В период правления Людовика XIV Франция стала самой могущественной державой в Европе как в военном, так и в культурном отношении. К концу XVII века Париж соперничал с Римом за звание мировой столицы изящных и прикладных искусств, хотя Вечный Город удерживал это звание много веков. Как же произошло это изменение? У нас возникает соблазн рассматривать французское искусство эпохи Людовика XIV как выражение абсолютизма из-за Версальского дворца и других крупных проектов, прославивших короля Франции. Это вполне справедливо для периода расцвета - времени правления Людовика XIV, 1660-1685 го дов,- однако к этому времени французское ис кусство XVII века уже обрело свой характерный художественный стиль.
Французы не любят называть эту художест венную манеру барочной. Для них - это стиль Людовика XIV. Они часто называют искусство и литературу этого периода «классическими». В таком контексте это слово может иметь три разных значения. Прежде всего это синоним «высочайшего достижения», подразумевающий, что стиль Людо вика XIV соответствует Высокому Возрождению в Италии или эпохе Перикла в Древней Греции. Этот термин употребляется также для обозначения под ражаний форме и содержанию классической ан тичности. Наконец, понятие «классический» пред полагает такие присущие художникам античности и Возрождения качества, как равновесие и сдер жанность. Второе и третье из этих значений опи сывают явления, которые будет правильнее отнести к «классицизму». Так как стиль эпохи Людовика XIV вышел из итальянского искусства барокко, то мы можем назвать его «барочным классицизмом».
Истоки этого классицизма были в основном художественными, а не политическими. Француз ская архитектура XVI века и в меньшей степени скульптура были теснее связаны с итальянским Возрождением, чем в какой-либо другой северной стране, хотя в живописи стиль маньеризма поздней школы Фонтенбло продолжал доминировать до
начала XVII века (см. стр. 268-270). Развитию классицизма способствовал также французский гу манизм с его интеллектуальным наследием разума и стоической благодетелью. Эти факторы сдерживали распространение барокко во Франции и ви доизменяли его трактовку. Цикл Медичи Рубенса (см. илл. 287), например, не имел влияния на французское искусство до самого конца века. В 1б20-х годах, когда Рубенс над ним работал, мо лодые художники во Франции еще только осваи вали раннее барокко.
302. Жорж де Латур. Св. Иосиф-плотник. Ок. 1645 г. Холст, масло. 129,9 х 101 см. Лувр, Париж
БАРОККО ВО ФРАНЦИИ: ЭПОХА ВЕРСАЛЯ 317
303. Никола Пуссен. Похищение сабинянок. Ок. 1бЗб-1637 г. Холст, масло. 154,6 х 209,9 см. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Фонд Хэрриса Брисбейна Дика, 1946 г.
ЖИВОПИСЬ | геном и его тяготение к упрощенным геометрическим |
||||||||||||||||||
французских | Пуссен. Почему де Латур был так быстро забыт? |
||||||||||||||||||
живописцев повлиял Караваджо, хотя не совсем ясно, |
|||||||||||||||||||
Причина проста: после 1б40-х годов во Франции |
|||||||||||||||||||
каким образом они усваивали его стиль. Это были в | господствовал классицизм. Искусство де Латура с его |
||||||||||||||||||
основном незначительные художники, работавшие в | ясностью, уравновешенностью и сдержанностью |
||||||||||||||||||
провинции, но некоторым из них удалось обрести | обозначить | термином |
|||||||||||||||||
вполне самостоятельную манеру. Самый изящный | «классическое» - особенно при соотнесении с дру |
||||||||||||||||||
среди них - | Латур (1593-1652), оценить | гими живописцами-караваджистами, но «класси |
|||||||||||||||||
которого | заслугам | только двести лет | он, конечно, | был. Больше | |||||||||||||||
торжества | классицизма | искусстве | сделал Никола |
||||||||||||||||
спустя. Его картина «Св. Иосиф-плотник» (илл. 302) |
|||||||||||||||||||
Пуссен (1593/94-1665). Хотя Пуссен был величай |
|||||||||||||||||||
ошибочно | жанровое |
||||||||||||||||||
шим французским художником столетия и первым в |
|||||||||||||||||||
произведение, | одухотворенность, |
||||||||||||||||||
французским | живописцем, | завоевавшим |
|||||||||||||||||
составляющей здесь такую же сильную черту, как в |
|||||||||||||||||||
международное признание, | он, тем не менее, почти |
||||||||||||||||||
картине Караваджо «Призвание Св. Матфея» (см. илл. |
|||||||||||||||||||
всю свою жизнь провел в Риме. Там, вдохновляясь |
|||||||||||||||||||
Рафаэлем, он выработал стиль, который стал позже |
|||||||||||||||||||
прием де Латура,- которая освещает сцену с | идеальным образцом для французских художников |
||||||||||||||||||
интимностью | нежностью, | напоминающей | второй половины века. | ||||||||||||||||
произведения Геертген тот Син Янса (см. илл. 193), де | Картина «Похищение сабинянок» (илл. 303) |
||||||||||||||||||
Латур разделяет с Геерт | может служить примером строгой дисциплины ин |
||||||||||||||||||
318 БАРОККО ВО ФРАНЦИИ: ЭПОХА ВЕРСАЛЯ
304. Никола Пуссен. Рождение Вакха. Ок. 1657 г. Холст, масло. 123 х 179 см. Художественный музей Фогга, Художественные музеи Гарвардского университета, Кембридж (Массачусетс). Дар г-жи Сэмуэль Сакс в память об ее муже, г-не Сэмуэле Саксе
