Il ritmo e il blues iniziarono a prendere forma alla fine degli anni '30, a seguito dell'urbanizzazione della vita dei neri americani "villaggi" e della loro concentrazione nei ghetti - aree speciali delle grandi città industriali, dove vivono separatamente rappresentanti di vari gruppi etnici : neri, mulatti, meticci, portoricani, ebrei, italiani, cinesi.
Uno dei fattori della nascita del rhythm and blues nei ghetti negri fu la migrazione degli artisti country blues (village blues) dal sud al nord degli Stati Uniti, dalle campagne alle grandi città, dalle fattorie e piantagioni alle fabbriche. e fabbriche. Il blues migra dai picnic rurali, dove veniva suonato più spesso, ai bar rumorosi, ai club e ai balli. Ad esempio, famosi bluesmen come T-Bone Walker dal Texas e BB King da Memphis si trasferirono a Los Angeles; a New York, Louis Jordan dell'Arkansas e Joe Turner di Kansas City; dal delta del Mississippi a Chicago - Muddy Waters, Elmore James e.
Cosa ha attratto i maestri del country blues nelle grandi città? Il fatto è che negli anni '30 la situazione della musica d'intrattenimento popolare era cambiata negli Stati Uniti. Dopo essere stato a casa persone normali entrò l'elettrofono, cioè il riproduttore elettrico, che sostituì il primitivo grammofono meccanico, i dischi grammofonici cominciarono a diffondersi sempre più. Questo è stato il motivo della sostituzione quasi completa di un metodo di intrattenimento come creazione di musica domestica. La sua essenza era che nelle normali famiglie americane, dove c'erano pianoforti a coda o pianoforti, tutti i successi di Broadway e Hollywood venivano eseguiti in ambiente domestico, secondo le note stampate pubblicate in in gran numero di Tin Pan Alley, di solito subito dopo l'uscita di un nuovo film o musical.
Parallelamente a questo, in tutti i ristoranti, bar e persino farmacie apparvero i cosiddetti Juke Box: registratori. Naturalmente si ebbe una notevole espansione nella produzione di dischi, sia per gli apparecchi elettrici domestici che per i jukebox. E qui è necessario ricordare le specificità della vita negli Stati Uniti, dove si trovano i rappresentanti nazionalità diverse- Negri, ebrei, armeni, cinesi e molti altri - vivono separati, in quartieri separati, a volte chiamati ghetti. Nella stessa parola "ghetto", che per il lettore russo è associato a qualcosa di sinistro, che ricorda il Secondo guerra mondiale e nei campi di concentramento, infatti, non c'è nulla di terribile. Non si tratta della detenzione forzata di persone in un determinato spazio, come nei ghetti ebraici in Polonia, creati dai nazisti nel 1939.
Negli Stati Uniti i ghetti sorsero da soli, principalmente per comodità di numerosi emigranti che arrivarono nel paese e non conoscevano la lingua. Molti residenti di vari ghetti, arrivati in America in età avanzata, vissero senza imparare l'inglese e senza lasciare la loro zona. Ma un altro motivo per la stabilità di alcuni ghetti, soprattutto quelli neri, era la persistente riluttanza della popolazione bianca nativa degli Stati Uniti a incrociarsi nella vita con persone di razze e nazioni diverse.
Nella storia del rhythm and blues, quello che ci interessa è la vita dei ghetti neri grandi città. I loro abitanti non solo vivevano, ma si divertivano anche lontano dai bianchi. Per soddisfare le esigenze culturali della popolazione di colore, iniziarono a formarsi studi di registrazione e stazioni radio negre, che producevano e promuovevano solo musica negra e solo per i negri. Registrazioni di questo tipo sono chiamate registrazioni di volo o registrazioni seppia. Pertanto, la necessità di artisti neri è aumentata notevolmente, il che è stato uno dei motivi principali della loro migrazione, trasferimento dalle aree rurali e dalle piccole città alle città sviluppate con grande quantità club, bar e ristoranti vari, oltre a studi di registrazione e stazioni radio.
A proposito, l'introduzione della creatività dei bluesmen rurali in una nuova ambiente professionale già osservato una volta - all'inizio del secolo, quando si stava formando il jazz. Fu allora che apparve il cosiddetto blues classico, rappresentato da artisti come Bessie Smith, Ida Cox o Ma Rainey, e il jazz blues rappresentato da Louis Armstrong o Billie Holiday. Tuttavia, il processo di adattamento del country blues "country" (Country Blues) alla cultura urbana negli anni '30 prese una strada diversa, poiché questo processo fu associato all'avvento della nuova tecnologia elettrificata e ebbe conseguenze completamente diverse.
Elettrificazione e implementazione nuova tecnologia non solo ha cambiato il modo in cui ascolti i dischi, ma ha praticamente contribuito all'emergere di un nuovo tipo di blues. Intorno al 1939 si diffusero le chitarre elettriche, gli organi elettrici e poco dopo i bassi. Gli strumenti a percussione e la voce del cantante iniziarono ad essere amplificati con un microfono. Pertanto, un'orchestra di quattro elementi ha acquisito la capacità di suonare più forte e potente rispetto alla tradizionale big band di diciotto elementi. Gli ensemble elettrizzati della nuova direzione blues, chiamata "rhythm and blues", iniziarono a costringere grandi orchestre jazz e da ballo a uscire da balli, club e altri luoghi di intrattenimento per neri, che si rivelarono economicamente non redditizi, fuori moda e quindi perdendo fan .
Inoltre, il rhythm and blues si è radicato perfettamente nei piccoli ristoranti, bar e caffè, dove semplicemente non c'era abbastanza spazio per le band tradizionali. A proposito, il termine stesso "Rhythm and Blues" apparve solo nel giugno 1949 sulla rivista Billboard, quando c'era una chiara necessità di designare un nuovo fenomeno di lunga data.
Uno dei grandi pionieri del rhythm and blues è stato il chitarrista e cantante Muddy Waters. Il suo destino - un fenomeno in una certa misura tipico del bluesman di quel tempo - può servire da esempio della storia dell'intera direzione. Negli anni '30, Muddy lavorò nelle piantagioni di cotone nel delta del Mississippi, esibendosi in tempo libero le loro canzoni. Nel 1941, il famoso musicologo e collezionista di folklore Alan Lomax lo "scoprì" durante la sua escursione in quei luoghi. Nel 1943 Waters si trasferì a Chicago e andò a lavorare in una cartiera.
Per riprendere l'attività teatrale, Maddy ha dovuto adattarsi per qualche tempo alle condizioni della città, cambiare qualcosa nel suo modo di suonare e cantare. Fu solo nel 1944 che prese una chitarra elettrica e iniziò ad esibirsi nei bar del Southern Negro Quarter di Chicago, usando un microfono per attutire il rumore di una folla mezza ubriaca. In generale, il fattore rumore in quei luoghi in cui i bluesmen rurali hanno iniziato a esibirsi ha giocato un ruolo importante nella formazione di alcune caratteristiche del rhythm and blues.
