Rytm i blues zaczęły kształtować się pod koniec lat 30., w wyniku urbanizacji życia „wiejskich” amerykańskich czarnych i ich koncentracji w gettach – specjalnych obszarach dużych miast przemysłowych, gdzie osobno mieszkają przedstawiciele różnych grup etnicznych : czarni, mulaci, metysi, Portorykańczycy, Żydzi, Włosi, Chińczycy.
Jednym z czynników narodzin rytmu i bluesa w murzyńskich gettach była migracja wykonawców country bluesa (village blues) z południa na północ Stanów Zjednoczonych, ze wsi do dużych miast, z farm i plantacji do fabryk i fabryki. Blues migruje z wiejskich pikników, gdzie grano go najczęściej, do hałaśliwych barów, klubów i tańców. Na przykład tak znani bluesmani jak T-Bone Walker z Teksasu i BB King z Memphis przenieśli się do Los Angeles; w Nowym Jorku Louis Jordan z Arkansas i Joe Turner z Kansas City; od delty Mississippi do Chicago – Muddy Waters, Elmore James i.
Co przyciągnęło mistrzów country bluesa do dużych miast? Faktem jest, że w latach trzydziestych sytuacja z popularną muzyką rozrywkową w Stanach Zjednoczonych uległa zmianie. Po byciu w domu zwykli ludzie wszedł elektrofon, czyli odtwarzacz elektryczny, który zastąpił prymitywny gramofon mechaniczny, płyty gramofonowe zaczęły się upowszechniać. To był powód niemal całkowitego zastąpienia takiej metody rozrywki jak tworzenie muzyki w domu. Jego istotą było to, że w zwykłych amerykańskich rodzinach, gdzie były fortepiany lub fortepiany, wszystkie hity Broadwayu i Hollywood były wykonywane w rodowisko domowe– wynika z drukowanych notatek opublikowanych w r w dużych ilościach przez Tin Pan Alley, zwykle zaraz po premierze nowego filmu lub musicalu.
Równolegle we wszystkich lokalach gastronomicznych, barach, a nawet aptekach pojawiły się tzw. Juke Boxy – maszyny gramofonowe. Naturalnie nastąpił znaczny rozwój produkcji płyt, zarówno do domowych odtwarzaczy elektrycznych, jak i do szaf grających. I tutaj trzeba przypomnieć specyfikę życia w Stanach Zjednoczonych, gdzie przedstawiciele różne narodowości- Murzyni, Żydzi, Ormianie, Chińczycy i wielu innych - mieszkają osobno, w oddzielnych dzielnicach, czasami nazywanych gettami. Już samo słowo „getto”, które rosyjskiemu czytelnikowi kojarzy się z czymś złowrogim, przypominającym Drugie wojna światowa i obozy koncentracyjne, w zasadzie nie ma nic strasznego. Nie jest to przymusowe przetrzymywanie ludzi w określonej przestrzeni, jak w gettach żydowskich w Polsce, utworzonych przez nazistów w 1939 roku.
W Stanach Zjednoczonych getta powstały same, przede wszystkim dla wygody licznych emigrantów, którzy przybyli do kraju i nie znali języka. Wielu mieszkańców różnych gett, którzy przybyli do Ameryki w starszym wieku, przeżyło swoje życie, nie ucząc się języka angielskiego i nie opuszczając swojego terenu. Ale innym powodem stabilności niektórych gett, zwłaszcza czarnych, była utrzymująca się niechęć rdzennej białej ludności Stanów Zjednoczonych do krzyżowania się w życiu z ludźmi różnych ras i narodów.
W historii rytmu i bluesa interesuje nas życie czarnych gett duże miasta. Ich mieszkańcy nie tylko żyli, ale także bawili się poza białymi. Aby zaspokoić potrzeby kulturalne kolorowej populacji, zaczęto tworzyć murzyńskie studia nagraniowe i stacje radiowe, produkując i promując wyłącznie muzykę murzyńską i tylko dla Murzynów. Zapisy tego rodzaju nazywane są zapisami lotu lub zapisami w sepii. Tym samym wyraźnie wzrosło zapotrzebowanie na czarnoskórych wykonawców, co było jedną z głównych przyczyn ich migracji, przenoszenia się ze wsi i małych miasteczek do miast rozwiniętych o duża ilość kluby, bary i różnorodne restauracje, a także studia nagraniowe i stacje radiowe.
Swoją drogą wprowadzenie twórczości wiejskich bluesmanów do nowego środowisko zawodowe zaobserwowano już kiedyś – na początku stulecia, kiedy kształtował się jazz. Pojawił się wtedy tzw. blues klasyczny, reprezentowany przez takich wykonawców jak Bessie Smith, Ida Cox czy Ma Rainey, oraz blues jazzowy reprezentowany przez Louisa Armstronga czy Billie Holiday. Inaczej jednak przebiegał proces adaptacji „country” country bluesa (Country Blues) do kultury miejskiej w latach 30., gdyż proces ten wiązał się z pojawieniem się nowej technologii zelektryfikowanej i miał zupełnie inne konsekwencje.
Elektryfikacja i wdrożenie Nowa technologia nie tylko zmienił sposób słuchania płyt, ale praktycznie przyczynił się do powstania nowego rodzaju bluesa. Około 1939 roku rozpowszechniły się gitary elektryczne, organy elektryczne, a nieco później gitary basowe. Zaczęto wzmacniać instrumenty perkusyjne i głos wokalisty za pomocą mikrofonu. W ten sposób czteroosobowa orkiestra zyskała możliwość grania głośniej i mocniej niż tradycyjny osiemnastoosobowy big band. Zelektryzowane zespoły nowego kierunku bluesowego, zwane „rhythm and blues”, zaczęły wypierać duże orkiestry jazzowe i taneczne z tańców, klubów i innych miejsc rozrywki dla czarnych, co okazało się nieopłacalne ekonomicznie, niemodne i przez to tracące fanów .
Poza tym rytm i blues doskonale zadomowił się w małych jadłodajniach, barach i kawiarniach, gdzie po prostu nie było wystarczająco dużo miejsca dla tradycyjnych zespołów. Nawiasem mówiąc, samo określenie „Rhythm and Blues” pojawiło się dopiero w czerwcu 1949 roku w magazynie „Billboard”, kiedy zaistniała wyraźna potrzeba określenia nowego, od dawna ukształtowanego zjawiska.
Jednym z wielkich pionierów rytmu i bluesa był gitarzysta i wokalista Muddy Waters. Jego losy – zjawisko w pewnym stopniu typowe dla ówczesnego bluesmana – mogą służyć jako ilustracja historii całego kierunku. W latach trzydziestych Muddy pracował na plantacjach bawełny w delcie Mississippi, występując w czas wolny ich piosenki. W 1941 roku „odkrył” go słynny muzykolog i kolekcjoner folkloru Alan Lomax podczas swojej wycieczki w te miejsca. W 1943 Waters przeprowadził się do Chicago i podjął pracę w papierni.
Aby wznowić działalność koncertową, Maddy musiała na jakiś czas przystosować się do warunków panujących w mieście, zmienić coś w swoim sposobie grania i śpiewania. Dopiero w 1944 roku wziął do ręki gitarę elektryczną i zaczął występować w barach południowej dzielnicy Negro w Chicago, używając mikrofonu, aby zagłuszyć hałas na wpół pijanego tłumu. Ogólnie rzecz biorąc, czynnik hałasu w miejscach, w których zaczęli występować wiejscy bluesmani, odegrał ważną rolę w kształtowaniu się niektórych cech rytmu i bluesa.
