To samo słowo „ilustracja” odnosi się do obrazów różniących się treścią i formą, znaczeniem dla dzieła i czytelnika, powiązaniem rysunku z tekstem, techniką wykonania. „Zgodnie z celami, jakie przyświecają obraz, ilustracje można podzielić na naukowy i edukacyjny(mapy, plany, schematy, rysunki itp.) oraz plastyczny i figuratywny(interpretacja utworu literackiego za pomocą grafika książkowa). Ilustracje mogą być obraz wyjaśniający tekst, dopełniający tekst, oraz obraz prawie całkowicie niezależny, czasem nawet podporządkowujący tekst”.
„W zależności od wielkości i umiejscowienia w książce występują następujące rodzaje ilustracji:
- Fronton. Element oprawy artystycznej publikacji, jakim jest ilustracja umieszczona na lewej stronie rozkładówki ze stroną tytułową.
- Wygaszacz ekranu. Ilustracje wygaszaczy ekranu umieszczane są na początku części lub rozdziału książki na przesunięciu wraz z tekstem, oznaczają początek jednej z części opowieści, zwykle znajdują się u góry strony i są oddzielone od tekstu białym marginesem. Pomagają czytelnikowi skupić się na nowym materiale, dostroić się do niego emocjonalnie. Wygaszacze ekranu mogą przedstawiać scenę opisaną na początku rozdziału; rozmawiać o główny temat części lub rozdziały; pokazać scenę lub pejzaż, który powinien wywołać u czytelnika odpowiedni nastrój. Wygaszacze ekranu mogą być również tematycznie dekoracyjne lub symboliczne.
- Ilustracja paskowa (cała strona), ilustracja półstronicowa (na połowie strony), ilustracja rozkładana (na dwóch stronach). Wybór formatu ilustracji jest ustalany w zależności od wagi ilustrowanego wydarzenia, obrazu itp. Treść takich ilustracji ma zwykle bezpośredni związek z poprzedzającym je lub następującym po nim tekstem. W przypadku dużych rozkładówek lub ilustracji paskowych wybiera się ważne wydarzenia z pracy. Ilustracje w dużej mierze decydują o architektonice książki, dlatego należy zwrócić uwagę na ich rytmiczną naprzemienność i równomierne nasycenie nimi całego tekstu.
- Obrona(mała figura otoczona tekstem), rysunki marginalne - wydarzenia mniej znaczące.
- Końcowe ilustracje umieszczane na końcu części, rozdziałów lub całej księgi. Podobnie jak wygaszacze ekranu, mogą być tematyczne, ozdobno-dekoracyjne lub symboliczne.
Wprowadzenia i zakończenia powinny być wykonane w tym samym stylu, ponieważ są ze sobą połączone i często znajdują się obok siebie na rozkładówce książki.
Technik jest dużo ilustracji. Można je stosować samodzielnie lub łączyć ze sobą. Rozważmy niektóre z nich.
- Materiały malarskie(akwarela, gwasz, akryl);
- Materiały graficzne(węgiel drzewny, sangwina, sos, retusz, ołówek włoski);
- Kolaż(kolaż francuski - klejenie, naklejka) - technika tworzenia dzieła sztuki, kiedy różne materiały(fragmenty gazet, tapet, kolorowego papieru, materiałów wykończeniowych, tkanin, drutu, drewna, liny, metalu) są przyczepione do podłoża i odbierane jako fragment rzeczywistości. Kolaż został wprowadzony przez P. Picassa i J. Bracoma w 1912 roku. W tej technice pracowali K. Carra, J. Severini, H. Arp, A. V. Lentulov.
- Aplikacja - łac. aplikacja – aplikacja). Kawałki dowolnego materiału (tkanina, papier, futro, słoma itp.) są naszyte, naklejone na tkaninę, papier, karton. Tworzone w ten sposób obrazy lub ornamenty nadają dziełu szczególną ulgę i wyrazistość. .
- Fotomontaż- kompozycja złożona z fotografii i ich fragmentów, niekiedy uzupełniona elementami graficznymi. Używany w XX wieku. w grafice drukowanej, plakat. Nazwa została wymyślona przez berlińskich dadaistów w odniesieniu do prac złożonych z fotografii. Z fotomontażu korzystali J. Heartfield (1891–1968), A.M. Rodczenko, LM Lissitzky.
