Rafael Santi lavora. Sete di nuove conoscenze. Di cosa è morto Rafael Santi?

Fu sepolto nella chiesa di San Sisto, sotto la stessa “Madonna Sistina”, per la quale, due secoli dopo, avrebbero pagato quasi 100 kg d'oro e lo avrebbero portato in Germania. Ma a Margarita non fu permesso di partecipare al servizio funebre: nessuno credeva che fosse stata a lungo la moglie segretamente sposata di un genio. Raffaello fu sepolto nel Pantheon, dove riposano le spoglie dei più grandi personaggi d'Italia.
Gli studenti dell’artista incolparono l’infedele Margarita della morte del loro insegnante e giurarono di vendicarsi perché, attraverso una serie di innumerevoli tradimenti, lei spezzò il cuore di un grande uomo.

Spaventata Margarita corse da suo padre, nella cui casa si nascondeva da tempo. Qui una volta si trovò faccia a faccia con il suo ex fidanzato Tomaso, che, per sua grazia, trascorse cinque anni in clausura monastica. Margherita non trovò di meglio che tentare di sedurlo e scoprì le sue spalle rigogliose davanti al pastore. Lui, afferrando una manciata di terra, la gettò in faccia alla sua ex fidanzata e se ne andò, per non rivedere mai più la donna che gli aveva rovinato la vita.

L'eredità lasciata da Rafael basterebbe alla frivola Fornarine per cambiare vita e diventare una donna perbene. Ma, avendo sentito il gusto dell'amore carnale e di una vita spensierata, avendo conosciuto gli uomini più famosi di Roma, non voleva cambiare nulla. Fino alla fine dei suoi giorni, Margarita Luti rimase una cortigiana. Morì nel monastero, ma la causa della sua morte è sconosciuta.

Le pittoresche creazioni di Raffaello decorano i musei più famosi del mondo. Inoltre, grazie soprattutto a loro, questi musei sono diventati famosi. Milioni di persone ogni anno si fermano in ammirazione davanti all'immagine della “Madonna Sistina”, che da tempo è diventata il tesoro principale della Galleria di Dresda. Guardano con tenerezza una donna bellissima e ultraterrena che porge loro un fiducioso bambino dal cielo... Ma pochi sanno che la carne terrena della donna raffigurata nella foto non è Sì, apparteneva alla cortigiana più voluttuosa e dissoluta d'Italia - colui che ha distrutto un genio nel pieno dei suoi poteri e del suo talento.

Tuttavia in letteratura esiste anche un'altra versione degli eventi descritti. Raffaello si innamorò fin dall'inizio della depravata fanciulla romana, conosceva molto bene il suo valore, ma nell'atmosfera immorale della corte dei papi-filantropo non si vergognò di usarla in matrimonio per onorare la modella quando dipingeva. i volti della Madre di Dio. .

Rafael Santi (Raffaello Santi) è un artista italiano, maestro della grafica e delle soluzioni architettoniche, rappresentante della scuola pittorica umbra del Rinascimento.

Raffaello nacque alle tre del mattino nella famiglia di un artista e decoratore il 6 aprile 1483 nella città italiana (Urbino). È il centro culturale e storico della regione (Marche) nell'Italia orientale. Le località turistiche di Pesaro e Rimini si trovano vicino alla città natale di Raffaello.

Genitori

Il padre della futura celebrità, Giovanni Santi, lavorava nel castello del duca di Urbino Federico da Montefeltro, sua madre Margie Charla faceva i lavori domestici.

Il padre notò presto la capacità del figlio di dipingere e spesso lo portò con sé a palazzo, dove il ragazzo comunicava con artisti famosi come Piero della Francesca, Paolo Uccello e Luca Signorelli.

Scuola a Perugia

All'età di 8 anni, Rafael perse sua madre e suo padre portò in casa una nuova moglie, Bernardina, che non mostrava amore per il figlio di qualcun altro. All'età di 12 anni, il ragazzo rimase orfano., avendo perso il padre. I fiduciari mandarono il giovane talento a studiare con Pietro Vannucci a Perugia.

Fino al 1504 Raffaello fu educato alla scuola del Perugino, studiando con entusiasmo le capacità del maestro e cercando di imitarlo in tutto. Amichevole, affascinante e privo di arroganza, il giovane fece amicizia ovunque e adottò rapidamente l'esperienza dei suoi insegnanti. Ben presto le sue opere divennero impossibili da distinguere dalle opere di Pietro Perugino.

I primi capolavori eccezionali di Raffaello furono i dipinti:

• “Il fidanzamento della Vergine Maria” (Lo sposalizio della Vergine), 1504, esposto alla Galleria di Milano (Pinacoteca di Brera);
• “Madonna Connestabile”, 1504, appartiene all'Ermitage (San Pietroburgo);
• “Il sogno di un cavaliere” (Sogno del cavaliere), 1504, il dipinto è esposto alla National Gallery di Londra;
• “Le Tre Grazie”, 1504, è esposto al Musée Condé del castello di Chantilly, in Francia;
• Nelle opere è ben visibile l'influenza del Perugino, proprio stile Raffaello ha iniziato a creare poco dopo.

A Firenze

Nel 1504 Raffaello si trasferì a Firenze, al seguito del maestro Perugino. Grazie al maestro, il giovane conobbe il genio dell'architettura Baccio d'Agnolo, uno scultore eccezionale Andrea Sansovino, il pittore Bastiano da Sangallo e il suo futuro amico e protettore Taddeo Taddei. Un incontro con Leonardo da Vinci ha avuto un impatto significativo sul processo creativo di Raffaello. Una copia del dipinto “Leda e il cigno” appartenuto a Raffaello è sopravvissuta fino ad oggi (unica in quanto l'originale stesso non è sopravvissuto).

Sotto l'influenza di nuovi insegnanti, Raffaello, mentre vive a Firenze, crea più di 20 Madonne, mettendo in esse il suo desiderio per l'amore e l'affetto che non ha ricevuto da sua madre. Le immagini respirano amore, sono tenere e sofisticate.

Nel 1507 l'artista ricevette l'incarico da Atalanta Baglioni, la cui unico figlio morì. Raffaello realizza il dipinto “Deposizione” (La deposizione), ultimo lavoro a Firenze.

La vita a Roma

Nel 1508, Papa Giulio II (Iulius PP. II), nel mondo - Giuliano della Rovere (Giuliano della Rovere) invita Raffaello a Roma per dipingere l'antico Palazzo Vaticano. Dal 1509 fino alla fine dei suoi giorni, l'artista lavorò, mettendo nella sua opera tutta la sua abilità, tutto il suo talento e tutta la sua conoscenza.

Alla morte dell'architetto Donato Bramante, Papa Leone X (Leone PP. X), nel mondo - Giovanni Medici, dal 1514 nominò Raffaello capo architetto della costruzione (Basilica Sancti Petri), nel 1515 diventò anche custode di oggetti di valore . Il giovane si assunse la responsabilità del censimento e della conservazione dei monumenti. Per il Tempio di San Pietro Raffaello elaborò un progetto diverso e completò la costruzione di un cortile loggiato.

Altre opere architettoniche di Raffaello:

• Chiesa di Sant'Eligio degli Orefici, edificata sulla via omonima nel , la costruzione iniziò nel 1509.
• Cappella Chigi (La cappella Chigi) della chiesa (Basilica di Santa Maria del Popolo), situata in Piazza del Popolo. La costruzione iniziò nel 1513 e fu completata (da Giovanni Bernini) nel 1656.
• Palazzo Vidoni-Caffarelli a Roma, situato all'incrocio tra Piazza Vidoni e Corso Vittorio Emanuele. La costruzione iniziò nel 1515.
• Di fronte alla Basilica di San Pietro si trovava il Palazzo Branconio dell'Aquila, ormai in rovina. La costruzione fu completata nel 1520.
• Il Palazzo Pandolfini a Firenze in Via San Gallo fu costruito dall'architetto Giuliano da Sangallo secondo i disegni di Raffaello.

Papa Leone X aveva paura che i francesi potessero attirarlo artista di talento, quindi ho cercato di dargli quanto più lavoro possibile, senza lesinare su regali e lodi. A Roma Raffaello continua a dipingere Madonne, senza allontanarsi dal tema preferito della maternità.

Vita privata

I dipinti di Raffaello gli hanno portato non solo la fama di un artista eccezionale, ma anche molti soldi. Non gli mancarono mai né le attenzioni dei reali né le risorse finanziarie.

Durante il regno di Leone X acquisì casa di lusso in stile antico, costruito secondo il nostro disegno. Tuttavia, i molteplici tentativi di sposare il giovane da parte dei suoi protettori non portarono a nulla. Rafael era un grande fan bellezza femminile. Per iniziativa del cardinale Bibbiena, l'artista si fidanzò con la nipote Maria Dovizi da Bibbiena, ma le nozze non ebbero luogo. il maestro non ha voluto sposarsi. Nome di uno famosa amante Raffaello - Beatrice di Ferrara, ma molto probabilmente era una normale cortigiana romana.