теллектуального стиля Пуссена. Тщательно пропи санные фигуры словно «заморожены в действии» подобно статуям, да многие из них, по существу, и заимствованы из эллинистической скульптуры. Пуссен разместил их перед археологически точны ми, как он считал, реконструкциями римской ар хитектуры. В композиции присутствует налет те атральности, и не без причины - она была создана путем перемещения глиняных фигурок по мини атюрному подобию сцены, до тех пор, пока их расположение не показалось художнику верным. Чувства демонстрируются на картине в избытке, но им явно недостает спонтанности, и они не вызывают у нас никаких переживаний. Очевидно, что используемые здесь художественные принципы восходят к Рафаэлю. Или же, точнее, это Рафаэль, пропущенный через Аннибале Карраччи и его школу (сравн. илл. 273, 274). Венецианские черты, которые проявились уже в начале творческого пути художника, были им сознательно подавлены. Пуссен может поразить нас как человек, которому был полностью подвластен его собственный разум,- такое впечатление подтверждается мно гочисленными письменами, в которых он излагает
свои взгляды друзьям и меценатам. Высочайшей целью живописи, полагал он, является изображение возвышенных и серьезных человеческих поступков. Их следует изображать логично и упорядоченно; то есть не так, как все происходило на самом деле, а так, как случилось бы, если бы природа была совершенной. С этой целью художник должен стремиться к общему и типическому. Апеллируя больше к уму, нежели к чувствам, ему следует меньше заниматься такими незначительными ве щами, как цвет, а главное внимание уделять форме
и композиции. На хорошей картине зритель всегда сможет «прочитать» точные чувства каждой фигуры
и соотнести их с сюжетом. Эти идеи не были новы. Нам вспоминается античное выражение «ut pictura poesis» («живопись - это та же поэзия») и утверждение Леонардо, что высшей целью жи вописи является изображение «намерений челове ческой души» (см. стр. 244, 291). До Пуссена, однако, никто не проводил такой тесной аналогии между живописью и литературой, и не воплощал эту теорию с такой буквальностью на практике. Именно методом художника объясняется ощущае мое нами присутствие холодной, назойливой рито
рики в «Похищении сабинянок», из-за которой картина кажется нам столь чуждой, хотя мы не можем не восхититься ее строгой упорядочен ностью.
В соответствии с этими теоретическими взгля дами писал Пуссен и «идеальные пейзажи», причем добиваясь весьма впечатляющих результатов, так как эти пейзажи были отмечены сдержанной кра сотой и осмысленным покоем. В таком строго рационалистическом духе Пуссен работал примерно до середины XVII века, когда он начал писать серию пейзажей, которая знаменовала его возврат к мифологической тематике, оставленной им в среднем возрасте. Тициановская манера его раннего творчества сочетается в них с поздним, рафаэлев ским классицизмом, давая в итоге новый вид мифологического пейзажа, близкого по духу к Клоду Лоррену (см. ниже), но богатой личными ассоциациями, которые придают образам несколько смысловых уровней. Действительно, поздние раз мышления художника справедливо были названы трансцендентными медитациями, так как в них содержится архетипическая образность универ сального значения. В картине «Рождение Вакха» (илл. 304), относящейся к числу наиболее глубоких творений художника, использована великая тема стоиков (Пуссен обращался к ней дважды в мо лодом возрасте), утверждавших, что смерти следует ждать даже в счастливейшем из миров. На картине изображен момент, когда младенец, появившийся на свет от союза Юпитера с лунной богиней Семелой и рожденный из ее бедра, доставляется для безопасности Меркурием к речной богине Дирке, в то время как сатир Пан в радостном вдохновении играет на флейте. (Сам Юпитер был воспитан лесными божествами; см. илл. 290). Исполнение картины не отличается блеском - художнику в пожилом возрасте было уже трудно писать, чем и объясняется неуверенность мазка. Тем не менее Пуссен обернул это в свою пользу, и «Рождение Вакха» представляет собой чистейшее воплощение художественного замысла в живописной форме. Картина полна ясного лиризма, выражающего радость жизни, с одной стороны,- и темных предчувствий смерти, с другой: справа нимфа Эхо рыдает над телом Нарцисса, прекрасного юноши, который пренебрег ее любовью и утонул, целуя собственное отражение в воде.
Клод Лоррен. Если Пуссен развивал герои ческие качества «идеального пейзажа», то великий французский пейзажист Клод Лоррен (1600-1682) подчеркивал его идиллические мотивы. Почти вся творческая жизнь этого художника также прошла
БАРОККО ВО ФРАНЦИИ: ЭПОХА ВЕРСАЛЯ 319
в Риме. Подобно многим северянам, Клод изучил сельскую местность близ столицы (Кампанью) лучше любого итальянца и по-настоящему полюбил ее. Бесконечные натурные зарисовки свидетельст вуют о его необычайной наблюдательности. Извес тно также, что он первым среди художников начал писать эскизы с натуры маслом. Эти эскизы, однако, были лишь предварительными набросками для картин, в которых он добивался не топографической точности, а передачи поэтического настроения сельского пейзажа, полного перекличек с античностью. Часто, как, например, в «Пасто ральном пейзаже» (илл. 305), композицию прони зывает подернутая дымкой и в то же время на полненная светом трепетная атмосфера раннего утра или приближающегося вечера. Уходящее в даль пространство разворачивается плавно, а не шаг за шагом, как на идеальных пейзажах Пуссена. При виде таких просторов зрителя охватывает чувство тоски по прошлому, приукрашенному памятью. Поэтому пейзажи Лоррена особенно пришлись по душе англичанам, которые видали Италию лишь мельком, или вообще там не бывали.