- Grafika komputerowa:
„Bitmapa to plik danych lub struktura, która jest siatką pikseli lub kropek kolorów (zwykle prostokątnych) na monitorze komputera, papierze i innych urządzeniach i materiałach wyświetlających.
Grafika wektorowa to wykorzystanie prymitywów geometrycznych, takich jak punkty, linie, splajny i wielokąty do przedstawiania obrazów w grafice komputerowej. Termin ten jest używany w przeciwieństwie do grafiki rastrowej, która przedstawia obrazy jako macierz pikseli (kropek).
Grafika 3D (3D, 3 wymiary, Rosyjski 3 pomiary) - dział grafiki komputerowej, zestaw technik i narzędzi (zarówno programowych, jak i sprzętowych) przeznaczonych do przedstawiania obiektów trójwymiarowych. Jest najczęściej używany do tworzenia obrazów na płaszczyźnie ekranu lub arkusza druków w wizualizacjach architektonicznych, kinematografii, telewizji, grach komputerowych, drukach, a także w nauce i przemyśle.
Najstarszym sposobem ilustrowania jest użycie drukowana grafika. Linoryt,drzeworyt,cynkografia, litografia, ryt na tekturze, ryt dłutem na miedzi, akwaforta, mezzotinta, akwatinta, sucha igła.
Każdy instrument ma swój własny dźwięk i własne wyczucie palców. Od wyboru narzędzi w dużej mierze zależy charakter obrazu. Często sam temat ilustracji determinuje technikę i styl obrazu. „Styl to w dużej mierze wybór instrumentu. W dobrej typografii ślad narzędzia kaligraficznego jest zawsze widoczny. Nie jest to problemem, jeśli ilustrujesz na papierze, ale w sztuce cyfrowej musisz podjąć pewien wysiłek, aby zachować genetyczny ślad żywego rysunku”. Na przykład Jonathan Edwards – używa wektora, ale jego ilustracja żyje (Rysunek 25. Dodatek 1). Rysowanie nawet z wykorzystaniem grafiki rastrowej, wektorowej czy trójwymiarowej jest niezbędne, aby „zachować życie” obrazu.
Do ilustracji dostępne są absolutnie wszystkie techniki plastyczne, zgodnie z tradycją do ilustracji wykorzystuje się materiały graficzne, ale tak nie jest.
We współczesnej ilustracji ciągle kształtują się pewne innowacje i trendy, może to być linart czarno-biały (użycie jednej czarnej linii przy przedstawianiu, bez cieniowania, plam i wypełnień), włączenie odrobiny takiego dziwnego neogotyku do rysunek, mogą występować drobne efekty op-artu, energiczny ekspresjonizm kolorystyczny, sztuka uliczna.
Pytanie jednak, jaki trend powinien wspierać współczesny ilustrator - taki, którego obfituje w różne publikacje, czy taki, który się lubi?
A jednak są oznaki, że wektor i ogólnie grafika cyfrowa zaczyna drażnić opinię publiczną.
Niedawno odkryto pewien trend Siergiej Perwuszyn(Ryc. 26. Aneks 1), słynnego ilustratora: zdjęcie z narysowanymi elementami, sposób na opowiedzenie o obecności nieznanego. „Obecność elementów fotograficznych w ilustracji (wydaje się, że jest raczej odwrotnie, tutaj fotografia zajmuje większość powierzchni – ale narysowane elementy pewnie ją pod siebie zagarniają i zamieniają w ilustrację) daje jej tyle graficznych rozkoszy, tyle rzetelności, że w ogóle dziwne, że ta historia nie połączyła się jeszcze w normalną ilustrację, ale pozostaje rodzajem samowystarczalnej gry. Warto trochę wyjść poza płaszczyznę prześcieradła, bo zaczynają się o wiele ciekawsze rzeczy. Ilustratorzy pracują kolażem, wykorzystując tradycyjne materiały (papier, tkanina, fotografie) lub takie medium jak
- plastelina(Rys. 27, Załącznik 1);
- papier mache;(francuski papier-mache „papier do żucia”) – łatwo formowalna masa otrzymywana z mieszaniny materiałów włóknistych (papier, tektura) z klejami, skrobią, gipsem itp. Papier-mache służy do wyrobu manekinów, masek, pomocy dydaktycznych, zabawki, rekwizyty teatralne, szkatułki na biżuterię itp. W niektórych przypadkach nawet ilustracje;
- rzeźby książkowe(Rys. 28. Dodatek 1) - Książki można nie tylko czytać, ale okazuje się, że można z nich tworzyć. Jak Nicholas Jones.
