معرفی. 3
1. موسیقی در نظام هنر 6
1.1. 6
1.2. موسیقی و نقاشی 18
1.3. موسیقی و ادبیات 26

2. ویژگی های آموزش موسیقی به کودکان کوچکتر سن مدرسه ________________________________________________________34
2.1. ویژگی های عمومی سیستم آموزش اضافی برای دانش آموزان 34
2.2. درک موسیقی توسط کودکان دبستانی 36
2.3. توصیه های روش شناختی برای آموزش موسیقی در پایه های ابتدایی 46

نتیجه. 54
کتابشناسی - فهرست کتب. 58
پیوست 1. 59
ضمیمه 2 60

1. موسیقی در سیستم هنر

1.1. ویژگی های هنر موسیقی

مانند دیگر انواع فعالیت های معنوی انسان، موسیقی وسیله ای برای درک جهان است. به انسان داده شده استتا یاد بگیرد خود را درک کند، زیبایی های جهان را ببیند و معنای زندگی را درک کند. رابرت شومان گفت: موسیقی زبان احساسات است. اما موسیقی فقط در اواخر رنسانس، در آستانه قرن 16-17 شروع به یادگیری بیان احساسات کرد. زمانی بود که انسان خود را به عنوان فردی قادر به تفکر، احساس و خلق می‌دانست، زمانی که هنر سکولار شکوفا شد و اپرا متولد شد. بیان احساسات و عواطف انسانی در قرن هجدهم به وظیفه اصلی هنر موسیقی تبدیل شد و در عصر رمانتیسم، دنیای عواطف و احساسات به حوزه اصلی تبدیل شد که آهنگسازان در جستجوی مضامین، تصاویر و حتی ابزار به آن روی می آورند. بیان

احساسات، صداها، طرح هایی از زندگی پیرامون، حرکت... اما آیا دنیای ایده ها تابع موسیقی نیست؟ بتهوون گفت: «هر اثر واقعاً موسیقایی یک ایده دارد. ایده ای که در سمفونی پنجم معروف خود بیان شد، خود نویسنده چنین فرموله کرد: "از تاریکی به روشنایی، از طریق مبارزه تا پیروزی". اصلاً لازم نیست که این کلمه به موسیقی در تجسم ایده ها کمک کند - چه باشد برنامه ادبی، لیبرتو اپرا، کتیبه شاعرانه یا توضیحات نویسنده. ما برنامه سمفونی ششم چایکوفسکی را که به گفته خود آهنگساز در تخیل او وجود داشته است، نمی دانیم، تعداد کمی از اظهارات پراکنده چایکوفسکی را می شناسند که محتوای فیگوراتیو و ایدئولوژیک اثر را مشخص می کند. با این حال، بعید است که کسی شک کند که این موسیقی درباره مرگ و زندگی است، در مورد آشفتگی روح انسان، درک ناگزیر غم انگیز عزیمت. Kabalevsky D. آموزش ذهن و قلب مسکو، روشنگری، 1981

عواطف و احساسات، حرکت و تغییر، ایده‌ها و بازنمایی‌ها، زندگی روزمره و طبیعت، واقعی و خارق‌العاده، بهترین تفاوت‌های ظریف رنگ‌ها و تعمیم‌های بزرگ - همه چیز برای موسیقی قابل دسترسی است، هرچند نه به همان میزان. هنر موسیقایی چه ابزاری دارد، چه قاعده مندی بر اساس آن است، در چه قالب هایی چنین محتوای متنوعی را بیان می کند؟

موسیقی در یک سیستم مختصات خاصی وجود دارد که مهمترین ابعاد آن فضا و زمان صوتی است. هر دو بعد ویژگی های اصلی و عمومی موسیقی را تشکیل می دهند، اگرچه تنها بعد اول مخصوص آن است - گام. از هزاران صدای دنیای اطراف، فقط صداهای موسیقی می توانند به موسیقی تبدیل شوند (نویز و جلوه های کوبه ای حتی در آثار آهنگسازان آوانگارد مدرن به طور بسیار انتخابی استفاده می شود). اما خود صدای موسیقی را نمی توان نه از نظر احساسی و نه از نظر زیبایی شناختی درک کرد. هنوز موسیقی نیست، بلکه مجموعه ای از صداهای موسیقایی است که می توان آنها را به پالت یک هنرمند یا مجموعه کلماتی که یک شاعر در اختیار دارد تشبیه کرد.

اعتقاد بر این است که ابزارهای بیانی اصلی موسیقی ملودی، هارمونی و ریتم هستند.

حامل معنا و کوچکترین واحد ساختاریزبان موسیقی لحنی است که وجود آن پیوند عمیق بین دو جهان - کلامی و صوتی - را مجدداً تأیید می کند و ثابت می کند که در آغاز موسیقی نیز "کلمه ای وجود داشته است". با این حال، در اینجا مفهوم لحن معنای متفاوت، بسیار عمیق تر و جامع تر می یابد. آکادمیسین B. Asafiev بسیار دقیق در این مورد گفت: "موسیقی هنر معنایی است (مورب من. - L.A.)". به یاد بیاورید که یکی از معانی کلمه "تن" صدا است، ماهیت صدا. از این رو برخی از اصطلاحات موسیقی - تونیک، تونالیته، آهنگ، آهنگ. مولدهای بسیاری از لحن های موسیقی، آهنگ های گفتار انسان بودند، اما نه معمولی، بلکه آنهایی بودند که در لحظه های واضح ترین بیان احساسات یا احساسات ظاهر می شوند. لحن های گریه، شکایت، تعجب یا سوال از زندگی وارد موسیقی شده و حتی بدون اینکه با این کلمه مرتبط باشد (مثلاً در ژانرهای ساز)، معنای عاطفی و روانی اولیه خود را حفظ می کند. مرثیه دیدو از اپرای جی. پرسل "دیدو و آئنیاس"، نوحه احمق مقدس از اپرای "بوریس گودونف" اثر ام. موسورگسکی، احساسات غم انگیزی را به وضوح بیان می کند که قسمت چهارم سمفونی ششم چایکوفسکی یا مراسم تشییع جنازه از اف. شوپن. ششم صعودی - به اصطلاح انگیزه سؤال - در واقع کاملاً لحن پرسشی گفتار انسان را منعکس می کند. تصادفی نیست که اغلب توسط آهنگسازان رمانتیک مورد استفاده قرار گرفت و در آثاری با ماهیت عاطفی و غنایی، مانند مینیاتور معروف شومان "چرا؟" کاربرد گسترده ای یافت. از چرخه پیانو "قطعات شگفت انگیز". یک ویژگی اجباری اصل قهرمانی در موسیقی، لحن های ضروری و فراخوانی است - به ویژه، یک کوارت صعودی، که بر آخرین صدای آن یک استرس متریک می افتد. درست است، منشا آن نه تنها با گفتار، بلکه با موسیقی نظامی و سیگنال شهری (که عمدتاً برای سازهای بادی نوشته شده است) مرتبط است. با وارد شدن به خلاقیت حرفه ای موسیقی و از دست دادن عملکرد کاربردی خود ، این عناصر بی صدا دستخوش تغییرات قابل توجهی شده اند ، اما ماهیت بیان آنها ثابت مانده است - این یک چهارم پر انرژی و نقوش تریسونیک است که ماهیت تصویر اصلی را تعیین می کند (تاثیر). در آریاهای قهرمانانه سریال اپرای ایتالیایی، در آهنگ های انقلابی و سرودهای بزرگ، در سمفونی ارویکا بتهوون و شعر سمفونیک ریچارد اشتراوس، دون جووانی.