Mówiąc o pionierach i gigantach rytmu i bluesa, nie sposób pominąć takiego bluesmana jak Arthur Crudup, pochodzący z Mississippi, który nagrywał w Chicago na początku lat 40. Nie cieszył się w tamtych latach dużą popularnością, uznanie zyskał z opóźnieniem dopiero na początku lat 70., kiedy w Stanach Zjednoczonych ukazała się płyta z jego nagraniami zatytułowana „The Father of Rock and Roll”.
Piosenki Arthura Crudupa, począwszy od „That's All Right, Mama”, pomogły w rozpoczęciu kariery Elvisa Presleya. Jego piosenki były następnie wykonywane przez Eltona Johna, Roda Stewarta, Tinę Turner, Johnny'ego Little, Paula Butterfielda, Creedence Clearwater Revival. Aby lepiej zrozumieć znaczenie rytmu i bluesa, trzeba wyobrazić sobie publiczność, która go tworzyła. Po pierwsze, nie całe społeczeństwo murzyńskie w USA było entuzjastycznie nastawione do nowych trendów muzycznych.
Wiadomo, że w niedawnej przeszłości religijnie nastawiona część amerykańskich czarnych zareagowała negatywnie na popularność tradycyjnego country bluesa, nadając mu nazwę „Devil Song”. Część przedstawicieli klasy średniej i wykształconej części społeczeństwa murzyńskiego, dążąc do kulturowych ideałów białych, patrzyła na bluesa z pewną protekcjonalnością, jako na barbarzyńską, prymitywną muzykę. Mniej więcej tak samo, a może nawet z jeszcze większą wrogością, zareagowali na rytm i blues. Co więcej, zdobywszy potężne środki oddziaływania na publiczność i znacznie poszerzając zakres swojej popularności, utracił szereg zalet spokojnego wiejskiego bluesa, przede wszystkim jego intymność i niuanse.
Rytm i blues stały się muzyką głośną, motoryczną i znacznie bardziej monotonną. Jedna z głównych cech tradycyjnego bluesa – funkcja wyrażania siebie, zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca tańcu i rozrywce. Osłabła, jeśli nie zanikła, personifikacja starego bluesa, gdzie każdy wokalista, będący jednocześnie autorem muzyki i słów, był wyjątkowy. Z czasem w rytmie i bluesie zaczęła zanikać jedna z głównych cech bluesa – smutek, litowanie się nad sobą, nad swoim losem, marudzenie, bierność i beznadziejność. W wyniku surowości i głośności akompaniamentu pojawiało się coraz więcej złości i agresywności. W rytmie i bluesie główną rolę zyskał czynnik grupy wykonawców: to grupa zaczęła określać swój styl i brzmienie, a solista stał się tylko jej częścią. Zmieniono i uproszczono charakter tekstów. Rytm i blues pod każdym względem stał się rodzajem muzyki komercyjnej, skupionej na rynku.
Dla kontrastu i równolegle w środowisku murzyńskiego jazzu dojrzewał nowy, wyrafinowany sposób grania muzyki – bebop (bebor), elitarny jak na tamte czasy styl, który nie został początkowo zaakceptowany zarówno przez szeroką publiczność, jak i większość . wykonawcy jazzowi. W lata powojenne młode, wykształcone pokolenie murzyńskich muzyków boleśnie reagowało na tradycyjne bariery rasowe i społeczne obowiązujące w Stanach Zjednoczonych, które blokowały im drogę do najwyższych warstw praktyki muzycznej.
Bebop, a później atonalna awangarda Orneta Colemana, stały się narzędziem do postawienia wielu murzyńskich problemów i wyrażenia zdumienia, goryczy, a nawet goryczy powojennego czarnego pokolenia. Nic z tego nie było w rytmie i bluesie. Raczej odciągał od problemów, pomagał o nich zapomnieć. Jego głównym zadaniem była bezpretensjonalna rozrywka, odreagowująca stres po ciężkiej pracy wśród mieszkańców czarnych gett w dużych amerykańskich miastach.
W latach 1945–1947 jednym z najsłynniejszych czarnoskórych muzyków, który z powodzeniem ucieleśniał rytm i blues jako scenę, sztukę rozrywkową, był piosenkarz i saksofonista Louis Jorden ze swoim zespołem Tympany Five. Był uznanym mistrzem tradycyjnego bluesa, a jednocześnie miał solidne doświadczenie jazzowe, gdyż jeszcze pod koniec lat 30. grał na saksofonie w słynnych orkiestrach Chicka Webba, Earla Hinesa i Billy'ego Ecksteina.
Ponadto Jorden był komikiem i doskonałym showmanem. Pomimo tego, że w swoich przemówieniach wykorzystywał parodie i karykatury dotyczące osób czarnoskórych, jego popularność wśród czarnej publiczności była ogromna. Był idolem wielu młodych wykonawców rytmicznych i bluesowych, którzy później stali się gwiazdami rock and rolla, a zwłaszcza Chucka Berry'ego. Jorden w prosty sposób wyjaśnił swoje odejście od jazzu na rzecz rytmu i bluesa. „Oni” – powiedział, odnosząc się do muzyków bebopowych – „grają dla siebie, a ja gram dla swoich ludzi”.
Słynny amerykański aktor filmowy Clint Eastwood, pełniąc funkcję reżysera, nakręcił bardzo wartościowy film historyczny film „Ptak” opowiadający o losach Charliego Parkera, genialnego jazzmana, twórcy bebopu, postaci tragicznej, która wyprzedziła swoje czasy. W tym filmie jest scena, w której Parker przypadkowo natrafia na występ nowicjusza saksofonisty ze swoim zespołem rytmiczno-bluesowym. Najprawdopodobniej inspiracją był Louis Jordan ze swoim Timpany Five. Wielki Parker nie może zrozumieć, co tak bardzo przyciąga publiczność w dość prymitywnej muzyce w porównaniu z bebopem, który słyszy w tym klubie.
odkrywczy cechy muzyczne rytmu i bluesa, należy przede wszystkim zwrócić uwagę na cechy, które przejął od tradycyjnego country bluesa. Dotyczy to przede wszystkim podstawy modalno-melodycznej. Struktura harmoniczna większości utworów nawiązuje do zwyczajowego dwunastotaktowego bluesa, jednak bez większych podstawień i komplikacji charakterystycznych dla jazzowego bluesa.
Oprócz tego istnieją również formy z podziałem na części ośmiotaktowe, zawierające w zasadzie takie same kombinacje pomiędzy akordami septymowymi toniki, subdominanty i dominacji. Tryb bluesowy również został całkowicie zachowany, charakteryzujący się obecnością w nim tak zwanych „niebieskich nut” niebieskich nut (nazywa się je również „niebieskimi nutami”): obniżony trzeci, siódmy i piąty stopień - rodzaj „ ani większe, ani mniejsze.” Nuty bluesowe znajdują się właściwie pomiędzy nutami, np. pomiędzy A i As, dlatego też nie można ich zagrać na pianinie, ale można je zagrać głosem, na instrumencie dętym i na gitarze po naciągnięciu struny.
O wyborze tonacji do utworów rytmicznych i bluesowych przesądziła wygoda gry na gitarze przy użyciu otwartych strun. Zatem większość melodii utrzymana była w tonacjach ostrych (E-, A-, D- i G), podczas gdy w jazzie blues wykonywany był głównie w tonacjach płaskich (F, B-dur, E-dur, A-dur i in.) , co było podyktowane specyfiką palcowania instrumentów dętych, zwłaszcza saksofonów i puzonów. Nie sposób nie zwrócić uwagi na charakterystyczną dla rytmu i bluesa technikę tzw. „stop time”, kiedy cała orkiestra, biorąc pierwszą nutę taktu, zrobiła dwutaktową pauzę, podczas której tylko jeden solista kontynuował śpiewać lub grać. Po kilku takich przystankach melodia została zagrana ze zwykłym akompaniamentem.