- papier z tworzywa sztucznego(ryc. 29. załącznik 1) - pod względem twórczości jest bardzo podobny do rzeźby. Ale w papierowym plastiku wszystkie produkty są puste w środku, wszystkie produkty są skorupami przedstawionego obiektu.
W wyniku złożenia kartki papieru powstaje system usztywnień dla dowolnej konstrukcji. W przypadku bardziej złożonych produktów oprócz linii prostych stosuje się linie krzywoliniowe. Obiektami obrazu w tej technice mogą być ilustracje.
Tak, cokolwiek, najważniejsze jest to, aby materiał odpowiadał tematowi pracy. "Robótki- świetny sposób na zrekompensowanie braku umiejętności czysto rysunkowych - sposób skuteczniejszy i co najważniejsze modny niż narzucone trendy związane z czystym wykorzystaniem technologii edytorów graficznych.
Rodzaj i technika ilustracji powinny być funkcją zadania twórczego. Dobór techniki, jako zbioru sprawdzonych ruchów, pozwala artyście być pewnym jakości ilustracji.
Wnioski z drugiego rozdziału
W historii ilustracji mówimy o jej ciągłych zmianach, zgodnie z rozwojem kultury i sztuki w ogóle. O jej syntezie z grafiką plastyczną, dizajnową i książkową. Omówiono także tendencje ilustracyjne XX wieku. pod wpływem stylów epoki nowożytnej. I główne trendy XXI wiek, odwołują się bardziej do strony techniki ilustracyjnej. Koncepcja ilustracji ujawnia się według trzech znaków, według jednego znaku można ją przypisać sztuce wysokiej. Co wyróżnia ją jako szczególny gatunek sztuk plastycznych. Są to rysunki, dzieła malarskie i rzeźbiarskie, które zostały wykonane na tematy literackie, ale jednocześnie miały samodzielną wartość artystyczną. Według innych ilustracja jest rodzajem grafiki książkowej, czyli dziełem przeznaczonym do percepcji w pewnej jedności z tekstem, czyli umieszczonym w książce i uczestniczącym w jej odbiorze w procesie czytania. Zgodnie z trzecią ilustracją - wyjaśnienie tekstu przez wykazanie obraz wzrokowy, czynna interpretacja tekstu. Są to ilustracje naukowe i edukacyjne (mapy, plany, diagramy, rysunki itp.), a także ilustracje projektujące produkty użytkowe (obrazy na pieniądzach, znaczki, materiały informacyjne, koperty, opakowania). Taką ilustrację można przypisać grafice użytkowej.………………………… Właściwy wybór techniki i rodzaju ilustracji pozwala artyście być pewnym jakości i trafności ilustracji.
Korzystanie z odniesień w pracy pomaga przyspieszyć tworzenie ilustracji. Referencje - to przykłady, którymi kierujemy się w procesie tworzenia ilustracji. Oni są różni:
- pozy, fabuła,
- styl,
- zabarwienie,
- przedmioty, detale, rozwiązania…
Istnieją dwa przeciwstawne typy początkujących ilustratorów - ci, którzy myślą, że trzeba wszystko wymyślić z głowy i plagiat. Właściwe podejście pośrodku.
Podzielę się swoim doświadczeniem tworzenia ilustracji na podstawie referencji.
1. Postaw, fabuła
Na początku tworzenia ilustracji musisz zdecydować się na fabułę, pozę. Referencje mogą ci w tym pomóc.
Gdzieś po drodze sfotografowałem stary plakat dziewczyny zbierającej herbatę. Ten plakat wziąłem za podstawę pozy i fabuły. Stał się moim punktem odniesienia, z którego uzyskam ostateczny obraz.
Vintage plakat Cejlonu
Oto kilka miejsc w sieci, w których znajduję referencje:
- www.pinterest.com/characterdesigh/ świetne konto z tablicami tematycznymi na dowolny temat. Oto na przykład tablica z odczytywanymi postaciami, na której można zerknąć na pozę www.pinterest.com/characterdesigh/character-pose-reading/
- sketchfab.com/models/ strona, na której gromadzone są modele 3D obiektów i postaci. Możesz je przekręcić i spojrzeć pod żądanym kątem.
