Le donne di Maya Ramishvili: una parola nuova nell'arte georgiana

24.02.2019

Il tema delle donne, ovviamente, è dominante nelle opere dell'artista georgiana Maia Ramishvili (Maia Ramishvili). Da ciascuno dei suoi dipinti, ragazze pensierose, donne squisite, bellezze fatali ci guardano: tutte incredibilmente femminili e belle.

Se parliamo delle opere di Maya, non possiamo dire della loro natura decorativa e dell'abilità artistica con cui viene trasmesso il loro carattere. Lo sfondo dei suoi dipinti ricorda i collage di tessuti, in cui l'artista riflette attentamente e incarna ogni dettaglio e modello. Guardando le tele di Maya Ramishvili, lo spettatore vaga per il quadro, cercando di notare ogni dettaglio e poi, finalmente, si rende conto che per l'autore non sono affatto dettagli. È stata investita così tanta energia nello sfondo che difficilmente può essere definito uno sfondo! Le eroine hanno occhi espressivi, mani eccessivamente grandi, a volte con dita nervosamente serrate: ogni elemento, a prima vista, anche insignificante, porta la sua parte di espressività nell'immagine.

I dipinti di Maya Ramishvili uniscono l'esperienza artistica della Georgia e Tradizioni europee che si apre nuovo e opportunità interessanti nel campo dell'arte. Maya è la stessa artista le cui opere non perdono la combinazione di questi due principi e immergono lo spettatore in un mondo di sorprendente estetica e armonia.

“È molto difficile definire lo stile in cui creo i miei dipinti”, dice Maya, “perché l'artista non pensa a ciò che crea mentre crea la sua opera. Opera d'arte vieni da dentro e trasmetti il tuo stato d'animo, le tue relazioni, le tue emozioni...”

Maya Ramishvili è nata nel 1969 a Tbilisi, capitale della Georgia. Suo talento artistico già apparso in gioventù, quindi non ci sono stati problemi con la scelta della professione. Maya si è laureata in due prestigiose istituzioni educative: scuola d'arte loro. Nikoladze e l'Accademia statale delle arti di Tbilisi. Dopo la laurea, nel 1996, iniziò la carriera professionale di Ramishvili. Anche il marito di Maya è un artista professionista: Mamuka Didebashvili.

La pittura con la sua ricchezza colori e la capacità di rappresentare scene con numerosi partecipanti, ancor più della scultura, ci permette di vedere la vita del popolo Maya e di penetrarvi più a fondo. Ha catturato scene della vita Maya come se fossero in movimento: alcune - come nastri di cartoni animati, altre - come veri documentari a colori.

Tecnica

Finora non è stato possibile determinare con esattezza quale tecnica utilizzassero i Maya per dipingere le pareti: se si trattasse di affresco su uno strato di intonaco ancora umido o di tempera su una superficie già asciutta. È possibile che siano stati utilizzati entrambi questi metodi.

Quando si analizzano alcuni dipinti murali, si può essere sicuri che all'inizio qualcuno vernice chiara(in Bonampak - rosso) sono stati delineati i contorni delle figure e le principali linee interne; poi sovrapposto vari colori, ciascuno in una determinata area; di solito coprivano le linee interne, che venivano poi ridisegnate con vernice nera diluita per enfatizzare ulteriori dettagli. Alcune parti dei corpi erano dipinte più scure, altre più chiare, ma, a quanto pare, le differenze di tonalità non cercavano di ottenere un effetto tridimensionale.

Inoltre, non ci sono tentativi evidenti di presentare la prospettiva in quelle scene che hanno diversi piani. L'interesse dell'artista si concentra sulla linea, ed infatti il disegno rivela la grande bravura del pittore.

Sono state utilizzate vernici di origine vegetale e minerale. I colori coprono un'ampia gamma: rosso, rosa, arancione, giallo, verde, ciano e blu, viola, seppia, caffè, oltre al bianco e al nero. La miscelazione dei colori e la loro maggiore o minore concentrazione ha dato la tavolozza più ricca.

Temi

Sfortunatamente, pochissimi dipinti murali hanno resistito alle intemperie e al tempo implacabile, e solo pochi sono stati ritrovati e copiati. Alcuni murali scomparvero dopo essere stati scoperti ultimi decenni. Probabilmente la maggior parte dei templi aveva dipinti con motivi storici, religiosi e ornamentali. Ci limitiamo a una breve rassegna dei più significativi, scoperti nei seguenti siti: per il periodo classico - Vashaktun e Bonampak nella zona centrale, Chakmultun e Mulchik in quella settentrionale; per il Primo Postclassico, Chichen Itza e per il Tardo Postclassico, Santa Rita e Tulum, tutti nella zona settentrionale.