Pomimo niedogodności palcowania, saksofon był zawsze obecny w rytmie i bluesie, a częściej saksofon tenorowy, co nadawało brzmieniu grupy szczególnego smaczku. W tamtych czasach istniała cała plejada wybitnych saksofonistów rytmicznych i bluesowych, którzy różnili się od swoich jazzowych kolegów zupełnie inną realizacją brzmieniową i frazowaniem. Należą do nich tacy muzycy jak Illinois Jacket, Hal Singer, Maxwell Davis, Jack McVee i Wild Bill Moore, znani także z tego, że w 1947 roku, na kilka lat przed pojawieniem się terminu „rock and roll”, nagrali utwór pt. Będziemy się kręcić, będziemy się kręcić”.
Jeden z ważnych cechy charakterystyczne rytm i blues jest także jego podstawą rytmiczną. Przede wszystkim dotyczy to akcentów. Rytmiści i bluesowcy wprowadzili akcenty na słabych uderzeniach taktu. O ile wcześniej wszelkie klaskanie i tupanie w muzyce tanecznej i rozrywkowej przebiegało bardziej naturalnie na początku taktu – w pierwszej i trzeciej (mocnej) kwarcie, to w rytmie i bluesie zaczął się akcent podkreślany przez perkusję, gitarę i inne środki spaść na drugą i czwartą (słabą) kwartę. To także z góry określiło charakter tańca do takiej muzyki, kiedy tancerze wykonują główne ruchy niejako „w poprzek” rytmu, czyli w słabych uderzeniach taktu. Później stał się rytmiczną podstawą tańca rock and rolla i wszelkiej muzyki rockowej opartej na rytmie i bluesie.
Jeśli weźmiemy pod uwagę mniejszą strukturę rytmiczną, od której zależy sam „napęd”, to w rytmie i bluesie jest on dwojaki. Z jednej strony znajdziemy tu próbki wykonane w triolowym, swingowym rytmie, odziedziczonym po jazzowych big bandach. W tym przypadku co dwie ósemki nie są grane tak, jak zapisano w partyturze – równe w czasie trwania, ale „z opóźnieniem” – gdy pierwsza nuta zostanie lekko napięta, a druga zagrana w ostatniej chwili i się, że będzie krótszy.
Technika ta nazywa się „huśtawka” (od słowa „huśtawka” - huśtawka, huśtawka). W muzyce granej „z rozmachem” triola służy jako wewnętrzna podstawa rytmiczna i dlatego w takcie 4/4 okazuje się, że nie jest to osiem ósemek, ale ukryte dwanaście. To wykonanie nadaje muzyce rockowy charakter.
Wśród profesjonalnych muzyków, niezależnie od tego, czy mają wykształcenie akademickie, czy są samoukami, często zdarzają się osoby zupełnie pozbawione wyczucia swingu, przez co nie potrafią grać prawdziwego jazzu i rock and rolla. I odwrotnie – wszyscy fanatycy takiej muzyki to ludzie, których nawiedza stan ciągłego rozchwiania duszy. Z drugiej strony można znaleźć utwory rytmiczne i bluesowe, w których ósemki grane są płynnie, a muzyka nabiera bardziej zmotoryzowanego, mechanicznego charakteru. To właśnie ten sposób, poprzez „osiem ósemek”, stał się podstawą tańca zwanego „twist”, który w 1959 roku wyparł rock and rolla.
Na rytm i blues duży wpływ miała muzyka boogie-woogie. Stąd wzięło się wiele schematów rytmicznych, monotonia, zasada powtarzalności wzorów. Boogie-woogie to styl fortepianowy z lat dwudziestych XX wieku przeznaczony dla jednej osoby, która akompaniuje sobie lewą ręką. Ale tutaj, w przeciwieństwie do ragtime'u, gdzie lewa ręka „przeskakuje” od nuty basowej do akordu, akompaniament odbywa się za pomocą schematów basowych, czyli prościej, monotonnych melodii w dolnym rejestrze fortepianu, które się nie zmieniają przez cały kawałek.
Najbardziej charakterystyczne z tych wzorów zostały następnie zapożyczone przez muzyków rytmicznych i bluesowych w konstrukcji partii gitary basowej, a także w akompaniamencie gitarowym muzykom. Później wszystko to przerodziło się w rock and rolla. Wpływ boogie-woogie tłumaczy się faktem, że w latach 40. nastąpiło nieoczekiwane odrodzenie tego stylu. Szczególnie w nowojorskim Harlemie i Chicago, w postaci takich pianistów jak Mead Lux Lewis, Albert Emmons czy Pete Johnson. Samo słowo „boogie” było często używane przez muzyków rytmicznych i bluesowych w tytułach i tekstach piosenek, na przykład hit Louisa Jordana z 1945 roku „ Choo Choo Ch 'Boogie ”. A sam sposób tańca do rytmu i bluesa był oczywiście taki sam, jak w tańcu „boogie”, będącym kontynuacją modnego w latach 30. „jitterbuga” (Jitterbuga).
Mówiąc o sytuacji, w której narodził się rytm i blues, nie można nie wspomnieć o istnieniu czarnej komercyjnej muzyki pop, łagodniejszej, lirycznej, melodyjnej, zbudowanej na harmoniach operetkowych lub jazzowych i nastawionej na uprzywilejowaną część czarnego społeczeństwa w Stanach Zjednoczonych , a także białą publiczność.
Bardzo popularne były kwartety lub tria wokalne, występujące z grupą rytmiczną lub bez niej, czasami stanowiące tło dla słynnego solisty. Ich repertuar zawierał z reguły lekkie aranżacje melodii murzyńskich lub jazzowych, popularne piosenki z filmów. W aranżacjach często używano tych samych sylab, co pomagało w śpiewaniu riffów bardziej rytmicznie (Riff), tj. powtarzalne wzory rytmiczno-melodyczne. Od tych sylab pochodzi nazwa tego rodzaju muzyki: „sh-sh-shi boom” (Sh-Sh-Shi-boom) lub „doo-wop” (doo-wop). Najbardziej uderzającym zjawiskiem wśród grup wokalnych tamtych czasów są Mills Brothers i Ink Srots.
Pojawienie się grup wokalnych i stopniowe przesunięcie uwagi z instrumentalisty na śpiewaka w dziedzinie muzyki rozrywkowej można uznać za konsekwencję szeregu procesów społeczno-gospodarczych, które zaobserwowano w Stanach Zjednoczonych w latach 40. XX wieku. Po pierwsze, w branży muzycznej zaszły duże zmiany. Podczas drugiej wojny światowej wydawanie płyt w Stanach Zjednoczonych prawie ustało, ponieważ dostawy szelaku, materiału, z którego wykonano płyty nadające się do pobijania przy 78 obrotach na minutę, były kontrolowane przez Japonię, która toczyła wojnę ze Stanami Zjednoczonymi.
Dopiero w 1948 roku powstała wytwórnia Columbia Records Nowa technologia produkcja płyt winylowych z mikrorowkami 33,3 obr./min. Wkrótce firma Victor zaczęła produkować tzw. „czterdzieści pięć”, siedmiocalowe płyty przy 45 obr./min. z dużą dziurą pośrodku.
Szybko zreorganizowano także branżę produkcji odpowiednich graczy. Rok 1949 był rokiem powstania wielu małych niezależnych wytwórni płytowych, które otrzymały skróconą nazwę „indie” („Indie” od słowa Inderendent – niezależny). Jeśli renomowane duże firmy tradycyjnie nagrywały tylko sprawdzone gwiazdy, z drogimi dużymi orkiestrami, to „indie”, często reprezentowane przez jednego przedsiębiorcę, prowadziły bardziej elastyczną politykę, poszukując nowych, nieznanych wykonawców, natychmiast reagując na najmniejsze zmiany popytu, w modzie.
