Характеристика русской музыкальной культуры
19 века.
Русская музыка 19 в. – это яркая и блистательная эпоха
в развитии музыкальной культуры. Она связана с
формированием национальной композиторской и
исполнительской школы, имеющей мировое значение.
Приобщение к лучшим музыкальным достижения Западной
Европы благотворно сказалось на общем характере её
развития, а самобытность и оригинальность во многом
определяло следование народным традициям.
В 19 в. сложились новые жанры вокальной и
симфонической музыки. Большие успехи были достигнуты
в оперном искусстве. Творчество таких замечательных русских
композиторов, как М.И.Глинка, М.П. Мусоргский,
А.П. Бородин, Н.А.Римский-Корсаков, П.И.Чайковский,
вошло в сокровищницу мировой музыкальной культуры.
Михаил Иванович Глинка – основоположник русской музыкальной классики
заложил основы русскогосимфонизма;
положил начало двум
направлениям русской
оперы – народномузыкальной драме и
опере-сказке, оперебылине.
М. И. Глинка за сочинением
оперы «Руслан и Людмила»
И. Е. РепинКамерно-вокальная музыка. Романсы
«Не искушай»;
«Сомнение»;
«Не пой, красавица, при мне»;
«Я помню чудное мгновенье».
Симфоническая музыка
«Камаринская»;
«Арагонская хота»;
«Ночь в Мадриде»;
Русская национальная опера
«Жизнь за царя» («Иван Сусанин»).
Опера-сказка
«Руслан и Людмила».«Могучая кучка» 1850г
М.А. Балакирев (1836 – 1910);
Ц.А. Кюи (1835 – 1918);
А.П. Бородин (1833 – 1887);
М.П. Мусорский (1839 – 18810;
Н.А. Римский- Корсаков (1844 -1908).Организатором и идейным
вдохновителем этого
дружного союза, созданного в
конце 1850 годов, стал
Милий Алексеевич
Балакирев (1836- 1910) –
замечательный пианист и
композитор, сумевший
объединить вокруг себя не
только любителей музыки, но
и талантливых исполнителей
и композиторов.
музыка к трагедии «Король Лир», симфонические поэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова, «Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра», «Увертюра н
музыка к трагедии «Король Лир», симфоническиепоэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова,
«Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра»,
«Увертюра на темы трех русских песен». Для
фортепиано, своего любимого музыкального
инструмента, он создал восточную фантазию
«Исламей», навеянную впечатлениями от
путешествия по Кавказу. Сорок романсов, сонаты,
мазурки, ноктюрны и вальсы, сборники русских
песен являются лучшим достижениями
композитора.Алексей Порфирьевич Бородин
(1833-1887), будучи крупным ученым
– химиком, отдавал все свое время
научным исследованиям. По его
собственному признанию, сочинять
музыку ему приходилось лишь в
период болезни. Музыкальное
творческое наследие композитора
невелико, но существенен вклад в
развитие русской музыкальной
культуры.
Портрет композитора и
ученого-химика
А.П. Бородина.
Репин И.Е.
Три симфонии 1867, 1876, 1887г;
15 романсов на стихи русских
поэтов;
Единственная опера «Князь
Игорь»
Единственная опера «Князь Игорь», над которой Бородин работал 18 лет, стала одним из самых ярких достижений русского оперного искусства. Ос
Единственная опера «Князь Игорь», над которой Бородинработал 18 лет, стала одним из самых ярких достижений
русского оперного искусства. Основой для ее создания
послужил выдающийся памятник древнерусской литературы
«Слово о полку Игореве».Портрет композитора
М.П.Мусоргского. И. Е. Репин.
Необозримо и уникально
творческое наследие Модеста
Петровича Мусоргского (18391881). Его недолгая жизнь была
отмечена яркими
произведениями в области
симфонической и оперной
музыки. Окончив школу
гвардейских прапорщиков, он
отказался от блестящей военной
карьеры и в 1858 г. вышел в
отставку с единственной мыслью
– всецело посвятить себя
музыке. Симфония «Ночь на Лысой горе»;
Сюита «Картинки с выставки»;
Песни «Калистрат», «Колыбельная Ерёмушки», «Блоха»;
Оперы «Борис Годунов», «Хованщина», «Сорочинская
ярмарка»Яркая страница русской
музыкальной культуры 19 века.
Связана с творчеством Николая
Андреевича Римского –
Корсакова (1844-1908). Начало
его музыкальной карьеры было
блистательным. В 1867 г. он
пишет симфоническую картину
«Садко» по мотивам известной
новгородской былины. Через год
композитор пишет
Портрет композитора
Н.А.Римского- Корсакова.
симфоническую картину
Серов Валентин
«Антар» на сюжет арабских
народных сказок.
Позднее, в 1888г., Римский – Корсаков вновь обратился к
восточным мотивам в сюите «Шехеразада» по
средневековым арабским сказкам из известного сборника
«Тысяча и одна ночь» Оперы «Псковитянка», «Царская невеста», «Сказание о
невидимом граде Китеже и деве Февронии»,
«Снегурочка», «Сказка о царе Салтане», «Золотой
петушок», «Кащей Бессмертный», «Майская ночь»,
«Ночь пред Рождеством», «Моцарт и Сальери»;
Около 80 романсов («Ненастный день потух», «Не ветер,
вея с высоты».Музыкальная исповедь души.
Петр Ильич Чайковский.
Н. Д. Кузнецов
Всего 53 года вместила жизнь
выдающегося русского композитора
Петра Ильича Чайковского (1840 –
1893), а в обширном списке
созданных им произведений десять
опер, три балета, девять
программных симфонических
произведений, концерты, квартеты,
музыка к драматическим
спектаклям, более ста романсов и
множество других сочинений.
Чайковскому принадлежат слова:
«Вдохновение – это гостья, которая
не любит посещать ленивых; она
является к тем, которые признают
ее».
Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальный стиль, определивший его особе место в истории мировой музыкальной культуры. В о
Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальныйстиль, определивший его особе место в истории мировой
музыкальной культуры.
В области симфонической музыки он разработал жанр
программной симфонической поэмы («фантазии», или
«увертюры – фантазии»). Программами для симфонических
«фантазий» служили литературные произведения Данте
«Франческа да Римини», Шекспира «Ромео и Джульетта»,;
«Буря»,; «Гамлет», и Байрона «Манфред».
Значительное место в творчестве Чайковского занимают оперы.
Лучшие оперные произведения композитора – «Евгений Онегин»
и «Пиковая дама».
Цикл пьес «Времена года» свидетельствует об удивительном
музыкально-живописном таланте композитора, сумевшего
создать картины родной русской природы.Сказочно – романтическим светом озарена
балетная музыка П.И. Чайковского, в которой он выступает не
только как блестящий реформатор, но и как
первооткрыватель.Музыкальный критик Г.А. Ларош писал:«По
музыке «Лебединое озеро» – лучший балет, который я когда –
нибудь слышал….» В 1889 г. Чайковский создаёт музыку к балету
«Спящая красавица» по мотивам сказки французского писателя
Ш. Перро. Спустя несколько лет он пишет музыку к двухактному
балету-феерии «Щелкунчик» .