همه موسیقی ها ارتباط مستقیمی با آهنگ های گفتار نشان نمی دهند. اگر چنین بود، دامنه امکانات بیانی آن چندان گسترده نبود. به عنوان مثال، در مضامین یک انبار آهنگ، عناصر گفتاری به نظر می رسد که حل شده، صاف می شوند و اغلب اصلاً وجود ندارند - در چنین مواردی، توجه شنونده عمدتاً توسط خود خط ملودیک جلب می شود. زیبایی الگوی آن، انعطاف پذیری و گاهی عجیب و غریب شکل های صوتی. چنین است اپرای کانتیلنای ایتالیایی (نمونه کلاسیک کاواتینای نورما از اپرای به همین نام اثر وی. بلینی)، مضامین غنایی چایکوفسکی یا راخمانینوف (بخش آهسته دومین کنسرتو پیانوی او را به یاد بیاورید).

لحن در موسیقی معنای بیانی خاصی دارد، اما تمام جنبه های تصویر هنری را آشکار نمی کند و نمی تواند نقش سازنده و سازنده ای ایفا کند. این کارکردها توسط مضمون موسیقی - واحد معنایی و سازنده اصلی هر اثر موسیقایی است که با ملودی شناسایی نمی شود. ملودی، هر چقدر هم که مهم باشد، تنها یک طرف موضوع است. علاوه بر این، آثاری بدون ملودی به معنای معمول کلمه وجود دارد: پیش درآمدها و توکاتاهای دوران باروک، مقدمه ای بر اپرای واگنر "طلای راین"، تصویر سمفونیک لیادوف "دریاچه جادویی"، پیش درآمدهای دبوسی یا آثار آهنگسازان مدرن. - O. Messiaen، K. Stockhausen، A. Schnittke و بسیاری دیگر. با این حال، موسیقی بدون تم وجود ندارد. مضمون در عمیق ترین و جهانی ترین معنای، نوعی وحدت موسیقایی است که در آن همه ابزارها در تعامل هستند. بیان موسیقی: ملودی، حالت و هارمونی، متر و ریتم، بافت، تن، رجیستر و اجزای سازنده. هر یک از این عناصر دارای ویژگی های خاصی است که فقط ذاتی آن است و زمینه فعالیت خاص خود را دارد، یعنی وظایف تصویری و ترکیبی خاصی را انجام می دهد. Kabalevsky D. آموزش ذهن و قلب مسکو، روشنگری، 1981

ملودی. تصادفی نیست که او در صدر لیست ما بود. "توالی مونوفونیک صداها، یک تفکر مونوفونیک موسیقی" - اینها تعاریف نظری یک ملودی است. اما تفاسیر دیگری نیز وجود دارد. شوستاکوویچ گفت: ملودی یک فکر است، یک حرکت است، روح یک قطعه موسیقی است. آصافیف سخنان او را کاملاً تکمیل کرد: "ملودی غالب ترین جلوه موسیقی و قابل درک ترین و گویاترین عنصر آن بوده و هست." در واقع، همیشه هیچ چیز در میان نوازندگان به اندازه استعداد در ساختن ملودی ارزش قائل نبوده است. از تمام عناصر زبان موسیقی، هیچ چیز به اندازه ملودی به یاد نمی‌آید (چون ملودی‌های روسینی در خیابان‌ها توسط رانندگان تاکسی و تاجران کوچک درست روز بعد پس از نمایش اپرای‌هایش سوت زده می‌شد). هیچ چیز اینقدر مستقیم بر حس زیبایی شناختی یک شخص تأثیر نمی گذارد و هیچ چیز به اندازه یک ملودی نمی تواند تصویری کل نگر از یک اثر موسیقی را در ذهن ما بازگرداند. اما ملودی به خودی خود نمی تواند وجود داشته باشد. صداهایی که یک ملودی را تشکیل می دهند باید در یک سیستم خاص سازماندهی شوند که به آن حالت گفته می شود (معانی دیگر کلمه روسی "پسر" - دستور ، توافق ، تنظیم معقول و صحیح را به یاد بیاورید).

اقدامات تمام عناصر حالت هماهنگ است، هر یک از آنها به طور عملکردی با دیگران مرتبط است: یک عنصر مرکزی وجود دارد - تونیک و عناصر تابع آن. به همین دلیل، گرانش در موسیقی پدید می‌آید - میدان خاصی از جاذبه و دافعه، که باعث می‌شود برخی صداها را به‌عنوان پایدار، آرام، متعادل، و برخی دیگر را به‌عنوان ناپایدار، پویا و نیازمند وضوح بشنویم (ما مشابه این ویژگی را نخواهیم یافت. موسیقی در هر هنر دیگری) تنها با نیروی جاذبه جهانی قابل مقایسه است). صداهای موسیقایی یک ویژگی دیگر دارند. آنها را می توان نه تنها به صورت متوالی، بلکه به طور همزمان با یکدیگر ترکیب کرد و انواع ترکیبات - فواصل، آکوردها را تشکیل داد. این احساس ناهماهنگی یا بی‌معنی ایجاد نمی‌کند، که اگر دو نفر ناگهان شروع به صحبت با هم کنند، ناگزیر ظاهر می‌شود. در مقابل، ترکیبات صدا و توانایی گوش ما برای گرفتن آنها به عنوان چیزی جدایی ناپذیر، باعث ایجاد ویژگی های بیانی اضافی موسیقی می شود که مهم ترین آنها هارمونی است. ترکیبات صداها توسط ما به روش های مختلف درک می شود: گاهی اوقات به صورت همخوانی - همخوانی (از لاتین - توافق، همخوانی، هماهنگی)، سپس به عنوان ناهماهنگ، متناقض درونی - ناهماهنگی. یک مثال قابل توجهسازمان هارمونیک - ماژور کلاسیک یا مینور، که پایه و اساس موسیقی دوره ها و سبک های بسیاری شد. در این حالت‌های هفت مرحله‌ای، مرکز جذب و عنصر ثابت اصلی که گام‌ها، فواصل و آکوردهای ناپایدار را تحت الشعاع قرار می‌دهد، سه گانه تونیک (آکورد در پله اول حالت) است. هر آماتوری که می داند چگونه سه آکورد "امضا" را روی گیتار بنوازد - سه گانه تونیک (T)، ساب غالب (S) و غالب (D) با اصول سیستم تونال کلاسیک آشنا است. علاوه بر ماژور و مینور، حالت های بسیار دیگری نیز وجود دارد - ما آنها را در سیستم های موسیقی دنیای باستان، در موسیقی اولیه، در فرهنگ عامه، طیف آنها به طور قابل توجهی با کار آهنگسازان قرن بیستم گسترش یافت. Kabalevsky D. آموزش ذهن و قلب مسکو، روشنگری، 1981