Parlando di pionieri e giganti del rhythm and blues, non si può ignorare un bluesman come Arthur Crudup, originario del Mississippi che iniziò a registrare a Chicago all'inizio degli anni '40. Non ebbe grande popolarità in quegli anni, ricevendo un tardivo riconoscimento solo all'inizio degli anni '70, quando negli Stati Uniti fu pubblicato un album delle sue registrazioni chiamato "The Father of Rock and Roll".
Le canzoni di Arthur Crudup, a partire da "That's All Right, Mama", hanno contribuito a lanciare la carriera di Elvis Presley. Le sue canzoni sono state successivamente eseguite da Elton John, Rod Stewart, Tina Turner, Johnny Little, Paul Butterfield, Creedence Clearwater Revival. Per comprendere meglio il significato del rhythm and blues è necessario immaginare il pubblico che lo componeva. Innanzitutto non tutta la società negra degli Stati Uniti era entusiasta delle nuove tendenze musicali.
È noto che nel recente passato, la parte religiosa dei neri americani ha reagito negativamente alla popolarità del country blues tradizionale, dandogli il nome di "Devil Song". Alcuni rappresentanti della classe media e della parte istruita della popolazione negra, lottando per gli ideali culturali dei bianchi, guardavano il blues con un po' di condiscendenza, come musica barbara e primitiva. Più o meno allo stesso modo, forse anche con maggiore ostilità, hanno reagito al rhythm and blues. Inoltre, avendo acquisito potenti mezzi per influenzare il pubblico e ampliare significativamente la portata della sua popolarità, ha perso una serie di vantaggi del tranquillo blues rurale, prima di tutto la sua intimità e le sue sfumature.
Il ritmo e il blues divennero musica forte, motrice e molto più monotona. Una delle caratteristiche principali del blues tradizionale, la funzione di autoespressione, è passata in secondo piano, lasciando il posto alla danza e all'intrattenimento. Indebolita, se non scomparsa del tutto, la personificazione del vecchio blues, dove ogni cantante, che è anche autore di musica e parole, era unico. Nel corso del tempo, una delle principali caratteristiche del blues cominciò a scomparire nel rhythm and blues: triste, pietoso per se stesso, per il proprio destino, piagnucoloso, passivo e senza speranza. Apparivano sempre più rabbia e aggressività, come risultato della durezza e del volume dell'accompagnamento. Nel rhythm and blues, il fattore del gruppo di artisti ha acquisito il ruolo principale: è stato il gruppo che ha iniziato a determinarne lo stile e il suono, mentre il solista ne è diventato solo una parte. Modificata e semplificata la natura dei testi. Il rhythm and blues a tutti gli effetti è diventato un genere di musica commerciale, focalizzata sul mercato.
In contrasto e parallelamente a ciò, nell'ambiente del jazz negro stava maturando un modo nuovo e sofisticato di suonare musica: il bebop (bebor), uno stile d'élite per quel periodo, che all'inizio non fu accettato sia dal pubblico generale che dalla maggioranza. . artisti jazz. IN anni del dopoguerra la giovane generazione istruita di musicisti negri ha reagito dolorosamente alle tradizionali barriere razziali e sociali per gli Stati Uniti, che hanno bloccato il loro percorso verso gli strati più alti della pratica musicale.
Il bebop, e più tardi l'avanguardia atonale di Ornet Coleman, divenne un veicolo per porre molte questioni negre ed esprimere lo sconcerto, l'amarezza e persino l'amarezza della generazione nera del dopoguerra. Niente di tutto questo era nel rhythm and blues. Piuttosto, ha allontanato dai problemi, ha aiutato a dimenticarli. Il suo compito principale era l'intrattenimento senza pretese, alleviare lo stress dopo il duro lavoro tra gli abitanti dei ghetti neri nelle grandi città americane.
Nel periodo 1945-1947, uno dei musicisti neri più famosi che incarnò con successo il rhythm and blues come palcoscenico, l'arte dell'intrattenimento fu il cantante e sassofonista Louis Jorden con la sua band Tympany Five. Era un maestro riconosciuto del blues tradizionale e allo stesso tempo aveva una solida esperienza nel jazz, poiché alla fine degli anni '30 suonava il sassofono nelle famose orchestre di Chick Webb, Earl Hines e Billy Eckstein.
Inoltre, Jorden era un comico e un eccellente showman. Nonostante nei suoi discorsi usasse materiale parodico e caricaturale sui neri, la sua popolarità tra il pubblico nero era enorme. Era l'idolo di molti giovani artisti rhythm and blues che in seguito divennero star del rock and roll, e in particolare di Chuck Berry. Jorden ha spiegato semplicemente il suo passaggio dal jazz al rhythm and blues. “Loro”, ha detto, riferendosi ai musicisti bebop, “suonano per se stessi, e io suono per la mia gente”.
Il famoso attore cinematografico americano Clint Eastwood, in qualità di regista, ha girato un film di grande valore storico il film "The Bird" sul destino di Charlie Parker, un brillante jazzista, il creatore del bebop, una figura tragica in anticipo sui tempi. C'è una scena in questo film in cui Parker si imbatte accidentalmente nell'esibizione di un sassofonista nuovo di zecca con il suo ensemble rhythm and blues. Molto probabilmente è stato ispirato da Louis Jordan con i suoi Timpany Five. Il grande Parker non riesce a capire cosa attiri così tanto il pubblico nella musica piuttosto primitiva rispetto al bebop che sente in questo club.
rivelando caratteristiche musicali rhythm and blues, dobbiamo innanzitutto notare le caratteristiche che ha adottato dal tradizionale country blues. Ciò riguarda innanzitutto la base modale-melodica. La struttura armonica della maggior parte dei brani corrisponde al solito blues di dodici battute, ma senza molte delle sostituzioni e complicazioni caratteristiche del jazz blues.
Insieme a questo esistono anche forme con divisione in parti di otto misure, contenenti sostanzialmente le stesse combinazioni tra gli accordi di settima di tonica, sottodominante e dominante. Anche la modalità blues è stata completamente preservata, caratterizzata dalla presenza in essa delle cosiddette “blue note” di blue note (sono anche chiamate “blue note”): terzo, settimo e quinto gradino abbassato - una sorta di “ né maggiore, né minore”. Le note blues in realtà si trovano tra le note, ad esempio tra LA e LA bemolle, e quindi non possono essere suonate al pianoforte, ma possono essere suonate con la voce, sullo strumento a fiato e sulla chitarra, tendendo la corda.
La scelta delle chiavi per i brani rhythm and blues era predeterminata dalla comodità di suonare le chitarre utilizzando le corde aperte. Pertanto, la maggior parte delle melodie erano in tonalità diesis (mi, la, re e sol), mentre nel jazz blues veniva eseguita principalmente in tonalità bemolle (fa, si bemolle, mi bemolle, la bemolle e così via). , dettato dalle specificità della diteggiatura degli strumenti a fiato, in particolare sassofoni e tromboni. Impossibile non notare la tecnica del cosiddetto "stop time" caratteristica del rhythm and blues, quando l'intera orchestra, prendendo la prima nota della battuta, faceva una pausa di due battute, durante la quale solo un solista continuava a suonare cantare o suonare. Dopo diverse fermate simili, la melodia è stata suonata con il consueto accompagnamento.