- Shutterstock.com/stock, gdzie można znaleźć zdjęcia na interesujący nas temat, pozę
- Twoje zdjęcia (np. z wycieczki)
Stylistyka
Przechodząc do sekcji dryblingu z moimi upodobaniami, chciałem narysować ilustrację w płaskim stylu w jasnych kolorach. Znalazłem ilustrację, która mi się podoba i po przeanalizowaniu jej stylu zidentyfikowałem główne techniki:
Aby uzyskać odniesienia do stylu, możesz wziąć ilustracje, których styl Ci się podoba. Cóż, jeśli ten styl jest modny. Pomoże Ci to uzyskać więcej polubień i udostępnień.
Ilustracje trendów można obejrzeć na popularnych stronach projektowych:
- drybble.com
- behance.net
- pinterest.com
Najprostszym sposobem jest zarejestrowanie się tam i zapisanie ulubionych ilustracji. Możesz zacząć uczyć się od sekcji popularnych zdjęć na tych stronach.
Po wybraniu stylu obrazu musisz go przeanalizować, wyróżnić główne techniki i użyć ich podczas rysowania.
- https://www.behance.net/AdamQuest
- https://www.behance.net/gartman
- https://dribbble.com/CatFinnie
- https://dribbble.com/dziadek do orzechów
3. Gama kolorystyczna
Tym razem nie poszedłem daleko za referencyjną kolorystyką i zrobiłem zdjęcie tego samego autora. Tutaj też był zielony kolor dla roślin, niebieski dla nieba i kolory dla ubrań.
Dopasowanie kolorów to najtrudniejsza część tworzenia obrazu, która może zająć kilka dni. Aby temu zapobiec, pomocne może być odniesienie (ale jego wybranie może zająć dużo czasu).
Gdy trafisz na zdjęcie w wybranej kolorystyce, zapisz je w osobnym folderze na swoim komputerze, na tablicy w Pintereście, Dribble, kolekcjach na behance. Kiedy musisz szybko wybrać schemat kolorów, najpierw spójrz tam. Być może czeka na Ciebie gotowe rozwiązanie.
Jeśli nie możesz wybrać schematu kolorów z obrazu, pomoże Ci witryna color.adobe.com (ikona aparatu w prawym górnym rogu).
Kolorystykę z ilustracji na dryblingu można obejrzeć i pobrać po prawej stronie (nawet to sugeruje, że wszyscy tak robią).
- https://www.instagram.com/megdraws
- https://dribbble.com/rickylinn
- https://dribbble.com/Avaliani
Obiekty
Aby uzyskać dodatkowe zdjęcia, wszedłem na stronę shutterstock.com/
Większość zbieraczy herbaty zakrywa głowy i nosi sari. Niektóre mają krótkie rękawy, a niektóre są długie, ale podwinięte.
Nie poszedłem daleko w poszukiwaniu odniesienia do dłoni i po prostu zrobiłem zdjęcie moim telefonem. To samo można zrobić dla odniesienia do pozycji.
Korzystając z wybranych odniesień do pozy, stylu i schematu kolorów, otrzymałem tę ilustrację, której stworzenie zajęło około 4 godzin:
Ważne jest, aby nie ograniczać się do kilku referencji. Przyjrzyj się obrazkom i zdjęciom powiązanych ilustracji. Można to zrobić, patrząc przez okno, na akcje lub po prostu w Grafiki Google.
Dodatkowe obrazy pomogą głębiej zbadać temat, zauważyć szczegóły, których nie było w twoich referencjach, a tym samym uczynić ilustrację bardziej zgodną z prawdą, interesującą i szczegółową.
Czasami szukanie referencji zajmuje więcej czasu niż samo rysowanie ilustracji - to normalne. Ważne jest, aby unikać momentu kradzieży: patrząc na swoją ilustrację, od razu można zrozumieć, że to plagiat. Praktyka, krytyka i zdrowy rozsądek pomagają wyczuć styl border - z jednego zdjęcia, pozę ze zdjęcia, coś zmienić lub rozbudować.
