฟิกหนังสือเป็นภาพแกะสลักซุ้มประตูชัยอันยิ่งใหญ่ (ค.ศ. 1515) ที่ได้รับมอบหมายจากจักรพรรดิแม็กซิมิเลียน และตกแต่งหนังสือสวดมนต์ด้วยภาพวาดที่ขอบ (ค.ศ. 1513)

ในปี ค.ศ. 1520–1521 Dürerเดินทางผ่านเนเธอร์แลนด์ เมื่อพิจารณาจากบันทึกประจำวันอันมีความหมายของศิลปินที่เก็บรักษาไว้จากการเดินทางครั้งนี้ เขาได้พบกับจิตรกรชาวดัตช์และสนใจงานศิลปะของชาวดัตช์อย่างใกล้ชิด อย่างไรก็ตาม งานของดูเรอร์ในปีต่อๆ มาไม่ได้สะท้อนถึงอิทธิพลของศิลปะดัตช์ ในเวลานี้ สไตล์ของเขาเองถึงจุดสุดยอดของการพัฒนา และในฐานะศิลปิน เขายังคงเดินตามเส้นทางดั้งเดิมของเขาเอง

ในชุดภาพบุคคลที่น่าทึ่งซึ่งจัดทำขึ้นระหว่างปี 1510–1520 ดูเรอร์ดูเหมือนจะสรุปผลการศึกษาบุคลิกภาพของมนุษย์เป็นเวลาหลายปี หลังจากค้นหาความงามแบบคลาสสิกและพยายามที่จะสร้างบรรทัดฐานในอุดมคติ เขายังคงดึงดูดผู้คนต่อไปเหมือนที่พวกเขาอยู่ในเยอรมนีในเวลานั้น โดยหลักแล้วเป็นตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนชาวเยอรมัน - กระสับกระส่าย วิตกกังวล ขัดแย้งภายใน เต็มไปด้วยพลังความตั้งใจและ ความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณ เขาเขียนเกี่ยวกับอาจารย์ของเขา Wolgemut - ชายชราผู้อ่อนแอที่มีจมูกเป็นตะขอและใบหน้าที่ปกคลุมไปด้วยหนัง parchment (1516; Nuremberg) จักรพรรดิ Maximilian ผู้ยิ่งใหญ่และภาคภูมิใจ (1519; Vienna) ปัญญาชนรุ่นเยาว์ในยุคนั้น Bernhard von Resten ( 1521; เดรสเดน); สรุปลักษณะของ Holzgauer อย่างเชี่ยวชาญ (1526; Berlin)

ความคล้ายคลึงของแต่ละบุคคลที่กำหนดไว้อย่างชัดเจนในการถ่ายภาพบุคคลเหล่านี้ทั้งหมดจะถูกรวมเข้ากับความคิดที่สูงส่งของบุคคลอย่างสม่ำเสมอซึ่งแสดงออกในความสำคัญทางศีลธรรมพิเศษและความคิดอันลึกซึ้งที่อยู่บนใบหน้าแต่ละหน้า ไม่มีความกตัญญูแม้แต่น้อยซึ่งเป็นลักษณะของภาพเหมือนของศตวรรษที่ 15 สิ่งเหล่านี้เป็นภาพบุคคลยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทางโลกล้วนๆ ซึ่งความเป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของบุคคลครองอันดับหนึ่งและเหตุผลทำหน้าที่เป็นหลักการสากลที่รวมเป็นหนึ่งเดียว ในทุกเทคนิคที่ใช้ถ่ายภาพบุคคลที่กล่าวมาข้างต้น ตอนนี้ Dürer ทำงานได้อย่างสมบูรณ์แบบไม่แพ้กัน ในการวาดภาพเขาได้รับความนุ่มนวลและความกลมกลืนของการผสมผสานที่มีสีสันในการแกะสลัก - ความละเอียดอ่อนและความอ่อนโยนของพื้นผิวที่น่าทึ่งในการวาดภาพ - พูดน้อยและความแม่นยำของเส้นที่เข้มงวด

การค้นหาหลายปีของ Dürer ทั้งหมดพบข้อสรุปใน "อัครสาวกสี่คน" ที่ยอดเยี่ยม (1526; มิวนิก, Pinakothek) ศิลปินค้นพบการสังเคราะห์ระหว่างหลักการปรัชญาทั่วไปในการประเมินความเป็นมนุษย์และคุณสมบัติเฉพาะของบุคลิกภาพแต่ละบุคคล เมื่อสร้าง “The Apostles” Durer ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพของบุคคลที่ดีที่สุดในยุคของเขา ซึ่งเป็นตัวแทนของนักสู้ประเภทมนุษย์ในช่วงปีแห่งการปฏิวัติเหล่านั้น ก็เพียงพอแล้วที่จะมองดูใบหน้าที่เหนื่อยล้าและจดจ่อของชายชราที่มีหน้าผากของโสกราตีส - อัครสาวกเปโตรหรือจ้องมองของอัครสาวกเปาโลที่ลุกเป็นไฟด้วยไฟภายในที่กบฏเพื่อที่จะรู้สึกในปราชญ์ผู้สง่างามเหล่านี้ บุคลิกลักษณะที่สดใสของผู้คนที่มีชีวิต และในขณะเดียวกัน ภาพทั้งสี่ภาพก็เต็มไปด้วยหลักจริยธรรมอันสูงส่งข้อเดียว สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับ Durer นั่นก็คือพลังของจิตใจมนุษย์

งานของDürerไม่มีผู้สืบทอดโดยตรง แต่อิทธิพลของเขาที่มีต่อศิลปะเยอรมันนั้นยิ่งใหญ่และเด็ดขาด Dürer ไม่มีการประชุมเชิงปฏิบัติการขนาดใหญ่กับนักเรียนจำนวนมาก นักเรียนที่เชื่อถือได้ของเขาไม่เป็นที่รู้จัก สันนิษฐานว่าโดยหลักแล้วศิลปินนูเรมเบิร์กสามคนมีความเกี่ยวข้องกับเขา - พี่น้อง Hans Sebald (1500-1550) และ Bartel (1502-1540) Weham และ Georg Lenz (ประมาณ 1500-1550) ซึ่งส่วนใหญ่รู้จักกันในนามผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักขนาดเล็ก (เช่น - เรียกว่าไคลน์ไมสเตอร์ และทำงานเป็นจิตรกรด้วย) งานแกะสลักทองแดงที่มีทักษะสูง มีลักษณะเป็นฆราวาสโดยสมบูรณ์ และบ่งบอกถึงอิทธิพลอันแข็งแกร่งของการแกะสลักของอิตาลี

ความซับซ้อนของยุคซึ่งก่อให้เกิดความแตกต่างและสุดขั้วในสาขาวัฒนธรรมและศิลปะ อาจสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของ Matthias Grunewald จิตรกรร่วมสมัยของ Dürer (เสียชีวิตในปี 1528) ปรมาจารย์ผู้โดดเด่น หนึ่งในจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ในประเทศเยอรมนี เมื่อมองแวบแรกอาจดูเหมือนว่างานศิลปะของ Grunewald ทั้งในเนื้อหาเชิงอุดมการณ์และคุณสมบัติทางศิลปะนั้นอยู่นอกเส้นทางหลักในการพัฒนายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรป

อย่างไรก็ตามในความเป็นจริงไม่เป็นเช่นนั้น ความประทับใจนี้เกิดจากการที่วิธีการสร้างสรรค์ของ Grunewald แตกต่างอย่างมากจากสไตล์ร่วมสมัยของเขา ศิลปะอิตาเลียนและจากแนวโน้มคลาสสิกที่พบในผลงานหลายชิ้นของDürer แต่ในขณะเดียวกันผลงานที่สร้างโดย Grunewald ควรได้รับการประเมินว่ามีลักษณะเฉพาะมากที่สุดและอาจเป็นปรากฏการณ์ดั้งเดิมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมันในระดับประเทศมากที่สุด

ด้วยความแข็งแกร่งไม่น้อยไปกว่า Dürer Grunewald มุ่งมั่นที่จะแก้ไขปัญหาหลักในยุคของเขา และเหนือสิ่งอื่นใดคือการยกระดับพลังของมนุษย์และธรรมชาติผ่านงานศิลปะ แต่เขาไปทางอื่น ทรัพย์สินที่กำหนดในงานศิลปะของเขาคือความเชื่อมโยงทางสายเลือดที่แยกไม่ออกกับอดีตทางจิตวิญญาณของชาวเยอรมันและกับจิตวิทยาของมนุษย์ร่วมสมัยจากชนชั้นล่าง นั่นคือเหตุผลที่ Grunewald ค้นหาคำตอบสำหรับคำถามเร่งด่วนเฉพาะในขอบเขตของภาพทางศาสนาแบบดั้งเดิมที่ผู้คนคุ้นเคยและเข้าใจได้ ซึ่งเขาตีความไม่ได้ในแง่ของคริสตจักรออร์โธดอกซ์ (คาทอลิกเก่าหรือโปรเตสแตนต์ใหม่) แต่ในจิตวิญญาณของความนอกรีตที่ลึกลับ ที่โผล่ออกมาจากส่วนลึกของฝ่ายค้านของประชาชน

ภาพวาดของ Grunewald ที่สร้างจากฉากของตำนานพระกิตติคุณประกอบด้วยแนวคิดและความรู้สึกที่เข้ากันอย่างลึกซึ้งกับผู้ที่อาศัยอยู่ในช่วงเวลาที่วุ่นวายของคนธรรมดาสามัญในเยอรมนี ไม่มีศิลปินชาวเยอรมันสักคนเดียวที่สามารถแสดงออกถึงสภาวะที่ขัดแย้งกันของความวิตกกังวล ความตึงเครียด ความสยองขวัญ ความปีติยินดี และความสุข ได้อย่างที่ Grunewald ทำในผลงานของเขาด้วยพลังอันน่าทึ่งเช่นนี้