Вуэ. В раннем возрасте Симон Вуз (1590-1649) тоже жил в Риме, где возглавлял кружок фран цузских караваджистов. Однако, в отличие от Пус сена и Клода Лоррена, он быстро отказался от всех следов караваджистской манеры и создал на основе достижений Карраччи колоритный стиль, ставший настолько общепризнанным, что Вуэ был назван первым художником короля. Не забыл он по приезде и о великих североитальянских предшественниках барокко. На картине «Туалет Венеры» (илл. 306) изображен сюжет, популярный в Венеции от Тициана до Веронезе. Фигура, написанная Вуэ, смахивает и на Ио Корреджо (см. илл. 252), но в ней нет откровенной эротики. Вместо этого художник наделил ее чертами изящной чувствительности, которые безмерно далеки от дисциплинированного искусства Пуссена. По иронии судьбы, «Туалет Венеры» был написан около 1640 года, почти одновременно с началом печально завершившегося пребывания Пуссена в Париже, куда он приехал по приглашению Людовика XIII. Пуссен имел не больше успеха, чем Бернини тридцать лет спустя (см. стр. 323-324) и через несколько лет покинул Париж с чувством горького разочарования от столь холодного приема при дворе, чьи вкусы и политические устремления несравненно лучше понял Вуэ. Их соперничество продолжалось в каком-то смысле и позже. Декоративная манера Вуэ создала предпосылки для возникновения рококо, но именно классицизм Пуссена занял ведущее положение во Франции. Обе тра
320 БАРОККО ВО ФРАНЦИИ: ЭПОХА ВЕРСАЛЯ
305. КлодЛоррен. Пасторальныйпейзаж. Ок. 1650 г. Медная пластина, масло. 40,3 х 54,9 см.
ХудожественнаягалереяИельскогоуниверситета, Нью-Хэвен(Коннектикут). ФондЛеоК. Ханны Младшего
306. СимонВуэ. ТуалетВенеры. Ок. 1640 г. Холст, масло. 165,7 х114,3 см. ИнститутКарнеги, Питтсбург
диции соперничали друг с другом вплоть до конца периода романтизма, по очереди занимая ведущее положение, но ни одна из них так и не смогла добиться надолго ощутимого превосходства.
Королевская Академия
Когда молодой Людовик XIV пришел к власти в 1661 году, Жан-Батист Кольбер, его главный советник, создал административный аппарат для поддержки абсолютной монархии. В этой системе, направленной на подчинение мыслей и действий всей нации строгому контролю сверху, перед изо бразительными искусствами стояла цель прослав ления короля, а официальным «королевским сти лем» и в теории, и на практике стал классицизм.
История появления стиля
Художественный стиль барокко зародился в конце 16 века в Италии. Историю названия связывают с португальскими моряками, которые словом barocco обозначали бракованные жемчужины неправильной формы. Итальянцы охотно переняли термин, объединив им вычурные и странные проявления нового культурного течения.
Возникновение барокко связывают с угасанием эпохи Ренессанса: отказавшись от представлений о классической гармонии и строгом миропорядке, творцы сосредоточились на борьбе разума и чувств. Отныне в центре их внимания - силы стихий, экспрессия, мистицизм.
В течение 17-18 веков барокко в архитектуре, искусстве и музыке широко распространилось по Европе и Америке, пришло в Россию. Расцвет стиля совпал с укреплением абсолютных монархий, освоением колоний, усилением католицизма. Логично, что и в градостроительстве он проявился масштабностью и монументальностью.
Характерные черты барокко
Торжественную, сложную, богато декорированную стилистику использовали при возведении городских дворцов, резиденций, монастырей. Архитектурные решения придворных зодчих подчинены одной идее: удивлять и восхищать.
Форма
Главной особенностью барокко является создание искривленного пространства, где плоскости и объемы - криволинейны и перетекают друг в друга, в планах преобладают эллипсы и прямоугольники.
В дизайне фасадов широко используется раскреповка, когда часть стены выставляется чуть вперед или наоборот заглубляется вместе со всеми элементами. Получается чередование выпуклых и вогнутых секций с эффектом пространственной иллюзии. Еще более выразительной фасадную композицию делают всевозможные эркеры, башни и балконы.
Ордер
Отличительный признак барочных зданий - сознательное нарушение пропорций в античной ордерной системе.
Части ордера (база, антаблемент, капитель) растягиваются, накладываются друг на друга, скручиваются; прежде гармоничная структура (соразмерная человеку) приобретает массивность и рваный ритм.
Внешний и внутренний декор
К основным чертам барокко относят также чрезмерное украшательство, дававшее немало поводов для обвинений в безвкусице.
Стены практически исчезают под лепниной, росписью, резными панелями, скульптурами, колоннами, зеркалами. Стремление к гигантизму проявляется в тяжеловесной мебели, огромных шкафах, лестницах. Если говорить о барокко кратко, то это стиль излишеств. За счет чередования освещенных и затененных зон, настраиваемого бокового освещения мастера создавали оптические эффекты расширения пространства. Золотистые, голубые, розовые цвета задавали торжественную атмосферу.
Связь с окружающим пространством
Наше описание стиля барокко было бы неполным без акцента на союз построек с прилегающей территорией: городской площадью, парком, садом. Это была прогрессивная тенденция, здания стали восприниматься единым целым с ландшафтом: отныне фонтаны, скульптурные композиции, разбитые дорожки и газоны - полноправная часть дворцовых ансамблей.
Архитектурные элементы барокко
- Барочные фасады активно оформляют колоннами, объемным крупным рельефом, фронтонами лучкового типа.
Богато отделанные наличники обязательно оснащены замковым камнем. Окна выполняются в виде овалов, полусфер, прямоугольных проемов. Вместо колонн для поддержки балочных перекрытий, балюстрад и сводов крыши устанавливают статуи кариатид и атлантов.
- Монументальные скульптурные композиции - один из характерных элементов стиля.
Поза и выражение лица мифологических и библейских фигур передают эмоциональное напряжение, драматизм сюжета, что отвечает концепции сложного устройства мира и человеческих страстей.
- Традиционные барочные орнаменты включают арабески, гирлянды, раковины, картуши, цветочные вазы, рога изобилия, музыкальные инструменты.
Каждая деталь пышно обрамлена. В связке исторически близких стилей барокко, рококо и классицизма первый существенно выделяется любовью к чрезмерному декору. Эту черту подхватит затем рококо, сделав больший акцент на изящество и утонченность.