Nonostante l'inconveniente della diteggiatura, nel rhythm and blues era sempre presente il sassofono, e più spesso il sassofono tenore, che dava un sapore speciale al suono del gruppo. A quei tempi esisteva un'intera galassia di eccezionali sassofonisti rhythm and blues, che differivano dai loro colleghi jazz per una produzione sonora e un fraseggio completamente diversi. Questi includono musicisti come Illinois Jacket, Hal Singer, Maxwell Davis, Jack McVee e Wild Bill Moore, noto anche per il fatto che nel 1947, pochi anni prima che il termine "rock and roll" entrasse in uso, registrò un pezzo chiamato " Faremo rock, faremo roll".
Uno degli importanti caratteristiche distintive rhythm and blues è anche la sua base ritmica. Prima di tutto, riguarda gli accenti. I suonatori di rhythm and blues hanno introdotto accenti sui ritmi deboli della battuta. Se prima tutti i battiti delle mani e i colpi di piede nella musica da ballo e di intrattenimento cadevano in modo più naturale all'inizio della misura - sul primo e sul terzo quarto (forte), poi nel rhythm and blues, l'enfasi, enfatizzata da batteria, chitarra e altri mezzi, iniziava cadere nel secondo e nel quarto trimestre (debole). Ciò ha anche predeterminato la natura della danza con tale musica, quando i ballerini eseguono i movimenti principali, per così dire, "attraverso" il ritmo, cioè su ritmi deboli del ritmo. Successivamente divenne la base ritmica della danza rock and roll e di tutti i tipi di musica rock basati sul rhythm and blues.
Se consideriamo una struttura ritmica più piccola, da cui dipende la "pulsione" stessa, allora nel rhythm and blues è duplice. Da un lato troviamo qui campioni eseguiti in terzine, ritmo swing, ereditato dalle big band jazz. In questo caso, ogni due crome non vengono suonate come è scritto nella partitura - come uguali nella durata, ma "con un ritardo" - quando la prima nota viene leggermente serrata, e la seconda viene presa all'ultimo momento e gira risulta essere più breve.
Questa tecnica è chiamata "swing" (dalla parola "swing" - swing, swing). Nella musica suonata “con swing”, la terzina funge da base ritmica interna, e quindi, in una misura di 4/4, risulta non otto ottavi, ma dodici impliciti. Questa performance dà alla musica un senso di rock.
Tra i musicisti professionisti, non importa se hanno un'istruzione accademica o sono autodidatti, ci sono spesso persone che sono completamente prive del senso dello swing e quindi incapaci di suonare il vero jazz e rock and roll. E viceversa: tutti i fanatici di tale musica sono persone perseguitate da uno stato di costante oscillazione nelle loro anime. D'altra parte, puoi trovare brani rhythm and blues in cui le crome vengono suonate in modo fluido e la musica assume un carattere più motorizzato e meccanico. Fu questo modo, per "otto-ottavi", a costituire la base di una danza chiamata "twist", che soppiantò il rock and roll nel 1959.
Il ritmo e il blues sono stati fortemente influenzati dalla musica boogie-woogie. Da qui derivano molti schemi ritmici, monotonia, il principio della ripetizione degli schemi. Il boogie-woogie è uno stile di pianoforte degli anni '20 progettato per una persona che si accompagna con la mano sinistra. Ma qui, a differenza del ragtime, dove la mano sinistra “salta” dalla nota bassa all'accordo, l'accompagnamento viene effettuato con l'ausilio di pattern di basso, o, più semplicemente, melodie monotone nel registro grave del pianoforte, che non cambiano in tutto il pezzo.
I più caratteristici di questi modelli furono successivamente presi in prestito dai musicisti rhythm and blues nella costruzione di parti di basso, così come nell'accompagnamento di chitarra ai musicisti. Più tardi, tutto questo si è trasformato in rock and roll. L'influenza del boogie-woogie è spiegata dal fatto che negli anni '40 ci fu un inaspettato risveglio di questo stile. Soprattutto a New York Harlem e Chicago, sotto forma di pianisti come Mead Lux Lewis, Albert Emmons o Pete Johnson. La stessa parola "boogie" era spesso usata dai musicisti rhythm and blues nei titoli e nei testi delle canzoni, ad esempio, la hit di Louis Jordan del 1945 "Choo Choo Ch' Boogie". E il modo stesso di ballare al ritmo e al blues era, ovviamente, lo stesso della danza "boogie", che era una continuazione del "jitterbug" (Jitterbug) di moda negli anni '30.
Parlando della situazione in cui è sorto il rhythm and blues, non si può non menzionare l'esistenza della musica pop commerciale nera, più morbida, lirica, melodica, costruita su armonie di operetta o jazz e orientata verso la parte privilegiata della società nera negli Stati Uniti. , così come il pubblico bianco.
Quartetti o trii vocali erano molto comuni, esibendosi con e senza un gruppo ritmico, a volte fungendo da sottofondo per un famoso solista. Il loro repertorio conteneva, di regola, arrangiamenti leggeri di melodie negre o jazz, canzoni popolari dai film. Gli arrangiamenti spesso utilizzavano le stesse sillabe, il che aiutava a cantare i riff in modo più ritmico (Riff), ad es. schemi ritmico-melodici ripetitivi. Queste sillabe danno il nome a questo tipo di musica: “sh-sh-shi boom” (Sh-Sh-Shi-boom), oppure “doo-wop” (doo-wop). Il fenomeno più sorprendente tra i gruppi vocali di quel tempo sono i Mills Brothers e Ink Srots.
L'emergere di gruppi vocali e il graduale spostamento dell'attenzione dallo strumentista al cantante nel campo della musica di intrattenimento può essere considerato una conseguenza di una serie di processi socio-economici osservati negli Stati Uniti negli anni '40. Innanzitutto, ci sono stati grandi cambiamenti nell’industria discografica. Durante la seconda guerra mondiale, la produzione di dischi negli Stati Uniti quasi cessò, poiché la fornitura di gommalacca, il materiale con cui venivano realizzati i dischi battibili a 78 giri, era controllata dal Giappone, che era in guerra con gli Stati Uniti.
Fu solo nel 1948 che la Columbia Records si sviluppò nuova tecnologia produzione di LP in vinile microsolcato a 33,3 giri. Ben presto la ditta Victor iniziò a produrre i cosiddetti “quarantacinque”, dischi da sette pollici a 45 giri. con un grande buco al centro.
Anche l'industria per la produzione dei giocatori corrispondenti è stata rapidamente riorganizzata. L'anno 1949 fu notevole per la formazione di molte piccole case discografiche indipendenti, che ricevettero il nome abbreviato "indie" ("Indie" dalla parola Inderendent - indipendente). Se le grandi aziende rispettabili registravano tradizionalmente solo star collaudate, con grandi orchestre costose, allora le "indie", spesso rappresentate da un imprenditore, conducevano una politica più flessibile, alla ricerca di nuovi artisti sconosciuti, rispondendo immediatamente ai minimi cambiamenti della domanda, della moda.
