Rhythm and blues, o rhythm and blues (Rhythm and blues inglese, abbreviato R&B, da non confondere con il cosiddetto "R'n'B") - un genere di musica popolare, originariamente eseguito da musicisti neri, integrato in combinazioni ... Leggi tutto Rhythm and blues, o rhythm and blues (Rhythm and blues inglese, abbreviato R&B, da non confondere con il cosiddetto "R'n'B") - un genere di musica popolare, originariamente eseguito da musicisti neri, integrato in se stesso una combinazione di blues, jazz e gospel. Il termine fu coniato nel 1949 dai creatori delle classifiche della rivista americana Billboard al posto dell'espressione precedentemente comune “musica da corsa”. Con l'allentamento della segregazione razziale negli Stati Uniti, il termine "rhythm and blues" si è evoluto per riferirsi a una vasta gamma di musica soul e funk eseguita da musicisti di tutte le razze ed etnie. Non è consuetudine includere nel rhythm and blues il rock, l'hip-hop e il reggae, emersi come tendenze indipendenti in un periodo successivo. Ora è consuetudine distinguere il cosiddetto moderno. "R'n'B" dal rhythm and blues (classico). Per R'n'B moderno intendiamo Direzione musicale, che una volta ebbe origine da una simbiosi di blues, soul e altri generi "razziali". Il ritmo e il blues sono considerati musica con una base blues pronunciata. Molte persone classificano la musica del rhythm and blues classico come rock, e con il concetto stesso di “rhythm and blues” intendono il moderno R’n’B. Questo è un malinteso molto comune. Molti critici stanno ancora discutendo se il lavoro dei gruppi rhythm and blues debba essere classificato come rock e se al concetto stesso si debba attribuire il suo “significato popolare”. Alcune persone pensano che sia più semplice e quindi corretto. Altri dicono che un genere va giudicato in base alle qualità e alle caratteristiche della musica. Il ritmo e il blues si diffusero durante i tempi di guerra. In sostanza, è un blues commerciale che si è verificato durante la sua urbanizzazione e ha assorbito le note della vita cittadina. È particolarmente importante che non solo il personaggio sia stato trasformato, ma anche la composizione degli ensemble. Elettrificazione e applicazioni nuova tecnologia a metà degli anni '40. portò all'introduzione attiva delle chitarre elettriche, degli organi elettrici e, un po' più tardi, dei bassi come strumenti musicali. Gli strumenti a percussione e la voce del cantante hanno cominciato ad essere amplificati con l'aiuto di un microfono. Ciò ha permesso all'orchestra di quattro elementi di suonare più forte e potente rispetto alla tradizionale big band di diciotto elementi. Ensemble elettrizzati di una nuova direzione, chiamati rhythm and blues, iniziarono a spostare le grandi orchestre jazz e da ballo da sale da ballo, club e altri luoghi di intrattenimento, che si rivelarono economicamente non redditizi e stavano perdendo fan. Inoltre, il rhythm and blues ha messo radici bene nei piccoli ristoranti, caffè e bar. Gli esperti di musica usano il termine “rhythm and blues” per sostituire il termine “Race Music”, precedentemente utilizzato in relazione alla musica di intrattenimento dei “neri”. “Entro la metà degli anni ’40. Artisti come Chuck Berry, Muddy Waters, Bebe King e Bo Diddley, che hanno avuto una grande influenza sui creatori del rock moderno, hanno portato il blues ancora più lontano dal vecchio stile. Loro hanno usato ritmi jazz, spesso raddoppiato nelle dimensioni con elementi di stile boogie-woogie"10. Di conseguenza vecchia tradizioneè stato praticamente estromesso dalla scena di massa. Solo una manciata di giovani cercarono di imitare la musica della tradizione country blues, che a quel tempo continuava ad essere registrata solo da John Lee Hooker. “Ma l’ambiente culturale”, scrive D. L. Collier, “che ha dato i natali al blues è scomparso. Piantagioni, campi di lavoro e baracche stavano diventando un ricordo del passato. Il negro americano non si sentiva più completamente tagliato fuori dal mainstream cultura americana. Il vaso che ha custodito le tradizioni africane per generazioni è andato in frantumi”. Crollo
Il ritmo e il blues iniziarono a prendere forma alla fine degli anni '30, come conseguenza dell'urbanizzazione della vita dei neri americani "rurali" e della loro concentrazione nei ghetti - aree speciali delle grandi città industriali, dove rappresentanti di vari gruppi etnici: neri, mulatti, meticci, portoricani, ebrei, italiani, cinesi.
Uno dei fattori nella nascita del rhythm and blues nei ghetti neri fu la migrazione degli artisti country blues (country blues) dal sud al nord degli Stati Uniti, dalle zone rurali a grandi città, dalle fattorie e piantagioni alle fabbriche e agli stabilimenti. Il blues migra dai picnic rurali, dove veniva ascoltato più spesso, ai bar rumorosi, ai club e alle sale da ballo. Ad esempio, famosi bluesmen come T-Bone Walker dal Texas e B.B. King da Memphis si trasferirono a Los Angeles; a New York: Louis Jorden dall'Arkansas e Joe Turner da Kansas City; dal delta del Mississippi a Chicago: Muddy Waters, Elmore James e .
Cosa ha attratto i maestri del country blues nelle grandi città? Il fatto è che negli anni '30 la situazione della musica popolare divertente era cambiata negli Stati Uniti. Dopo la quotidianità persone normali Venne l'elettrofono, cioè il riproduttore elettrico, a sostituire il primitivo grammofono meccanico, e i dischi grammofonici cominciarono a diffondersi sempre più. Questo è stato il motivo dello spostamento quasi completo di un metodo di intrattenimento come la riproduzione di musica domestica. La sua essenza era quella semplice Famiglie americane, dove c'erano pianoforti a coda o verticali, furono eseguiti tutti i successi di Broadway e Hollywood ambiente domestico, secondo le note stampate pubblicate in grandi quantità dall'azienda Tin Pan Alley, di solito subito dopo l'uscita di un nuovo film o musical.
Parallelamente a ciò, in tutti i ristoranti, bar e persino nelle farmacie apparvero i cosiddetti Juke Box, i giradischi. Naturalmente l'industria della produzione discografica si espanse notevolmente, sia per gli apparecchi elettrici domestici che per i jukebox. E qui dobbiamo ricordare le specificità della vita negli Stati Uniti, dove rappresentanti di diverse nazionalità - neri, ebrei, armeni, cinesi e molti altri - vivono separatamente, in quartieri separati, a volte chiamati ghetti. Nella stessa parola “ghetto”, che per il lettore russo è associata a qualcosa di sinistro, che ricorda il Secondo guerra mondiale e campi di concentramento, in effetti non c'è niente di terribile. Non si tratta del confinamento forzato delle persone in uno spazio specifico, come nei ghetti ebraici in Polonia creati dai nazisti nel 1939.