- Одна из особенностей архитектурного барокко - активное использование в фасадном дизайне маскаронов (маска в виде человеческого лица или морды животного, расположенных анфас).
Изготавливали их из камня и гипса, размещали над входной дверью, оконными проемами, арками. У каждой маски свой характер: спокойный, устрашающий, комический. Тематические маскароны выбирали в соответствии с профилем заведения: на суд вешали изображения богини правосудия, львиные головы, на театр - драматических персонажей, на церковь - ангелов и детей.
Стиль барокко в Италии
В каждой из стран новый архитектурный стиль проявился под влиянием политических, социальных и культурных условий. В этом плане можно говорить о национальных видах барокко: итальянском, французском, испанском, немецком, английском, русском.
В мировом наследии итальянское барокко считается первоисточником и вдохновителем. Ведущую роль в развитии архитектуры взял на себя Ватикан. Католическая церковь в 16 веке начинает активное строительство храмов и соборов, причем не столько внушительных по масштабу, сколько величественных и эмоционально заряженных по оформлению.
В числе первых создали знаменитую церковь Иль-Джезу, проект Джакомо Бароцци да Виньола. В дизайне главного фасада сочетаются несколько ордеров. Широкие волнообразные волюты по бокам связывают оба фасадных яруса, такое решение стало хрестоматийным для церквей этого периода.
Крупнейшие итальянские архитекторы барокко17 века - Лоренцо Бернини, Франческо Борромини, Гварино Гварини, Карло Райнальди. На весь мир известна площадь Святого Петра в Риме - проект Л.Бернини, где колоннада создает искусственную перспективу и зрительно увеличивает размеры собора.
Французское барокко
Основные характеристики барокко во Франции проявились больше во внутреннем убранстве, в фасадной же отделке доминирует классицизм.
Яркий образчик такого подхода - Версальский дворец, спроектированный Луи Лево и Жюлем Ардуэн-Мансаром. Барочная тема в дизайне фасада обозначена только скульптурами, которые экспрессивностью форм контрастируют с прямой геометрией здания.
Пышное барочное убранство преобладает в дворцовых интерьерах, особенно в залах Войны и Мира, Зеркальной галерее.
Французские архитекторы соединяют барокко и классицизм в оформлении городских особняков, загородных резиденций. Художественная фантазия уступает ведущую роль строгости форм. Основные зодчие периода - Жак Лемерсье, Франсуа Мансар, Луи Лево.
Замковая архитектура переходит от традиционных четырехугольных в плане крепостей к ансамблям из центрального здания и боковых крыльев, с подъездными путями и окультуренными садами. Объемы упрощаются, на фасаде сокращается число лепнины, становятся скромнее размеры - таковы примеры барокко в оформлении замков Во, Монморанси, Шане, Мэзон-Лафитт.
Архитектура Испании, Португалии и Латинской Америки
Наиболее явно направление барокко проявилось в работах испанских братьев Чурригера (17-18 век), их творчество даже получило собственное название - чурригереско.
Фасады и интерьеры изобилуют пышными украшениями и перенасыщены деталями: изломанными фронтонами, волнообразными карнизами, завитками, гирляндами, балюстрадами. Самое известное здание такого барокко - Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела.
Другая часть испанской архитектуры развивалась под влиянием итальянских и французских традиций. Характерный пример - Королевский дворец в Мадриде, построенный по подобию Версаля зодчими из Италии: Филиппо Юварра, Джованни Саккетти, Франческо Сабатини. По-классически строгие фасады сочетаются здесь с великолепным барочным убранством интерьеров.
Португальские дворцы в стиле барокко входят в мировое культурное наследие:
- Фасад дворца Райо (проект Андре Соареша) обильно украшен лепниной, за счет многообразия форм создается эффект динамичности.
- Самый большой в стране королевский дворец Мафра объединяет базилику, грандиозную библиотеку и францисканский монастырь.
- Дворец Матеуш (проект итальянца Николау Насони) имеет статус Национального монумента Португалии, вокруг разбит парк с мраморными скульптурами.
Распространившись в Новый Свет, барочный стиль завоевал сторонников от Аргентины до Мексики. Типичные примеры - соборы в Таско и Мехико, перегруженные декором, с гипертрофированными угловыми башнями.
Русское барокко
В российской империи архитектурный стиль развивался особым путем. Взяв за основу традиции русского зодчества, он обогатился во времена Петра Первого западноевропейскими канонами. Высшая точка пришлась на середину 18 века, когда на Западе уже шел отказ от пышности в пользу строгости классицизма.
Особенности барочного стиля в России:
- Архитектурные планы и объемные композиции отличаются простотой и более четкой структурой.
- Основной материал для фасадной отделки - штукатурка с гипсовыми деталями, а не камень, как на Западе. Поэтому идет больший акцент на орнаментальную лепку и цветовые решения.
- Здания русского барокко выполнены в ярких и контрастных красках (голубых, белых, желтых, красных, синих), покрыты позолотой, сложные кровли изготовлены из белой жести. В комплексе создается праздничный, мажорный характер.
В развитии отечественного зодчества принято выделять несколько исторических этапов.
Московское барокко конца 17 века
Сюда входят направления, названные по фамилиям покровителей.
Характерные черты нарышкинского стиля барокко: симметрия, ярусность, центричность, белые детали на красном фоне. Здесь объединяются техника древнерусского деревянного и каменного строительства с европейской готикой, маньеризмом, ренессансом. В таком виде спроектирована знаменитая многоярусная церковь Покрова Пресвятой Богородицы в Филях.
Голицынское направление использует во внутреннем убранстве только барочный декор. Архитектурное достояние - церковь Знамения Пресвятой Богородицы в Дубровицах.
Строгановские постройки имеют пятиглавый силуэт (традиционный для русского храма). Барочный декор здесь чрезвычайно насыщенный и детализированный. Примером служит Смоленская церковь в Нижнем Новгороде.