Fu nel campo dell '"indie" che si manifestò la tendenza a registrare piccole composizioni con un repertorio in rapida evoluzione. Lo sviluppo di società indipendenti ha posto le basi per l'esplosione del rock and roll cultura di massa. Inoltre, alla fine degli anni '40 e '50 negli Stati Uniti, il ruolo dei disc jockey su numerose stazioni radio FM a corto raggio aumentò notevolmente. Lo sviluppo di un'industria discografica flessibile ha consentito ai disc jockey di rendere i loro programmi sempre più rilevanti e quindi influenti nel mondo degli affari. Da semplice intrattenitore, il disc jockey si è gradualmente trasformato in commentatore, e poi in un trendsetter, diventando uno degli arbitri dei destini dei musicisti.
Nel mondo degli artisti professionisti e dei cantautori, c'è una naturale insoddisfazione per il fatto che alcuni novellini di cattivo gusto stiano guadagnando un'influenza tangibile sulla società. opinione pubblica. Il malcontento si è trasformato in lotta aperta. I sindacati dei musicisti iniziarono a chiedere un pagamento aggiuntivo per le trasmissioni una tantum di dischi alla radio, nonché il controllo sulla qualità del materiale promosso. Nel 1947, il capo della Federazione americana dei musicisti a Chicago, James Petrillo, ottenne il divieto di tutte le registrazioni per dischi e programmi radiofonici senza soddisfare le nuove condizioni da lui proposte per il pagamento dei diritti d'autore per la riproduzione di dischi alla radio e nei juke box.
Questo tipo di sciopero, progettato per sostenere i diritti dei musicisti, principalmente strumentisti, è durato circa un anno in una situazione di imminente dittatura del pop business. Il caso venne processato al Congresso degli Stati Uniti, dove fu citato in giudizio D. Petrillo. L'esame di questa questione fu affidato a un giovane senatore della California, Richard Nixon, futuro presidente degli Stati Uniti. Il divieto è stato revocato, ma ha colpito non solo le stazioni radio e le etichette discografiche, ma anche gli stessi musicisti. Durante questo periodo, molta musica interessante rimase non registrata, soprattutto strumentale, in particolare un innovatore come Charlie Parker. Temendo di perdere il sostegno dei sindacati, gli artisti spesso cercavano strade indirette e cercavano di registrare fuori dagli Stati Uniti, a volte anche sotto falsi nomi.
Una delle conseguenze di questo periodo fu che l'ascoltatore di massa rivolse la sua attenzione ai cantanti, soprattutto perché il numero di gruppi puramente vocali (duetti, trii, quartetti) aumentò in modo significativo. Dopotutto, il divieto non si applica ai cantanti, anche se si accompagnano con la chitarra. Molti cantanti hanno persino imparato a imitare l'accompagnamento strumentale con la voce, in particolare il contrabbasso o la batteria. Da qui termini come "doo-wop" o "sh-shee boom".
Pertanto, lo sciopero del 1947-48, in una certa misura, contribuì al fatto che, a partire dalla comparsa del rock and roll e oltre, il cantante con o senza chitarra, spingendo la musica strumentale nel campo dell'accompagnamento , divenne il dominatore indiviso della scena popolare. Erano famosi i cantanti pop negri degli anni '40 e '50 vari gradi associati al jazz e al rhythm and blues, non essendo puri rappresentanti di questi generi, ma piuttosto essendone interpreti. Un tempo hanno avuto un ruolo nel riunire il pubblico bianco e nero, spingendo le barriere razziali nel campo della musica popolare. Tra i tanti nomi qui ci sono Ethel Waters e Lena Horne, Billy Eckstein, Sammy Davis e Fats Domino.
Il pianista e cantante Nat "King" Cole è forse la figura più sorprendente di questa serie. Aveva una pronuncia eccellente, priva di segni di uno specifico accento negro, nel suo repertorio c'erano bellissime canzoni liriche che gli hanno portato fama mondiale (come "Too Young" o "Pretend").
Spesso avendo a che fare con produttori e arrangiatori bianchi, realizzando registrazioni commerciali con le orchestre di Nelson Riddle e Billy May, Nat "King" Cole nel suo lavoro assunse una posizione neutrale rispetto al problema razziale, sebbene sia noto per aver dato ingenti contributi finanziari alle organizzazioni pubbliche nere. Tuttavia, tale neutralità a quel tempo irritava alcuni razzisti neri e bianchi. Nel 1956, nel suo stato natale, l'Alabama, il musicista fu brutalmente picchiato da un gruppo di americani bianchi che non volevano avere idoli neri.
In tali condizioni, fino all'inizio degli anni '50, il rhythm and blues rimase il tipo di musica negra più isolata dal pubblico bianco. Ma la sua rilevanza e popolarità crebbero a tal punto che gli angusti confini del ghetto non riuscirono più a contenere il fenomeno stesso. Serviva una nuova parola che permettesse ai bianchi di considerare questa musica come propria. Quella parola è diventata "rock and roll".
Testo: Alexey Kozlov.
In onore dei grandi artisti che hanno cambiato la musica per sempre, nonché in onore del loro successo, il team della rivista Billboard ha pubblicato un elenco il miglior hip hop/ cantanti e cantanti rhythm and blues degli ultimi 25 anni.
L'elenco si basa sulle classifiche settimanali Hot R&B/Hip-Hop Songs e Top R&B/Hip-Hop Albums dal 5 gennaio 1985 al 6 novembre 2010. Le posizioni vengono classificate in base al numero di settimane trascorse al primo posto.
Qui puoi vedere quegli artisti che hanno ancora successo fino ad oggi, così come artisti che sono già diventati dei classici, e dive del rhythm and blues i cui dischi sono distribuiti in milioni di copie in tutto il mondo, e modesti geni che, con il loro talento, ha trasformato l'idea della musica moderna. Ogni artista, ogni voce: sono tutti unici e senza di loro è impossibile immaginare il mondo dello spettacolo oggi.