Negli Stati Uniti i ghetti sorsero da soli, principalmente per comodità di numerosi emigranti che arrivarono nel paese e non conoscevano la lingua. Molti residenti di vari ghetti, arrivati in America in età avanzata, vissero senza imparare l'inglese o lasciare la loro zona. Ma un altro motivo per la stabilità di alcuni ghetti, soprattutto quelli neri, era la persistente riluttanza della popolazione bianca indigena degli Stati Uniti a incrociarsi nella vita con persone di razze e nazioni diverse.
Nella storia del rhythm and blues, quello che ci interessa è la vita dei ghetti neri grandi città. I loro abitanti non solo vivevano, ma si divertivano anche separatamente dai bianchi. Per soddisfare i bisogni culturali della popolazione di colore, iniziarono a formarsi studi di registrazione e stazioni radio negre, che producevano e promuovevano solo musica negra e solo per i negri. Registrazioni di questo tipo sono chiamate registrazioni di volo o registrazioni seppia. Pertanto, la necessità di artisti neri è aumentata notevolmente, il che è stato uno dei motivi principali della loro migrazione, spostandosi dalle aree rurali e dalle piccole città alle città sviluppate con grande quantità club, bar e ristoranti vari, oltre a studi di registrazione e stazioni radio.
A proposito, l'introduzione della creatività dei bluesmen rurali in un nuovo ambiente professionale è già stata osservata una volta: all'inizio del secolo, quando si stava formando il jazz. Fu allora che nacque il cosiddetto blues classico, rappresentato da artisti come Bessie Smith, Ida Cox o Ma Rainey, e il jazz blues, rappresentato da Louis Armstrong o Billie Holiday. Tuttavia, il processo di adattamento del country blues “country” alla cultura urbana negli anni ’30 prese una strada diversa, poiché questo processo fu associato all’avvento della nuova tecnologia elettrificata e ebbe conseguenze completamente diverse.
L'elettrificazione e l'introduzione di nuove tecnologie non solo hanno cambiato il modo in cui ascoltavamo i dischi, ma hanno praticamente contribuito all'emergere di un nuovo tipo di blues. Intorno al 1939 si diffusero le chitarre elettriche, gli organi elettrici e, poco dopo, i bassi. Gli strumenti a percussione e la voce del cantante hanno cominciato ad essere amplificati con l'aiuto di un microfono. In questo modo l'orchestra di quattro elementi ha acquisito la capacità di suonare più forte e potente rispetto alla tradizionale big band di diciotto artisti. Gli ensemble elettrizzati della nuova direzione blues, chiamati "rhythm and blues", iniziarono a spostare le grandi orchestre jazz e da ballo da sale da ballo, club e altri luoghi di intrattenimento per i neri, che si rivelarono economicamente non redditizi, fuori moda e quindi perdevano fan.
Inoltre, il rhythm and blues ha messo radici bene nei piccoli ristoranti, bar e caffè, dove semplicemente non c'era abbastanza spazio per le band tradizionali. A proposito, il termine stesso "Rhythm and Blues" apparve solo nel giugno 1949 sulla rivista Billboard, quando apparve chiaramente la necessità di designare un nuovo fenomeno che si era formato da tempo.
Uno dei grandi pionieri del rhythm and blues è stato il chitarrista e cantante Muddy Waters. Il suo destino - un fenomeno in una certa misura tipico del bluesman di quel tempo - può servire da esempio della storia dell'intero movimento. Negli anni '30, Muddy lavorò nelle piantagioni di cotone del delta del Mississippi, esibendosi tempo libero le tue canzoni Nel 1941 il celebre musicologo e collezionista di folklore Alan Lomax lo “scoprì” durante una sua escursione in quei luoghi. Nel 1943, Waters si trasferì a Chicago e andò a lavorare in una cartiera.
Per riprendere l'attività scenica, Muddy ha dovuto adattarsi per qualche tempo alle condizioni della città, cambiare qualcosa nel suo modo di suonare e cantare. Solo nel 1944 prese in mano una chitarra elettrica e iniziò ad esibirsi nei bar del Southern Black Quarter di Chicago, usando un microfono per coprire il rumore della folla mezzo ubriaca. In generale, il fattore rumore in quei luoghi in cui i bluesmen rurali hanno iniziato a esibirsi non ha avuto alcun ruolo. ultimo ruolo nella formazione di alcune caratteristiche del rhythm and blues.
Quando si parla di pionieri e giganti del rhythm and blues, non si può ignorare il bluesman Arthur Crudup, originario del Mississippi che iniziò a registrare a Chicago all'inizio degli anni '40. Non era molto popolare in quegli anni, ricevendo un tardivo riconoscimento solo all'inizio degli anni '70, quando negli Stati Uniti fu pubblicato un album delle sue registrazioni intitolato "The Father of Rock and Roll".
Le canzoni di Arthur Crudup, a partire da "That's All Right, Mama", hanno contribuito a lanciare la carriera di Elvis Presley. Le sue canzoni furono successivamente eseguite da Elton John, Rod Stewart, Tina Turner, Johnny Little, Paul Butterfield e dal gruppo Creedence Clearwater Revival. Per comprendere meglio il significato del rhythm and blues è necessario immaginare il pubblico che lo ha plasmato. Innanzitutto, non tutta la società nera degli Stati Uniti accettò con entusiasmo le nuove tendenze musicali.
È noto che nel recente passato, la parte religiosa dei neri americani ha reagito negativamente alla popolarità del tradizionale country blues, dandogli il nome di "Devil Song". Alcuni rappresentanti della classe media e della parte istruita della popolazione nera, che lottavano per gli ideali culturali dei bianchi, guardavano il blues in qualche modo dall'alto in basso, come musica barbara e primitiva. Trattavano il rhythm and blues più o meno allo stesso modo, forse anche con maggiore ostilità. Inoltre, avendo acquisito potenti mezzi per influenzare il pubblico e ampliare significativamente la portata della sua popolarità, ha perso una serie di vantaggi del tranquillo blues rurale, prima di tutto la sua intimità e le sue sfumature.
Il ritmo e il blues divennero musica rumorosa, motoristica e molto più monotona. Una delle caratteristiche principali del blues tradizionale, la funzione di autoespressione, è passata in secondo piano, lasciando il posto alla ballabilità e all'intrattenimento. La personificazione del vecchio blues, dove ogni cantante, che era anche autore di musica e parole, era unico, si è indebolita, se non scomparsa del tutto. Nel corso del tempo, una delle caratteristiche principali del blues cominciò a scomparire nel rhythm and blues: il lamento triste e autocommiserante verso il proprio destino, passivo e senza speranza. Apparivano sempre più rabbia e aggressività, come risultato della durezza e del volume dell'accompagnamento. Nel rhythm and blues, il fattore del gruppo di artisti ha acquisito il ruolo principale: è stato il gruppo che ha iniziato a determinarne lo stile e il suono, mentre il solista ne è diventato solo una parte. La natura dei testi è cambiata e semplificata. Il rhythm and blues a tutti gli effetti è diventato un tipo di musica commerciale rivolta al mercato di vendita.