هارمونی در شرایط هارمونی به وجود می آید، یعنی به شیوه ای خاص فضای صوتی سازمان یافته. هارمونی به معنای معمول این اصطلاح فقط در دوره باروک متولد شد، در آثار کلاسیک وین اشکال روشنی به دست آورد و در موسیقی رمانتیک به حداکثر پیچیدگی، ظرافت و تنوع رسید که موقعیت های پیشرو ملودی را متزلزل کرد. در موسیقی قرن بیستم، بسیاری از سیستم‌های جدید سازمان‌دهی هارمونیک پدید آمدند (به عنوان مثال، در میان امپرسیونیست‌های دبوسی و راول، مسیان یا استراوینسکی). برخی از آهنگسازان - از جمله راخمانینوف و میاسکوفسکی - به اصول کلاسیک - رمانتیک وفادار ماندند و هنرمندانی مانند پروکوفیف یا شوستاکوویچ در زمینه وسایل هارمونیک توانستند سنت و نوآوری را به طور ارگانیک با هم ترکیب کنند. عملکرد هارمونی بسیار متنوع و مسئولیت پذیر است. اولاً، اتصال "افقی" همخوانی ها را در یک قطعه موسیقی فراهم می کند، یعنی یکی از رهبران اصلی زمان موسیقی است. به دلیل تغییر هماهنگی های پایدار و ناپایدار، همخوان و ناهماهنگ، لحظات انباشتگی تنش، بالا آمدن و سقوط را احساس می کنیم - این گونه است که ویژگی های بیانی و پویا هارمونی تجلی می یابد. ثانیا، هارمونی باعث ایجاد حس رنگ صدا می شود، زیرا می تواند نور و درجه بندی های رنگی ظریف را به موسیقی بیاورد، اثر لکه های رنگارنگ مطابقت را ایجاد کند و تغییرات ظریف رنگ های ظریف را تغییر دهد. در دوره های مختلف، آهنگسازان مختلف ویژگی های خاصی از هارمونی را به طور متفاوت نشان دادند: کلاسیک ها در آن ارزش قائل بودند، اول از همه، توانایی اتصال منطقی همخوانی ها، فعال کردن روند توسعه موسیقی و ساختن یک ترکیب (که به ویژه در فرم سونات تلفظ می شد). رمانتیک ها به طور قابل توجهی نقش ویژگی های بیانی-عاطفی هماهنگی را افزایش دادند ، اگرچه نسبت به درخشندگی صدا بی تفاوت نبودند. آهنگسازان امپرسیونیست کاملاً خود را در تحسین رنگ صدا غوطه ور کردند - تصادفی نیست که نام این جهت مستقیماً با روند مشابهی در نقاشی اروپایی مرتبط است.

جلوه های ویژگی های بیانی حالت بسیار متنوع است. کلیدهای ماژور و مینور، که برای همه آشنا هستند، رنگ آمیزی احساسی و رنگی کاملاً مشخصی دارند: ماژور به نظر سبک، شاداب و با تصاویر شاد و روشن همراه است، موسیقی نوشته شده در مینور معمولاً رنگی تیره و تار است و مرتبط است. با بیان حالات غمگین-مالیخولیایی یا سوگوارانه. هر یک از 24 کلید توسط ما به روش های کاملاً متفاوتی درک می شود. حتی در دوره باروک، آنها دارای معنای نمادین خاصی بودند که تا به امروز برای آنها حفظ شده است. پس س ماژور با نور، خلوص، درخشندگی ذهن الهی همراه است; د ماژور بهترین گزینه برای بیان احساسات شادی و پیروزی است - این لحن مراسم عشای ربانی بتهوون، گروه های کر شاد و ستایش آمیز مراسم عالی باخ است - مانند "Gloria" ("شکوه") یا "Et resurrexit" ("و" دوباره افزایش یافت") در ب مینور - حوزه تصاویر غم انگیز غم انگیز، بیهوده نبود که باخ از این تونالیته در آن اعداد انبوه استفاده کرد. ما داریم صحبت می کنیمدر مورد قربانی و رنج عیسی.

پس هارمونی و هارمونی وجود موسیقی در فضای صوتی را تضمین می کند. اما موسیقی در خارج از دومین «محور مختصات» - زمان موسیقایی - که عبارات آن متر، ریتم و تمپو است - غیرقابل تصور است. کنتور می شکند زمان موسیقیبه بخش های مساوی - سهام متریک که به معنای نابرابر هستند: سهام حمایت (قوی) و غیرحمایت (ضعیف) وجود دارد. در چنین سازمانی به راحتی می توان قیاس با شعر را دید - این یک بار دیگر پیوند عمیق هر دو هنر را تأیید می کند. همانطور که در شعر، در موسیقی نیز مترهای دو قسمتی و سه قسمتی وجود دارد که تا حد زیادی ماهیت حرکت را تعیین می کند و حتی ویژگی های ژانراین یا آن کار بنابراین، یک متر سه ضرب، که در آن ضرب اول تاکید می‌شود، به ما امکان می‌دهد تا یک والس را تشخیص دهیم، و تناوب یکنواخت زمان‌ها در شرایط دو ضربی به گرفتن شروع راهپیمایی کمک می‌کند. با این حال، با تمام اهمیتش، متر تنها پایه است، فقط یک شبکه یا بوم است که روی آن یک الگوی ریتمیک اعمال می شود. این ریتم است که این یا آن ژانر را در موسیقی مشخص می کند و به هر ملودی فردیت می بخشد. اهمیت ریتم به ویژه در ژانرهای مختلف رقص مشهود است که هر کدام فرمول ریتمیک خاصی دارند. به لطف ریتم، حتی بدون شنیدن ملودی، می توان والس را از مازورکا، مارش را از پولکا، بولرو را از پولونز تشخیص داد.

پراهمیتسرعتی در موسیقی دارد - یعنی سرعت اجرا که به فرکانس تناوب ضربان متریک بستگی دارد. سرعت آهسته، سریع و متوسط ​​نه تنها با انواع مختلف حرکت، بلکه با ناحیه خاصی از بیان نیز مرتبط است. به عنوان مثال، نمی توان یک مرثیه عاشقانه را با تمپوی سریع یا یک کراکوویاک در سرعت یک آداجیو تصور کرد. تمپو تأثیر زیادی بر "حال و هوای ژانر" دارد - این ماهیت آهسته حرکت است که باعث می شود یک راهپیمایی تشییع جنازه را از یک راهپیمایی مته یا یک راهپیمایی شرزو متمایز کنیم و تغییرات اساسی تر در سرعت می تواند به طور کامل ژانر را بازنگری کند. - یک والس تغزلی آهسته را به یک شرزو سرگیجه‌آور تبدیل کنید، و یک مینوئت شجاعانه را به یک سرابنده باشکوه تبدیل کنید. اغلب تمپو و متر نقش تعیین کننده ای در ایجاد یک تصویر موسیقی دارند. بیایید دو مورد را با هم مقایسه کنیم آثار معروفموتزارت - موضوع قسمت اول سمفونی چهلم و آریا پامینا از پرده دوم اپرای "فلوت جادویی". آنها بر اساس همان لحن شکایت - lamento، رنگ آمیزی شده در زنگ های مرثیه G مینور هستند. موسیقی قسمت اول سمفونی شبیه یک سخنرانی آشفته است که در آن احساس مستقیماً بیرون می ریزد؛ احساسی از یک تکانه لرزان و تقریباً عاشقانه ایجاد می کند. اشعار آریا غم، عمیق، ناامید، گویی از درون زنجیر شده، اما پر از تنش پنهان است. در عین حال، تمپو تأثیر تعیین کننده ای بر شخصیت تصویر غنایی دارد: در مورد اول سریع است و در مورد دوم کند است و همچنین اندازه: در سمفونی دو قسمتی است. با نقوش ایامبیک در تلاش برای ضربی قوی، در آریا پامینا با ضربان سه قسمتی، نرم و روان تر است.