Большую художественную ценность представляют
романсы Чайковского. «День ли царит...» на слова А. Н. Апухтина,
«То было раннею весной...», «Благословляю вас, леса...» и
«Средь шумного бала...» на слова А. К. Толстого. Хорошо
известны и вариации русских народных песен «Кабы знала я,
кабы ведала...», « Я ли в поле да не травушка была...» Традиции
П. И. Чайковского в музыке в дальнейшем успешно развивали А.
К. Глазунов С. И. Танеев, Н. Г. Рубинштейн и С. В. РахманиновВокальная музыка- когда главенствует голос.
Симфоническая музыка - музыка, предназначенная для
исполнения симфоническим оркестром.
Опера- музыкальное произведение, в котором соединены
слово, сценическое действие и музыка.
Симфонизм – творчество в области сочинения музыки.
Симфония- Большое музыкальное произведение для оркестра.
Камерно-вокальная музыка - музыка, исполняемая небольшим
коллективом музыкантов-инструменталистов и/или
вокалистов.
Увертюра инструментальное вступление к театральному
спектаклю.
Фантазия - импровизационное начало, свободное
развёртывание музыкальной мысли.
Сюита - музыкальное произведение из нескольких
разнохарактерных пьес, объединённых единством замысла.
Пьеса - законченное музыкальное произведение небольшого
размера1. Как изначально называлась опера
М.Глинки, известная сейчас как «Иван
Сусанин»?
a) «Жизнь за царя»
b) «Умри, но не сдавайся»
c) «Смерть за Отечество».2. Какой композитор был автором оперы
«Хованщина»?
a) А. Доргамыжский
b) М. Мусорский
c) С. Рахманинов.3. Как называется творческое содружество
русских композиторов?
a) «Могучая кучка»
b) «Могучее сообщество»
c) «Русские сезоны».4. Как называется произведение
древнерусской литературы, лежащее в
основе сюжета оперы Бородина «Князь
Игорь»?
а) «Задонщина»
б) «Повесть временных лет»
в) «Слово о полку Игорева»5. Кто из композиторов является
основоположником русской музыкальной
классики?
а) М. Глинка
б) А. Бородин
в) М. Мусоргский
Ответы теста.
1. Жизнь за царя.2. М. Мусорский.
3. Могучая кучка.
4. «Слово о полку Игореве».
5. М. Глинка.
8 класс Русская музыка от эпохи средневековья до рубежа Х IX – XX вв
Тема урока
Цели урока сформировать у учащихся представление о русской культуре 19 века обратив внимание на ту атмосферу, в которой создавались выдающиеся произведения искусства
Задачи урока Учить:
Познакомить учащихся с творчеством композиторов и художником дан ного пе риода ;
Использовать материал по заданн ой тем е ;
Подбирать материал по теме с использованием ИКТ,
Представлять материал в виде презентаций.
Развивать:
развивать навыки самостоятельной работы
развивать умение работать с информацией;
разви вать воображени е ;
развивать познавательный интерес ;
развивать словарный запас.
Воспитывать:
воспитывать интерес к отечественной культуре.
воспитывать патриотизм
Ход урока
Вступительная беседа.
Тема нашего урока «Музыкальная культура России 19 века». Культура многогранна. Что включает она в себя? (образование, наука, скульптура, живопись, музыка, архитектура, быт народа, литература….).
Мы сегодня будем говорить о живописи и музыке. Что такое культура? Что мы уже знаем о культуре?
Итак, культура – это совокупность духовных и материальных ценностей, выработанных определённой эпохой, определённым народом
Духовная культура представляет собой совокупность духовных ценностей и творческой деятельности по их производству, освоению и применению (идеи, произведения литературы, живописи, музыки).
2. Изучение нового материала.
Условия формирования русской культуры.
Какое направление было одним из ведущих в русской культуре первых десятилетий 19 века? (романтизм)
Что является отличительной чертой русского романтизма? (русский романтизм отличал повышенный интерес к национальной самобытности, традициям отечественной истории, утверждению сильной раскрепощённой личности)
Одним из ярких представителей романтизма в живописи был Алексей Гаврилович Венецианов. Его картины стали настоящим открытием в русской живописи. Они были посвящены повседневному труду и быту крестьян. В работах 20 – х годов «На пашне. Весна» «На жатве. Лето» он изображал их жизнь в поэтических красках, тонко чувствуя и передавая красоту родной природы.
Какое ещё направление получает широкое развитие в 20 – 50 годы? (реализм).
Реализм – направление в искусстве, ставящее своей целью наиболее полное отражение реальности в её наиболее типичных проявлениях. Стремление к реализму проявилось в работе Карла Павловича Брюллова «Последний день Помпеи». Брюллов впервые в качестве героя представил народ, передав достоинство, героизм и величие простого человека в условиях природной катастрофы
- Что же происходит в мире музыки в это время?
В 1815 году Катарино Кавос, итальянец по происхождению, много сделавший для развития русского искусства, пишет оперу «Иван Сусанин», (рассказывающую о подвиге крестьянина села Домнино, близ Костромы, Ивана Осиповича Сусанина, совершённый в начале 1613 года. Эта ранняя опера страдала довольно примитивной драматургией, музыкальные эпизоды чередуются с разговорными диалогами, да и завершается опера благополучно – Иван Сусанин возвращается живым и здоровым домой. Такова была традиция – благодетель должна восторжествовать, несмотря на историческую правду.
В 1836 году в Петербурге состоялась премьера оперы Михаила Ивановича Глинки «Иван Сусанин» , рассказывающая о тех же событиях что и опера Кавоса, но Глинка создаёт первую в истории мировой музыки героическую народную музыкальную драму, где вся музыка проникнута народными песенными оборотами. До Глинки в русской музыке «простой люд» был показан только в повседневной жизни и не представлялся героями важных исторических событий. В этой роли выступали князья, полководцы, сказочные богатыри. В опере Глинки Иван Сусанин не бытовой персонаж , а великий герой, спасающий всю страну и народ выступает как активное действующее лицо - Послушайте, как мощно звучит хор «Славься», прославляющий землю русскую и народ, победивший своих врагов, вслушайтесь в слова этого хора «Славься, славься ты Русь моя! Славься родная моя земля! Да будет во веки веков сильна любимая наша родная страна» (муз. файл 1_Славься)
- Как общество отнеслось к появлению этой оперы?
Выдающийся музыкальный критик Одоевский писал «С оперой М. И. Глинки является то, что давно ищут и не находят в Европе – новая стихия в искусстве и начинается в его истории новый период – период русской музыки». Петербургские аристократы не скрывали своей враждебности к Глинке, который сделал героем монументальной исторической оперы простого крестьянина и написал музыку народного склада, они называли эту музыку «кучерской», на что Глинка отвечал «Это хорошо и даже верно, ибо кучера, по-моему, дельнее господ»
- Как же сложилась судьба оперы?
