Представляем список 10 композиторов, которых Вы должны знать. Про каждого из них можно с уверенностью сказать, что он самый великий композитор, который когда-либо был, хотя на самом деле невозможно, да и нельзя, сравнить музыку, написанную на протяжении нескольких столетий. Однако все эти композиторы выделяются среди своих современников как композиторы, которые сочинили музыку высочайшего уровня и стремились раздвинуть границы классической музыки к новым пределам. Список не содержит какого-либо порядка, вроде значимости или личных предпочтений. Просто 10 великих композиторов, которых Вы должны знать.
Каждого композитора сопровождает достойный цитирования факт его жизни, запомнив который Вы будете похожи на эксперта. А перейдя по ссылке на фамилии, узнаете его полную биографию. И конечно, можно послушать одно из знаменательных произведений каждого мастера.
Наиважнейшая фигура мировой классической музыки. Один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Он творил во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, балет, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты , увертюры, симфонии. Основоположник романтического периода в классической музыке.
Интересный факт.
Свою третью симфонию (1804) Бетховен сначала хотел посвятить Наполеону, композитор был увлечен личностью этого человека, казавшегося многим в начале его правления настоящим героем. Но когда Наполеон провозгласил себя императором, Бетховен перечеркнул свое посвящение на титульном листе и написал лишь одно слово - "Героическая".
"Лунная соната" Л.Бетховена, послушать:
2. (1685-1750)
Немецкий композитор и органист, представитель эпохи барокко. Один из величайших композиторов в истории музыки. За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы; он обобщил достижения музыкального искусства периода барокко. Родоначальник самой знаменитой музыкальной династии.
Интересный факт.
При жизни Бах был настолько недооценен, что напечатано было менее десятка его произведений.
Токката и фуга ре-минор И.С.Баха, послушать:
3. (1756-1791)
Великий австрийский композитор, инструменталист и дирижёр, представитель Венской классической школы, виртуозный скрипач, клавесинист, органист, дирижёр, он обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Как композитор, который преуспел в любом жанре, он по праву считается одним из величайших композиторов в истории классической музыки.
Интересный факт.
Еще будучи ребенком, Моцарт запомнил и записал Miserere (кат. песнопение на текст 50-го псалма Давида) итальянца Григорио Аллегри, прослушав его только один раз.
"Маленькая ночная серенада" В.А.Моцарта
, послушать:
4. (1813-1883)
Немецкий композитор, дирижёр, драматург, философ. Оказал значительное влияние на европейскую культуру рубежа XIX-XX веков, особенно модернизм. Оперы Вагнера потрясают своими грандиозными масштабами и вечными человеческими ценностями.
Интересный факт.
Вагнер принимал участие в неудавшейся революции 1848-1849 годов в Германии и был вынужден скрываться от ареста у Ференца Листа.
"Полет валькирий" из оперы Р.Вагнера "Валькирия",
послушать
5. (1840-1893)
Итальянский композитор, центральная фигура итальянской оперной школы. Верди обладал чувством сцены, темпераментом и безупречным мастерством. Он не отрицал оперных традиций (в отличие от Вагнера), а наоборот развивал их (традиции итальянской оперы), он преобразовал итальянскую оперу, наполнил её реализмом, придал ей единство целого.
Интересный факт.
Верди был итальянским националистом и был избран в первый итальянскии парламент в 1860 году, после провозглашения независимости Италии от Австрии.
Увертюра к опере Д.Верди "Травиата",
послушать:
7. Игорь Федорович Стравинский (1882-1971)
Русский (американский - после эмиграции) композитор, дирижёр, пианист. Один из самых значимых композиторов двадцатого века. Творчество Стравинского едино на протяжении всей его карьеры, хотя в разные периоды стиль его произведений был разным, но оставался стержень и русские корни, которые проявлялись во всех его работах, его относят к числу ведущих новаторов ХХ века. Его инновационное использование ритма и гармонии вдохновляло и вдохновляет многих музыкантов, и не только в классической музыке.
Интересный факт.