Washactun

In un ambiente dell'edificio "B-XIII", eretto nella prima età classica, probabilmente nel V secolo, è stato rinvenuto un tratto di parete con dipinti. N. e. Mostra una cerimonia, apparentemente di carattere secolare, in cui le persone importanti sono divise in due file, alcune delle quali hanno un rango più elevato di altre, come si può giudicare dalla loro decorazione e dalla posizione nella composizione complessiva. La stanza in cui si svolge l'azione è mostrata in modo molto schematico. In questo dipinto, finora il più antico della regione Maya, l'abilità dell'artista nel costruire una composizione scenica, la sicurezza del disegno e la capacità di dare movimento ai partecipanti alla scena per sottolineare l'autenticità dell'evento raffigurato sono già pienamente manifestato. I geroglifici, forse nominali, completano questa storia a fumetti.

Bonampak

La scoperta a Bonampak nel 1946 di un edificio con le pareti interne interamente dipinte (dal livello dei banchi alla sommità della volta) diede la migliore idea di come fosse l'arte pittorica Maya nel periodo classico. Tre ambienti di questo edificio furono probabilmente affrescati alla fine dell'VIII secolo. N. e. Lo stato relativamente buono dei dipinti ha permesso di copiarli e analizzarli in dettaglio.

I dipinti Bonampak, oltre al loro inestimabile valore artistico, sono molto importanti dal punto di vista storico, poiché raffigurano alcuni momenti cruciali per la civiltà Maya. Sono state proposte diverse interpretazioni del contenuto dei dipinti:

un incontro tra i governanti di Bonampak e qualche centro rivale;
un'incursione compiuta dalla popolazione di Bonampak in un insediamento vicino per catturare prigionieri e sacrificarli ritualmente;
repressione della rivolta contadina.

Riteniamo che le prime due opzioni possano essere scartate per i seguenti motivi:

i nemici, uccisi, feriti o catturati, non hanno armi e vesti ricche, cioè non sono gentiluomini;
i prigionieri vengono torturati prima di essere uccisi, il che contraddice tutto ciò che sappiamo sul rispetto riservato ai prigionieri prima che fossero sacrificati;
un'incursione per catturare persone destinate al sacrificio non avrebbe dovuto avere molta importanza e difficilmente meritava di essere ricordata nella storia.

La terza alternativa, invece, ci sembra probabile o almeno giustificata dal contenuto stesso dei dipinti: i nemici dei governanti di Bonampak si vincono facilmente, sono gente semplice, e prima di essere uccisi vengono puniti con la tortura, strappandosi le unghie, secondo quanto si vede. Secondo l'epoca, i murali furono realizzati alla fine del periodo tardo classico, cioè poco prima che la civiltà Maya, inaspettatamente riversatasi nella zona centrale, si fermasse attività culturali e il sacerdozio scomparve fisicamente. Inoltre, se assumiamo, come E. Thompson e alcuni altri ricercatori, che le rivolte contadine abbiano davvero posto fine a questa civiltà, allora è abbastanza ovvio che i primi tentativi di liberazione potrebbero non avere successo e la classe dominante ha deciso di perpetuare il massacro delle classi inferiori ribelli per intimidire tutti gli scontenti.

Tematicamente, questi dipinti sono organizzati nella seguente sequenza:

Nella stanza orientale, sotto gli auspici delle divinità situate nella parte superiore della volta, vengono prima preparati e poi presenti l'halach-vinik, i membri della sua famiglia e le sue tre bataba, accompagnati dalle persone più anziane della corte Bonampak , in un corteo di musicisti e ballerini; nella corsia centrale - mercanti o servi portano loro oggetti fatti di giada e pelli di giaguaro; l'altra striscia contiene un'iscrizione geroglifica, che dovrebbe integrare la narrazione raffigurata.
Nella stanza centrale, gli dei sono in parte sostituiti da figure umane vestite con vesti (si ipotizza che potrebbero essere artisti) che stanno tra prigionieri e animali; quasi tutta la superficie è occupata dall'immagine della battaglia, del processo, della tortura e della morte dei prigionieri.
Le divinità occupano nuovamente tutta la parte superiore della volta, mentre l'halach-vinik, la sua famiglia, i batab e altri dignitari assistono alla danza eseguita sui gradini della piattaforma, in segno di gratitudine agli dei per il lieto fine del conflitto sociale. *

* (Esistono altre interpretazioni delle trame raffigurate negli affreschi di Bonampak. - Vedi a riguardo: Kinzhalov R. V. La cultura degli antichi Maya. L., 1971, pag. 210-214)

Ovvio carattere storico eventi riflessi nei dipinti murali di Bonampak. Lo stile dei dipinti è realistico e dinamico. Con genuina naturalezza, trasmette la drammatica tensione vissuta da tutti i partecipanti agli eventi rappresentati, sia gentiluomini che contadini, ciascuno nel ruolo che era destinato a svolgere.