Korzystaj z referencji w swojej pracy to pomaga szybciej się rozwijać, przyśpieszyć proces tworzenia ilustracji i jednocześnie uzyskać przyzwoity efekt.
Tworzenie ilustracji to jedna z powiązanych usług w naszej agencji kreatywnej. Z reguły sugerujemy wykorzystanie ilustracji do projektowania broszur lub katalogów, szczególnie w przypadkach, gdy nie ma możliwości wykonania profesjonalnych zdjęć. Czasami zdjęcia celowo zastępowane są ilustracjami, na przykład w celu stworzenia menu w stylu vintage.
Nawiasem mówiąc, należy bardzo uważać na harmonijną kontynuację stylu projektowania kawiarni lub restauracji w stylu ilustracji, aby uniknąć eklektyzmu. Nieuzasadnione stosowanie nowoczesnego stylu i nowoczesnych czcionek w projektowaniu wygląda na nieskuteczne, jeśli na przykład projekt restauracji jest czysto barokowy. Być może nie wszyscy odwiedzający to zauważą, ale pojawi się poczucie, że coś jest nie tak.
Tworzenie ilustracji wektorowych, w szczególności w j nowoczesny styl płaskie, idealne do projektowania infografiki. My też często korzystamy obrazy wektorowe do projektowania prezentacji. Nasi ilustratorzy pracują m.in różne techniki: jest to zarówno rysunek botaniczny, jak i szkic miejski.
Koszt i termin wykonania ilustracji zależą od stopnia skomplikowania i wybranego stylu. Przed rozpoczęciem tworzenia ilustracji oferujemy klientowi wybór stylu przyszłego obrazu. Być może będzie to szczegółowy projekt techniczny lub akwarela przetłumaczona na wektor. Na początku pracy zawsze proponujemy kilka szkiców, szkiców lub pomysłów w celu ustalenia kompozycji, a następnie starannie rysujemy finalny obraz zgodnie z zatwierdzonym układem.
Przykłady prac w kategorii tworzenie ilustracji
Stworzenie ilustracji wektorowych do podręcznika szachowego 
Ten ciekawa lekcja dla nowicjuszy. Oprócz pracy z kształtami wykorzystamy również efekty, a także stworzymy własny pędzel do malowania liści i łodyg.
Urocza jesienna ilustracja w programie Adobe Illustrator
Krok 1
Zacznijmy od utworzenia owalu za pomocą narzędzia Elipsa (L). Utwórz kształt o wymiarach 241 x 214 pikseli brązowy. Za pomocą narzędzia Zaznaczanie bezpośrednie (A) kliknij dolny punkt i naciśnij klawisz Delete, aby usunąć ten punkt.
Krok 2
Narysuj kolejny owal, tym razem 62 x 192 px i beżowy kolor. Wybierz oba kształty i na palecie Wyrównaj kliknij ikonę Wyrównaj poziomo do środka.
Krok 3
Zmieńmy trochę kształt nogi grzyba. Zaznacz go i wybierz z menu Effect > Warp > Fish. Ustaw parametry jak pokazano poniżej i kliknij OK.
Krok 4
Wybierz Obiekt > Rozwiń wygląd z menu. Teraz kliknij kliknij prawym przyciskiem myszy najedź myszą na kształt i wybierz Ułóż > Przesuń na spód.
Krok 5
Dodajmy kilka szczegółów do kapelusza naszego grzyba. Za pomocą narzędzia Elipsa / Elipsa (L) narysuj koła o różnych rozmiarach i odcieniach - nieco jaśniejsze niż kolor grzyba.
Krok 6
Teraz utwórzmy pędzel, aby później pomalować liście. Zacznijmy od ciemnoszarego owalu 5 x 25 px. Zaznacz dolny punkt owalu za pomocą narzędzia Zaznaczanie bezpośrednie (A) i wybierz Konwertuj zaznaczone punkty kontrolne na narożniki z górnego paska. Zrób to samo z górnym punktem.
Krok 7
Otwórz paletę Pędzle (z menu Okno) i przeciągnij nasz kształt na paletę. W wyświetlonym oknie wybierz Pędzel artystyczny / Pędzel artystyczny.
Krok 8
Pojawi się okno ustawień pędzla. Wybierz opcje poniżej. Możesz je zmienić w dowolnym momencie, po prostu dwukrotnie klikając pędzel w palecie o tej samej nazwie.
