กราฟฟิตี้เป็นศิลปะรูปแบบใหม่ กราฟฟิตี้แห่งยุคดิจิทัลหรือกราฟฟิตี้ทางอินเทอร์เน็ต “สตรีทอาร์ตไม่ได้ช่วยแก้ปัญหาความยากจนทั่วโลก แต่สามารถทำให้คุณคิดและยิ้มได้”

20.02.2019

พวกเราใส่จิตวิญญาณของเราเข้าไปในไซต์ ขอบคุณสำหรับสิ่งนั้น
ว่าคุณกำลังค้นพบความงามนี้ ขอบคุณสำหรับแรงบันดาลใจและความขนลุก
เข้าร่วมกับเราบน เฟสบุ๊คและ ติดต่อกับ

“สตรีทอาร์ตไม่ได้ช่วยแก้ปัญหาความยากจนทั่วโลก แต่สามารถทำให้คุณคิดและยิ้มได้”

ภาพวาดตามท้องถนนได้ก้าวล้ำเส้นมานานแล้ว เมื่อมองว่าเป็นเพียงการก่อกวนเท่านั้น และไม่ได้พกพาสิ่งใดที่สมเหตุสมผล ดี หรือชั่วนิรันดร์ ไม่ แน่นอนว่า "แท็ก" ที่ไม่มีความหมายและบ่อยที่สุดมักธรรมดาและจะไม่หายไป แต่สตรีทอาร์ตสมัยใหม่นั้นลึกซึ้งและกว้างกว่าแค่ป้ายโฆษณา การแสดงออกถึงการประท้วงหรือจุดยืนของคนเรา มันได้เติบโตและทำหน้าที่ทางสังคม เหนือสิ่งอื่นใด

เว็บไซต์ฉันได้เตรียมรายชื่อศิลปินที่มีผลงานทำให้เมืองสวยงามขึ้น และผู้คนดีขึ้นและมีความสุขมากขึ้นเล็กน้อย

โปรเจ็กต์ "Living Walls" ของเขาเป็นที่รู้จักไปไกลเกินขอบเขตของประเทศ ผลงานของเขาถูกรวมอยู่ในสตรีทอาร์ตที่ดีที่สุดที่ได้รับการคัดสรรจากทั่วโลกเป็นประจำ สิ่งมีชีวิตตาโตใจดีของ Nikita ซึ่งรวมเข้ากับพื้นที่โดยธรรมชาติ มีรูปร่างคล้ายกำแพง มีอยู่แล้วในหลายเมืองของรัสเซีย: ใน Nizhny Novgorod, Yekaterinburg, Perm, Kazan และอื่นๆ ที่เป็นบ้านเกิดของเขา

อเล็กเซย์ เมนชิคอฟ

ศิลปินจาก Penza Alexey Menshikov ตกแต่งถนนในเมืองของเขาด้วยภาพวาดตลกๆ และปรับให้เข้ากับภูมิทัศน์โดยรอบได้สำเร็จ ตัวละครเชิงบวกจะไม่ปล่อยให้ใครเฉยเมยและคิดบวกกับคุณตลอดทั้งวัน

ศิลปินข้างถนนมากความสามารถจากรัสเซียคนนี้ชื่นชอบสไตล์เหนือจริง ซึ่งถ่ายทอดผลงานทั้งหมดของเขาอย่างพิถีพิถัน หัวข้อของผลงานมีความหลากหลายมากตั้งแต่การวาดภาพตัวแทนของวีรบุรุษในวัฒนธรรมย่อยและปรากฏการณ์ต่าง ๆ ไปจนถึงลวดลายเหนือจริงและเทพนิยาย

ศิลปินจาก Yekaterinburg Slava PTRK เป็นนักทดลองตัวจริงซึ่งมักจะเลือกวัตถุแปลก ๆ ให้กับผลงานของเขา ภาพวาดและผลงานศิลปะจัดวางทั้งหมดของเขาเป็นข้อความที่เข้ารหัส เรียกร้องให้เปิดจินตนาการและคิดถึงปัญหาในยุคของเรา

ศิลปินอีกคนจากเยคาเตรินเบิร์กซึ่งมีชื่อเสียงจากผลงานที่ไม่ธรรมดาและเฉพาะเจาะจงซึ่งมักเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ทางการเมือง

ศิลปินข้างถนนในมอสโก Zhenya 0331С (Ozzik) ใช้เพื่อเปรียบเทียบสิ่งที่วาดในตัวเขา บ้านเกิดและบนท้องถนนของโลก สิ่งนี้ช่วยให้เขารู้ว่าทำไมเขาถึงสร้างผลงานขึ้นมา สำหรับ Ozzik ศิลปะข้างถนนเป็นศิลปะที่เต็มเปี่ยม เป็นโอกาสในการถ่ายทอดความรู้สึกหรืออารมณ์ผ่านสิ่งที่คุณทำได้

ศิลปินกราฟฟิตี้อายุน้อยที่มีประสิทธิผลและมีความสามารถจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เธอทำงานเกี่ยวกับเทคนิคการถ่ายภาพเหมือนจริงและสร้างตัวละครที่สดใสและน่าจดจำ

Andrey Adno เกิดในปี 1986 และตอนนี้อาศัยอยู่ที่คาลินินกราด ศิลปินอ้างว่ากราฟฟิตีไม่เคยเป็นแรงบันดาลใจหลักของเขามาก่อน เขาอยู่ใกล้กับโรงเรียนเก่าแห่งการออกแบบกราฟิก โปสเตอร์โซเวียต และทุกสิ่งทุกอย่างที่มีความสมดุลระหว่างกราฟฟิตีและศิลปะแบบเดิมๆ

เปลี่ยน เอกสารแผ่นเลขที่ ย่อย วันที่

D.2102.1.32.02.003.0000

แผ่น

การแนะนำ

กราฟฟิตี้ (จากภาษากรีก - "การวาดภาพ การขีดข่วนบนพื้นผิวเรียบ") เป็นองค์ประกอบทางศิลปะ การวาดภาพ หรือเพียงคำจารึกที่ใช้กับพื้นผิวของผนัง อาคาร หรือวัตถุอื่น ๆ ซึ่งมักจะปรากฏต่อสาธารณชน เช่นเดียวกับสิ่งอื่นๆ ศิลปะของสเปรย์มาจากอเมริกามาจากเรา การพัฒนากราฟฟิตีเริ่มต้นด้วยคำจารึกที่ง่ายที่สุด "แท็ก" ซึ่งทำด้วยปากกามาร์กเกอร์ ในตอนแรก ผู้แท็กจำกัดตัวเองให้เขียนชื่อ จากนั้นภาพวาดง่ายๆ ก็ปรากฏขึ้น ในช่วงเวลานี้ ทิศทางของการทิ้งระเบิดก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่างเช่นกัน - การใช้ภาพที่ผิดกฎหมายบนรถยนต์และยานพาหนะรถไฟใต้ดิน ตัวอย่างที่เด่นชัดของเรื่องนี้คือ "รถทั้งคัน" - ภาพวาดของ "รถที่ไม่ดี"
ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ศิลปินกราฟฟิตี้ไปใต้ดิน รถไฟใต้ดินนิวยอร์กกลายเป็นสนามรบ สิ่งเหล่านี้คือ "สงครามรูปแบบ" ที่คนทั่วไปรู้จักอย่างกว้างขวาง

การปฏิวัติครั้งต่อไปเกิดขึ้นเมื่อศิลปิน Pistol จากบรูคลินเป็นผู้บุกเบิกการวาดภาพ 3 มิติ เขาสร้างชื่อของเขาด้วยสีแดงขาวตัดด้วยสีน้ำเงิน ให้ความรู้สึกสามมิติ ผู้ประเมินหลายคนไม่สามารถทำซ้ำการกระทำของเขาได้ในทันที ต่อมาในที่สุด "รูปแบบกว้าง" ที่ซับซ้อนที่สุดก็เกิดขึ้น โดยที่ตัวอักษรเชื่อมโยงกันอย่างชาญฉลาดและเชื่อมโยงเข้ากับเว็บที่ไม่สามารถอ่านได้
กราฟฟิตี้เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวในเมืองที่มีเอกลักษณ์ที่สุดในวัฒนธรรมฮิปฮอป การระเบิดอย่างแท้จริงของฮิปฮอปที่ดังสนั่นในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้นำศิลปะละอองลอย ควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหว เช่น เบรกแดนซ์และการแร็พ มาสู่ความนิยม ปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม. ประการแรก นี่คือศิลปะที่มีอดีตอันยาวนานและไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีอนาคตที่สดใส

แต่อะไรคือสาเหตุของการปรากฏตัวของ "ผลงานชิ้นเอก" เหล่านี้? ผลงานหลายชิ้นอาจเป็นวิธีแสดงออกของผู้เขียน การสร้างสรรค์หลายอย่างมีความละเอียดอ่อน ความหมายเชิงปรัชญาที่ซึ่งเบื้องหลังสัมผัสเล็กๆ น้อยๆ ของ "ผลงานชิ้นเอก" อันยิ่งใหญ่สามารถซ่อนความเศร้าหรือความสุข ความรำคาญ หรือความโล่งใจไว้ได้

ประวัติโดยย่อของศิลปะสมัยใหม่

ศิลปะร่วมสมัยในรูปแบบปัจจุบันถือกำเนิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษที่ 1960 และ 1970 การแสวงหาทางศิลปะในยุคนั้นสามารถอธิบายได้ว่าเป็นการค้นหาทางเลือกอื่นนอกเหนือจากสมัยใหม่ (บ่อยครั้งสิ่งนี้ส่งผลให้เกิดการปฏิเสธโดยการแนะนำหลักการที่ตรงข้ามกับสมัยใหม่โดยตรง) สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการค้นหาภาพใหม่ๆ วิธีการใหม่ๆ และวัสดุในการแสดงออก จนถึงการลดทอนความเป็นตัวตนของวัตถุ (การแสดงและเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น) ศิลปินหลายคนติดตามนักปรัชญาชาวฝรั่งเศสผู้เสนอคำว่า "ลัทธิหลังสมัยใหม่" เราสามารถพูดได้ว่ามีการเปลี่ยนแปลงจากวัตถุหนึ่งไปอีกกระบวนการหนึ่ง

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 60 และ 70 เรียกได้ว่าเป็นการพัฒนาแนวความคิดและความเรียบง่าย ในยุค 70 การวางแนวทางสังคมของกระบวนการศิลปะเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดทั้งในแง่ของเนื้อหา (ธีมที่เกิดขึ้นในผลงานของศิลปิน) และองค์ประกอบ: ปรากฏการณ์ที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 70 คือสตรีนิยมในงานศิลปะรวมถึงการเพิ่มขึ้น ในกิจกรรมของชนกลุ่มน้อย (1980-e) และกลุ่มทางสังคม

ช่วงปลายทศวรรษที่ 70 และ 80 มีลักษณะเฉพาะคือ "ความเหนื่อยล้า" ด้วยศิลปะเชิงแนวคิดและความเรียบง่าย และการกลับมาสนใจในการนำเสนอ สีสัน และรูปลักษณ์ที่เป็นรูปเป็นร่าง (การเพิ่มขึ้นของการเคลื่อนไหว เช่น "New Wild") ในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 มีการเคลื่อนไหวเพิ่มขึ้นซึ่งใช้ภาพของวัฒนธรรมมวลชนอย่างแข็งขัน - การตั้งแคมป์, ศิลปะ East Village, นีโอป๊อป กำลังได้รับความเข้มแข็ง การออกดอกของภาพถ่ายในงานศิลปะเกิดขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน - ศิลปินจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ เริ่มหันมาใช้ภาพถ่ายเป็นวิธีการแสดงออกทางศิลปะ

กระบวนการทางศิลปะได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพัฒนาเทคโนโลยี: ในยุค 60 - วิดีโอและเสียง จากนั้นคอมพิวเตอร์ และในยุค 90 - อินเทอร์เน็ต

จุดเริ่มต้นของยุค 2000 มีความผิดหวังในความสามารถของวิธีการทางเทคนิคในการปฏิบัติงานทางศิลปะ ในเวลาเดียวกันยังไม่มีการอ้างเหตุผลเชิงปรัชญาที่สร้างสรรค์สำหรับศิลปะร่วมสมัยของศตวรรษที่ 21 ศิลปินบางคนในยุค 2000 เชื่อว่า "ศิลปะร่วมสมัย" กำลังกลายเป็นเครื่องมือแห่งอำนาจในสังคม "หลังประชาธิปไตย" กระบวนการนี้กระตุ้นความกระตือรือร้นในหมู่ตัวแทนของระบบศิลปะ และการมองโลกในแง่ร้ายในหมู่ศิลปิน

ศิลปินจำนวนหนึ่งในยุค 2000 หวนคืนสู่สินค้าโภคภัณฑ์ โดยละทิ้งกระบวนการดังกล่าว และเสนอความพยายามในเชิงพาณิชย์ในแนวคิดสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 21

ศิลปะร่วมสมัย

ในรัสเซียในยุค 90 คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ก็ถูกนำมาใช้เช่นกันซึ่งมีหลายวิธีคล้ายกัน แต่ไม่เหมือนกันในความหมายกับคำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ตามศิลปะร่วมสมัย ผู้เข้าร่วมกระบวนการทางศิลปะในรัสเซียหมายถึงศิลปะร่วมสมัยเชิงนวัตกรรม (ในแง่ของแนวคิดและ/หรือวิธีการทางเทคนิค) ศิลปะร่วมสมัยล้าสมัยอย่างรวดเร็ว และคำถามเกี่ยวกับการรวมไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่แห่งศตวรรษที่ 20 หรือ 21 ก็เปิดกว้างอยู่ ผู้เข้าร่วมในกระบวนการศิลปะในรัสเซียมอบคำจำกัดความของ "ศิลปะร่วมสมัย" โดยมีความหมายว่าครั้งหนึ่งมีสาเหตุมาจากลัทธิเปรี้ยวจี๊ด (นวัตกรรม, หัวรุนแรง, การใช้เทคนิคและเทคนิคใหม่)

สถาบันศิลปะร่วมสมัย

ศิลปะร่วมสมัยจัดแสดงโดยหอศิลป์ร่วมสมัย นักสะสมส่วนตัว บริษัทการค้า องค์กรศิลปะสาธารณะ พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ สตูดิโอศิลปะ หรือโดยศิลปินเองในพื้นที่ที่ศิลปินดำเนินการ ศิลปินร่วมสมัยได้รับการสนับสนุนทางการเงินผ่านทุนสนับสนุน รางวัล และของรางวัล และยังได้รับเงินทุนจากการขายผลงานอีกด้วย การปฏิบัติของรัสเซียค่อนข้างแตกต่างในแง่นี้จากการปฏิบัติของตะวันตก หอศิลป์ร่วมสมัยหลายแห่งเสนอการชำระเงินรายเดือนให้กับศิลปินโดยไม่คำนึงถึงผลงานที่ขายได้ [ เพื่อสนับสนุนศิลปิน สำหรับเงินทุน รางวัล ทุนสนับสนุน รูปแบบการสนับสนุนศิลปะร่วมสมัยนี้แทบไม่มีในรัสเซีย หนึ่งในข้อยกเว้นคือมูลนิธิการกุศล Iris เพื่อการพัฒนาและสนับสนุนงานศิลปะซึ่งก่อตั้งโดย Daria Zhukova โครงการแรกของมูลนิธิคือศูนย์อู่สำหรับวัฒนธรรมร่วมสมัย

มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดระหว่างหน่วยงานภาครัฐที่เกี่ยวข้องกับศิลปะร่วมสมัยและภาคการค้า ตัวอย่างเช่น ในสหราชอาณาจักร ผลงานส่วนใหญ่ของศิลปินร่วมสมัยคนสำคัญที่จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์สาธารณะจะซื้อจากผู้ค้างานศิลปะที่มีอิทธิพลเพียงไม่กี่ราย

พิพิธภัณฑ์ เบียนนาเลส งานเทศกาล และงานแสดงศิลปะร่วมสมัย ค่อยๆ กลายเป็นเครื่องมือในการดึงดูดเงินทุนและการลงทุน ธุรกิจการท่องเที่ยวหรือบางส่วน นโยบายสาธารณะ(ดูตัวอย่างพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยดัด)

นักสะสมส่วนตัวมีอิทธิพลอย่างมากต่องานศิลปะร่วมสมัยทั้งระบบ ตัวอย่างเช่น ตลาดศิลปะร่วมสมัยในสหราชอาณาจักรถูกครอบงำมาตั้งแต่ปี 1980 โดย Charles Saatchi ซึ่งบางครั้งชื่อนี้มีความเกี่ยวข้องกับงานศิลปะร่วมสมัยของอังกฤษตลอดทั้งทศวรรษ

องค์กรเชิงพาณิชย์พยายามที่จะรวมเข้ากับระบบศิลปะร่วมสมัยโดยตรง โดยจัดนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยในอาณาเขตของตน จัดระเบียบและสนับสนุนรางวัลในสาขาศิลปะร่วมสมัย รับผลงานของศิลปิน และสร้างคอลเลกชันขนาดใหญ่