In contrasto e parallelamente a questo, nell'ambiente del black jazz stava maturando un modo nuovo e sofisticato di fare musica: il bebop, uno stile elitario per quel periodo, che inizialmente non fu accettato sia dal grande pubblico che dalla maggioranza. artisti jazz. IN anni del dopoguerra La generazione giovane e istruita di musicisti neri ha reagito dolorosamente al tradizionale quadro razziale e sociale degli Stati Uniti, che ha bloccato il loro percorso verso i livelli più alti della pratica musicale.
Il bebop, e più tardi l'avanguardia atonale di Ornette Coleman, divennero un modo per porre molte questioni nere ed esprimere lo sconcerto, l'amarezza e persino l'amarezza della generazione nera del dopoguerra. Non c’era niente di tutto questo nel rhythm and blues. Piuttosto, mi ha allontanato dai problemi e mi ha aiutato a dimenticarli. Il suo compito principale divenne un semplice intrattenimento, una liberazione dallo stress dopo il duro lavoro per i residenti dei ghetti neri nelle grandi città americane.
Nel periodo 1945-1947, uno dei musicisti neri più famosi che incarnò con successo il rhythm and blues come arte scenica e di intrattenimento fu il cantante e sassofonista Louis Jorden con il suo gruppo Tympany Five. Era un maestro riconosciuto del blues tradizionale e allo stesso tempo aveva una solida esperienza come jazzista, poiché alla fine degli anni '30 suonava il sassofono nelle famose orchestre di Chick Webb, Earl Hines e Billy Eckstine.
Inoltre, Jorden era un comico e un eccellente showman. Nonostante nei suoi discorsi utilizzasse materiale parodico e caricaturale rivolto ai neri, la sua popolarità tra il pubblico nero era enorme. Era l'idolo di molti giovani artisti rhythm and blues che in seguito divennero star del rock and roll, in particolare Chuck Berry. Jorden ha spiegato semplicemente il suo passaggio dal jazz al rhythm and blues. “Loro”, ha detto, riferendosi ai musicisti bebop, “suonano per se stessi, e io suono per la mia gente”.
Il famoso attore cinematografico americano Clint Eastwood, in qualità di regista, ha girato un film di grande valore storico "The Bird" sul destino di Charlie Parker, un brillante jazzista, creatore del bebop, una figura tragica in anticipo sui tempi. C'è un episodio in questo film in cui Parker finisce accidentalmente ad assistere all'esibizione di un sassofonista nuovo di zecca con il suo ensemble rhythm and blues. Il suo prototipo era molto probabilmente Louis Jorden con il suo “Timpany Five”. Il grande Parker non riesce a capire cosa attiri così tanto il pubblico nella musica piuttosto primitiva rispetto al bebop che ascolta in questo club.
Rivelando caratteristiche musicali rhythm and blues, dobbiamo prima notare quelle caratteristiche che ha adottato dal tradizionale country blues. Ciò riguarda innanzitutto la base modale-melodica. Struttura armonica La maggior parte dei brani corrisponde al solito blues di dodici battute, ma senza le speciali sostituzioni e complicazioni caratteristiche del jazz blues.
Insieme a questo esistono anche forme con divisione in parti di otto battute, contenenti sostanzialmente le stesse combinazioni tra gli accordi di settima di tonica, sottodominante e dominante. Anche la modalità blues è stata completamente preservata, caratterizzata dalla presenza in essa delle cosiddette "note blues" delle note blu (sono anche chiamate "note blu"): terzo, settimo e quinto grado abbassato - una sorta di " maggiore o minore”. Le note blues sono in realtà tra le note, ad esempio tra LA e LA bemolle, e quindi non possono essere suonate al pianoforte, ma possono essere suonate con la voce, su uno strumento di ottone e con la chitarra tendendo una corda.
La scelta delle tonalità per i brani rhythm and blues è stata determinata dalla facilità di suonare le chitarre utilizzando le corde aperte. Pertanto, la maggior parte delle melodie erano in tonalità diesis (mi, la, re e sol), mentre nel jazz il blues veniva eseguito prevalentemente in tonalità bemolle (fa, si bemolle, mi bemolle, la bemolle e così via). ), dettata dalla diteggiatura specifica degli strumenti a fiato, in particolare sassofoni e tromboni. Impossibile non notare la tecnica del cosiddetto “stop time”, caratteristica del rhythm and blues, quando l'intera orchestra, prendendo la prima nota della battuta, faceva una pausa di due battute, durante la quale solo un solista continuava a cantare o giocare. Dopo diverse fermate simili, la melodia è stata suonata con il consueto accompagnamento.
Nonostante gli inconvenienti della diteggiatura, il sassofono era sempre presente nel rhythm and blues, e il più delle volte il sassofono tenore, che dava un sapore speciale al suono del gruppo. A quei tempi esisteva un'intera galassia di eccezionali sassofonisti rhythm and blues che differivano dai loro colleghi jazz per la produzione del suono e il fraseggio completamente diversi. Questi includono musicisti come Illinois Jacket, Hal Singer, Maxwell Davis, Jack McVie e Wild Bill Moore, famoso anche per il fatto che nel 1947, diversi anni prima che il termine "rock and roll" entrasse in uso, registrò un pezzo chiamato "We Faremo rock, faremo roll."
Una delle caratteristiche distintive importanti del rhythm and blues è la sua base ritmica. Prima di tutto, riguarda gli accenti. Gli artisti di ritmo e blues hanno introdotto gli accenti battiti deboli tatto. Se prima tutti gli applausi e i colpi di piede nella musica da ballo e di intrattenimento cadevano in modo più naturale all'inizio della misura - sul primo e terzo quarto (forte), poi nel rhythm and blues l'enfasi, enfatizzata da batteria, chitarra e altri mezzi, cominciò a ricadono nel secondo e quarto trimestre (debole). Ciò ha anche predeterminato la natura della danza con tale musica, quando i ballerini eseguono i movimenti principali come se "attraverso" il ritmo, cioè sui ritmi deboli del ritmo. Successivamente questa divenne la base ritmica delle danze rock and roll e di tutti i tipi di musica rock basati sul rhythm and blues.
Se consideriamo la struttura ritmica più piccola da cui dipende la “pulsione” stessa, allora nel rhythm and blues è duplice. Da un lato troviamo qui campioni eseguiti in terzina, ritmo swing, ereditato dalle big band jazz. In questo caso, ogni due ottavi viene eseguita non come scritto nella partitura - come uguale nella durata, ma "con un ritardo" - quando la prima nota viene leggermente ritardata e la seconda viene ripresa ultimo momento e risulta più breve.
Questa tecnica si chiama "swing" (dalla parola "swing - swing, swing"). Nella musica eseguita “con swing”, la base ritmica interna è la terzina, e quindi in una misura di 4/4 il risultato non è otto ottavi, ma un dodici implicito. Questa performance dà alla musica una sensazione swing.