ประวัติศาสตร์ศิลปะไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับ Grunewald มาเป็นเวลานาน ชื่อของเขายังคงเหมือนเดิม เมื่อเร็ว ๆ นี้ นักวิทยาศาสตร์ได้พบเอกสารจำนวนหนึ่งที่กล่าวถึงปรมาจารย์แมทเธียสซึ่งดูเหมือนจะสวมอยู่ นามสกุลคู่ Gotthardt-Neithardt (เป็นไปได้ว่าชื่อ Gotthardt เป็นนามแฝงของศิลปิน และ Neithardt เป็นนามสกุลจริงของเขา) หากเรายอมรับว่าเอกสารอ้างอิงที่ไม่เพียงพอเหล่านี้อ้างอิงถึงศิลปินคนหนึ่ง เราจะต้องยอมรับว่าเขาเป็นปรมาจารย์ที่ทำงานใน Aschaffenburg, Seligenstadt (ทางหลัก), แฟรงก์เฟิร์ต อัม ไมน์ และเสียชีวิตใน Halle ซึ่งเป็นศิลปินในราชสำนักของ พระอัครสังฆราชอัลเบรชท์แห่งไมนซ์ สิ่งบ่งชี้ที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวข้องกับข้อเท็จจริงที่ว่า Grunewald มีความเกี่ยวข้องด้วย การลุกฮือของชาวนาและสำหรับความเห็นอกเห็นใจต่อขบวนการปฏิวัติในปี 1526 เขาจึงถูกไล่ออกจากราชการ

ผลงานของศิลปินมีโครงร่างที่ชัดเจนยิ่งขึ้น บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและสไตล์การวาดภาพของเขาสดใสมากจนสามารถระบุผลงานที่เป็นของพู่กันของเขาได้ง่าย งานหลักของ Grunewald คือผลงานแท่นบูชา Isenheim อันโด่งดัง (สร้างเสร็จเมื่อประมาณปี 1516) ซึ่งปัจจุบันตั้งอยู่ใน Colmar นี่คือโครงสร้างขนาดใหญ่ที่ประกอบด้วยภาพวาดเก้าภาพและประติมากรรมไม้สี (สร้างในปี 1505 โดยประติมากรชาวสตราสบูร์ก Nikolaus Hagenauer)

ส่วนกลางของแท่นบูชาอิเซนไฮม์คือฉากของกลโกธา ศิลปินใส่อารมณ์ที่แข็งแกร่งทั้งหมดลงในภาพนี้ พยายามโน้มน้าวผู้ชมด้วยกิจกรรมสูงสุดและเขย่าจินตนาการของเขา ใบหน้าของพระคริสต์ผู้ถูกตรึงกางเขนบิดเบี้ยวเพราะความตาย นิ้วและนิ้วเท้าเป็นตะคริว มีบาดแผลเลือดออกทั่วร่างกาย ร่างของพระมารดาของพระเจ้าอัครสาวกยอห์นและแมรีแม็กดาลีนแสดงความทุกข์ทรมานทางจิตอย่างบ้าคลั่งซึ่งแสดงออกในการเคลื่อนไหวอันสูงส่งอันเจ็บปวดของพวกเขา วิธีการหลักในการตระหนักถึงแนวคิดเฉพาะสำหรับศิลปินคือพลังในการวาดภาพอันทรงพลังโดยธรรมชาติของเขา เบื้องหลังการตรึงกางเขน ทิวทัศน์อันมืดมนและรกร้างเปิดขึ้นในตอนกลางคืน เมื่อเทียบกับพื้นหลัง ร่างต่างๆ จะนูนออกมาราวกับยื่นออกมาจากภาพ เลือดไหลผ่านพระกายของพระคริสต์จากบนลงล่าง เสียงสะท้อนที่แปลกประหลาดคือสีแดงหลายเฉดในเสื้อผ้าของร่างที่ยืน แสงลึกลับที่ไม่จริงแผ่ออกมาจากร่างที่ถูกตรึงกางเขนทั่วทั้งภาพ

การออกแบบแท่นบูชาอิเซนไฮม์โดดเด่นด้วยความลึกเป็นพิเศษ ภาพลักษณ์ของความทุกข์ทรมานของมนุษย์ได้รับการยกระดับไปสู่ระดับความคิดเชิงปรัชญาทั่วไป ฟังดูเหมือนเป็นการแสดงออกถึงความโศกเศร้าของมวลมนุษยชาติซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความทุกข์ทรมานทั่วประเทศ พลังอันน่าประทับใจของผลงานของ Grunewald นี้เพิ่มขึ้นจากข้อเท็จจริงที่ว่า ควบคู่ไปกับพลังแห่งความรู้สึกของมนุษย์ มันรวบรวมพลังแห่งองค์ประกอบของธรรมชาติ ซึ่งระเบิดเข้าไปในแต่ละฉากที่ศิลปินนำเสนอ

แนวคิดเรื่องชัยชนะของแสงสว่างเหนือความมืดและความรู้สึกชื่นชมยินดีนั้นแสดงออกมาอย่างมีพลังไม่น้อยในฉากของแท่นบูชาอิเซนไฮม์ สิ่งนี้ชัดเจนเป็นพิเศษในองค์ประกอบที่นำเสนอการถวายพระเกียรติแด่พระมารดาของพระเจ้า รังสีสีทองตกลงมาจากท้องฟ้าสู่ร่างของแมรี่และทารก ทูตสวรรค์ร้องเพลงและเล่นเครื่องดนตรีสรรเสริญพวกเขาด้วยเพลงอันสนุกสนาน สีรุ้งระยิบระยับบนเสาที่มีลวดลายประณีตและงานแกะสลักของอาคารโบสถ์หลังงามสง่า ซึ่งอยู่ตรงหน้าพระมารดาแห่งพระเจ้าประทับอยู่ ภูมิทัศน์เทพนิยายที่สดใสเปิดไปทางขวา

ฉาก “การฟื้นคืนพระชนม์ของพระคริสต์” น่าทึ่งมาก การเริ่มต้นที่สดใสก็มีชัยชนะเช่นกัน ที่นี่ Grunewald บรรลุผลที่งดงามเป็นพิเศษ พระวรกายของพระคริสต์ดูเหมือนจะสลายไปโดยสลายไปในรังสีแห่งแสงที่เล็ดลอดออกมาจากตัวมันเอง รัศมีดอกไม้ที่ล้อมรอบร่างประกอบด้วยโทนสีเหลือง สีแดง และสีเขียว ทำลายสีน้ำเงินเข้มของยามค่ำคืนอย่างทะลุปรุโปร่งราวกับมีชัยชนะเหนือมัน

งานที่สงบและสมดุลที่สุดของ Grunewald ย้อนหลังไปถึงช่วงปลายของงานของเขาคือ "การประชุมของนักบุญ" เอราสมุสและมอริเชียส" (1521–1523; มิวนิก) กรุเนวาลด์อนุญาตให้มีการประชุมตามประเพณีบางอย่าง เช่น รัศมีสีทองรอบๆ ศีรษะของนักบุญหรือคุณลักษณะของการพลีชีพในมือของเอราสมุส ขณะเดียวกัน กรุเนวาลด์ก็บรรยายภาพนี้ว่าเป็นฉากชีวิตของการพบกันระหว่างคนสองคนที่แต่งตัวหรูหรากับความเป็นปัจเจกบุคคลและการแสดงออก ใบหน้า ในรูปของพระสังฆราชผู้สง่างาม แต่งกายด้วยเสื้อคลุมผ้าทอสีทองแวววาว เขารวบรวมรูปลักษณ์ของผู้อุปถัมภ์ อาร์คบิชอป อัลเบรชท์ ; ใบหน้าของชายผิวดำก็ถูกคัดลอกมาจากชีวิตเช่นกัน

ในบรรดาผลงานอื่นๆ ของ Grunewald ผลงานที่โดดเด่นที่สุดในปี 1503 ได้แก่ “The Flagellation of Christ” (มิวนิค), “The Crucifixion” (Basel), “St. ซิเรียคัสและนักบุญ Lawrence" (แฟรงก์เฟิร์ต อัม ไมน์), "มาดอนน่า" (1517/19, โบสถ์ใน Stuppach) ภาพวาดของเขาจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นทักษะชั้นหนึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้โดยเป็นตัวแทนเป็นหลัก วัสดุเตรียมการสำหรับภาพวาดตลอดจนภาพร่างของศีรษะและร่างของแต่ละบุคคล

เป็นการเคลื่อนไหวพิเศษของยุคเรอเนซองส์ของเยอรมันที่โดดเด่นด้วยความเด่นชัด เอกลักษณ์ประจำชาติเป็นผลงานของปรมาจารย์ของโรงเรียนที่เรียกว่าแม่น้ำดานูบ ซึ่งนำโดยอัลท์ดอร์เฟอร์ ศิลปะของศิลปินเหล่านี้ยังแสดงให้เห็นถึงความไม่มั่นคงของศิลปะเยอรมันอีกด้วย วัฒนธรรมเจ้าพระยาศตวรรษ โดยส่วนใหญ่อาศัยอยู่กับสิ่งที่หลงเหลืออยู่ของอดีต ผสมผสานมุมมองใหม่ๆ ของโลกที่สมเหตุสมผลตามความเป็นจริงเข้ากับแนวคิดที่สับสนและไร้เหตุผล

Albrecht Altdorfer (ประมาณ ค.ศ. 1480–1538) ทำงานในเรเกนสบวร์ก ไม่มีผลงานใดรอดมาได้ตั้งแต่ช่วงปีแรก ๆ ของชีวิตทางศิลปะของเขา ในช่วงวัยผู้ใหญ่ เขากลายเป็นปรมาจารย์ที่มีสไตล์สร้างสรรค์ที่สดใสและเป็นต้นฉบับ ความเรียบง่ายไร้เดียงสาของความรู้สึกและความสัมพันธ์ของมนุษย์ที่ไม่ได้รับการปรุงแต่ง แต่งแต้มด้วยความสุขุมของชาวเมือง อยู่ร่วมกันในผลงานของเขาด้วยสัมผัสของความโรแมนติกและบทกวีที่แปลกประหลาด นิทานพื้นบ้าน. ภาพที่ดีที่สุดของ Altdorfer คือภาพที่ใช้พื้นที่ในแนวนอนมากที่สุด

ในภาพวาดจำนวนหนึ่ง ศิลปินเผยให้เห็นฉากหลังของฉากธรรมชาติอันน่าทึ่งที่มีเนื้อหาตามตำนานหรือในพระคัมภีร์ เปรียบได้กับเรื่องสั้นเล็กๆ ที่เต็มไปด้วยรายละเอียดในชีวิตประจำวันหรือที่น่าอัศจรรย์หลายร้อยรายการ เขาสร้างองค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่ซับซ้อน