50. Tevin Campbell
49. In voga
48. Joe
47. Acquavite
46. Kanye West ( Kanye West)
45. Chris Brown
44.Maxwell
43. Patti LaBelle
42. Il figlio del destino
41. Ne-Yo
40. Musica Soulchild (Musiq Soulchild)
39. Nelly
38. Eminem
37. Snoop Dogg ( Snoop Dogg)
36 Bobby Brown
35. Tony Toni Tono
34. Sade
33. Kenny "Babyface" Edmonds
32.Gerald Levert
31.LeVert
30.Jodeci
29. Keyshia Cole
28,50 cent
27. Aaliyah
26. Stevie Wonder
25.TLC
24. Monica
23. Nuova edizione
22. Anita Baker
21. Piccolo Wayne
20. T.I.
Nel 2001, dopo il 27 ° posto negli album R&B / Hip-Hop con l'album I "m Serious, il rapper T.I. ha rotto il contratto con la casa discografica Arista Records e ha organizzato la sua etichetta Grand Hustle Entertainment. Il primo album Trap Muzik, pubblicato in modo indipendente , ha ottenuto il secondo album in vetta alle classifiche nel 2003. È stato seguito da dischi ancora più riusciti in vetta alle classifiche, Urban Legend del 2004, King del 2006, T.I. vs. T.I.P. del 2007 e Paper Trail del 2008, che ha trascorso un record di cinque settimane al numero uno. Naturalmente, l'incredibile successo del musicista l'anno scorso un po' messo in ombra dai suoi problemi con la legge: T.I. ha trascorso un anno dietro le sbarre per accuse federali e nel marzo 2010, dopo essere stato rilasciato dal carcere, è stato coinvolto in uno scandalo di droga di ancora più alto profilo.
19. Tupac Shakur
Il rapper Tupac Shakur, morto tragicamente nel settembre 1996, è una vera icona dell'hip-hop. Durante la sua vita, è riuscito a pubblicare solo quattro album, due dei quali hanno raggiunto la vetta della classifica degli album: pubblicato nel 1995 Me Against The World (4 settimane al numero uno) e All Eyez On Me nel 1996 (3 settimane al numero uno). ). Due mesi dopo la sua morte, fu pubblicato il suo album The Don Killuminati: The 7 Day Theory, dove Tupac usò lo pseudonimo Makaveli (Makaveli). Il record è stato in cima alla classifica per sei settimane intere. Fatto scioccante: Tupac aveva predetto la sua fine in questo album ed era perfettamente preparato per questo. Il musicista ha lasciato un enorme patrimonio creativo, molti dei suoi album furono pubblicati postumi, quattro dei quali divennero i leader delle classifiche.
18.Toni Braxton
L'ultimo successo di Toni Braxton è la sua recente uscita di Pulse, che è diventato un album R&B/Hip-Hop nel 2010. La carriera della cantante va avanti da vent'anni e dal 1992 pubblica costantemente singoli di successo. La prima delle undici classifiche è stata Give U My Heart dal film "Boomerang". Anche le sue canzoni You "re Making Me High / Let It Flow e He Wasn" t Man Enough hanno guadagnato una popolarità sfrenata.
17. Boyz II Uomini
I membri di questo fantastico gruppo non hanno mai smesso di stupire con il loro talento sin dal loro debutto, avvenuto nel 1991 con la canzone Motownphilly, che raggiunse la quarta posizione nella hit R&B / Hip-Hop Songs, e proseguito con It's So Hard to Say Goodbye. a Yesterday, che divenne il primo dei loro cinque successi numero uno, tre album della discografia del gruppo furono i numeri 1, cosa che nel 1999 portò Billboard a nominare i Boyz II Men il miglior gruppo anni 90.
16. LL Cool J
James Todd Smith ( vero nome LL Cool J) è un vero pioniere dell'hip-hop. È stato uno dei primi artisti a iniziare a registrare per quella che è diventata una delle etichette più rispettate, la Def Jam Recordings. Il suo album di debutto Radio raggiunse il sesto posto nella classifica R&B/Hip-Hop nel 1986. La successiva uscita di Bigger & Deffer rimase undici settimane in cima alla classifica. Più tra gli artisti rap, solo gli album di MC Hammer (MC Hammer) Please Hammer Don "t Hurt (29 settimane nel 1990) e Recovery of Eminem (13 settimane nel 2010) erano i leader. Al momento, il musicista si interessò a una carriera nel cinema e in televisione.
15. Oltre
Dopo il crollo dell'alma mater della cantante, il gruppo di grande successo Destiny's Child (42esima posizione in questa lista), Beyoncé ha iniziato carriera da solista. Ha cinque singoli al numero uno, inclusi successi come Irreplaceable (nove settimane al numero uno) e Single Ladies (Put a Ring on It) (12 settimane). Ciascuno dei suoi tre album è in cima alla classifica degli album R&B/hip-hop. Ma nonostante il successo nelle classifiche mondiali e lo status di uno degli artisti più talentuosi del nostro tempo, lei è davanti a lei in questa lista. proprio marito- Il rapper Jay-Z
14. Ludacris
Il rapper e attore Christopher Bridges (vero nome del musicista) ha iniziato la sua carriera come DJ alla radio WHTA-FM con lo pseudonimo di Chris Lova-Lova Chris Lova Lova. Il suo carisma e il talento scoperto per il rap eccellente sono stati incarnati nel suo primo singolo What's Your Fantasy, che è entrato nella top ten delle canzoni R&B / Hip-Hop nel 2000. L'album di debutto di Ludacris Back For The First Time ha raggiunto il numero due nello stesso anno nella classifica classifica degli album e ha segnato l'inizio di una serie di successi nella carriera di un musicista: quattro dei suoi album successivi sono diventati leader delle classifiche
13. Michael Jackson
Il Re del Pop potrebbe anche essere chiamato il Re del Rhythm and Blues. Questo titolo è più che meritato considerando i suoi sette album R&B/Hip-Hop (cinque dei quali sono stati pubblicati negli ultimi 25 anni) e gli innumerevoli singoli di successo. Nonostante la tragica morte di Jackson, la sua bellissima musica continua a vivere con noi, sia su CD che nelle classifiche. Nel 2009, This Is It - la traccia del titolo del documentario "Michael Jackson: That's It" - è entrata nella top venti della classifica delle canzoni e il disco della colonna sonora è diventato il leader della classifica degli album.
12 Keith Sudore
Keith Light è uno degli artisti americani più amati. È amato dai fan di tutte le età, perché i suoi singoli sono diventati successi in quasi tutti i settori più importanti epoca musicale: nel 1988 - I Want Her, la sua prima canzone ad entrare nelle classifiche; nel 1991 - Ti darò tutto il mio amore o nel 1998 - Come and Get With Me, registrato insieme a Snoop Dogg. In totale, 16 delle sue canzoni sono entrate nella top ten della classifica delle canzoni, di cui 7 hanno raggiunto la prima Nel 2008, hanno aggiunto un altro singolo, Just Me.
11. Principe
La carriera di Prince è iniziata molto prima dell'ambito indicato in questa lista, nel 1978. Quando uno dei suoi primi singoli, Soft and Wet, entrò nella classifica R&B/Hip-Hop, Prince continuò a regnare nelle classifiche per il quarto decennio con un flusso apparentemente infinito di album e successi. Dal 1985, ha 30 uscite nella classifica degli album, più di ogni altro artista. Diciannove di loro erano tra i primi dieci. I suoi ultimi tre album - 3121, pubblicato nel 2006, Planet Earth nel 2007 e anche il triplo disco Lotus Flow3r/MPLSound/Elixr del 2009 - sono diventati leader.