По первоначальному замыслу Глинка назвал оперу «Иван Сусанин», но Николай Первый хотел чтобы народно-патриотическая опера воспринималась как прославление самодержавия, поэтому она была переименована в «Жизнь за царя» и царь милостиво похвалил композитора. В период советской власти опера шла под названием «Иван Сусанин». С изменением политической обстановки в стране сейчас она идёт в театрах России как «Жизнь за царя». Так политическая общественная жизнь оказывает влияние и на культурную жизнь.
Итак, в первые десятилетия 19 века русская культура прошла чрезвычайно важный этап в своём развитии. Если вначале при всём своеобразии она продолжала сохранять несколько подражательный характер по отношению к культуре Западной Европы, то постепенно в разных сферах культурной жизни России всё ярче проявляется интерес к своей стране с её реальными проблемами, к своему народу с его неповторимыми, только ему присущими чертами, всё более настойчивыми становятся попытки разобраться во всех сложностях своего исторического развития. Иными словами, русская культура переживает процесс становления национального самосознания.
Какие события способствовали пробуждению национального самосознания? Отечественная война 1812 года , заставившая европейское образованное общество по новому взглянуть на народ, увидеть не тёмную массу, а героя способного пожертвовать всем ради спасения Родины, далее восстание декабристов, споры между западниками и славянофилами о судьбах России, о перспективах её развития).
Представители культуры, художники, композиторы чутко реагировали на эти споры, откликались на них своими произведениями. Одним из течений нового стиля стал критический реализм, выявивший неблагополучные стороны жизни и самим содержанием произведений как бы требовавший перемены к лучшему.
Одним из крупнейших художников этого направления являлся Василий Григорьевич Перов . Он сумел с обличительным пафосом показать многие неприглядные стороны современной жизни. В 1861 году Перов пишет картину «Сельский крестный ход на Пасхе»
Особое впечатление производит картина, изображающая нелёгкую жизнь детей– «Тройка» Какие чувства вызывает картина? (сострадание, чувство жалости, желание чем-то помочь).
Нелёгкий, подневольный труд отражён и на картине Репина «Бурлаки на Волге»
И Перов, и Репин входили в содружество художников «Передвижники». Кто такие «Передвижники»?
– Что же происходит в мире музыки?
В 1860 году в Петербурге создаётся содружество русских композиторов, получившее название Балакиревский кружок. В него вошли Милий Алексеевич Балакирев (глава кружка), Александр Бородин, Цезарь Кюи, Модест Мусоргский, Николай Римский-Корсаков
Посмотрите на портреты этих композиторов и посчитайте сколько было каждому в 1860 году: Балакиреву – 23, Бородину – 27, Кюи – 25, Мусоргскому – 21, Римскому-Корсакову – 16.
Это молодые люди. Балакирев учился в Казанском университете на математическом факультете. В 1855 году он встречается с Глинкой. Эта встреча изменила всю жизнь молодого человека. Он становится последователем и продолжателем дела Глинки. Бородин только что закончил Медико-хирургическую академию в Петербурге и не был ещё известным ученым.
Кюи специалист в области фортификации. Мусоргский учился в школе гвардейских прапорщиков, был произведён в офицеры. Римский-Корсаков молодой выпускник Петербургского морского корпуса. Как видите все члены «Могучей кучки» молодые люди, не профессиональные музыканты, получившие домашнее музыкальное образование, как было принято во всех дворянских семьях того времени. Что же их всех объединяло?
Прежде всего идея народности и правды искусства, приверженность к родной русской культуре, её истории, традиции, фольклору.
Обращаясь к историческим событиям, как и Глинка, Бородин пишет оперу «Князь Игорь», которая рассказывает о неудачном походе князя Игоря против половцев.
Послушайте фрагмент симфонии Бородина и посмотрите картины Васнецова. Можно ли сказать, что и музыка и живопись дополняют друг друга?
Приверженность идеям Глинки можно встретить и в творчестве Мусоргского.
Знаменитая опера «Хованщина» переносит нас в 17 век, время правления Петра Первого о восстании в 1682 стрельцов и солдат Москвы. Послушайте вступление к этой опере. Какое впечатлении складывается у вас, слушая эту музыку и рассматривая картины
Римский-Корсаков обращается в своём творчестве к сказочной и былинной тематике. Это оперы «Садко», «Снегурочка». Как моряк Николай Андреевич великолепно рисовал звуковые картины моря.
Послушайте и посмотрите как перекликаются картины Айвазовского и музыка Римского-Корсакого.
Так же можно сказать и о картинах Левитана и музыки Чайковского
Слушая музыку и рассматривая картины, скажите, какое появляется настроение?
3. Итог. Итак, мы с вами проследили этапы развития культуры России в 19 веке, связь времени и пришли к выводу, что с окончанием века не останавливается развитие культуры. Новый век вбирает в себя всё лучшее и развивает её дальше. И мы представители 20 и 21 века с удовольствием рассматривали картины и слушали музыку прошлого столетия.
Домашнее задание Написать сообщение на тему «Музыкальная культура России 19 века
Музыкальная жизнь этого периода тоже отличалась бурностью событий и частой сменой направлений, напряженным поиском новых средств выразительности в музыкальном искусстве. Нередко эти поиски были связаны с поисками в других видах искусства. Направления, родившиеся в литературе или изобразительном искусстве постепенно захватывали другие виды искусства, в частности музыку.
В музыке новый период начинается с выдвижения символической школы , другие называют это музыкой импрессионизма из-за богатства и причудливой смены полутонов близкой живописи импрессионистов. Она возникла во Франции, и ее последователи скоро заявили о себе по всей Европе. Символисты выступили против повсеместно господствующего академизма и неоромантики в духе Вагнера. «Нужно искать пути после Вагнера, а не идти по стопам Вагнера», утверждал Клод Дебюсси. Символисты обратились к неразработанным богатствам музыкального фольклора Испании, Дальнего Востока, скандинавских народов, освежают музыку оригинальной ритмикой, необычайной тембровой окраской. Стремясь преодолеть мощное влияние Вагнера, они развивают традиции XVIII в. - Рамо и Моцарта.
Символизм (импрессионизм) раньше всего заявил о себе в фортепианных миниатюрах и романсах 90-х гг. Клода Дебюси. А прелюдия «Послеполуденный отдых фавна» (1894) считается манифестом музыкального символизма (импрессионизма). Это произведение построено на прихотливых ассоциациях, отличается яркой экзотической красочностью, богатством тонких оттенков, оно полностью свободно от всех академических условностей. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.
Клод Дебюсси (1862-1918)
Итак, основателем импрессионизма в музыке стал французский композитор Клод Дебюсси (1862-1918). Творческое наследие Дебюсси не очень обширно. Начал с сочинений, в которых чувствовалось влияние русской школы Мусоргского, Римского-Корсакова. Но в таких произведениях, как «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны» (1899), «Образы», опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), фортепианные пьесы, он выступает как яркий новатор.