To właśnie w dziedzinie „indie” ujawniła się tendencja do nagrywania małych kompozycji o szybko zmieniającym się repertuarze. Rozwój niezależnych firm przygotował grunt pod eksplozję rock and rolla Kultura masowa. Ponadto na przełomie lat 40. i 50. w Stanach Zjednoczonych dramatycznie wzrosła rola disc jockeyów w licznych stacjach radiowych FM krótkiego zasięgu. Rozwój elastycznego przemysłu nagraniowego umożliwił disc jockeyom uczynienie ich programów coraz bardziej istotnymi, a tym samym wpływowymi w świecie biznesu. Od prostego artysty artysta disc jockey stopniowo przekształcił się w komentatora, a następnie w trendsettera, stając się jednym z arbitrów losów muzyków.
W świecie profesjonalnych wykonawców i autorów piosenek panuje naturalne niezadowolenie z faktu, że niektórzy nowicjusze ze złym gustem zyskują namacalny wpływ na opinia publiczna. Niezadowolenie zamieniło się w otwarta walka. Związki zawodowe muzyków zaczęły domagać się dopłaty za jednorazowe emisje płyt w radiu oraz kontroli jakości promowanego materiału. W 1947 roku szef Amerykańskiej Federacji Muzyków w Chicago, James Petrillo, zapewnił zakaz wszelkich nagrań płytowych i programów radiowych bez spełnienia zaproponowanych przez siebie nowych warunków płacenia tantiem za odtwarzanie płyt w radiu i szafach grających.
Tego rodzaju strajk, mający na celu wspieranie praw muzyków, przede wszystkim instrumentalistów, trwał około roku w sytuacji zbliżającej się dyktatury pop-biznesu. Sprawa trafiła do sądu w Kongresie USA, gdzie wezwano D. Petrillo. Rozpatrzenie tej kwestii powierzono młodemu senatorowi z Kalifornii Richardowi Nixonowi, przyszłemu prezydentowi Stanów Zjednoczonych. Zakaz został zniesiony, ale dotknął nie tylko stacje radiowe i wytwórnie płytowe, ale także samych muzyków. W tym okresie wiele ciekawej muzyki pozostało nienagranej, zwłaszcza instrumentalnej, w szczególności takiego innowatora jak Charlie Parker. W obawie przed utratą poparcia związków zawodowych artyści często szukali okrężnych dróg i próbowali nagrywać poza Stanami Zjednoczonymi, czasem nawet pod fałszywymi nazwiskami.
Jedną z konsekwencji tego okresu było skierowanie uwagi masowego słuchacza na wokalistów, zwłaszcza że znacznie wzrosła liczba grup czysto wokalnych (duety, tria, kwartety). Przecież zakaz nie dotyczył śpiewaków, nawet jeśli akompaniowali sobie na gitarach. Wielu wokalistów nauczyło się nawet naśladować swoim głosem akompaniament instrumentalny, w szczególności kontrabas lub perkusję. Stąd określenia takie jak „doo-wop” czy „sh-shee boom”.
Tym samym strajk z lat 1947-48 w pewnym stopniu przyczynił się do tego, że począwszy od czasu pojawienia się rock and rolla i dalej, śpiewak z gitarą lub bez, wypychając muzykę instrumentalną w pole akompaniamentu , stał się niepodzielnym władcą sceny popularnej. Byli popularni murzyńscy wokaliści popowi z lat 40. i 50 różnym stopniu kojarzeni z jazzem i rytmem i bluesem, nie będąc czystymi przedstawicielami tych gatunków, ale raczej interpretatorami. W pewnym momencie odegrali rolę w jednoczeniu białej i czarnej publiczności, przesuwając bariery rasowe w dziedzinie muzyki popularnej. Wśród wielu nazwisk są tu Ethel Waters i Lena Horne, Billy Eckstein, Sammy Davis i Fats Domino.
Pianista i piosenkarz Nat „King” Cole jest prawdopodobnie najbardziej uderzającą postacią w tej serii. Posiadał doskonałą wymowę, pozbawioną znamion specyficznego murzyńskiego akcentu, w jego repertuarze znajdowały się piękne utwory liryczne, które przyniosły mu światową sławę (takie jak „Too Young” czy „Pretend”).
Często współpracując z białymi producentami, aranżerami, dokonując nagrań komercyjnych z orkiestrami Nelsona Riddle'a i Billy'ego Maya, Nat „King” Cole w swojej twórczości zajmował neutralne stanowisko w stosunku do problemu rasowego, choć wiadomo, że wniósł duże wkłady finansowe do czarnych organizacji publicznych. Jednak taka neutralność w tamtym czasie irytowała niektórych czarnych i białych rasistów. W 1956 roku w swoim rodzinnym stanie Alabama muzyk został brutalnie pobity przez grupę białych Amerykanów, którzy nie chcieli mieć czarnych idoli.
W takich warunkach aż do początku lat pięćdziesiątych rytm i blues pozostawały najbardziej izolowanym rodzajem muzyki murzyńskiej od białej publiczności. Jednak jego znaczenie i popularność wzrosły do tego stopnia, że wąskie granice getta nie mogły już pomieścić samego zjawiska. Potrzebne było nowe słowo, które pozwoliłoby białym ludziom uznać tę muzykę za swoją. To słowo stało się - „rock and roll”.
Tekst: Aleksiej Kozłow.
Na cześć wielkich artystów, którzy na zawsze zmienili muzykę, a także w hołdzie ich sukcesowi zespół magazynu Billboard opublikował listę najlepszy hip-hop/ wokalistki rytmiczne i bluesowe oraz wokalistki ostatnich 25 lat.
Lista opiera się na cotygodniowych listach przebojów Hot R&B/Hip-Hop Songs i Top R&B/Hip-Hop Albums od 5 stycznia 1985 do 6 listopada 2010. Pozycje są uszeregowane według liczby tygodni spędzonych na pierwszym miejscu.
Można tu zobaczyć artystów, którzy do dziś odnoszą sukcesy, ale także wykonawców, którzy stali się już klasykami, divy rytmiczne i bluesowe, których płyty rozprowadzane są w milionach egzemplarzy na całym świecie, oraz skromnych geniuszy, którzy swoim talentem zmienił ideę muzyki współczesnej. Każdy wykonawca, każdy głos – wszyscy są wyjątkowi i bez nich nie sposób wyobrazić sobie dzisiejszego show-biznesu.
50. Tevin Campbell
49. En Vogue
48. Joe
47. Brandy
46. Kanye West ( Kanye West)
45. Chris Brown
44. Maxwella
43. Patti LaBelle
42. Dziecko przeznaczenia
41. Ne-Yo
40. Muzyczne dziecko duszy (Musiq Soulchild)
39. Nelly
38. Eminem
37. Snoop Dogg ( Snoop Dogg)
36 Bobby'ego Browna
35. Tony Tony'ego Toniego
34. Sad
33. Kenny „Babyface” Edmonds
32. Gerald Levert
31.LeVert
30. Jodeci
29. Keyshia Cole
28,50 centów
27. Aalija
26. Stevie Wonder
25.TLC
24. Monika
23. Nowe wydanie
22.Anita Baker
21. Lil Wayne
20. T.I.
W 2001 roku, po 27. miejscu w R&B/Hip-Hop Albums z albumem I „m Serious, raper T.I. zerwał kontrakt z wytwórnią Arista Records i zorganizował własną wytwórnię Grand Hustle Entertainment. Pierwsza płyta Trap Muzik, wydana niezależnie , zajęło drugie miejsce na listach przebojów w 2003 roku. Po nim uplasowały się jeszcze bardziej udane płyty, które zajmowały pierwsze miejsca na listach przebojów: Urban Legend z 2004 roku, King z 2006 roku, TI vs. T.I.P. z 2007 roku i Paper Trail z 2008 roku, który spędził na pierwszym miejscu rekordowe pięć tygodni. Oczywiście niesamowity sukces muzyka w ostatnie lata nieco w cieniu jego kłopotów z prawem: T.I. spędził rok za kratkami pod zarzutami federalnymi, a w marcu 2010 roku, po wyjściu z więzienia, został uwikłany w jeszcze głośniejszy skandal narkotykowy.