10 Alicia Keys
Alicia Keys irrompe letteralmente nel mondo dello spettacolo con il già leggendario album Fallin', pubblicato nel 2001. Ciascuno dei cinque album del cantante è diventato il leader della classifica degli album, incluso l'ultimo, The Element of Freedom, che ha aperto il 2010 per cinque settimane al primo posto. Alisha Keys, oltre al suo talento canoro, ha un grande talento come pianista. Nei nove anni della sua carriera, gli album della Keys hanno venduto oltre 17 milioni di copie negli Stati Uniti.
9 Freddie Jackson
Forse gli appassionati di musica pop non hanno molta familiarità con i successi di Freddie Jackson, dal momento che nella sua carriera non ha mai superato la decima posizione della Billboard Hot 100. Ma è molto noto nelle classifiche rhythm and blues, essendo l'autore di diciotto i brani inseriti nella top ten: da Rock Me Tonight del 1985 alla hit del 1992 I Could Use a Little Love (Right Now). Quattro dei suoi album sono in cima alla classifica degli album R&B/hip-hop, incluso Just Like del 1986. il primo Time, che rimase al vertice per ben 26 settimane.
8. Jay-Z (Jay-Z)
Sean "Jay Z" Carter ha attraversato un lungo percorso di carriera per avviare la sua etichetta nel 1996 con Damon Dash e Kareem Burke dopo che la casa discografica dopo che la casa discografica si era rifiutata di ingaggiarlo. Dopo il suo album di debutto Reasonable Doubt, il terzo album R&B/Hip-Hop acclamato dalla critica e il secondo disco In My Lifetime, vol. 1, che ha scalato una linea più in alto, il suo album rivoluzionario, Vol. 2 - Hard Knock Life, che rimase in testa alla classifica per sei settimane nel 1998. In totale, il musicista ha undici album numero uno (inclusi due dischi congiunti con R. Kelly).
7 Lutero Vandross
Questo cantante di voce unica Tra il 1985 e il 2007, ha registrato 36 successi, di cui venti hanno raggiunto la top ten e sei hanno raggiunto il numero uno nella classifica R&B/Hip-Hop. Sfortunatamente, le ultime due posizioni sono avvenute postume: Vandross è morto nel 2005 all'età di 54 anni. La chiave della popolarità del musicista è la sua capacità di trovare un linguaggio comune con un pubblico giovane. Ha registrato duetti con Janet Jackson, Mariah Carey ( Mariah Carey) negli anni '90 e nel 2004 con Beyoncé. La canzone Dance With My Father, che ha scritto ed eseguito insieme a Richard Marx, ha vinto un Grammy Award come Canzone dell'anno lo stesso anno.
6. Usciere
Dopo un inizio più che modesto nel 1993 (56° posto per una canzone intitolata Call Me a Mack dal film "Poetic Justice" con Janet Jackson in ruolo di primo piano e la 25a posizione dell'album di debutto), Usher ha ottenuto molto: le vendite dei suoi album ammontano a oltre 22 milioni di copie. Oltre a una carriera più che di successo nella musica e nel cinema, Usher ha un incredibile talento produttivo: è stato lui a presentare al mondo il fenomeno pop Justin Bieber (Justin Bieber).
5. Janet Jackson
La leggendaria Janet è la proprietaria di più un largo numero singoli leader della hit parade della canzone. Sono quindici: solo R. Kelly (R. Kelly) e Usher possono avvicinarsi a questo record. Anche il fratello del cantante, Michael Jackson, nonostante tutta la sua popolarità, ha registrato solo otto successi numero uno. Tra il 1985 e il 2001 la cantante diventa una vera e propria icona. Ha più canzoni nella top ten delle classifiche mondiali di qualunque altro artista: ventisette.
4Mariah Carey
Nel corso della sua ventennale carriera nel mondo dello spettacolo, la cantante ha al suo attivo innumerevoli dischi e premi. Le sue canzoni sono arrivate diciotto volte in cima alla classifica Billboard's Hot 100: solo i Beatles ne hanno avute di più. La sua canzone One Sweet Day è rimasta in cima alle classifiche per 16 settimane. Con vendite di album in tutto il mondo di 52,7 milioni di copie, Mariah Carey è l'artista rhythm and blues di maggior successo e il terzo artista più popolare di tutti i generi, dopo Garth Brooks (Garth Brooks) e i già citati The Beatles.
3. Whitney Houston
Quando Whitney Houston entrò per la prima volta nella classifica dei brani R&B/Hip-Hop nel 1984 come cantante ospite nel singolo Hold Me di Teddy Pendergrass, divenne chiaro a molti che questa ragazza sarebbe diventata una star. Inoltre, il talento era nel suo sangue: sua madre, Cissy Houston, è una rispettata cantante gospel/rhythm and blues, e sua cugina, Dionne Warwick, è stata un appuntamento fisso nelle classifiche di Billboard per decenni. La diva ha all'attivo otto singoli al numero uno e cinque album di grande successo, compreso l'ultimo, pubblicato nel 2009, I Look To You.
2. Mary J.Blige
Uno dei musicisti e produttori più rispettati del nostro tempo, Sean "Diddy" Combs (Sean "Diddy" Combs) l'ha definita la "Regina dell'hip-hop", e questo titolo non è affatto un'esagerazione. I singoli più popolari della cantante You Remind Me e Real Love hanno segnato l'inizio della sua vertiginosa carriera come uno dei più cantanti brillanti del suo tempo. Venti successi n. 1, otto album ai vertici delle classifiche mondiali: risultati che quasi nessuno sarà presto in grado di superare.
1. R.Kelly
R. Kelly è in cima a questa lista e il posto non è vano. Dal gennaio 1985, ha registrato 35 successi nella top 10 delle canzoni R&B/hip-hop (più di chiunque altro) e un totale di 84 canzoni che sono entrate in classifica. Tra loro ci sono undici leader, tra cui Bump N "Grind (12 settimane in cima alle classifiche) e Down Low (Nobody Has To Know) (7 settimane). 11 album che sono diventati leader R&B / Hip-Hop hanno saldamente stabilito la sua considerato uno degli artisti di punta non solo della sua generazione, ma dell'intera storia dello spettacolo in generale. Artista leggendario non si ferma qui: quest'anno ha pubblicato il suo singolo 56 nella top 40 When a Woman Loves.