Петровское барокко на рубеже 17-18 веков
При Петре I в России работают иностранные архитекторы, которые передают европейский опыт отечественным мастерам. Немец Андреас Шлютер создает Грот в Летнем саду Петербурга. Иоганн Готфрид Шедель, тоже из Германии, руководил строительством дворца Меньшикова на Васильевском острове, в Ораниенбауме, Стрельне, Кронштадте. В проектах присутствует барочная торжественность, а вот стены выполняются плоскостными, без искривленных иллюзий.
Первый русский архитектор, получивший официальное образование, - Михаил Григорьевич Земцов. Работая в стиле русского барокко, он спроектировал и построил Аничков дворец, летние резиденции, парковые павильоны в Санкт-Петербурге, дворец в Ревеле, участвовал в возведении колокольни в комплексе Петропавловской крепости.
Барочная архитектура середины 18 века
В эпоху правления императрицы Елизаветы (1740-1750-е годы) наступает период зрелого барокко, его называют елизаветинским. В это время творят Б.Ф. Растрелли, Д. Ухтомский, С. Чевакинский.
Укрепить престиж императорской и дворянской власти призвано строительство монументальных комплексов: дворцов, соборов, монастырей, загородных резиденций. Дворцовые апартаменты планируются по принципу анфилад, залы внутри украшены золоченой резьбой, лепкой, зеркалами, наборным паркетом. Обстановка исключительно парадная.
Достигший апогея барочный стиль в России этого времени связан с работами Бартоломео Франческо Растрелли. Его авторству принадлежат Царскосельский Екатерининский дворец, Смольный монастырь, Строгановский, Воронцовский и Зимний дворцы.
Архитектурный стиль барокко просуществовал в российском государстве недолго. На исходе 18 века на смену роскошеству и чрезмерности пришла рациональная красота классицизма. Зато созданные за это время дворцовые ансамбли по сей день восхищают масштабом замысла и великолепием убранства. Архитектура Петергофа, Царского села и Санкт-Петербурга - источник вдохновения для современного барокко, реализованного в частных загородных особняках. Здесь по-прежнему ценятся сложные формы и необычайная декоративность.
Современное барокко
Для ярых поклонников стиля, желающих иметь собственный современный барочный дом, мы предлагаем , реализованные в архитектурном бюро .
А_5А_КЛАССИЦИЗМ
Классицизм, художественный стиль в европейском искусстве начала 17–19 века, одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства. Классицизм, развивавшийся в острополемическом взаимодействии с барокко, в целостную стилевую систему сложился во французской художественной культуре 17 века . Лежащие в основе классицизма принципы философии обусловили взгляд на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью жизни. Разумное начало (подчинение личного общему, страстей – разуму, долгу, законам мироздания), эстетические запросы классицизма.
В архитектуре классицизма, которую отличают логичность планировки и ясность объемной формы, главную роль играет ордер, тонко и сдержанно оттеняющий общую структуру сооружения (Франсуа Мансар, Перро, Лево).
Со второй половины 17 века, французский классицизм вбирает в себя пространственный размах архитектуры барокко (Ардуэн-Мансар Жюль и Ленотр Андре, работы архитекторов в Версале). В 17 – начале 18 веков классицизм сформировался в архитектуре Голландии, Англии, где он органично сочетался с палладианством.
В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет планы картины; философско-этическоге содержание, общая гармония произведенияПуссена Никола, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма 17-го века; "идеальные пейзажи" (живописец Лоррен Клод).
Классицизм 18 – начала 19 веков (в зарубежном искусствознании - неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, формировался преимущественно в французской культуре, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре определились новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади, поиски новых, безордерных форм архитектуры, стремление к простоте предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма – ампира.
Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Жака Луи Давида.
В 19 столетии живопись классицизма, несмотря на деятельность отдельных крупных мастеров, таких, как Жан Огюст Доминик Энгр, вырождается в официально-апологетическое или претенциозно-эротическое салонное искусство.
Интернациональным центром европейского классицизма 18 – начала 19 века стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации .
К конце первой трети 19 столетия ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца 19 – начала 20 веков.
7А_РОКОКО
Рококо (рокайль – декоративный мотив в форме раковины), стилевое направление в европейском искусстве1-й половины 18 века . Для рококо характерны гедонистические настроения (удовольствие является главной добродетелью, высшим благом и целью жизни), мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальному и чувственно-эротическому сюжету. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось в характере декора, приобретшего изящные, утонченно-усложненные формы, рококо часто выступало как вариант позднего барокко.
Декоративный характер имела живопись богатая тонкими переливами цвета и одновременно блеклая по колориту (Франсуа Буше, Жан Оноре Фрагонар). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером, в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, панно, в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные темы, интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.
Художникам присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение легкости (подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков).
Одним из основоположников стиля рококо был Антуан Ватто. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают персонажам картин Ватто утонченность.
Крупнейшим мастером стал Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик.
Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля.
Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в рококо 18 столетия получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. В скульптуре рококо преобладали предназначенные для украшения интерьеров.
А_РЕАЛИЗМ
Реализм (вещественный, действенный) - отражение действительности специфическими средствами, присущими тому или иному виду художественного творчества. Существенная черта реализма в познаваемости существенных сторон реального мира средствами искусства. Реализм художественное явление, возникшим не ранее 17 века. Реализм голландской живописи 17 столетия (в особенности творчество Рембрандта и Халса) и испанца Д. Веласкеса, просветительский реализм 18 века (Шарден, Гудон во Франции, Хогарт в Великобритании), демократически ориентированный реализм 19 стол-я, проявившийся в пейзажной (Констебл, Коро), жанровой (Курбе и Милле и др.), исторической и портретной живописи, в графике и скульптуре.