19. Tupac Shakur
Raper Tupac Shakur, który tragicznie zmarł we wrześniu 1996 roku, to prawdziwa ikona hip-hopu. W ciągu swojego życia udało mu się wydać zaledwie cztery płyty, z czego dwie dotarły na szczyty list albumów – wydany w 1995 roku Me Against The World (4 tygodnie na pierwszym miejscu) i All Eyez On Me w 1996 roku (3 tygodnie na pierwszym miejscu ). Dwa miesiące po jego śmierci ukazał się jego album The Don Killuminati: The 7 Day Theory, na którym Tupac używał pseudonimu Makaveli (Makaveli). Rekord utrzymywał się na szczycie list przebojów przez pełne sześć tygodni. Szokujący fakt: Tupac przewidział na tej płycie swój upadek i był na to doskonale przygotowany. Muzyk pozostawił po sobie ogromny ślad dziedzictwo twórcze, wiele jego albumów zostało wydanych pośmiertnie, z których cztery stały się liderami list przebojów.
18. Toni Braxton
Ostatnim sukcesem Toni Braxton jest niedawne wydanie płyty Pulse, która w 2010 roku stała się Albumem R&B/Hip-Hop. Kariera piosenkarki trwa już dwadzieścia lat, a od 1992 roku nieustannie wydaje hitowe single. Pierwszą z jedenastu czołowych list przebojów znalazła się piosenka Give U My Heart z filmu „Boomerang”. Jej piosenki You „re Making Me High / Let It Flow i He Wasn” t Man Enough również zyskały ogromną popularność.
17. Boyz II Mężczyźni
Członkowie tej niesamowitej grupy nie przestają zadziwiać swoimi talentami od czasu debiutu, który miał miejsce w 1991 roku piosenką Motownphilly, która osiągnęła czwarte miejsce na liście przebojów R&B / Hip-Hop Songs i była kontynuowana z It's So Hard to Say Goodbye do Yesterday, który stał się pierwszym z pięciu hitów numer jeden, trzy albumy z dyskografii grupy zajęły pierwsze miejsca, co w 1999 roku skłoniło Billboard do nadania nazwy Boyz II Men najlepsza grupa lata 90.
16. LL Cool J
Jamesa Todda Smitha ( prawdziwe imię LL Cool J) to prawdziwy pionier hip-hopu. Był jednym z pierwszych artystów, którzy rozpoczęli nagrywanie dla jednej z najbardziej szanowanych wytwórni Def Jam Recordings. Jego debiutancki album Radio osiągnął szóste miejsce na liście albumów R&B/Hip-Hop w 1986 roku. Kolejne wydawnictwo Bigger & Deffer spędziło jedenaście tygodni na szczycie list przebojów. Bardziej wśród artystów rapowych prym wiodą jedynie albumy MC Hammer (MC Hammer) Please Hammer Don "t Hurt (29 tygodni w 1990 r.) i Recovery of Eminem (13 tygodni w 2010 r.). W tym momencie muzyk zainteresował się karierę filmową i telewizyjną.
15. Beyoncé
Po upadku macierzystej uczelni piosenkarza, odnoszącej ogromne sukcesy grupy Destiny's Child (42. pozycja na tej liście), Beyoncé zaczęła kariera solowa. Ma na swoim koncie pięć singli numer jeden, w tym takie hity jak Irreplaceable (dziewięć tygodni na pierwszym miejscu) i Single Ladies (Put a Ring on It) (12 tygodni). Każdy z jej trzech albumów zajmował pierwsze miejsca w rankingach albumów R&B/Hip-Hop. Ale pomimo sukcesu na światowych listach przebojów i statusu jednej z najbardziej utalentowanych artystek naszych czasów, na tej liście wyprzedza ją. własnego męża- Raper Jay-Z
14. Ludacris
Raper i aktor Christopher Bridges (prawdziwe nazwisko muzyka) rozpoczynał karierę jako DJ w radiu WHTA-FM pod pseudonimem Chris Lova-Lova Chris Lova Lova. Jego charyzma i odkryty talent do doskonałego rapowania znalazły odzwierciedlenie w jego pierwszym singlu What's Your Fantasy, który w 2000 roku znalazł się w pierwszej dziesiątce utworów R&B/Hip-Hop. Debiutancki album Ludacrisa Back For The First Time osiągnął w tym samym roku drugie miejsce na liście przebojów albumów i zapoczątkowało pasmo sukcesów w karierze muzyka – cztery z jej kolejnych albumów stały się liderami list przebojów
13. Michaela Jacksona
Króla Popu równie dobrze można nazwać Królem Rytmu i Bluesa. Tytuł ten jest więcej niż zasłużony, biorąc pod uwagę jego siedem albumów R&B/Hip-Hop (z których pięć zostało wydanych w ciągu ostatnich 25 lat) i niezliczoną ilość hitowych singli. Pomimo tragicznej śmierci Jacksona, jego piękna muzyka wciąż jest z nami, zarówno na płytach CD, jak i na listach przebojów. W 2009 roku This Is It – utwór tytułowy z filmu dokumentalnego „Michael Jackson: That’s It” – znalazł się w pierwszej dwudziestce zestawienia piosenek, a płyta ze ścieżką dźwiękową została liderem zestawienia albumów.
12 Keith Sweat
Keith Light to jeden z najbardziej lubianych amerykańskich artystów. Jest uwielbiany przez fanów w każdym wieku, ponieważ jego single stały się hitami niemal na każdym ważnym rynku epoka muzyczna: w 1988 - I Want Her, jego pierwsza piosenka, która znalazła się na listach przebojów; w 1991 r. – I „ll Give All My Love to You” czy w 1998 r. – Come and Get With Me, nagrany wspólnie ze Snoop Doggiem. W sumie 16 jego piosenek znalazło się w pierwszej dziesiątce list przebojów, z czego 7 znalazło się na pierwszym miejscu miejsce W 2008 roku dodali kolejny singiel Just Me.
11. Książę
Kariera Prince'a rozpoczęła się na długo przed wyznaczonym zakresem tej listy - już w 1978 roku. Kiedy jeden z jego pierwszych singli, Soft and Wet, trafił na listę R&B/Hip-Hop Songs, Prince nadal króluje na listach przebojów już od czwartej dekady z pozornie niekończącym się strumieniem albumów i hitów. Od 1985 roku ma na liście albumów 30 wydawnictw, więcej niż jakikolwiek inny artysta. Dziewiętnaście z nich znalazło się w pierwszej dziesiątce. Jego ostatnie trzy albumy – wydany w 2006 roku 3121, Planet Earth w 2007 roku, a także potrójny album Lotus Flow3r/MPLSound/Elixr z 2009 roku – stały się liderami.