ซึ่งเขาใช้เอฟเฟกต์แสงอย่างเชี่ยวชาญ ผลงานของอัลท์ดอร์เฟอร์ได้รับการยอมรับอย่างง่ายดายด้วยสไตล์การถ่ายภาพพิเศษของพวกเขา อาจารย์ทำงานด้วยแปรงบาง ๆ ใช้ลายเส้นที่คมชัดและประหม่า พื้นผิวของภาพวาดของเขาค่อนข้างแห้งและมีหลากสีเป็นประกายด้วยจุดสีเขียว แดง เหลืองและน้ำเงิน

คุณสมบัติหลักของงานของอัลท์ดอร์เฟอร์ได้รับการเปิดเผยอย่างสมบูรณ์ในผลงานยุคแรก ๆ ของเขาที่มาหาเรา - "พักผ่อนบนเครื่องบินสู่อียิปต์" (1510; เบอร์ลิน) แนวเพลงที่เรียบง่ายถูกถักทอเข้ากับฉากที่แปลกประหลาดของนิทานพื้นบ้าน ฉากกลางคืนของภาพวาด "The Nativity of Christ" ของอัลท์ดอร์เฟอร์ (1512; เบอร์ลิน) ให้ความรู้สึกถึงบทกวีโรแมนติก แสงไฟยามค่ำคืนถูกถ่ายทอดอย่างเชี่ยวชาญ ซากปรักหักพังของอาคารอิฐที่ปกคลุมไปด้วยดอกไม้และสมุนไพร ที่ซึ่งแมรี ลูกน้อย และโจเซฟพบที่พักพิง ได้รับแสงสว่างจากเงาสะท้อนสีเหลืองของแสงจันทร์ เหล่าเทวดาที่สดใสโฉบเฉี่ยวอยู่ในท้องฟ้าอันมืดมิด ใน Susanna's Bathing (1526; มิวนิก) Altdorfer ได้สร้างพระราชวังอาคารอันน่าอัศจรรย์หลายชั้นซึ่งมีบันไดลงสู่ระเบียงที่ล้อมรอบด้วยราวบันไดซึ่งมีร่างเล็ก ๆ มากมาย ในเบื้องหน้าใต้ร่มเงาของต้นไม้อันงดงามคือวีรบุรุษแห่งตำนานในพระคัมภีร์ รูปแบบอื่นของธีมคริสต์มาสมอบให้โดย “Holy Night” (เบอร์ลิน) (ป่วย 343)

ผลงานศิลปะเยอรมันที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวแห่งศตวรรษที่ 16 สามารถพิจารณาภาพวาดของอัลท์ดอร์เฟอร์เรื่อง "The Battle of Alexander the Great with Darius" (1529; มิวนิก) ซึ่งในการออกแบบแสดงถึงบางสิ่งที่คล้ายกับภูมิทัศน์ของจักรวาล เบื้องหน้าทั้งหมดของภาพเต็มไปด้วยกองทหารต่อสู้ที่เต็มไปด้วยความเคลื่อนไหว พลม้าพร้อมธงและหอก ด้านหลังพวกเขาเปิดภูมิทัศน์อันกว้างใหญ่ซึ่งศิลปินดูเหมือนจะพยายามรวบรวมภาพลักษณ์ของจักรวาลทั้งหมด ขอบฟ้าที่สูงช่วยให้คุณมองเห็นระยะทางอันกว้างใหญ่ทั้งทะเลและแม่น้ำ ภูเขา ป่าไม้ และอาคารต่างๆ ท้องฟ้าถูกทะลุด้วยลำแสงที่ส่องให้เห็นโครงร่างอันแปลกประหลาดของก้อนเมฆ และทำให้เกิดจุดสว่างบนพื้นดินที่เน้นอย่างคมชัด แต่ละส่วนทิวทัศน์และร่างมนุษย์

ภูมิทัศน์ป่าไม้ของ Altdorfer เป็นนวัตกรรมใหม่อย่างสมบูรณ์ ภาพวาดเล็กๆ เหล่านี้สร้างขึ้นด้วยเทคนิคที่แทบจะจิ๋ว มีเสน่ห์เป็นพิเศษ ในภาพยนตร์เรื่อง “เซนต์. George in the Forest" (1510; มิวนิก) ศิลปินพรรณนาถึงป่าทึบอันน่าทึ่งที่มีต้นไม้ขนาดมหึมาปกคลุมทั่วทั้งท้องฟ้า รูปปั้นขนาดเล็กของนักบุญ จอร์เจียบนหลังม้าถูกดูดซับโดยป่าอายุหลายศตวรรษที่กำลังเข้ามาหาเธอ ระยะสีน้ำเงินเข้มมองเห็นได้ผ่านช่องว่างแคบๆ ระหว่างลำต้น พุ่มไม้ป่าส่องแสงระยิบระยับด้วยเฉดสีเขียว น้ำเงิน และแดง ใบไม้แต่ละใบได้รับการร่างไว้อย่างรอบคอบและเชี่ยวชาญ

อัลท์ดอร์เฟอร์ทำงานอย่างกว้างขวางและมีประสิทธิผลในสาขาการแกะสลัก ผลิตงานแกะสลักไม้ และการแกะสลักทองแดง สิ่งที่น่าสนใจคืองานแกะสลักไม้หลากสีของเขาซึ่งพิมพ์จากกระดานหลายแผ่น (เช่น "มาดอนน่า") ใน ปีต่อมาเขาใช้เทคนิคการแกะสลักได้สำเร็จ ภูมิทัศน์แกะสลักของเขาโดดเด่น โดดเด่นด้วยความเบาและพื้นผิวที่ละเอียดอ่อน

ในบางแง่มุมของงานของเขา และเน้นไปที่ความสนใจในธรรมชาติเป็นหลัก ลูคัส ครานัค จิตรกรที่ใหญ่ที่สุดแห่งแซกโซนีก็เข้ามาหาอัลท์ดอร์เฟอร์ Cranach (1472–1553) เกิดที่เมือง Cronach ในฟรานโกเนีย เรารู้เพียงช่วงปีแรกๆ ของชีวิตของศิลปินในช่วงปี 1500–1504 เขาอยู่ในเวียนนา ในปี 1504 Cranach ได้รับเชิญไปที่ Wittenberg ไปที่ศาลของผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาวแซ็กซอน Frederick the Wise จากนั้นเขาก็ทำงานในศาลของผู้สืบทอดของเขาจนกระทั่งบั้นปลายชีวิต ใน Wittenberg Cranach ครอบครองตำแหน่งของชาวเมืองผู้มั่งคั่งที่มีชื่อเสียงซึ่งทำหน้าที่เป็นเจ้าเมืองของเมืองซ้ำแล้วซ้ำเล่ายืนอยู่ที่หัวหน้าของการประชุมเชิงปฏิบัติการที่กว้างขวางซึ่งสร้างผลงานจำนวนมากซึ่งเป็นผลมาจากการที่ไม่สามารถแยกแยะได้เสมอไป ภาพวาดที่แท้จริงศิลปินเอง

Cranach มีเงื่อนไขที่เป็นมิตรกับลูเทอร์และแสดงผลงานของเขาหลายชิ้น ผลงานวัยเยาว์ของศิลปินไม่รอด ในงานแรกสุดที่มาหาเรา โดยหลักแล้วในงานแกะสลัก เราสามารถสังเกตสัญญาณของความเชื่อมโยงของ Cranach กับประเพณีโกธิคตอนปลาย (ภาพแกะสลักไม้ปี 1502–1509 - "การตรึงกางเขน"; "นักบุญเจอโรม", "สิ่งล่อใจของนักบุญ" . แอนโทนี่” ) พวกเขายังไม่มีโครงสร้างเปอร์สเปคทีฟที่ถูกต้อง มีรายละเอียดมากเกินไป รูปภาพมีองค์ประกอบของแฟนตาซี ดูเหมือนว่าภาพวาดจะประกอบด้วยเส้นโค้งที่สลับซับซ้อน

อย่างไรก็ตามในผลงานเหล่านี้บุคลิกลักษณะทางศิลปะของ Cranach ได้รับการระบุว่าเป็นหนึ่งในตัวแทนลักษณะเฉพาะของยุคเรอเนซองส์ของเยอรมันในยุคDürer งานของเขาแม้จะมีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนาและเทพนิยายมากมาย แต่ก็เต็มไปด้วยความรู้สึกทันสมัย ตลอดอาชีพของเขา ศิลปินแสดงความสนใจอย่างมากต่อผู้คนในยุคของเขา: เขาสนใจแนวภาพบุคคลเป็นพิเศษ สนใจวิถีชีวิตของชนชั้นต่างๆ และให้ความสนใจเป็นพิเศษกับเครื่องแต่งกายและรายละเอียดในชีวิตประจำวัน เราพบธีมและโครงเรื่องของ Cranach ที่สร้างขึ้นจากแนวคิดของนักมานุษยวิทยาร่วมสมัย

ความเอาใจใส่ต่อธรรมชาติเป็นลักษณะของปรมาจารย์โดยเริ่มจากผลงานแรกสุดที่มาถึงเรา ภูมิทัศน์มีบทบาทสำคัญในภาพวาดเบอร์ลินอันโด่งดังของเขาเรื่อง "Rest on the Flight to Egypt" ปี 1504 ที่นี่เราจะพบกับภาพที่สดใสที่สุดของธรรมชาติพื้นเมืองของ Cranach ป่าทางตอนเหนือแสดงให้เห็นอย่างสมจริง โดยล้อมรอบแมรี่และพระกุมารและโจเซฟอย่างใกล้ชิดซึ่งอยู่ในพื้นที่โล่งที่ออกดอก เช่นเดียวกับอัลท์ดอร์เฟอร์ Cranach ถ่ายทอดรายละเอียดทั้งหมดของภูมิทัศน์ด้วยความรัก ไม่ว่าจะเป็นต้นไม้ ดอกไม้ หญ้า เขาแนะนำองค์ประกอบของการเล่าเรื่องประเภทต่างๆ ในการตีความตำนานพระกิตติคุณ โดยผลักไสเนื้อหาทางศาสนาให้เป็นเบื้องหลัง นอกจากนี้เขายังแยกจากวิธีการตีความเชิงศิลปะแบบดั้งเดิมของพล็อตเรื่องคริสตจักรใน "การตรึงกางเขน" ปี 1503 (มิวนิก)