Tra i musicisti professionisti, sia accademici che autodidatti, ci sono spesso persone che non hanno assolutamente il senso dello swing e quindi non sono in grado di suonare il vero jazz e rock and roll. E viceversa: tutti i fanatici di tale musica sono persone perseguitate da uno stato di costante oscillazione nelle loro anime. D'altra parte, puoi trovare brani rhythm and blues in cui le crome vengono suonate in modo fluido e la musica assume un carattere più motorio e meccanico. Fu proprio questo modo, in “otto-ottavi”, a costituire la base della danza chiamata “twist”, che soppiantò il rock and roll nel 1959.
La musica Boogie-Woogie ha avuto un'enorme influenza sul rhythm and blues. Da qui derivano molti schemi ritmici, monotonia e il principio della ripetizione degli schemi. Il boogie-woogie è uno stile di pianoforte degli anni '20, progettato per una persona che si accompagna con la mano sinistra. Ma qui, a differenza del ragtime, dove la mano sinistra “salta” dalla nota bassa all'accordo, l'accompagnamento è effettuato utilizzando pattern di basso, o, più semplicemente, melodie monotone nel registro grave del pianoforte, che non cambiano durante l'intero pezzo.
I più caratteristici di questi disegni furono successivamente presi in prestito dai musicisti rhythm and blues nella costruzione di parti di basso, così come nell'accompagnamento di chitarra per i musicisti. Successivamente, tutto questo si è trasferito nel rock and roll. L'influenza del boogie-woogie deriva dall'inaspettato revival dello stile negli anni '40. Soprattutto ad Harlem e Chicago a New York, nella persona di pianisti come Mead Lax Lewis, Albert Emmons o Pete Johnson. La stessa parola "boogie" veniva spesso usata dai musicisti rhythm and blues nei titoli e nei testi delle canzoni, ad esempio, il successo di Louis Jorden del 1945 "Choo Choo Ch' Boogie". E il modo stesso di ballare al ritmo e al blues era ovviamente lo stesso della danza "boogie", che era una continuazione del "Jitterbug", di moda negli anni '30.
Parlando della situazione in cui è sorto il rhythm and blues, non si può non menzionare l'esistenza della musica pop commerciale nera, più morbida, lirica, melodica, costruita su armonie di operetta o jazz e rivolta alla parte privilegiata della società nera degli Stati Uniti. , così come il pubblico bianco.
Quartetti o trii vocali erano molto comuni, esibendosi con o senza un gruppo ritmico, a volte fungendo da sottofondo famoso solista. Il loro repertorio conteneva, di regola, arrangiamenti leggeri di melodie nere o jazz e canzoni popolari di film. Gli arrangiamenti spesso utilizzavano le stesse sillabe, il che aiutava a cantare i riff in modo più ritmico, ad es. ripetere schemi ritmici e melodici. Queste sillabe hanno dato il nome a questo tipo di musica: “Sh-Sh-Shi-boom”, oppure “doo-wop”. Il fenomeno più sorprendente tra gruppi vocali I Mills Brothers e gli Ink Spots sono considerati i gruppi dell'epoca.
L'emergere di gruppi vocali e il graduale spostamento dell'attenzione dallo strumentista al cantante nel campo della musica di intrattenimento può essere considerato una conseguenza di una serie di processi socio-economici osservati negli Stati Uniti negli anni '40. Innanzitutto, ci furono grandi cambiamenti nell’industria discografica. Durante la seconda guerra mondiale, la produzione di dischi negli Stati Uniti quasi cessò, poiché la fornitura di gommalacca, il materiale con cui venivano realizzati i fragili dischi a 78 giri, era controllata dal Giappone, che era in guerra con gli Stati Uniti.
Fu solo nel 1948 che la Columbia Records si sviluppò nuova tecnologia produzione di dischi in vinile di lunga durata con microsolchi e velocità di 33,3 giri al minuto. Ben presto la ditta Victor iniziò a produrre i cosiddetti dischi “quarantacinque”, dischi da sette pollici a 45 giri. con un grande buco al centro.
Anche l'industria per la produzione dei giocatori corrispondenti si è rapidamente ristrutturata. L'anno 1949 fu significativo con la formazione di molte piccole case discografiche indipendenti, che ricevettero il nome abbreviato "indie" ("Indie" dalla parola "Independent"). Se le grandi aziende rispettabili registravano tradizionalmente solo star collaudate, con grandi orchestre costose, allora le "indie", spesso rappresentate da un imprenditore, seguivano una politica più flessibile, cercando nuovi artisti sconosciuti, reagendo immediatamente ai minimi cambiamenti della domanda e della moda.
Fu nell’ambito “indie” che emerse la tendenza a registrare piccole formazioni con un repertorio in rapida evoluzione. L'ascesa delle compagnie indipendenti ha aperto la strada all'esplosione del rock and roll come cultura popolare. Inoltre, a cavallo tra gli anni '40 e '50 negli Stati Uniti, il ruolo dei disc jockey su numerose stazioni radio FM a corto raggio aumentò notevolmente. Lo sviluppo di un'industria discografica flessibile ha consentito ai disc jockey di rendere i loro programmi sempre più rilevanti e quindi influenti nel settore. Da semplice intrattenitore, il disc jockey si è gradualmente trasformato in commentatore, e poi in un trendsetter, diventando uno degli arbitri dei destini dei musicisti.
Nel mondo degli artisti e degli autori professionisti, c'era una naturale insoddisfazione per il fatto che alcuni nuovi arrivati di cattivo gusto stavano acquisendo un'influenza tangibile sull'opinione pubblica. Il malcontento si trasformò in una lotta aperta. I sindacati dei musicisti iniziarono a chiedere un pagamento aggiuntivo per le trasmissioni una tantum di dischi alla radio, nonché il controllo sulla qualità del materiale promosso. Nel 1947, il capo della Federazione Americana dei Musicisti di Chicago, James Petrillo, ottenne il divieto di tutte le registrazioni per dischi e programmi radiofonici senza soddisfare le nuove condizioni da lui proposte per il pagamento dei diritti d'autore per la riproduzione delle registrazioni alla radio e nei juke box. .
Questo tipo di sciopero, progettato per sostenere i diritti dei musicisti, principalmente strumentisti, in una situazione di imminente dittatura del pop business, è durato circa un anno. La questione arrivò al processo presso il Congresso degli Stati Uniti, dove fu citato D. Petrillo. L'esame di questa questione fu affidato al giovane senatore californiano Richard Nixon, futuro presidente degli Stati Uniti. Il divieto è stato revocato, ma ha colpito non solo le stazioni radio e le case discografiche, ma anche gli stessi musicisti. Durante questo periodo la messa non venne registrata musica interessante, particolarmente strumentale, in particolare, un innovatore come Charlie Parker. Temendo la perdita del sostegno sindacale, gli artisti spesso cercavano deviazioni e provavano a registrare fuori dagli Stati Uniti, a volte anche sotto falsi nomi.