Palenque

Tracce di pitture murali sono state scoperte in diversi edifici di Palenque, per lo più in pessime condizioni. Nell'edificio cosiddetto “E” la facciata era dipinta dalla base fino al livello dell'architrave. 75 identificati motivi decorativi di carattere geometrico, su un numero totale stimato di circa 150, determinato dalle tracce rimanenti. È stato possibile accertare che nell'angolo interno nord-occidentale dello stesso edificio si trovava ormai un dipinto completamente distrutto, che comprendeva una figura umana. L'ingresso settentrionale conserva parte di ciò che costituiva la cornice interna; i motivi laterali potevano raffigurare una simbolica striscia d'acqua o il corpo di un serpente accompagnato da pesci.

Nell'edificio "C" l'artista contemporaneo Villagra, sulla base di alcuni elementi riconoscibili, avrebbe restaurato una scena di offerta simile a quella del pannello "Palazzo" e del "Pannello degli Schiavi". Nella galleria nord copiò un'iscrizione geroglifica disegnata a mano su una striscia che formava un quadrato, purtroppo molto distrutta. All'ultimo piano della torre è stato ritrovato anche un frammento di una possibile iscrizione calendariale.

Nonostante si trovi a più di 300 km da Petén, questo monumento del distretto di Puuk conserva murales tematicamente e stilisticamente legati a quelli di Washaktun, da cui è cronologicamente separato da due secoli. È chiaro che la tradizione della pittura storica era diffusa in epoca classica, sia nella zona centrale che in quella settentrionale.

In alcune stanze degli edifici di Chakmultun, costruiti nel periodo tardo classico, le pareti interne e le volte erano dipinte. C'erano diverse scene divise in sezioni, apparentemente di natura secolare. Coinvolgono numerosi personaggi raffigurati sullo sfondo di sagome di strutture architettoniche (piattaforma, scala, tempio o abitazione con tetto di palma). Ad eccezione del copricapo, che è piuttosto vario, i personaggi indossano pochi vestiti; hanno armi, ombrelli e altri oggetti. Alcuni stanno immobili, altri camminano, salgono i gradini, portano armi, danno ordini. La composizione su un piano è ben organizzata.

Disegno dal "Pannello degli Schiavi" di Palenque

La somiglianza con la pittura Maya del periodo classico è evidente. Tuttavia, i movimenti qui sono enfatizzati in modo un po' ingenuo e lo stile è piuttosto provinciale, il che, tuttavia, è naturale, data la posizione di questo monumento nel quadro politico a cui apparteneva. Tuttavia, questi murali sono un buon esempio di arte pittorica classica nella zona settentrionale.

Mulchik

Mentre il dipinto di Chakmultun è abbastanza vicino a quello di Washaktun, i dipinti di Mulchik, piccolo monumento nel distretto di Puuc vicino a Uxmal, somigliano, sia pure debolmente, a quelli di Bonampak, più o meno contemporanei.

I temi sono abbastanza simili, poiché riguardano principalmente la battaglia e il sacrificio dei prigionieri. Tuttavia, alcune differenze ci fanno pensare che il conflitto militare qui potrebbe avere cause diverse da quelle di Bonampak. Alla lotta partecipano solo persone comuni, quasi nude, senza alcun attributo che possa indicare la loro elevata origine sociale. Il combattimento tra due gruppi di persone avviene senza l'utilizzo di altre armi oltre alle grosse pietre rotonde. I morti giacciono a terra; impiccati sono raffigurati nelle vicinanze. Sopra i combattenti si vede un uomo dipinto di nero che tiene in mano un coltello. Ai lati di questa scena si trovano diversi personaggi con ampi e ricchi copricapi guarniti di piume (come a Uxmal), con una maschera dalla cui bocca esce un serpente, e con numerose decorazioni e nastri sulle braccia e sulle gambe.

Non si sa quali fossero i rapporti tra questi importanti signori e i combattenti persone normali, ma nella scena sulla parete opposta, due carnefici, dipinti di nero, armati di grossi coltelli, sono raffigurati mentre si apprestano a uccidere due persone di alto rango distese sul pavimento.

Come ipotesi, possiamo supporre che l'evento storico che si voleva perpetuare non lo fosse rivolta contadina contro i governanti locali, come a Bonampak, ma dall'azione dei Batab di Mulchik contro i governanti di Uxmal, un centro più grande da cui dipendeva Mulchik. I padroni di entrambi gli insediamenti non parteciparono alla battaglia, ma i leader della rivolta fallita furono sacrificati.