ภาพพิมพ์แกะไม้ที่สร้างโดย Cranach นั้นน่าสนใจอย่างยิ่ง โดยจำลองฉากจากชีวิตของสมาคมราชสำนักแห่ง Wittenberg (เอกสารจำนวนหนึ่งจากปี 1506–1509 แสดงถึงการแข่งขันของอัศวิน การล่ากวาง นักขี่ม้า ฯลฯ) ลวดลายที่ศิลปินสังเกตเห็นในราชสำนักของผู้มีสิทธิเลือกตั้งวิตเทนเบิร์กก็ถูกแนะนำให้รู้จักกับภาพวาดและองค์ประกอบภาพกราฟิกในหัวข้อทางศาสนาและตำนานอย่างต่อเนื่อง

คุณสมบัติที่สำคัญอย่างหนึ่งของ Cranach ก็คือเขาเป็นคนเหล่านั้น ศิลปินชาวเยอรมันศตวรรษที่ 16 ซึ่งแสดงความสนใจในความสำเร็จของคนร่วมสมัย ศิลปะคลาสสิกอิตาลี. ในผลงานหลายชิ้นของเขา Cranach หันไปใช้เทคนิคคลาสสิกในการสื่อถึงอวกาศและการตีความรูปร่างของมนุษย์ เขาสร้างภาพของมาดอนน่าซึ่งมีรูปแบบคล้ายกับนางแบบชาวอิตาลี (“Mary and Child”, Wroclaw) แนะนำองค์ประกอบของสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์ให้เป็นองค์ประกอบที่เป็นรูปเป็นร่าง (“แท่นบูชา”

เซนต์. แอนนา", แฟรงค์เฟิร์ต) พยายามรวบรวม สัดส่วนที่สมบูรณ์แบบร่างกายเปลือย (“วีนัส”, 1509; เลนินกราด) อย่างไรก็ตาม ทัศนคติของ Cranach ต่อตัวอย่างศิลปะคลาสสิกที่เขาใช้นั้นไม่สร้างสรรค์เท่าของDürer ในภาพยนตร์ประเภทนี้ เขามักจะไม่เกินการทำซ้ำสูตรอาหารสำเร็จรูปซ้ำๆ อย่างไร้เดียงสา แต่ผลงานที่ดีที่สุดของ Cranach นั้นโดดเด่นด้วยความซับซ้อนที่แปลกประหลาด จังหวะที่สงบของรูปทรงโค้งมนที่นุ่มนวลบางครั้งลูบไล้ดวงตาด้วยการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น รายละเอียดอันประณีตดึงดูดความสนใจของผู้ชม ศิลปินเผยให้เห็นความรู้สึกอันละเอียดอ่อนของสี หลีกเลี่ยงคอนทราสต์ของสีที่คมชัด Cranach รู้วิธีสร้างการผสมผสานโทนสีที่สวยงาม ตัวอย่างคือเพลง "Madonna and Child" ของมอสโก ซึ่งพุ่มไม้เขียวขจีสีเข้มก่อให้เกิดคอร์ดที่มีสีสันสวยงาม โดยมีแถบสีเขียวอ่อนของทิวทัศน์พื้นหลังและระยะห่างสีน้ำเงิน-

สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือภาพวาดของ Cranach ซึ่งสร้างโดยปรมาจารย์ในช่วงต้นและช่วงกลางของการสร้างสรรค์ของเขา สิ่งเหล่านี้เผยให้เห็นคุณสมบัติที่สมจริงของงานศิลปะของเขาอย่างชัดเจนที่สุด หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดคือ "ภาพเหมือนของพ่อลูเธอร์" (1530; Wartburg) นี่คือภาพที่สดใสของผู้ชายที่มีใบหน้าที่แสดงออกเป็นพิเศษ ความสำเร็จสูงสุดของงานศิลปะภาพเหมือนของ Cranach คือภาพโปรไฟล์ของลูเทอร์ (ค.ศ. 1520–1521 การแกะสลักทองแดง) มันถูกสร้างขึ้นในช่วงเวลาแห่งความใกล้ชิดที่สุดระหว่าง Cranach และหัวหน้าฝ่ายปฏิรูป ศิลปินสร้างภาพลักษณ์ที่เรียบง่ายและจริงจังของบุคคลที่ไม่พบในงานศิลปะของเขาอีกต่อไป

แต่ตั้งแต่ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 16 แล้ว กระแสอื่น ๆ กำลังเติบโตในงานของอาจารย์

ในภาพวาดของเขาจำนวนหนึ่งเกี่ยวกับธีมทางศาสนาตั้งแต่ปี 1515–1530 รวมถึงในภาพวาดบุคคล เราสามารถสังเกตความปรารถนาของเขาที่จะทำตามแม่แบบที่รู้จักกันดีของร่างมนุษย์ - สง่างาม น่ารัก และธรรมดา ในช่วงปีแห่งปฏิกิริยาที่เพิ่มขึ้น ซึ่งตรงกับช่วงยี่สิบปีที่ผ่านมาในชีวิตของ Cranach บรรทัดนี้มีความสำคัญในงานของเขา เทคนิคการตกแต่งภาพมาก่อน การทาสีกลายเป็นสิ่งเล็กน้อยและแห้ง

Hans Holbein the Younger (1497-1543) หนึ่งในปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน มีความเกี่ยวข้องกับเอาก์สบวร์กในช่วงแรกของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา

Holbein เป็นศิลปินที่มีประเภทและอารมณ์แตกต่างไปจาก Durer อย่างสิ้นเชิง ในฐานะคนรุ่นต่อไป ซึ่งเป็นลูกชายและลูกศิษย์ของจิตรกรที่รับเอาเส้นทางของยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงมาใช้เป็นส่วนใหญ่ Holbein มีความเชื่อมโยงกับประเพณีในยุคกลางน้อยกว่าDürerมาก ตั้งแต่อายุยังน้อยเขาตื้นตันใจกับแนวคิดใหม่ทางโลก ทัศนคติที่น่าขันต่อคริสตจักรเก่า ความสนใจในสมัยโบราณ ความรักในความรู้ เพราะหนังสือแสดงถึงขั้นตอนการสร้างสรรค์ก้าวแรกของเขา เมื่ออายุได้สิบเจ็ดหรือสิบแปดปี Holbein พร้อมด้วย Ambrosius น้องชายของเขาซึ่งเป็นศิลปินที่เสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆจากไป บ้านเกิดและย้ายไปบาเซิล ที่นี่เขาพบว่าตัวเองอยู่ในแวดวงของเอราสมุสแห่งรอตเตอร์ดัมซึ่งขณะนั้นอยู่ในบาเซิลทันที บาเซิลในขณะนั้นเป็นเมืองมหาวิทยาลัยและเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่สำคัญ ทิศทางของงานศิลปะของ Holbein ถูกกำหนดที่นี่อย่างรวดเร็ว เขาพิสูจน์ตัวเองทันทีว่าเป็นจิตรกรภาพเหมือนคนสำคัญ เป็นปรมาจารย์หนังสือที่โดดเด่น และมัณฑนากรที่ยอดเยี่ยม เขาหันไปหาธีมทางศาสนาไม่บ่อยนักกว่าศิลปินคนอื่น ๆ ในขณะที่เหนือกว่าพวกเขาในการตีความแผนการทางโลกล้วนๆ

เส้นทางสร้างสรรค์ของ Holbein โดดเด่นด้วยความชัดเจนและแน่นอน ในงานเยาวชนตอนต้นของเขาเช่นในภาพวาดของนายอำเภอเมืองบาเซิลเมเยอร์และภรรยาของเขาในปี 1516 (บาเซิล) ทัศนคติที่เป็นลักษณะเฉพาะของเขาที่มีต่อมนุษย์นั้นแสดงออกมาอย่างเต็มที่ ลักษณะของความกลมกลืน ความสมดุล และความเงียบสงบทั้งภายในและภายนอก ซึ่ง Dürer แสวงหาอย่างเจ็บปวด กลายมาเป็นพื้นฐานของภาพลักษณ์ของ Holbein ได้อย่างง่ายดายและเป็นธรรมชาติ

คุณสมบัติที่ดีที่สุดของงานศิลปะของ Holbein ปรากฏชัดอยู่แล้วในช่วงต้นยุคบาเซิลของงานของเขา ตัวอย่างที่ดีในแง่นี้คือภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงของ Boniface Amerbach นักมนุษยนิยมรุ่นเยาว์ (1519; Basel) ซึ่งเป็นหนึ่งในภาพบุคคลที่ดีที่สุดของ Holbein ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความน่าดึงดูดทั้งหมดของความสมจริงที่สมดุลและแข็งแกร่งของเขา งานนี้สร้างภาพลักษณ์ของตัวแทนปัญญาชนชาวยุโรปยุคใหม่ซึ่งเกิดจากอำนาจของคริสตจักร ได้รับการพัฒนาอย่างครอบคลุม มีร่างกายที่สวยงามและสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณ ล้อมรอบด้วยรัศมีแห่งความสูงส่งพิเศษ ภาพบุคคลนี้จัดองค์ประกอบได้ดีมาก ลำต้นของต้นไม้และกิ่งโอ๊กที่อยู่ด้านหลังไหล่ของ Amerbach แนบกับท้องฟ้าทำให้ภาพดูโปร่งสบายเป็นพิเศษ

Holbein เป็นหนึ่งในศิลปินกราฟิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยความสดชื่นไม่เสื่อมคลาย สิ่งที่ดีเป็นพิเศษคือภาพร่างภาพบุคคลจำนวนมากที่เขาทำตลอดชีวิต ช่วงปีแรก ๆ ได้แก่ ภาพวาดที่ยอดเยี่ยม "Portrait of Paracelsus" (1526) และ "Portrait of an Unknown Man" (ราวปี 1523) ซึ่งเขียนด้วยดินสอสีดำและดินสอสี ด้วยพลังอันล้ำลึกและในขณะเดียวกันก็ด้วยความสง่างาม ความแม่นยำ และอิสรภาพ สิ่งเหล่านี้จึงเรียกได้ว่าเป็นนวัตกรรมอย่างแท้จริง