L'unica donna che riuscì a conquistare il cuore di un ricco donnaiolo fu Margherita Luti, figlia di un fornaio, soprannominata La Fornarina.

L’artista ha incontrato una ragazza nel Giardino Chigi mentre cercava un’immagine per “Amore e Psiche”. Il trentenne Raffaello dipinse (Villa Farnesina) a Roma, che apparteneva al suo ricco mecenate, e la bellezza di una ragazza di diciassette anni si adattava perfettamente a questa immagine.

• Consigliamo di visitare la seguente escursione:

Il padre della ragazza, per 50 monete d'oro, permise alla figlia di posare per l'artista, e più tardi, per 3.000 monete d'oro, permise a Raffaello di portarla con sé. Per sei anni i giovani hanno vissuto insieme, Margarita non ha mai smesso di ispirare il suo ammiratore con nuovi capolavori, tra cui:

• « Madonna Sistina"("Madonna Sistina"), Galleria dei maestri antichi (Gemäldegalerie Alte Meister), Dresda, Germania, 1514;.;
• "Donna Velata", Galleria Palatina, (Palazzo Pitti), Firenze, 1515;
• “Fornarina” (“La Fornarina”), Palazzo Barberini, Roma, 1519;

Dopo la morte di Raffaello, la giovane Margarita ricevette il mantenimento per tutta la vita e una casa. Ma nel 1520 la ragazza divenne novizia nel monastero, dove poi morì.

Morte

La morte di Raffaello ha lasciato molti misteri. Secondo una versione, l'artista, stanco delle sue avventure notturne, tornò a casa indebolito. I medici avrebbero dovuto sostenere le sue forze, ma hanno eseguito un salasso, che ha ucciso il paziente. Secondo un'altra versione, Raffaello prese un raffreddore durante gli scavi nelle gallerie sepolcrali sotterranee.

Il 6 aprile 1520 il maesto morì. Fu sepolto nel Pantheon con i dovuti onori. La tomba di Raffaello può essere vista durante il giro turistico di Roma all'alba.

Madonne

Imitando il suo maestro Pietro Perugino, Raffaello dipinse una galleria di quarantadue dipinti della Vergine col Bambino. Nonostante la varietà delle trame, le opere sono accomunate dalla toccante bellezza della maternità. L'artista trasferisce sulle tele la mancanza dell'amore materno, rafforzando e idealizzando la donna che protegge con ansia il piccolo angelo.

Le prime Madonne di Raffaello furono create nello stile del Quattrocento, comune durante il primo Rinascimento nel XV secolo. Le immagini sono limitate, asciutte, le figure umane sono presentate rigorosamente frontalmente, lo sguardo è immobile, sui loro volti c'è calma e solenne astrazione.

Il periodo fiorentino introduce sentimenti nelle immagini della Madre di Dio, si manifestano ansia e orgoglio per suo figlio. I paesaggi sullo sfondo diventano più complessi e l'interazione dei personaggi raffigurati diventa evidente.

Nelle opere romane successive si possono discernere le origini del barocco, i sentimenti diventano più complessi, pose e gesti sono lontani dall'armonia rinascimentale, le proporzioni delle figure sono allungate e si osserva una predominanza di toni cupi.

La Madonna Sistina (Madonna Sistina) è la più famosa di tutte le immagini della Madre di Dio che misura 2 m 65 cm per 1 m 96 cm L'immagine della Madonna è presa dalla diciassettenne Margherita Luti, figlia di un fornaio e amante dell'artista.

Maria, scendendo dalle nuvole, porta tra le braccia un bambino insolitamente serio. Vengono accolti da Papa Sisto II e Santa Barbara. Nella parte inferiore dell'immagine ci sono due angeli, presumibilmente appoggiati al coperchio di una bara. L'angelo a sinistra ha un'ala. Il nome Sisto è tradotto dal latino come “sei”; la composizione è composta da sei figure – le tre principali formano un triangolo; lo sfondo della composizione sono i volti degli angeli sotto forma di nuvole. La tela fu realizzata per l'altare della Basilica di San Sisto a Piacenza nel 1513. Dal 1754 l'opera è esposta nella Galleria degli Antichi Maestri.

Madonna col Bambino

Un altro nome per il dipinto, realizzato nel 1498, è “Madonna della Casa dei Santi” (“Madonna di Casa Santi”). È diventato il primo appello dell’artista all’immagine della Madre di Dio.

L'affresco è conservato nella casa natale dell'artista, in via Raffaello a Urbino. Oggi l'edificio è chiamato “Casa-Museo di Raffaello Santi” (“Casa Natale di Raffaello”). La Madonna è mostrata di profilo, mentre legge un libro posto su un leggio. Ha un bambino addormentato tra le braccia. Le mani della madre sostengono e accarezzano dolcemente il bambino. Le pose di entrambe le figure sono naturali e rilassate, l'atmosfera è determinata dal contrasto dei toni scuri e bianchi.

La Madonna del Granduca è l'opera più misteriosa di Raffaello, completata nel 1505. Il suo schizzo preliminare indica chiaramente la presenza di un paesaggio sullo sfondo. Il disegno è conservato nel Gabinetto dei Disegni e degli Studi della Galleria degli Uffizi, a Firenze.

• Consigliamo di visitare: con una guida d'arte autorizzata

Una radiografia dell'opera finita conferma che il dipinto originariamente aveva uno sfondo diverso. L'analisi della vernice indica che lo strato superiore del dipinto è stato applicato 100 anni dopo la sua creazione. Presumibilmente ciò potrebbe essere stato realizzato dall'artista Carlo Dolci, proprietario della Madonna Granduca, che preferiva lo sfondo scuro delle immagini religiose. Nel 1800 Dolci vendette il dipinto al duca Francesco III (François III) nella forma in cui è sopravvissuto fino ai giorni nostri. La Madonna prende il nome “Granduka” dal nome dello stesso proprietario (Grand Duca - Granduca). Il dipinto, che misura 84 cm per 56 cm, è esposto nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti a Firenze.

Per la prima volta, A. S. Pushkin notò la somiglianza tra Madonna Bridgewater e sua moglie Natalya Nikolaevna nell'estate del 1830, dopo aver visto una copia di un dipinto realizzato nel 1507 nella vetrina di una libreria sulla Prospettiva Nevskij. Questa è un'altra opera misteriosa di Raffaello, in cui il paesaggio sullo sfondo è dipinto con vernice nera. Ha viaggiato a lungo in giro per il mondo, dopo di che il duca di Bridgewater ne è diventato il proprietario.

Successivamente gli eredi conservarono l'opera nella tenuta Bridgewater a Londra per più di cento anni. Nel secondo guerra mondiale La Madonna bionda fu trasportata alla National Gallery of Scotland di Edimburgo, dove è esposta oggi.

La Madonna Connestabile è l'opera di finitura del maestro in Umbria, dipinta nel 1502. Prima dell'acquisizione da parte del conte Conestabile della Staffa, era chiamata Madonna del Libro.

Nel 1871 Alessandro II lo acquistò dal conte per donarlo alla moglie. Oggi questa è l'unica opera di Raffaello che appartiene alla Russia. È esposto all'Ermitage di San Pietroburgo.

L'opera è presentata in una ricca cornice realizzata contemporaneamente alla tela. Durante il trasferimento del dipinto dalla tavola alla tela nel 1881, si scoprì che invece del libro, la Madonna inizialmente teneva con sé una melagrana, segno del sangue di Cristo. Al momento della creazione della Madonna, Raffaello non padroneggiava ancora la tecnica di ammorbidire le transizioni delle linee - sfumato, quindi presentò il suo talento con l'influenza non diluita di Leonardo da Vinci.

La "Madonna d'Alba" fu realizzata da Raffaello nel 1511 su richiesta del vescovo Paolo Giovio. durante l'apice creativo dell'artista. Per molto tempo, fino al 1931, il dipinto appartenne all'Ermitage di San Pietroburgo, successivamente fu venduto a Washington, negli Stati Uniti, e oggi è esposto alla National Gallery of Art.

La posa e le pieghe degli abiti della Madre di Dio ricordano le sculture dell’antichità. L'opera è insolita in quanto è incorniciata da un cerchio del diametro di 945 mm. Il titolo “Alba” fu dato alla Madonna nel XVII secolo in memoria dei duchi d'Alba (un tempo il dipinto si trovava nel palazzo di Siviglia, appartenuto agli eredi di Olivares). Nel 1836, l'imperatore russo Nicola I lo acquistò per 14.000 sterline e ne ordinò il trasferimento dal legno alla tela. Allo stesso tempo, parte della natura a destra è andata perduta.

La "Madonna della Seggiola" fu realizzata nel 1514 ed è esposta nella Galleria Palatina di Palazzo Pitti. La Madre di Dio è vestita con gli abiti eleganti delle donne italiane del XVI secolo.