ابزار بیان موسیقی - ملودی، مترریتم، حالت و هارمونی - باید به شیوه ای خاص هماهنگ و سازماندهی شود، باید نوعی تجسم "مادی" پیدا کند. بافت مسئول این امر در موسیقی است که می توان آن را نوعی ارائه تعریف کرد مواد موسیقی، روشی برای ساخت یک پارچه موسیقی. انواع مختلفی از بافت ها وجود دارد. ما فقط دو اصل مهم را در سازماندهی بافت موسیقی مشخص می کنیم - چند صدایی و هموفونیک. اولین مورد در نتیجه ترکیبی از چندین صدای ملودیک مستقل به وجود می آید. اگر از همان مواد موضوعی در همه صداها به طور متناوب یا با مقداری همپوشانی استفاده شود، چند صدایی تقلیدی به وجود می آید - این نوع بافت در موسیقی کر سکولار و کلیسایی رنسانس غالب است، در آثار استادان پلی فونی باروک به طور گسترده ای نشان داده می شود. به ویژه در فوگ های باخ و هندل. اگر ملودی های مختلف به صورت عمودی ترکیب شوند، با چند صدایی متضاد روبرو هستیم. در موسیقی به اندازه تقلید گسترده نیست، اما در آثار بیشتر یافت می شود دوره های مختلفو سبک ها - از قرون وسطی تا به امروز. بنابراین ، در گروه سه گانه فرمانده ، دون جیووانی و لپورلو از اپرای موتزارت دون جووانی ، هر یک از شرکت کنندگان با احساس خود در آغوش گرفته می شوند ، بنابراین قسمت های آوازی قهرمانان که در یک گروه پلی فونیک ادغام می شوند ، در تضاد روشن با هر یک هستند. دیگر: درد و رنج در عبارات غم انگیز فرمانده بیان می شود، ترحم و ترس وحشتناک از مرگ در ملودی نافذ کانتیلنی دون جیووانی تجسم می یابد و لپورلو بزدل زمزمه اش را با لحنی زیر لب زمزمه می کند. نوع دوم بافت - هومفونی - دلالت بر حضور یک صدای ملودیک پیشرو و همراهی دارد. گزینه‌های متنوعی نیز در اینجا امکان‌پذیر است - از یک انبار آکورد ساده، که در آن صدای بالای آکورد نقش ملودیک را ایفا می‌کند (همخوانی باخ)، تا ملودی با یک همراهی توسعه‌یافته و فردی (شب‌های شوپن، پیش درآمدهای راخمانینوف). Kabalevsky D. آموزش ذهن و قلب مسکو، روشنگری، 1981

هر آنچه تا کنون مطرح شد برای موسیقی از اهمیت اساسی برخوردار است، اما تنها بر روی کاغذ موسیقی وجود دارد تا زمانی که در صداها تجسم یابد، زیرا صدا شرط ضروری وجود هنر موسیقی است. صدا چگونه تحقق می یابد، موسیقی چگونه معنای خود را به شنونده منتقل می کند؟ این راز در حوزه خاصی از ابزارهای بیانی نهفته است - کل دنیای صداها. صداهای انسانیو سازها - بادی های چوبی، برنجی، زهی و کوبه ای - به موسیقی نفسی زنده و تنوع شگفت انگیزی از رنگ ها می بخشد. آن ها هم به صورت جداگانه و هم در ترکیب های بی شماری اجرا می کنند که هر کدام دارای ویژگی های بیانی و رنگ بسیار خاصی هستند. تکنوازی آوازی بهترین تفاوت‌های عاطفی را نشان می‌دهد، و صدای یادبود و «فرسکو» گروه کر مختلط می‌تواند طاق کلیساها و سالن‌های کنسرت را تکان دهد. صدای یک کوارتت زهی، شگفت انگیز از نظر گرما و وحدت صداها، در عین حال احساس انعطاف پذیری و وضوح گرافیکی خطوط را ایجاد می کند. بادهای چوبی ناسازگار با شفافیت آبرنگ و شفافیت رنگ ها را مجذوب خود می کند.

فردیت صداها و سازها برای مدت طولانی مورد توجه آهنگسازان بوده است. تک‌نوازی‌های روح‌انگیز، مانند مضمون حرکت آهسته سمفونی چهارم چایکوفسکی، اغلب به ابوا اختصاص داده می‌شوند. زیبایی‌های درخشان و شفاف فلوت برای فلوت عالی است - بیهوده نیست که ریمسکی-کورساکوف از آن استفاده می‌کند و شخصیت زیبا، اما خالی از گرمای انسانی، دختر برفی را توصیف می‌کند. صدای طبیعت به طور سنتی به ندای بوق تبدیل می شود (به یاد بیاورید که در آلمانی این کلمه به معنای "شاخ جنگل" است - او است که مضامین شبانی را در اورتورهای وبر برای اپراهای "Oberon" و "Free Gunner" اجرا می کند). تصاویر مهلک و شوم تهدیدآمیز همواره با سازهای برنجی مرتبط هستند و سیم‌ها احساس گرما و بی‌واسطگی عاطفی بیانیه را می‌دهند (مضمون جانبی معروف قسمت اول سمفونی ششم چایکوفسکی را به یاد بیاورید).

مهم است که به یاد داشته باشید که همه ابزارهای بیان موسیقی ارتباط نزدیکی با هم دارند. اکثر آنها اصلاً به تنهایی وجود ندارند: مثلاً یک ملودی خارج از ریتم و هارمونی غیر قابل تصور است، بدون هارمونی و هارمونی بافتی نمی تواند به وجود بیاید، و ریتم اگرچه مستقل تر از همه عناصر دیگر است، اما "یک بعدی" است. و عاری از جوهر اولیه موسیقی - صدا. ارتباط متقابل همه ابزارهای بیان موسیقی به معنای واقعی کلمه در هر مرحله یافت می شود. در واقع، از توالی صرف صداهایی که با سرعت و ریتم دلخواه بازتولید می شوند، تشخیص حتی یک ملودی بسیار آشنا دشوار است. بیایید چند نمونه را با هم مقایسه کنیم - بگذارید موضوع چرنومور از "روسلان و لیودمیلا" گلینکا، لایت موتیف نیزه ووتان از "حلقه نیبلونگ" واگنر و تم پاس دو از باله "فندق شکن" باشد. ملودی های آنها عملاً یکسان است - همه آنها ساده ترین مقیاس نزولی را نشان می دهند. اما چه چیزی این مضامین را تا این حد متفاوت می کند - تا جایی که یکی از آنها نیروهای شر را تجسم می بخشد، دیگری نماد پیروزی عشق و خوبی است و سومی ایده ای کاملاً انتزاعی را بیان می کند؟ موضوع این است که ملودی‌های یکسان در شرایط کاملاً متفاوتی از لحاظ ریتمیک، هارمونیک، بافت و تِمبر قرار می‌گیرند: حالتی کاملاً لحنی غیرمعمول و اخروی، ریتمی که از نظر یکنواختی ابتدایی است، و توتی ارکستری مهیب با غلبه برنج جوهر موضوع جادوگر شیطانی را تشکیل می دهد. رنگ‌آمیزی تند کلید مینور طبیعی، ریتم راهپیمایی نقطه‌دار، نمایش یکپارچه زاهدانه و رنگ‌های ناشنوای تار سازهای زهی و برنجی ماهیت لایت موتیف واگنری را تعیین می‌کند. رنگ‌آمیزی روشن ماژور، رنگارنگی و نرمی هماهنگی ناپایدار روی ضرب قوی، انعطاف‌پذیری ریتمیک و صدای گرم و کامل سیم‌ها، مقیاس ساده را به یکی از زیباترین مضامین غزلی چایکوفسکی تبدیل کرده است. Kabalevsky D. آموزش ذهن و قلب مسکو، روشنگری، 1981

اکنون که عناصر مختلف زبان موسیقی را بررسی کردیم، پیچیدگی و تنوع پیوندهای آنها را دیدیم، لازم به یادآوری است که همه آنها تنها ابزاری برای بیان یک تصویر هنری هستند. اما به هر حال، در هنر موقت، تصویر هرگز بدون تغییر باقی نمی ماند، حتی برای نمایش آن زمان می برد. اگر چندین تصویر وجود داشته باشد، هم آنها و هم ادراک شنونده بیشتر به نوعی نیرویی نیاز دارند که کل مجموعه ابزارهای بیان را در یک جریان زمانی سازماندهی کند. این وظیفه در موسیقی توسط فرمی انجام می شود که پیچیدگی درک آن با این واقعیت تشدید می شود که فقط در لحظه اجرای یک اثر موسیقایی قابل درک است. از یک سو، فرم یک ترکیب یا ساختار یک اثر است که تمام اجزای آن را به هم پیوند می دهد. با هماهنگی و تعادل ترکیب، با هماهنگی نسبت اجزا و کل، شایستگی یک اثر موسیقی اغلب مورد قضاوت قرار می گیرد، بیهوده نبود که گلینکا گفت: "فرم به معنای زیبایی است." در عین حال، فرم یکی از عالی ترین جلوه های ماهیت رویه ای موسیقی است. این تغییر تصاویر موسیقی را منعکس می کند، تضاد یا ارتباط، توسعه یا دگرگونی آنها را آشکار می کند. تنها با در آغوش گرفتن فرم موسیقایی به عنوان یک کل، می توان منطق توسعه تصویر هنری و سیر اندیشه خلاق آهنگساز را درک کرد.