Во время Первой мировой войны Римские таможенники конфисковали портрет Стравинского, созданный Пабло Пикассо, когда композитор уезжал из Италии. Портрет был написан в футуристической манере и таможенники приняли эти кружочки и линии за какие-то зашифрованные секретные материалы.
Сюита из балета И.Ф.Стравинского "Жар птица",
послушать:
8. Иоганн Штраус
(1825-1899)
Австрийский композитор легкой музыки, дирижёр и скрипач. "Король вальсов", он творил в жанре танцевальной музыки и оперетты. В его музыкальном наследии более 500 вальсов, полек, кадрилей и других видов танцевальной музыки, а также несколько оперетт и балетов. Благодаря ему вальс стал необычайно популярным в Вене в 19 веке.
Интересный факт.
Отец Иоганна Штрауса - также Иоганн и также известный музыкант, поэтому "короля вальсов" называют младшим или сыном, его братья Йозеф и Эдуард тоже были известными композиторами.
Вальс И.Штрауса "На прекрасном голубом Дунае"
, послушать:
9. Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943)
Австрийский композитор, один из выдающихся представителей венской классической музыкальной школы и один из основоположников романтизма в музыке. За свою короткую жизнь Шуберт внес значительный вклад в оркестровую, камерную и фортепианную музыку, который повлиял на целое поколение композиторов. Однако наиболее яркий его вклад был в развитие немецких романсов, которых он создал более 600.
Интересный факт.
Друзья Шуберта и коллеги-музыканты собирались вместе и исполняли музыку Шуберта. Эти встречи получили название "Шубертиады" (Schubertiads). Какой-то первый фан-клуб!
"Аве Мария" Ф.П.Шуберта
, послушать:
В продолжение темы о великих композиторах, которых Вы должны знать, новый материал.
Понятие «композитор» впервые появилось еще в 16 веке в Италии, и с тех пор его используют для обозначения человека, занимающего сочинительством музыки.
Композиторы 19 века
В 19 веке венскую музыкальную школу представлял такой выдающийся композитор как Франц Петер Шуберт. Он продолжил традиции романтизма и оказал влияние на целое поколение композиторов. Шуберт создал более 600 немецких романсов, возведя этот жанр на новый уровень.
Франц Петер Шуберт
Другой австриец, Иоганн Штраус, стал знаменит благодаря своим опереттам и легким музыкальным формам танцевального характера. Именно он сделал вальс самым популярным танцем в Вене, где до сих пор устраиваются балы. Кроме того, в его наследии - польки, кадрили, балеты и оперетты.
Иоганн Штраус
Ярким представителем модернизма в музыке конца 19 века был немец Рихард Вагнер. Его оперы не утратили актуальности и популярности по сей день.
Джузеппе Верди
Противопоставить Вагнеру можно величественную фигуру итальянского композитора Джузеппе Верди, который оставался верен оперным традициям и придал итальянской опере новое дыхание.
Петр Ильич Чайковский
Среди русских композиторов 19 века выделяется имя Петра Ильича Чайковского. Ему характерен уникальный стиль, сочетающий европейские симфонические традиции с русским наследием Глинки.
Композиторы 20 века
Сергей Васильевич Рахманинов
Одним из самых ярких композиторов конца 19-го - начала 20-го веков по праву считается Сергей Васильевич Рахманинов. Его музыкальный стиль основывался на традициях романтизма и существовал параллельно с авангардными течениями. Именно за индивидуальность и отсутствие аналогов его творчество было высоко оценено критиками во всем мире.
Игорь Федорович Стравинский
Второй известнейший композитор 20 века - Игорь Федорович Стравинский. Русский по происхождению, он эмигрировал во Францию, а потом США, где и проявил свой талант в полную силу. Стравинский - новатор, не боящийся экспериментировать с ритмами и стилями. В его творчестве прослеживается влияние русских традиций, элементы различных авангардных течений и неповторимый индивидуальный почерк, за что его называют «Пикассо в музыке».
Введение
Барокко, рококо, классицизм - основные направления в искусстве 18 века, проявившие себя во всем - в литературе, в живописи, в архитектуре и в музыке.
Эволюция музыки в 18 веке достигает блестящей эпохи. Формы, которые зарождались в начале 17 века, достигают высшей ступени совершенства.