La Madonna abbraccia e abbraccia forte suo figlio con entrambe le braccia, come se sentisse ciò che dovrà sperimentare. A destra Giovanni Battista li guarda nella forma ragazzino. Tutte le figure sono disegnate avvicinamento e lo sfondo per l'immagine non è più necessario. Non c'è rigore nelle forme geometriche e prospettive lineari, ma c'è uno sconfinato amore materno, espresso dall'uso di colori caldi.

La grande tela di Raffaello (1 m 22 cm per 80 cm) de “Il bellissimo giardiniere” (La Belle Jardiniere), dipinta nel 1507, appartiene a una delle mostre più preziose del Louvre di Parigi (Musée du Louvre).

Inizialmente il dipinto si chiamava “La Santa Vergine in abito da contadino” e solo nel 1720 il critico d’arte Pierre Mariette decise di dargli un nome diverso. Maria è raffigurata seduta in giardino con Gesù e Giovanni Battista. Il figlio prende il libro e guarda la madre negli occhi. Giovanni tiene in mano un bastone con una croce e guarda Cristo. Gli aloni sono appena visibili sopra le teste dei personaggi. La pace e la tranquillità sono date da un cielo turchese con nuvole bianche, un lago, erbe in fiore e bambini paffuti vicino alla gentile e gentile Madonna.

Madonna con il cardellino

La Madonna con il cardellino (Madonna del Cardellino) è riconosciuta come una delle migliori creazioni di Raffaello, dipinta nel 1506. Esposta nella Galleria degli Uffizi (Galleria degli Uffizi) a Firenze.

Il committente del dipinto fu un amico dell'artista, il mercante Lorenzo Nazi, che chiese che l'opera fosse pronta per il suo matrimonio. Nel 1548 il dipinto andò quasi perduto quando il monte San Giorgio crollò sulla casa del mercante e sulle case vicine. Tuttavia il figlio di Lorenzo, Batista, raccolse tutte le parti del dipinto dalle rovine e le donò a Ridolfo del Ghirlandaio per il restauro. Ha fatto tutto il possibile per restituire al capolavoro l'aspetto originale, ma le tracce dei danni non potevano essere completamente nascoste. La radiografia mostra 17 elementi separati collegati da chiodi, nuova verniciatura e quattro inserti sul lato sinistro.

La Piccola Madonna di Cowper (Piccola Madonna Cowper) fu realizzata nel 1505 e prese il nome dal conte Cowper, nella cui collezione l'opera rimase per molti anni. Nel 1942 donato alla National Gallery of Art di Washington. La Santa Vergine, come in molti altri dipinti di Raffaello, è rappresentata con vesti rosse, a simboleggiare il sangue di Cristo. Sulla parte superiore viene aggiunto un mantello blu come simbolo di innocenza. Sebbene nessuno in Italia camminasse così, Raffaello raffigurò la Madre di Dio esattamente con questi abiti. L'inquadratura principale è occupata da Maria appoggiata su una panchina. Con la mano sinistra abbraccia il Cristo sorridente. Dietro si vede una chiesa che ricorda il Tempio di San Bernardino (Chiesa di San Bernardino) a Urbino, patria dell'autore del quadro.

Ritratti

Non ci sono molti ritratti nella collezione di Raffaello; morì presto. Tra questi si possono evidenziare le prime opere realizzate nel periodo fiorentino e opere della sua età matura, realizzate durante il soggiorno a Roma dal 1508 al 1520. L'artista trae molto dal vero, definendone sempre chiaramente i contorni, raggiungendo la più accurata corrispondenza dei immagine all'originale. La paternità di molte opere è messa in dubbio; altri possibili autori includono: Pietro Perugino, Francesco Francia, Lorenzo di Credi.

Ritratti realizzati prima di trasferirsi a Firenze

Alla Galleria Borghese è esposto un olio su tavola (45 cm per 31 cm), eseguito nel 1502.

Fino al XIX secolo la paternità del ritratto è stata attribuita al Perugino, ma recenti ricerche indicano che il capolavoro fu dipinto dal primo Raffaello. Forse questa è l'immagine di uno dei duchi, contemporanei dell'artista. I riccioli fluenti e l'assenza di difetti facciali idealizzano in qualche modo l'immagine, ciò non corrispondeva al realismo degli artisti dell'Italia settentrionale dell'epoca.

• Noi raccomandiamo:

Un ritratto di Elisabetta Gonzaga, realizzato nel 1503, che misura 52 cm per 37 cm, è esposto alla Galleria degli Uffizi.

Elisabetta era la sorella di Francesco II Gonzaga e la moglie di Guidobaldo da Montefeltro. La fronte della donna è decorata con un ciondolo a forma di scorpione, la sua acconciatura e i suoi vestiti sono raffigurati alla moda dei contemporanei dell’autore.. Secondo gli storici dell'arte i ritratti dei Gonzaga e dei Montefeltro furono in parte dipinti da Giovanni Santi. Elisabetta fu cara a Raffaello perché fu coinvolta nella sua educazione quando rimase orfano.

Il Ritratto di Pietro Bembo, una delle prime opere di Raffaello del 1504, rappresenta il giovane Pietro Bembo, divenuto cardinale, praticamente il sosia dell'artista.

Nell'immagine, i lunghi capelli del giovane scendono morbidamente da sotto un berretto rosso. Le mani sono giunte sul parapetto, un pezzo di carta è stretto nel palmo destro. Raffaello incontrò per la prima volta Bembo nel castello del duca di Urbino. Il ritratto in olio su tavola (54 cm per 39 cm) è esposto al Museo di Belle Arti (Szépművészeti Múzeum) di Budapest, Ungheria.

Ritratti del periodo fiorentino

Il ritratto di donna incinta di Donna Gravida (La donna gravida) fu eseguito nel 1506 ad olio su tela misurando 77 cm per 111 cm ed è conservato a Palazzo Pitti.

Ai tempi di Raffaello non era consuetudine raffigurare donne incinte, ma il ritrattista dipingeva immagini vicine alla sua anima senza riguardo ai dogmi. Il tema della maternità, che attraversa tutte le Madonne, si rifletteva anche nelle immagini degli abitanti del mondo. Gli storici dell'arte ritengono che possa trattarsi di una donna della famiglia Bufalini, di Città di Castello o di Emilia Pia da Montefeltro. L'appartenenza a una classe benestante è indicata da un abito alla moda, gioielli sui capelli, anelli con pietre preziose sulle dita e una catena attorno al collo.

Ritratto di dama con liocorno (Dama col liocorno) in olio su tavola, 65 cm per 61 cm, dipinto nel 1506, è esposto alla Galleria Borghese.

Presumibilmente, Giulia Farnese ha posato per l'immagine. amore segreto Papa Alessandro VI (Alessandro PP. VI). L'opera è interessante perché durante i numerosi restauri l'immagine della dama venne più volte modificata. L'immagine a raggi X mostra la sagoma di un cane invece che di un unicorno. Forse il lavoro sul ritratto ha attraversato diverse fasi. Raffaello potrebbe essere stato l'autore del busto, del paesaggio e del cielo della figura. Giovanni Sogliani potrebbe aver dipinto le colonne ai lati della loggia, braccia con maniche e un cane. Un'altra mano di vernice successiva aumenta il volume dell'acconciatura, cambia le maniche e completa il cane. Dopo alcuni decenni, il cane diventa un unicorno, le mani vengono riscritte. Nel XVII secolo la dama diventa Santa Caterina avvolta in un mantello.

Auto ritratto

Autoritratto (Autoritratto) di 47,5 cm per 33 cm, eseguito nel 1506, è conservato alla Galleria degli Uffizi, Firenze.

L'opera appartenne per lungo tempo al cardinale Leopoldo Medici; dal 1682 è inclusa nella collezione della Galleria degli Uffizi. Un'immagine speculare del ritratto è stata dipinta da Raffaello sull'affresco “Scuola di Atene” nella sala principale del Palazzo Vaticano (Palazzo Apostolico). L'artista si è raffigurato con una modesta veste nera, adornandola solo con una piccola striscia di colletto bianco.

Ritratto di Agnolo Doni, ritratto di Maddalena Doni

Il ritratto di Agnolo Doni e il ritratto di Maddalena Doni (Ritratto di Agnolo Doni, Ritratto di Maddalena Doni) furono dipinti ad olio su tavola nel 1506 e si completano perfettamente a vicenda.

Agnolo Doni era un ricco commerciante di lana e commissionò un dipinto di se stesso e della sua giovane moglie (nata Strozzi) subito dopo il loro matrimonio. L'immagine della ragazza è creata a somiglianza della “Mona Lisa” (Leonardo da Vinci): la stessa rotazione del corpo, la stessa posizione delle mani. Gli accurati dettagli di vestiti e gioielli indicano la ricchezza della coppia.