در مورد ابزارها و اشکال بیان در موسیقی، باید به خاطر داشت که با میزان قابل توجهی از قراردادی بودن، می توان کلیت آنها را یکپارچه دانست. زبان هنری. در واقع، هر آهنگساز به زبان خود صحبت می کند، یا بهتر است بگوییم، توسط قوانین خود هدایت می شود سخنرانی موسیقایی. و این به موسیقی اجازه می‌دهد تا برای همیشه زنده بماند، هنری مستقیم و بی‌نهایت متنوع بماند، گویی تمام جریان‌های زندگی را جذب می‌کند و تجربه سایر حوزه‌های فعالیت معنوی را به شکلی حسی درک شده بازتاب می‌دهد و دوباره ذوب می‌کند. احتمالاً تصادفی نیست که برخی معتقدند موسیقی نخبه‌گرایانه است و برای درک آن نیاز به آموزش خاص و حتی داده‌های طبیعی خاصی دارد، در حالی که برخی دیگر آن را نیرویی می‌دانند که جدا از آگاهی و تجربه می‌تواند بر ما تأثیر بگذارد. احتمالا هر دوی آنها درست می گویند. و رومن رولان، موسیقی شناس و نویسنده برجسته، مطمئناً درست می گوید: «موسیقی، این هنر صمیمی، می تواند یک هنر عمومی نیز باشد. ممکن است ثمره تمرکز و غم درونی باشد، اما ممکن است محصول شادی و حتی بیهودگی باشد... یکی آن را معماری متحرک و دیگری روانشناسی شاعرانه می نامد. یکی در آن یک هنر صرفاً پلاستیکی و رسمی می بیند، دیگری - هنر تأثیر مستقیم اخلاقی. برای یک نظریه پرداز جوهر موسیقی در ملودی است، برای دیگری در هماهنگی... موسیقی در هیچ فرمولی نمی گنجد. این آواز اعصار و گل تاریخ است که هم می تواند غم و هم شادی انسان را بپروراند.» Aristarkhova L. موسیقی در مورد چیست و چگونه صحبت می کند؟.. // هنر. - 1 سپتامبر: 1999 شماره 7

1.2. موسیقی و نقاشی

موسیقی پیوسته بر دیگر اشکال هنر تأثیر گذاشته و می‌کند و خود نیز به نوبه خود از آنها تأثیر می‌پذیرد. موسیقی نه تنها قادر به بیان است - بلکه تقلید و به تصویر می کشد، یعنی در صداها پدیده های دنیای اطراف را بازآفرینی می کند، به عنوان مثال، خش خش جنگل، صدای آب روان، رعد و برق، زنگ ناقوس ها و آواز خواندن پرندگان؛ او نه تنها شنیدنی، بلکه قابل مشاهده را نیز منعکس می کند: رعد و برق، اثرات کیاروسکورو، تغییر خطوط نقش برجسته، عمق فضا و بازی رنگ ها. بنابراین، "انتزاعی ترین هنرها" به یک حوزه بسیار خاص - موضوعی - اشاره دارد که در انحصار هنرهای تجسمی "تجسمی" در نظر گرفته می شود. بنابراین، تشابهات بین موسیقی و نقاشی، که مثلاً در زمینه ژانرها به وجود می آید، تصادفی نیست: یک نقاشی، یک پرتره، یک طرح، یک مینیاتور، یک حکاکی، یک عربیسک - همه اینها مفاهیمی هستند که آمده اند. به موسیقی از هنرهای تجسمی و طبیعتاً در اینجا ریشه دوانید. سخنرانی جی اف هندل «اسرائیل در مصر»، سخنرانی‌های جی. هایدن «آفرینش جهان» و «فصول»، سمفونی ششم بتهوون («سپتورال»)، تصاویر موزیکال از N.A. Rimsky-Korsakov یا پیش درآمدهای K. Debussy - اینها فقط چند نمونه هستند" نقاشی موزیکال” (این اصطلاح برای اشاره به این نوع موسیقی در قرن هجدهم به کار می رفت). البته نقاشی های موسیقایی از نظر وضوح و جزییات بسیار پایین تر از نقاشی یا مجسمه هستند، اما لطیف ترین و دست نیافتنی ترین شعر را دارند که فقط مختص موسیقی است، جایی برای تخیل می گذارد که به ادراک سرزندگی و فوریت عاطفی می بخشد. کتاب درسی مقدمه ای بر نظریه فرهنگ هنری. سن پترزبورگ: 1993

ویژگی موسیقی، «فرد بودن» آن تنها بارزترین است و دقیقاً از طریق این تأثیرات متقابل مشخص می شود، که گاه به درجه شدید همگرایی یک هنر با هنر دیگر می رسید. و دقیقاً همین افراط‌ها هستند که جالب‌ترین، تجدیدکننده‌ترین و غنی‌ترین نتایج را برای هنر ایجاد می‌کنند. بیایید ببینیم در موارد تأثیرات متقابل موسیقی و نقاشی چگونه بود.

تأثیر موسیقی و نقاشی به عنوان اشکال هنری مستقل بر یکدیگر از رنسانس آغاز می شود. از آن زمان، دو نوع اصلی "نقاشی" موسیقی دنیای خارج توسعه یافته است. اولین مورد تقلید صداهای مختلف دنیای واقعی است - آواز پرندگان، اکو، وزوز زنبور عسل، رعد، زنگ زنگ، خش خش جنگل و غیره (مثلاً بلبل، فاخته و بلدرچین در سمفونی پاستورال بتهوون، آهنگسازی O. Lasso "اکو"، قسمت سمفونیک "پرواز زنبور عسل" از اپرای "داستان تزار سالتان" اثر N. A. Rimsky-Korsakov و غیره). کتاب درسی مقدمه ای بر نظریه فرهنگ هنری. سن پترزبورگ: 1993

نوع دوم مبتنی بر استفاده از پیوندهای انجمنی بین پدیده های صوتی و غیرصوتی است. بنابراین، سرعت تند و آهسته موسیقی با تند یا مطابقت دارد سرعت آهستهحرکت واقعی، صدای زیاد یا کم - موقعیت مکانی یک شی یا شخص، و همچنین وزن، جرم آن. حرکت ترازو از پایین به بالا یا از بالا به پایین با یک حرکت واقعی مشابه همراه است: "i" smbra "صداها و سازها تداعی نور را برمی انگیزند: "نور" (ویولن و فلوت در یک رجیستر بالا، سوپرانو) یا " تیره" (کلارینت باس، باسون، کنترباس)، "درخشنده" (ترومپت) یا "مات" (کلارینت). در برخی موارد، صدا نیز می تواند با رنگ مرتبط باشد (پدیده "شنیدن رنگ"، که در مورد - " یکمی بعد). انجمن‌هایی از این نوع به طور گسترده در موارد مختلف استفاده می‌شوند تصاویر موزیکالسپیده دم ("سپیده دم در رودخانه مسکو" اثر M. P. Mussorgsky، پایان دومین نقاشی "یوجین اونگین" اثر P. "I. Tchaikovsky)، تصاویری از شعله شعله ور ("Proms-tey" و شعر "To the the شعله» اثر A. N. Scriabin ) گاهی اوقات آهنگسازان با کمک ارتباطات ظریف تداعی کننده سعی می کنند ظاهر یک فرد («دختری با موهای کتان رنگ» اثر سی. دبوسی) را بازتولید کنند، بوها («عطرها در «هوای عصر شناور هستند» ” توسط C. Debussy) (1). موسیقی برنامه تصویری "برنامه نویسی در آثار" همه آهنگسازان رمانتیک و امپرسیونیست به طور گسترده ای موسیقیایی و بصری نشان داده شده است.