ตัวละครขั้นสูงของงานศิลปะของ Holbein ที่มีความแข็งแกร่งอย่างมาก ในปี ค.ศ. 1516–1529 นอกจากนี้ Holbein ยังทำงานอย่างหนักในการตกแต่งหนังสือ โดยสร้างชื่อ บทความสั้น กรอบ และชื่อย่อมากมายสำหรับวรรณกรรมแนวมนุษยนิยมและแนวปฏิรูปในเวลาต่อมา ในนั้นเขาทำหน้าที่เป็นมัณฑนากรชั้นหนึ่งโดยตระหนักดีถึงเครื่องประดับคลาสสิกและในขณะเดียวกันก็เป็นช่างเขียนแบบที่เชี่ยวชาญศิลปะการวาดภาพร่างที่เปลือยเปล่า ศิลปะของ Holbein ในฐานะมัณฑนากรดึงดูดความสนใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน ผลงานชิ้นแรกสุดที่ได้รับมอบหมายของศิลปินประเภทนี้ (ค.ศ. 1515) คือภาพวาดบนโต๊ะ (ถูกเก็บไว้ในสภาพทรุดโทรมในพิพิธภัณฑ์ซูริก) บนพื้นผิวซึ่งมีการนำเสนอฉากที่น่าขบขันในชีวิตประจำวันและภาพเชิงเปรียบเทียบจำนวนหนึ่ง ระหว่างปี 1521 ถึง 1530 โฮลไบน์วาดภาพฝาผนังอนุสาวรีย์หลายชิ้นโดยได้รับมอบหมายจากเจ้าหน้าที่เมืองบาเซิลและชาวเมืองบาเซิลและลูเซิร์น

Holbein ยังทิ้งปากกาและภาพวาดสีน้ำระดับเฟิร์สคลาสจำนวนมากสำหรับการวาดภาพบนหน้าต่าง ซึ่งสร้างขึ้นจากพลาสติก อิสระและง่ายดาย โดดเด่นด้วยการปลดปล่อยอย่างสมบูรณ์จากความแข็งแกร่งและเหลี่ยมมุมของยุคกลาง

ในช่วงปีบาเซิลเดียวกันนี้ มีภาพวาดของโฮลไบน์จำนวนหนึ่งที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนา "มาดอนน่าของนายกเทศมนตรีเมเยอร์" อาจเป็นงานประพันธ์ทางศาสนาที่มีความเป็นอิตาลีมากที่สุดในศิลปะยุคเรอเนซองส์ของเยอรมัน สิ่งนี้เห็นได้จากความสามัคคีที่ชัดเจนและค่อนข้างไม่แยแสการก่อสร้างที่สมมาตรโดยมีร่างหลักที่ไฮไลต์อยู่ตรงกลางและมีร่างจำนวนเท่ากันที่ด้านข้างประเภทในอุดมคติของพระมารดาของพระเจ้าและพระบุตรเสื้อผ้าพับตรงอย่างใจเย็นครุ่นคิด ความสม่ำเสมอของการผสมสีสัน

ในปี 1526 Holbein ได้เดินทางไปอังกฤษเป็นครั้งแรก เช่นเดียวกับศิลปินชาวเยอรมันในยุคนั้นเขาเดินทางบ่อยมาก เห็นได้ชัดว่าเขาอยู่ในอิตาลีสองครั้ง - ในปี 1518–1519 และอาจเป็นไปได้ในปี 1530–1531; พระองค์เสด็จเยือนฝรั่งเศสและเนเธอร์แลนด์ ครั้งนี้เขาอยู่ที่อังกฤษเป็นเวลาสองปี เมื่อใกล้ชิดกับโธมัส มอร์ เขาจึงได้รับการแนะนำให้เข้าสู่แวดวงปัญญาชนชาวอังกฤษที่สูงที่สุด ระหว่างปี 1526 ถึง 1528 เขาทำงานเสร็จหลายอย่างในลอนดอน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1527 เป็นต้นมา ภาพวาดปากกาเตรียมการสำหรับภาพวาดที่ยังไม่เกิดขึ้นจริงได้รับการเก็บรักษาไว้ โดยแสดงให้เห็นภาพครอบครัวใหญ่ของโธมัส มอร์ (บาเซิล) ในปีเดียวกันนั้น Holbein วาดภาพ Thomas More ด้วยตัวเอง (นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ Frick) และในปี 1528 เขาได้วาดภาพเหมือนของ Kratzer นักดาราศาสตร์ชาวเยอรมัน (ปารีส)

ในปี ค.ศ. 1528 ฮอลไบน์เดินทางกลับบาเซิล อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้ถูกกำหนดให้อยู่ที่นี่เป็นเวลานาน ในปี ค.ศ. 1528–1529 เหตุการณ์ต่างๆ ที่เกิดขึ้นในเมืองซึ่งเปลี่ยนวิถีชีวิตและสภาพการทำงานของศิลปินไปอย่างมาก ความขัดแย้งทางศาสนานำไปสู่การโค่นล้มนิกายโรมันคาทอลิก บาเซิลกลายเป็นเมืองโปรเตสแตนต์ คลื่นแห่งลัทธิสัญลักษณ์ที่พัดผ่านไป งานจิตรกรรมและประติมากรรมถูกถอดออกและทำลายไปจากโบสถ์ Holbein ยังคงอยู่ในบาเซิลจนถึงปี 1532 ในช่วงเวลานี้เขาวาดภาพเสร็จ ห้องโถงขนาดใหญ่ศาลาว่าการบาเซิล วาดภาพภรรยาและลูกๆ ของเขา (ค.ศ. 1528–1529; บาเซิล) และวาดภาพพระคัมภีร์ชุดใหญ่จนเสร็จสมบูรณ์ (ภาพแกะสลักไม้ 91 ชิ้น ตีพิมพ์ในปี 1538)

ในปี 1532 Holbein ก็ย้ายไปอังกฤษในที่สุด สิบเอ็ดปีสุดท้ายของชีวิตเขาอุทิศให้กับการวาดภาพบุคคลเกือบทั้งหมด พบว่าตัวเองเป็นคนแรกในกลุ่มชาวเยอรมันที่อาศัยอยู่ในลอนดอน เขาวาดภาพพ่อค้าชาวเยอรมันหลายภาพ ในปี 1536 Holbein กลายเป็นศิลปินในราชสำนักของกษัตริย์ Henry VIII แห่งอังกฤษ ตั้งแต่บัดนี้เป็นต้นมา ลักษณะความเสื่อมเริ่มปรากฏให้เห็นในงานศิลปะของเขา ล้อมรอบด้วยรัศมีแห่งความรุ่งโรจน์ของยุโรป เขาถูกพาตัวไปในตำแหน่งที่สูงเกินไป อ่อนไหวต่อความคิดสร้างสรรค์ของเขาต่อความต้องการ และบางครั้งก็เป็นไปตามอำเภอใจ ขุนนางอังกฤษ. ภาพวาดที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางโดยโฮลไบน์ในช่วงห้าปีสุดท้ายของชีวิต: พระเจ้าเฮนรีที่ 8 (ค.ศ. 1539–1540; โรม), ราชินีเจน ซีมัวร์ (1536; เวียนนา), คริสตินาแห่งเดนมาร์ก (1538; ลอนดอน), เจ้าชายเอ็ดเวิร์ดแห่งเวลส์ (1538–1539) นิวยอร์ก) แม้ว่าจะดำเนินการด้วยความเอาใจใส่และมีไหวพริบอย่างมาก แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็โดดเด่นด้วยความแห้งกร้าน ความซ้ำซากจำเจของลักษณะ และความใจแคบในการตกแต่งรายละเอียด สิ่งที่มีค่าที่สุดที่สร้างขึ้นในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตของ Holbein คือภาพวาดบุคคลของเขา ซึ่งสมบูรณ์แบบยิ่งกว่าภาพวาดที่เขาแสดงในช่วงเวลาของเขาเองเสียอีก ช่วงปีแรก ๆ. คอลเลกชันภาพวาดที่ร่ำรวยที่สุดซึ่งเก็บไว้ที่พระราชวังวินด์เซอร์ แสดงให้เห็นว่า Holbein เป็นหนึ่งในช่างเขียนแบบที่ดีที่สุดในงานศิลปะโลก

ความสำคัญของงานของ Holbein ในช่วงชีวิตของศิลปินนั้นไปไกลเกินขอบเขตของบ้านเกิดของเขา งานศิลปะของเขามีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพวาดบุคคลแบบอังกฤษ

ประติมากรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 16 ยังไม่ถึงระดับการพัฒนาที่สูงเช่นการวาดภาพและกราฟิก ในบรรดาประติมากรแห่งศตวรรษนี้ไม่มีศิลปินคนใดที่เท่าเทียมกับดูเรอร์หรือโฮลไบน์ จริงอยู่ในงานประติมากรรม พัฒนาการขององค์ประกอบยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเผชิญกับการต่อต้านจากประเพณีแบบกอธิคของคริสตจักรมากกว่าในการวาดภาพอย่างไม่มีใครเทียบได้ (โดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากงานประติมากรรมในเวลานี้ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับคำสั่งของคริสตจักร) การต่อสู้ทางศาสนาในศตวรรษที่ 16 ทำให้การพัฒนาศิลปะพลาสติกมีความซับซ้อนอย่างมาก ผลที่ตามมาทางอ้อมประการหนึ่งของการปฏิรูปคือความพยายามที่จะเสริมสร้างความเข้มแข็งให้กับงานประติมากรรมของโบสถ์คาทอลิกแบบดั้งเดิม สิ่งนี้นำไปสู่รูปแบบกอทิกที่พูดเกินจริงอย่างมาก ซึ่งมักจะเข้าถึงมุมมองในผลงานของช่างแกะสลักในโบสถ์แห่งศตวรรษที่ 16 ถึงขั้นอัปลักษณ์อย่างมหันต์

ผลงานประติมากรรมเยอรมันที่น่าสนใจที่สุดแห่งศตวรรษที่ 16 เกี่ยวข้องกับผู้ที่พยายามพัฒนาหลักการของความสมจริงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในงานของพวกเขาไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ศูนย์กลางของขบวนการเรอเนซองส์ในประติมากรรมเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 16 เป็นเมืองก้าวหน้าทางตอนใต้ของเยอรมันเดียวกันกับที่ผลงานของจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวเยอรมัน - Dürerและ Holbein - ได้รับการพัฒนา ในเมืองนูเรมเบิร์กและเอาก์สบวร์กที่ช่างแกะสลักชาวเยอรมันรายใหญ่ที่สุดทำงาน สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในบรรดาปรมาจารย์เหล่านี้คือ Peter Fischer the Elder (ประมาณปี 1460–1529) ซึ่งเกิดในนูเรมเบิร์กและอาศัยอยู่ที่นั่นมาตลอดชีวิต ในโรงหล่อทองสัมฤทธิ์ที่สืบทอดมาจากบิดาของเขา ปีเตอร์ ฟิชเชอร์ ทำงานร่วมกับลูกชายของเขาตามธรรมเนียมของกิลด์โบราณ เขาดูเหมือนช่างฝีมือที่เจียมเนื้อเจียมตัวในรูปปั้นเหมือนตนเองซึ่งวางไว้ที่ด้านล่างของผลงานหลักของเขา - ศาลเจ้าเซนต์เซบัลด์ในโบสถ์ของนักบุญคนนี้ในนูเรมเบิร์ก (1507–1519)