I rubini simboleggiano la prosperità, gli zaffiri simboleggiano la purezza e il ciondolo di perle al collo di Maddalena simboleggia la verginità. In precedenza, entrambe le opere erano collegate tra loro tramite cardini. Dalla metà degli anni '20. XIX secolo i discendenti della famiglia Doni tramandano i ritratti.

Il dipinto Il Muto (La Muta) ad olio su tela che misura 64 cm per 48 cm fu realizzato nel 1507 ed esposto nella Galleria Nazionale delle Marche a Urbino.

Il prototipo dell'immagine è considerata Elisabetta Gonzaga, moglie del duca Guidobaldo da Montefeltro. Secondo un'altra versione potrebbe trattarsi della sorella del Duca, Giovanna. Fino al 1631 il ritratto si trovava a Urbino; ​​successivamente fu trasportato a Firenze. Nel 1927 l’opera fu nuovamente restituita alla patria dell’artista. Nel 1975 il dipinto fu rubato dalla galleria e un anno dopo fu ritrovato in Svizzera.

Ritratto di giovane uomo in olio su tavola (35 cm per 47 cm), dipinto nel 1505, è esposto a Firenze, agli Uffizi.

Francesco Maria della Rovere, qui raffigurato, era figlio di Giovanni Della Rovere e Giuliana Feltria. Suo zio nominò il giovane suo erede nel 1504 e gli commissionò subito questo ritratto. Un giovane in veste rossa è presentato nella natura modesta del nord Italia.

Il ritratto di Guidobaldo da Montefeltro (Ritratto di Guidоbaldo da Montefeltro) in olio su tavola (69 cm per 52 cm) fu eseguito nel 1506. L'opera fu conservata nel castello dei duchi di Urbino (Palazzo Ducale), dopodiché fu trasportato nella città di Pesaro.

Nel 1631 il dipinto entrò nella collezione della moglie di Ferdinando II de Medici, Vittoria della Rovere. Il Montefeltro, vestito di nero, è posto al centro della composizione, incorniciata dalle pareti scure della stanza. Sulla destra c'è una finestra aperta con la natura fuori. L'immobilità e l'ascetismo dell'immagine per lungo tempo hanno impedito a Raffaello di essere riconosciuto come l'autore del dipinto.

Stanze di Raffaello in Vaticano

Nel 1508 l'artista si trasferì a Roma, dove rimase fino alla morte. L'architetto Domato Bramante lo aiutò a diventare artista alla corte papale. Papa Giulio II dona al suo protetto le stanze di rappresentanza (stanze) dell'antico palazzo vaticano, poi denominato (Stanze di Raffaello), perché siano affrescate. Dopo aver visto la prima opera di Raffaello, il papa ordinò che i suoi disegni fossero applicati su tutte le superfici, rimuovendo gli affreschi degli altri autori e lasciando intatti solo i paralumi.

• Da visitare:

La traduzione letterale di “Stanza della Segnatura” suona come “stanza delle firme”; è l’unica a non essere stata rinominata secondo il tema degli affreschi.

Raffaello lavorò al suo dipinto dal 1508 al 1511. Nella stanza i reali firmavano documenti importanti e proprio lì c'era una biblioteca. Questa è la prima strofa delle 4 su cui ha lavorato Raffaello.

Affresco "Scuola di Atene"

Il secondo titolo della “Scuola di Atene”, il migliore degli affreschi realizzati, è “Conversazioni filosofiche”. Il tema principale - la disputa tra Aristotele (Aristotels) e Platone ((Platone), scritto con Leonardo da Vinci) sotto gli archi di un tempio fantastico, vuole riflettere l'attività filosofica. La lunghezza alla base è di 7 m 70 cm, nella composizione sono inseriti più di 50 caratteri, tra cui Eraclito ((Heraclitus), dipinto con), Tolomeo ((Ptolemaeus), autoritratto di Raffaello), Socrate (Sokrates), Diogene (Diogen), Pitagora (Pythagoras), Euclide ((Evklid), dipinto con Bramante) , Zoroastro ( Zoroastr) e altri filosofi e pensatori.

Affresco "Disputa", o "Disputa sulla Santa Comunione"

La dimensione della “Disputa sulla Santa Comunione” (“La disputa del sacramento”), che simboleggia la teologia, è di 5 m per 7 m 70 cm.

Nell'affresco gli abitanti celesti sono impegnati in un dibattito teologico con i mortali terreni (Fra Beato Angelico, Augustinus Hipponensis, Dante, Savonarola e altri). L’evidente simmetria dell’opera non è deprimente; al contrario, grazie al dono dell’organizzazione di Raffaello, sembra naturale e armoniosa. La figura principale della composizione è un semicerchio.

Affresco “Sapienza. Moderazione. Forza"

Affresco “Sapienza. Moderazione. Forza" ("La saggezza. La moderazione. Forza") è appoggiato sul muro tagliato da una finestra. Un altro nome per un'opera che glorifica la legislazione secolare ed ecclesiastica è "Giurisprudenza" (Giurisprudenza).

Sotto la figura della Giurisprudenza sul soffitto, sulla parete sopra la finestra ci sono tre figure: la Saggezza che si guarda allo specchio, la Forza nell'elmo e la Temperanza con le redini in mano. Sul lato sinistro della finestra c'è l'imperatore Giustiniano (Iustinianus) e Tribonianus (Tribonianus) inginocchiato davanti a lui. Sul lato destro della finestra c'è l'immagine di papa Gregorio VII (Gregorius PP. VII) che presenta i decreti dei papi a un avvocato.

Affresco "Parnaso"

L'affresco “Parnaso” (“il Parnaso”) o “Apollo e le Muse” (“Apollo e le Muse”) si trova sulla parete opposta a “Saggezza. Moderazione. Powers" e raffigura poeti antichi e moderni. Al centro dell'immagine c'è l'antico Apollo greco con una lira fatta a mano, circondato da nove muse. A destra ci sono: Omero, Dante, Anakreon, Virgilio, a destra ci sono Ariosto, Orazio, Terenzio, Ovidio.

Il tema del dipinto della Stanza di Eliodoro è l'intercessione dei poteri superiori per la Chiesa. La sala, i cui lavori sono in corso dal 1511. al 1514, prende il nome da uno dei quattro affreschi dipinti da Raffaello sulla parete. Il miglior allievo del maestro, Giulio Romano, ha aiutato l'insegnante nel suo lavoro.

Affresco “La Cacciata di Eliodor dal Tempio”

L'affresco “Cacciata di Eliodoro dal tempio” raffigura la leggenda secondo la quale il fedele servitore della dinastia reale seleucide, il capo militare Eliodoro, fu inviato a Gerusalemme per ritirare il tesoro delle vedove e degli orfani del Tempio di Salomone.

Quando entrò nella sala del tempio, vide un cavallo arrabbiato che correva con un angelo cavaliere. Il cavallo cominciò a calpestare Eliodor con gli zoccoli, e i compagni del cavaliere, anch'essi angeli, colpirono più volte il ladro con una frusta. Papa Giulio II è rappresentato nell'affresco come osservatore esterno.

Affresco "Messa a Bolsena"

Raffaello lavorò da solo all'affresco della “Messa di Bolsena”, senza coinvolgere assistenti. La trama raffigura un miracolo avvenuto nel Tempio di Bolsena. Il prete tedesco stava per iniziare il rito della comunione, nel profondo non credendo alla sua verità. Quindi 5 rivoli di sangue scorrevano dall'ostia (torta) nelle sue mani (2 di loro sono un simbolo delle mani trafitte di Cristo, 2 dei suoi piedi, 1 di loro è sangue dalla ferita del suo costato trafitto). La composizione contiene note di uno scontro con gli eretici tedeschi del XVI secolo.

Affresco "Portare fuori dal carcere l'apostolo Pietro"

Anche l'affresco “La liberazione dell'apostolo Pietro dal carcere” (“la Delivrance de Saint Pierre”) è opera interamente di Raffaello. La trama è tratta dagli “Atti degli Apostoli”, l'immagine è divisa in 3 parti. Al centro della composizione c'è il radioso apostolo Pietro, imprigionato in una cupa cella di prigione. A destra Pietro e l'angelo escono dalla prigionia mentre le guardie dormono. A sinistra c'è la terza azione, quando la guardia si sveglia, scopre lo smarrimento e lancia l'allarme.

Affresco “Incontro di Leone I Magno con Attila”

Una parte significativa dell’opera “L’incontro tra Leone Magno e Attila”, larga più di 8 metri, è stata realizzata dagli allievi di Raffaello.

Leone Magno ha le sembianze di papa Leone X. Secondo la leggenda, quando il capo degli Unni si avvicinò alle mura di Roma, Leone Magno gli andò incontro insieme ad altri membri della delegazione. Con la sua eloquenza convinse gli invasori ad abbandonare le loro intenzioni di attaccare la città e ad andarsene. Secondo la leggenda, Attila vide dietro Leone un sacerdote che lo minacciava con la spada. Potrebbe essere stato l'apostolo Pietro (o Paolo).