اجازه دهید به عنوان نمونه یکی از آثار موسیقی رمانتیک را بررسی کنیم - قطعه پیانوی اف. لیست "متفکر" از چرخه "سالهای سرگردان". برای یک هنرمند رمانتیک، همانطور که به یاد داریم، یک اثر هنری است : - این یک خاطرات غنایی است، "پرتره" روح او، که در آن دنیای پیچیدهاحساسات متضاد بنابراین، آهنگساز «معمولاً تمایلی به تشبیهات تصویری بیرونی ندارد. وظیفه او این است که برداشت‌های یک اثر مجسمه‌سازی یا تصویری و تجربیاتی را که به وجود می‌آورند، منتقل کند؛ «متفکر» اثر F. List.

آهنگساز برداشت مجسمه میکل آنژ را که در کلیسای کوچک مدیچی قرار دارد منتقل می کند. کلیساهای سن لورنزودر به تصویر کشیدن لورنزو مدیچی، دوک اوربش. دوک در حالتی متفکر نشسته با سر خمیده به تصویر کشیده شده است. او زره شوالیه و مانتو دوک به تن دارد. وضعیت مجسمه بیانگر تفکر، تمرکز، خود جذبی است. لیست این حالت را در موسیقی می رساند.

به این باید اضافه کرد که مجسمه دیگری از میکل آنژ نیز بر شکل گیری ایده آهنگساز تأثیر گذاشت - شکل تمثیلی "شب" که (به همراه چهره های "سپیده دم" ، "روز" ، "گرگ و میش") در همان کلیسای کوچک واقع شده است. . گواه این واقعیت است که لیست مدتی بعد نسخه ارکستری نمایشنامه متفکر را خلق کرد اما آن را شب نامید. علاوه بر این، در صفحه عنوان اولین چاپ نمایشنامه "متفکر" یک کتیبه وجود دارد: اشعار میکل آنژ اختصاص داده شده به مجسمه "شب" کتاب درسی مقدمه ای بر نظریه فرهنگ هنری. سن پترزبورگ: 1993

رویا برای من شیرین است و سنگ بودن شیرین تر! در زمان شرم و سقوط نشنید، نگاه نکنید - یک نجات. ساکت شو تا بیدارم نکنی

بنابراین دایره تصاویری که مفهوم ایدئولوژیک نمایشنامه را تعیین می کند سویا، تفکر، غوطه ور شدن در بازتاب است. ماهیت این حالت ها مرگ است، به عنوان یک انکار کامل و مطلق از دنیای بیرون (در نهایت، هر دو مجسمه بخشی از مجموعه سنگ قبر هستند). در شعر این حالات با واقعیت ناپسند مخالف است.

این ایده بسیار عاشقانه چگونه در موسیقی تجسم می یابد؟

ویژگی کلی سوگوار تصویر با یک کلید مینور (C شارپ مینور) و صدایی خفه و آرام منتقل می شود. حالت سفتی و غوطه ور شدن در انعکاس توسط ماهیت ایستا ملودی منتقل می شود: از 17 صدای تم، چهارده صدای مشابه "mi" را تکرار می کنند. موسیقی یک آنالوگ احساسی از محتوای فیگوراتیو مجسمه ایجاد می کند. تکمیل، تعمیق و توسعه آن.

صفحه جدیدی از تعامل بین موسیقی و هنرهای زیبا باز شد امپرسیونیسم موسیقی. با توسعه برنامه‌های تصویری بیشتر، آهنگسازان شاعرانه (سی. دبوسی، ام. راول، پی. دوکاس، اف. اشمنت. جی. راجر-دوکاس و غیره) به انتقال لطیف دست یافتند. حالات روانیناشی از تعمق در جهان خارج است. نوسان و ظرافت حالات، ماهیت نمادین نامشخص آنها در موسیقی امپرسیونیست ها با بهترین ضبط صدا تکمیل می شود. تجسم ایده‌هایی که برای هنر موسیقی بسیار جدید و رایج هستند، نیاز به فرم‌های جدیدی داشت. در موسیقی پیانو - مینیاتورهای برنامه به همان اندازه فشرده شده بر اساس تکنیک ویژه صدا "رزونانس" و منظره تصویری ... "

یک مثال موسیقی پیانونمایشنامه ام راول "بازی آب" (1902) می تواند نقش امپرسیونیستی را داشته باشد. همانطور که خود آهنگساز نوشته است، این قطعه از "صدای آب و سایر صداهای موسیقی که در فواره ها، آبشارها و نهرها شنیده می شود" الهام گرفته شده است. آهنگساز با استفاده از تکنیک‌های پیانیسم ویرتوز سنت لیستوف، به روز شده در روح امپرسیونیسم، "تصویر آب نواختن آرام، بی تفاوت به جهان" را ایجاد می کند. احساسات انسانی، اما قادر به تأثیرگذاری بر آنها - آرام کردن و نوازش گوش. موسیقی یا در صدای گذرها جاری می شود و از آرپژها سرریز می شود، مانند آبشارهای زمزمه آب، سپس مانند قطره ها با صدای یک ملودی زیبای پنتاتونیک (یعنی متشکل از پنج صدا) می افتد.

تأثیر موسیقی بر هنرهای زیبا فرهنگ هنری جهان را با نتایج جالبی غنی کرده است. این تاثیر در سه جهت اصلی انجام شد.

اولین، عمومی ترین و گسترده ترین، از موسیقی به عنوان موضوع نقاشی و مجسمه استفاده می کند. .تصاویر آلات موسیقی و افرادی که آلات موسیقی را می نوازند از قدیم الایام پیدا شده است. برخی از این آثار اصیل هستند. شاهکارهایی مانند "کنسرت روستایی" از جورجیونه، "گیتاریست" و "ساویار با مارموت" اثر واتو، "آپولو، سنبل و سرو ساختن موسیقی و آواز" اثر آ. ایوانف و دیگران. تصاویری از سازها و نوازندگان می توانند داشته باشند. اهمیت تاریخی و فرهنگی و همچنین اسنادی دارد، زیرا اغلب این یک منبع اضافی و گاهی تنها منبع اطلاعات در مورد موسیقی است.

جهت دوم تأثیر موسیقی بر هنرهای تجسمی تلاش برای انتقال تأثیرات یک قطعه موسیقی خاص در یک اثر نقاشی یا مجسمه سازی است. در اکثریت قریب به اتفاق موارد، اینها تصاویری برای موسیقی مرتبط با متن هستند. چرخه های گرافیکی هنرمند آلمانی A. Richter و M. Alyosha از چک، تجسم تصاویر ترانه های محلی، تصاویر F. Hass برای آهنگ های F. Schubert، M. Klinger برای ترانه های I. Brahms، و غیره تأثیر موسیقی در این گونه آثار در ریتم، ترکیب بندی و حل رنگی تصویر متجلی می شود. بنابراین، در تابلوی ام.

جایگاه ویژه ای در میان تصویرسازی های موسیقی توسط چرخه گرافیکی "فانتزی در مضامین برامس" (1894) توسط هنرمند آلمانی M. Klinger اشغال شده است. منحصر به فرد بودن این چرخه با این واقعیت مشخص می شود که نه تنها تلاشی برای تجسم موسیقی در تصاویر گرافیکی، بلکه تلاشی برای ایجاد نوعی سنتز گرافیک هنری و نوتوگرافی به عنوان معادل موسیقی صدادار است. چرخه گرافیک در مجموعه نت های آثار برامس گنجانده شده و با آن یک کل واحد را تشکیل می دهد. موزیکال و کارهای گرافیکیمکمل و متقابلاً همدیگر را نشان می دهند و دایره مشترکی از تصاویر و ایده ها را ترسیم می کنند.