Una delle conseguenze di questo periodo fu che l'ascoltatore di massa spostò la sua attenzione sui cantanti, soprattutto perché il numero di gruppi puramente vocali (duetti, trii, quartetti) aumentò in modo significativo. Dopotutto, il divieto non si applica ai cantanti, anche se si accompagnano con la chitarra. Molti cantanti hanno imparato addirittura a imitare con la voce l'accompagnamento strumentale, in particolare il contrabbasso o la batteria. Da qui termini come “doo-wop” o “sh-shi boom”.
Così, lo sciopero degli anni 47-48 contribuì in una certa misura a far sì che, dall'avvento del rock and roll in poi, il cantante con o senza chitarra, mettendosi da parte musica strumentale nel campo dell'accompagnamento divenne il sovrano indiviso della scena popolare. Erano famosi i cantanti pop neri degli anni '40 e '50 vari gradi associati al jazz e al rhythm and blues, non essendo puri rappresentanti di questi generi, ma piuttosto essendone interpreti. Un tempo, hanno avuto un ruolo nel riunire il pubblico bianco e nero, abbattendo le barriere razziali nel campo della musica popolare. Tra i tanti nomi qui ci sono Ethel Waters e Lena Horne, Billy Eckstine, Sammy Davis e Fats Domino.
Il pianista e cantante Nat "King" Cole è forse la figura più importante di questa serie. Aveva una pronuncia eccellente, priva di qualsiasi segno di uno specifico accento nero, e il suo repertorio comprendeva bellissime canzoni liriche che gli hanno portato fama mondiale (come "Too Young" o "Pretend").
Spesso avendo a che fare con produttori e arrangiatori bianchi e realizzando registrazioni commerciali con le orchestre Nelson Riddle e Billy May, Nat "King" Cole nel suo lavoro assunse una posizione neutrale rispetto al problema razziale, anche se è noto che diede grandi contributi finanziari. alle organizzazioni pubbliche nere. Tuttavia, tale neutralità a quel tempo irritava alcuni razzisti neri e bianchi. Nel 1956, nel suo stato natale, l'Alabama, il musicista fu brutalmente picchiato da un gruppo di americani bianchi che non volevano avere idoli neri.
In tali condizioni, il rhythm and blues rimase la forma più isolata dal pubblico bianco fino all'inizio degli anni '50. musica nera. Ma la sua rilevanza e popolarità crebbero a tal punto che gli angusti confini del ghetto non riuscirono più a contenere il fenomeno stesso. Serviva una parola nuova che permettesse ai bianchi di considerare loro questa musica. Questa parola divenne “rock and roll”.
Testo: Alexey Kozlov.
, jazz e gospel. Il termine fu coniato nel 1949 dai grafici della rivista americana "
Origini
Il ritmo e il blues emersero nel contesto del blues a cavallo tra gli anni '30 e '40 e furono associati all'urbanizzazione dei cosiddetti neri americani "country" del sud che suonavano "country blues". Ad esempio, famosi bluesmen come T-Bone Walker dal Texas e B.B. King da Memphis si trasferirono a Los Angeles; a New York: Louis Jorden dall'Arkansas e Joe Turner da Kansas City; dal delta del Mississippi a Chicago: Muddy Waters, Elmore James e Howlin' Wolf.
Il trasferimento di questi artisti nelle città fu associato alla formazione di case discografiche nere, i cui prodotti furono distribuiti nei ghetti “neri” delle grandi città. I musicisti che venivano a registrare spesso rimanevano nelle città, trovando prima lavoro nell'ordinario imprese industriali, e poi come performer in locali, bar e balere “neri”. Allo stesso tempo, gli artisti country blues che si accompagnavano con la chitarra acustica si trovavano di fronte al fatto che semplicemente non potevano essere ascoltati in locali rumorosi: fu allora che iniziarono ad essere utilizzati microfoni, pickup per chitarra e organi elettrici. Nel 1939 apparve la chitarra elettrica. L'elettrificazione e l'introduzione di nuove tecnologie non solo hanno contribuito allo sviluppo della registrazione del suono, ma hanno effettivamente causato l'emergere di un nuovo stile di blues. La banda di quattro elementi era ora in grado di suonare più forte e potente della tradizionale big band di diciotto elementi. Il nuovo stile guadagnò gradualmente popolarità, sostituendo i concorrenti, e nel 1949 il termine "rhythm and blues" apparve sulla rivista Billboard, riflettendo i cambiamenti attuali.
Il ritmo e il blues divennero musica commerciale orientata al mercato di massa. Rispetto al blues tradizionale, il nuovo stile divenne più forte e aggressivo, perdendo alcuni dei vantaggi del country blues tranquillo, le sue sfumature e l'intimità. Il ritmo e il blues sono diventati molto più monotoni: l'intrattenimento e la ballabilità sono venuti alla ribalta. Il gruppo degli esecutori cominciò a prevalere sul solista e la funzione di autoespressione di quest'ultimo, tradizionale per il “vecchio” blues, passò in secondo piano. Tra i classici del primo rhythm and blues ci sono musicisti come Muddy Waters, Arthur Crudup, B.B. King, Jay McShann, Howlin' Wolf e Joe Turner.
Anni Cinquanta
Insieme al rock and roll, la direzione doo-wop spicca come parte del rhythm and blues ( doo wop), che consisteva in un'esecuzione vocale concertata di una melodia relativamente lenta da parte di un gruppo di cantanti dello stesso sesso. L'importanza dell'orchestra è stata ridotta al minimo: brani classici del doo-wop come "In the Still of the Nite" e "I Only Have Eyes for You" sono spesso eseguiti a cappella. A differenza del rock and roll, il doo-wop non si è diffuso al di fuori dell'America, in parte perché le abilità dei cantanti doo-wop si mescolano con la tradizione del canto in chiesa, caratteristica degli stati meridionali degli Stati Uniti. Tra i classici gruppi doo-wop ci sono i seguenti: The Platters, The Drifters, The Miracles, The Ronettes, The Temptations.
Sviluppo del rhythm and blues britannico: anni '50 -'60
Anni Sessanta: anima classica
All'inizio degli anni '60, il rock and roll, con le sue varie ramificazioni, si era affermato come la corrente principale della musica popolare negli Stati Uniti e in Europa. L'intensità emotiva del primo rock 'n' roll fu sostituita dal morbido sentimentalismo di artisti bianchi come Pat Boone e gli Everly Brothers. Al contrario, l'innovatore del rhythm and blues Sam Cooke ha creato uno stile di performance distinto che abbracciava la spontaneità e l'immediatezza del sentimento lirico. L'atmosfera di improvvisazione insita nelle esibizioni dal vivo è stata trasmessa anche dalla musica di Ray Charles, arricchita con elementi di gospel e jazz.
Lo stile individualizzato e più emotivo del rhythm and blues - i suoi fondatori sono considerati Charles e Cook - era chiamato "soul" (letteralmente "soul"). Il termine divenne così ampiamente utilizzato che il concetto più ampio di "rhythm and blues" cadde in disuso al di fuori degli Stati Uniti per diversi decenni. I più grandi maestri del classico soul del sud furono Aretha Franklin e Otis Redding, il cui lavoro è strettamente associato alla lotta dei neri per i loro diritti civili.