В начале 18 века наиболее популярным стилем музыки был сентиментальный классицизм. Это была медленная неторопливая музыка, не особенно сложная. Играли ее на струнных инструментах. Обычно она сопровождала балы и пиры, но также ее любили слушать и в непринужденной домашней атмосфере. Затем, в лютневую музыку начали попадать черты и приемы Рококо, такие как трель и флажоет. Она приобрела более замысловатый вид, музыкальные фразы стали сложнее и интереснее. Музыка стала более оторвана от реальности, более фантастична, менее правильна и, тем самым, ближе слушателю.
Ближе ко второй половине 18 века черты Рококо настолько влились в музыку, что она начала приобретать определенную ориентацию. Так, вскоре в музыке отчетливо выделились два направления: музыка для танцев и музыка для пения. Музыкой для танцев сопровождались балы, музыка для пения звучала в конфиденциальной обстановке.
Классицизм стал кульминацией классического искусства.
В данной работе освещается музыкальное искусства XVIII века как эпохи создания музыкальной классики в ее основных явлениях и жанрах (опера, фуга, соната, симфония), характеризуется творчество Баха, Генделя, Глюка, Гайдна, Моцарта и других композиторов; разбирается творчество выдающихся композиторов. Работа состоит из введения, трех глав основной части, заключения и списка литературы.
1. Музыкальная культура XVIII века
В истории музыкального искусства XVIII век получил огромное значение и поныне представляет первостепенный интерес. Это эпоха создания музыкальной классики, рождения крупных музыкальных концепций по существу уже светского образного содержания. Музыка не только встала на уровень других искусств, переживавших свой расцвет с эпохи Возрождения, на уровень литературы в ее лучших достижениях, но в целом превзошла дocтигнyтое рядом дрyгиx искусств (в частности, изобразительных) и к концу столетия оказалась способна создать большой синтезирующий стиль такой высокой и длительной ценности, как симфонизм венской классической школы.
Бах, Гендель, Глюк, Гайдн и Моцарт - признанные вершины на этом пути музыкального искусства от начала к концу века. Однако значительна роль и таких оригинальных и ищущих художников, как Жан Филипп Рамо во Франции, Доменико Скарлатти в Италии, Филипп Эмануэль Бах в Германии, не говоря уж о множестве других мастеров, сопутствовавших им в общем творческом движении.
Как известно, Германия, Италия и Франция с их творческими школами занимали ведущее положение в развитии музыкального искусства того времени. Но участие других стран в этом процессе тоже не вызывает сомнений. Музыкально-общественные условия Англии, в которой создавались оратории Генделя, воздействие испанской музыкальной культуры на Скарлатти, руководящая роль чешских мастеров в формировании мангеймской капеллы, славянские и венгерские истоки ряда гайдновских тем - тому убедительные примеры.
Вообще творческие связи между разными европейскими странами, заметные и ранее, хотя бы в XV, XVI, XVII веках, крепнут и усиливаются на протяжении XVIII. Это выражается не только во взаимообогащении собственно музыкального письма, музыкальных жанров, их тематизма, принципов развития в музыкальных формах, но и общего идейно-эстетического воздействия, усилившегося в новых исторических условиях. Если б можно было теоретически представить себе Иоганна Себастьяна Баха или Глюка (а также Генделя или Моцарта) развивающимися в изолированной обстановке их страны, то многие из главнейших качеств их великого искусства показались бы беспочвенными, трудно объяснимыми, чуть ли не парадоксальными. Откуда возникает высокий трагизм в искусстве Баха, которое, однако, остается мудрым и гармоничным? Откуда это острейшее чувство трагического, не достигавшее подобной силы у художников ХVII века? Если оно идет от осознания тяжелых судеб своей родины, то почему оно не нашло воплощения гораздо раньше? Потому что именно исторические условия XVIII века, пример других стран пробудили у нового поколения новую остроту самосознания, а с ней и новые чувства, новые оценки.