سومین جهت تأثیر موسیقی بر هنرهای تجسمی با تمایل هنرمندان به استفاده از ویژگی های ریتمیک، ترکیب بندی و فرم سازی، تمر-رنگ موسیقی در هنگام خلق یک نقاشی همراه است. در عین حال، تأثیر متقابل این دو هنر در حال حاضر در سطح عمیق تر و اساسی است.

برای اولین بار، این خود را به وضوح و به طور مؤثر در عصر رمانتیسیسم با تمایل آن به ترکیب هنرها نشان داد. نقاشی رمانتیک "موسیقی" تر می شود: طراحی و رنگ نه چندان به وظیفه نمایش دقیق اشیاء، حیوانات، مردم، بلکه تجسم جوهر درونی، عاطفی و معنوی آنها عمل می کند. در یک نقاشی، رنگ آن و محلول ترکیبیتوانایی او در تحت تاثیر قرار دادن رنگ ها و خطوط به گونه ای که به تنهایی، نسبتا مستقل از تصویر یا علاوه بر آن. اصول زینتی - ریتمیک و رنگارنگ - رنگی نقاشی تشدید می شود.

به ویژه نقاشی های یکی از نمایندگان برجسته رمانتیسیسم در نقاشی - E. Delacroix - چنین است. به عنوان مثال، پرتره شوپن را در نظر بگیرید. می بینیم که «چهره شوپن سایه زده است. بیان او به گونه‌ای است که به نظر می‌رسد آهنگساز کاملاً غرق تجربیات است، در خود فرو رفته، به دنیای ذهنی خود رفته است. شاید موسیقی به صدا در آید یا در روح او متولد شود. رنگ آمیزی پرتره تاریک و تقریبا تک رنگ است. اما در پس زمینه تیرهسکته های سفید، قرمز، اخرایی، مانند بیانی از زندگی معنوی شدید، سوسو می زنند. متواضع بودن، رنگ خاموش باعث می شود که شما منحصراً روی حالات چهره تمرکز کنید. سایه و مبهم بودن خطوط صورت بر معنا تأکید می کند حالت داخلیقهرمان، تصوری از غنا، غنا و شدت زندگی معنوی او ارائه دهد.

توسعه بیشتر اصول نقاشی موسیقی منجر به رد عینیت می شود. در کارهای وی. این هنرمند فرهنگ لغت نامه های رنگارنگ و موسیقی را ایجاد کرد. رنگ ها توسط کاندینسکی به عنوان صداهای موسیقی برخی از آلات موسیقی درک شده و با آنها مرتبط است. در رساله "درباره معنوی" (1911)، بنیانگذار انتزاع گرایی غنایی شرح زیر را از طیف رنگ ارائه می دهد:

زرد صدای ترومپت در نت های بلند است. نارنجی - زنگ وسط یا ویولا (ویولن، صدا)؛ قرمز - هیاهو، وسواس، لحن قوی؛ بنفش - Cor anglais، باسون؛ آبی روشن - ویولن سل؛ تعمیق آبی - کنترباس، ارگ؛ سبز - ویولن در رجیستری میانی؛ سفید - سکوت، مکث، صدای زمین هنگامی که با یخ پوشیده شده است. سیاه - یک مکث، اما ماهیت متفاوت - "جسدی که فراتر از همه رویدادها قرار دارد."

نقاشی کاندینسکی، و همچنین موسیقی اسکریابین، که در همان سال ها ایجاد شد، به عنوان پایه ای برای ایجاد یک سنتز موسیقی نور-رنگ جدید، که به لطف دستاوردهای فنی در زمان ما توسعه یافته است، خدمت کرد. .

جالب ترین تجربه پیش بینی ویژگی های ترکیبی و فرمی موسیقی هنگام خلق نقاشی هامتعلق به هنرمند و آهنگساز لیتوانیایی M. Čiurlionis (1875-1911) است. نقاشی Čiurlionis نوعی موسیقی قابل مشاهده است. برخی از چرخه های او نقاشی هاتوسط I.M "سونات" ("سونات دریا"، "سونات خورشید"، "سونات بهار" و غیره) نامیده می شود و بر اساس قیاس با ساختار چرخه سونات-سمفونی ساخته شده است. آنها از سه یا چهار قسمت تشکیل شده اند: آلگرو، آندانته، شرکو؟ فینال. ترکیب بندی، ریتم، ساختار عاطفی-تجسمی هر یک از بخش ها با سرعت و شخصیت بخش های چرخه "نات-سمفونیک" مطابقت دارد.

بنابراین، برای مثال، "سونات دریا" از سه بخش تشکیل شده است. قسمت اول - آلگرو و فینال - فینال - دریا را به تصویر می کشد - طوفانی، بی قرار، سریع. امواج بالارونده را می بینیم و گویی غرش و زوزه باد آنها را می شنویم. در پایان، «موج غول‌پیکری که به صورت مورب از تصویر بالا می‌آید، مانند صدای انفجار قدرتمند یک ارکستر، که با انرژی و قدرت خود می‌لرزد. تاج آن از ردیف امواجی که در پشت آن پخش می شوند عبور می کند. و در پایین، در پای آن، با حرکات تند، شیب دار و مخالف، به نظر می رسد قایق های کوچک در حال رقصیدن هستند. فوم آب روی دیواره موج حروف اول نیمه شفاف Čiurlionis را تشکیل می دهد. یک لحظه - و آنها همراه با قایق هایی که توسط موج بلعیده شده اند ناپدید می شوند "(2). قسمت میانی آندانته است. آرام و آرام. دریا به طرز مرموزی آرام می گیرد. چراغ‌های جستجو مانند چشمان هیولایی افسانه‌ای در افق می‌سوزند، که در قلمروی زیر آب ویرانه‌ها و بقایای کشتی‌های غرق‌شده قرار دارد. کتاب درسی مقدمه ای بر نظریه فرهنگ هنری. - سن پترزبورگ: 1993

1.3. موسیقی و ادبیات

موسیقی و ادبیات تأثیر زیادی روی یکدیگر گذاشتند. موسیقی همچنین با فرآیندی بودن مشخص می شود، که آن را با سایر هنرهایی که ماهیت موقتی دارند - تئاتر و سینما - مرتبط می کند. فرود و صعود، نزدیک شدن و برداشتن، حرکت و استراحت، ضربان نبض و احساس چرخش، نوسان، آسپیراسیون - همه اینها به یک درجه یا آن در هر قطعه موسیقی آشکار می شود. در اینجا کشتی سندباد ملوان (شهرازاده اثر ریمسکی-کورساکوف) روی امواج تاب می‌خورد، قایق به آرامی در امتداد آب کانال می‌لغزد (آهنگ‌های گوندولی‌های ونیزی از مندلسون)، سواری با سرعت تمام بر روی یک قایق می‌چرخد. اسب داغ (آهنگ شوبرت شاه جنگل)، اما در اینجا با لوکوموتیو پر سرعت "پاسیفیک 231" (قطعه سمفونیک هونگر به همین نام) می شتابد. گاهی اوقات ویژگی های رویه ای موسیقی توسط زیرنویس ژانر مشخص کار تأکید می شود، به عنوان مثال، "perpetuum mobile" - " حرکت دائمی". هر دوره نه تنها اثری سبک یا ژانر در هنر موسیقی بر جای می‌گذارد، بلکه نوع حرکت موسیقی و حس خاص خود را از زمان موسیقی به آن می‌دهد. آیا می توان توسعه آرام و بی شتاب یک آواز قرون وسطایی گریگوری را با سرعت دیوانه وار و ریتم های عصبی موسیقی قرن بیستم مقایسه کرد؟