Davanti a noi c'è di nuovo un'immagine che cattura, a quanto pare, un momento storico importante. usato qui mezzi artistici molto più modesto che a Bonampak. Tuttavia, i creatori di questa composizione sono riusciti a trasmettere tutta la drammaticità degli eventi.

Chichén Itzá

Il passaggio dal classico al postclassico significò per lo Yucatan la sostituzione della classe dirigente maya con sovrani stranieri che erano portatori della cultura tolteca a noi nota da Tula, o Tollan, come veniva chiamata nelle antiche fonti storiche. Oltre al dominio politico, gli invasori imposero nuove credenze e nuove divinità, i loro gusti e tecniche artistiche, che gradualmente si fusero con le tradizioni Maya. Nella pittura, questi cambiamenti si riflettevano allo stesso modo dell’architettura e della scultura.

Ad eccezione di rari esemplari rinvenuti nel "Monastero delle Donne", tutti gli altri dipinti murali appartengono al primo periodo post-classico (secoli XI-XIII) e mostrano chiaramente l'origine tolteca, sebbene alcuni dettagli della composizione delle singole scene e l'abilità tecnica ci portano a supporre che molti di questi dipinti siano realizzati da artisti Maya. Di seguito consideriamo i dipinti principali rinvenuti in due edifici del "Tempio dei Guerrieri", posti uno sopra l'altro, e nel "Tempio dei Giaguari", che fa parte del complesso del gioco della palla.

Scena di battaglia dal Tempio dei Guerrieri a Chichen Itza

All'edificio trovato sotto il "Tempio dei Guerrieri" fu dato il nome di "Tempio di Chakmool". Dipinti che conservavano la loro luminosità sono stati trovati su singole pietre di muri crollati. Questi dipinti sono stati copiati. Quindi sono stati parzialmente in grado di determinare il loro ordine originale, che ha permesso di ripristinare le scene che un tempo ne erano composte.

Le pietre facevano parte del rivestimento dei banchi posti lungo le pareti e che circondavano l'altare. Raffigurano due gruppi di persone, per lo più guardando l'altare. I quattordici personaggi del lato sud (probabilmente sacerdoti) siedono su panche ricoperte di pelli di giaguaro; i loro costumi sono sontuosi e comprendono elaborati copricapi piumati, maschere da cui esce un serpente, gonne lunghe, mantelli corti; sono raffigurati scudi, scettri serpentini e offerte adagiate su piatti. Le persone sedute dal lato opposto sono guerrieri armati di giavellotti e scudi; sono presentati di profilo su troni a forma di giaguaro. Guerrieri e sacerdoti non hanno caratteristiche Maya.

Toccheremo ora il "Tempio dei Guerrieri", situato sopra il "Tempio di Chakmool" e costruito più tardi nel tempo rispetto ad esso. Le pietre rinvenute tra i detriti di costruzione dei muri crollati hanno conservato tracce di vernice. Di conseguenza, diverse scene dell'epica e contenuto storico. Gli elementi recuperati della parte occidentale del muro che divideva il tempio in due ambienti contengono i seguenti motivi:

uno specchio d'acqua circondato da una fascia di pietra, dove cammina un facchino e dove combattono diversi guerrieri, i cui corpi sono dipinti con linee orizzontali rossastre; qui sono raffigurati anche un tempio e una barca, probabilmente catturati da un guerriero;
le capanne del villaggio e il tempio vengono attaccati da guerrieri i cui corpi sono anch'essi ricoperti di corde;
un corteo di prigionieri nudi, striati e con le mani legate, guidati da guerrieri dipinti di nero; in fondo a questa scena c'è un serpente piumato.

All'interno del santuario, pietre dipinte compongono una scena divisa orizzontalmente in due parti, formando un unico complesso tematico. Qui si tenta di esprimere alcuni eventi reali: sotto c'è il mare, lungo il quale galleggiano diverse barche con due guerrieri ciascuna; i loro corpi sono dipinti del colore del caffè scuro; sono armati di dardi, lancia-lance e scudi, cioè armi caratteristiche dei Toltechi; un guerriero ha un corpo leggero; nella parte superiore della scena è raffigurato un villaggio situato in riva al mare, i cui abitanti sono impegnati nel lavoro quotidiano; i tetti di palma di diverse capanne e del tempio sono avvolti dalle fiamme e un serpente piumato emerge dal tempio. Questi frammenti indicano che l'argomento è imbiancatura fu associato alla conquista dello Yucatan settentrionale da parte dei Toltechi.