สถาบันศิลปะร่วมสมัยมักตกเป็นเป้าหมายของการวิพากษ์วิจารณ์จากศิลปินและนักวิจารณ์ศิลปะอิสระ กิจกรรมประเภทนี้เรียกว่าการวิจารณ์เชิงสถาบัน ในรัสเซีย แนวปฏิบัติประเภทนี้ไม่มีข้อยกเว้นที่หายาก (เช่น งานของ Avdey Ter-oganyan)

กราฟฟิตี้. ประวัติศาสตร์และความทันสมัย

กราฟฟิตี (ในบริบทของจารึกทางประวัติศาสตร์ เอกพจน์คือ graffito; จาก ita ล. กราฟฟิตี้ (พหูพจน์) กราฟฟิตี) - รูปภาพ ภาพวาดหรือจารึกที่มีรอยขีดข่วน เขียนหรือวาดด้วยสีหรือหมึกบนผนังและพื้นผิวอื่น ๆ กราฟฟิตี้อาจเป็นภาพวาดบนถนนประเภทใดก็ได้บนผนัง ซึ่งคุณสามารถค้นหาได้ทุกอย่างตั้งแต่การเขียนคำง่ายๆ ไปจนถึงภาพวาดที่ซับซ้อน

กราฟฟิตี้ถือว่ามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมฮิปฮอปและสไตล์นับไม่ถ้วนที่พัฒนามาจากกราฟฟิตี้ในสถานีรถไฟใต้ดินในนิวยอร์กซิตี้ อย่างไรก็ตาม ยังมีตัวอย่างกราฟฟิตี้ดีๆ อีกมากมาย ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 กราฟฟิตี้เริ่มปรากฏในรถบรรทุกสินค้าและทางเดินใต้ดิน กราฟฟิตี้ชนิดหนึ่ง - Texino - มีอายุย้อนไปถึงปี ค.ศ. 1920 จนถึงปัจจุบัน ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและในอีกไม่กี่ทศวรรษข้างหน้า วลี "คิลรอยอยู่ที่นี่" พร้อมด้วยรูปภาพ กลายเป็นเรื่องธรรมดาไปทั่วโลก วลีนี้ถูกใช้โดยกองทหารอเมริกันและแทรกซึมวัฒนธรรมสมัยนิยมของอเมริกาอย่างรวดเร็ว ไม่นานหลังจากการเสียชีวิตของ Charlie Parker (เขามีชื่อเล่นว่า "Yardbird" หรือ "Bird") กราฟฟิตี้ที่มีคำว่า "Bird Lives" ก็เริ่มปรากฏให้เห็นทั่วนิวยอร์ก ในระหว่างการประท้วงของนักศึกษาและการนัดหยุดงานทั่วไปในกรุงปารีสในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2511 เมืองนี้เต็มไปด้วยคำขวัญปฏิวัติ อนาธิปไตย และนักสถานการณ์ เช่น L'ennui est contre-révolutionnaire ("ความเบื่อหน่ายคือการต่อต้านการปฏิวัติ") ซึ่งถูกแสดงผลด้วยกราฟฟิตี้ โปสเตอร์ และ รูปแบบศิลปะลายฉลุ ขณะนี้ในประเทศสหรัฐอเมริกา ช่วงสั้น ๆสโลแกนทางการเมืองได้รับความนิยม (เช่น "Free Huey" ที่อุทิศให้กับ Huey Newton ผู้นำขบวนการ Black Panther) ผลงานกราฟฟิตี้อันโด่งดังจากทศวรรษ 1970 คือ "Dick Nixon Before He Dicks You" อันโด่งดัง ซึ่งสะท้อนถึงความเกลียดชังของเยาวชนที่มีต่อประธานาธิบดีสหรัฐฯ

กราฟฟิตี้ที่เกี่ยวข้องกับร็อกแอนด์โรลคือ ส่วนสำคัญศิลปะกราฟฟิตี กราฟฟิตี้ที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20 คือคำจารึกบนรถไฟใต้ดินลอนดอนที่อ่านว่า "แคลปตันคือพระเจ้า" ประโยคนี้ถูกเขียนขึ้น สีสเปรย์บนผนังสถานีอิสลิงตันในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2510 ภาพกราฟฟิตี้นี้ถ่ายไว้ในรูปถ่ายของสุนัขปัสสาวะอยู่บนผนัง ศิลปะกราฟฟิตี้ยังมีความเกี่ยวข้องกับขบวนการประท้วงพังก์ร็อกในต้นทศวรรษ 1970 วงดนตรีอย่าง Black Flag และ Crass (และผู้สืบทอด) ก็ได้สลักชื่อไว้ทุกที่ ในขณะที่ไนต์คลับ สถานที่จัดงาน และแหล่งแฮงเอาท์แนวพังก์หลายแห่งมีชื่อเสียงในเรื่องกราฟฟิตี้ ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 รูปแก้วมาร์ตินี่กลับหัวซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของวงดนตรีพังก์ Missing Foundation กลายเป็นกราฟฟิตี้ที่แพร่หลายที่สุดในแมนฮัตตันตอนล่าง และได้รับการทำซ้ำโดยแฟน ๆ ฮาร์ดคอร์พังก์ทั่วอเมริกาและเยอรมนีตะวันตก

กราฟฟิตีในปัจจุบันถือเป็นศิลปะบนท้องถนนประเภทหนึ่งซึ่งเป็นหนึ่งในงานศิลปะมากที่สุด แบบฟอร์มปัจจุบันการแสดงออกทางศิลปะทั่วโลก มีมากมาย สไตล์ที่แตกต่างและประเภทของกราฟฟิตี้ ผลงานที่สร้างขึ้นโดยศิลปินกราฟฟิตี้เป็นประเภทศิลปะสมัยใหม่ที่เป็นอิสระ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมและวิถีชีวิตคนเมือง หลายประเทศและเมืองต่างๆ มีชื่อเสียงเป็นของตัวเอง นักเขียนสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงบนท้องถนนในเมือง

ในประเทศส่วนใหญ่ทั่วโลก การเขียนกราฟฟิตี้บนทรัพย์สินของผู้อื่นโดยไม่ได้รับอนุญาตจากเจ้าของทรัพย์สินถือเป็นการก่อกวนและมีโทษตามกฎหมาย บางครั้งกราฟฟิตี้ก็ใช้เพื่อเผยแพร่ข้อความทางการเมืองและสังคม สำหรับบางคน กราฟฟิตี้เป็นงานศิลปะที่แท้จริง สมควรแก่การจัดแสดงในแกลเลอรีและนิทรรศการ สำหรับคนอื่นๆ มันเป็นการก่อกวน

เนื่องจากกราฟฟิตีกลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมป๊อป จึงมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีฮิปฮอป ฮาร์ดคอร์ บีทดาวน์ และเบรกแดนซ์ สำหรับหลาย ๆ คนมันเป็นวิถีชีวิตที่ถูกซ่อนไว้จากสาธารณชนและคนทั่วไปไม่สามารถเข้าใจได้

กราฟฟิตี้ยังใช้เป็นสัญญาณแก๊งค์เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขตหรือใช้เป็นชื่อหรือ "แท็ก" สำหรับกิจกรรมของแก๊งค์ ข้อถกเถียงเกี่ยวกับงานศิลปะประเภทนี้ยังคงกระตุ้นให้เกิดความแตกแยกระหว่างเจ้าหน้าที่บังคับใช้กฎหมายและศิลปินกราฟฟิตี้ที่พยายามแสดงผลงานของตนให้สาธารณชนได้เห็น มันเป็นรูปแบบศิลปะที่กำลังพัฒนาอย่างรวดเร็ว ซึ่งคุณค่าของมันก็ได้รับการปกป้องอย่างดุเดือดจากผู้ที่นับถือมัน การทะเลาะวิวาททางวาจากับเจ้าหน้าที่ของรัฐ แม้ว่ากฎหมายเดียวกันนี้มักจะคุ้มครองกราฟฟิตี้ก็ตาม

กำเนิดของกราฟฟิตี้สมัยใหม่

รูปร่าง กราฟฟิตีที่ทันสมัยสามารถย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อมีการใช้ภาพวาดและจารึกเพื่อทำเครื่องหมายตู้บรรทุกที่เดินทางไปทั่วสหรัฐอเมริกา อย่างไรก็ตาม ต้นกำเนิดของขบวนการกราฟฟิตี้ในความหมายสมัยใหม่นั้นมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเคลื่อนไหวทางการเมืองที่ใช้กราฟฟิตี้ในการเผยแพร่แนวคิดของตน กราฟฟิตี้ยังถูกนำไปใช้โดยแก๊งข้างถนน เช่น Savage Skulls, La Familia และ Savage Nomads เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขต "ของพวกเขา" ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ลายเซ็นที่เรียกว่าแท็กเริ่มปรากฏให้เห็นทุกที่ดำเนินการโดยนักเขียนจากฟิลาเดลเฟียซึ่งมีชื่อว่า Cornbread, Cool Earl, Topcat 126 นักเขียน Cornbread มักถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งกราฟฟิตีสมัยใหม่

ช่วงเวลาระหว่างปี 1969 ถึง 1974 เรียกได้ว่าเป็นการปฏิวัติวงการกราฟฟิตี้ ในช่วงเวลานี้ ความนิยมเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด มีรูปแบบใหม่ๆ มากมายปรากฏขึ้น และศูนย์กลางของการเคลื่อนไหวกราฟฟิตี้ได้ย้ายจากฟิลาเดลเฟีย เพนซิลเวเนีย ไปยังนิวยอร์ก นักเขียนพยายามทิ้งแท็กไว้ทุกที่ที่เป็นไปได้และบ่อยที่สุด ไม่นานหลังจากที่นิวยอร์กซิตี้กลายเป็นศูนย์กลางแห่งกราฟฟิตี้แห่งใหม่ สื่อต่างๆ ก็สังเกตเห็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมใหม่นี้ นักเขียนคนแรกที่เป็นหัวข้อของบทความในหนังสือพิมพ์คือ TAKI 183 เขาเป็นวัยรุ่นจากย่าน Washington Heights ในแมนฮัตตัน แท็กของเขา TAKI 183 ประกอบด้วยชื่อของเขา Demetrius (หรือ Demetraki, Taki) และหมายเลขถนนที่เขาอาศัยอยู่ - 183 Taki ทำงานเป็นคนส่งของ ดังนั้นเขาจึงต้องนั่งรถไฟใต้ดินบ่อยครั้ง ไปไหนก็ทิ้งป้ายไว้ทุกที่ ในปี 1971 New York Times ตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับเขาเรื่อง "Taki สร้างกระแสผู้ติดตาม" Julio 204 ก็ถือว่าเป็นหนึ่งในนักเขียนยุคแรก ๆ แต่ในเวลานั้นเขาไม่มีใครสังเกตเห็นจากสื่อ ศิลปินกราฟฟิตี้ที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ได้แก่ Stay High 149, PHASE 2, Stitch 1, Joe 182 และ Cay 161 Barbara 62 และ Eva 62 เป็นผู้หญิงกลุ่มแรกๆ ที่โด่งดังจากผลงานกราฟฟิตี้ของพวกเขา

ในเวลาเดียวกัน กราฟฟิตี้เริ่มปรากฏบนรถไฟใต้ดินบ่อยกว่าบนถนนในเมือง นักเขียนเริ่มแข่งขันกัน และจุดประสงค์ของการแข่งขันคือการเขียนชื่อของพวกเขาให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในสถานที่ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ความสนใจของศิลปินกราฟฟิตี้ค่อยๆ เปลี่ยนไปที่สถานีรถไฟ ซึ่งพวกเขามีโอกาสได้แสดงผลงานชิ้นใหญ่ งานที่ซับซ้อนโดยมีความเสี่ยงน้อยกว่า ตอนนั้นเองที่หลักการสำคัญของแนวคิดสมัยใหม่เรื่อง "การวางระเบิด" ได้ถูกสร้างขึ้น

ในปี 1971 วิธีดำเนินการแท็กเปลี่ยนแปลงไป แท็กมีความซับซ้อนและซับซ้อนมากขึ้น นี่เป็นเพราะศิลปินกราฟฟิตีจำนวนมากซึ่งแต่ละคนพยายามดึงดูดความสนใจ การแข่งขันระหว่างนักเขียนกระตุ้นให้เกิดรูปแบบใหม่ในกราฟฟิตี ศิลปินสร้างความซับซ้อนในการวาดภาพโดยพยายามทำให้มันเป็นต้นฉบับ แต่นอกจากนี้พวกเขายังเริ่มเพิ่มขนาดของตัวอักษร ความหนาของเส้น และใช้เส้นขอบสำหรับตัวอักษรอย่างเห็นได้ชัด สิ่งนี้นำไปสู่การสร้างภาพวาดขนาดใหญ่ในปี 1972 ที่เรียกว่า "ผลงานชิ้นเอก" หรือ "ผลงาน" เชื่อกันว่านักเขียน Super Kool 223 เป็นคนแรกที่แสดง "ผลงาน" ดังกล่าว

มีตัวเลือกต่าง ๆ สำหรับการตกแต่งกราฟฟิตีเข้ามาในแฟชั่น: ลายจุด, ลายตาหมากรุก, การฟักไข่ ฯลฯ ปริมาณการใช้สีสเปรย์เพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญเนื่องจากนักเขียนเพิ่มขนาดงานของพวกเขา ในเวลานั้น "ชิ้นส่วน" เริ่มปรากฏซึ่งครอบครองความสูงของรถม้าทั้งหมด พวกเขาถูกเรียกว่า "บนลงล่าง" นั่นคือ "จากบนลงล่าง" การพัฒนากราฟฟิตีเหมือนใหม่ ปรากฏการณ์ทางศิลปะความแพร่หลายและทักษะที่เพิ่มขึ้นของนักเขียนไม่อาจมองข้ามได้ ในปี 1972 Hugo Martinez ก่อตั้ง United Graffiti Artists ซึ่งรวมถึงศิลปินกราฟฟิตี้ที่เก่งที่สุดในยุคนั้นหลายราย องค์กรพยายามที่จะนำเสนอผลงานกราฟฟิตี้แก่ประชาชนทั่วไปภายในกรอบของหอศิลป์ ภายในปี 1974 นักเขียนเริ่มรวมภาพตัวการ์ตูนและฉากไว้ในผลงานของพวกเขา ทีมงาน TF5 (“The Fabulous Five”) มีชื่อเสียงจากการทาสีรถม้าทั้งคันอย่างชำนาญ

การเผยแพร่วัฒนธรรมกราฟฟิตี้

ในปี 1979 Claudio Bruni พ่อค้างานศิลปะได้มอบแกลเลอรีให้กับศิลปินกราฟฟิตี้ Lee Quiñones และ Fab 5 Freddy ในกรุงโรม สำหรับนักเขียนหลายคนที่ทำงานนอกนิวยอร์ก นี่เป็นครั้งแรกที่พวกเขาได้สัมผัสกับรูปแบบศิลปะแบบดั้งเดิม มิตรภาพระหว่าง Fab 5 Freddy และนักร้อง Blondie Debbie Harry เป็นแรงบันดาลใจให้กับซิงเกิล "Rapture" ของ Blondie ในปี 1981 วิดีโอสำหรับเพลงนี้ซึ่งมี Jean-Michel Basquiat ซึ่งมีชื่อเสียงจากกราฟฟิตี้ SAMO ของเขาแสดงให้ผู้ชมเห็นถึงองค์ประกอบของกราฟฟิตีและวัฒนธรรมฮิปฮอปเป็นครั้งแรก แม้ว่าสิ่งที่สำคัญกว่าในแง่นี้คือการเปิดตัวภาพยนตร์สารคดีเรื่อง "Wild Style" ในปี 1982 โดยผู้กำกับอิสระ Charlie Ahearn เช่นเดียวกับ ภาพยนตร์สารคดี"Style Wars" ผลิตโดย Public Broadcasting Service (สถานีโทรทัศน์แห่งชาติสหรัฐฯ) เมื่อปี พ.ศ. 2526 ละครเพลงฮิต "The Message" และ "Planet Rock" มีส่วนทำให้ความสนใจในฮิปฮอปนอกนิวยอร์กเพิ่มมากขึ้น ภาพยนตร์เรื่อง "Style Wars" ไม่เพียงแสดงให้สาธารณชนเห็นนักเขียนชื่อดังเช่น Skeme, Dondi, MinOne และ Zephyr เท่านั้น แต่ยังเสริมสร้างบทบาทของกราฟฟิตีในวัฒนธรรมฮิปฮอปที่กำลังเกิดขึ้นในนิวยอร์ก: นอกเหนือจากนักเขียนแล้ว กลุ่มเบรกแดนซ์ชื่อดังยังปรากฏตัวอีกด้วย ในโรงภาพยนตร์เช่น Rock Steady Crew และเพลงประกอบเป็นเพลงแร็พโดยเฉพาะ ยังถือว่าภาพยนตร์เรื่อง "Style Wars" สะท้อนสิ่งที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมฮิปฮอปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้แม่นยำที่สุด ในฐานะส่วนหนึ่งของ New York City Rap Tour Fab ปี 1983 5 Freddy และ Futura 2000 ได้สาธิตกราฟฟิตี้ฮิปฮอปแก่ผู้ชมชาวยุโรปในปารีสและลอนดอน ฮอลลีวูดยังแสดงความสนใจต่อฮิปฮอปเมื่อภาพยนตร์เรื่อง "Beat Street" ออกฉายในปี 1984 ซึ่งนำเสนอวัฒนธรรมฮิปฮอปอีกครั้ง ผู้กำกับได้ปรึกษากับนักเขียนบทของ PHASE 2 ระหว่างการสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้