10 kluczy Alicii
Alicia Keys dosłownie wdarła się do show-biznesu dzięki legendarnemu już albumowi Fallin’, wydanemu w 2001 roku. Każdy z pięciu albumów piosenkarza stał się liderem zestawień albumów, w tym ostatni, The Element of Freedom, który na pięć tygodni otworzył 2010 rok. Alisha Keys oprócz talentu wokalnego posiada także ogromny talent pianistyczny. W ciągu dziewięciu lat jej kariery albumy Keys sprzedały się w USA w ponad 17 milionach egzemplarzy.
9 Freddiego Jacksona
Być może fani muzyki pop nie są zbyt obeznani z przebojami Freddiego Jacksona, gdyż w swojej karierze nie przekroczył on dziesiątej pozycji listy Billboard Hot 100. Za to jest bardzo dobrze znany na listach przebojów rytmicznych i bluesowych, będąc autorem m.in. osiemnaście utworów znalazło się w pierwszej dziesiątce: od Rock Me Tonight w 1985 r. po hit z 1992 r. I Could Use a Little Love (Right Now). Cztery z jego albumów zajmowały pierwsze miejsca na listach albumów R&B/Hip-Hop, w tym „Just Like” z 1986 roku. pierwszy Czas, który utrzymywał się na szczycie przez pełne 26 tygodni.
8. Jay-Z (Jay-Z)
Sean „Jay Z” Carter przeszedł długą ścieżkę kariery, aby w 1996 roku założyć własną wytwórnię wraz z Damonem Dashem i Kareemem Burke, po tym jak wytwórnie płytowe odmawiały podpisania z nim kontraktu. Po jego album debiutowy„Reasonable Doubt”, doceniony przez krytyków trzeci album R&B/Hip-Hop i druga płyta „In My Lifetime, Vol. 1, który wspiął się o poziom wyżej, jego przełomowy album Vol. 2 – Hard Knock Life, który w 1998 roku utrzymywał się na szczycie list przebojów przez sześć tygodni. W sumie muzyk ma na swoim koncie jedenaście albumów numer jeden (w tym dwie wspólne z R. Kellym).
7 Luthera Vandrossa
Ta piosenkarka z wyjątkowy głos W latach 1985-2007 nagrał 36 hitów, z czego dwadzieścia znalazło się w pierwszej dziesiątce, a sześć osiągnęło pierwsze miejsca na liście utworów R&B/Hip-Hop. Niestety, dwa ostatnie stanowiska nastąpiły pośmiertnie – Vandross zmarł w 2005 roku w wieku 54 lat. Kluczem do popularności muzyka jest umiejętność znalezienia wspólnego języka z młodą publicznością. Nagrywał w duetach z Janet Jackson, Mariah Carey ( Mariah Carey) w latach 90. oraz w 2004 roku z Beyoncé. Piosenka Dance With My Father, którą napisał i wykonał z Richardem Marxem, zdobyła w tym samym roku nagrodę Grammy w kategorii Piosenka Roku.
6. Usher
Po skromniejszym starcie w 1993 roku (56. miejsce za piosenkę Call Me a Mack z filmu „Poetic Justice” z Janet Jackson w Wiodącą rolę i 25. pozycja debiutanckiego albumu), Usher osiągnął wiele – sprzedaż jego albumów to ponad 22 miliony egzemplarzy. Oprócz więcej niż udanej kariery muzycznej i filmowej, Usher ma niesamowity talent produkcyjny - to on przedstawił światu popowy fenomen Justina Biebera (Justin Bieber).
5.Janet Jackson
Właścicielką większości jest legendarna Janet duża liczba single-liderzy parady przebojów piosenki. Jest ich piętnastu: tylko R. Kelly (R. Kelly) i Usher mogą zbliżyć się do tego rekordu. Nawet brat piosenkarza Michael Jackson, pomimo całej swojej popularności, nagrał tylko osiem hitów numer jeden. W latach 1985-2001 piosenkarka stała się prawdziwą ikoną. Ma więcej piosenek w pierwszej dziesiątce światowych list przebojów niż jakikolwiek inny artysta: dwadzieścia siedem.
4 Mariah Carey
W ciągu swojej dwudziestoletniej kariery w showbiznesie piosenkarka ma na swoim koncie niezliczoną ilość płyt i nagród. Jej piosenki osiemnaście razy zajmowały pierwsze miejsca na liście przebojów magazynu Billboard – więcej tylko The Beatles. Jej piosenka One Sweet Day utrzymywała się na szczytach list przebojów przez 16 tygodni. Ze sprzedażą albumów na całym świecie wynoszącą 52,7 miliona egzemplarzy, Mariah Carey jest odnoszącą największe sukcesy artystką rytmiczną i bluesową oraz trzecią najpopularniejszą artystką wszystkich gatunków, po Garth Brooksie (Garth Brooks) i wspomnianych The Beatles.
3. Whitney Houston
Kiedy Whitney Houston po raz pierwszy znalazła się na listach przebojów R&B/Hip-Hop w 1984 roku jako gościnna wokalistka na singlu Hold Me Teddy'ego Pendergrassa, dla wielu stało się jasne, że ta dziewczyna zostanie gwiazdą. Poza tym talent miała we krwi: jej matka, Cissy Houston, jest szanowaną piosenkarką gospel, rytmiczną i bluesową, a jej kuzynka, Dionne Warwick, od dziesięcioleci utrzymuje się na listach przebojów magazynu Billboard. Diva ma na swoim koncie osiem singli numer jeden i pięć albumów, które odniosły ogromny sukces, w tym ostatni, wydany w 2009 roku, „I Look To You”.
2. Mary J. Blige
Jeden z najbardziej szanowanych muzyków i producentów naszych czasów, Sean „Diddy” Combs (Sean „Diddy” Combs) nazwał ją „Królową Hip-Hopu” i ten tytuł wcale nie jest przesadą. Najpopularniejsze single performerki You Remind Me i Real Love zapoczątkowały jej zawrotną karierę jako jedna z najbardziej genialni śpiewacy swoich czasów. Dwadzieścia hitów numer 1, osiem albumów znajdujących się na czołowych miejscach światowych list przebojów – osiągnięcia, których wkrótce mało kto będzie w stanie pokonać.
1. R. Kelly
Na szczycie tej listy znalazł się R. Kelly, a to miejsce nie jest daremne. Od stycznia 1985 roku nagrał 35 10 najpopularniejszych hitów w kategorii R&B/Hip-Hop Songs (więcej niż ktokolwiek inny) i łącznie 84 utwory, które w ogóle znalazły się na listach przebojów. Wśród nich jest jedenastu liderów, w tym Bump N”Grind (12 tygodni na szczycie list przebojów) i Down Low (Nobody Has To Know) (7 tygodni). 11 albumów, które stały się liderami R&B/Hip-Hop, mocno ugruntowało jego pozycję status jednego z czołowych artystów nie tylko swojego pokolenia, ale całej historii show-biznesu w ogóle. Legendarny wykonawca na tym się nie kończy – w tym roku wydał swój 56. singiel „When a Woman Loves” znajdujący się na 56. liście przebojów.