Diverse pietre raffigurano sacrifici umani; un uomo dalla carnagione chiara, trattenuto da due persone dipinte di nero, attende un colpo al petto, che dovrebbe essergli sferrato da un nakoma, anch'egli dal corpo nero; la vittima giace sulla curva di un serpente piumato, che funge da pietra sacrificale. Sul versante esterno settentrionale dello stesso edificio è raffigurato un corteo. figure umane privo di carne e con coltelli, teste umane mozzate e un braciere ardente.

Piccolo tempio imponente piattaforma est il complesso del gioco della palla, era chiamato “Tempio dei Giaguari” per via dell'immagine di un corteo di giaguari presente nella decorazione della facciata.

Il tempio è composto da due ambienti; l'interno, a quanto pare, era interamente dipinto. Purtroppo i dipinti sono gravemente danneggiati. Quello più conservato e famoso raffigura una battaglia alla quale partecipano più di 100 personaggi. La parte superiore del murale ci dipinge un quadro della vita pacifica del villaggio Maya; segue poi la scena di un attacco contro di lei da parte di guerrieri stranieri. Anche se su piccola scala, numerosi guerrieri sono mostrati in battaglia armati di lance, giavellotti, lancia-lance e scudi, e la confusione della battaglia è espressa in vari modi, come con le lance incrociate; tutto questo è trasmesso in un ritmo molto dinamico. In un'altra sezione della stessa stanza è rappresentata una scena di sacrificio umano, dove un gruppo di guerrieri, presenti a questo atto rituale, danza attorno al prigioniero.

Dall'altra parete puoi vedere una grande barca rossa con guerrieri. I murales a Chichen Itza sono di natura narrativa in cui le scene si riflettono Vita di ogni giorno e religioso-simbolico - dove viene rappresentata la morte o il sacrificio. Gli artisti, siano essi Toltechi o Maya, si impegnarono, soprattutto in scene di battaglia, glorificano la casta militare dei conquistatori e lasciano ai posteri una descrizione delle sue imprese.

DI modo creativo artisti di Chichen Itza, si può dire che hanno raggiunto il loro obiettivo con mezzi avari espressività artistica limitandosi all'essenziale e senza entrare troppo nei dettagli.

Santa Rita

Alla fine del secolo scorso, nei pressi di Corozal, in Belize, furono scoperte diverse colline artificiali. In uno di essi c'era un edificio, sui cui muri esterni erano conservati i murali. Furono copiati, ma presto morirono. Ci porta il dipinto murale di Santa Rita mondo dell'arte, abbastanza diverso da quello di cui ci siamo occupati finora. Non vi è stato alcun tentativo di perpetuare un fatto storico o di glorificare i governanti.

Ecco il mondo mitologico descritto in molti codici preispanici. Sotto la simbolica "cintura" celeste, simile alla "cintura" dei codici mixtechi, lungo una striscia di terra, anch'essa condizionale, decorata con frecce, coltelli sacrificali e fiamme, camminano numerosi personaggi con decorazioni complesse, tra cui elmi di animali, maschere, più vestiti uno sopra l'altro; queste persone compiono azioni che difficilmente potrebbero essere interpretate in un contesto storico reale. Si tratta probabilmente delle divinità che partecipano al corteo; alcuni sono collegati con delle corde, altri si siedono e parlano, i loro corpi e i loro volti sono dipinti.

La scena più comprensibile raffigura due persone separate da un tamburo ornato da un teschio umano, che deve cantare a giudicare dal doppio getto di vortici-parole che escono dalla sua bocca; sopra il tamburo c'è un disco solare con raggi triangolari, occhi di stella e testa di rettile, molto simile a quello a noi noto dai codici messicani o mixtechi. Il volto del personaggio che suona il tamburo è coperto da una maschera raffigurante un teschio, indossa un copricapo piatto, terminante con un pennacchio e un serpente; il suo corpo non è visibile, come la maggior parte delle figure, a causa delle vesti incredibilmente sontuose, degli ornamenti di potere e degli ornamenti. Un altro personaggio, anche lui con abiti magnifici e un elaborato copricapo, tiene due teste umane mozzate davanti al batterista. Queste immagini sono accompagnate dai geroglifici del calendario Maya, che sono dominati dal segno Achab insieme a numeri di punti e strisce.

I murali di contenuto religioso e mitologico di Santa Rita furono realizzati nel tardo periodo postclassico in uno stile molto simile allo stile dei codici mixtechi, allo stile del Codice Borgia e anche allo stile dei murali mixtechi di Mitla. Per l'artista corpi umani non importava; particolare attenzione doveva essere posta all'abbigliamento, agli attributi di potere, alla pittura del viso, a tutti gli elementi che caratterizzavano le divinità.