การปรากฏตัวของกราฟฟิตีลายฉลุก็มีมาตั้งแต่สมัยนี้เช่นกัน ตัวอย่างแรกของศิลปะลายฉลุถูกสร้างขึ้นราวปี 1981 โดยศิลปินกราฟฟิตี้ Blek le Rat ในปารีส และในปี 1985 ศิลปะเหล่านี้ได้รับความนิยมในเมืองอื่นๆ หลายแห่ง รวมถึงนิวยอร์ก ซิดนีย์ และเมลเบิร์น ช่างภาพชาวอเมริกัน Charles Gatewood และช่างภาพชาวออสเตรเลีย Rennie Ellis ได้บันทึกภาพลายฉลุจำนวนมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไว้ในรูปถ่ายของพวกเขา

บทนำ 3

ประวัติโดยย่อของศิลปะสมัยใหม่ 4

ศิลปะร่วมสมัย5

สถาบันศิลปะร่วมสมัย 5

กราฟฟิตี้. ประวัติศาสตร์และความทันสมัย 6

การกำเนิดของกราฟฟิตี้ยุคใหม่ 8

การเผยแพร่วัฒนธรรมกราฟฟิตี้ 9

มหาวิทยาลัยโพลีเทคนิคแห่งรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

คณะอบรมขึ้นใหม่ของผู้เชี่ยวชาญ

พิเศษ "การออกแบบ"

เรื่อง: “ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมและศิลปะ”

“ศิลปะกราฟฟิตี้”

ดำเนินการ:

นักเรียนกลุ่ม DIS 3.4

เยฟเจเนีย โวโรโนวา

ตรวจสอบแล้ว:

อาจารย์คณะ PS SPbSPU

รุดเนฟ อิลยา วลาดิมิโรวิช

เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

นิรุกติศาสตร์

ประวัติโดยย่อของวัฒนธรรมกราฟฟิตี้ตั้งแต่สมัยโบราณ

ประวัติศาสตร์สมัยใหม่

กำเนิดของกราฟฟิตี้สมัยใหม่

กลางทศวรรษ 1970

การเผยแพร่วัฒนธรรมกราฟฟิตี้

ความเสื่อมโทรมของกราฟฟิตี้ในนิวยอร์ก

นิวยอร์ก พ.ศ. 2528-2532

รณรงค์ทำความสะอาดรถไฟนิวยอร์ก

กราฟฟิตี้แห่งยุคดิจิทัลหรือกราฟฟิตี้ทางอินเทอร์เน็ต

กราฟฟิตี้ - ศิลปะหรือการก่อกวน?

ประเภทและรูปแบบของกราฟฟิตี

การทดลองสมัยใหม่ด้วยวัสดุ

ศิลปินนิรนาม

กราฟฟิตีหัวรุนแรงและการเมือง

กราฟฟิตีเป็นวิธีทางกฎหมายและ การโฆษณาที่ผิดกฎหมาย

ผู้เขียน เมียร์: กราฟฟิตี้ของไมเคิลแองเจโล

นิรุกติศาสตร์

กราฟฟิตี้และ กราฟฟิตี้มาจากคำภาษาอิตาลี graffiato (“scratched”) ชื่อ "กราฟฟิตี" ในประวัติศาสตร์ศิลปะมักใช้เพื่ออ้างถึงภาพที่ได้ถูกขีดข่วนบนพื้นผิว แนวคิดที่เกี่ยวข้องคือ "กราฟิโต" ซึ่งหมายถึงการกำจัดเม็ดสีชั้นหนึ่งออกโดยการเกาพื้นผิวเพื่อให้เห็นสีชั้นที่สองที่อยู่ด้านล่าง เทคโนโลยีนี้ถูกใช้โดยช่างปั้นหม้อเป็นหลัก ซึ่งหลังจากทำงานเสร็จแล้วก็ได้แกะสลักลายเซ็นต์ของตนไว้บนผลิตภัณฑ์ ในสมัยโบราณ กราฟฟิตี้ถูกนำไปใช้กับผนังโดยใช้ของมีคม บางครั้งใช้ชอล์กหรือถ่านหิน กราฟีนกริยากรีก (ในภาษารัสเซีย - "เขียน") มีรากเดียวกัน

ประวัติโดยย่อของวัฒนธรรมกราฟฟิตี้ตั้งแต่ "สมัยโบราณ"

ตัวอย่างแรกของกราฟฟิตีถือเป็นภาพเขียนหิน

เมื่อพบเมืองปอมเปอีใต้ชั้นขี้เถ้า พวกเขาพบเศษกำแพงเมืองซึ่งมีจารึกมากมายปกคลุมอยู่ คำจารึกเหล่านี้เรียกว่ากราฟฟิตี้ปอมเปอี

ตัวอย่างของกราฟฟิตีบนกำแพงในยุคกลางก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน กราฟฟิตี้ที่มีความหมายศักดิ์สิทธิ์ยังคงมีอยู่อย่างเห็นได้ชัด ในปี 1956 ช่างภาพ Ara Guler ได้บันทึกข้อความที่คล้ายกันบนผนังในอิสตันบูล ("อัลเลาะห์"):

ประวัติศาสตร์สมัยใหม่

กราฟฟิตี้คือ "ศิลปะบนท้องถนน" (เช่นเดียวกับโรงละครริมถนน ถนนเต้นรำ, ดนตรีข้างถนน) สตรีทอาร์ตอยากรู้อยากเห็นว่ามันไม่เปลี่ยนแปลงเลย (แก่นแท้เมื่อหลายหมื่นปีที่แล้วเหมือนกับตอนนี้) ซึ่งแตกต่างจากศิลปะชั้นสูง "สูง" ซึ่งอยู่ภายใต้การเปลี่ยนแปลง - พวกมันเกิด แก่และ ตาย. (เมื่องานศิลปะ "ชั้นสูง" อื่นหายไป สตรีทอาร์ตก็มีส่วนร่วมในการกำเนิดงานศิลปะใหม่)

กราฟฟิตี้ถือว่ามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมฮิปฮอปและสไตล์นับไม่ถ้วนที่พัฒนามาจากกราฟฟิตี้ในสถานีรถไฟใต้ดินในนิวยอร์กซิตี้ อย่างไรก็ตาม ยังมีตัวอย่างกราฟฟิตี้ดีๆ อีกมากมาย ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 กราฟฟิตี้เริ่มปรากฏในรถบรรทุกสินค้าและทางเดินใต้ดิน กราฟฟิตี้ชนิดหนึ่ง - Texino - มีอายุย้อนไปถึงปี ค.ศ. 1920 จนถึงปัจจุบัน ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและในอีกไม่กี่ทศวรรษข้างหน้า วลี "คิลรอยอยู่ที่นี่" พร้อมด้วยรูปภาพ กลายเป็นเรื่องธรรมดาไปทั่วโลก วลีนี้ถูกใช้โดยกองทหารอเมริกันและแทรกซึมวัฒนธรรมสมัยนิยมของอเมริกาอย่างรวดเร็ว ไม่นานหลังจากการเสียชีวิตของ Charlie Parker (เขามีชื่อเล่นว่า "Yardbird" หรือ "Bird") กราฟฟิตี้ที่มีคำว่า "Bird Lives" ก็เริ่มปรากฏให้เห็นทั่วนิวยอร์ก ในระหว่างการประท้วงของนักศึกษาและการประท้วงหยุดงานทั่วไปในเดือนพฤษภาคม 1968 ในกรุงปารีส เมืองนี้เต็มไปด้วยคำขวัญการปฏิวัติ อนาธิปไตย และนักสถานการณ์ เช่น L'ennui est contre-révolutionnaire (ความเบื่อหน่ายคือการต่อต้านการปฏิวัติ) ในงานศิลปะกราฟฟิตี้ โปสเตอร์ และลายฉลุ ในช่วงเวลานี้ สโลแกนทางการเมือง (เช่น "Free Huey" ที่อุทิศให้กับ Huey Newton ผู้นำขบวนการ Black Panther) ได้รับความนิยมในช่วงเวลาสั้นๆ ในสหรัฐอเมริกา ผลงานกราฟฟิตี้อันโด่งดังจากทศวรรษ 1970 คือ "Dick Nixon Before He Dicks You" อันโด่งดัง ซึ่งสะท้อนถึงความเกลียดชังของเยาวชนที่มีต่อประธานาธิบดีสหรัฐฯ

กราฟฟิตี้ที่เกี่ยวข้องกับร็อกแอนด์โรลเป็นส่วนสำคัญของศิลปะกราฟฟิตี้ กราฟฟิตี้ที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20 คือคำจารึกบนรถไฟใต้ดินลอนดอนที่อ่านว่า "แคลปตันคือพระเจ้า" วลีนี้ถูกพ่นสีบนผนังสถานีอิสลิงตันในฤดูใบไม้ร่วงปี 1967 ภาพกราฟฟิตี้นี้ถ่ายไว้ในรูปถ่ายของสุนัขปัสสาวะอยู่บนผนัง ศิลปะกราฟฟิตี้ยังมีความเกี่ยวข้องกับขบวนการประท้วงพังก์ร็อกในต้นทศวรรษ 1970 วงดนตรีอย่าง Black Flag และ Crass (และผู้สืบทอด) ก็ได้สลักชื่อไว้ทุกที่ ในขณะที่ไนต์คลับ สถานที่จัดงาน และแหล่งแฮงเอาท์แนวพังก์หลายแห่งมีชื่อเสียงในเรื่องกราฟฟิตี้ ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 รูปแก้วมาร์ตินี่กลับหัวซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของวงดนตรีพังก์ Missing Foundation กลายเป็นกราฟฟิตี้ที่แพร่หลายที่สุดในแมนฮัตตันตอนล่าง และได้รับการทำซ้ำโดยแฟน ๆ ฮาร์ดคอร์พังก์ทั่วอเมริกาและเยอรมนีตะวันตก

เนื่องจากกราฟฟิตีกลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมป๊อป จึงมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีฮิปฮอป ฮาร์ดคอร์ บีทดาวน์ และเบรกแดนซ์ สำหรับหลาย ๆ คนนี่คือวิถีชีวิตที่ซ่อนเร้นจากสาธารณะและบุคคลทั่วไปไม่สามารถเข้าใจได้http://ru.wikipedia.org/wiki/Graffiti - cite_note-18

กราฟฟิตี้ยังใช้เป็นสัญญาณแก๊งค์เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขตหรือใช้เป็นชื่อหรือ "แท็ก" สำหรับกิจกรรมของแก๊งค์ ข้อถกเถียงเกี่ยวกับงานศิลปะประเภทนี้ยังคงกระตุ้นให้เกิดความแตกแยกระหว่างเจ้าหน้าที่บังคับใช้กฎหมายและศิลปินกราฟฟิตี้ที่พยายามแสดงผลงานของตนให้สาธารณชนได้เห็น มันเป็นรูปแบบศิลปะที่เติบโตอย่างรวดเร็วซึ่งคุณค่าได้รับการปกป้องอย่างดุเดือดจากผู้ที่นับถือในสงครามคำพูดกับเจ้าหน้าที่ของรัฐ แม้ว่ากฎหมายเดียวกันมักจะปกป้องกราฟฟิตีก็ตาม

กำเนิดของกราฟฟิตี้สมัยใหม่

การเกิดขึ้นของกราฟฟิตี้สมัยใหม่สามารถย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อมีการใช้ภาพวาดและคำจารึกเพื่อทำเครื่องหมายรถบรรทุกสินค้าที่เดินทางไปทั่วสหรัฐอเมริกา อย่างไรก็ตาม ต้นกำเนิดของขบวนการกราฟฟิตี้ในความหมายสมัยใหม่นั้นมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเคลื่อนไหวทางการเมืองที่ใช้กราฟฟิตี้ในการเผยแพร่แนวคิดของตน กราฟฟิตี้ยังถูกนำไปใช้โดยแก๊งข้างถนน เช่น Savage Skulls, La Familia และ Savage Nomads เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขต "ของพวกเขา" ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ลายเซ็นที่เรียกว่าแท็กเริ่มปรากฏให้เห็นทุกที่ดำเนินการโดยนักเขียนจากฟิลาเดลเฟียซึ่งมีชื่อว่า Cornbread, Cool Earl, Topcat 126 นักเขียน Cornbread มักถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งกราฟฟิตีสมัยใหม่

ในเวลาเดียวกัน กราฟฟิตี้เริ่มปรากฏบนรถไฟใต้ดินบ่อยกว่าบนถนนในเมือง นักเขียนเริ่มแข่งขันกัน และจุดประสงค์ของการแข่งขันคือการเขียนชื่อของพวกเขาให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในสถานที่ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ความสนใจของศิลปินกราฟฟิตี้ค่อยๆ หันไปหาสถานีรถไฟ ซึ่งพวกเขามีโอกาสทำงานที่ซับซ้อนขนาดใหญ่โดยมีความเสี่ยงน้อยกว่า ตอนนั้นเองที่หลักการสำคัญของแนวคิดสมัยใหม่เรื่อง "การวางระเบิด" ได้ถูกสร้างขึ้น

มีตัวเลือกต่าง ๆ สำหรับการตกแต่งกราฟฟิตีเข้ามาในแฟชั่น: ลายจุด, ลายตาหมากรุก, การฟักไข่ ฯลฯ ปริมาณการใช้สีสเปรย์เพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญเนื่องจากนักเขียนเพิ่มขนาดงานของพวกเขา ในเวลานั้น "ชิ้นส่วน" เริ่มปรากฏซึ่งครอบครองความสูงของรถม้าทั้งหมด พวกเขาถูกเรียกว่า "บนลงล่าง" นั่นคือ "จากบนลงล่าง" การพัฒนากราฟฟิตีเป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะใหม่ ความแพร่หลาย และระดับที่เพิ่มขึ้นของทักษะของนักเขียนไม่อาจมองข้ามได้ ในปี 1972 Hugo Martinez ก่อตั้ง United Graffiti Artists ซึ่งรวมถึงศิลปินกราฟฟิตี้ที่เก่งที่สุดในยุคนั้นหลายราย องค์กรพยายามที่จะนำเสนอผลงานกราฟฟิตี้แก่ประชาชนทั่วไปภายในกรอบของหอศิลป์ ภายในปี 1974 นักเขียนเริ่มรวมภาพตัวการ์ตูนและฉากไว้ในผลงานของพวกเขา ทีมงาน TF5 (“The Fabulous Five”) มีชื่อเสียงจากการทาสีรถม้าทั้งคันอย่างชำนาญ

กลางทศวรรษ 1970

ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 หลักการพื้นฐานของศิลปะกราฟฟิตี้และวัฒนธรรมได้ก่อตั้งขึ้น ช่วงนี้ถือเป็นจุดสูงสุดของความนิยมและความแพร่หลายของกราฟฟิตี้ ส่วนหนึ่งเป็นเพราะเงื่อนไขทางการเงินไม่อนุญาตให้ฝ่ายบริหารของนครนิวยอร์กต่อสู้กับสตรีทอาร์ตโดยใช้โปรแกรมกำจัดหรือปรับปรุงกราฟฟิตี้ การซ่อมบำรุงการขนส่งในเมือง นอกจากนี้กราฟฟิตีในสไตล์ "จากบนลงล่าง" เริ่มครอบครองรถม้าทั้งหมด กลางทศวรรษ 1970 ได้รับความนิยมอย่างมากจาก "การโยนทิ้ง" ซึ่งก็คือกราฟฟิตี้ที่ซับซ้อนในการดำเนินการมากกว่า "แท็ก" แต่ซับซ้อนน้อยกว่า "ชิ้นส่วน" ไม่นานหลังจากเริ่มมีการขว้างปา นักเขียนก็เริ่มแข่งขันกันเพื่อดูว่าใครสามารถขว้างปาได้มากที่สุดโดยใช้เวลาน้อยที่สุด

การเคลื่อนไหวกราฟฟิตีมีลักษณะการแข่งขัน และศิลปินก็ออกเดินทางเพื่อวาดภาพทั้งเมือง พวกเขาต้องการให้ชื่อของพวกเขาปรากฏในทุกพื้นที่ของนิวยอร์ก ท้ายที่สุดแล้ว มาตรฐานและข้อกำหนดที่กำหนดไว้ในต้นทศวรรษ 1970 ก็ล้าสมัย และในช่วงต้นทศวรรษ 1980 นักเขียนหลายคนก็หิวกระหายการเปลี่ยนแปลง