Три симфонические пьесы под общим названием «Ноктюрны» для скрипки с оркестром были написаны для известного бельгийского скрипача Эжена Изаи, симфонический вариант был закончен в 1899 г. К первому исполнению, в 1900 г. автор написал комментарий, где подчеркнул, что под ноктюрном имеется в виду не привычная форма, а впечатления и ощущения от света. К содержанию первой пьесы из цикла «Облака» композитор написал: «Это вечный образ неба с медленно и меланхолично плывущими облаками, умирающими в серой дымке, нежно оттененной белым светом.» (У Шарля Бодлера есть одноименное стихотворение в прозе, очень близкое к музыке Дебюсси.) Вторая пьеса - «Празднества» - это движение, пляшущий ритм атмосферы с внезапными вспышками яркого света, здесь также эпизод шествия (ослепительное и призрачное видение), проходящего сквозь праздник и сливающегося с ним; но фон остается все время - это праздник, это смешение музыки со светящейся пылью, составляющее часть общего ритма. Третья пьеса - «Сирены» - это море и его безгранично многообразный ритм; среди посеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен. Из этих объяснений композитора видно, что Дебюсси создавал музыку утонченных образов, которой свойственны полутона настроений, изысканность гармоний. Гармония его музыки возникала совершенно из другого звукоощущения, чем гармония прежней музыки.
Морис Равель (1875-1937)
Вторым замечательным представителем музыки импрессионизма был французский композитор Морис Равель (1875-1937). Его музыка отличается большей, чем у Дебюсси, энергией и динамикой. Недаром так велики его достижения в жанре балета. Его «Болеро» и «Вальс» называют симфоническими поэмами танца.
Две характерные черты творчества Равеля сказались в «Болеро»: любовь к танцу и глубокий интерес к испанской музыке. «Болеро» представляет собой одну цепь непрерывного динамического нарастания. «Чудом композиторского мастерства» назвал С. Прокофьев эту балетную пьесу.
Расцвечивая тему бесконечно меняющимися красками, излагая ее в «Тысячах различных нарядов» (С. Прокофьев), Равель виртуозно использовал возможности современного оркестра, создав ослепительно инструментованное произведение.
Гротесковое начало проявилось в таких вещах Равеля, как опера-буфф «Испанский час» (1907) и хореографическая поэма «Вальсы» (1920). Это сближает Равеля с экспрессионистами.
Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще более расширить звукоизобразительные колористические возможности музыки. Красочность и живописность его музыки никогда не заслоняла содержания. От мечтательно-поэтической музыки Дебюсси его музыка отличалась ослепительной яркостью и броскими красками испанского фольклора. Одной из вершин его творчества явился балет «Дафнис и Хлоя», написанный в 1909 г. по заказу С. Дягилева для выступлений в Париже русской балетной труппы.
Модернизм в музыке
Музыкальные пейзажи импрессионистов остаются непревзойденными по тонкости и изысканности красок, по существу столь же характерными для французской художественной культуры .
Поколение французских композиторов, выступавших вслед за импрессионистами (уже после первой мировой войны) - А. Онеггер, Д. Мийо, Ж. Оик, Ф. Пуленк и другие - отвернулось от своих предшественников, их утонченность и изысканность оказались не соответствующими новому времени. А в 1918 г. увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин». Ее автор - известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик - писал: «...Довольно облаков, туманов, аквариумов и ароматов ночи, нам нужна музыка земная, музыка повседневная!..» Этот год некоторые считают годом рождения модернизма в музыке .
Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве немецких композиторов-экспрессионистов - представителей новой венской школы (об этом чуть ниже). Во многом противостоял романтической традиции и крупнейший композитор того времени Рихард Штраус (1864-1949). В музыке Штрауса заметны черты натурализма. Он чрезмерно увлекался жизнеподобием и прямой имитацией, звукоподражанием. В его музыкальных драмах «Саломея» (1905) и «Электра» (1909, на сюжет Гофвансталя) ощущается воздействие декаданса. Но в 1911 г. появляется великолепная комическая опера «Кавалер роз». Будучи вплоть до 1918 г. директором Берлинской оперы, композитор немало сделал для обновления ее репертуара.
Классические традиции в музыке
Классические бетховенские традиции нашли свое развитие в творчестве австрийского симфониста Густава Малера (1860-1911), который был выдающимся дирижером, а в 1897-1907 гг. руководил Венской оперой.
Между 1888 и 1909 гг. Малер создает 10 симфоний, каждая из которых становится событием в музыкальной жизни Европы. Он резко поднял общественное звучание музыкальных произведений, возродил на новой основе традиции философской симфонии-исповеди . Малер смело использовал в симфониях вокальное и хоровое начала, добивался гармонического единства сложнейших музыкальных тем с бесхитростными мелодиями фольклора. Малер шел от традиций Бетховена и Шуберта, ему были чужды символические и натуралистические увлечения.
Натурализм в музыке
Натурализм же получил развитие в итальянской музыке под названием веризма . Его последователями здесь выступили
- Джакомо Пуччини (1858-1924),
- Пьетро Масканьи (1863-1945),
- Реджеро Леонкавалло (1857-1919).
Как писатели-веристы они посвящали свои музыкальные драмы жизни бедных людей, смело вводили прозаические музыкальные ситуации . В музыке отказывались от вокальных «ударных номеров» и тяготели к декламации, к использованию имитации шумов, пения птиц, звуков прибоя и т. п. «Богема» (1896) и «Тоска» (1900) Пуччини положили начало камерной лирической драме на оперных подмостках. Этот жанр нашел высшее воплощение в «Чио-Чио-Сан» (1904).
Экспрессионизм в музыке
Проведенная веристами оперная реформа доказала свою плодотворность в последующем развитии музыкально-драматического искусства в Европе.
Главной болезнью XX в. стала утрата положительного идеала. Как и в искусстве, так и в музыке нередко образы зла и разрушения показаны более ярко, чем силы добра и созидания. Это сказалось в творчестве и Густава Малера , оказавшего сильное влияние на искусство XX в. Одно из самых замечательных его произведений - вокально-симфоническая «Песнь о земле», полна глубокой безысходной печали, печали прощания с жизнью. Показательна уже первая фраза, которая могла бы стать эпиграфом: «Жизнь темна, темна и смерть». В начале XX в. для немецких композиторов было характерно увлечение экспрессионизмом - стремление к обостренной, преувеличенной выразительности. В этой области искали Арнольд Шенберг (1874-1951), Альбан Берг (1885-1935), Антон фон Веберн (1883-1945) и другие представители новой венской школы.
«Печаль становится обреченностью, депрессией, отчаяние превращается в истерию, лирика кажется разбитой стеклянной игрушкой, юмор становится гротеском... Основное направление - крайняя боль,» - так характеризовал положение в музыке немецкий композитор Ганс Эйслер (ученик Шенберга), который посвятил свой талант немецкому и международному рабочему движению. Шенберг и Берг создали большие художественные ценности критического характера, имеющие значение приговора над действительностью.