In diversi edifici di questa città sono stati conservati frammenti di dipinti che in precedenza ricoprivano la maggior parte delle facciate e delle pareti interne (si tratta dei templi conosciuti come il "Dio dell'Immersione", "Tempio degli Affreschi" e "Castillo"). Ancora una volta abbiamo temi religioso-mitologici espressi, come in Santa Rita, in uno stile molto simile a quello dei codici. I motivi includono scene con da uno a tre divinità partecipanti, tra le quali predominano la dea della vegetazione e il dio della pioggia; inoltre, c'è un'antica divinità che potrebbe essere Itzamna. La dea macina i chicchi di mais sul metate; un prete con una maschera di turchese e madreperla, con un copricapo decorato con una conchiglia, tiene in mano un sacchetto con incenso (copale).

Il tema centrale sembra essere la dipendenza della vegetazione dalla pioggia e il richiamo ai riti necessari per garantire buoni raccolti. Le figure sono meno statiche e non così sovraccariche di dettagli come in Santa Rita. Colori utilizzati: bianco, nero, blu turchese e molto raramente rosso.

Disegno basato sul "Tempio degli affreschi" di Bonampak, che rappresenta diversi strati della società

I dipinti murali di Tulum appartengono al periodo tardo postclassico (XIII - fine XV secolo). Si tratta di vere e proprie pagine di codici riprodotte sulle pareti. E sebbene in essi siano evidenti influenze aliene (Toltechi, Aztechi, Mixtechi), tuttavia sono più vicini alla cultura Maya.

museo interattivo- un acquario che abbia funzionalità sia educative che di intrattenimento, lavorando in un unico pacchetto (Intrattenimento educativo - Edutainment).

L'opera ha partecipato al Concorso FUTUWAWA 2014.
Fonte immagine: futuwawa.pl

L'argomento della mia tesi magistrale è "Tempo libero e formazione in architettura – Acquario di Varsavia". L’architettura è un riflesso dei processi che avvengono nella società. Le attività che combinano tempo libero e istruzione sono un elemento importante della vita sociale. L'autore ha scelto questo argomento a causa del fenomeno dei musei interattivi che attira costantemente folle di visitatori. Varsavia è la più grande città polacca, con una popolazione di 2 milioni di abitanti, ma non dispone di centri ricreativi o di intrattenimento. La città è separata dal fiume, sul quale si trovano ampie aree non edificate. Uno dei luoghi che uniscono svago e istruzione a Varsavia è il Giardino Zoologico e il Centro Scientifico Copernico. Lo ZOO è un luogo molto popolare, ma è più attraente durante le giornate calde, quando le persone scelgono volentieri di passeggiare con i propri bambini, e il Copernicus Science Center gode di una popolarità estremamente elevata costantemente, indipendentemente dalle condizioni meteorologiche. Nell'era dei nuovi media, soprattutto tra i giovani, i film sugli animali sono molto popolari. Nella parte teorica del lavoro, l'autore studia come le persone scelgono le forme di trascorrere del tempo libero, cosa influenza questo cambiamento nei costumi e nella cultura della società. L'autore spiega i concetti di tempo libero, introduce brevemente le teorie legate a questo tema e presentare il diversi aspetti di questo fenomeno sopra il secoli. Utilizzando i "Poli del tempo libero" del CBOS, il documento presenta i problemi del tempo libero attualmente esistenti in Polonia. La parte teorica si concentra sugli aspetti culturali ed educativi legati alla ricreazione e descrive le tipologie di edifici legati all'intrattenimento e all'istruzione. L’idea del progetto si basa sulla creazione dell’Oceanic Educatum – il luogo attraente che unisce educazione e intrattenimento. L'edificio si trova a Varsavia, sul fiume Vistola, nello spazio adiacente al Centro scientifico Copernicus e alla Biblioteca dell'Università di Varsavia. Sul tetto dell'edificio è presente una passerella che collega le due sponde della Vistola. E può inserirsi nel percorso culturale-didattico di nuova concezione, alternativo al percorso dei musei storici che si sviluppa lungo la storica Via Regia. L'edificio combina le funzioni educative e di intrattenimento sotto forma di City Aquarium. Inoltre, il progetto prevede la possibilità di affittare parte dell'edificio per organizzare attività per bambini e adulti, in modo che l'edificio possa esistere anche come centro culturale. La sala pubblica può essere affittata per eventi, e una parte della mostra può essere una libreria, il luogo dove leggere libri senza doverli comprare. L'edificio è progettato per raccontare ai visitatori una storia completa sugli oceani e sugli animali che vivono nell'acqua, dove verranno proiettati film e conferenze sugli animali. L'interno dell'edificio è concepito come un percorso tematico organizzato a partire dall'ultimo piano (accessibile dall'atrio principale con rampe mobili) o direttamente dalla passerella. L'obiettivo del progetto era quello di creare una storia continua, supportata dagli animali presentati, dalla mostra interattiva e dal design degli interni. Il City Aquarium è aperto a persone di tutte le età e il suo obiettivo principale è sensibilizzare i visitatori sugli oceani in modo attraente e offrire buon intrattenimento.