อย่างไรก็ตาม ในช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 1970 - 1980 กราฟฟิตี้ได้สัมผัสกับคลื่นลูกใหม่ ความคิดสร้างสรรค์. บุคคลสำคัญอีกประการหนึ่งในการเคลื่อนไหวกราฟฟิตี้ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ Fab 5 Freddy (Fred Brathwaite) ซึ่งเป็นผู้จัดตั้งกลุ่มนักเขียนบนกำแพงในบรูคลิน เขาตั้งข้อสังเกตว่าในช่วงปลายทศวรรษ 1970 เทคนิคที่แตกต่างกันรูปแบบสีสเปรย์และตัวอักษรที่ทำให้กราฟฟิตี้ในแมนฮัตตันทางตอนเหนือแตกต่างจากกราฟฟิตี้ในบรูคลินเริ่มผสมผสานกัน ส่งผลให้เกิด "สไตล์ที่ดุร้าย" ในที่สุด Fab 5 Freddy ให้เครดิตในการนำดนตรีกราฟฟิตีและแร็พไปไกลกว่าบรองซ์ซึ่งเป็นต้นกำเนิดของดนตรี ด้วยความช่วยเหลือของเขา การเชื่อมต่อระหว่างกราฟฟิตีกับกราฟฟิตีจึงเกิดขึ้น ศิลปะอย่างเป็นทางการตลอดจนดนตรีสมัยใหม่ นับเป็นครั้งแรกนับตั้งแต่ Hugo Martinez จัดนิทรรศการของนักเขียนในช่วงต้นทศวรรษ 1970 กราฟฟิตี้ได้รับความสนใจอย่างจริงจังจากงานศิลปะที่จัดตั้งขึ้น

ช่วงปลายทศวรรษ 1970 ถือเป็นระลอกสุดท้ายของการทิ้งระเบิดอย่างกว้างขวาง ก่อนที่องค์การขนส่งนครนิวยอร์กจะตั้งเป้าที่จะกำจัดกราฟฟิตี้ออกจากการขนส่งสาธารณะ เจ้าหน้าที่รถไฟฟ้าใต้ดินได้เริ่มเสริมความแข็งแกร่งให้กับรั้วและแผงกั้นของคลังแล้วเช่นกัน การทำลายล้างสูงกราฟฟิตี การทำงานอย่างแข็งขันขององค์กรในเมืองมักทำให้นักเขียนหลายคนเลิกกราฟฟิตีเนื่องจากการทำลายงานอย่างต่อเนื่องทำให้พวกเขาสิ้นหวัง

การเผยแพร่วัฒนธรรมกราฟฟิตี้

ในปี 1979 Claudio Bruni พ่อค้างานศิลปะได้มอบแกลเลอรีให้กับศิลปินกราฟฟิตี้ Lee Quiñones และ Fab 5 Freddy ในกรุงโรม สำหรับนักเขียนหลายคนที่ทำงานนอกนิวยอร์ก นี่เป็นครั้งแรกที่พวกเขาได้สัมผัส รูปแบบดั้งเดิมศิลปะ. มิตรภาพระหว่าง Fab 5 Freddy และนักร้อง Blondie Debbie Harry เป็นแรงบันดาลใจให้กับซิงเกิล "Rapture" ของ Blondie ในปี 1981 วิดีโอสำหรับเพลงนี้ซึ่งมี Jean-Michel Basquiat ซึ่งมีชื่อเสียงจากกราฟฟิตี้ SAMO ของเขาแสดงให้ผู้ชมเห็นถึงองค์ประกอบของกราฟฟิตีและวัฒนธรรมฮิปฮอปเป็นครั้งแรก แม้ว่าสิ่งที่สำคัญกว่าในแง่นี้คือการเปิดตัวภาพยนตร์สารคดีเรื่อง "Wild Style" ในปี 1983 โดยผู้กำกับอิสระ Charlie Ahearn รวมถึงภาพยนตร์สารคดีเรื่อง "Style Wars" ที่ผลิตโดย Public Broadcasting Service (US National Broadcasting Service) ในปี 1983 ปี. ละครเพลงฮิต "The Message" และ "Planet Rock" มีส่วนทำให้ความสนใจในฮิปฮอปนอกนิวยอร์กเพิ่มมากขึ้น ภาพยนตร์เรื่อง "Style Wars" ไม่เพียงแสดงให้สาธารณชนเห็นนักเขียนชื่อดังเช่น Skeme, Dondi, MinOne และ Zephyr เท่านั้น แต่ยังเสริมสร้างบทบาทของกราฟฟิตีในวัฒนธรรมฮิปฮอปที่กำลังเกิดขึ้นในนิวยอร์ก: นอกเหนือจากนักเขียนแล้ว กลุ่มเบรกแดนซ์ชื่อดังยังปรากฏตัวอีกด้วย ในโรงภาพยนตร์เช่น Rock Steady Crew และเพลงประกอบเป็นเพลงแร็พโดยเฉพาะ ยังถือว่าภาพยนตร์เรื่อง "Style Wars" สะท้อนสิ่งที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมฮิปฮอปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้แม่นยำที่สุด ในฐานะส่วนหนึ่งของ New York City Rap Tour Fab ปี 1983 5 Freddy และ Futura 2000 ได้สาธิตกราฟฟิตี้ฮิปฮอปแก่ผู้ชมชาวยุโรปในปารีสและลอนดอน ฮอลลีวูดยังแสดงความสนใจต่อฮิปฮอปเมื่อภาพยนตร์เรื่อง "Beat Street" ออกฉายในปี 1984 ซึ่งนำเสนอวัฒนธรรมฮิปฮอปอีกครั้ง ผู้กำกับได้ปรึกษากับนักเขียนบทของ PHASE 2 ระหว่างการสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้

ความเสื่อมโทรมของกราฟฟิตี้ในนิวยอร์ก

เมื่อวัฒนธรรมกราฟฟิตี้แพร่กระจายไปทั่วสหรัฐอเมริกาและที่อื่นๆ แง่มุมทางวัฒนธรรมที่แท้จริงของกราฟฟิตี้ในนิวยอร์กก็แทบจะหายไปเลย มีสาเหตุหลายประการที่ทำให้กราฟฟิตีลดลงอย่างรวดเร็ว ท้องถนนเริ่มมีอันตรายมากขึ้นจากการระบาดของ “โรคระบาดร้าว” กฎหมายของเมืองสร้างบทลงโทษที่เข้มงวดมากขึ้นสำหรับศิลปินกราฟฟิตี้ และข้อจำกัดในการขายสีสเปรย์ทำให้การซื้อวัสดุเป็นเรื่องยากมาก นอกจากนี้ New York City Subway Authority ได้เพิ่มเงินทุนอย่างมีนัยสำคัญสำหรับโครงการต่อต้านกราฟฟิตี สถานที่โปรดของนักเขียนหลายคนได้รับการคุ้มกันอย่างแน่นหนา หน่วยลาดตระเวนติดอาวุธเฝ้าคลัง มีการสร้างเครื่องกีดขวางให้ปลอดภัยยิ่งขึ้น และการทำลายภาพกราฟิตีก็เริ่มมีบทบาทและแพร่หลาย การเขียนกราฟฟิตี้ในรถไฟใต้ดินกลายเป็นเรื่องยาก และนักเขียนหลายคนก็ออกไปตามท้องถนน ปัจจุบัน กราฟฟิตี้ตามท้องถนน รวมถึงกราฟฟิตีบนรถไฟระหว่างเมืองและรถไฟบรรทุกสินค้า เป็นรูปแบบการเขียนที่โดดเด่น

อย่างไรก็ตาม นักเขียนหลายคนมองว่าอุปสรรคใหม่ๆ เป็นความท้าทายมากกว่าเป็นเหตุผลในการเลิกเขียนภาพเขียน อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ยังนำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปินเริ่มต่อสู้อย่างดุเดือดเพื่อสถานที่ที่เหมาะสมสำหรับการวาดภาพและควบคุมดินแดนของตน น่าแปลกที่พวกมันมีความสำคัญมากต่อการวางระเบิด ความแข็งแกร่งทางกายภาพและจำนวนคนในทีม Blade, Dondi, Min 1, Quik, Seen และ Skeme คือศิลปินกราฟฟิตี้ที่โดดเด่นและมีอิทธิพลมากที่สุดในยุคนั้น ด้วยเหตุนี้ ยุคของกราฟฟิตี้ที่เป็นนิสัยในรถไฟใต้ดินนิวยอร์กจึงยุติลง และในปีต่อๆ มา มีเพียงสิ่งที่เรียกว่า "ฮาร์ดนัท" เท่านั้นที่ยังคงอยู่ในกราฟฟิตี้

นิวยอร์ก พ.ศ. 2528-2532

ในช่วงปี 1985 ถึง 1989 นักเขียนที่มีความมุ่งมั่นมากที่สุดยังคงอยู่ในกราฟฟิตี้ การโจมตีครั้งสุดท้ายสำหรับศิลปินกราฟฟิตี้ รถยนต์รถไฟใต้ดินเริ่มถูกส่งไปเป็นเศษเหล็ก เนื่องจากมาตรการที่เข้มงวดมากขึ้นที่เจ้าหน้าที่บังคับใช้ ศิลปะของกราฟฟิตี้จึงถอยหลังไปหนึ่งก้าวในการพัฒนา โดยชิ้นส่วนเดิมที่ประณีตและประดิษฐ์ขึ้นอย่างชำนาญที่อยู่ด้านนอกของรถไฟได้ถูกแทนที่ด้วยป้ายแบบเรียบง่ายที่ทำโดยใช้ปากกามาร์กเกอร์ธรรมดา

อาจกล่าวได้ว่าภายในกลางปี 1986 เจ้าหน้าที่ขนส่งมวลชนแห่งนครนิวยอร์กและชิคาโกได้รับชัยชนะใน "สงครามกับกราฟฟิตี้" และจำนวนนักเขียนที่กระตือรือร้นก็ลดลงอย่างเห็นได้ชัด ในเวลาเดียวกัน ระดับความรุนแรงที่เกี่ยวข้องกับทีมกราฟฟิตี้และการวางระเบิดก็ลดลงเช่นกัน นักเขียนบางคนในช่วงทศวรรษ 1980 เริ่มปีนขึ้นไปบนหลังคาและวาดภาพไปที่นั่น ศิลปินกราฟฟิตีชื่อดัง Cope2, Claw Money, Sane Smith, Zephyr และ T Kid กำลังวาดภาพอย่างแข็งขันในช่วงเวลานี้

รณรงค์ทำความสะอาดรถไฟนิวยอร์ก

ยุคแห่งกราฟฟิตี้นี้โดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าศิลปินกราฟฟิตี้ส่วนใหญ่ย้ายงานของตนจากรถไฟใต้ดินและรถไฟไปที่ "แกลเลอรีริมถนน" การรณรงค์เพื่อทำความสะอาดรถไฟในนิวยอร์กเริ่มขึ้นในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2532 เมื่อเจ้าหน้าที่ของนครนิวยอร์กเริ่มเพียงนำรถไฟที่เขียนด้วยกราฟิตีออกจากระบบขนส่งมวลชนของเมือง ดังนั้นนักเขียนจำนวนมากจึงต้องมองหาวิธีใหม่ในการแสดงออก คำถามที่ว่ากราฟฟิตี้เป็นรูปแบบศิลปะหรือไม่นั้นยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอย่างถึงพริกถึงขิง

ก่อนที่การเคลื่อนไหวเพื่อทำความสะอาดการจราจรในนิวยอร์กจะเริ่มต้นขึ้น ถนนในหลาย ๆ เมือง ไม่ใช่แค่ในนิวยอร์ก เท่านั้นที่ยังมิได้ถูกแตะต้องด้วยกราฟฟิตี้ แต่หลังจากที่เจ้าหน้าที่เริ่มเคลียร์รถไฟใต้ดินและรถไฟ ภาพกราฟิตีก็หลั่งไหลไปตามถนนในเมืองต่างๆ ในอเมริกา ซึ่งสาธารณะชนไม่ตอบสนอง

นักเขียนหลายคนพบทางออกจากสถานการณ์นี้ด้วยการแสดงผลงานในแกลเลอรีหรือจัดสตูดิโอของตนเอง

ย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ศิลปินกราฟฟิตี้ เช่น Jean-Michel Basquiat ซึ่งเริ่มต้นด้วยการติดแท็กเป็นประจำ (SAMO ซึ่งเป็นลายเซ็นของเขา ย่อมาจาก Same Old Shit ซึ่งก็คือ "กัญชาเก่าที่ดี") และ Keith Haring หันมาหาสิ่งนี้ ที่สามารถผลิตผลงานศิลปะภายในสตูดิโอศิลปะได้

บางครั้งนักเขียนก็สร้างกราฟฟิตีที่ซับซ้อนและสวยงามบนด้านหน้าของร้านซึ่งเจ้าของร้านไม่กล้าทาสีทับพวกเขา บ่อยครั้งมีการแสดงผลงานอันประณีตดังกล่าวเพื่อรำลึกถึงผู้วายชนม์ ในความเป็นจริงทันทีหลังจากการเสียชีวิตของแร็ปเปอร์ Big Pun ภาพจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่ที่อุทิศให้กับชีวิตของเขาก็ปรากฏขึ้นในบรองซ์ซึ่งสร้างโดย BG183, Bio, Nicer TATS CRU ในลักษณะเดียวกันนักเขียนมีปฏิกิริยาต่อการเสียชีวิตของ The Notorious B.I.G., Tupac Shakur, Big L และ Jam Master Jay

กราฟฟิตี้แห่งยุคดิจิทัลหรือกราฟฟิตี้ทางอินเทอร์เน็ต

กราฟฟิตี้บนกำแพงเมืองเป็นปรากฏการณ์ที่เก่าแก่และคุ้นเคย เมื่อ "กำแพง" และ "กระดานข่าว" เสมือนจริงปรากฏบนอินเทอร์เน็ต กราฟฟิตี้ก็ปรากฏที่นั่นเช่นกัน ในกรณีที่ไม่มีวิธีการอื่นนอกเหนือจากตัวอักษรตัวเลขสัญลักษณ์และเครื่องหมายวรรคตอนทุกประเภทผู้คนเริ่มใช้สิ่งเหล่านี้เพื่อสร้างจารึกและวลี - รูปภาพตลก ๆ ชวนให้นึกถึงบทกวีกราฟิกในรูปทรง และฝากไว้ในหน้าเพื่อนใน Odnoklassniki หรือในลายเซ็นบนฟอรัมออนไลน์

โดยทั่วไปแล้ว แน่นอนว่าเรื่องราวทั้งหมดนี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงลายเซ็นบนเว็บไซต์เท่านั้น ในความเป็นจริง รูปลักษณ์ที่คล้ายกันความคิดสร้างสรรค์เรียกว่า ASCII Art ผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้สามารถดูได้บนเว็บไซต์พิเศษหรือพูดบนดิสก์ที่มีโปรแกรมคอมพิวเตอร์ที่ถูกแฮ็กโดยทีมแฮ็กเกอร์บางคน (โดยวิธีการ "กราฟฟิตี" เสมือนของพวกเขาคล้ายกับกราฟฟิตีจริงบนผนังจริงมากที่สุด) .

อู้หู้..............

.....(....)...อู้ว......

......)../....(....)....

.....(_/.......)../.....

...............(_/......

บน...บน...บน.....

ผีเสื้ออันโด่งดังของ Flora Stacy สร้างขึ้นบนเครื่องพิมพ์ดีด:

กราฟฟิตี้: ศิลปะหรือการก่อกวน?