Шенберг - отец музыкального модернизма - создал новую музыкальную технику, отвергающую полностью ладомузыкальную основу, получившую название додекафония (от греч. dodeka - двенадцать и phone - звук) - метод музыкальной композиции, при котором отрицаются ладовые связи (тяготения) между звуками и каждый из 12 тонов хроматического звукоряда (звуки в пределах октавы) считаются равноправными без различия тонов на устойчивые и неустойчивые.
Творчество и учение Шенберга произвели переворот в многовековой практике композиции. Впервые реформа музыкального языка отвергла преемственность с музыкой прошлого. Шенберг и его преемники полностью порывают с ладотональной системой. Сочинение музыки, согласно Шенбергу, представляет собой чисто умозрительное конструирование, подобное решению задач математической логики.
В годы первой мировой войны Берг создал оперу «Воццек» о судьбе молодого солдата (от издевательств в казарме доходит до психоза и преступления). Это произведение считают вершиной творчества экспрессионистов , оно стоит в одном ряду с антивоенными произведениями Ремарка и Хемингуэя. После 1-й мировой войны композиторы обратятся к поиску потерянного идеала.
Авангардизм в музыке
Еще большим отходом от традиций классического музыкального наследия отмечено течение авангардизма , основанного на принципах нововеновской школы с привнесением других элементов композиции. Авангардисты включали в звуковую ткань произведения различного рода шумы, звуки электронных синтезаторов, отметим это, забегая вперед.
Одной из разновидностей музыкального авангардизма стала алеоторика (лат. alea - игральная кость, случайность) - течение в современной музыке, возникшее в 50-е гг. XX в. в ФРГ и во Франции; основано исключительно на применении принципа случайности как в процессе создания произведения, так и его исполнения. В Хаотичном звукосочетании авангардисты применяли принцип сонорности (лат. sonorus - звонкий, звучный, шумный) - композиторская техника, построенная на использовании красочных созвучий.
Неоклассицизм в музыке
Представителями неоклассицизма считают русского Игоря Стравинского и немца Пауля Хиндемита (1895-1963). Опору для своих творческих исканий эти крупнейшие композиторы XX в. искали в музыке добаховского и баховского времени. Балеты Стравинского и опера «Художник Матисс» (1938) Хиндемита по праву вошли в золотой фонд музыки XX в.
Выводы
В заключении отметим, что музыка ярчайшего новатора Шенберга, полностью перевернувшего традиционное представление о музыкальном языке, в наши дни почти не звучит и представляет интерес как историческая веха в развитии приемов композиторского письма, а музыка Рахманинова, писавшего старомодно, звучит сегодня широко и представляет неотъемлемую часть искусства сегодняшнего дня. Возникнув в среде художников, импрессионизм как направление вскоре захватил скульпторов, а затем и композиторов, и был наиболее устойчивым направлением конца XIX в.
МУЗЫКА РОССИИ XIX ВЕКАДля России XIX век стал эпохой формирования национальной музыкальной школы. В предшествующем столетии высокого уровня развития достигла только хоровая духовная музыка; традиции же оперной, камерно-вокальной и симфонической музыки сложились в новом веке. На этот процесс решающее влияние оказали, с одной стороны, западноевропейская культура, а с другой - русский фольклор.
Русские композиторы начали выезжать за границу. Там они общались с видными мастерами музыкального искусства, а главное - получали европейское музыкальное образование. Россия вызвала в Европе ответный интерес, и на протяжении столетия немало выдающихся музыкантов гастролировали в Москве и Петербурге. Приобщение к европейской культуре не только повысило интеллектуальный и профессиональный уровень русских композиторов и исполнителей, но и помогло им глубже понять традиции национальной музыки , лучше узнать самих себя.
В XIX столетии в России утвердились европейские нормы концертной жизни. Это связано, прежде всего, с основанием Русского музыкального общества (1859 г.). Его деятельность носила просветительский характер. Устраивались регулярные концерты по определённому тематическому плану, проводились конкурсы на лучшее музыкальное произведение и т. д. В стране была создана система музыкального образования европейского типа. В Петербурге (1862 г.) и Москве (1866 г.) открылись консерватории.
114
В XIX в. огромное внимание уделялось изучению фольклора. Русские композиторы считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях, при этом не теряя своеобразия собственного музыкального языка.
АЛЕКСАНДР АЛЕКСАНДРОВИЧ АЛЯБЬЕВ
Композитор Александр Александрович Алябьев родился в старинной дворянской семье. В молодости он служил в армии, участвовал в Отечественной войне 1812 г. Впоследствии оставил военную службу и посвятил себя творческой деятельности. Алябьев - автор известных романсов: «Я вас любил», «Зимняя дорога» (оба на стихи Александра Сергеевича Пушкина), «Соловей» и др. «Соловей» (на стихи Антона Антоновича Дельвига) особенно любим слушателями, его часто включают в репертуар многие знаменитые певицы. Ференц Лист, покорённый красотой этого произведения , сделал переложение романса для фортепиано. Мелодии Алябьева близки к русской народной музыке простотой и искренностью.
Александр Александрович Алябьев.
АЛЕКСАНДР ЕГОРОВИЧ ВАРЛАМОВ
Композитор Александр Егорович Варламов - автор популярных романсов.
Александр Егорович Варламов.
Всего он создал около двухсот произведений этого жанра, преимущественно на стихи русских поэтов («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др.). Варламов был известен также как певец, гитарист, дирижёр и педагог. Он написал одно из первых русских учебных пособий для вокалистов - «Полная школа пения» (1840 г.).
АЛЕКСАНДР ЛЬВОВИЧ ГУРИЛЁВ
Александр Львович Гурилёв был сыном крепостного музыканта (в 1831 г. он вместе с отцом получил вольную). Композитор, пианист, скрипач, альтист и педагог, Гурилёв прославился как автор песен и романсов. Наиболее известны его песни «Матушка-голубушка», «Колокольчик», «Сарафанчик», «Вьётся ласточка» и романсы «Разлука», «Вам не понять моей печали». Помимо вокальной лирики композитор работал в жанрах фортепианной музыки, собирал и обрабатывал народные песни.
АЛЕКСЕЙ НИКОЛАЕВИЧ ВЕРСТОВСКИЙ
Творчество Алексея Николаевича Верстовского связано , прежде всего, с оперными жанрами. В течение тридцати пяти лет он был служащим Московских Императорских театров - этот период получил в театральном мире название «эпоха Верстовского». Наиболее известные его оперы - «Пан Твардовский» (1828 г.), «Вадим» (1832 г.), «Аскольдова могила» (1835 г.). Он также прославился романсами, кантатами, духовной музыкой. В русской вокальной лирике Верстовский создал новый жанр - балладу, или «драматические кантаты», как он сам называл такие сочинения. Это повествовательно-драматические произведения для солиста с инструментальным сопровождением, написанные в свободной форме («Чёрная шаль», «Три песни скальда» и др.).