La Stanza dell'Incendio di Borgo è la sala di rifinitura alla quale Raffaello lavorò dal 1514 al 1517.

La stanza prende il nome dal principale e migliore affresco di Raffaello “Incendio di Borgo” del maestro. I suoi studenti hanno lavorato al resto dei dipinti secondo i disegni forniti.

Affresco “Incendio di Borgo”

Nell'847 il quartiere romano di Borgo, adiacente al Palazzo Vaticano, fu avvolto dalle fiamme. Essa crebbe finché Leone IV (Leone PP. IV) comparve dal Palazzo Vaticano e fermò il disastro con il segno della croce. Sullo sfondo c'è l'antica facciata della Basilica di San Pietro. A sinistra c'è il gruppo più riuscito: un giovane atletico porta sulle spalle il suo vecchio padre fuori dal fuoco. Nelle vicinanze, un altro giovane sta cercando di arrampicarsi sul muro (presumibilmente l'artista ha dipinto se stesso).

Stanza di Costantino

Raffaello ricevette l'ordine di dipingere la “Sala di Costantino” (“Sala di Costantino”) nel 1517, ma riuscì solo a realizzare solo schizzi dei disegni. La morte improvvisa del geniale creatore gli ha impedito di finire il suo lavoro. Tutti gli affreschi furono eseguiti dagli allievi di Raffaello: Giulio Romano, Gianfrancesco Penni, Raffaellino del Colle, Perino del Vaga.

1. Giovanni Santi insistette affinché fosse la madre ad allattare lei stessa il neonato Raffaello, senza ricorrere all'aiuto di un'infermiera.
2. Fino ad oggi sono sopravvissuti circa quattrocento disegni del maestro., tra i quali si trovano schizzi e immagini di dipinti perduti.
3. La straordinaria gentilezza e generosità spirituale dell'artista si sono manifestate non solo in relazione ai propri cari. Raffaello trascorse tutta la sua vita prendendosi cura come un figlio di un povero scienziato, traduttore di Ippocrate in latino, Rabio Calve. L'uomo colto era tanto santo quanto colto, quindi non accumulò fortuna per sé e visse modestamente.
4. Nei registri del monastero, Margarita Luti fu designata come “la vedova di Raffaello”. Inoltre, esaminando gli strati di pittura sul dipinto “Fornarina”, i restauratori hanno scoperto sotto un anello di rubino, forse un anello nuziale. Anche il decoro di perle nei capelli di “Fornarina” e “Donna Velata” indica il matrimonio.
5. Una dolorosa macchia bluastra sul petto della Fornarina suggerisce che la donna avesse un cancro al seno.
6. Nel 2020 ricorrono i 500 anni dalla morte del geniale artista. Nel 2016, per la prima volta in Russia, si è tenuta una mostra di Raffaello a Mosca, presso il Museo statale di belle arti Pushkin. Alla mostra “Raffaello. Poesia dell'immagine”, 8 dipinti e 3 disegno grafico, raccolti da vari musei d'Italia.
7. I bambini conoscono Raffaello (alias Raf) come una delle "Tartarughe Ninja" del cartone animato omonimo, che brandisce un'arma dalla lama perforante: il sai, che sembra un tridente.

↘️🇮🇹 ARTICOLI E SITI UTILI 🇮🇹↙️ CONDIVIDI CON I TUOI AMICI

Rafael Santi è un uomo dal destino incredibile, il pittore più segreto e bello del Rinascimento. I governanti d'Italia invidiavano il talento e l'intelligenza del brillante pittore, il gentil sesso lo adorava per il suo carattere allegro e l'attrattiva angelica, e per la sua gentilezza e generosità i suoi amici soprannominavano l'artista il messaggero del cielo. Tuttavia, i contemporanei non sospettavano che il magnanimo Raffaello fino alla fine dei suoi giorni temesse che la sua mente sarebbe caduta nell'abisso della follia.

La storia ha sempre il suo inizio e la sua continuazione. Così il 6 aprile 1483, nella cittadina del Regno d'Italia di Urbino, nella casa del pittore di corte dei duchi di Urbino e poeta Giovanni Santi, il grande Raffaele Santi.

Giovanni Santi diresse la più famosa bottega d'arte di Urbino. La tragedia in cui ha perso la sua amata moglie e madre è avvenuta di notte nella sua casa. Mentre l’artista si trovava a Roma, dove stava dipingendo il ritratto di Papa Giovanni II, il fratello Niccolò, in un impeto di follia, uccise l’anziana madre e ferì gravemente la incinta Maggia, moglie dell’artista. Le guardie arrivate sulla scena del crimine hanno arrestato il criminale, ma è riuscito a scappare. Preso da una paura folle, Niccolò si gettò dal ponte nel fiume ghiacciato. I soldati stavano sulla riva e cercavano di ripescare il corpo quando Majia Santi aveva già dato alla luce un bambino ed è morta per le ferite. Giovanni venne a conoscenza del problema dai commercianti in viaggio. Abbandonato tutto, corse a casa. Ma amici e vicini di casa hanno già battezzato il ragazzo Raffaello, seppellì sua moglie e sua madre.

L'infanzia del grande artista è stata molto felice e spensierata. Giovanni Santi, sopravvissuto a una terribile tragedia, investì tutte le sue forze in Raffaello, proteggendolo dalle preoccupazioni e dai guai del mondo reale, prevenendo possibili errori e correggendo quelli già commessi. Fin dall'infanzia, Rafael ha studiato solo con i migliori insegnanti, suo padre riponeva grandi speranze in lui, instillandogli il gusto per la pittura. I primi giocattoli Raffaello c'erano colori e pennelli del laboratorio di mio padre. E già a sette anni, Raffaele Santi ha espresso le sue dotate fantasie magiche nella bottega di un pittore di corte - nella bottega di suo padre. Ben presto Giovanni si risposò con Bernardina Parte, figlia di un orafo. Dal suo secondo matrimonio nacque una figlia, Elisabette.

Ogni giorno il ragazzo portava sempre più gioia. Giovanni osservava come suo figlio pensava e agiva nel suo mondo immaginario, e come queste mani deboli e ancora goffe esprimevano tutto sulla tela. Ha capito quel talento e capacità soprannaturali Raffaello molto più degno dei suoi, perciò mandò il ragazzo a studiare presso il suo amico, il pittore Timoteo Viti.

Durante il periodo di formazione, un bambino di dieci anni Raffaello per la prima volta si allontanò dai canoni del ritratto classico italiano del Rinascimento e padroneggiò quel gioco unico di colori e vernici, che oggi è un mistero per artisti e storici dell'arte di tutto il mondo.

Nel 1494 suo padre muore di infarto. piccolo genio, e per decisione del pretore cittadino il ragazzo rimase affidato alle cure della famiglia del commerciante di stoffe Fri Bartolomeo. Era il fratello minore dell'artista Giovanni e, a differenza del pazzo Niccolò, era socievole, aveva un carattere premuroso, allegro e gentile, non rimaneva indifferente ed era sempre pronto ad aiutare chi ne aveva bisogno. Questo mercante di buon carattere adorava il nipote orfano e non badava a spese per la sua educazione pittorica.

Già all'età di diciassette anni creò facilmente opere brillanti e di talento che ancora deliziano i suoi contemporanei. Nel novembre del 1500, un giovane diciassettenne lasciò la sua piccola città di provincia di Urbino e si trasferì nella vivace città portuale di Perugio. Lì entrò nella bottega del famoso pittore Pietro Vannucci, conosciuto con il nome di Perugino. Dopo aver guardato le prime prove d'esame del suo nuovo studente, il maestro dai capelli grigi esclamò: "Oggi è un giorno gioioso per me, perché ho scoperto un genio per il mondo!"

Durante il Rinascimento la bottega del Perugino era un laboratorio creativo in cui si formavano i geni. Il profondo lirismo del Perugino, la sua tenerezza, calma e dolcezza trovarono un'eco nell'anima Raffaello. Raffaello è prepotente. Padroneggia rapidamente lo stile pittorico del suo maestro, studia sotto la sua guida il lavoro sugli affreschi e acquisisce familiarità con la tecnica e il sistema figurativo della pittura monumentale.

Per qualche tempo Raffaello fu ancora sotto la potente influenza del Perugino. Solo timidamente, come uno spruzzo momentaneo, appare all'improvviso una soluzione compositiva inaspettata, insolita per Perugino. All'improvviso i colori sulle tele cominciano a sembrare unici. E, nonostante il fatto che i suoi capolavori di questo periodo siano imitativi, non si può stare da parte e non rendersi conto di ciò che ha fatto il loro maestro immortale. Prima di tutto, è "", "", "". Il tutto è completato dalla tela monumentale realizzata “” nella città di Civita - Castellan.