Anni Settanta: Funk
Alla fine degli anni Sessanta, nell'ambito del rhythm and blues, spiccava la direzione della musica dance pesante: il "funk". Le prime registrazioni in questo stile appartengono però a James Brown (“I Feel Good”) ulteriori sviluppi Questa musica è indissolubilmente legata ai nomi di Sly Stone e George Clinton. Funk da club elettrizzante, uno dei rappresentanti caratteristici che era Isaac Hayes, diede alla musica il nome "disco" a metà degli anni '70.
Nel frattempo, negli anni '70, continuò lo sviluppo del soul che, come il funk, cessò gradualmente di essere musica nera. I Righteous Brothers hanno aperto la strada al soul a molti artisti bianchi, principalmente britannici: Dusty Springfield, Van Morrison, Joe Cocker. Il confine tra rhythm and blues e musica rock è estremamente sfumato primi lavori Elton John e su alcune registrazioni di David Bowie. Negli Stati Uniti, il rhythm and blues eseguito dai bianchi (in particolare britannici) viene ironicamente chiamato “soul dagli occhi azzurri”.
Una direzione più classica nel rhythm and blues è stata rappresentata dai talentuosi cantanti Al Green, Lou Rowles, Dionne Warwick, Roberta Flack e Natalie Cole, mentre le due star principali dell'etichetta Motown - Stevie Wonder e Marvin Gaye - hanno raggiunto una significativa indipendenza creativa e hanno pubblicato a metà degli anni '70 -x serie di album sperimentali che spazzarono via tutti i divieti e le convenzioni artistiche e di censura precedentemente esistenti, aprendo periodo moderno nella storia del rhythm and blues.
Gli anni Ottanta: Soul aggiornato
Gli artisti rhythm and blues di maggior successo commerciale della metà degli anni '80 - Lionel Richie e Whitney Houston - divennero famosi grazie a ballate romantiche, registrato in modo così accurato e impeccabile da dare l'impressione di una certa evirazione emotiva. Nonostante la voce forte e piena di sentimento, le loro registrazioni abbandonano le esperienze crude e immediate su cui si fondava la scuola classica del soul a favore di una raffinata raffinatezza. Michael Jackson e George Michael si affidano non tanto al soul moderno quanto a un marchio di funk piuttosto aggressivo e orientato al commercio. Per designare tutte queste tendenze commerciali del rhythm and blues negli USA è stato coniato un termine molto vago “urban contemporaneo”, o semplicemente “urbano”.
Il più grande maestro del rhythm and blues aggiornato degli anni '80, che con ogni nuovo album ha aperto (e continua ad aprire) nuove strade del suo sviluppo, è stato Prince. Nel suo lavoro un approccio fondamentalmente sperimentale convive armoniosamente con l'estrema emotività e la ricerca di nuove modalità espressive.
Negli anni '80, con il passare della fugace era della disco, il termine "rhythm and blues" tornò ad essere richiesto al di fuori degli Stati Uniti, questa volta per denotare il funk moderno ("rhythm") e il soul ("blues"), così come come innumerevoli ibridi tra loro. Ciò è dovuto al fatto che nelle condizioni moderne è difficile tracciare una linea chiara tra le componenti veloci (“funk”) e lente (“soul”) del rhythm and blues. Non ci sono praticamente artisti specializzati esclusivamente in soul o funk. Nel repertorio dei principali interpreti si possono trovare composizioni in entrambi gli stili, così come quelle che illustrano le gradazioni e la sintesi tra loro.
Anni Ottanta: tempesta tranquilla
Dalla prima metà degli anni '80 alla metà degli anni '90, la direzione principale (mainstream) della musica pop americana è stata la cosiddetta "tempesta tranquilla" - una varietà commerciale di ritmo e blues leggeri e discreti destinati alla più ampia gamma di radio. formati. Il nome della direzione risale all'album pubblicato nel 1975 da Smokey Robinson, uno dei pilastri dell'etichetta Motown. Il suo album "A Quiet Storm" ha assorbito i risultati più importanti degli anni precedenti: il ritmo rilassato e senza fretta e i passaggi vocali morbidi e fluidi di Al Green, l'atmosfera romantica ed erotica generale di "Let's Get It On" di Marvin Gaye e la tecnica di strumentazione caratteristico del soul della scuola di Filadelfia.
Dopo i già citati Lionel Richie (“Can't Slow Down”, 1984) e Whitney Houston (“Whitney Houston”, 1986), la tradizione della patinata “quiet storm” negli anni '90 è stata continuata da Mariah Carey, Toni Braxton , Luther Vandross, e anche cantanti meno conosciuti che in quegli anni preferivano lavorare con il produttore ultra-modaiolo Babyface. I gruppi ritmici e blues vocali (ad esempio, Boyz II Men), che ereditano in parte le tradizioni delle squadre doo-wop degli anni '60, stanno diventando estremamente popolari. Dal 1996, "quiet storm" è entrato in un periodo di crisi e sta rapidamente perdendo popolarità a favore di tendenze più dinamiche del rhythm and blues, che hanno assorbito elementi dell'hip-hop diventato di moda. Questi includono, prima di tutto, il soul hip-hop e il neo-soul.
Anni Novanta: rhythm and blues contemporaneo
Y2K: anima neo
articolo principale: Neoanima
Lo stadio attuale nello sviluppo del rhythm and blues è solitamente caratterizzato come “neo soul” ( neo-anima). Questa tendenza in parte retrospettiva consiste in un ritorno al suono vintage del soul classico degli anni '60 e '70, che è particolarmente evidente nel lavoro di D'Angelo, Lauren Hill ed Erykah Badu. Il pioniere di questa tendenza può essere considerato il trio The Fugees, nel cui lavoro c'è stata una reazione contro il piano terreno del rhythm and blues della metà degli anni '90 (un esempio tipico è la canzone "Killing Me Softly With His Song" del 1996). Oltre al soul classico, il neo soul assorbe attivamente elementi di hip-hop alternativo (Lauren Hill), jazz e persino musica classica (Alicia Keys).
Va notato che il neo-soul rimane un movimento relativamente impopolare all'interno del rhythm and blues moderno. Un movimento più orientato al commercio, rappresentato da artisti come Usher e Beyoncé, continua a svilupparsi in linea con l'anima hip-hop degli anni '90.
Foto degli artisti
In onore dei grandi artisti che hanno cambiato la musica per sempre e per celebrare il loro successo, il team di Billboard ha pubblicato un elenco il miglior hip hop/ cantanti rhythm and blues degli ultimi 25 anni.
L'elenco si basa sulle classifiche settimanali Hot R&B/Hip-Hop Songs e Top R&B/Hip-Hop Albums dal 5 gennaio 1985 al 6 novembre 2010. Le posizioni sono classificate in base al numero di settimane trascorse al primo posto.