Алексей Николаевич Верстовский.
115
Для русской музыкальной культуры первой половины XIX столетия характерно повышенное внимание к опере и камерной вокальной музыке. В России получили развитие практически все основные жанры европейской оперы и камерного пения. Серьёзный интерес к симфонии появился лишь во второй половине столетия. Особенно популярны были программные симфонические произведения, в том числе симфоническая миниатюра.
МИХАИЛ ИВАНОВИЧ ГЛИНКА
Творчество Михаила Ивановича Глинки стоит у истоков русской композиторской школы, а его произведения, методы работы , отношение к музыкальным жанрам и традициям воспринимались в XIX столетии как образцовые. Получив серьёзное музыкальное образование в Европе, Глинка сумел первым глубоко осознать особенности русской национальной музыки, и во многом благодаря этому мастеру европейские жанры получили в России оригинальную трактовку.
М.И. Глинке были присущи основные черты художественного мышления европейских романтиков: стремление к смелым экспериментам, тонкий литературный вкус (свидетельство тому - постоянное обращение к поэзии А. С. Пушкина), острый интерес к отечественной
истории, любовь к народной музыке (причём не только русской). С одинаковым блеском композитору удавались как опера, так и вокальная миниатюра, что в Европе XIX в. встречалось довольно редко. И эта особенность Глинки сближает его музыку с наследием венских классиков, особенно с сочинениями Моцарта.
М.И. Глинка родился в селе Новоспасское Смоленской губернии. Детские годы композитора прошли в сельской усадьбе родителей. Ранние музыкальные впечатления оказались связаны с небольшим оркестром крепостных музыкантов, который принадлежал дяде Глинки. В репертуар оркестра входили русские народные песни и танцы , а также произведения зарубежных композиторов. В Новоспасском Глинка сделал первые шаги в музыке - по слуху играл на скрипке вместе с крепостными музыкантами.
В 1817 г. родители привезли сына в Петербург и определили в Благородный пансион при Главном педагогическом институте. Уровень преподавания в пансионе был очень высоким. Глинка отлично учился; особенно больших успехов он добился в рисовании и языках: французском, немецком, английском, латыни (позже освоил испанский, итальянский, персидский). Будущий композитор начал серьёзно заниматься музыкой, брал уроки у известного ирландского пианиста, педагога и композитора Джона Филда (1782- 1837; жил в России с 1802 г.). Во время летних каникул в имении родителей Глинка разучивал и исполнял с крепостными музыкантами произведения Гайдна , Моцарта, Бетховена и других европейских мастеров.
По окончании пансиона (1822 г.) Глинка решил посвятить себя музыке и уже к концу 20-х гг. стал известен в музыкальных кругах Петербурга. 
Михаил Иванович Глинка.
116
Он принимал участие в популярных тогда любительских концертах и вечерах как пианист и певец (по свидетельству современников, Глинка обладал прекрасным баритоном), а как композитор пробовал свои силы в романсах и камерно-инструментальных сочинениях.
В 1830 г. Глинка отправился за границу. Он побывал в крупнейших музыкальных центрах - Милане, Неаполе, Венеции, Риме, Вене, Дрездене, встречался с выдающимися композиторами той эпохи - Беллини, Доницетти, Мендельсоном, Берлиозом. В Берлине Глинка изучал теорию музыки под руководством известного немецкого теоретика и педагога Зигфрида Вильгельма Дена (1799- 1858). Полученные знания и знакомство с западноевропейской культурой оказали серьёзное влияние на формирование стиля композитора.
В 1834 г. Глинка вернулся в Петербург. Здесь были созданы основные произведения в жанрах оперной, симфонической и камерно-вокальной музыки. Своей главной задачей М.И. Глинка считал развитие традиций национального искусства. До него русские композиторы, обращаясь к фольклору, оставались на уровне простого подражания народным песням. Глинке же удалось почувствовать и воссоздать дух народной музыки, представить типы русских людей.
Композиторское мастерство Глинки ярче всего проявилось в двух операх - «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила». Он создал образцы национальной русской оперы - героико-эпическую оперу и оперу-сказку. Последующее развитие этих жанров связано с теми принципами , которые заложил Глинка.
Опера «Жизнь за царя» (в СССР в 30-80-х гг. было принято название «Иван Сусанин»; 1836 г.) написана на историко-патриотический сюжет. Композитор обратился к событиям начала XVII в. - борьбе русского народа против польских завоевателей. Сюжет произведения -
подвиг Ивана Сусанина - предложил Глинке поэт Василий Андреевич Жуковский.
«Жизнь за царя» - первая русская опера без разговорных диалогов; она основана на непрерывном музыкальном развитии. Музыкальную ткань сочинения пронизывают хоровые сцены. В частности, они открывают (хор «Родина моя») и завершают произведение (заключительный ликующий победный хор «Славься»).
В центре оперы - образ русского крестьянина Ивана Сусанина. Композитор подчёркивает нравственную силу героя. Для его музыкальной
Гостиная дома М.И. Глинки в селе Новоспасское. XIX в .
Афиша оперы «Жизнь за царя». Нижний Новгород. 1896 г.
Красная площадь. Эскиз декораций к опере «Жизнь за царя». Постановка Мариинского театра, Санкт-Петербург. 1886 г.
характеристики использованы интонации народных мелодий. Антонида, дочь Сусанина, - светлый и поэтичный («нежнограциозный», по определению самого Глинки) образ русской девушки. Собинин, жених Антониды, - ополченец, удалой, бесстрашный человек. Ваня, приёмный сын Сусанина , - «простосердечный», по словам Глинки, мальчик тринадцати лет. Образы молодых членов семьи Сусанина - Вани, Антониды, Собинина нарисованы в традициях и интонациях бытовой песни-романса.
Русским образам противостоит враждебный лагерь поляков. Развёрнутая хореографическая картина представляет «польский акт» оперы - пышный бал в старинном замке. Эта симфоническая композиция передаёт блеск, изящество и гордость шляхты - польской знати. Звучат мелодии и ритмы полонеза, мазурки, краковяка. Красота музыки завораживает, но в целом простота и задушевность «русских» сцен противопоставлена показной пышности «польского акта».
Наконец два лагеря сталкиваются непосредственно - польский отряд приходит в село Домнино к Сусанину и требует, чтобы тот провёл их к месту, где находится царь Михаил Романов. Сцена Сусанина с поляками в лесной чаще, куда он завёл их на погибель, - кульминация оперы. Развязка трагична - главный герой отдаёт жизнь за Россию. Ночью, в лесу Сусанин исполняет свой предсмертный монолог-речитатив «Чуют правду», переходящий в арию-молитву «Ты взойди, моя заря», в которой герой просит у Бога сил встретить последний час. В ней звучит и глубокая скорбь , и надежда. Музыка - медленная по темпу, строгая и сосредоточенная по настроению - напоминает церковные песнопения.