คุณคิดว่าในโลกนี้มีวิธีการและวิธีการแสดงออกกี่วิธี? ในยุคของความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีไม่สามารถนับได้ ความเป็นไปได้ของมนุษย์แทบจะไร้ขีดจำกัด อย่างไรก็ตาม ถึงเรื่องนี้ ผู้คนก็ไม่หยุดวาดภาพบนผนัง แต่ไม่ใช่ทุกคนที่มองว่าผนังที่ทาสีเป็นวิธีการแสดงออก สำหรับพวกเขา นี่คือการทำลายล้างมากกว่าความคิดสร้างสรรค์ หลายคนเรียกสิ่งนี้ว่าการก่อกวน

ความเชื่อมโยงระหว่างการก่อกวนและกราฟฟิตี้คืออะไร? ตามที่สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ใหญ่ กล่าว การทำลายทรัพย์สินเป็น “การทำลายคุณค่าทางวัฒนธรรมและวัตถุอย่างไร้เหตุผล” แต่ในความหมายที่กว้างกว่านั้น การก่อกวนหมายถึงการก่อวินาศกรรมและพฤติกรรมต่อต้านสังคม ตัวอย่างเช่น ถ้ามีคนทิ้งขยะในสวนสาธารณะ เหยียบย่ำสนามหญ้า หรือทำลายร้านค้า ทั้งหมดนี้ถือเป็นการกระทำที่เป็นการป่าเถื่อน พฤติกรรมเบี่ยงเบน วัยรุ่นส่วนใหญ่ทำเช่นนี้ แต่กราฟฟิตีเกี่ยวข้องอะไรกับมัน? บางคนเชื่อว่ากราฟฟิตีเป็นรูปแบบหนึ่งของพฤติกรรมเบี่ยงเบนซึ่งพบได้ทั่วไปในวัยรุ่นและคนหนุ่มสาว นี่เป็นที่ถกเถียงกันอยู่ ประการแรกไม่มีใครศึกษาปรากฏการณ์กราฟฟิตีในรัสเซียและไม่มีใครทำการวิจัยใดๆ ประการที่สอง กราฟฟิตี้เป็นวิธีการสื่อสารในสังคม เป็นช่องทางในการแสดงความคิดเห็นหรือถ่ายทอดข้อมูลบางอย่าง และในขณะเดียวกันก็ทำแบบไม่ระบุตัวตนด้วย กราฟฟิตี้อาจเป็นแบบสาธารณะและเป็นส่วนตัว หรืออาจเป็นคำจารึกที่มีความหมายในสไตล์ฮิปฮอปก็ได้ ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับวัตถุประสงค์

แต่ทำไมผู้คนถึงหยิบกระป๋องสีแล้วไปทาสี? มีสาเหตุหลายประการ: อาจเป็นปฏิกิริยาเชิงลบหรืออาจเป็นกระแสเพิ่มขึ้น อารมณ์เชิงบวกอาจเป็นการประท้วงหรืออาจเป็นแรงจูงใจที่สร้างสรรค์

เป็นเรื่องยากมากที่จะให้คำจำกัดความที่ชัดเจนว่ากราฟฟิตีคืออะไร แต่นักวิจัยส่วนใหญ่เห็นพ้องกันว่ากราฟฟิตี้คือวิธีการสื่อสาร ลักษณะสำคัญคือลักษณะสาธารณะและไม่เป็นทางการ นี่เป็นทางเลือกที่ไม่เหมือนใครนอกเหนือจากวิธีแสดงความคิดเห็นแบบเดิมๆ แน่นอนว่าบนถนนสายหลักของเมืองคุณไม่น่าจะเห็นกำแพงทาสี แต่ในพื้นที่อื่น ๆ ซึ่งมักจะอยู่ชายขอบจะพบกราฟฟิตีทุกจุด หากคุณต้องการชื่นชมกราฟฟิตี้บนผนัง ให้เดินผ่านทางเดินใต้ดินหรือไปที่สถานีรถไฟ สถานที่เหล่านี้เป็นสถานที่ยอดนิยมสำหรับกราฟฟิตี้

กราฟฟิตี้เป็นวิธีการแสดงออกที่เป็นอิสระที่สุด เขียน วาดเกี่ยวกับสิ่งที่คุณต้องการ โดยไม่ต้องกลัวว่าจะฝ่าฝืนบรรทัดฐานและกฎเกณฑ์ใดๆ ไม่มีข้อห้ามหรือข้อห้ามที่นี่ โดยทั่วไปแล้ว เสรีภาพในการสร้างสรรค์ที่สมบูรณ์ และเรามักเห็นความคิดสร้างสรรค์เช่นนี้บนท้องถนน (ผนังอาคาร โรงรถ ทางเดินใต้ดิน ตู้โทรศัพท์สาธารณะ พื้นยางมะตอยในสนามหญ้า ฯลฯ ); การคมนาคมยังใช้ในการวาดรูปด้วย และแน่นอนว่าเราต้องไม่ลืมทางเข้าและบันไดด้วย ถ้าจะพูดถึง เมืองใหญ่ๆจากนั้นมีสิ่งที่เรียกว่าแกลเลอรีกราฟฟิตีนั่นคือผนังที่ทาสีทั้งหมด แกลเลอรีดังกล่าวเกิดขึ้นได้จากหลายสาเหตุ แต่โดยพื้นฐานแล้ว เหล่านี้คือที่รวมตัวของเยาวชน "นอกระบบ" ตัวอย่างเช่น มีสถานที่ดังกล่าวหลายแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นี่คือ Rotunda ทางเข้าบ้านที่ B.B. Grebenshchikov อาศัยอยู่ ผนังลานบ้านหมายเลข 10 บนถนน Pushkinskaya อีกตัวอย่างที่โดดเด่นคือรั้วคอนกรีตและเชิงสะพานที่สถานีรถไฟใต้ดิน Ladozhskaya ต้องขอบคุณกราฟฟิตีที่ทำให้คนหนุ่มสาวทุกคนรู้จักสถานที่นี้ซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อภาพวาดดังกล่าวโดยเฉพาะ

การเลือกวิธีการที่จะวาดนั้นขึ้นอยู่กับสถานที่ที่รูปวาดตั้งอยู่ กราฟฟิตี้ส่วนใหญ่จะทาสีด้วยปากกามาร์กเกอร์หรือสี แต่ที่นี่ทั้งหมดขึ้นอยู่กับความสามารถของผู้ที่วาด ตัวอย่างเช่นในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กพวกเขาพ่นสีน้อยกว่าในเบอร์ลินปารีสหรือนิวยอร์กมาก เมืองเหล่านี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นเมืองหลวงแห่งกราฟฟิตี้ และกำแพงที่ทาสีนั้นเข้ากันได้ดีกับภูมิทัศน์ของเมือง และไม่ก่อให้เกิดปฏิกิริยาเชิงลบจากสาธารณชน

มีอีกเกณฑ์หนึ่งที่ผู้คนเลือกสถานที่ที่จะวาด ผู้คนไม่ได้วาดในพื้นที่ "ของพวกเขา" อาคารทั้งหมด ผนังและรั้วทั้งหมด ทางเดินใต้ดิน การขนส่งสาธารณะถือเป็นทรัพย์สินของเมือง และไม่ใช่วัตถุ "ของพวกเขา" สำหรับผู้เขียนภาพวาด และบางทีศิลปินกราฟฟิตี้อาจมีความปรารถนา (ไม่ว่าจะมีสติหรือไม่ก็ตาม) ที่จะสร้างพื้นที่นี้เป็นของตัวเอง และกราฟฟิตี้ก็มาก วิธีที่สะดวกทำมัน. ในระดับหนึ่งก็คล้ายกับสัญชาตญาณของสัตว์ จำได้ไหมว่ามีสัตว์กี่ตัวที่ทำเครื่องหมายอาณาเขต? วิธีทางที่แตกต่าง. และกราฟฟิตีที่นี่อาจเป็นเครื่องหมายชนิดหนึ่ง แล้วเราจะอธิบายความจริงที่ว่าวัยรุ่นทาสีบ้านและเฉลียงของตัวเองได้อย่างไร? หลักการเดียวกันนี้ใช้ที่นี่ หากนี่ไม่ใช่บ้านส่วนตัวที่พ่อแม่ของฉันสร้าง แต่เป็นอาคารในเมือง นั่นไม่ใช่ของฉัน แต่เป็นของเมือง มันเป็นทรัพย์สินของ "โลกของผู้ใหญ่" อีกแห่งหนึ่งซึ่งเป็นพื้นที่ของคนอื่น ตัวอย่างเช่น เด็กนักเรียนมีทัศนคติแบบเดียวกันต่อหนังสือเรียนที่ออกโดยห้องสมุด ไม่ใช่ของฉัน ดังนั้นคุณจึงสามารถวาดลงในหนังสือเล่มนี้ได้ แต่สำหรับห้องหรืออพาร์ตเมนต์ของคุณนั้น ไม่ค่อยพบภาพกราฟฟิตี้ที่นั่น ความนิยมของกราฟฟิตี้ในหมู่คนหนุ่มสาวกำลังเติบโตอย่างต่อเนื่อง และสังคมก็ยอมรับภาพวาดฝาผนังมากขึ้น ผู้คนหยุดพูดคุยเกี่ยวกับการวาดภาพบนท้องถนนอย่างจริงจัง...และพวกเขาก็หยุดประณามศิลปินกราฟฟิตี้ด้วย ปรากฏการณ์นี้ไม่ถือว่าน่าละอายหรือต่อต้านสังคมอีกต่อไป ผู้คนมักจะคุ้นเคยกับกำแพงเมืองและทางเข้าที่เต็มไปด้วยสีสัน

กราฟฟิตี้ยังมีความต่อเนื่องอยู่บ้าง ผู้ที่เพิ่งเริ่มทำธุรกิจนี้มุ่งมั่นที่จะเรียนรู้บางสิ่งจากศิลปินและมืออาชีพที่มีประสบการณ์มากกว่าในสาขาของตน พวกเขาต้องการได้รับการยกย่องอย่างสูงสำหรับผลงานของพวกเขาจากคนเหล่านี้ ตรรกะใช่มั้ย? อาจกล่าวได้ว่าหากไม่มีความสัมพันธ์ดังกล่าว (ครู-นักเรียน) ศิลปะกราฟฟิตีอาจจมลงสู่การลืมเลือน ศิลปินคนใดก็ตามที่มุ่งมั่นไม่เพียง แต่ในการแสดงออกเท่านั้น แต่ยังเพื่อชื่อเสียงและการยอมรับอีกด้วย อย่างที่พวกเขาพูดกันว่าทหารที่ไม่ดีคือคนที่ไม่ต้องการเป็นนายพล คุณสามารถบรรลุเป้าหมายที่คุณรักได้หลายวิธี สิ่งที่ง่ายที่สุดคือสื่อ ภาพถ่ายผลงาน บทสัมภาษณ์ ผลงานในวิดีโอ ฯลฯ จะนำผู้เขียนกราฟฟิตีที่มีชื่อเสียงมาอย่างไม่ต้องสงสัย Taki 183 เป็นเครื่องแรกที่ได้รับความนิยมในลักษณะนี้ และผู้ที่สูงขนาดนี้ก็ถูกเรียกว่าราชา แต่ความรุ่งโรจน์นั้นไม่ใช่นิรันดร์ และหลังจากนั้นไม่นาน กษัตริย์เหล่านี้ก็ถูกแทนที่ บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมวัฒนธรรมกราฟฟิตีถึงน่าดึงดูดสำหรับคนหนุ่มสาว แม้ว่าสิ่งที่น่าดึงดูดใจจริงๆ ก็คือกระบวนการสร้างผลงานชิ้นเอกบนผนัง และสไตล์ สี รูปร่างของภาพวาดเป็นวิธีการที่ศิลปินกราฟฟิตี้ได้แสดงออกถึงตัวตนของเขาเอง

ประวัติความเป็นมาของกราฟฟิตี้สมัยใหม่เริ่มต้นขึ้นในทศวรรษ 1970 ซึ่งเป็นปีแห่งการประดิษฐ์คิดค้น ศิลปะนี้ตกทอดมาถึงเรา แต่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาศิลปะนี้ได้สูญเสียความหมายไปอย่างเห็นได้ชัด ได้แสดงการประท้วง. กราฟฟิตี้ได้สูญเสียบทบาทของตนในฐานะทางเลือกหนึ่งของวัฒนธรรมที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปและเข้ากันได้ดีกับมัน ภาษาของกราฟฟิตี้กำลังกลายเป็นสากล เนื่องจากผู้คนเข้าใจและยอมรับภาษานี้มากขึ้นเรื่อยๆ ภาพวาดบนผนังไม่เท่ากับการทำลายหัวไม้อีกต่อไป และแน่นอนว่าสิ่งนี้ไม่สามารถเรียกว่าการก่อกวนได้ บางทีคำจารึกบนผนังว่า "วาสยาเป็นแพะ" อาจเรียกได้ว่าเป็นการก่อกวน แต่ไม่ใช่ทุกคำจารึกบนผนังจะเป็นกราฟฟิตี!

กราฟฟิตี้เป็นศิลปะอย่างแท้จริง ศิลปะแห่งการแสดงออก ศิลปะแห่งการวาดภาพตัวตนของคุณเอง

ประเภทและรูปแบบของกราฟฟิตี

การเขียน. นี่คือกราฟฟิตีประเภทหลักโดยพื้นฐานแล้วนี่คือกราฟฟิตีนั่นเองหรืออย่างแม่นยำยิ่งขึ้นคือสิ่งที่วาดด้วยกราฟฟิตีบนผนัง ชิ้นส่วนต่างๆ (ชิ้นส่วน - ดูพจนานุกรม) สร้างขึ้นในรูปแบบต่างๆ (ดูด้านล่าง) ทุกคนที่วาดภาพบนผนังเรียกว่านักเขียน (ฉันไม่ได้หมายถึงพวกดูดที่เกาจารึกงี่เง่าต่างๆจากซีรีส์ "ฉันชื่อวาสยา")

ระเบิด นี่คือกราฟฟิตี้ประเภทสุดโต่ง ซึ่งมักจะทาสีบนยานพาหนะประเภทต่างๆ ในตอนแรกมันเป็นรถไฟใต้ดิน แต่ความเป็นจริงของมอสโก (และไม่เพียงเท่านั้น) บังคับให้เครื่องบินทิ้งระเบิดสมัยใหม่ของเราเปลี่ยนไปใช้รถไฟผิวน้ำ (แม้ว่าสิ่งนี้จะเกี่ยวข้องกับความเสี่ยงด้วยก็ตาม) สำหรับการทิ้งระเบิดนั้นมักจะไม่ใช่คุณภาพของชิ้นงาน แต่สำคัญที่ปริมาณและความเร็ว ดังนั้นพวกเขาจึงทาสีอย่างรวดเร็วและไม่ระมัดระวัง

การแท็ก ในความคิดของฉัน นี่เป็นแอปพลิเคชั่นกราฟฟิตี้ แม้ว่าประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมย่อยนี้จะเริ่มต้นด้วยก็ตาม ป้ายคือลายเซ็นผู้เขียน ชื่อเล่นของเขา ทำเป็นสีเดียวเร็วมากแต่มีรสชาติ ไม่ควรทิ้งชิ้นใดไว้โดยไม่มีป้าย เหมือนลายเซ็นต์ของงาน บางครั้งนักเล่นกราฟฟิตี้ก็แค่เดินไปตามถนนแล้วทิ้งป้ายไว้ทุกที่เพื่อที่จะ เพื่อ "โฆษณา" ชื่อของคุณ

การเกาหรือการขูด ยังเป็นแอปพลิเคชั่นกราฟฟิตี มันถูกวาดด้วยหินลับคมหรือสิ่งที่คล้ายกันบนกระจกซึ่งส่วนใหญ่มักจะอยู่ในการขนส่ง ไม่ค่อยมีสิ่งที่สวยงามออกมาจากสิ่งนี้ได้ แต่ตอนนี้การเกาเป็นเรื่องปกติธรรมดามาก

สไตล์กราฟฟิตี

โยนขึ้น. นี่เป็นสไตล์ที่ง่ายที่สุดในสองสี โครงร่างทำด้วยสีเดียวและอีกสีเติม ส่วนใหญ่มักจะทำด้วยสีดำและสีขาวสีดำและสีเงินมีตัวเลือกต่าง ๆ ให้เลือกสิ่งสำคัญคือสีจะตัดกันและรวมเข้าด้วยกัน ทุกคนมักจะเริ่มต้นด้วยสไตล์นี้ซึ่งมักใช้เมื่อวางระเบิดเนื่องจากทำได้ง่าย

หนังดัง มีลักษณะเรียบง่าย โดดเด่นด้วยตัวอักษรขนาดใหญ่และกว้าง บางครั้งก็วาดด้วยสีเดียวด้วยซ้ำ หนังดังซึ่งต่างจากสไตล์ Throw up ที่มีต้นกำเนิดในนิวยอร์กมีต้นกำเนิดในลอสแองเจลิสที่ซึ่งพวกเขาถูกใช้เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขตของตนโดยแก๊งค์ข้างถนน ดีสำหรับการทำให้ Bubles เป็นที่รู้จัก แปลจาก คำภาษาอังกฤษแปลว่า "ฟองสบู่" ทาสีหลายสี ดำเนินการได้ยากกว่าสองรายการก่อนหน้า มักใช้ในการทิ้งระเบิด เป็นแบบอย่างของโรงเรียนเก่า สมัยนี้ไม่ทันสมัย

สไตล์ป่า. ในการแปลจากภาษาอังกฤษ - "สไตล์ป่า" มันเป็นสไตล์ที่ดำเนินไปอย่างรวดเร็วและอ่านยาก วาดด้วยสีตั้งแต่ 3-4 สีขึ้นไป โดยมีลักษณะต่างๆ มากมาย มีระฆังและนกหวีด มีตัวอักษรทับซ้อนกัน เป็นการยากที่จะดำเนินการนักเขียนที่มีประสบการณ์จะวาดสไตล์นี้ โดยปกติแล้วพวกเขาจะวาดด้วยมันในสถานที่เงียบสงบและทำงานชิ้นนี้เป็นเวลานาน ต้องมีการเตรียมการอย่างจริงจัง ต้องคำนึงถึงรายละเอียดปลีกย่อยทั้งหมดในภาพร่าง ไม่เหมือนกับสไตล์ก่อนหน้านี้ ใน Wild คุณสามารถสร้างผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงได้

มีประเภทย่อยอื่นๆ ของสไตล์ไดนามิก:

Computer Roc Style - คิดค้นโดย Case 2 จากนิวยอร์ก สไตล์ "แตกหัก" มันเกี่ยวข้องกับการแบ่งตัวอักษรออกเป็นส่วนๆ โดยเอียงไปในทิศทางที่แตกต่างกัน สไตล์เมสสิยาห์ - คิดค้นโดย New Yorker Vulcan ซึ่งมีผลงานโดดเด่นด้วยโทนสีที่เป็นเอกลักษณ์

สไตล์ลายพราง - คิดค้นโดย Spyder 7 สไตล์ที่ดึงความแข็งแกร่งมาจากสีและจากการเล่น "วน" ที่กระตุก นั่นคือจุดที่ตัวอักษรเชื่อมต่อกัน เพื่อให้คัดลอกรูปภาพได้ยากขึ้น “วนซ้ำ” จะแสดงในตำแหน่งต่างๆ ในตัวอักษร ถัดจากตำแหน่งก่อนหน้า นี่เป็นสไตล์ที่ดำเนินไปอย่างรวดเร็วและมีอารมณ์ สไตล์ 3 มิติ หรือสไตล์ FX หรือ DAIM ลักษณะเฉพาะของโรงเรียนใหม่เท่านั้น คิดค้นโดยนักเขียน DAIM ซึ่งปัจจุบันวาดภาพให้กับหนึ่งในทีมที่มีชื่อเสียงที่สุด - FX Cru สไตล์ที่ยากมากเพื่อที่จะวาดมันคุณต้องมีพรสวรรค์ ทำในปริมาณที่แน่นอนโดยใช้ไคอาโรสคูโร มองเห็นได้น้อยมาก โดยทั่วไปงานดังกล่าวจะดำเนินการในการแข่งขันหรือตามคำสั่งเนื่องจากต้องใช้เวลาและการทาสีเป็นจำนวนมาก สภาพแวดล้อมที่สงบ และกำแพงที่ดี ผลงานดังกล่าวเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง

สไตล์ตัวละคร เหล่านี้เป็นภาพวาดที่คล้ายกับการ์ตูนล้อเลียนและการ์ตูน บางครั้งมีการใช้กรอบคำพูดในหนังสือการ์ตูน นักเล่นกราฟฟิตี้บางคนอาจไม่เชี่ยวชาญสไตล์นี้ เนื่องจากต้องใช้ทักษะและความสามารถบางอย่าง สิ่งที่เรียกว่าฟรีสไตล์ "ฟรีสไตล์". ฉันไม่รู้ว่าสิ่งนี้สามารถแยกแยะเป็นสไตล์ที่แยกจากกันได้หรือไม่ เนื่องจากมันรวมสไตล์อื่นเข้าด้วยกัน หากไม่มีภาพร่าง คุณจะวาดสิ่งที่อยู่ในใจได้ ตามกฎแล้ว นี่ควรเป็นแนวคิดที่สดใหม่และไม่ธรรมดา บ่อยกว่านั้นไม่มีอะไรเกิดขึ้น

การค้ากราฟฟิตี้และการปรากฏตัวในวัฒนธรรมป๊อป

หลังจากที่ได้รับความนิยมอย่างแพร่หลายและมีความถูกต้องตามกฎหมาย กราฟฟิตี้ได้ย้ายไปสู่ระดับใหม่ของการค้าขาย ในปี พ.ศ. 2544 บริษัทคอมพิวเตอร์ยักษ์ใหญ่ IBM ได้เปิดตัวแคมเปญโฆษณาในชิคาโกและซานฟรานซิสโก โดยให้ผู้คนพ่นสีสเปรย์สัญลักษณ์สันติภาพ หัวใจ และนกเพนกวิน (เพนกวินคือมาสคอตของ Linux) บนทางเท้า นี่คือวิธีการแสดงสโลแกน "Peace, Love and Linux" อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความผิดกฎหมายของกราฟฟิตี้ ทำให้ "ศิลปินข้างถนน" บางคนถูกจับกุมในข้อหาก่อกวน และ IBM ต้องจ่ายค่าปรับ 120,000 ดอลลาร์

ในปี พ.ศ. 2548 Sony Corporation ได้เปิดตัวแคมเปญที่คล้ายกัน คราวนี้มีการโฆษณาระบบเกมพกพา PSP ใหม่ ทีมงานเขียนของ TATUS CRU แสดงกราฟฟิตี้สำหรับแคมเปญนี้ในนิวยอร์ก ชิคาโก แอตแลนตา ฟิลาเดลเฟีย ลอสแองเจลิส และไมอามี จากประสบการณ์ที่ไม่ดีของ IBM Sony จึงจ่ายเงินให้เจ้าของอาคารล่วงหน้าเพื่อรับสิทธิ์ในการทาสีผนังของตน กราฟฟิตี้เป็นภาพเด็กในเมืองที่กำลังตกใจเล่นกับ PSP ในแบบที่มันไม่ใช่ เกมคอนโซลแต่สเก็ตบอร์ดหรือม้าของเล่น

กราฟฟิตี้ยังถูกนำมาใช้ในวิดีโอเกม ซึ่งโดยปกติแล้วจะเป็นไปในทางบวก ตัวอย่างเช่น ซีรีส์เกม Jet Set Radio (พ.ศ. 2543-2546) บอกเล่าเรื่องราวที่วัยรุ่นกลุ่มหนึ่งต่อสู้กับการกดขี่ของตำรวจเผด็จการซึ่งพยายามจำกัดเสรีภาพในการพูดของศิลปินกราฟฟิตี้ เนื้อเรื่องของวิดีโอเกมบางเกมสะท้อนให้เห็นถึงทัศนคติเชิงลบของศิลปินที่ไม่แสวงหากำไรต่อความจริงที่ว่างานศิลปะเริ่มทำงานเพื่อการโฆษณา ตัวอย่างเช่น ซีรีส์ Rakugaki Fkoku (2003-2005) สำหรับ Sony PlayStation 2 บอกเล่าเรื่องราวที่ฮีโร่นิรนามและกราฟฟิตี้แบบแอนิเมชั่นของเขาต่อสู้กับราชาผู้ชั่วร้ายที่ยอมให้งานศิลปะดำรงอยู่ซึ่งเป็นประโยชน์ต่อเขาเท่านั้น วิดีโอเกมอีกเกม Getting Up: Contents Under Pressure (2006) ของ Marc Eckf หันมาใช้กราฟฟิตีเป็นสื่อกลาง การต่อสู้ทางการเมืองและเล่าถึงการต่อสู้กับเมืองที่ทุจริตซึ่งปราบปรามเสรีภาพในการพูด

อีกเกมที่มีกราฟฟิตี้คือ Bomb the World (2004) ซึ่งสร้างโดยนักเขียนคลาร์ก เคนท์ นี่คือเครื่องจำลองกราฟฟิตี้ออนไลน์ที่คุณสามารถวาดภาพรถไฟได้เสมือนจริงใน 20 แห่งทั่วโลก ใน Super Mario Sunshine (2002) ตัวละครหลักอย่างมาริโอจะต้องเคลียร์เมืองแห่งกราฟฟิตี้ที่ทิ้งไว้โดยวายร้ายชื่อ Bowser Jr. เรื่องราวนี้ย้อนถึงความสำเร็จของแคมเปญต่อต้านกราฟฟิตี้ของนายกเทศมนตรีนครนิวยอร์ก รูดอล์ฟ จูเลียนี และโครงการที่คล้ายกันซึ่งดำเนินการโดยริชาร์ด ดาลีย์ นายกเทศมนตรีเมืองชิคาโก

ในวิดีโอเกมหลายเกมที่ไม่เกี่ยวข้องกับกราฟฟิตี้โดยตรง ผู้เล่นสามารถวาดกราฟฟิตี้ระหว่างเกมได้ เช่น ซีรีส์ Half-Life, ซีรีส์ของ Tony Hawk, The Urbz: Sims in the City, Rolling และ Grand Theft Auto: San Andreas กราฟฟิตี้ปรากฏขึ้น ความมืด, Double Dragon 3: The Rosetta Stone, NetHack, Samurai Champloo: Sidetracked, โลกจบลงด้วยคุณ, The Warriors, Just Cause, Portal, Virtual Graffiti เวอร์ชันต่างๆ และเกมอื่นๆ มีหลายเกมที่ใช้แนวคิด "graffiti" เป็นคำพ้องสำหรับแนวคิด "การวาดภาพ" ตัวอย่างเช่นใน Yahoo! กราฟฟิตี้ กราฟฟิตี้ ฯลฯ

Marc Eco นักออกแบบแฟชั่นในเมือง ปกป้องกราฟฟิตี้และแย้งว่ากราฟฟิตี้มีสิทธิ์ทุกประการที่จะได้รับการพิจารณาว่าเป็นงานศิลปะ: “ที่ผ่านมา กราฟฟิตี้เป็นขบวนการทางศิลปะที่ทรงพลังที่สุดในช่วงที่ผ่านมา และมันเป็นแรงบันดาลใจให้ฉันอย่างมากตลอดอาชีพการงานของฉัน”

Keith Haring เป็นศิลปินกราฟฟิตี้ชื่อดังอีกคนหนึ่งที่นำศิลปะป๊อปอาร์ตและกราฟฟิตีมาสู่เชิงพาณิชย์ ในช่วงทศวรรษ 1980 Haring เปิดร้าน Pop Shop แห่งแรก ซึ่งเป็นร้านที่เขาจัดแสดงผลงานของเขา ซึ่งก่อนหน้านี้เขาเคยวาดภาพบนถนนในเมือง ใน Pop Shop คุณสามารถซื้อสินค้าธรรมดาได้ เช่น กระเป๋าหรือเสื้อยืด Haring อธิบายดังนี้: “The Pop Shop ทำให้งานของฉันเผยแพร่สู่สาธารณะ การมีส่วนร่วมนี้มีให้มากขึ้น ระดับสูง. ประเด็นก็คือเราไม่ต้องการสร้างสิ่งที่จะทำให้งานศิลปะถูกลง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ศิลปะยังคงเป็นศิลปะ”

กราฟิตีกลายเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับศิลปินและนักออกแบบในอเมริกาเหนือและทั่วโลก ศิลปินกราฟฟิตี้ชาวอเมริกัน Mike Giant, Pursue, Rime, Noah และคนอื่นๆ อีกจำนวนมากมีอาชีพในการออกแบบสเก็ตบอร์ด เสื้อผ้า และรองเท้าในบริษัทที่มีชื่อเสียง เช่น DC Shoes, Adidas, Rebel8 Osiris หรือ Circa ในเวลาเดียวกัน นักเขียนหลายคน เช่น DZINE, Daze, Blade, The Mac ได้กลายมาเป็นศิลปินที่ทำงานในแกลเลอรีอย่างเป็นทางการ โดยมักใช้สีสเปรย์เป็นเครื่องมือชิ้นแรกในการทำงาน แต่ยังรวมถึงวัสดุอื่นๆ อีกด้วย

แต่บางทีตัวอย่างที่น่าทึ่งที่สุดของการที่กราฟฟิตี้แทรกซึมเข้าไปในวัฒนธรรมป๊อปก็คือทีมงานชาวฝรั่งเศส 123Klan ทีมงาน 123Klan ก่อตั้งขึ้นในปี 1989 โดย Scien และ Klor พวกเขาค่อยๆ หันมาใช้ภาพประกอบและการออกแบบ ในขณะที่ยังคงฝึกฝนกราฟฟิตี้ต่อไป เป็นผลให้พวกเขาเริ่มพัฒนาการออกแบบ โลโก้ ภาพประกอบ รองเท้า และเสื้อผ้าสำหรับ Nike, Adidas, Lamborghini, Coca Cola, Stussy, Sony, Nasdaq และอื่นๆ

การโต้ตอบเหล่านี้ ซึ่งกราฟฟิตีผสมกับวิดีโอเกมและฮิปฮอป จบลงในซีรีส์ทางโทรทัศน์ที่โด่งดังไปทั่วโลกในชื่อ Kung Faux ซึ่งสร้างโดย Mick Neumann ซีรีส์นี้นำเสนอองค์ประกอบของภาพยนตร์ศิลปะการต่อสู้แบบคลาสสิก ศิลปะกราฟฟิตี้ สเปเชียลเอฟเฟ็กต์ของวิดีโอเกม ดนตรีฮิปฮอป และเบรกแดนซ์ บทบาทในซีรีส์นี้พากย์เสียงโดยศิลปินกราฟฟิตี้ ESPO, KAWS, STASH และ Futura 2000 นักเต้นเบรกแดนซ์ระดับตำนานอย่าง Crazy Legs รวมถึงศิลปินฮิปฮอป Afrika Bambaataa, Biz Markie และ Queen Latifah

วัสดุและเทคนิคในการสร้างกราฟฟิตี้

ปัจจุบัน ศิลปินกราฟฟิตี้ใช้เครื่องมือมากมายเพื่อสร้างภาพวาดที่ประสบความสำเร็จ สีสเปรย์ในกระป๋องเป็นสิ่งสำคัญที่สุดและ เครื่องมือที่จำเป็นในกราฟฟิตี การใช้วัสดุทั้งสองนี้ นักเขียนสามารถสร้างสไตล์และเทคนิคได้หลากหลาย สีสเปรย์มีจำหน่ายที่ร้านกราฟฟิตี้ ร้านฮาร์ดแวร์ หรือร้านขายอุปกรณ์ศิลปะ และสีสเปรย์สามารถพบได้ในเกือบทุกเฉดสีในปัจจุบัน

กราฟฟิตี้ลายฉลุซึ่งมีต้นกำเนิดในต้นทศวรรษ 1980 ถูกสร้างขึ้นโดยการตัดรูปทรงออกจากวัสดุแข็งและหนาแน่น เช่น กระดาษแข็ง ลายฉลุที่เสร็จแล้วจะถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบและพ่นสีสเปรย์ให้ทั่วด้วยการเคลื่อนไหวที่รวดเร็ว เบา และแม่นยำ เทคนิคกราฟฟิตี้นี้ได้รับความนิยมเนื่องจากมีการดำเนินการที่รวดเร็ว

การทดลองสมัยใหม่ด้วยวัสดุ

กราฟฟิตี้สมัยใหม่มักประกอบด้วยองค์ประกอบของศิลปะอื่นๆ และใช้เทคโนโลยีใหม่ๆ ตัวอย่างเช่น Graffiti Research Lab เป็นแรงบันดาลใจให้นักเขียนใช้ภาพที่ฉายและไฟ LED แม่เหล็กในงานของพวกเขา Kaso ศิลปินชาวอิตาลีสร้างกราฟฟิตี้โดยการทดลองด้วย รูปแบบนามธรรมและการเปลี่ยนแปลงงานกราฟฟิตี้ก่อนหน้านี้อย่างรอบคอบ Yarnbombing “ Yarnbombing” (จากเส้นด้าย - เส้นด้าย) - อีกอันหนึ่ง ชนิดใหม่ศิลปะข้างถนน. Yarnbombing ประกอบด้วยการตกแต่งพื้นที่กลางแจ้งโดยใช้ผ้าหรือวัตถุถักนิตติ้งสีสันสดใส

สำรวจการใช้สตรีทอาร์ตในที่สาธารณะ

ทฤษฎีแรกที่อธิบายการใช้กราฟฟิตี้โดยศิลปินแนวหน้าปรากฏขึ้นในปี 1961 เมื่อสถาบัน Scandinavian Institute of Comparative Vandalism ก่อตั้งขึ้นในเดนมาร์ก นักวิเคราะห์สมัยใหม่และแม้แต่นักประวัติศาสตร์ศิลปะเริ่มตระหนักว่ากราฟฟิตีมีคุณค่าทางศิลปะและยังเป็นศิลปะบนท้องถนนรูปแบบหนึ่งอีกด้วย ตามที่นักวิจัยหลายคนโดยเฉพาะจากฮอลแลนด์และลอสแองเจลิสระบุว่าสตรีทอาร์ตประเภทนี้เป็นเครื่องมือที่มีประสิทธิภาพในการต่อสู้เพื่อสิทธิทางสังคมและการเมือง

ศิลปะบนกำแพงในเบลฟัสต์และลอสแอนเจลิสมีบทบาทแตกต่างออกไปเล็กน้อย ในช่วงที่เกิดความขัดแย้งทางการเมือง ภาพวาดดังกล่าวใช้เป็นวิธีการแสดงออกและการสื่อสารระหว่างสมาชิกของชุมชนที่มีการแบ่งแยกทางสังคม ชาติพันธุ์ หรือทางเชื้อชาติ กราฟฟิตี้ดังกล่าวช่วยสร้างบทสนทนาระหว่างการสู้รบหรือการแบ่งแยกฝ่าย ตัวอย่างเช่น กำแพงเบอร์ลินเกือบทั้งหมดถูกปกคลุมไปด้วยภาพวาดที่สะท้อนถึงแรงกดดันอันกดดันของทางการโซเวียตต่อ GDR