บุตรชายของปีเตอร์ ฟิชเชอร์ ผู้อาวุโสยังคงพัฒนาหลักการที่สมจริงและชัดเจนของงานศิลปะของบิดาต่อไป แม้ว่าจะไม่มีใครเทียบเขาได้ในด้านความสามารถก็ตาม ความโน้มเอียงของพวกเขายังแตกต่างออกไป ความมุ่งมั่นมากที่สุดในการแสวงหาความเป็นจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ Peter Fischer the Younger ดังที่กล่าวข้างต้น ซึ่งทำงานอย่างหนักกับภาพลักษณ์ของร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่า (ตัวอย่างเช่น ในแผ่นโลหะทองสัมฤทธิ์ที่วาดภาพ Orpheus และ Eurydice; ประมาณปี 1515) เช่นเดียวกับลูกชายคนที่สามของฟิสเชอร์ ฮันส์ (ค.ศ. 1488–1550) ผู้แต่งรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ของเยาวชน ซึ่งมีความพิเศษสำหรับยุคเรอเนซองส์ของเยอรมัน (ค.ศ. 1530; เวียนนา) เห็นได้ชัดว่ามีอายุย้อนกลับไปถึงนางแบบชาวอิตาลี พอล ลูกชายคนที่ห้าของฟิสเชอร์ (เสียชีวิตปี 1531) เป็นสมาชิกคนหนึ่งในจำนวนมากที่สุด รูปปั้นที่มีชื่อเสียงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของเยอรมัน - สิ่งที่เรียกว่ามาดอนน่านูเรมเบิร์ก (ไม้ ค.ศ. 1525–1530) สง่างามและไพเราะ โดยยังคงรักษาลักษณะกอทิกดั้งเดิมบางประการไว้

ประติมากรชาวเยอรมันที่โดดเด่นที่สุดแห่งศตวรรษที่ 15 รองจาก Fischer the Elder มี Adolf Daucher (ประมาณ 1460/65 – 1523/24) เกิดที่เมือง Ulm และตั้งแต่ปี 1491 ก็ตั้งรกรากในเมืองเอาก์สบวร์ก เขาสร้างรูปปั้นครึ่งตัวที่สมจริงสมจริงบนม้านั่งสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ Fugger ในโบสถ์ St. แอนนาในเอาก์สบวร์ก (ค.ศ. 1512–1518 จากนั้นในพิพิธภัณฑ์เบอร์ลิน); “จูดิธกับหัวหน้าโฮโลเฟิร์น” ของเขามีความน่าสนใจเป็นพิเศษในเรื่องความมีชีวิตชีวาและพลังพลาสติก หลักการเรอเนซองส์ที่สมจริงซึ่งแสดงออกโดยปราศจากความสว่างเฉพาะบุคคล แต่ค่อนข้างสม่ำเสมอและชัดเจนก็เป็นลักษณะเฉพาะของเขาเช่นกัน กลุ่มใหญ่“การคร่ำครวญของพระคริสต์” ในแท่นบูชาของโบสถ์หลังเดียวกัน

อดัม คราฟท์ ปรมาจารย์แห่งนูเรมเบิร์ก (1455/60–1509) เป็นเจ้าของชุดภาพนูนต่ำนูนสูงที่แสดงถึง "วิถีแห่งไม้กางเขน" (1505–1508) ซึ่งมีองค์ประกอบที่สมจริงในประเภทนั้นแข็งแกร่งมาก ประเภทและเครื่องแต่งกายนำมาจากชีวิตรอบตัวศิลปิน ความเชื่อมโยงระหว่างบุคคลเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากการแสดงละครที่แท้จริง ซึ่งแสดงออกอย่างเป็นธรรมชาติและเรียบง่าย โดยไม่มีการพูดเกินจริงและแบบแผนแบบโกธิก คราฟท์ใช้แนวคิดในชีวิตประจำวันแบบฆราวาสล้วนๆ ในการตกแต่งอาคารขนาดต่างๆ ในเมืองนูเรมเบิร์ก (ค.ศ. 1497)

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ แนวโน้มที่สมจริงของประติมากรรมนูเรมเบิร์กกำลังจางหายไป ภาพโบราณและเรอเนซองส์กลายเป็นสมบัติของผู้เชี่ยวชาญหรือข้าราชบริพารผู้รอบรู้ที่อวดการศึกษาของตน ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 เนื่องจากการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและเศรษฐกิจอย่างลึกซึ้งที่เยอรมนีประสบในเวลานี้ วัฒนธรรมเยอรมันโดยรวมและโดยเฉพาะศิลปะเยอรมันจึงตกต่ำลงอย่างมาก ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 หลังจากที่ปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมันคนสุดท้ายออกจากเวที ศิลปะเยอรมันก็แข็งตัวเป็นเวลาหลายปีในการพัฒนาที่ก้าวหน้า

หน้า 1

ในบรรดาประเทศต่างๆ ในยุโรปตะวันตกที่มีระบบความสัมพันธ์ศักดินาที่พัฒนาแล้ว ในประเทศเยอรมนี การกำจัดรากฐานในยุคกลางถือเป็นเส้นทางที่คดเคี้ยวและซับซ้อนที่สุด ในด้านเศรษฐกิจและการเมือง เยอรมนีมีการพัฒนาในลักษณะที่ขัดแย้งและยากลำบาก วัฒนธรรมทางจิตวิญญาณและโดยเฉพาะอย่างยิ่งศิลปะของมันก็เป็นเรื่องที่ถกเถียงกันไม่น้อย

ในช่วงปลายยุคกลาง กระบวนการเดียวกันนี้เกิดขึ้นในเยอรมนีเช่นเดียวกับประเทศอื่นๆ ในยุโรป: บทบาทของเมืองเพิ่มขึ้น การผลิตด้านการผลิตพัฒนาขึ้น ชาวเมืองและพ่อค้ามีความสำคัญมากขึ้น และระบบกิลด์ยุคกลางก็ล่มสลายลง การเปลี่ยนแปลงที่คล้ายกันเกิดขึ้นในวัฒนธรรมและโลกทัศน์: การตระหนักรู้ในตนเองของมนุษย์ตื่นตัวและเติบโตขึ้น ความสนใจในการศึกษาความเป็นจริง ความปรารถนาที่จะมีความรู้ทางวิทยาศาสตร์ และความต้องการที่จะค้นหาที่ของเขาในโลกนี้เพิ่มมากขึ้น มีการค่อยๆ กลายเป็นโลกทางโลกของวิทยาศาสตร์และศิลปะ การปลดปล่อยพวกเขาจากอำนาจอันเก่าแก่ของคริสตจักร หน่อแห่งมนุษยนิยมเกิดขึ้นในเมืองต่างๆ ชาวเยอรมันเป็นเจ้าของหนึ่งในความสำเร็จทางวัฒนธรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น ซึ่งเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดในการพัฒนาการพิมพ์ อย่างไรก็ตาม การเปลี่ยนแปลงทางจิตวิญญาณเกิดขึ้นในเยอรมนีช้ากว่าและมีการเบี่ยงเบนมากกว่าในประเทศต่างๆ เช่น อิตาลีและเนเธอร์แลนด์

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14 - 15 ในดินแดนเยอรมันไม่เพียงแต่ไม่มีแนวโน้มที่จะรวมศูนย์ของประเทศเท่านั้น แต่ในทางกลับกัน การกระจายตัวของมันทวีความรุนแรงมากขึ้น ซึ่งมีส่วนทำให้รากฐานของระบบศักดินาดำรงอยู่ได้ การเกิดขึ้นและการพัฒนาของความสัมพันธ์ทุนนิยมที่แตกหน่อในแต่ละอุตสาหกรรมไม่ได้นำไปสู่การรวมประเทศเยอรมนี ประกอบด้วยอาณาเขตขนาดใหญ่และขนาดเล็กหลายแห่งและเมืองจักรพรรดิอิสระ ซึ่งนำไปสู่การดำรงอยู่อย่างเป็นอิสระและพยายามทุกวิถีทางที่จะรักษาสถานะของกิจการนี้ อี ทิมยังถูกกำหนดโดยธรรมชาติของความสัมพันธ์ทางชนชั้นเป็นส่วนใหญ่ ในงานของเขาเรื่อง "The Peasant War in Germany" เองเกลส์บรรยายลักษณะชีวิตทางสังคมของเยอรมนีเมื่อต้นศตวรรษที่ 16: " . . ชนชั้นต่าง ๆ ของจักรวรรดิ - เจ้าชาย, ขุนนาง, ราชาภิเษก, ผู้รักชาติ, ชาวเมือง, คนธรรมดาและชาวนา - ประกอบไปด้วยมวลชนที่วุ่นวายอย่างยิ่งโดยมีความต้องการที่หลากหลายและตัดกันซึ่งกันและกันในทุกทิศทาง “ ผลประโยชน์ที่แคบและเป็นมิตรของชนชั้นมักจะนำพวกเขาไปสู่ความขัดแย้ง และการปะทะกันซึ่งขัดขวางสาเหตุหลัก - การต่อสู้กับระบบศักดินาการเอาชนะ ประเพณียุคกลางในด้านเศรษฐศาสตร์ การเมือง วัฒนธรรม วิถีชีวิตทางสังคม ความไม่พอใจทั่วไปที่เพิ่มมากขึ้นอย่างต่อเนื่อง ซึ่งบางครั้งปะทุขึ้นในรูปแบบของการลุกฮือในท้องถิ่นของแต่ละบุคคล ยังไม่ได้ถือเป็นลักษณะของขบวนการปฏิวัติทั่วประเทศที่กวาดล้างเยอรมนีในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 16

ความขัดแย้งในการพัฒนาสังคมของเยอรมนีสะท้อนให้เห็นในสถาปัตยกรรมเยอรมันในศตวรรษที่ 15 เช่นเดียวกับในประเทศเนเธอร์แลนด์ ไม่มีการหันไปใช้เนื้อหาเชิงเปรียบเทียบใหม่ๆ และภาษาใหม่ของรูปแบบสถาปัตยกรรมที่แสดงถึงลักษณะสถาปัตยกรรมของอิตาลี แม้ว่ากอทิกซึ่งเป็นรูปแบบสถาปัตยกรรมที่โดดเด่นกำลังจะหมดไป แต่ประเพณีก็ยังคงแข็งแกร่งมาก อาคารส่วนใหญ่มาจากศตวรรษที่ 15 มีอิทธิพลในระดับหนึ่งหรืออีกระดับหนึ่ง ต้นกล้าใหม่ถูกบังคับให้ฝ่าฟันการต่อสู้ที่ยากลำบากผ่านความหนาของชั้นอนุรักษ์นิยม