Rhythm and blues, o rhythm and blues (Rhythm and blues inglese, abbr. R & B, da non confondere con il cosiddetto "R'n'B") - un genere di musica popolare, originariamente eseguito da musicisti neri, integrati in combinazioni... Leggi tutto Rhythm and blues, o rhythm and blues (Rhythm and blues inglese, abbr. R & B, da non confondere con il cosiddetto "R'n'B") - un genere di musica popolare, originariamente eseguito da musicisti neri, integrato in una combinazione di blues, jazz e gospel. Il termine fu introdotto in circolazione nel 1949 dai compilatori delle classifiche della rivista americana "Billboard" al posto dell'espressione "racial music" (musica da razza), comune prima. Con l'allentamento della segregazione razziale negli Stati Uniti, il termine "rhythm and blues" si è evoluto per riferirsi a una vasta gamma di musica soul e funk eseguita da musicisti di tutte le razze e nazionalità. Non è consuetudine includere rock, hip-hop e reggae, che si sono sviluppati come direzioni indipendenti in un periodo successivo. Ora è consuetudine distinguere il cosiddetto moderno. "R'n'B" dall'R&B (classico). Il moderno R'n'B si riferisce a una direzione musicale che un tempo ebbe origine da una simbiosi di blues, soul e altri generi "razziali". Il rhythm and blues è considerato musica su una base blues pronunciata. Molte persone si riferiscono alla musica del rhythm and blues classico come rock, e con il concetto stesso di "rhythm and blues" intendono il moderno R'n'B. Questo è un malinteso molto comune. Molti critici stanno ancora discutendo se sia necessario attribuire il lavoro dei gruppi rhythm and blues al rock e attribuire al concetto stesso il suo "significato popolare". Alcuni credono che sia più semplice e quindi corretto. Altri dicono che il genere va considerato in base alle qualità e alle caratteristiche della musica. Il ritmo e il blues si diffusero durante la guerra. Si tratta infatti di un blues commerciale che ha avuto luogo durante il periodo della sua urbanizzazione e ha assorbito le note della vita cittadina. È particolarmente importante che non solo il personaggio sia stato trasformato, ma anche la composizione degli ensemble. Elettrificazione e utilizzo delle nuove tecnologie a metà degli anni '40. ha portato all'implementazione attiva come strumenti musicali chitarre elettriche, organi elettrici e bassi più tardi. Gli strumenti a percussione e la voce del cantante iniziarono ad essere amplificati con un microfono. Pertanto, un'orchestra di quattro elementi ha acquisito la capacità di suonare più forte e potente rispetto alla tradizionale big band di diciotto elementi. Ensemble elettrizzati di una nuova direzione, chiamati rhythm and blues, iniziarono a costringere grandi orchestre jazz e da ballo a uscire da balli, club e altri luoghi di intrattenimento, che si rivelarono economicamente non redditizi e stavano perdendo fan. Inoltre, il rhythm and blues ha messo radici nei piccoli ristoranti, caffè e bar. Il termine “rhythm and blues” viene utilizzato dagli specialisti della musica per sostituire il termine “Race Music” (musica razziale) precedentemente utilizzato in relazione alla musica di intrattenimento dei “neri”. "A metà degli anni Quaranta. artisti come Chuck Berry, Muddy Waters, Bebe King e Bo Diddley, che hanno avuto la più forte influenza sui creatori roccia moderna, porta il blues ancora più lontano dal vecchio stile. Loro hanno usato ritmi jazz, spesso raddoppiato con elementi di stile boogie-woogie. Di conseguenza vecchia tradizione praticamente estromesso dalla scena mainstream. Solo una manciata di giovani tentarono di imitare la musica della tradizione country blues, che all'epoca solo John Lee Hooker continuava a registrare su disco. "Ma ambiente culturale, - scrive D. L. Collier, - che ha dato origine al blues, è scomparso. Piantagioni, campi di lavoro e baracche dei detenuti erano una cosa del passato. Il negro americano non si sentiva più completamente fuori contatto con la corrente principale della cultura americana. Il vaso che aveva custodito le tradizioni africane per generazioni è andato in frantumi”. Crollo
, jazz E vangelo. Il termine è stato coniato 1949 charter americano rivista "
origini
Il ritmo e il blues risaltavano nel contesto blues al limite 1930 e gli anni '40 ed era associato a urbanizzazione cosiddetto "villaggio" americano neri Sud, suonando "country blues" (country blues). Ad esempio, nel Los Angeles bluesmen famosi come T-Bone Walker di Texas E BB Re da Menfi; V New York - Luigi Giordano da Arkansas E Joe Turner da Kansas City; dal delta Mississippi V Chicago - Acque fangose , Elmore James e Howlin Lupo.
Il trasferimento di questi artisti nelle città fu associato alla formazione di case discografiche negre, i cui prodotti furono distribuiti in "nero" ghetto grandi città. I musicisti che venivano a registrare spesso rimanevano nelle città, accettando lavoro prima in normali imprese industriali, e poi come artisti in club, bar e case da ballo "neri". Allo stesso tempo, artisti blues di campagna, accompagnandosi con una chitarra acustica, si trovarono di fronte al fatto che semplicemente non potevano essere ascoltati in locali rumorosi: fu allora che iniziarono a usare microfoni, pickup per chitarra e organi elettrici. IN 1939 apparso chitarra elettrica. L'elettrificazione e l'introduzione di nuove tecnologie hanno contribuito non solo allo sviluppo della registrazione del suono, ma in realtà sono diventate la causa dell'emergere di un nuovo stile di blues. La banda di quattro elementi è ora in grado di suonare più forte e potente della tradizionale big band di diciotto elementi. Il nuovo stile guadagnò gradualmente popolarità, spiazzando i concorrenti e guadagnando terreno 1949 La rivista Billboard ha coniato il termine "rhythm and blues" per riflettere i cambiamenti.
L'R&B è diventato una musica mainstream, commerciale e orientata al mercato. Rispetto al blues tradizionale un nuovo stile divenne più forte e aggressivo, perdendo alcune delle virtù del tranquillo blues rurale, le sue sfumature e l'intimità. Il ritmo e il blues sono diventati molto più monotoni: l'intrattenimento e la ballabilità sono venuti alla ribalta. Il gruppo di interpreti cominciò a prevalere sul solista e la funzione di autoespressione di quest'ultimo, tradizionale per il "vecchio" blues, passò in secondo piano. Tra i classici del primo rhythm and blues si possono notare musicisti come Acque fangose, Arthur Crudup, BB Re , Jay McShann, Howlin' Wolf e Joe Turner.
anni Cinquanta
Contemporaneamente al rock and roll, la direzione si distingue nel rhythm and blues oh woop (doo wop), che consisteva in un'esecuzione vocale coordinata di una melodia relativamente lenta da parte di un gruppo di cantanti dello stesso sesso. L'importanza dell'orchestra è stata mantenuta al minimo, con classici doo-wop come "In the Still of the Nite" e "I Only Have Eyes for You" spesso suonati a cappella. A differenza del rock 'n' roll, il doo-woop non si è diffuso al di fuori dell'America, in parte perché l'abilità dei cantanti doo-wop si basa sulla tradizione del canto in chiesa, caratteristica degli stati meridionali degli Stati Uniti. Tra le classiche band doo-wop si conoscono: I Piatti, I Drifters, I Miracoli, Le Ronettes, Le tentazioni.
Sviluppo del rhythm and blues britannico: anni '50 -'60
Anni Sessanta: anima classica
All'inizio degli anni '60, il rock and roll, con le sue varie ramificazioni, si era affermato come il pilastro della musica popolare negli Stati Uniti e in Europa. L'intensità emotiva del primo rock and roll è stata sostituita dal morbido sentimentalismo degli artisti bianchi come loro Pat Boone E Fratelli sempre. Al contrario, l'innovatore del rhythm and blues Sam Cook ha creato uno stile esecutivo speciale che ha catturato la spontaneità e l'immediatezza del sentimento lirico. L'atmosfera di improvvisazione inerente alle esibizioni dal vivo è stata trasmessa dalla musica Ray charles, arricchito con elementi di gospel e jazz.