"Montagne urbane sul territorio dell'UST (Fabryka Samochodów Osobowych S.A. - Fabbrica automobilistica)" | Montagna cittadina nell'area della fabbrica automobilistica FSO

Un complesso di tre montagne urbane nell'ex sito di prova dell'UST. Sulle cime delle montagne si trovano edifici residenziali indipendenti con giardino.

Autori: Maja Wrońska, Anna Majewska.
L'opera ha partecipato al Concorso FUTUWAWA 2013.
Fonte immagine: futuwawa.pl

Il progetto prevede la realizzazione di un insieme di tre montagne cittadine sull'ex pista di prova dell'UST. Sul pendio della montagna più alta sono progettate case unifamiliari con giardino. L'accesso agli edifici è possibile da una rampa elicoidale attorno alla collina. Sulla seconda collina si trovano i servizi, sulla terza sono disponibili un asilo, una scuola e un centro sportivo con una squadra di calcio per i giovani del quartiere Praga. Gli edifici demoliti hanno permesso di progettare un parco ricreativo nell'area circostante. Numerosi prati generano biomassa che, opportunamente lavorata, potrebbe essere bruciata nell'inceneritore situato all'interno della montagna più alta.

La MONTAGNA DELLA CITTÀ genererebbe un nuovo:

QUALITÀ DELLA VITA SOCIALE – montagna: accumulo di edifici – disponibilità di tante funzioni diverse in un piccolo territorio – case con giardino – più appartamenti – liberazione di terreno – parco – un grande spazio pubblico – spazio per lo sport e il tempo libero per gli abitanti di Varsavia – educazione attraverso lo sport per i giovani del distretto di Praga.
RISPETTO PER L’AMBIENTE – edifici demoliti – risparmio di spazio – accumulo di funzioni – biogas – energia verde – utilizzo di materiale facilmente accessibile e attualmente sprecato per produrre energia (erba del parco e aree verdi circostanti di Varsavia) – parco – un parco paesaggistico naturale sulla riva del fiume Vistola – nessuna distruzione dell’ecosistema – un grande spazio biologicamente attivo, combustibile biogas.
QUALITÀ DELL’ARCHITETTURA – ripristino della vita sociale a più livelli in un’area postindustriale e degradata – case con giardino a 15 minuti dal centro città – conservazione della sponda naturale del fiume Vistola.

"Produzione verde - un'iperstruttura per 15.000 abitanti sul territorio dello stabilimento metallurgico di Varsavia" | Produzione verde – una iperstruttura per 15.000 abitanti nell’area delle ferriere di Varsavia

Progetto studentesco di un'iperstruttura urbana con una capacità di 15.000 abitanti sul territorio dello stabilimento metallurgico abbandonato di Varsavia. Il progetto prevede la creazione di un polo dell'industria tessile in questa zona della città. L'iperstruttura è divisa in strutture più piccole, costituite da 7 elementi a forma di fiore, che comprendono edifici residenziali, siti industriali, siti agricoli, scuole, asili nido, università, parchi, una chiesa e un cimitero. Si prevede di trasferire il traffico automobilistico al livello sotterraneo, la superficie terrestre è destinata esclusivamente alla circolazione dei pedoni e dei trasporti pubblici.

L'opera ha partecipato al Concorso FUTUWAWA 2012.
Fonte immagine: futuwawa.pl

Progetto studentesco di una struttura situata nella zona industriale degradata delle Ferriere di Varsavia, finalizzato a renderla attrattiva e reinserirla nel tessuto urbano, realizzato nel Laboratorio Indipendente di Progettazione Industriale e dei Grandi Spazi della Facoltà di Architettura di Varsavia Università della tecnologia. La progettazione di un centro di tessitura comporterà la migrazione di persone in questa zona della città. L'aumento dell'intensità dello sviluppo e quindi l'aumento della domanda di energia è stato affrontato con la coltivazione di piante energetiche e alghe. L'intera struttura è suddivisa in sistemi più piccoli costituiti da sette unità, visibili come un “fiore” dall'alto, e comprende un'unità abitativa, un'unità industriale, un'unità coltivativa e scuole, asili nido, un collegio, parcheggi, aree ricreative, una chiesa e un cimitero. Le strade per le auto si trovano sottoterra, la superficie è progettata per i pedoni e il trasporto pubblico (autobus). La struttura può ospitare 15.000 persone.