Questo è come il suo ultimo inchino all'insegnante. Raffaello entra nella grande vita.

Nel 1504 arrivò a Firenze, dove si concentrava il centro dell'arte italiana, dove nacque e si sviluppò l'Alto Rinascimento.

La prima cosa che vide il giovane Raffaello, mettendo piede sul suolo di Firenze, c'era una maestosa statua dell'eroe biblico David in Piazza della Signoria. Questa scultura di Michelangelo non poteva fare a meno di stordire Raffaello, non poteva fare a meno di lasciare un'impronta nella sua impressionabile immaginazione.

In questo periodo lavorò a Firenze anche il grande Leonardo. Proprio in quel momento tutta Firenze assistette con il fiato sospeso al duello dei titani: Leonardo e Michelangelo. Lavorarono a composizioni di battaglie per la Sala del Consiglio del Palazzo della Signoria. Il dipinto di Leonardo avrebbe dovuto rappresentare la battaglia dei Fiorentini con i Milanesi ad Anghiari nel 1440. E Michelangelo scrisse la battaglia dei Fiorentini con i Pisani nel 1364.

Già nel 1505 i fiorentini ebbero modo di valutare entrambi i cartoni esposti insieme.

Poetico, maestoso Leonardo e ribelle, con una passione abbagliante per la pittura di Michelangelo! Una vera battaglia titanica degli elementi. Giovane Raffaelloè necessario uscire indenni dal fuoco di questa battaglia, rimanendo se stessi.

A Firenze, Raffaello padroneggia tutta la conoscenza di cui un artista ha bisogno per elevarsi al livello di questi titani.

Studia anatomia, prospettiva, matematica, geometria. La sua ricerca del bello nell'Uomo, il suo culto dell'Uomo emerge sempre più chiaramente, sviluppa lo stile di un monumentalista, la sua abilità diventa virtuosistica.

In quattro anni si trasformò da timido pittore di provincia in un vero maestro, padroneggiando con sicurezza tutti i segreti scolastici necessari per il suo lavoro.

Nel 1508, venticinquenne Santi arriva su invito di papa Giulio II a Roma. Gli viene affidata la pittura in Vaticano. Innanzitutto fu necessario realizzare gli affreschi nella Sala della Segnatura, che fu destinata da Giulio II a biblioteca e ufficio. Si supponeva che i dipinti riflettessero vari aspetti dell'attività spirituale umana: nella scienza, nella filosofia, nella teologia e nell'arte.

Eccolo davanti a noi non solo un pittore, ma un artista, un filosofo che ha osato arrivare a enormi generalizzazioni.

La Sala della Segnatura - Stanza della Segnatura - riuniva le idee dell'epoca sul potere della mente umana, il potere della poesia, lo stato di diritto e l'umanità. L'artista ha riunito idee filosofiche in scene dal vivo.

In gruppi storici e allegorici Santi fa rivivere le immagini di Platone, Aristotele, Diogene, Socrate, Euclide, Tolomeo. Le opere monumentali richiedevano che il maestro conoscesse le tecniche pittoriche più complesse: affresco, calcoli matematici e mano d'acciaio. È stata davvero un'opera titanica!

Nelle loro strofe (stanze) Raffaello riuscì a trovare una sintesi senza precedenti tra pittura e architettura. Il fatto è che gli interni del Vaticano erano molto complessi nel design. L'artista ha dovuto affrontare problemi compositivi quasi impossibili. Ma Santi uscì vincitore da questa prova.

Le strofe sono capolavori non solo per il disegno plastico delle figure, per le caratteristiche delle immagini e per il colore. In questi affreschi, lo spettatore rimane stupito dalla grandiosità degli insiemi architettonici creati dal pennello del pittore, creati dal suo sogno di bellezza.

In uno degli affreschi della Sala delle Segnazioni, tra i filosofi e gli educatori, come se partecipasse a questo alto dibattito, c'è lui stesso Raffaele Santi. Un giovane pensieroso ci guarda. Occhi grandi e belli, sguardo profondo. Ha visto tutto: sia gioia che dolore - e meglio di altri ha sentito la Bellezza che ha lasciato alle persone.

Raffaelloè stato il più magnifico ritrattista di tutti i tempi. Immagini dei suoi contemporanei Papa Giulio II, Baltasar Castiglione, ritratti di cardinali Ci raffigurano persone orgogliose, sagge e volitive del Rinascimento. La plasticità, il colore e la nitidezza delle caratteristiche delle immagini su queste tele sono sorprendenti.

In generale, durante la sua breve vita di trentasette anni, il maestro ha creato molti dipinti unici e insuperabili. Ma la cosa più importante rimangono comunque le Madonne ispirate, che si distinguono per la loro speciale bellezza misteriosa. Bellezza, gentilezza e verità si intrecciano in loro.

Pittura " Sacra Famiglia. Madonna con Giuseppe imberbe“o”, scritto all'età di ventitré anni, rappresenta una sorta di “esercizio” creativo dell'artista, che ha risolto il problema di costruire una composizione perfettamente coordinata in tutte le sue parti.

Il suo centro è segnato dalla figura del Bambino. Evidenziata da un fascio di luce diretto direttamente su di lei, lei, il punto più luminoso della foto, attira subito l’attenzione dello spettatore. Ciò che è veramente notevole è la tenacia e la determinazione con cui Santi raggiunge costantemente l'impressione di una relazione interna tra i personaggi e il loro ambiente spaziale. Il bambino siede sulle ginocchia di Maria, ma il suo sguardo è rivolto verso Giuseppe, come è solito Raffaello tecnica compositiva, con l'aiuto del quale è possibile rafforzare la connessione tra loro delle figure adiacenti non solo visivamente, ma anche emotivamente. Le tecniche puramente pittoriche servono allo stesso scopo. Così, le morbide linee paraboliche delineate nei contorni della manica della Vergine Maria trovano eco sia nel contorno della figura del Bambino che nel movimento delle pieghe del mantello di Giuseppe.

Madonna col Bambino - uno dei leitmotiv dell'arte Raffaello: in soli quattro anni di permanenza a Firenze, dipinse almeno una dozzina e mezza di dipinti variando questa trama. La Madre di Dio a volte si siede con il Bambino in braccio, a volte gioca con lui o semplicemente pensa a qualcosa, guardando suo figlio. Talvolta vi si aggiunge un piccolo Giovanni Battista.

Pertanto, "", scritto da lui nel 1512-1513, ricevette il più alto riconoscimento. La madre tiene il bambino tra le braccia e lo porta da noi, nel nostro mondo. Il Santo Sacramento è stato compiuto: è nato un uomo. Ora la vita è davanti a lui. Storia del Vangelo- questo è solo un pretesto per una soluzione attraverso una complessa allegoria di un'idea eterna. La vita per l'essere umano che vi entra non è solo gioia, ma anche ricerca, cadute, alti e sofferenze.

Una donna trasporta suo figlio in un mondo freddo e spaventoso, pieno di successi e di gioia. È una madre, anticipa il destino di suo figlio, tutto ciò che gli aspetta. Vede il suo futuro, quindi nei suoi occhi c'è orrore, orrore dell'inevitabile, dolore e paura per il suo bambino.

Eppure non si ferma alla soglia terrena, la varca.

Il volto del bambino è quello che colpisce di più. Scrutando gli occhi del Bambino, insolitamente luminosi, brillanti, quasi spaventosi per lo spettatore, l'impressione non è solo minacciosa, ma qualcosa di selvaggio e “ossessionato” da uno sguardo significativo. Questo è Dio e, come Dio, anche lui è a conoscenza del segreto del suo futuro, sa anche cosa lo attende in questo mondo su cui si è aperto il sipario. Si aggrappa a sua madre, ma non cerca la sua protezione, ma, per così dire, la saluta, non appena entra in questo mondo e accetta tutto il peso delle prove.

Il volo leggero della Madonna. Ma un altro momento - e lei calpesterà la terra. Consegna alle persone la cosa più preziosa: suo figlio, una persona nuova. Accettatelo, gente, è pronto ad accettare il tormento mortale per voi. Questa è l'idea principale che l'artista ha espresso nella pittura.

È questa idea che risveglia buoni sentimenti nello spettatore, connette Santi con grandi nomi, lo eleva come artista ad vette irraggiungibili.

A metà del XVIII secolo i Benedettini vendettero " Madonna Sistina"all'elettore Federico Augusto II, nel 1754 finì nella collezione della Galleria Nazionale di Dresda. " Madonna Sistina"divenne oggetto di culto per tutta l'umanità. Cominciò a essere chiamata l'immagine più grande e immortale del mondo.

L'immagine della pura bellezza può essere vista nel ritratto "". "" è stato dipinto dall'artista durante il suo soggiorno a Firenze. L'immagine di una giovane donna da lui creata bella ragazza pieno di fascino e di vergine purezza. Questa impressione è anche associata al misterioso animale che giace pacificamente sulle sue ginocchia: un unicorno, un simbolo di purezza, purezza femminile e castità.