Rhythm and blues, czyli rytm i blues (angielski Rhythm and blues, w skrócie R&B, nie mylić z tzw. „R'n'B”) – gatunek muzyki popularnej, pierwotnie wykonywany przez czarnych muzyków, zintegrowane w kombinacjach… Czytaj wszystko Rhythm and blues, czyli rytm i blues (angielski Rhythm and blues, w skrócie R&B, nie mylić z tzw. „R'n'B”) – gatunek muzyki popularnej, pierwotnie wykonywany przez czarnych muzyków, zintegrowany z połączeniem bluesa, jazzu i gospel. Termin ten został wprowadzony do obiegu w 1949 roku przez twórców list przebojów amerykańskiego magazynu „Billboard” zamiast powszechnie stosowanego wcześniej określenia „muzyka rasowa” (muzyka rasowa). Wraz ze złagodzeniem segregacji rasowej w Stanach Zjednoczonych termin „rhythm and blues” ewoluował i odnosi się do szerokiej gamy muzyki soul i funk wykonywanej przez muzyków wszystkich ras i narodowości. Nie jest zwyczajowo uwzględniać rock, hip-hop i reggae, które rozwinęły się jako niezależne kierunki w późniejszym okresie. Obecnie zwyczajowo wyróżnia się nowoczesne tzw. „R'n'B” z (klasycznego) R&B. Współczesne R'n'B nawiązuje do kierunku muzycznego, który kiedyś wywodził się z symbiozy bluesa, soulu i innych gatunków „rasowych”. Rytm i blues uważany jest za muzykę o wyraźnych podstawach bluesa. Wiele osób muzykę klasycznego rytmu i bluesa nazywa rockiem, a samo pojęcie „rhythm and blues” ma na myśli nowoczesne R'n'B. Jest to bardzo powszechne błędne przekonanie. Wielu krytyków wciąż toczy dyskusję, czy konieczne jest przypisywanie twórczości zespołów rytmicznych i bluesowych rockowi i przypisywanie jego „popularnego znaczenia” samemu pojęciu. Niektórzy uważają, że jest to łatwiejsze i dlatego słuszne. Inni twierdzą, że gatunek należy rozpatrywać na podstawie cech i cech muzyki. Rytm i blues rozpowszechniły się podczas wojny. Tak naprawdę jest to blues komercyjny, który powstał w okresie jego urbanizacji i wchłonął nuty miejskiego życia. Szczególnie ważne jest to, że przemianie uległ nie tylko charakter, ale i skład zespołów. Elektryfikacja i wykorzystanie nowych technologii w połowie lat 40-tych. doprowadziło do aktywnego wdrożenia jako instrumenty muzyczne gitary elektryczne, organy elektryczne i nieco późniejsze gitary basowe. Zaczęto wzmacniać instrumenty perkusyjne i głos wokalisty za pomocą mikrofonu. W ten sposób czteroosobowa orkiestra zyskała możliwość grania głośniej i mocniej niż tradycyjny osiemnastoosobowy big band. Zelektryzowane zespoły nowego kierunku, zwane rytmem i bluesem, zaczęły wypierać duże orkiestry jazzowe i taneczne z tańców, klubów i innych miejsc rozrywki, które okazały się nierentowne ekonomicznie i traciły fanów. Ponadto rytm i blues zakorzenił się w małych jadłodajniach, kawiarniach i barach. Termin „rhythm and blues” jest używany przez specjalistów od muzyki w celu zastąpienia terminu „Race Music” (muzyka rasowa) używanego wcześniej w odniesieniu do muzyki rozrywkowej „czarnych”. „W połowie lat 40. artyści tacy jak Chuck Berry, Muddy Waters, Bebe King i Bo Diddley, którzy wywarli największy wpływ na twórców współczesnego rocka, odsuń bluesa jeszcze dalej od starego stylu. Używali rytmy jazzowe, często podwajany z elementami stylu boogie-woogie. W rezultacie stara tradycja praktycznie wypchnięty ze sceny głównego nurtu. Tylko nieliczni młodzi ludzie próbowali naśladować muzykę utrzymaną w tradycji country bluesa, którą w tamtym czasie nagrywał na płytach jedynie John Lee Hooker. "Ale środowisko kulturowe”, – pisze D. L. Collier, – który dał początek bluesowi, zniknął. Plantacje, obozy pracy i baraki dla skazańców odeszły w przeszłość. Amerykański Murzyn nie czuł się już całkowicie oderwany od głównego nurtu amerykańskiej kultury. Statek, który od pokoleń kultywował afrykańskie tradycje, został rozbity”. Zawalić się
, jazz I ewangelia. Termin został ukuty 1949 czartery amerykański czasopismo "
pochodzenie
Rytm i blues wyróżniały się w kontekście blues na krawędzi Lata 30. XX wieku i 1940 roku i był związany z urbanizacja tak zwana „wiejska” Amerykanka czarni Południe, grające „country blues” (country blues). Na przykład w Los Angeles tak znani bluesmani jak T-Bone Walker z Teksas I BB Król z Memphis; V Nowy Jork - Louisa Jordana z Arkansas I Joe Turnera z Miasto Kansas; z delty Missisipi V Chicago - Błotniste wody , Elmora Jamesa i Howlina Wolfa.
Przeniesienie tych artystów do miast wiązało się z powstawaniem murzyńskich wytwórni płytowych, których produkty dystrybuowano w kolorze „czarnym”. getto duże miasta. Muzycy, którzy przyjeżdżali nagrywać, często zatrzymywali się w miastach, podejmując pracę najpierw w zwykłych przedsiębiorstwach przemysłowych, a następnie jako performerzy w „czarnych” klubach, barach i domach tanecznych. Jednocześnie wykonawcy wiejskiego bluesa akompaniując sobie na gitarze akustycznej, stanęli przed faktem, że w hałaśliwych lokalach po prostu nie da się ich usłyszeć: wtedy zaczęto używać mikrofony, przetworniki gitarowe i organy elektryczne. W 1939 pojawił się gitara elektryczna. Elektryfikacja i wprowadzenie nowych technologii przyczyniły się nie tylko do rozwoju nagrań dźwiękowych, ale wręcz stały się przyczyną pojawienia się nowego stylu bluesa. Czteroosobowy zespół może teraz grać głośniej i mocniej niż tradycyjny osiemnastoosobowy big band. Nowy styl stopniowo zyskiwał na popularności, wypierając konkurencję i wchodząc do środka 1949 Magazyn Billboard ukuł termin „rhythm and blues”, aby odzwierciedlić zmiany.
R&B stało się muzyką mainstreamową, komercyjną i zorientowaną rynkowo. W porównaniu do tradycyjnego bluesa nowy styl stał się głośniejszy i bardziej agresywny, zatracając część zalet spokojnego wiejskiego bluesa, jego niuanse i intymność. Rytm i blues stały się znacznie bardziej monotonne - na pierwszy plan wysunęły się rozrywka i taneczność. Grupa wykonawców zaczęła dominować nad solistą, a tradycyjna dla „starego” bluesa funkcja wyrażania siebie przez tego ostatniego zeszła na dalszy plan. Wśród klasyków wczesnego rytmu i bluesa można wyróżnić takich muzyków jak Błotniste wody, Arthur Crudup, BB Król , Jay'a McShanna, Howlin' Wolf i Joe Turnera.
pięćdziesiąte
Równolegle z rock and rollem wyróżnia się kierunek w rytmie i bluesie wow (do wop), które polegało na skoordynowanym wykonaniu wokalnym stosunkowo powolnego utworu przez grupę wokalistów tej samej płci. Znaczenie orkiestry zostało ograniczone do minimum, często grano klasyki doo-wop, takie jak „In the Still of the Nite” i „I Only Have Eyes for You”. a cappella. W przeciwieństwie do rock 'n' rolla, doo-woop nie rozpowszechnił się poza Ameryką, po części dlatego, że umiejętności wokalistów doo-wop opierają się na tradycji śpiewu kościelnego, charakterystycznego dla południowych stanów Stanów Zjednoczonych. Wśród klasycznych zespołów doo-wop znane są: Talerze, Włóczęgi, Cuda, Ronettes, Pokusy.