Maya Myakila (Mia Mäkilä) è una famosa artista svedese affetta da schizofrenia. Lei stessa ha imparato a disegnare e, in generale, si considera una persona poco istruita. È nata il 21 marzo 1979 nella città di Norrköping, ora vive a Stoccolma, dove è attivamente impegnata nella creatività. Oltre alla realtà circostante, Maya si ispira al lavoro dei registi. David Lynch, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock, Roy Andersson, Terry Gilliam e Tim Burton sono i suoi preferiti. Tra gli artisti: Gironimo Bosch, Pieter Brueghel, Francisco Goya, Jean-Michel Basquiat e i maestri di Disney Studio. Se osservi attentamente il suo lavoro, puoi chiaramente rintracciare le sue influenze.

Il suo lavoro può essere considerato come un grido di aiuto, una ragazza malata e infelice. Ma chi siamo tu e io per condannare e insegnare al "malato", e forse a un autore brillante? Forse, se non fosse per la malattia, queste opere non esisterebbero? Puoi ricordare come David Lynch abbia rifiutato l'aiuto psicoterapeutico, sospettando che di conseguenza non sarebbe stato in grado di realizzare il suo strano film.

I motivi più comuni nei dipinti e nei collage di Maya sono la famiglia, la solitudine, la deformità spirituale e la morte. scatti di gruppo volti sfigurati e corrotti, sullo sfondo di un mondo utopico o vuoto. Ma sono corrotti? L'artista sembra rivelare volti luminosi con un pennello. Rivelare i mostri nascosti sotto la maschera. In questi disegni, persone comuni che sono arrabbiate, mentono e distruggono. E provano paura.

Ognuno di noi è malato a livello subconscio e ognuno riversa i suoi pensieri, la sua energia in modi completamente diversi. La solitudine e il desiderio sono travolgenti, ci anneghiamo quando non c'è nessuno intorno tranne noi stessi e i nostri pensieri. Che schizzano fuori: per qualcuno sotto forma di suicidio e per qualcuno sotto forma di creatività. Questa è una catena infinita sotto il nome forte di sistema, che dura per sempre. Gira come una ruota, ma se il sistema è eterno, sfortunatamente la vita non lo è. Maya, senza paura, taglia i corpi con forbici affilate e incolla insieme pezzi e frammenti di storia: il nostro mondo, che ci presenta dal punto di vista di un pazzo. Dal punto di vista della normalità, ma viceversa, perché chissà, magari in queste foto adesso siamo con voi.

L’artista stessa si racconta brevemente:

(Crollo)

Maya Myakila - Artista svedese, schizofrenica. Conosciuta per i suoi dipinti psichedelici e terrificanti. Nata il 21 marzo 1979 a Norrköping, Svezia. Attualmente vive e lavora a Stoccolma, Svezia. È un'artista svedese nota per la sua mancanza di istruzione.

L’artista stessa si racconta brevemente:
"Penso che mi chiamino 'Pittore della paura' perché mi occupo di emozioni difficili e temi come paura, desiderio, follia, rabbia e dolore sono presenti nella mia arte. Ma mi ispiro principalmente a film e registi come David Lynch, Ingmar Bergman, Alfred Hitchcock, Roy Andersson, Terry Gilliam e Tim Burton e artisti - Hieronymus Bosch, Pieter Brueghel, Francisco Goya, Jean-Michel Basquiat e i maestri dello Studio Disney negli anni '30 e '40..

Secondo l'autore di immagini così terribili, la stessa cosa nella vita per lei - la verità. “Ebbene, c’è ancora l’amore e l’arte, e forse sono più importanti, ma se non viviamo sinceramente non possiamo amare veramente una persona, e se non diciamo la verità sulle opere d’arte, allora niente arte e niente discorso non può essere”, dice l'artista.

È la verità che considera l'obiettivo principale dei suoi terribili dipinti. Anche se è abbastanza terribile verità. Mia Makila tocca tanti argomenti: politica, amore, persone, vita in generale. A giudicare dai dipinti di Mia, non esiste verità al mondo che nasconda qualcosa di buono. Mi chiedo come Mia stessa sappia che tutto questo è vero? In un modo o nell'altro, trova nei suoi dipinti l'incarnazione dei suoi demoni e incubi, delle sue paure e dei suoi dolori, li dipinge per liberarsene. Nei suoi dipinti c'è davvero molta roba da incubo: immagini raccapriccianti e incongrue. Raccolti da una logica inspiegabile in un unico posto.