Per molto tempo " Signora con un unicorno"è stato attribuito o al Perugino o a Tiziano. Fu solo negli anni Trenta che la paternità di Raffaello fu scoperta e confermata. Si è scoperto che l'artista inizialmente raffigurava una donna con un cane, poi una creatura mitica - un unicorno - appariva in grembo.

La bella sconosciuta raffigurata Raffaello, sembra essere una “divinità”, un “santuario”. È in sconfinata armonia con il mondo che la circonda.

Questo lavoro Raffaello come una sorta di dialogo tra il genio del Rinascimento e Leonardo Da Vinci, che ha appena creato il suo famoso “ Monna Lisa”, che è riuscito a lasciare una profonda impressione sul giovane artista.

Utilizzando le lezioni di Leonardo, il Maestro delle Madonne segue il maestro. Posiziona il suo modello nello spazio sul balcone e sullo sfondo del paesaggio, dividendo l'aereo in diverse zone. Il ritratto del modello raffigurato dialoga con lo spettatore, creando nuove immagini e rivelando il suo mondo interiore diverso, non ordinario.

Anche la combinazione di colori in un ritratto gioca un ruolo enorme. Una tavolozza colorata e luminosa, costruita su una gradazione di colori chiari e puri, conferisce al paesaggio una chiara trasparenza, impercettibilmente avvolta da una leggera foschia nebbiosa. Tutto ciò sottolinea ulteriormente l’integrità e la purezza del paesaggio sullo sfondo dell’immagine della dama.

Affresco con colori a tempera su tavola" Trasfigurazione", che Raffaello iniziò a scrivere nel 1518 per ordine del cardinale Giulio de' Medici per la Cattedrale di Narbonne, può essere percepito come il comandamento artistico dell'artista.

La tela è divisa in due parti. La trama della Trasfigurazione è presentata in alto. Il Salvatore con le mani alzate, in abiti giusti svolazzanti, si libra sullo sfondo di una foschia illuminata dallo splendore del Suo stesso splendore. Su entrambi i lati di Lui, anch'essi fluttuanti nell'aria, ci sono Mosè ed Elia, gli anziani; il primo, come già notato, con le tavolette in mano. In cima al monte, gli Apostoli accecati giacciono in pose diverse: si coprono il volto con le mani, incapaci di sopportare la luce emanata da Cristo. A sinistra sul monte ci sono due testimoni esterni del miracolo della Trasfigurazione, uno di loro ha un rosario. La loro presenza non trova giustificazione nel racconto evangelico e pare sia stata dettata da alcune considerazioni dell'artista a noi ora sconosciute.

Non c'è sensazione di miracolo e grazia della luce favoriana nella foto. Ma c'è una sensazione di sovrasaturazione emotiva delle persone, che si sovrappone al fenomeno miracoloso stesso.

Nella metà inferiore dell'immagine ai piedi della montagna Santi raffigurati due vivaci gruppi di persone: a sinistra gli altri nove Apostoli, a destra una folla di ebrei, in cui in primo piano si vedono una donna inginocchiata e un ebreo che sorreggono un ragazzo posseduto, i cui forti occhi contorti e annebbiati e la bocca aperta rivelano la sua grave sofferenza mentale e fisica. La folla supplica gli Apostoli di guarire l'indemoniato. Gli apostoli lo guardano stupiti, incapaci di alleviare la sua sorte; alcuni di loro puntano a Cristo.

Se guardi da vicino il volto di Cristo, che Raffaello scrisse alla vigilia della sua morte, e confrontandolo con l'artista “”, si possono trovare alcune somiglianze.

Raffaele Santi - Grande artista di carattere allegro e gentile, morì improvvisamente in una sera di primavera, all'età di trentasette anni. Lasciò questo mondo pieno di bellezza divina dopo una breve malattia il 6 aprile 1520 nella sua bottega. Sembrava che l'arte fosse morta insieme al grande e venerato artista. Secondo il testamento di Raffaello Santi fu sepolto tra i grandi d'Italia nel Pantheon.

Dipinto di Raffaello Santi

Il Rinascimento fu un periodo di massima crescita artistica, quando molti meravigliosi pittori, scultori e architetti lavorarono in Italia.
L'opera di Raffaello Santi è uno di quei fenomeni della cultura europea che non solo sono ricoperti di fama mondiale, ma hanno anche acquisito un significato speciale: i punti di riferimento più alti nella vita spirituale dell'umanità. Per cinque secoli la sua arte è stata percepita come uno degli esempi di perfezione estetica.
Il genio di Raffaello si è rivelato nella pittura, nella grafica e nell'architettura. Le opere di Raffaello rappresentano l'espressione più completa e vivida della linea classica, il principio classico nell'arte Alto Rinascimento. Raffaello creò una “immagine universale” di una persona bella, perfetta fisicamente e spiritualmente, che incarna l'idea della bellezza armoniosa dell'esistenza.

Il dipinto di Raffaello rifletteva lo stile, l'estetica e la visione del mondo dell'epoca, l'era dell'Alto Rinascimento. Raffaello è nato per esprimere gli ideali del Rinascimento, il sogno di un uomo bello e mondo meraviglioso.

Raffaello (più precisamente Raffaello Santi) nacque il 6 aprile 1483 nella città di Urbino. Ricevette le prime lezioni di pittura dal padre Giovanni Santi. Quando Raffaello aveva 11 anni, Giovanni Santi morì e il ragazzo rimase orfano (perse il ragazzo 3 anni prima della morte di suo padre). A quanto pare, nei successivi 5-6 anni studiò pittura con Evangelista di Piandimeleto e Timoteo Viti, maestri provinciali minori.
L'ambiente spirituale che circondava Raffaello fin dall'infanzia fu estremamente benefico. Il padre di Raffaello era l'artista di corte e poeta del duca di Urbino, Federigo da Montefeltro. Maestro dal talento modesto, ma uomo colto, instillò nel figlio l'amore per l'arte.

Le prime opere di Raffaello a noi note furono eseguite intorno al 1500-1502, quando aveva 17-19 anni. Si tratta di composizioni in miniatura “Le tre Grazie” e “Il sogno del cavaliere”. 2,3 Queste cose ingenue, ancora timide da studente, sono caratterizzate da sottile poesia e sincerità di sentimenti. Fin dai primi passi della sua creatività, il talento di Raffaello si rivela in tutta la sua originalità, si delinea il proprio tema artistico

Nel 1502 appare la prima Madonna di Raffaello: “Madonna Solly” 4

A poco a poco, Raffaello sviluppò il suo stile e creò i suoi primi capolavori: "Il fidanzamento della Vergine Maria con Giuseppe" (1504), "L'incoronazione di Maria" (circa 1504) per l'altare Oddi. 5,6

Oltre alle grandi pale d'altare, dipinge piccoli dipinti: "Madonna Conestabile" (1502-1504), "San Giorgio che uccide il drago" (1504-1505 circa) e ritratti - "Ritratto di Pietro Bembo" (1504-1506) 7,8,9 . Il tema della Madonna è particolarmente vicino al talento lirico di Raffaello, e non è un caso che diventerà uno dei principali della sua arte. Le composizioni raffiguranti la Madonna col Bambino portarono a Raffaello ampia fama e popolarità. Le Madonne fragili, miti, sognanti del periodo umbro furono sostituite da immagini più terrene, purosangue, il loro mondo interiore divenne più complesso, ricco di sfumature emotive. Raffaello ha creato un nuovo tipo di immagine della Madonna col Bambino: monumentale, rigorosa e lirica allo stesso tempo, conferendo a questo argomento un significato senza precedenti.