สัดส่วนของอนุสรณ์สถานสถาปัตยกรรมทางศาสนาในเยอรมนีในศตวรรษที่ 15 มีมากกว่าในเนเธอร์แลนด์ การก่อสร้างอาสนวิหารสไตล์โกธิกอันยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษก่อน (เช่น ในอุล์ม) ยังคงดำเนินอยู่และแล้วเสร็จ อย่างไรก็ตาม อาคารวัดหลังใหม่ไม่โดดเด่นด้วยขนาดดังกล่าวอีกต่อไป เหล่านี้เป็นโบสถ์ที่เรียบง่ายกว่า ส่วนใหญ่เป็นแบบห้องโถง ทางเดินที่มีความสูงเท่ากันในกรณีที่ไม่มีปีกมีส่วนทำให้พื้นที่ภายในรวมเป็นหนึ่งเดียวที่มองเห็นได้ ความสนใจเป็นพิเศษคือการออกแบบตกแต่งห้องใต้ดิน: ห้องใต้ดินที่มีตาข่ายและรูปแบบที่ซับซ้อนอื่น ๆ มีอิทธิพลเหนือกว่า ตัวอย่างของโครงสร้างดังกล่าว ได้แก่ Church of Our Lady ใน Ingolstatt และโบสถ์ใน Anaberg ส่วนขยายของโบสถ์เก่ายังมีลักษณะพิเศษด้วยพื้นที่ห้องโถงเดี่ยว - คณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์เซนต์ลอว์เรนซ์ในนูเรมเบิร์ก และคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์พระแม่ในเอสลิงเกน รูปแบบสถาปัตยกรรมเองก็มีความซับซ้อนและความแปลกประหลาดมากขึ้นในจิตวิญญาณของโกธิค "เพลิง" กุฏิของอาสนวิหารใน Eichstätt ถือได้ว่าเป็นตัวอย่างของความสมบูรณ์ของรูปแบบในการตกแต่ง

รายละเอียด หมวดหมู่ : วิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรมยุคเรอเนซองส์ (Renaissance) Published 01/06/2017 18:13 Views: 2780

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมันคือ Albrecht Durer (1471-1528) ซึ่งเป็นจิตรกร ช่างแกะสลัก และนักวิทยาศาสตร์ที่โดดเด่น

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเยอรมนีนั้นใช้เวลาสั้นมาก - ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 15 จนถึงปี ค.ศ. 1520

พัฒนาการของศิลปะ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการในเยอรมนีได้รับอิทธิพลจากแนวความคิด การปฏิรูป(ขบวนการทางศาสนาและสังคม-การเมืองในยุโรปตะวันตกและกลางในศตวรรษที่ 16 และต้นศตวรรษที่ 17 มุ่งเป้าไปที่การปฏิรูปศาสนาคริสต์นิกายคาทอลิกตามพระคัมภีร์) เมื่อนั้น ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ก็ต้องเช่นกัน สงครามชาวนา(1524-1526) ทั้งหมดนี้: การปราบปรามความไม่สงบของชาวนาอย่างโหดร้าย ความแตกแยกทางศาสนา และการละทิ้งดินแดนหลายแห่งจากนิกายโรมันคาทอลิก - ขัดขวางการพัฒนายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเยอรมนี
ปรมาจารย์หลักของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน:

ปรมาจารย์ E. S. (ราวปี 1420-หลังปี 1468)
แมทเธียส กรูเนวาลด์ (ประมาณ ค.ศ. 1470-1528)
อัลเบรชท์ ดูเรอร์ (1471-1528)
ลูคัส ครานัคผู้อาวุโส (ค.ศ. 1472-1553)
ฮันส์ ฟอน คูล์มบาค (bl.1480-1522)
ฮันส์ บัลดุง (ค.ศ. 1484-1545)
ฮันส์ โฮลไบน์ (ผู้น้อง) (1497-1543)
อูร์ส กราฟ (ประมาณ ค.ศ. 1490-ค.ศ. 1529)
อัลเบรชท์ อัลท์ดอร์เฟอร์ (bl.1480-1538)
เฟธ สโตสส์ (ค.ศ. 1447-1533)
แบร์นต์ นอตเคอ (ค.ศ. 1435-1509)
ฮันส์ บูร์กกแมร์ (1473-1531)
วิล์ม เดเดค
แดเนียล ฮอปเฟอร์ (ประมาณปี 1470-1536) ช่างแกะสลัก

ให้เราหันไปดูผลงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุด

มัทธีอัส กรูเนวาลด์ (1470/1475-1528)

ผลงานของเขาเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้เพียงประมาณ 10 ชิ้น ผลงานของ Grunewald (ชื่อจริง แมทเธียส ก็อตทาร์ต นีดฮาร์ดท์) ถูกค้นพบอีกครั้งเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 โดยกลุ่ม Expressionists ชาวเยอรมัน ซึ่งถือว่าเขาเป็นบรรพบุรุษโดยตรง งานของเขายังมีอิทธิพลต่อสถิตยศาสตร์อีกด้วย Matthias Grünewald ถือเป็นศิลปินโกธิกเหนือผู้ยิ่งใหญ่คนสุดท้าย
Grunewald ถือเป็นชายผู้มีความรู้กว้างขวางและมีความสามารถหลากหลาย ซึ่งเป็นตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พระองค์ทรงห่วงใยปัญหาด้านศาสนา ปรัชญา ระเบียบสังคม ตลอดจนวิทยาศาสตร์ งานศิลปะของเขาเต็มไปด้วยมนุษยนิยม ความเห็นอกเห็นใจต่อความทุกข์ทรมานของมนุษย์ที่เขาเห็นอยู่รอบตัว การปฏิรูปเกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาเขา - การปฏิวัติครั้งแรกในยุโรปซึ่งทำให้จิตสำนึกของผู้คนสั่นคลอน เขาได้เห็นการตอบโต้นองเลือดต่อกลุ่มกบฏ ด้วยจิตวิญญาณที่เปิดกว้าง Grunewald เช่นเดียวกับ Bosch วาดภาพในงานศิลปะของเขาถึงโศกนาฏกรรมที่แท้จริงของชีวิตของจิตวิญญาณผู้สูงศักดิ์และซื่อสัตย์ของชายคนหนึ่งที่ถูกข่มเหงและดูถูกในโลกที่โหดร้ายที่สูญเสียใบหน้าของมนุษย์
ผลงานหลักของ Grunewald และผลงานชิ้นเอกของจิตรกรรมเยอรมันคือ Isenheim Altarpiece (1512-1516)

นิทรรศการพิพิธภัณฑ์

พิพิธภัณฑ์ Unterlinden (กอลมาร์, ฝรั่งเศส) เค้าโครงแท่นบูชาครั้งแรก

จนถึงปี ค.ศ. 1793 แท่นบูชาแห่งนี้ตั้งอยู่ในโบสถ์ Isenheim ในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส ภาพวาดและประติมากรรมถูกส่งไปยังเมืองกอลมาร์ในภูมิภาคเพื่อจัดเก็บ ชิ้นส่วนไม้แกะสลักยังคงอยู่ในอิเซนไฮม์และสูญหายไปตั้งแต่ปี 1860 ปัจจุบันมีแท่นบูชาสามแท่นจัดแสดงแยกกันในเมืองกอลมาร์
การสแกนครั้งแรก (ภายนอก) แสดงให้เห็นภาพการตรึงกางเขนของพระคริสต์ ไม้กางเขนมักพบบนแท่นบูชาแบบโกธิก แต่ไม่เคยมีมาก่อนที่ Matthias Grunewald จะถูกพรรณนาถึงความเจ็บปวดเช่นนี้ ที่ Golgotha ​​Grunewald วาดภาพแม่ของเขา Mary, อัครสาวกยอห์น, Mary Magdalene และ John the Baptist ถัดจากพระเยซู ฉากทั้งหมดที่มีร่างของพระคริสต์ที่ถูกทรมานพร้อมกับพระมารดาแห่งพระเจ้าที่ตกตะลึงและเป็นลมและตัวละครอื่น ๆ ทำให้เกิดอาการตกตะลึงอย่างลึกซึ้ง
ในระหว่างปีพิธีกรรม ประตูแท่นบูชาจะเปิดในบางวัน เผยให้เห็นภาพวาดที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ทางศาสนา แท่นบูชาอิเซนไฮม์มีรูปแบบให้เลือกสามแบบ

รูปแบบที่สองของแท่นบูชาอิเซนไฮม์แสดงถึงการประกาศ การประสูติของพระคริสต์ (“คอนเสิร์ตเทวดา”) และการเสด็จขึ้นสู่สวรรค์

การพัฒนาครั้งที่สามของแท่นบูชาอิเซนไฮม์ด้วยประติมากรรมไม้ของนักบุญแอนโทนี, ออกัสติน และเจอโรม ซึ่งเชื่อกันว่าสร้างโดยช่างแกะสลักไม้นิโคลัส ฮาเกอเนาเออร์

เอ็ม. กรูเนวาลด์ “The Desecration of Christ” (1503) อัลเต้ ปินาโคเทค (มิวนิค)

ศิลปินพรรณนาถึงโครงเรื่องของพระกิตติคุณที่ไม่ค่อยมีใครเห็นมาก่อน พวกทหารยามนำพระคริสต์ไปที่บ้านของมหาปุโรหิตคายาฟาสและเยาะเย้ยพระองค์ พวกเขาเอาผ้าปิดตาและตีหน้าเพื่อถามว่าใครทุบตีเขา กรูเนวาลด์พรรณนาถึงพระคริสต์ในฐานะบุรุษผู้มีความอ่อนโยนและความอดทนเป็นพิเศษ ความน่ากลัวของการเหยียดหยามเหยียดหยามและไร้มนุษยธรรมถ่ายทอดโดย Grunewald อย่างชัดเจนผ่านสี - โทนสีเย็นและความไม่ลงรอยกัน
ภาพวาดยังพรรณนาถึงร่างของโจเซฟจากอาริมาเธีย ซึ่งต่อมาได้นำพระวรกายอันไร้ชีวิตของพระคริสต์ออกจากไม้กางเขน และตอนนี้โจเซฟกำลังพยายามชักชวนเจ้าหน้าที่ให้สงสารพระคริสต์ ราวกับว่าคุณสามารถได้ยินเสียงอันแหลมคมของขลุ่ยและจังหวะกลองที่เกิดจากบุคคลที่ยืนอยู่ในส่วนลึกทางด้านซ้าย