Rozwój brytyjskiego rytmu i bluesa: lata 50.-60. XX wieku
Lata sześćdziesiąte: klasyczna dusza
We wczesnych latach sześćdziesiątych rock and roll ze swoimi różnymi odgałęzieniami stał się ostoją muzyki popularnej w Stanach Zjednoczonych i Europie. Emocjonalna intensywność wczesnego rock and rolla została zastąpiona łagodną sentymentalnością białych wykonawców, takich jak Pata Boone’a I Bracia Everly. Natomiast innowator rytmu i bluesa Sama Cooka stworzył specjalny styl wykonawczy, który uchwycił spontaniczność i bezpośredniość lirycznych uczuć. Atmosferę improwizacji właściwą występom na żywo oddawała muzyka Raya Charlesa, wzbogacony o elementy gospel i jazzu.
Zindywidualizowany, bardziej emocjonalny styl rytmu i bluesa – za jego założycieli uważa się Charlesa i Cooka – nazwano „ dusza” (dosłownie - „dusza”). Termin ten stał się tak powszechnie używany, że szerszy termin „rytm i blues” wyszedł z użycia poza Stanami Zjednoczonymi na kilka dziesięcioleci. przez największych mistrzów klasyczny południowy soul Arethy Franklin I Otisa Reddinga, którego twórczość jest ściśle związana z walką Czarnych o ich prawa obywatelskie.
Siedemdziesiąte: Funk
Pod koniec lat sześćdziesiątych, w ramach rytmu i bluesa, kierunek ważony muzyka taneczna - « boj„. Pierwsze zapisy w tym stylu należą do Jamesa Browna(„I Feel Good”), jednak dalszy rozwój tej muzyki nierozerwalnie wiąże się z nazwami Chytry Kamień I Jerzego Clintona. Zelektryzowany klubowy funk, którego jednym z charakterystycznych przedstawicieli był Izaaka Hayesa, nadał w połowie lat 70. początkom muzyki nazwę „ dyskoteka ».
Tymczasem w latach 70. nastąpił dalszy rozwój soulu, który podobnie jak funk stopniowo przestaje być muzyką czarnych. Sprawiedliwi Bracia utorowali drogę duszy wielu białym artystom, głównie brytyjskim: Zakurzone Springfield , Van Morrisona , Joe cocker. We wczesnej twórczości granica pomiędzy rytmem, bluesem i muzyką rockową jest niezwykle zatarta Eltona Johna i w niektórych wpisach David Bowie. W Stanach Zjednoczonych rytm i blues wykonywany przez białych (w szczególności Brytyjczyków) jest ironicznie nazywany „niebieskooką duszą”.
Więcej kierunek klasyczny w rytmie i bluesie reprezentowali utalentowani wokaliści Al Green, Lou Rawlsa, Diona Warwicka , Roberta Flacka i Natalie Cole, natomiast są to dwie główne gwiazdy wytwórni Motown Steviego Wondera I Marvin Gay- osiągnął znaczną niezależność twórczą i wydał w połowie lat 70. szereg eksperymentalnych albumów, które zmiotły wszelkie istniejące wcześniej zakazy i konwencje artystyczne i cenzuralne, otwierając okres nowożytny w historii rytmu i bluesa.
Lata osiemdziesiąte: odnowiona dusza
Artyści zajmujący się rytmem i bluesem połowy lat 80. odnieśli największy sukces komercyjny Lionel Richie I Whitney Houston- zasłynął dzięki romantyczne ballady, nagrany tak przemyślanie i bezbłędnie, że sprawia wrażenie emocjonalnego wykastrowania. Pomimo mocnego i pełnego emocji wokalu, ich nagrania unikają surowego, bezpośredniego doświadczenia, na którym zostały oparte. szkoła klasyczna duszę na rzecz wyrafinowanego wyrafinowania. Michaela Jacksona I Jerzego Michaela opierają się nie tyle na unowocześnionym soulu, ile na raczej agresywnym, komercyjnym funku. Bardzo niejasne określenie „ współczesny miejski", lub po prostu "miejski".
Największym mistrzem odnowionego rytmu i bluesa lat 80., który z każdą nową płytą otwierał (i nadal otwiera) nowe drogi jego rozwoju, stał się Książę. W jego twórczości zasadniczo eksperymentalne podejście harmonijnie współistnieje z ekstremalną emocjonalnością i poszukiwaniem nowych sposobów ekspresji.
W latach 80., wraz z odejściem przemijającej ery disco, termin „rhythm and blues” znów stał się popularny poza Stanami Zjednoczonymi, tym razem w odniesieniu do współczesnego funku („rhythm”) i soul („blues”), a niezliczone hybrydy pomiędzy. Wynika to z faktu, że we współczesnych warunkach trudno jest wytyczyć wyraźną granicę między szybkimi („funkowymi”) i wolnymi („soulowymi”) składnikami rytmu i bluesa. Praktycznie nie ma wykonawców specjalizujących się wyłącznie w soulu lub funku. W repertuarze czołowych wykonawców można znaleźć kompozycje utrzymane w obu stylach, a także takie, które ilustrują gradację i syntezę między nimi.
Lata osiemdziesiąte: Cicha burza
Począwszy od pierwszej połowy lat 80., a kończąc na połowie lat 90., główny kierunek ( głównego nurtu) amerykańskiej muzyki pop była tzw. „cicha burza” – komercyjna odmiana lekkiego, dyskretnego rytmu i bluesa skupiona na najszerszej gamie formatów radiowych. Nazwa kierunku nawiązuje do wydanego w 1975 album Smokeya Robinsona, jednego z filarów wytwórni Motown. Jego płyta A Quiet Storm pochłonęła najważniejsze osiągnięcia poprzednich lat – swobodne, niespieszne tempo i miękkie, płynne pasaże wokalne Ala Greena, ogólny romantyczno-erotyczny nastrój „Let's Get It On” Marvina Gay’a oraz charakterystyczną dla szkoły charakterystykę Filadelfia technika instrumentacji soul.
Po wspomnianym już Lionelu Richie („Can't Slow Down”, 1984) i Whitney Houston („Whitney Houston”, 1986), błyszcząca tradycja „cichej burzy” trwała aż do lat 90. XX wieku. Mariah Carey , Toniego Braxtona, Luther Vandross, a także mniej znani wokaliści, którzy woleli współpracować z modnym w tamtych latach producentem Babyface. Niezwykłą popularność zyskują wokalne zespoły rytmiczne i bluesowe (np. Boyz II Men), które częściowo odziedziczyły tradycje zespołów doo-wop z lat 60. XX wieku. Od 1996 roku „cicha burza” weszła w okres kryzysu i gwałtownie traci popularność na rzecz bardziej dynamicznych ruchów w rytmie i bluesie, które zawierały elementy modnego hip hop. Należą do nich przede wszystkim hip-hopowy soul i neo-soul.
Lata dziewięćdziesiąte: współczesne R&B
Lata 2000: Neo dusza
główny artykuł: neo dusza
Współczesny etap rozwoju rytmu i bluesa określa się zwykle jako „neo soul” ( neo dusza). Ten nieco retrospektywny kierunek to powrót do klasycznego brzmienia soulu z lat 60. i 70. XX wieku, co jest szczególnie widoczne w twórczości D „Angelo, Lauren Hill i Erica Badu. Trio można uznać za pionierów tego trendu. Fugees, w którego twórczości pojawiła się reakcja na przyziemną płaszczyznę rytmu i bluesa połowy lat 90. (typowym przykładem jest piosenka „ zabijał mnie po cichu swoją piosenką » 1996). Oprócz klasycznego soulu, neo soul aktywnie absorbuje elementy alternatywnego hip-hopu (Lauren Hill), jazzu, a nawet muzyki klasycznej ( Alicja Keys).
Należy zauważyć, że neo soul pozostaje stosunkowo niepopularny we współczesnym rytmie i bluesie. Kierunek bardziej komercyjny, reprezentowany przez takich artystów jak Ashera I Beyonce, rozwija się nadal zgodnie z hiphopową duszą lat 90-tych.