Firenze

Alla fine del 1504 si trasferì a Firenze. Qui incontra Leonardo da Vinci, Michelangelo, Bartolomeo della Porta e tanti altri maestri fiorentini. Studia attentamente le tecniche pittoriche di Leonardo da Vinci e Michelangelo. Un disegno di Raffaello dal dipinto perduto di Leonardo da Vinci “Leda e il cigno” e un disegno da “S. Matteo" Michelangelo. “...le tecniche che vide nelle opere di Leonardo e Michelangelo lo costrinsero a lavorare ancora più duramente per trarne benefici senza precedenti per la sua arte e la sua maniera.” 10

Il “Ritratto di dama con l'unicorno” (1505-1506, Roma, Galleria Borghese) figura nel catalogo dei musei del XVIII secolo come “Santa Caterina”;

infatti: le mani della donna erano piegate diversamente, un mantello le copriva le spalle, e c'erano una ruota spezzata e un ramo di palma - emblemi del martirio della santa. Durante il restauro del 1935, le radiografie rivelarono che questi elementi erano stati attribuiti da un'altra mano e, quando lo strato superiore fu rimosso, il dipinto apparve nella sua forma originaria e banale. “La Sacra Famiglia con l'Agnello” (Madrid, Prado), datata 1507, è una incarnazione quasi completa degli studi di Leonardo e, infine, “La Sacra Famiglia” (ora nell'Antica Pinacoteca di Monaco), eseguita nel 1507 -1508 per Domenico Canigiani, genero Lorenzo Nasi. 11,12

Come l'unicorno e la collana del dipinto precedente, la decorazione del Ritratto di Maddalena Doni (1506, Firenze) simboleggia la castità. immagini caratteristiche di volti. In “Ritratto di dama con liocorno” (Roma, Galleria Borghese), “Ritratti dei coniugi Doni” (Firenze, Galleria Pitti), “Incinta” (Firenze, Galleria Pitti) e, infine, “Muto” (Urbino, Galleria Nazionale delle Marche) Sanzio lavora sulle pose, conferisce ai volti un'espressione dignitosa, severa, calma, a volte un po' triste, disegna con cura i costumi. 13. 14

Madonne fiorentine

A Firenze Raffaello creò circa 20 Madonne. Sebbene le trame siano standard: la Madonna o tiene il Bambino tra le braccia, oppure gioca accanto a Giovanni Battista, tutte le Madonne sono individuali e si distinguono per il loro speciale fascino materno (a quanto pare, la morte prematura di sua madre ha lasciato un segno profondo sull'anima di Raffaello).

La crescente fama di Raffaello portò ad un aumento degli ordini di Madonne; creò la “Madonna della Granduca” (1505), la “Madonna dei garofani” (1506 circa) e la “Madonna sotto il baldacchino” (1506-1508). Le migliori opere di questo periodo includono “Madonna Terranuova” (1504-1505), “Madonna con il cardellino” (1506), “Madonna col Bambino e Giovanni Battista (Il bellissimo giardiniere)” (1507-1508). 15,16

Vaticano

Nella seconda metà del 1508 Raffaello si trasferì a Roma (dove trascorrerà il resto della sua vita) e divenne l'artista ufficiale della corte papale. Gli fu commissionato di affrescare la Stanza della Segnatura. Per questa strofa, Raffaello dipinse affreschi che riflettono quattro tipi di attività intellettuale umana: teologia, giurisprudenza, poesia e filosofia - "Disputa" (1508-1509), "Saggezza, Temperanza e Forza" (1511) e il più eccezionale "Parnaso" (1509-1510) e la “Scuola di Atene” (1510-1511). 17-20

Il Parnaso raffigura Apollo con nove muse, circondato da diciotto famosi poeti greci, romani e italiani antichi. “Così dipinse sulla parete dirimpetto al Belvedere, dove è il Parnaso e la sorgente dell’Elicona, sulla cima e sulle pendici del monte un ombroso boschetto di lauri, nel cui verde si sente il tremolio delle foglie, ondeggiando sotto il soffio più gentile dei venti, mentre nell'aria c'è un'infinità di amorini nudi, con l'espressione più incantevole sui loro volti, strappano rami di alloro, li intrecciano in ghirlande, che spargono per la collina, dove tutto è ventilato con un respiro veramente divino - sia la bellezza delle figure che la nobiltà del dipinto stesso, che chiunque lo guardi attentamente considera, è sorprendente come il genio umano, con tutte le imperfezioni della semplice pittura, sia riuscito a realizzare ciò che, grazie alla perfezione del disegno l’immagine pittorica sembrava viva.”

"La Scuola di Atene" è una composizione a più figure (circa 50 personaggi) brillantemente eseguita, che presenta filosofi antichi, molti dei quali Raffaello ha dato le caratteristiche dei suoi contemporanei, ad esempio Platone è dipinto a immagine di Leonardo da Vinci, Eraclito nell'immagine di Michelangelo, e in piedi sul bordo destro Tolomeo è molto simile all'autore dell'affresco. “Rappresenta i saggi di tutto il mondo, che litigano tra loro in ogni modo... Tra essi c'è Diogene con la sua ciotola, adagiato sui gradini, figura molto deliberata nel suo distacco e degna di lode per la sua bellezza e per gli abiti così adatti... La bellezza dei suddetti astrologi e geometri, che disegnano ogni sorta di figure e segni su tavolette munite di compasso, è veramente inesprimibile.

Nella strofa di Eliodoro furono realizzate “La Cacciata di Eliodoro dal Tempio” (1511-1512), “Messa a Bolsena” (1512), “Attila sotto le mura di Roma” (1513-1514), ma quella di maggior successo fu l’affresco “La Liberazione dell’apostolo Pietro dal carcere” (1513-1514) 21 . “L’artista non ha mostrato meno abilità e talento nella scena in cui S. Pietro, liberato dalle catene, esce dal carcere accompagnato da un angelo... E poiché questa storia è raffigurata da Raffaello sopra la finestra, l'intera parete appare più scura, poiché la luce acceca chi guarda l'affresco. La luce naturale che cade dalla finestra compete così bene con le fonti di luce notturna raffigurate che sembra di vedere davvero sullo sfondo dell'oscurità notturna sia la fiamma fumante di una torcia che lo splendore di un angelo, trasmessi in modo così naturale e così a dire il vero, non diresti mai che si tratta solo di pittura: tale è la convinzione con cui l'artista ha incarnato l'idea più difficile. Infatti, sull'armatura si possono discernere le proprie ombre e quelle cadenti, e i riflessi, e il calore fumoso della fiamma, che si staglia sullo sfondo di un'ombra così profonda che si può davvero considerare Raffaello il maestro di tutti gli altri artisti, che hanno raggiunto una tale somiglianza nella rappresentazione della notte che la pittura non aveva mai raggiunto prima."

Nel 1513-1516 Raffaello, su incarico del papa, fu impegnato nella produzione di cartoni con scene della Bibbia per dieci arazzi, destinati alla Cappella Sistina. Il cartone di maggior successo è "Wonderful Catch" (in totale, fino ad oggi sono sopravvissuti sette cartoni). 22

Madonne Romane

A Roma Raffaello dipinse una decina di Madonne. Spiccano per maestosità la Madonna dell'Alba (1510), la Madonna di Foligno (1512), la Madonna dei Pesci (1512-1514), e la Madonna in Poltrona (1513-1514 circa).

La creazione più perfetta di Raffaello fu la famosa “Madonna Sistina” (1512-1513 )23 . Questo dipinto è stato commissionato dal Papa. La Madonna Sistina è veramente sinfonica. L'intreccio e l'incontro di linee e masse di questa tela stupisce per il suo ritmo e l'armonia interni. Ma la cosa più fenomenale in questa grande tela è la misteriosa capacità del pittore di portare tutte le linee, tutte le forme, tutti i colori in una corrispondenza così meravigliosa da servire solo uno, il desiderio principale dell'artista: farci guardare, guardare instancabilmente negli occhi tristi di Maria”.

IN 1515-1516 anni, insieme ai suoi studenti, realizza cartoni per tappeti destinati alla decorazione vacanze Cappella Sistina.

L’ultimo lavoro è “ Trasfigurazione"(1518-1520) - eseguito con una significativa partecipazione degli studenti e fu da loro completato dopo la morte del maestro. 24

Caratteristiche della creatività di Raffaello

Ciò che colpisce dell’opera di Raffaello Santi è, prima di tutto, l’inesauribile immaginazione creativa dell’artista, che non vediamo con tanta perfezione in nessun altro. L'indice dei singoli dipinti e disegni di Raffaello copre 1225 numeri; in tutta questa massa delle sue opere non si trova nulla di superfluo, tutto respira semplicità e chiarezza, e qui, come in uno specchio, il mondo intero si riflette nella sua diversità. Anche le sue Madonne sono estremamente diverse: da un'idea artistica - l'immagine di una giovane madre con un bambino - Raffaello è riuscito a estrarre tante immagini perfette in cui può manifestarsi. Un'altra caratteristica distintiva dell'opera di Raffaello è la combinazione di tutte le spiritualità doni in meravigliosa armonia. Raffaello non ha nulla di dominante, tutto è combinato in straordinario equilibrio, in perfetta bellezza. La profondità e la forza del disegno, la simmetria naturale e la completezza delle composizioni, la notevole distribuzione di luci e ombre, la veridicità della vita e del carattere, la bellezza del colore, la comprensione del corpo nudo e dei drappeggi: tutto è armoniosamente combinato nel suo lavoro. Questo idealismo poliedrico e armonioso dell'artista del Rinascimento, avendo assorbito quasi tutti i movimenti, non si sottomise ad essi nella sua potenza creativa, ma creò il suo originale, lo rivestì di forme perfette, fondendo la pietà cristiana del Medioevo e il ampiezza di visione dell'uomo nuovo con il realismo e la plasticità del mondo greco-romano. Della grande folla dei suoi discepoli, pochi superarono la mera imitazione. Giulio Romano, che prese parte significativa alle opere di Raffaello e si diplomò alla Trasfigurazione, fu il miglior allievo di Raffaello.