Опера «Жизнь за царя» имела большой успех. Высокую оценку дали этому произведению Пушкин и Жуковский. Сознание творческой победы вдохновило композитора на новые замыслы, и через несколько лет появилась опера-сказка «Руслан и Людмила» (1842 г.). Она написана на сюжет одноимённой поэмы А. С. Пушкина. Неторопливость развития музыкального действия напоминает древние былины и сказания. В опере есть и народные обрядовые сцены, и красочные картины природы, и фантастические образы.
Афиша оперы «Руслан и Людмила». Большой театр, Москва. 1897 г.
Руслан. Эскиз костюма
к опере «Руслан и Людмила».
Санкт-Петербург. 1913 г.
118
Миру русских богатырей (Руслан, Ратмир), песнопевца Бояна, князя Владимира противостоит сказочный мир волшебников - Черномора и Наины. Богатыри показаны с былинной серьёзностью и эпической величавостью. Черномор и Наина (как и незадачливый соперник Руслана - Фарлаф) нарисованы с несомненной долей юмора ; автор как бы говорит слушателю: это всего лишь сказочные персонажи, скорее комические, чем злые. Главная характеристика Черномора, властелина волшебного замка, - полушутливый марш. В создании образов большую роль играет оркестр. Рисуя царство Черномора, композитор использует интонации музыки Востока. Перед слушателем проходят турецкий и арабский танцы, лезгинка. Заканчивается опера «Руслан и Людмила», как и любая сказка, победой добра над злом и торжеством любви.
Интересны работы Глинки в области симфонической и камерно-вокальной музыки. Романсы композитора - совершенные образцы вокальной лирики. В них слушатель находит и отражение душевных переживаний автора, и картины природы , и бытовые зарисовки. Многие известные романсы, например «Я здесь, Инезилья», «Я помню чудное мгновенье», написаны на стихи А. С. Пушкина. Обращался Глинка и к творчеству В. А. Жуковского, А. А. Дельвига и других русских поэтов. На слова популярного в то время поэта Нестора Васильевича Кукольника композитор создал цикл из двенадцати романсов «Прощание с Петербургом» (1838 г.), а также знаменитый романс «Сомнение», который любил исполнять выдающийся русский певец Фёдор Иванович Шаляпин.
Романсы Глинки отличаются исключительной мелодической красотой. Музыка всегда соответствует поэтическому тексту и превосходно приспособлена к возможностям голоса. Фортепианная партия внешне несложна, но точно передаёт настроение стихотворения.
Для оркестра Глинка писал одночастные симфонические увертюры-фантазии. Лучшие его произведения в этом жанре - «Камаринская» (1848 г.), «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.). «Камаринская», по общему мнению русских композиторов, положила начало отечественной симфонической музыке. «Испанские» увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» - блестящий пример освоения Глинкой интонаций и стиля испанской музыки. Пьеса для оркестра «Вальс-фантазия» (1856 г.) подготовила появление симфонических вальсов П.И. Чайковского.
Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки русская музыкальная школа достигла признания в Европе. Последующие поколения композиторов, да и просто любителей музыки, всегда высоко ценили вклад мастера в культуру России.
АЛЕКСАНДР СЕРГЕЕВИЧ ДАРГОМЫЖСКИЙ
Творчество Александра Сергеевича Даргомыжского достигло расцвета в 40-50-х гг. XIX в., когда в русской культуре утвердилось новое
«Руслан и Людмила». Постановка Мариинского театра, Санкт-Петербург. 1886 г.
Фарлаф. Эскиз костюма к опере
«Руслан и Людмила».
Постановка Мариинского театра,
Санкт-Петербург. 1913 г.
*Лезгинка - народный танец горских народов Кавказа.
Александр Сергеевич Даргомыжский.
направление - реализм. Как и его современники в искусстве, Даргомыжский стремился в своих сочинениях к жизненной правдивости. Он создал выдающиеся произведения в жанрах оперной, камерно-инструментальной и симфонической музыки.
А. С. Даргомыжский родился в имении родителей, которое находилось по соседству с Новоспасским, поместьем М.И. Глинки. Отец Даргомыжского был незаконнорождённым сыном дворянина, поэтому будущий композитор получил фамилию по названию села Даргомыжское. Впоследствии и отцу , и сыну было пожаловано дворянство.
Даргомыжский получил традиционное домашнее воспитание, в том числе музыкальное. В 1817 г. его семья переехала в Петербург. С этим городом связана дальнейшая жизнь композитора. В 1833 г. состоялось знакомство с М.И. Глинкой. Несмотря на разницу в возрасте, они быстро подружились. Именно по совету Глинки Даргомыжский стал серьёзно заниматься музыкой.
В творчестве Даргомыжского центральное место занимают романсы и оперы. Камерно-вокальную музыку композитор сочинял на протяжении всей жизни: он написал свыше ста романсов, песен, вокальных ансамблей. Эти жанры были для Даргомыжского своеобразной творческой лабораторией - в них формировался его музыкальный язык. Самые известные романсы - «Я вас любил» (на стихи А. С. Пушкина), «И скучно и грустно», «Мне грустно» (на стихи Михаила Юрьевича Лермонтова). Они проникнуты тонким лиризмом, настроением одиночества.
В творчестве А. С. Даргомыжского появился новый жанр вокальной лирики - сатирическая песня. Яркие примеры подобных произведений - песни «Червяк» и «Титулярный советник» (обе 50-е гг.). Используя речитатив, приближающийся к естественной речи, композитор нарисовал выразительные социальные портреты.
К лучшим произведениям Даргомыжского относится опера «Русалка» (1855 г.). Опираясь на текст одноимённой незаконченной пьесы А. С. Пушкина, композитор сам написал либретто. После опер Глинки это сочинение - важнейшее явление русской сцены.
Л.В. Собинов в роли Князя в опере «Русалка». Большой театр, Москва. 1902 г.
По жанру «Русалка» - лирико-психологическая бытовая драма. В центре оперы - трагическая судьба крестьянской девушки Наташи и её отца (мельника), обманутых Князем. Автор с любовью рисует портреты главных героев. Музыкальный образ Наташи окрашен в лирические тона; вокальная партия построена на мягких , распевных интонациях, напоминающих городскую бытовую песню. Перед зрителем предстаёт искренняя, любящая девушка. После измены Князя она с горя бросается в реку, и во второй половине действия это уже другая Наташа - Русалка, царица Днепра, которая мстит своему обидчику. Партия отца героини, добродушного старика, не лишённого чувства юмора, основана на народно-бытовых интонациях. Потеряв дочь, он сходит с ума , и те же самые интонации, но уже в изменённом виде звучат жутковато. Особенно интересны два дуэта: Наташи и Князя (первое действие) и Князя с мельником, потерявшим рассудок (второе). Музыка точно и тонко передаёт психологические нюансы, например показную нежность Князя к Наташе или внезапные проблески сознания у мельника.