ศิลปินกราฟฟิตี้หลายคนยังสนใจในรูปแบบศิลปะที่คล้ายกัน - กราฟฟิตีลายฉลุ โดยพื้นฐานแล้วประกอบด้วยการใช้การออกแบบด้วยสีสเปรย์ผ่านลายฉลุ ศิลปิน Mathangi Arulpragasam หรือที่รู้จักในชื่อ M.I.A. ซึ่งมีชื่อเสียงในช่วงต้นทศวรรษ 2000 หลังจากจัดนิทรรศการและเผยแพร่ลายฉลุสีบางส่วนเกี่ยวกับความขัดแย้งทางชาติพันธุ์ในศรีลังกาและชีวิตคนเมืองในอังกฤษ ยังเป็นที่รู้จักจากมิวสิกวิดีโอของเธอสำหรับซิงเกิ้ล “กาลัง” และ “บัคกี้ โดน กัน” ซึ่งเธอนำเสนอประเด็นเรื่องความโหดร้ายทางการเมือง สติกเกอร์ที่มีภาพวาดของเธอมักจะปรากฏบนเสาและ ป้ายถนนในลอนดอน. M.I.A. เอง กลายเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปินกราฟฟิตี้และศิลปินจากหลายประเทศ

John Feckner ซึ่งได้รับการขนานนามโดยนักเขียน Lucy Lippard ว่าเป็น "นักเขียนในเมืองชั้นนำ นักประชาสัมพันธ์ฝ่ายค้าน" เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกจากผลงานการติดตั้งตัวอักษรขนาดยักษ์ที่เขาเขียนลงบนอาคารต่างๆ ทั่วนิวยอร์ก ข้อความของเขามักจะชี้ไปที่ปัญหาสังคมและการเมือง

ศิลปินนิรนาม

ศิลปินกราฟฟิตี้ต้องเผชิญกับการลงโทษอย่างต่อเนื่องจากการสร้างสรรค์ผลงานในที่สาธารณะ ดังนั้นเพื่อความปลอดภัย พวกเขาหลายคนจึงเลือกที่จะไม่เปิดเผยตัวตน Banksy เป็นหนึ่งในผู้มีชื่อเสียงและโด่งดังที่สุด ศิลปินข้างถนนซึ่งยังคงซ่อนชื่อและใบหน้าของเขาไม่ให้เปิดเผยต่อสาธารณะ เขามีชื่อเสียงจากกราฟฟิตีลายฉลุทางการเมืองและต่อต้านสงครามในบริสตอล แต่งานของเขาสามารถพบเห็นได้ในสถานที่ตั้งแต่ลอสแอนเจลิสไปจนถึงปาเลสไตน์ ในสหราชอาณาจักร Banksy ได้กลายเป็นสัญลักษณ์หนึ่งของขบวนการศิลปะแนวใหม่ มีภาพวาดของเขามากมายบนท้องถนนในลอนดอนและในเขตชานเมือง ในปี 2005 Banksy วาดภาพบนผนังของแผงกั้นแบ่งแยกของอิสราเอล ซึ่งเขาบรรยายภาพชีวิตที่อยู่อีกด้านหนึ่งของกำแพงอย่างเสียดสี ด้านหนึ่งเขาเจาะรูในคอนกรีตซึ่งมองเห็นชายหาดสวรรค์ได้ และอีกด้านหนึ่ง - ภูมิทัศน์ภูเขา. ตั้งแต่ปี 2000 มีการจัดนิทรรศการผลงานของเขาและบางงานก็นำเงินมาให้ผู้จัดงานเป็นจำนวนมาก งานศิลปะของ Banksy เป็นตัวอย่างที่ดีเยี่ยมของการผสมผสานระหว่างการก่อกวนและศิลปะแบบคลาสสิก ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะหลายคนอนุมัติและสนับสนุนกิจกรรมของเขา ในขณะที่เจ้าหน้าที่เมืองถือว่าผลงานของเขาเป็นการก่อกวนและทำลายทรัพย์สินส่วนตัว ชาวบริสตอลหลายคนเชื่อว่าภาพเขียนของ Banksy กำลังลดมูลค่าของอาคารและเป็นตัวอย่างที่ไม่ดี

Pixnit เป็นอีกหนึ่งศิลปินที่ปกปิดตัวตนของเธอ ต่างจาก Banksy ที่ผลงานของเขาเต็มไปด้วยข้อความต่อต้านรัฐ Pixnit ชอบธีมที่มีความสวยงามและการออกแบบดั้งเดิม เธอมักจะวาดภาพลวดลายดอกไม้เหนือร้านค้าต่างๆ ในเมืองเคมบริดจ์ รัฐแมสซาชูเซตส์ ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเธอ เจ้าของร้านบางคนชอบผลงานของเธอมากและไม่ยอมลบออก และบางครั้งก็ขอให้ศิลปินวาดภาพต่อด้วยซ้ำ

กราฟฟิตีหัวรุนแรงและการเมือง

ชื่อเสียงของกราฟฟิตี้มีความเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมย่อยที่ขัดแย้งกัน เจ้าหน้าที่ของรัฐแม้ว่ามุมมองทางการเมืองของศิลปินกราฟฟิตี้ที่แตกต่างกันอาจแตกต่างกันอย่างมาก กราฟฟิตี้สามารถแสดงถึงกิจกรรมทางการเมืองได้ หรืออาจเป็นหนึ่งในวิธีการต่อต้านด้วยสันติวิธีก็ได้ ตัวอย่างนี้คือวง Crass วงพังก์อนาธิปไตย ซึ่งในช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 1970 และ 1980 วาดภาพกราฟฟิตี้ลายฉลุบนรถไฟใต้ดินลอนดอนพร้อมข้อความต่อต้านสงคราม อนาธิปไตย สตรีนิยม และต่อต้านผู้บริโภคนิยม

กราฟฟิตี้แบบพังก์ได้รับความนิยมในอัมสเตอร์ดัม ทั้งเมืองเต็มไปด้วยชื่อ 'De Zoot', 'Vendex' และ 'Dr Rat' นิตยสารพังก์ชื่อ Gallery Anus ก่อตั้งขึ้นเพื่อบันทึกภาพกราฟฟิตี้นี้โดยเฉพาะ ดังนั้นเมื่อกระแสฮิปฮอปเข้าสู่ยุโรปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 วัฒนธรรมกราฟฟิตี้ที่มีชีวิตชีวาและกระตือรือร้นก็เฟื่องฟูที่นี่

ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2511 ในระหว่างการประท้วงของนักศึกษาและการนัดหยุดงานทั่วไป ทั่วทั้งปารีสเต็มไปด้วยคำขวัญปฏิวัติ อนาธิปไตย และนักสถานการณ์ เช่น L'ennui est contre-révolutionnaire (ความเบื่อคือการต่อต้านการปฏิวัติ) และ Lisez moins, vivez plus (อ่านบทย่อ , ใช้ชีวิตให้มากขึ้น ") ภาพกราฟิตีเหล่านี้แม้จะไม่ได้สะท้อนถึงยุคสมัยของตนอย่างเต็มที่ แต่ก็สื่อถึงจิตวิญญาณแห่งการพยากรณ์และกบฏ ปรุงรสด้วยไหวพริบทางวาจา

การพัฒนากราฟฟิตี้ในหอศิลป์ วิทยาลัย สตรีท และงานศิลปะใต้ดิน นำไปสู่การเกิดขึ้นใหม่ของรูปแบบศิลปะที่แสดงความตึงเครียดทางการเมืองและวัฒนธรรมอย่างเปิดเผยในทศวรรษ 1990 สิ่งนี้แสดงออกในการต่อต้านการโฆษณา การสร้างสโลแกนและภาพที่ทำลายภาพลักษณ์ที่สอดคล้องกับโลกที่กำหนดโดยสื่อ

จนถึงทุกวันนี้ ศิลปะกราฟฟิตี้ยังถือว่าผิดกฎหมาย ยกเว้นในกรณีที่ศิลปินไม่ใช้สีถาวร นับตั้งแต่ทศวรรษ 1990 เป็นต้นมา ศิลปินกราฟฟิตี้หันมาใช้สีถาวรมากขึ้นเรื่อยๆ ด้วยเหตุผลหลายประการ แต่สาเหตุหลักๆ เป็นเพราะตำรวจจะเรียกเก็บเงินจากศิลปินได้ยาก ในบางชุมชน งานที่มีอายุสั้นเหล่านี้จะคงอยู่ได้นานกว่างานที่สร้างด้วยสีถาวร เนื่องจากงานเหล่านี้มักจะแสดงออกถึงความคิดและความรู้สึกของทั้งชุมชน สิ่งนี้คล้ายกับการประท้วงของประชาชนที่พูดในการชุมนุมตามท้องถนน ซึ่งเป็นการประท้วงที่มีอายุสั้นแต่ยังคงได้ผล

บางครั้ง เมื่อศิลปินหลายคนในที่เดียวตัดสินใจที่จะทำงานกับสื่อที่ไม่ถาวร บางอย่างเช่นการแข่งขันที่ไม่เป็นทางการก็เกิดขึ้นระหว่างพวกเขา นั่นคือยิ่งภาพวาดยังคงสภาพเดิมนานเท่าไรและไม่พังทลาย เคารพมากขึ้นและศิลปินสมควรได้รับเกียรติ ผลงานที่ยังไม่บรรลุนิติภาวะและมีความคิดไม่ดีจะถูกลบทันที และผลงานของศิลปินที่มีความสามารถมากที่สุดสามารถคงอยู่ได้นานหลายวัน

สีถาวรถูกใช้เป็นหลักโดยผู้ที่มีความสำคัญมากกว่าในการควบคุมทรัพย์สินมากกว่าการสร้างงานศิลปะที่แข็งแกร่งที่แสดงออกถึงมุมมองทางการเมืองหรือมุมมองอื่น ๆ

ศิลปินร่วมสมัยใช้เทคนิคและสื่อที่หลากหลายและมักเข้ากันไม่ได้ ตัวอย่างเช่น อเล็กซานเดอร์ เบรเนอร์ใช้และดัดแปลงผลงานของศิลปินคนอื่นๆ ทำให้เกิดเสียงทางการเมือง เขายังเสนอคำพิพากษาของศาลที่มอบให้เขาเพื่อเป็นการประท้วง

วิธีการแสดงออกที่ศิลปินใช้หรือสมาคมของพวกเขาแตกต่างกันอย่างมากและเปลี่ยนแปลงไป และศิลปินเองก็ไม่เห็นด้วยกับผลงานของกันและกันเสมอไป ตัวอย่างเช่น ในปี 2004 กลุ่มต่อต้านทุนนิยม Space Hijackers ได้สร้างภาพวาดเกี่ยวกับการใช้องค์ประกอบทุนนิยมที่เป็นข้อขัดแย้งของ Banksy ในภาพวาดของเขาและการตีความภาพทางการเมืองของเขา

การแสดงกราฟฟิตี้ทางการเมืองที่สูงที่สุดคือกราฟฟิตีที่กลุ่มการเมืองแสดงความคิดเห็น วิธีการนี้เนื่องจากผิดกฎหมายจึงกลายเป็นที่นิยมในหมู่กลุ่มที่ไม่รวมอยู่ในระบบการเมืองที่จัดตั้งขึ้น (เช่น ซ้ายสุดหรือขวาสุด) พวกเขาให้เหตุผลกับกิจกรรมดังกล่าวโดยอ้างว่าพวกเขาไม่มีเงิน - หรือไม่มีความปรารถนา - สำหรับการโฆษณาอย่างเป็นทางการ และ "การจัดตั้ง" หรือ "การจัดตั้ง" ควบคุมสื่อ ป้องกันไม่ให้มีการแสดงออกถึงมุมมองทางเลือกหรือมุมมองที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ประเภทของกราฟฟิตีที่กลุ่มดังกล่าวใช้มักจะเรียบง่ายและธรรมดามาก ตัวอย่างเช่น พวกฟาสซิสต์วาดเครื่องหมายสวัสดิกะหรือสัญลักษณ์อื่นๆ ของนาซีอย่างไม่ระมัดระวัง

กราฟฟิตี้รูปแบบใหม่อีกรูปแบบหนึ่งถูกประดิษฐ์ขึ้นในอังกฤษในช่วงทศวรรษ 1970 โดยสมาชิกของแนวร่วมปลดปล่อยเงิน มันเป็นสมาคมหลวม ๆ ของนักข่าวและนักเขียนใต้ดินซึ่งรวมถึงกวีและนักเขียนบทละคร Heathcote Williams และผู้จัดพิมพ์และนักเขียนบทละคร J. Geoff Johns พวกเขาเริ่มใช้เงินกระดาษเพื่อส่งเสริมแนวคิดต่อต้านวัฒนธรรม โดยพิมพ์ธนบัตรซ้ำ ซึ่งมักจะเป็นรูปจอห์น บูล ซึ่งเป็นภาพล้อเลียนของชาวอังกฤษทั่วไป แม้จะมีอยู่เพียงช่วงสั้นๆ แต่แนวร่วมปลดปล่อยเงินก็กลายเป็นสมาชิกที่โดดเด่นของชุมชนวรรณกรรมทางเลือกของลอนดอน ซึ่งตั้งอยู่ในแลดโบรคโกรฟ ถนนสายนี้เต็มไปด้วยกราฟฟิตี้ที่ตลกขบขันซึ่งแสดงออกถึงแนวคิดต่อต้านการจัดตั้ง

ไอร์แลนด์เหนือ ความขัดแย้งทางการเมืองก็ทำให้เกิดกราฟฟิตี้จำนวนมหาศาลเช่นกัน นอกจากสโลแกนแล้ว กราฟฟิตี้ของไอร์แลนด์เหนือยังรวมถึงจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่ด้วย ภาพวาด. ภาพวาดฝาผนังดังกล่าวแบ่งเขตแดนของแก๊งค์ข้างถนน เช่นเดียวกับธงและหินที่ทาสีบนทางเท้า โดยปกติแล้วภาพวาดจะถูกสร้างขึ้นที่ด้านหน้าของบ้านเช่นเดียวกับบนเส้นสันติภาพ - กำแพงสูงที่แยกฝ่ายที่ทำสงครามกัน กราฟฟิตี้บนกำแพงมีสไตล์สูงและพรรคการเมืองต่างๆ หันมาใช้ ภาพที่แตกต่างกันในการวาดภาพ ผู้จงรักภักดีของ Ulster กล่าวถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ตั้งแต่สงครามระหว่างพระเจ้าเจมส์ที่ 2 และพระเจ้าวิลเลียมแห่งออเรนจ์จนถึงศตวรรษที่ 17 ในขณะที่ภาพกราฟฟิตี้ของพรรครีพับลิกันสะท้อนถึงความขัดแย้งร่วมสมัยในไอร์แลนด์เหนือ

กราฟฟิตี้ใช้เพื่อกำหนดขอบเขตอาณาเขต โดยแต่ละกลุ่มจะมีแท็กและโลโก้ชุดหนึ่ง ภาพกราฟฟิตี้ดังกล่าวดูเหมือนจะแสดงให้คนแปลกหน้าเห็นถึงอาณาเขตของตน ภาพวาดที่เกี่ยวข้องกับแก๊งข้างถนนมีป้ายลึกลับและชื่อย่อที่มีสไตล์สูง ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขาจะมีการประกาศองค์ประกอบของกลุ่มชื่อของฝ่ายตรงข้ามและพันธมิตร แต่ภาพเหล่านี้ส่วนใหญ่มักจะทำเครื่องหมายขอบเขต - ทั้งอาณาเขตและอุดมการณ์

หนึ่งในกราฟฟิตีที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคสังคมนิยมคือภาพจูบของเบรจเนฟและโฮเนกเกอร์บนกำแพงเบอร์ลิน ผู้เขียน มิทรี วรูเบล

กราฟฟิตีเป็นวิธีการโฆษณาที่ถูกกฎหมายและผิดกฎหมาย

กราฟฟิตี้ถูกนำมาใช้เป็นวิธีการโฆษณาทั้งที่ถูกกฎหมายและผิดกฎหมาย ทีมงานเขียน TATS CRU ในนิวยอร์กมีชื่อเสียงจากการสร้างแคมเปญโฆษณาให้กับบริษัทต่างๆ เช่น Cola, McDonalds, Toyota และ MTV ร้าน Boxfresh ในโคเวนต์การ์เดนใช้กราฟฟิตี้ลายฉลุที่แสดงโปสเตอร์การปฏิวัติของซาปาติสตา ด้วยความหวังว่าโฆษณาที่ไม่ธรรมดานี้จะช่วยโปรโมตแบรนด์ได้ บริษัทแอลกอฮอล์ Smirnoff จ้างศิลปินให้สร้าง "กราฟฟิตี้แบบย้อนกลับ" โดยศิลปินจะเช็ดสิ่งสกปรกและฝุ่นออกจากพื้นผิวต่างๆ ทั่วเมืองในลักษณะที่ สถานที่สะอาดสร้างภาพวาดหรือข้อความโฆษณา (กราฟฟิตีย้อนกลับ) Shepard Fairey ผู้ออกแบบโปสเตอร์ HOPE อันโด่งดังของ Barack Obama เริ่มต้นด้วยแคมเปญสติกเกอร์ทั่วอเมริกาที่มีข้อความว่า "Andre the Giant Has His Own Gang" แฟนหนังสือ Charlie Keeper ใช้กราฟฟิตี้ลายมังกรและชื่อหนังสือที่มีสไตล์เพื่อดึงดูดความสนใจมาที่หนังสือเล่มนี้