Qui puoi vedere gli artisti che hanno avuto successo fino ad oggi, così come artisti che sono già diventati dei classici, dive del rhythm and blues, le cui registrazioni vendono milioni di copie in tutto il mondo, e modesti geni che, con il loro talento, hanno rivoluzionato l'idea della musica moderna. Ogni artista, ogni voce: sono tutti unici ed è impossibile immaginare il mondo dello spettacolo senza di loro oggi.
50. Tevin Campbell
49. In voga
48. Joe
47. Acquavite
46. Kanye West ( Kanye West)
45. Chris Brown
44.Maxwell
43. Patti LaBelle
42. Il figlio del destino
41. Ne-Yo
40. Musica Soulchild
39. Nelly
38. Eminem
37. Snoop Dogg
36. Bobby Brown
35. Tony Toni Tono
34. Sade
33. Kenny "Babyface" Edmonds
32.Gerald Levert
31.LeVert
30. Jodeci
29. Keyshia Cole
28,50 cent
27. Aaliyah
26. Stevie Wonder
25. TLC
24. Monica
23. Nuova edizione
22. Anita Baker
21. Piccolo Wayne
20. T.I.
Nel 2001, dopo essersi classificato al 27° posto nella classifica degli album R&B/hip-hop con l'album I'm Serious, il rapper T.I. ha rotto il contratto con la Arista Records e ha formato la sua etichetta, Grand Hustle Entertainment. Il suo primo album, Trap Muzik, pubblicato indipendentemente, ha avuto successo. secondo posto nella classifica degli album nel 2003. È stato seguito da dischi di maggior successo in vetta alle classifiche: Urban Legend del 2004, King del 2006, T.I. vs. T.I.P. del 2007 e Paper Trail del 2008, che ha trascorso cinque settimane record al numero uno. Naturalmente, l'incredibile successo del musicista l'anno scorso un po' messo in ombra dai suoi problemi legali: T.I. ha trascorso un anno dietro le sbarre per accuse federali e nel marzo 2010, dopo il suo rilascio, è stato coinvolto in uno scandalo di droga ancora più noto.
19. Tupac Shakur
Il rapper Tupac Shakur, morto tragicamente nel settembre 1996, è una vera icona dell'hip-hop. Durante la sua vita, è riuscito a pubblicare solo quattro album, due dei quali hanno raggiunto la vetta della classifica degli album: Me Against The World del 1995 (4 settimane al numero uno) e All Eyez On Me del 1996 (3 settimane al numero uno). Due mesi dopo la sua morte, fu pubblicato il suo album The Don Killuminati: The 7 Day Theory, dove Tupac usò lo pseudonimo Makaveli. Il record è stato in cima alla classifica per sei settimane. Fatto scioccante: Tupac aveva predetto la sua morte in questo album ed era completamente preparato per questo. Il musicista ha lasciato un enorme patrimonio creativo, molti dei suoi album furono pubblicati postumi, quattro dei quali divennero i primi posti nelle classifiche.
18.Toni Braxton
L'ultimo successo di Toni Braxton è la recente uscita dell'album Pulse, che è diventato un album R&B/Hip-Hop nel 2010. La carriera della cantante dura da vent'anni, dal 1992 ha pubblicato costantemente singoli di successo. Il primo degli undici in cima alle classifiche è stato Give U My Heart dal film Boomerang. Anche le sue canzoni You're Making Me High / Let It Flow e He Was not Man Enough hanno guadagnato una popolarità sfrenata.
17. Boyz II Uomini
I membri di questo fantastico gruppo non hanno mai smesso di stupire con il loro talento sin dal loro debutto, avvenuto nel 1991 con la canzone Motownphilly, che raggiunse la quarta posizione nella classifica R&B/Hip-Hop Songs, e proseguito con It's So Hard to Say Goodbye. a Yesterday, che divenne il primo dei loro cinque successi e tre album numero uno nella discografia del gruppo, portando Billboard a nominare i Boyz II Men la migliore band degli anni '90 nel 1999.
16.LL Freddo J
James Todd Smith ( vero nome LL Cool J è un vero pioniere dell'hip-hop. È stato uno dei primi artisti a registrare su quella che è diventata una delle etichette più rispettate, la Def Jam Recordings. Il suo album di debutto Radio raggiunse la sesta posizione nella classifica R&B/Hip-Hop nel 1986. La versione successiva, Bigger & Deffer, rimase undici settimane in cima alla classifica. Tra gli artisti rap, solo gli album di MC Hammer Please Hammer Don't Hurt (29 settimane nel 1990) e Recovery di Eminem (13 settimane nel 2010) sono stati più leader. questo momento Il musicista si interessò a una carriera nel cinema e in televisione.
15. Oltre
Dopo il crollo dell'alma mater del cantante, il gruppo di grande successo Destiny's Child (42a posizione in questa lista), Beyoncé ha iniziato carriera da solista. Ha cinque singoli al numero uno, inclusi successi come Irreplaceable (nove settimane al numero uno) e Single Ladies (Put a Ring on It) (12 settimane). Ciascuno dei suoi tre album è in cima alle classifiche degli album R&B/hip-hop. Ma nonostante il suo successo nelle classifiche mondiali e il suo status di una delle artiste più talentuose del nostro tempo, è in testa a lei in questa lista proprio marito- il rapper Jay-Z.
14. Ludacris
Il rapper e attore Christopher Bridges (il vero nome del musicista) ha iniziato la sua carriera come DJ alla radio WHTA-FM con lo pseudonimo di Chris Lova-Lova Chris Lova Lova. Il suo carisma e il talento scoperto per il rap eccellente sono stati incarnati nel suo primo singolo What's Your Fantasy, che è entrato nella top ten delle canzoni R&B/hip-hop nel 2000. L'album di debutto di Ludacris Back For The First Time ha raggiunto lo stesso numero due nella classifica degli album. classifica dell'anno e ha segnato l'inizio di una serie di successi nella carriera della musicista: quattro dei suoi album successivi sono diventati leader delle classifiche
13. Michael Jackson
Il Re del Pop può essere definito anche il Re dell’R&B. Questo titolo è più che meritato, considerando i suoi sette album R&B/Hip-Hop in cima alle classifiche (cinque dei quali sono stati pubblicati negli ultimi 25 anni) e gli innumerevoli singoli di successo. Nonostante la tragica morte di Jackson, la sua bellissima musica continua a vivere con noi, sia sui dischi che nelle classifiche. Nel 2009, This Is It è la title track con documentario"Michael Jackson: That's All" è entrato nella top 20 della classifica delle canzoni e il disco della colonna sonora è diventato il leader della classifica degli album.
12. Keith Sudore
Keith Light è uno degli artisti più amati d'America. È amato dai fan di tutte le età, poiché i suoi singoli sono diventati successi in quasi tutte le epoche musicali importanti: nel 1988, I Want Her, la sua prima canzone a entrare nelle classifiche; nel 1991 - Ti darò tutto il mio amore o nel 1998 - Come and Get With Me, registrato insieme a Snoop Dogg. Un totale di 16 delle sue canzoni sono entrate nella top ten della classifica delle canzoni, di cui 7 hanno raggiunto il primo posto Nel 2008, hanno aggiunto un altro singolo, Just Me.