Krok 9
Stwórzmy liście na nowej warstwie. Aby to zrobić, utwórz go w palecie Warstwy / Warstwy. Teraz weź narzędzie Paintbrush Tool (B) i pomaluj łodygę.
Krok 10
Użyj tego samego pędzla do malowania liści. Aby liście były grubsze, zwiększ grubość obrysu / obrysu. Wybierz również kolor pomarańczowy pociągnięciami, aby liście były kolorowe.
mam dla ostatnie dni jakiś bezprecedensowy wzrost kreatywności i pracy. Wreszcie lubię swoją własną pracę, wykonaną zarówno dla klientów, jak i dla stocków. Dlatego rysuje się i składa łatwo, przyjemnie, co się podoba.
Chcę nieco odsłonić tajemnicę przepływu pracy. Od dłuższego czasu chodziło mi po głowie, żeby nagrać filmik jak rysuje się obiekty do kolb, ale póki co moje ręce do czegoś nie doszły, więc pokażę to tylko obrazami i słowami.
Etap 1. Wybierz temat
Gdzie zaczyna się praca? Od wyboru tematu. Szczerze mówiąc, nie orientuję się zbytnio w trendach, wybieraniu nisz (może dlatego mam skromne sumy w portfelu), rysuję to, na co mam ochotę. Wybrałem dla siebie styl, nazywając go „multirealizmem”, czyli na tyle realistycznym, aby oddać objętość, cienie, ale jednocześnie pozostawić kreskówkową wściekłość i połysk. Obecnie pracuję w gatunku "przedmioty", ale w przyszłości planuję włączyć tu ludzi i małe działki.
Nigdy nie dostaję pytania „Co narysować”, a raczej „Co narysować najpierw”. Imponuje mi absolutnie wszystko: jedzenie w kawiarniach, wystawy sklepowe, piękne zdjęcia ludzie, dzieła innych autorów. Na szczęście nie muszę siedzieć przed monitorem, przeciągać tam i z powrotem różnych kwiatów w nadziei, że wyjdzie coś godnego. Całkowicie porzuciłem tworzenie teł, tekstur, wizytówek i innych rzeczy, które są dość popularne wśród innych stockerów. To po prostu nie zadziałało, nie podobał mi się proces ich tworzenia, a zatem w ogóle się nie sprzedawały.
Siadając przy komputerze zawsze mam już wyobrażenie, co w efekcie chcę zobaczyć, ale trochę wyprzedzam.
A więc wybór tematu. Zawsze i wszędzie noszę ze sobą pamiętnik, który notabene też nie słabo układa się twórczo. Gdy tylko pomysł przyjdzie mi do głowy, dodaję go do mapy myśli. Nie będę wchodził w szczegóły, co to jest. ta informacja spokojnie google, doprecyzuję tylko, że metoda jest naprawdę fajna. Pozwala uporządkować pomysły bez wciskania ich w ramy, umożliwiając rozwój jednej myśli w nieskończoność.
Tak zwykle wyglądają moje karty.
Pomysły są spisywane w pajęczynie, potem są przemyślane, przeanalizowane. Coś się odkłada, a coś dostaje życie w drugim etapie.
Etap 2. Szkice
Wszystko tutaj jest niezwykle proste i jasne, jeśli wybieram temat, to wrzucam dokładnie, które przedmioty mogą się do niego odnosić. A potem szukam zdjęć potrzebnych rzeczy i kopiuję je do mojego kreta. Konieczne jest rysowanie, zasoby nie pozwalają na używanie zdjęć innych osób jako bezpośrednich odniesień (przerysowywanie zdjęć innych osób), ale jeśli weźmiesz kilka zdjęć, weźmiesz coś z jednego, coś z drugiego i ostatecznie otrzymasz własny rysunek, to wszystko jest w porządku, prawa autorskie nie są naruszone.
Rysuję, szczerze mówiąc, tak sobie, ręka nie jest ustawiona do tworzenia proste linie, ale nie jest to szczególnie konieczne, za co uwielbiam wektor.
Szkice pełnią tutaj rolę przybliżonych szkiców schematycznych, z nich wezmę forma ogólna. Zakrzywione linie zostaną później zapisane przez narzędzia programu Illustrator, które umożliwiają rysowanie nawet kręgi i prostokąty.
Etap 3. Jak robią to inni?