Lo stile individualizzato e più emotivo del rhythm and blues - Charles e Cook sono considerati i suoi fondatori - era chiamato " anima" (letteralmente - "anima"). Il termine divenne così ampiamente utilizzato che il termine più ampio "rhythm and blues" cadde in disuso al di fuori degli Stati Uniti per diversi decenni. dai più grandi maestri la classica anima del sud era Aretha Franklin E Otis Redding, il cui lavoro è strettamente connesso con la lotta dei neri per i loro diritti civili.
Anni Settanta: Funk
Entro la fine degli anni Sessanta, nell'ambito del rhythm and blues, la direzione era ponderata musica dance - « funk". I primi dischi in questo stile appartengono a James Brown("I Feel Good"), tuttavia, l'ulteriore sviluppo di questa musica è indissolubilmente legato ai nomi Pietra furba E George Clinton. Funk da club elettrizzato, uno dei rappresentanti caratteristici del quale era Isaac Hayes, diede a metà degli anni '70 l'inizio della musica il nome " discoteca ».
Nel frattempo, negli anni '70, continuò lo sviluppo del soul che, come il funk, smise gradualmente di essere la musica dei neri. I Righteous Brothers hanno aperto la strada al soul per molti artisti bianchi, principalmente britannici: Springfield polverosa , Van Morrison , Joe Cocker. Il confine tra rhythm and blues e musica rock è estremamente sfumato nei primi lavori Elton John e in alcune voci David Bowie. Negli Stati Uniti, il rhythm and blues eseguito dai bianchi (in particolare britannici) è ironicamente chiamato "soul dagli occhi azzurri".
Di più direzione classica nel rhythm and blues erano rappresentati da cantanti di talento Al Verde, Lou Rawls, Dion Warwick , Roberta Flack e Natalie Cole, mentre le due star principali dell'etichetta Motown lo sono Stevie Wonder E Marvin Gay- raggiunse una significativa indipendenza creativa e pubblicò una serie di album sperimentali a metà degli anni '70, che spazzarono via tutti i divieti e le convenzioni artistiche e di censura precedentemente esistenti, aprendo periodo moderno nella storia del rhythm and blues.
Gli anni Ottanta: anima rinnovata
Gli artisti rhythm and blues di maggior successo commerciale della metà degli anni '80 lo sono Lionel Richie E Whitney Houston- è diventato famoso grazie a ballate romantiche, registrato in modo così accurato e impeccabile da dare l'impressione di una certa evirazione emotiva. Nonostante la loro voce forte e piena di sentimento, le loro registrazioni evitano l'esperienza cruda e diretta su cui si basavano. scuola classica anima, a favore di una raffinatezza sofisticata. Michael Jackson E Giorgio Michele fanno affidamento non tanto sul soul modernizzato quanto su un tipo di funk piuttosto aggressivo e orientato al commercio. Il termine molto vago " contemporaneo urbano", o semplicemente "urbano".
Il più grande maestro del rinnovato rhythm and blues degli anni '80, che con ogni nuovo album ha aperto (e continua ad aprire) nuove vie del suo sviluppo, è diventato Principe. Nel suo lavoro un approccio fondamentalmente sperimentale convive armoniosamente con l'estrema emotività e la ricerca di nuove vie espressive.
Negli anni '80, con il passare della fugace era della disco, il termine "rhythm and blues" è nuovamente richiesto al di fuori degli Stati Uniti, questa volta per riferirsi al funk moderno ("rhythm") e al soul ("blues"), e gli innumerevoli ibridi in mezzo. Ciò è dovuto al fatto che nelle condizioni moderne è difficile tracciare una linea chiara tra le componenti veloci (“funk”) e lente (“soul”) del rhythm and blues. Non ci sono praticamente artisti specializzati esclusivamente in soul o funk. Nel repertorio dei principali interpreti si possono trovare composizioni in entrambi gli stili, così come quelle che illustrano la gradazione e la sintesi tra loro.
Anni Ottanta: tempesta tranquilla
A partire dalla prima metà degli anni '80 e fino alla metà degli anni '90, la direzione principale ( corrente principale) della musica pop americana era la cosiddetta "tempesta tranquilla" - una varietà commerciale di rhythm and blues leggero e discreto focalizzata sulla più ampia gamma di formati radiofonici. Il nome della direzione risale a quello uscito in 1975 album di Smokey Robinson, uno dei pilastri dell'etichetta Motown. Il suo disco A Quiet Storm ha assorbito i risultati più importanti degli anni precedenti: il ritmo rilassato e senza fretta e i passaggi vocali morbidi e fluidi di Al Green, l'atmosfera romantico-erotica generale di "Let's Get It On" di Marvin Gay e la caratteristica della scuola Filadelfia tecnica di strumentazione dell'anima.
Dopo i già citati Lionel Richie ("Can't Slow Down", 1984) e Whitney Houston ("Whitney Houston", 1986), la patinata tradizione della "tempesta tranquilla" è continuata negli anni '90. Mariah Carey , Toni Braxton, Luther Vandross, così come cantanti meno conosciuti che in quegli anni preferivano lavorare con il produttore alla moda Babyface. I gruppi ritmici e blues vocali (ad esempio i Boyz II Men), che hanno parzialmente ereditato le tradizioni delle squadre doo-wop degli anni '60, stanno guadagnando una straordinaria popolarità. Dal 1996, la “tempesta tranquilla” è entrata in un periodo di crisi e sta rapidamente perdendo popolarità a favore di movimenti più dinamici del rhythm and blues, che hanno incorporato elementi della moda hip-hop. Questi includono, prima di tutto, il soul hip-hop e il neo-soul.
Anni Novanta: R&B contemporaneo
Anni 2000: anima neo
articolo principale: neo-anima
La fase moderna nello sviluppo del rhythm and blues è solitamente caratterizzata come "neo soul" ( neo-anima). Questa direzione un po' retrospettiva è un ritorno al suono vintage del soul classico degli anni '60 e '70, che è particolarmente evidente nel lavoro di D "Angelo, Lauren Hill ed Erica Badu. Il trio può essere considerato il pioniere di questa tendenza. I fuggiaschi, nel cui lavoro c'è stata una reazione contro il piano mondano del rhythm and blues della metà degli anni '90 (un tipico esempio è la canzone “ Uccidendomi dolcemente con la sua canzone » 1996). Oltre al soul classico, il neo soul assorbe attivamente elementi di hip-hop alternativo (Lauren Hill), jazz e persino musica classica ( Alicia Keys).
Va notato che il neo soul rimane relativamente impopolare nel rhythm and blues moderno. Una direzione più orientata al commercio, rappresentata da artisti come Asher E Beyoncé, continua a svilupparsi in linea con l'anima hip-hop degli anni '90.