Братья Ленен. В развитии реалистического искусства первой половины 17 века важную роль сыграли братья Ленен - Антуа (1588-1648), Луи (1598-1648) и Матье (1607-1677). Все три брата родились в городе Лапе, в семье мелкого чиновника. В конце 1620-х годов они переехали в Париж, где работали в одной мастерской, нередко выполняя сообща многочисленные заказы.
Братья Ленен писали картины на разнообразные сюжеты, однако жанровая тематика получила ведущее значение.
Старший брат - Антуан Ленен - писал главным образом небольшие по размеру групповые портреты или жанровые сцены из жизни крестьян. Он уступает своим младшим братьям в профессиональном мастерстве, однако его искусство подкупает своей простотой и непосредственностью.
Средний брат - Луи Ленен - числе крупнейших французских художников 17 века. Своей известностью братья Ленен обязаны именно ему. В творчестве Луи Ленена ведущую роль играют жанровые сюжеты из жизни крестьян. Он считается создателем крестьянского жанра во французском искусстве. Никто из современников Луи Ленена не изображал крестьян так правдиво и точно. В основе искусства Луи Ленена лежит знание крестьянской жизни, которую он передает с сочувствием и уважением. Не приукрашивая облик и быт крестьян, художник подчеркивает их достоинство. Утверждение моральной и художественной ценности простого человека - важнейший вклад Луи Ленена в художественную культуру Франции.
Творчество Луи Ленена является высшим достижением французского реализма первой половины 17 в. Младший брат - Матье Ленен - начав с жанровых картин из крестьянской жизни, в дальнейшем становится бытописателем светского общества и одним из популярных портретистов середины века.
Б_15А_БАРОККО
Барокко (причудливый, странный), один из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве Европы и Латинской Америки конца 16 – середины 18 века. Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости. Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика , интенсивность чувств, совмещение иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Городские барочные ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и абрисам приобрели живописность и динамичность, вливались в окружающее пространство; интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов.
В изобразительном искусстве - идеализация образов сочетается с неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность – с фантазией. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, свобода мазка, в скульптуре – живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа. На родине барокко, в Италии , наиболее яркое воплощение этот стиль нашел в произведениях архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да Кортона. Во Фландрии в живописи Питера Пауля Рубенса, Антониса ван Дейка, Якоба Йорданса…, в Голландии - Рембрандт, Ян Вермеер, Франс Халс, Рейсдаль. Эмоциональность и экспрессия барокко слились с мощным жизнеутверждающим началом. В Испании в 17 столетии некоторые черты барокко проступали в живописи Диего Веласкеса, Риберы и Франсиско Сурбарана. В первой половине 18 столетия барокко эволюционирует в рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х годов повсеместно вытесняется классицизмом.
Французское барокко
Пышное барокко было призвано прославлять абсолютную власть монарха и возвеличивать церковь. Зародилось оно в конце XVI столетия в Италии, а затем распространилось по всему миру.
Вторую половину ХVII века именуют "стилем Людовика ХIV" – это самый пышный, репрезентативный "большой стиль", барокко на французский лад, более упорядоченное, академическое, не столь церковное, сколь светское; барокко в синтезе с классицизмом.
Блестящим примером барочного ансамбля является Версальский Дворец. Французское барокко наиболее изящно. Его формы не просто пышные, а роскошные, величавые, своеобразные.
А_ИМПРЕССИОНИЗМ
Импрессионизм (впечатление), направление в искусстве конца 19 – начала 20 века, мастера которого, фиксируя свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Импрессионизм зародился во французской живописи в конце 1860-х годов:
Э. Мане (формально не входивший в группу импрессионистов), О.Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, обратились к изображению мгновенных, выхваченных из реальности ситуаций, духовной жизни человека, изображение сильных страстей, интерес к национальному прошлому с "романтической иронией", позволявшей романтикам смело сопоставлять и уравнивать высокое и низменное, трагическое и комическое, реальное и фантастическое. Использовали фрагментарные, на первый взгляд неуравновешенные композиционные построения, неожиданные ракурсы, точки зрения, срезы фигур.
В 1870–1880-е годы формируется пейзаж французского импрессионизма: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра, создавали ощущение солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха. Название направления произошло от наименования картины К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце" . Разложение сложных цветов на чистые составляющие, которые накладывались на холст отдельными мазками, цветные тени, рефлексы породили светлую, трепетную живопись Импрессионизма.
Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал влияние на развитие выразительных средств современной ему литературы, музыки, театра. В художественной культуре Франции возникли течения неоимпрессионизма и постимпрессионизма.
Неоимпрессионизм - течение в живописи, возникшее во Франции около 1885, когда его главные мастера, Ж. Сера и П. Синьяк, разработали новую живописную технику дивизионизма. Стремление приложить к искусству современные открытия в области оптики.
Для периода постимпрессионизма характерно активное взаимодействие отдельных направлений и индивидуальных творческих систем. К постимпрессионизму обычно причисляют творчество мастеров неоимпрессионизма, группы "Наби", а также В. ван Гога, П. Сезанна, П. Гогена.
Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.
Импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.
Картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.
Барокко (итал. barocco - «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca - «жемчужина неправильной формы» - характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков.
Эпоха барокко
Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств - променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров - «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий - театр и бал-маскарад. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.
Черты барокко
Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).
Человек эпохи барокко
Барочный человек отвергает естественность, которая отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, самодурством, зверством и невежеством. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса. Она на каблуках.
А идеалом мужчины в эпоху барокко становится кавалер, джентльмен - от англ. gentle: «мягкий», «нежный», «спокойный». Он предпочитает брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета.
Галилей впервые направляет телескоп к звёздам и доказывает вращение Земли вокруг Солнца (1611), а Левенгук под микроскопом обнаруживает крошечные живые организмы (1675). Огромные парусники бороздят просторы мирового океана, стирая белые пятна на географических картах мира. Литературными символами эпохи становятся путешественники и искатели приключений.