Dla siebie zaakceptowałem podstawową zasadę pracy ze stockami: moje zdjęcia nie powinny być gorszej jakości niż te prezentowane na pierwszych stronach wśród popularnych. Jeśli praca się nie powiedzie, odkładam ją na później, aż będę zadowolony z rezultatu. Naturalnie tutaj rozmawiamy i pracuje na ten sam temat iw tej samej technice co moja.
Wczoraj postanowiłam narysować temat Fast Food. Dla tego zapytania znalazłem słodkie kiełbaski w cieście, ziemniakach, coli. Wybrałem, co sam bym kupił, gdybym miał takie zamówienie, i tylko to, co cieszyło oko. Znalezione zdjęcia wrzucam bezpośrednio na kartkę, na której idę do pracy. Niczego im nie odbieram, ani koloru, ani formy, ani stylu. Potrzebuję tylko ogólnego wrażenia, wszystko inne będzie pochodzić z moich szkiców i wybranych palet.
Etap 4. Rejestracja głównych formularzy.
Następnie przychodzi praca na komputerze. Mam tablet graficzny, ale rzadko z niego korzystam, lubię się chwalić, że całą moją pracę wykonałem myszką, która notabene czysta prawda. Główne narzędzie: długopis. Ci, którzy rozumieją wektor, zrozumieją, o co chodzi. Krótko mówiąc, pióro umożliwia rysowanie zakrzywionych linii o dowolnym kształcie za pomocą punktów i wektorów.
Piórkiem (do przedmiotów wymagających równości: kubki, talerze, pudełka - elipsy, prostokąty) obrysowuję główne detale, maluję je chaotycznymi kolorami, tak dla ustalenia kształtu.
Rezultatem są takie nieatrakcyjne ilustracje, ale główny pomysł już jasne, dalej tylko komplikacja. 
To 5. Dopasowanie kolorów.
Wybór koloru, jeden z przegląd najważniejszych wydarzeń, którym kategorycznie sobie nie ufam i sam nie dobieram kolorów. Istnieje wiele usług, które pozwalają kolekcjonować piękne palety, ale to nie to samo. Głównym pomocnikiem w doborze kolorów był serwis shutterstock.labs. Ciekawa sprawa, polecam kopać choćby dla samego kopania ogólny rozwój. Witryna umożliwia wybór zdjęć na interesujące Cię tematy, z uwzględnieniem preferowanej palety. Na przykład wiem, że do rysowania Fast Food najprawdopodobniej będę potrzebował żółtego, czerwonego, pomarańczowego, brązowego i ich odcieni. Tworzę odpowiednie zapytanie, a program daje mi gotowe zdjęcia z tymi samymi hot-dogami, ziemniakami i innymi rzeczami, a nawet w jasnych, piękne kwiaty, które wykorzystam później w swojej pracy, dzięki narzędziu do pipet.
Etap 6. Opracowanie przedmiotu.
Szkicowa część procesu dobiegła końca, zacznijmy tworzyć. Do wyrenderowanych detali dobieram kolory ze znalezionych zdjęć, po czym dodaję nowe detale: cienie, światła, światło, fakturę. W rezultacie otrzymuję zestaw pojedynczych elementów, które można teraz łączyć. 
Etap 7. Kompilacja kompozycji.
Obiekty są narysowane, czas pomyśleć o tym, jak je zaprezentować. Nawet podczas mojej krótkiej pracy jako palacz zdążyłem się zorientować, że lepiej sprzedają się kompozycje niż same obiekty na białym tle (chociaż ja też wrzucam w takiej formie, czasem to kupują). Więc teraz po prostu łączę całą naszą kolekcję w różne zdjęcia, z tłami, bez tła, z napisami, bez nich. Im więcej możesz zrobić z jednej kolekcji zdjęć, tym lepiej. Szczególnie podoba mi się, gdy niektóre elementy mogą być zaczerpnięte z poprzednich prac. Dla przykładu do zestawu Fast Food dodałam lody z kolekcji Summer. Dlatego staram się rysować w tym samym stylu, aby wszystko można było połączyć. 
Tak wygląda moja praca nad obrazami. Zauważyłem, że takie etapy odcisnęły piętno na mojej działalności projektowej, zacząłem tworzyć produkty w innym stylu i dużo lepszej jakości, co też mi się podoba.