صداها - مصالح ساختمانی که فضای موسیقایی از آن تشکیل شده است - فقط در زمان قابل تحقق هستند (به هر حال، حتی یک صدا، برای به وجود آمدن و درک شدن، باید برای لحظه ای دوام بیاورد). در سیستم «صدا-زمان»، همه مهم‌ترین عناصر موسیقی پدید می‌آیند و عمل می‌کنند: ملودی، حالت و هارمونی، مترریتم، بافت، و برخی از آنها، برای مثال، ملودی، تنها می‌توانند در تقاطع هر دو «مختصات» پدید آیند. ” - صدا و زمان. عناصر زبان موسیقایی در یک سیستم خاص با هم عمل می کنند که هر یک از آنها نقش بیانی، معنایی و سازنده خود را ایفا می کنند. سیستم ابزارهای بیانی موسیقی را زبان موسیقی می نامند. با این حال، به نظر نمی رسد این نام کاملاً دقیق باشد - دقیق تر است که قیاسی را نه با زبان، بلکه با گفتار ترسیم کنیم، که مستقیماً ماهیت زمانی و ارتباطی موسیقی را منعکس می کند. موسیقی نیز مانند گفتار بر تعامل دو عامل استوار است - تداوم و تجزیه. این یک جریان اطلاعاتی است که بر اساس قوانین نحو سازماندهی شده است. نقش علائم نگارشی در موسیقی توسط سزارها، مکث ها، توقف در صداهای طولانی، آهنگ ها ایفا می شود که ساختارهای معنایی و ساختاری را از یکدیگر جدا می کند - انگیزه ها، عبارات، جملات، دوره ها. آنها، مانند عبارات، عبارات، جملات، پاراگراف ها در گفتار شفاهی، در یک سلسله مراتب خاص ردیف می شوند و حاوی معنای خاصی هستند - اما معنی مفهومی نیست، بلکه موسیقایی است و بسیاری از جنبه های ادراک را پوشش می دهد، از جمله احساسی. کتاب درسی مقدمه ای بر نظریه فرهنگ هنری. - سن پترزبورگ: 1993

صدا و کلام همچنان در سرودهای مذهبی، دسته جمعی و عبادات، کانتاتاها و اواتوریوها، آهنگ ها و عاشقانه ها یکدیگر را غنی می کردند. زوج موسیقی بدون کلام، با جدا شدن از کلمه و ژست ، غالباً بار لحن های گفتار ، ترحم های سخنوری را به دوش می کشید ، به طور دوره ای به ادبیات ، به توطئه ها و تصاویر ادبی روی می آورد. این جذابیت منجر به ایجاد شاخه خاصی از هنر موسیقی شد - به اصطلاح موسیقی برنامه. برنامه نویسی به ویژه نشان دهنده موسیقی دوران رمانتیسم است. Kabalevsky D. موسیقی در کلاس های 4-7 مسکو، آموزش و پرورش، 1986.

بسیاری از آثار موسیقی عاشقانه دارند مبنای ادبییا در قالب یک طرح دقیق، روایت (مانند "سمفونی خارق العاده" جی. برلیوز)، "خاک" که تصاویر موسیقی از آن رشد می کنند. بسیاری از آثار F. List از این قبیل هستند: سمفونی "فاوست"، قطعات پیانو "غزل پترارخ شماره 104"، "پس از خواندن دانته"; ب. اسمتانا: اشعار سمفونیک ریچارد سوم"," Camp Wallenstein "; پ. چایکوفسکی: «مانفرد»، اورتور فانتزی «رومئو و ژولیت» و غیره. در این مورد، آهنگساز، همانطور که گفته شد، از برداشت های خود از یک اثر ادبی به زبان موسیقی دستگاهی صحبت می کند.

امکان انتقال در مجموعه موسیقی نیز وجود دارد ایده های فلسفی. تلاشی برای قرار دادن چنین ایده هایی در برنامه یک اثر موسیقایی که در قالب سخنان نویسنده- طراحی مضامین موسیقی ارائه شده است. («مضمون رویاها»، «مضمون آفرینش ها»، «مضمون خودتأیید»، «مضمون اراده»، «مضمون ریتم های مزاحم»، «مضمون حسرت»)، برای نشان دادن توسعه این مضامین-ایده ها، برخورد، تعامل، تقابل آنها توسط A.N Scriabin در معروف "شعر خلسه" انجام شد. علاوه بر این نام‌گذاری‌هایی که از سوی آهنگساز داده می‌شود، پس از تکمیل پارتیتور شعر و ارسال آن برای چاپ، متن شعری شعر سروده‌ی آهنگساز نیز موجود است.

«نتایج نفوذ تی ادبیات موسیقی، همانطور که حتی از این مختصر و به دور از ارائه کامل می بینیم، جالب و پربار است.تاثیر موسیقی در ادبیات کمتر تأثیرگذار نبود، چنین تأثیری بیش از همه نشانگر هنر رمانتیک و نمادگرا و همچنین ادبیات قرن بیستم

ادبیات رمانتیک، با تمرکز بر موسیقی به عنوان رمانتیک ترین هنر، به آینه روح هنرمند تبدیل می شود ("فشارهای دلنشین یک گوشه نشین را به یاد بیاورید" - - یک هنردوست")، غزلیات او "دفتر خاطرات، اعتراف. نثر غنایی می شود، به "بیوگرافی احساسات" تبدیل می شود.

شعر رمانتیک ها موزیکال می شود - شروع ریتمیک و آهنگین-آهنگ در آن تشدید می شود. هاینه نوشت: قافیه با «احساس شاعرانه» مطابقت دارد، اهمیت موسیقیکه اهمیت ویژه ای دارد. قافیه‌های فوق‌العاده و زنده، همانطور که بود، به «سازگاری غنی‌تر کمک می‌کند، که برای برجسته کردن این یا آن احساس در یک ملودی آرام طراحی شده است، درست مانند آهنگ‌های ملایم یک بوق جنگلی که ناگهان با صداهای ترومپت قطع می‌شود». چگونه اصطلاح "ابزار یک بیت" ظاهر می شود که بعداً در نقد ادبی گنجانده شد Kabalevsky D. Music در کلاس های 4-7 مسکو، روشنگری، 1986.

سرانجام، موسیقی به عنوان عنصری از احساسات، موضوع توصیف و تأمل، به موضوعی ثابت تبدیل می شود. ادبیات عاشقانهو شعر در این زمینه بسیار نشان دهنده کار E.T.A. Hoffmann، یک فرد با استعداد جهانی، نویسنده، آهنگساز، رهبر ارکستر و نقاش است. مضمون موسیقی با همه گونه‌ها و ظرافت‌های گوناگون آن در آثار ادبی او فراگیر می‌شود (داستان‌های کوتاه: «کاوالیر گلوک»، «رنج‌های موسیقیایی یوهان کرایسلر، کاپل‌میستر»، دیالوگ «شاعر و آهنگساز»، «قطعه‌هایی از زندگی‌نامه یوهانس». کریسلر" به عنوان بخشی از رمان "دیدگاه های روزمره گربه مور.

میل به تقلید از موسیقی بر مبنای رسمی و سازنده ادبیات رمانتیک نیز تأثیر می گذارد. آثار ادبیبرخی از نویسندگان رمانتیک، به ویژه هافمن، اغلب بر اساس قوانین فرم موسیقی ساخته شده اند. همانطور که V. V. Vanslov خاطرنشان می کند، "می توان گفت که برادران هافمن سراپیون بر اساس اصل مجموعه ساخته شده اند، ویژگی های طرح سونات در نماهای زندگی گربه مور و داستان های ماجراهای در آستانه سال نو ردیابی شده است. و Robbers مانند تغییرات یا نقل قول هایی در موضوعات Chamisso و Sh و غیره هستند..................