Барокко в скульптуре
Скульптура — неотъемлемая часть стиля барокко. Величайшим скульптором и признанным архитектором 17 века был итальянец Лоренцо Бернини (1598-1680). Среди самых известных его скульптур - мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа«Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей. Последняя из них со своими вырубленными из мрамора облаками и словно развевающимся на ветру одеянием персонажей, с театрально преувеличенными чувствами, очень точно выражает устремления скульпторов этой эпохи.
В Испании в эпоху стиля барокко преобладали деревянные скульптуры, для большого правдоподобия их делали со стеклянными глазами и даже хрустальной слезой, на статую часто надевали настоящие одежды.
Барокко в архитектуре
Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелл и в России, Ян Кристоф Глаубиц в Речи Посполитой) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко - теламон (атлант), кариатида, маскарон.
Барокко в интерьере
Для стиля барокко характерна показная роскошь, хотя он сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.
Настенная роспись (один из видов монументальной живописи) использовалась в украшении европейских интерьеров с ранне-христианских времён. В эпоху барокко она получила наибольшее распространение. В интерьерах использовалось много цвета и крупных, богато украшенных деталей: потолок, украшенный фресками, мраморные стены и части декора, позолота. Характерны были цветовые контрасты - например, мраморный пол, оформленный плитками в шахматном порядке. Обильные позолоченные украшения были характерной чертой данного стиля.
Мебель была предметом искусства, и предназначалась практически только для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато окрашенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево.
Стиль барокко не подходит для небольших помещений, так как массивная мебель и украшения занимают большой объём в пространстве.
Барочная мода
Мода эпохи барокко соответствует во Франции периоду правления Людовика XIV, второй половине XVII века. Это время абсолютизма. При дворе царили строгий этикет, сложный церемониал. Костюм был подчинен этикету. Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду. Это был век, когда в Европе установилась общая мода, а национальные особенности отошли на задний план или сохранились в народном крестьянском костюме. До Петра I европейские костюмы носили также и в России некоторые аристократы, хотя не повсеместно.
Костюму были характерны чопорность, пышность, изобилие украшений. Идеалом мужчины был Людовик XIV, «король-солнце», искусный наездник, танцор, стрелок. Он был низок ростом, поэтому носил высокие каблуки.
Барокко в живописи
Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо .
Микеланджело Меризи (1571-1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо , считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, такие как Аннибале Карраччи (1560-1609) или Гвидо Рени (1575-1642), переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.
В торую половину ХVII века именуют "стилем Людовика ХIV" – это самый пышный, репрезентативный "большой стиль", барокко на французский лад, более упорядоченное, академическое, не столь церковное, сколь светское; барокко в синтезе с классицизмом.
В ХVII веке Версальский двор гремел, был эталоном роскоши и вкуса во свей Европе. Здесь задавались празднества и балы неслыханного великолепия. С этого времени французский язык, французские моды и манеры начали становиться предметом подражания во всех европейских столицах.
К концу ХVII века французская придворная живопись и ее представители также получили признание во многих странах Европы. Созданный ими стиль вошел в моду при дворах европейских монархов. Но к тому времени, когда французский "большой стиль" вышел на европейскую арену, породившие его годы расцвета абсолютизма были уже позади.
В конце 1680-х годов в стране разразился финансовый кризис. Истощенные налогами города, пришедшее в полный упадок сельское хозяйство, пустая государственная казна - таким было к концу века состояние еще недавно самой блестящей в Европе монархии. По свидетельству очевидцев, Франция напоминала в это время госпиталь, переполненный больными и уминающими от голода. В такой обстановке рушились надменные идеалы уходящего в прошлое царствования. Все реже вспоминали о былом всесилии дряхлеющего монарха, о прошлых победах и былом могуществе Франции.
В 1715 году после более чем полувекового царствования умер Людовик ХIV. Регентом при пятилетнем наследнике престола был назначен Филипп Орлеанский. Процесс разложения французской монархии стремительно продолжался и при новом правителе, с той только разницей, что атмосфера удручающей скованности версальского двора сменилась разгулом, оргиями и полным падением нравов при парижском дворе регента.
Если Людовик ХIV говорил: "Государство – это я", то Людовику ХV принадлежит не менее выразительная сентенция: "После нас – хоть потоп". Уже одно сравнение этих крылатых фраз показывает, в какую сторону изменился колорит времени. Нравы стали откровенно нестрогими, вкусы – прихотливыми, формы – легкими и капризными.
Эта среда была рассадником стиля рококо. Но придворная среда не сама сформировала этот стиль – она подхватила и приспособила к своим вкусам то, что носилось в вечереющем воздухе Европы ХVIII века. Европейский мир изживал свои последние сословно - патриархальные иллюзии и рококо звучало как прощальная элегия.
По сравнению с барокко рококо принесло с собой далеко не только жеманность и прихотливость. Оно освободилось от риторической напыщенности и отчасти реабилитировало естественные чувства, хотя и в балетно-маскарадном костюме.
Это было в духе времени. Теперь уже не в Версале, а в столичных особняках аристократов и крупных буржуа задавали тон в светской жизни, в литературе и искусстве. Обитателей этих особняков еще восхищало, но уже мало трогало и интересовало пышное великолепие полных театрального величия и искусственных страстей произведений "большого стиля".
Единственным в то время художником, которому суждено было подняться выше образного языка своей эпохи и возродить французскую живопись в годы застоя, был Антуан Ватто (1584-1721).
Около 1702 года в мастерской бездарного живописца и оптового торговца рассчитанными на невзыскательный вкус картинами появился застенчивый и замкнутый семнадцатилетний юноша. За несколько грошей, койку на чердаке и миску супа он вместе с другими такими же нищими, как и он, учениками писал целыми днями дешевые копии. В свободные от работы часы он выходил на городские улицы и там без устали рисовал с натуры.