ศิลปินกราฟฟิตี้หลายคนถือว่าการโฆษณาที่ถูกกฎหมายเป็นเพียง "กราฟฟิตี้ที่ต้องเสียค่าใช้จ่ายและถูกต้องตามกฎหมาย" และต่อต้านการโฆษณาอย่างเป็นทางการ

การตกแต่งและศิลปะชั้นสูง

ในปี พ.ศ. 2549 นิทรรศการที่พิพิธภัณฑ์บรูคลินได้นำเสนอซีรีส์กราฟฟิตี้ในรูปแบบศิลปะรูปแบบใหม่ที่มีต้นกำเนิดในเขตชานเมืองรอบนอกของนิวยอร์กซิตี้ และได้รับความนิยมสูงสุดในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ด้วยผลงานของ Crash, Lee, Daze, Keith Haring และ ฌอง-มิเชล บาสเกียต

นิทรรศการประกอบด้วยผลงาน 22 ชิ้นของศิลปินกราฟฟิตี้ชาวนิวยอร์ก รวมถึง Crash, Daze และ Lady Pink ในบทความในนิตยสาร Time Out ภัณฑารักษ์นิทรรศการ Charlotte Kotick แสดงความหวังว่านิทรรศการนี้จะบังคับให้ผู้ชมพิจารณามุมมองของตนเองเกี่ยวกับกราฟฟิตี้อีกครั้ง นี่คือวิธีที่ Terence Lindall ศิลปินและผู้อำนวยการบริหารของศูนย์ศิลปะและประวัติศาสตร์วิลเลียมส์เบิร์ก ตอบสนองต่อนิทรรศการ:

“ในความคิดของฉัน กราฟฟิตี้คือการปฏิวัติ การปฏิวัติใดๆ ก็ตามถือเป็นอาชญากรรม แต่ผู้ที่ถูกกดขี่และหดหู่ต้องการแสดงออก พวกเขาต้องการทางออก ดังนั้นพวกเขาจึงเขียนบนผนัง - มันเป็นเรื่องปกติ”

ในออสเตรเลีย นักวิจารณ์ศิลปะมองว่ากราฟฟิตี้ในท้องถิ่นบางชิ้นมีคุณค่าทางศิลปะเพียงพอ และได้กำหนดให้กราฟฟิตี้เป็นรูปแบบหนึ่งของวิจิตรศิลป์ จิตรกรรมออสเตรเลียปี 1788-2000 จัดพิมพ์โดยสำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ด ปิดท้ายด้วยการอภิปรายอันยาวนานเกี่ยวกับสถานที่แห่งกราฟฟิตี้ในวัฒนธรรมการมองเห็นร่วมสมัย

กราฟฟิตี้เชิงศิลปะสมัยใหม่เป็นผลมาจากประวัติศาสตร์อันยาวนานของกราฟฟิตี้แบบดั้งเดิม ซึ่งเริ่มต้นจากเพียงคำหรือวลีที่มีรอยขีดข่วน และตอนนี้ได้พัฒนาไปสู่การแสดงออกทางความคิดและความรู้สึกด้วยภาพ

ตั้งแต่เดือนมีนาคมถึงเมษายน 2552 ศิลปิน 150 คนจัดแสดงผลงานกราฟฟิตี้ 300 ชิ้น พระบรมมหาราชวังในปารีส. ฝรั่งเศสจังเลย โลกศิลปะได้นำศิลปกรรมรูปแบบใหม่มาใช้

ผู้เขียน เมียร์: กราฟฟิตี้ของไมเคิลแองเจโล

Mear One หรือที่รู้จักในชื่อ Kalen Ockerman เกิดเมื่อปี 1971 ในเมืองซานตาครูซ รัฐแคลิฟอร์เนีย เมียร์อิน ในระดับที่มากขึ้นเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนซึ่งมีภาพกราฟิตีที่แฝงเร้นทางการเมือง เช่น ในปี 2004 ร่วมกับ Shepard Fairey และ Robbie Conal เมียร์ได้สร้างชุดโปสเตอร์ต่อต้านสงครามและต่อต้านบุชสำหรับแคมเปญสตรีทอาร์ต "Be the Revolution"

ในฐานะนักเขียน Mear เป็นที่รู้จักจากการมีส่วนร่วมโดยตรงกับทีม CBS (Can't Be Stopped - City Bomb Squad) และ WCA (West Coast Artist) ในฐานะนักออกแบบ Mear One ได้พัฒนากราฟิกสำหรับแบรนด์เสื้อผ้า Conart และ Kaotic ใน นอกจากนี้แบรนด์ Reform การสร้างสรรค์ของเมียร์ส่วนตัว

นอกจากแบรนด์เสื้อผ้าแล้ว Mear ยังได้ออกแบบเพลงคัฟเวอร์สำหรับวงดนตรีต่างๆ เช่น Non Phixion, Freestyle Fellowship, Alien Nation, Limp Bizkit, Busdriver และ Daddy Kev

ควรสังเกตว่ามีศิลปินที่วาดภาพเพื่อให้ได้รับการยอมรับว่าดีที่สุดหรือมีชื่อเสียงและมีรายได้มากมาย แต่นี่ไม่ใช่ MEAR เป้าหมายหลักของ MEAR คือความเป็นเอกเทศของแต่ละงาน - แนวคิดและเนื้อหาย่อยที่งานนั้นส่งต่อไปยังมวลชน งานของการวาดภาพคือการถ่ายทอดความหมายที่ตั้งใจไว้เพื่อเป็นสะพานเชื่อมระหว่างจิตสำนึกของ MEAR และจิตสำนึกของผู้คน ดูเหมือนว่า Mear One กำลังพูดคุยกับกราฟฟิตี้ ด้วยเหตุนี้บางครั้ง Mear จึงถูกเรียกว่า Michelangelo แห่งกราฟฟิตี้

MEAR ONE สำรวจแง่มุมต่างๆ ของเกือบทุกอย่างที่มีความเกี่ยวข้องกับงานศิลปะแม้แต่น้อย งานของ MEAR มุ่งหวังที่จะถ่ายทอดทุกสิ่งที่อาจลืมหรือมองไม่เห็นสู่สังคม

1. www.graphitic.ru

2. www.ashtray.ru/main/GALERY/graffiti/

3. http://ru.wikipedia.org/wiki/Graffiti

4. http://graffitos.narod.ru/history.html

5. http://www.workground.net/mear.html

หลายคนที่เดินไปตามถนนได้เห็นบางสิ่งที่ใหญ่โต สว่างไสว และไม่อาจเข้าใจได้บนรั้ว โรงรถ หรือในอาคาร บุคคลนั้นหยุด พยายามจินตนาการ คิดออก และทำให้สมองของเขาตึงเครียด ในที่สุดเขาก็วาดตัวอักษรต่อหน้าเขา แต่เขาไม่เข้าใจสิ่งที่เขียนไว้ในภาพวาด ตัวอักษรดังกล่าวมักเป็นเหมือนปัญหาใหญ่ที่ไม่สามารถแก้ไขได้เสมอไปและไม่สามารถเข้าใจกระบวนการแก้ไขได้เสมอไป มันคือกราฟฟิตี้ทั้งหมด

ตัวแทนที่จริงจังคนแรกของกราฟฟิตีในประเทศปรากฏตัวในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 สิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกันกับการถือกำเนิดของการเต้นรำแบบเบรกแดนซ์ นี่ไม่ใช่เรื่องน่าแปลกใจ เพราะทั้งเบรกแดนซ์และกราฟฟิตี้เป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมฮิปฮอป ผู้ชายปรากฏตัวในประเทศที่ไม่มีประสบการณ์มากนักและมีเพียงกระป๋องเคลือบรูปถ่ายเท่านั้นที่สามารถสร้างผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงได้

ความหมายของศิลปะกราฟฟิตี้คือการถ่ายทอดความคิดของศิลปิน เพื่อพรรณนาบางสิ่งที่สำคัญ กราฟฟิตี้สื่อถึงจิตวิญญาณแห่งเสรีภาพในการสร้างสรรค์ นั่นคือ การวาดภาพได้ทุกที่

ในศิลปะกราฟฟิตี้ในปัจจุบันมีหลายสไตล์ แบบอักษรที่แตกต่างกัน และใช้สีที่หลากหลาย

วัฒนธรรมเมืองสมัยใหม่นั้นกว้างและหลากหลายมาก ครอบคลุมกิจกรรมของมนุษย์ทุกประเภท หนึ่งในนั้นคือกราฟฟิตี้ มันเป็นศิลปะชนิดหนึ่ง กำแพงถนนซึ่งพรรณนาทั้งถ้อยคำเรียบง่ายและภาพวาดอันวิจิตรงดงาม

ศิลปินข้างถนนแสดงดนตรีแนวร็อกแอนด์โรลและฝึกฝนศิลปะโดยหวังว่าวันหนึ่งจะมีคนได้ยินและได้เห็น

_______________________________

ในนครนิวยอร์กในช่วงปลายทศวรรษ 1960 วัยรุ่นชื่อ Demetrius เริ่มเขียนชื่อศิลปินของเขา TAKI และถนนหมายเลข 183 บนผนังและสถานีรถไฟใต้ดินทั่วแมนฮัตตัน ไม่นานวัยรุ่นคนอื่นๆ ก็สังเกตเห็นทากิและเริ่มเขียนชื่อของตัวเอง นักเขียนยุคแรกไม่สนใจว่าผู้ชมจะเข้าใจงานเขียนของตนหรือไม่ อย่างไรก็ตาม เมื่อมีความสนใจในกราฟฟิตี้มากขึ้น ความสามารถในการอ่านจารึกแต่ละชิ้นจึงเริ่มมีความสำคัญเป็นพิเศษ โดยมีเป้าหมายเดียวคือเพื่อดึงดูดความสนใจของผู้ที่สัญจรผ่านไปมา ปัจจุบันดาวเด่นแห่งกราฟฟิตีคือศิลปิน Banksy (Robert Banks) ผู้ชายคนนี้มาจากบริสตอล ไม่มีใครเห็นใบหน้าของ Banksy เขาซ่อนตัวอย่างระมัดระวังจากสื่อ กราฟฟิตี้ในที่สาธารณะยังคงผิดกฎหมาย และ Banksy ต้องเผชิญกับโทษจำคุกจากภาพวาดของเขา ภาพวาดของ Robert Banks เป็นภาพวาดที่จริงจังเกี่ยวกับประเด็นทางสังคมและสาธารณะ โดยขายทอดตลาดในราคาหลายแสนดอลลาร์

_______________________________

ฉันเชื่อว่ากราฟฟิตี้เป็นรูปแบบศิลปะสมัยใหม่รูปแบบหนึ่งที่ปรากฏเมื่อไม่นานมานี้ จึงมีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่ามันเป็นงานศิลปะ

_______________________________

ตัวอักษรขนาดใหญ่ที่สว่างและอ่านไม่ออก ภาพวาดเชิงเปรียบเทียบ ซึ่งเรียกว่ากราฟฟิตีหรือศิลปะบนท้องถนน มีต้นกำเนิดมาจากบรรพบุรุษของเรา ซึ่งครั้งหนึ่งเคยวาดภาพบนผนังถ้ำ เราสามารถพูดได้ว่าในรัสเซียศิลปะนี้เริ่มปรากฏให้เห็นในสหภาพโซเวียตเมื่อมีจารึกปรากฏบนรั้วคล้ายกับคำว่า "สันติภาพ" โดยมีข้อผิดพลาดเพียงสามครั้งเท่านั้น เห็นได้ชัดว่าปรากฏการณ์นี้เกิดจากความกระหายในการสื่อสารกับโลกรอบตัวเขา ปัจจุบันกราฟฟิตีกำลังได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว สิ่งนี้ทำให้เกิดคำถาม: สิ่งนี้ดีหรือไม่? ไม่มีคำตอบที่ชัดเจนสำหรับเรื่องนี้ ทัศนคติของสังคมต่อศิลปะบนท้องถนนเป็นเรื่องที่ถกเถียงกัน สามารถแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม: ข้อดีและข้อเสีย แน่นอนคุณสามารถเลือกอีกอันที่เป็นกลางได้ แต่จำนวนคนที่มีมุมมองที่คล้ายกันนั้นมีน้อยมากเพราะคุณไม่สามารถใส่ใจกับคำจารึกหรือรูปภาพที่สดใสเงอะงะได้เพียงโดยไม่แยแสต่อทุกสิ่งรอบตัวคุณ . นักเขียน (ผู้เขียนกราฟฟิตี) ที่มีความปรารถนาอย่างแรงกล้าที่จะ "ดำเนินการสนทนากับโลก" ไม่ได้ละทิ้งอาคารสาธารณะหรือคุณค่าทางวัฒนธรรมของเมืองมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งในความเป็นจริงทำให้เกิดความขุ่นเคืองในหมู่คนจำนวนมาก ความคิดเห็นของพวกเขาเทียบเคียงกราฟฟิตีกับ "ภาพวาด" ที่โหดร้ายและไร้ประโยชน์บนกำแพง พวกเขามองว่าศิลปะบนท้องถนนเป็นความจริงของการก่อกวน แต่ถ้าคุณหันไปใช้การตีความคำว่า "การก่อกวน" ในสารานุกรมสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ ให้สังเกตว่ามันถูกอธิบายว่าเป็น "การทำลายคุณค่าทางวัฒนธรรมและวัตถุอย่างไร้เหตุผล" ในความหมายที่กว้างกว่า การก่อกวนสามารถตีความได้ว่าเป็นการก่อวินาศกรรมและพฤติกรรมต่อต้านสังคม เราตกลงกันว่าการทิ้งขยะในที่สาธารณะ เหยียบย่ำสนามหญ้า ทำลายตู้ ถือเป็นการก่อกวน แต่คำถามก็เกิดขึ้นทันที: กราฟฟิตีเกี่ยวข้องกับอะไร? บางคนแย้งว่าสตรีทอาร์ตคือศิลปะและมักจะได้ยินว่า: พวกเขาทำลายกำแพง แล้วงานศิลปะอยู่ที่ไหน? แต่ไม่ว่าพวกเขาจะสปอยหรือไม่ก็ยังเป็นคำถาม แน่นอนว่าภาพเขียนหินของบรรพบุรุษของเราตามนั้น คนทันสมัยสอดคล้องกับกำแพงถ้ำและโลกโดยรอบซึ่งไม่สามารถพูดได้เกี่ยวกับ "การสร้างสรรค์" ของนักเขียนมือใหม่หลายคนที่ "ตกแต่ง" รั้วโรงรถและบ้านในเมืองรัสเซีย แต่ก็เป็นไปได้เช่นกันที่ผู้ร่วมสมัยของบรรพบุรุษของเราก็เดินไปรอบ ๆ และพูดประมาณว่าถ่มน้ำลายใส่ "ผลงานชิ้นเอก" ของเวลานั้น! ศิลปะบนท้องถนนมีข้อดีหลายประการเนื่องจากอาคารร้างที่ถูกทิ้งร้างหลังจากที่ผู้เขียนอุทิศจิตวิญญาณให้กับมันจะไม่ทำให้รูปลักษณ์ของพื้นที่ทั้งหมดเสียอีกต่อไป แต่ในทางกลับกันจะเริ่มดึงดูดความสนใจมาที่ตัวมันเอง ไม่ต้องสงสัยเลยว่ากราฟฟิตี้มีปรัชญาของตัวเองและได้รับความนิยมไปทั่วโลก ซึ่งบ่งบอกถึงคุณค่าทางสุนทรีย์ของมันและจัดว่าเป็นงานศิลปะประเภทหนึ่งที่ก้าวหน้าและมีการพัฒนาอย่างมีพลวัต กล่าวคือ ศิลปะ ไม่ใช่การแสดงออกถึงมารยาทที่ไม่ดี ล่าสุด กราฟฟิตี้ที่สร้างขึ้นในที่สาธารณะได้ยุติการประณามอย่างรุนแรงในสังคมแล้ว เป็นไปได้ว่าเมื่อเวลาผ่านไปกราฟฟิตีจะกลายเป็นมรดกทางวัฒนธรรมของรัสเซียซึ่งตามหลังตะวันตกในเรื่องนี้ ชาวยุโรปรู้สึกผ่อนคลายกับกราฟฟิตี้มากกว่ามาก ตัวอย่างเช่น ในปารีส ศิลปะบนผนังได้รับการรับรอง โปแลนด์และสาธารณรัฐเช็กกำลังแสดงสีสันของพวกเขา ชาวรัสเซียค่อยๆเริ่มคุ้นเคยกับกราฟฟิตีซึ่งช่วยให้ศิลปะบนท้องถนนได้รับการปรากฏตัวของปรากฏการณ์ที่เป็นกลางทางสังคมหรือแม้กระทั่งน่านับถือ