Драматическую линию сопровождают хоровые сцены. Первое действие, например, включает цикл из трёх песен, которые поют крестьяне, - лирической протяжной «Ах, ты, сердце», более подвижной «Заплетися, плетень» и плясовой «Как на горе мы пиво варили».
В 60-х гг. Даргомыжский получил широкое общественное признание. С большим успехом прошли премьеры его опер, композитор был избран членом комитета Петербургского отделения Русского музыкального общества.
Последнее сочинение Даргомыжского, которое он не успел завершить , - «Каменный гость» (1866-1869 гг.). Композитор вновь обратился к творчеству великого русского поэта: опера написана на полный драматический текст пьесы А. С. Пушкина. Даргомыжский создал в этом произведении выразительный декламационный стиль - каждое слово отражено в музыке. В опере почти нет замкнутых номеров - получилось цельное музыкально-драматическое действие. Необычность сочинения вызвала горячие споры в обществе. «Каменный гость» - экспериментальная опера, которая открыла новые пути в развитии жанра.
Русалка. Эскиз костюма к опере «Русалка». Художник К. А. Коровин. Париж. 1936 г.
Эскиз декораций к опере «Русалка».
Милий Алексеевич Балакирев.
МИЛИЙ АЛЕКСЕЕВИЧ БАЛАКИРЕВ
(1836 или 1837-1910)
В развитии отечественного музыкального искусства XIX столетия особую роль сыграл Милий Алексеевич Балакирев. Он был основателем и руководителем творческого содружества русских композиторов, которое вошло в историю музыки как Балакиревский кружок, или «Могучая кучка».
Родился М.А. Балакирев в Нижнем Новгороде в обедневшей дворянской семье. На музыкальные способности мальчика обратил внимание Александр Дмитриевич Улыбышев (1794-1858), публицист и покровитель искусств, автор обширного исследования о Вольфганге Амадее Моцарте - первого в России капитального труда о жизни венского композитора. Юный Балакирев стал учеником Улыбышева, но в профессионального музыканта превратился благодаря упорному самообразованию. Два года Балакирев был студентом математического факультета Казанского университета, однако не окончил его - он решил посвятить себя музыке и в 1855 г. приехал в Петербург. Здесь его представили М.И. Глинке. Чуть позже Балакирев сблизился с А.С. Даргомыжским, а также с историком искусства Владимиром Васильевичем Стасовым (1824-1906), композитором и критиком А.Н. Серовым.
Началом образования «Могучей кучки» можно считать знакомство Балакирева с военным инженером Цезарем Антоновичем Кюи (1835- 1918) в 1856 г. Вскоре образовался музыкальный кружок , в который также вошли любители музыки, ставшие впоследствии знаменитыми композиторами: М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и А.П. Бородин.
Систематические собрания кружка превратились в школу композиторского мастерства. Под руководством Балакирева изучались произведения Глинки , Даргомыжского, Бетховена, Шуберта, Шумана, других русских и западных композиторов, разбирались сочинения членов кружка. Большое влияние на формирование творческих принципов «Могучей кучки» оказал В. В. Стасов (именно он дал содружеству это наименование). Композиторы Балакиревского кружка выступали за народность музыки и в своих сочинениях обращались к фольклору разных народов, прежде всего к русскому.
В 1862 г. Балакирев стал одним из основателей и руководителем Бесплатной музыкальной школы. Основной целью организаторов было приобщение широкой публики к музыкальному искусству, и в первую очередь к отечественному. М.А Балакирев дирижировал концертами хора учащихся школы. Исполнялись произведения Глинки, Даргомыжского, молодых русских композиторов, зарубежных мастеров. Позднее Балакирев руководил оркестром Русского музыкального общества, возглавлял Придворную певческую капеллу.
В собственном композиторском творчестве М А. Балакирев отдавал предпочтение инструментальной музыке. В сочинениях для симфонического оркестра он нередко обращал-
Музыкальный вечер в доме М.А. Балакирева. XIX в.
В XIX в., наряду с потрясающим развитием литературы, наблюдается и ярчайшие взлеты музыкальной культуры России, причем музыка и литература находятся во взаимодействии, что обогащает тешили иные художественные образы. Если, например, Пушкин в своей поэме «Руслан и Людмила» дал органическое решение идеи национального патриотизма, найдя для ее воплощения соответствующие национальные формы, то М. Глинка обнаружил в волшебно-сказочном героическом сюжете Пушкина новые, потенциальные варианты и осовременил его, как бы предложив еще один романтический вариант эпоса, со свойственным ему «вселенским» масштабом и «рефлектирующими» героями. В своей поэме Пушкин, как известно, свернул масштабы классической эпопеи, порой пародируя ее стиль: «Я не Омер... Он может воспевать один обеды греческих дружин»; Глинка же пошел по иному пути -- при помощи колоссального картинного «разбухания» его опера вырастает изнутри до многонациональной музыкальной эпопеи. Ее герои из патриархальной Руси попадают в мир Востока, их судьбы сплетаются с магией северного мудреца Финна. Здесь пушкинский сюжет переосмысливается в сюжет драмы, опера Глинки -- прекрасный пример воплощения той гармонии равнодействующих сил, которая фиксируется в сознании музыкантов как «руслановское» начало, т.е. романтическое начало.
Значительное влияние на развитие музыкальной культуры России 19 века оказало творчество Гоголя, неразрывно связанное с проблемой народности. Гоголевские сюжеты легли в основу опер «Майская ночь» и «Ночь перед Рождеством» Н. Римского-Корсакова, «Сорочинская ярмарка» М. Мусоргского, «Кузнец Вакула» («Черевички») П. Чайковского и т.д. Римский-Корсаков создал целый «сказочный» мир опер: от «Майской ночи» и «Снегурочки» до «Садко», для которых общим является некий идеальный в своей гармоничности мир. Сюжет «Садко» построен на различных вариантах новгородской былины -- повествованиях о чудесном обогащении гусляра, его странствиях и приключениях. «Снегурочку» Римский-Корсаков определяет как оперу-сказку, назвав «картинкой из Безначальной и Бесконечной Летописи Берендеева царства». Расцвету русской музыкальной культуры способствовало творчество П. Чайковского, написавшего немало прекрасных произведений и внесшего новое в эту область. Так, экспериментальный характер носила его опера «Евгений Онегин», предупредительно названная им не оперой, а «лирическими сценами». Новаторская сущность оперы заключалась в том, что она отразила веяния новой передовой литературы. Для «лаборатории» поисков Чайковского характерно то, что он использует в опере традиционные формы, вносящие в музыкальный спектакль необходимую «дозу» зрелищности. В своем стремлении создать «интимную», но сильную драму Чайковский хотел достичь на сцене иллюзии обыденной жизни с ее повседневными разговорами. Он отказался от эпического тона повествования Пушкина и увел роман от сатиры и иронии в лирическое звучание. Вот почему на первый план в опере выступила лирика внутреннего монолога и внутреннего действия, движения эмоциональных состояния и напряженности.