В 1703 году, уже в Париже, Ватто перешел к своему первому столичному учителю – Клоду Жилло. Жилло писал эскизы театральных декораций. И здесь вкусы учителя и ученика, очевидно, совпали. Впечатления от ярмарочного театра Ватто сохранит на долгие годы, и они лягут в основу многих произведений художника. В 1707 году Ватто переходит к новому учителю Клоду Одрану, живописцу высокой профессиональной культуры и тонкого художественного вкуса, где и началась настоящая учеба Ватто.
Благодаря тому, что Одран был хранителем собранной в Люксембургском дворце части богатейших королевских собраний, молодому Ватто открылся доступ к сокровищам коллекции. Много времени проводил Ватто в залах дворца, изучая и трудолюбиво копируя произведения выдающихся живописцев многих европейских школ.
Ватто никогда не волновало, будут ли куплены его работы. Он превыше всего ценил свою творческую независимость и презрительно относился к деньгам. Как отмечал один из современников художника, "он всегда писал, что ему вздумается, и не любил заказных сюжетов".
Далеко не все созданные художником произведения известны нам. Но достаточно назвать около трехсот картин и несметное множество рисунков, которые в последнее время приписываются Ватто, чтобы представить себе неизбывную творческую энергию, поразительную трудоспособность и продуктивность мастера, прожившего столь короткую жизнь (Ватто болел туберкулезом).
Поражает новизна, самобытность, широкий диапазон образных, эмоциональных и живописных решений, большое разнообразие сюжетов. Ватто можно считать основоположником рококо в живописи, и его творчество лучше всего показывает, какого рода человеческие открытия таило в себе это "мотыльковое" искусство.
Трудно представить художника более обаятельного в своей неподдельной грациозности, чем Ватто. Прежде всего – это шедевры утонченной живописи, настоящий праздник для глаза, но такого, который любит нежные, неяркие оттенки и сочетания. Ватто писал мельчайшими бисерными мазочками, ткал волшебную сеть с золотистыми, серебристыми и пепельными переливами.
Особой утонченностью передачи сокровенных душевных состояний отмечен признанный шедевр мастера – "Жиль" (Париж, Лувр). На необычном для Ватто большом холсте (почти два метра в высоту) написан в полный рост популярный персонаж итальянской комедии масок – наивный, доверчивый неудачник Жиль. Одетый в нелепый белый балахон, он застыл в потерянной, безвольной позе, глядя на зрителя печальным, вопрошающим взглядом. Жиль у Ватто беззащитен и бесконечно одинок. Рядом с ним его коллеги актеры, но им нет дела до их товарища.
Известные нам страницы биографии Ватто позволяют думать, что Ватто, подобно его герою, чувствовал себя одиноко и неприютно в чуждом ему суетном спектакле жизни. Образ Жиля не имеет аналогий в живописи ХVIII века. Ему не было в то время равных не только по сложности эмоционального состояния образа, но и по крайне неординарному живописному решению. Мельчайшие, полупрозрачные мазки золотистого, лилового и серо-розового цвета покрывают белый балахон Жиля, сливаясь, они создают оригинальный, присущий только палитре Ватто, жемчужно-белый тон и придают белому цвету необычную для него живописную выразительность. Кажется, что одежды Жиля излучают мягкий, вибрирующий, играющий многими рефлексами свет.
Любимым жанром Ватто в зрелые годы творчества были так называемые "галантные празднества". Представленные в этом жанре галантные дамы, кавалеры и влюбленные пары проводят время в роскошных, украшенных фонтанами и статуями парках, наслаждаются природой, ведут тихие задушевные беседы, музицируют, танцуют или поют под звуки гитар и мандолин. Ватто снова, как и в случае с театральными сюжетами, не был оригинален в выборе жанра. Изображение развлекающихся светских дам и кавалеров можно было встретить в начале века в картинах других художников и в популярных в то время гравюрах "мод и нравов". Но то, что писал Ватто, решительно отличалось от бездумных сюжетов его современников. В этом нас убеждает одна из самых известных галантных композиций мастера – "Паломничество на остров Цитера" (Париж, Лувр).
В 1717 году картина была представлена Ватто в Академию. Написанная на выбранный самим художником сюжет, она не вписывалась ни в один из признанных Академией жанров. Неоспоримые даже для академиков высокие достоинства произведения заставили жюри нарушить традицию и вместо звания "художника исторического жанра", которое присваивалось всем живописцам при вступлении в Академию, дать Ватто звание "мастера галантных празднеств". В тридцать три года Ватто стал известнейшим художником Парижа.
Персонажи Ватто запечатлены в тот момент, когда они собираются отплыть в царство Венеры, на зачарованный остров, где царит вечная, ничем не омраченная любовь. В плавном, замедленном ритме, будто во сне спускаются влюбленные пары к ожидающей их у берега золотой ладье. Ни одно открыто выражающее чувства движение, ни одно яркое цветовое пятно не нарушают выдержанную в полутонах эмоциональную и живописную в полутонах канву картины. Едва уловимые оттенки настроений, задумчивая мечтательность и загадочная меланхолия, которыми Ватто наделил пилигримов любви, привносят в картину нотки элегической грусти. В такой же мечтательно-элегической тональности написан пейзаж – окутанные зыбким светом дали, неподвижные деревья с солнечными бликами на ажурной листве, спокойная водная гладь.
В зрелой и законченной образной форме проявился совершенный художественный вкус Ватто, его исключительная способность придавать тончайшую эмоциональную окраску цвету. Последнее было важным, обновившим язык французской живописи открытием.
Тема "галантных празднеств" нашла отражение во многих работах Ватто. Чаще других вспоминаются "Общество в парке" и "Праздник любви" из Дрезденской картинной галереи, эрмитажные "Пейзаж с водопадом" и "Затруднительное предложение", "Елисейские поля" из лондонской коллекции Уоллес. Вместе с художником снова и снова возвращаясь в созданный в этих произведениях какой-то особый мир поэтической мечты, нельзя не почувствовать, что мир этот с каждым разом становится все более печальным и меланхоличным.