11. Principe
La carriera di Prince è iniziata molto prima dello scopo di questo elenco, nel 1978. Con uno dei suoi primi singoli, Soft and Wet, approdato alle canzoni R&B/hip-hop, Prince ha continuato a regnare nelle classifiche per il quarto decennio con un flusso apparentemente infinito di album e successi. Dal 1985, ha 30 uscite nella classifica degli album, più di ogni altro artista. Diciannove di loro erano tra i primi dieci. Tre ultimo album– 3121, uscito nel 2006, Planet Earth del 2007 e anche il triplo disco del 2009 Lotus Flow3r/MPLSound/Elixr – sono diventati leader.
10. Alicia Keys
Alicia Keys irruppe letteralmente nel mondo dello spettacolo con l'ormai leggendario album Fallin', pubblicato nel 2001. Ciascuno dei cinque album del cantante è diventato leader nella classifica degli album, compreso l'ultimo, The Element of Freedom, che ha aperto il 2010 per cinque settimane al numero uno. Alicia Keys, oltre al suo talento canoro, ha un magnifico talento come pianista. Durante i suoi nove anni di carriera, gli album della Keys hanno venduto più di 17 milioni di copie negli Stati Uniti.
9. Freddie Jackson
I fan del pop potrebbero non avere molta familiarità con i successi di Freddie Jackson, dato che non è mai arrivato al numero dieci nella sua carriera nella Billboard Hot 100. Ma è molto noto nelle classifiche R&B, essendo autore di diciotto canzoni nella Billboard Hot 100. dieci: da Rock Me Tonight del 1985 al successo del 1992 I Could Use a Little Love (Right Now). Quattro dei suoi album sono in cima alla classifica degli album R&B/Hip-Hop, incluso Just Like the First Time del 1986, che rimase in cima per 26 settimane.
8. Jay-Z
Shawn "Jay Z" Carter ha fatto molta strada per formare la sua etichetta nel 1996 con Damon Dash e Kareem Burke dopo che la casa discografica si era rifiutata di ingaggiarlo. Dopo il suo album di debutto Reasonable Doubt, che ha ricevuto il plauso della critica e il terzo posto nella classifica degli album R&B/Hip-Hop, e il suo secondo disco In My Lifetime, vol. 1, salendo una riga più in alto, il suo album rivoluzionario, Vol. 2 - Hard Knock Life, che rimase per sei settimane in cima alla classifica nel 1998. In totale, il musicista ha undici album numero uno (inclusi due dischi congiunti con R. Kelly).
7. Lutero Vandross
Questo cantante dalla voce unica ha registrato 36 successi tra il 1985 e il 2007, di cui venti sono entrati nella top ten e sei hanno raggiunto il numero uno della classifica R&B/Hip-Hop. Sfortunatamente, le ultime due posizioni sono avvenute postume: Vandross è morto nel 2005 all'età di 54 anni. La chiave della popolarità di un musicista è la sua capacità di trovare un linguaggio comune con un pubblico giovane. Ha registrato duetti con Janet Jackson, Mariah Carey Mariah Carey) negli anni '90 e nel 2004 con Beyoncé. La canzone Dance With My Father, che ha scritto ed eseguito con Richard Marx, ha vinto il Grammy Award come canzone dell'anno quell'anno.
6. Usciere
Dopo un inizio più che modesto di carriera nel 1993 (classificato 56° per una canzone intitolata “Call Me a Mack” dal film “Poetic Justice” con Janet Jackson in ruolo di primo piano e 25a posizione per il suo album di debutto), Usher ha ottenuto molto: le vendite del suo album ammontano a oltre 22 milioni di copie. Oltre a una carriera più che di successo nella musica e nel cinema, Usher ha un incredibile senso della produzione: è stato lui a presentare al mondo il fenomeno pop Justin Bieber.
5. Janet Jackson
La leggendaria Janet è la proprietaria del maggior numero di singoli in testa alle classifiche delle canzoni. Sono ben quindici: solo R. Kelly e Usher possono avvicinarsi a questo record. Anche il fratello del cantante, Michael Jackson, nonostante tutta la sua popolarità, ha registrato solo otto successi numero uno. Tra il 1985 e il 2001, la cantante è diventata una vera icona. Ha più canzoni nella top ten delle classifiche mondiali di qualunque altro artista: ventisette.
4.Mariah Carey
Nel corso della sua ventennale carriera nel mondo dello spettacolo, la cantante ha vinto innumerevoli dischi e premi. Le sue canzoni sono arrivate diciotto volte in cima alla classifica Hot 100 di Billboard: solo i Beatles ne hanno avute di più. La sua canzone One Sweet Day è rimasta in cima alle classifiche per 16 settimane. Con un album venduto in tutto il mondo per 52,7 milioni di copie, Mariah Carey è l'artista rhythm and blues di maggior successo e il terzo artista più popolare di qualsiasi genere, dietro Garth Brooks e i già citati The Beatles.
3. Whitney Houston
Quando Whitney Houston apparve per la prima volta nella classifica R&B/Hip-Hop Songs nel 1984 come cantante ospite nel singolo "Hold Me" di Teddy Pendergrass, molti sapevano che questa ragazza sarebbe diventata una star. Inoltre, il talento era nel suo sangue: sua madre, Cissy Houston, è una rispettata cantante gospel/r&b, e sua cugina, Dionne Warwick, è stata un appuntamento fisso nelle classifiche di Billboard per decenni. La diva ha otto singoli al numero uno e cinque album di grande successo, incluso il suo ultimo disco, I Look To You, pubblicato nel 2009.
2. Mary J.Blige
Uno dei musicisti e produttori più rispettati del nostro tempo, Sean "Diddy" Combs, l'ha definita la "Regina dell'hip-hop" e questo titolo non è un'esagerazione. I singoli più famosi della cantante You Remind Me e Real Love segnarono l'inizio della sua vertiginosa carriera come una delle cantanti più brillanti del suo tempo. Venti successi al primo posto, otto album in testa alle classifiche mondiali: risultati che difficilmente qualcuno riuscirà presto a superare.
1. R.Kelly
R. Kelly è in cima a questa lista e il suo posto non è vano. Dal gennaio 1985, ha ottenuto 35 successi nella top 10 della classifica delle canzoni R&B/hip-hop (più di chiunque altro) e un totale di 84 canzoni in classifica. Tra loro ci sono undici leader, tra cui Bump N "Grind (12 settimane in cima alla classifica) e Down Low (Nobody Has To Know) (7 settimane). 11 album che sono diventati leader nell'R&B/Hip-Hop hanno consolidato saldamente il suo status come uno degli artisti di punta non solo della sua generazione, ma dell'intera storia dello spettacolo in generale. Artista leggendario non si ferma qui: quest'anno è stato pubblicato il suo 56esimo singolo nella top 40 "When a Woman Loves".