ลูคัส ครานัคผู้อาวุโส (ค.ศ. 1472-1553)

แอล. ครานัช. ภาพเหมือนตนเอง (1550) หอศิลป์อุฟฟิซี(ฟลอเรนซ์)

จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวเยอรมันแห่งยุคเรอเนซองส์ ผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพบุคคล ประเภท และองค์ประกอบในพระคัมภีร์ ในงานของเขาเขาได้ผสมผสานประเพณีของกอธิคและหลักการของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเข้าด้วยกัน
ตามความเชื่อของเขา เขาเป็นผู้สนับสนุนแนวคิดเรื่องการปฏิรูปซึ่งเป็นเพื่อนของลูเทอร์

Lucas Cranach ผู้เฒ่า "ภาพเหมือนของ Martin Luther"

ศิลปิน Hans Cranach และ Lucas Cranach the Younger เป็นบุตรชายของเขา
Cranach ศึกษาวิจิตรศิลป์ตั้งแต่แรกจากพ่อของเขา ตั้งแต่วัยเยาว์เขาเดินทางเพื่อค้นหาอาชีพทั่วเยอรมนี ปาเลสไตน์ ออสเตรีย และเนเธอร์แลนด์
ต่อมาเขาได้สร้างเวิร์คช็อปศิลปะโดยมีผู้ช่วยจัดพิมพ์หนังสือและจำหน่ายหนังสือเหล่านั้น
ผลงานในยุคแรก ๆ ของศิลปินมีความโดดเด่นด้วยนวัตกรรมของพวกเขา ในนั้นเขาบรรยายถึงความขัดแย้งในยุคของเขา เมื่อได้เป็นศิลปินในราชสำนัก เขาก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในประเภทภาพบุคคล โดยสามารถจับภาพคนร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงหลายคนของเขาได้ ภาพเหมือนของ Cranach ถูกสร้างขึ้นด้วยความเห็นอกเห็นใจต่อนางแบบ แต่ไม่มีอุดมคติใดๆ และไม่มีความปรารถนาใดๆ ที่จะเจาะเข้าไปในโลกภายในของพวกเขา

Lucas Cranach ผู้เฒ่า "เศร้าโศก" (1532) กระดานน้ำมัน 51x97 ซม. พิพิธภัณฑ์รัฐศิลปะ (โคเปนเฮเกน)

ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นทารกเปลือยเปล่าสามคนกำลังใช้ไม้พยายามกลิ้งลูกบอลขนาดใหญ่ผ่านห่วง หญิงมีปีกกำลังกวัดแกว่งไม้เรียว บางทีอาจวางแผนจะสร้างห่วงใหม่ นี่คือความเศร้าโศก เธอมองผ่านเด็กๆ ที่เล่นกันอย่างครุ่นคิด ตามแนวคิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โลกทั้งโลกมีพื้นฐานมาจากการเปรียบเทียบ ความเศร้าโศกในสมัยนั้นเกี่ยวข้องกับดาวเสาร์ สุนัข และช่างไม้ การกระโดดของแม่มดในเมฆสีดำหมายถึงการเปรียบเทียบเหล่านี้

Lucas Cranach ผู้เฒ่า "มาดอนน่าและเด็ก (มาดอนน่าแห่งไร่องุ่น)" (ประมาณ 1520) พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐตั้งชื่อตาม เช่น. พุชกิน (มอสโก)

ฮันส์ โฮลเบียนผู้น้อง (ค.ศ. 1497-1543)

หนึ่งในศิลปินชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของตระกูลนี้ เขาศึกษาการวาดภาพกับพ่อของเขา Hans Holbein the Elder

ฮันส์ โฮลไบน์ ผู้น้อง ภาพเหมือนตนเอง (1542) หอศิลป์ Uffizi (ฟลอเรนซ์)

เขาทำงานกับ Ambrosius Holbein น้องชายของเขาเป็นเวลาสองปีในบาเซิล (สวิตเซอร์แลนด์) ในเวิร์คช็อปของ H. Herbster ซึ่งเขาได้พบกับนักมานุษยวิทยาและนักวิทยาศาสตร์หลายคนในยุคนี้ รวมถึง Erasmus of Rotterdam และนำเสนอผลงานของเขาเรื่อง "In Praise of Stupidity" ”

Hans Holbein ผู้น้อง "ภาพเหมือนของ Erasmus of Rotterdam"

Holbein แสดงภาพประกอบหนังสือเล่มอื่นๆ และมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์พระคัมภีร์ของ Martin Luther ที่แปลเป็นภาษาเยอรมัน เช่นเดียวกับพ่อของเขา เขาสร้างหน้าต่างกระจกสีและวาดภาพบุคคล
ผลงานที่สำคัญที่สุดในยุคบาเซิลของ Holbein คือภาพเหมือนของทนายความ Boniface Amerbach; ภาพวาดสิบภาพแห่งความหลงใหลของพระเจ้า จิตรกรรมฝาผนังในศาลากลางแห่งใหม่ ประตูออร์แกนในอาสนวิหารท้องถิ่น ประตูแท่นบูชาสำหรับอาสนวิหารไฟรบวร์ก ภาพการประสูติของพระคริสต์และการยกย่องของพวกโหราจารย์ มาดอนน่าและนักบุญสำหรับเมืองโซโลทูร์น; “ มาดอนน่าแห่งตระกูลเมเยอร์” ที่มีชื่อเสียง, ภาพวาดของ Erasmus of Rotterdam, Dorothea Offenburg รวมถึงภาพวาดสำหรับพันธสัญญาเดิม (91 แผ่น) และ “ Dance of Death” (58 แผ่น) สลักบนไม้โดย Lutzelburger

ฮันส์ โฮลไบน์ ผู้น้อง "มาดอนน่าแห่งดาร์มสตัดท์" ("มาดอนน่าแห่งตระกูลเมเยอร์") (1526)

ภาพวาดนี้วาดโดย Holbein ภายใต้อิทธิพลของภาพวาดทางศาสนาของอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและภาพเหมือนของปรมาจารย์ชาวดัตช์โบราณ ตรงกลางของภาพคือพระแม่มารีกับพระกุมารเยซู ล้อมรอบด้วยเมเยอร์ ภรรยาและลูกสาวคนแรกและคนที่สองของเขาที่เสียชีวิต ยังไม่ทราบแน่ชัดว่าตัวละครอีกสองตัวที่ปรากฏทางด้านซ้ายคือใคร พระแม่มารีแห่งดาร์มสตัดท์เป็นการแสดงให้เห็นถึงความมุ่งมั่นของ Burgomaster Mayer ที่มีต่อศรัทธาคาทอลิก กรอบที่ผิดปกติของภาพวาดนี้อธิบายได้จากจุดประสงค์เพื่อสร้างโบสถ์ส่วนตัวของตระกูลเมเยอร์ในพระราชวังในกุนเดลดิงเกน
ในปี ค.ศ. 1526-1528 ศิลปินอยู่ในอังกฤษซึ่งเขาได้พบกับโธมัสมอร์ ในการเยือนอังกฤษครั้งแรกและครั้งที่สอง (ค.ศ. 1532-1543) เขาวาดภาพบุคคลเป็นหลักและยังเป็นจิตรกรในราชสำนักของกษัตริย์เฮนรีที่ 8 ด้วยซ้ำ

Hans Holbein ผู้น้อง "ภาพเหมือนของ Henry VIII"

ภาพวาดของ Holbein มีความโดดเด่นด้วยความหมายของการออกแบบ, ความเป็นพลาสติก, การสร้างแบบจำลองที่รอบคอบ, ความโปร่งใสของ chiaroscuro, ความสว่างและความกว้างของแปรง ภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยการสังเกต บางครั้งก็ไม่เสียดสีเสียดสี และประหลาดใจกับความสวยงามของรูปแบบและการตกแต่ง เขานำความรุ่งเรืองของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีมาสู่เยอรมนี แต่ก็ไม่ได้สูญเสียลักษณะประจำชาติของเขา

Hans Holbein the Younger "ภาพเหมือนของคริสตินาแห่งเดนมาร์ก" (1538) หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

ศิลปินของโรงเรียนจิตรกรรมดานูบ

“โรงเรียนจิตรกรรมดานูบ” ทิศทางของวิจิตรศิลป์เยอรมันในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 (1500-1530)
แนวเพลงใหม่ปรากฏในผลงานของศิลปินของโรงเรียนแม่น้ำดานูบ - ภูมิทัศน์
ไม่มีความเป็นเอกภาพในคำถามเกี่ยวกับที่มาของโรงเรียน ตามที่ผู้เขียนส่วนใหญ่กล่าวไว้ ผู้สร้างคือ Lucas Cranach the Elder รุ่นเยาว์, Jörg Brey the Elder รวมถึง Roelant Fruauf the Younger ซึ่งเป็นชาวแม่น้ำดานูบ
คนอื่นๆ เชื่อว่าโรงเรียนเกิดขึ้นบนพื้นดินในท้องถิ่น และการมาเยือนของ Cranach และ Bray ซึ่งเดินทางไปตามแม่น้ำดานูบก็อยู่ภายใต้อิทธิพลของโรงเรียน

Wolf Gruber "ทิวทัศน์ของแม่น้ำดานูบใกล้เครมส์" (1529) คณะรัฐมนตรีภาพพิมพ์ (เบอร์ลิน)

ภาพวาดของ "โรงเรียนดานูบ" โดดเด่นด้วยจินตนาการทางศิลปะอารมณ์ที่สดใสการรับรู้ธรรมชาติที่ยอดเยี่ยมความสนใจในภูมิทัศน์ป่าไม้และแม่น้ำพื้นที่และแสงรูปแบบการวาดภาพแบบไดนามิกการแสดงออกของการวาดภาพและความเข้มของสี

ลูคัส ครานัคผู้เฒ่า "การล่ากวางของผู้มีสิทธิเลือกตั้งเฟรดเดอริกที่ 3 ผู้ปรีชาญาณ" (1529)