Известно, что в разоренной и разрозненной феодальной Германии Просвещение несколько запоздало и не носило там столь явно революционного характера. Но в самый канун Просвещения музыкальное искусство немецких мастеров поднимается к высоким вершинам образных обобщений и творческих концепций у Баха и Генделя, синтезирующих все лучшее из исторических традиций и прозревающих пути к далекому будущему. А в итоге эпохи Просвещения складывается австро-немецкая творческая школа, представленная венскими классиками, которая на новом этапе достигает наивысшего творческого принципа симфонизма. В этой атмосфере, которая, так или иначе, чувствуется во всех европейских странах, происходит интенсивное развитие ряда национальных творческих школ, обретающих силу, самостоятельность, завоевывающих художественный авторитет именно в XVIII веке благодаря новым достижениям в сфере светского музыкального искусства.
Русская творческая школа чисто светского направления складывается именно в XVIII веке, хотя истоки ее уходят далеко в глубь столетий. Возрастает значение и творческое влияние чешской музыкальной школы, широко представленной инструментальными жанрами и заявившей о себе созданием опер.
Плодотворным оказывается XVIII век для польской творческой школы, имеющей давние традиции и теперь овладевающей новыми крупными жанрами инструментальной и театральной музыки.
На общих путях музыкального развития от начала к концу XVIII века многое уже объединяет или сближает страны Западной Европы (что становится наиболее очевидным в последней трети столетия). Во Франции и Италии начинается полемика вокруг старых оперных жанров, подвергающихся серьезной и острой критике социально-эстетического порядка. В ряде стран возникают новые оперные прогрессивные направления, связанные с зарождением комических, комедийных оперных жанров: оперы-буффа в Италии, комической оперы во Франции, зингшпиля в Германии и Австрии, комедийных музыкальных спектаклей в Испании. И что особенно показательно, все страны Западной Европы так или иначе участвуют в движении к новому стилю венской школы, знаменующему торжество гомофонно-гармонического склада и сонатно-симфонических форм. Как ни различны традиции и творческие возможности каждой из стран, стилевой перелом около середины столетия и дальнейшее развитие сонатно-симфонических принципов подготовлены целой системой творческих усилий многих мастеров Италии, Франции, Германии, не говоря уж о народно-национальных истоках, идущих отовсюду.
Изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой, позже это слово применили и к музыке того времени. Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.
Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660-1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И.С. Баха и Генделя. В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди.
Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями. Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И.С. Баха, общепризнанные интеллектуальными шедеврами эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».
Основным музыкальным инструментом барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили клавесин, щипковые и смычковые струнные, а также деревянные духовые инструменты: различные флейты, кларнет, гобой, фагот.
Упадок барокко сопровождался длительным периодом совместного существования старой и новой техник. Во многих городах Германии барочная практика исполнения сохранилась до 1790-х годов, например, в Лейпциге, где в конце своей жизни работал И.С. Бах. В Англии устойчивая популярность Генделя обеспечила успех менее известным композиторам, сочинявшим в уже уходящем барочном стиле: Чарльзу Ависону, Уильяму Бойсу и Томасу Августину Арну. В континентальной Европе этот стиль уже стал считаться старомодным; владение им требовалось лишь для сочинения духовной музыки и окончания появлявшихся тогда во множестве консерваторий. Но, т.к. многое в музыке барокко стало основой музыкального образования, влияние барочного стиля сохранилось и после ухода барокко как исполнительского и композиторского стиля.
Музыкой периода классицизма или музыкой классицизма, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами. Выдающимся достижением второй половины XVIII в. является формирование Венской классической школы, представителями которой являются Й. Гайдн, В. Моцарт и Л. ван Бетховен, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.
Именно в этот период в основном сформировался состав современного симфонического оркестра, жанры симфонии, сонаты, трио, квартета и квинтета. В сонатной allegro зарождается, а позже, в творчестве Бетховена формируется новый метод музыкального мышления - симфонизм. Существенного реформирования в творчестве В.А. Моцарта и К.Ф. Глюка испытывает оперный жанр, преодолевая закостеневшую условность аристократической оперы. В творчестве К.Ф. Глюка и Л. Ван Бетховена отделяется в качестве самостоятельного жанра балет.
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось в внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классических состав частей сонаты и симфонии. В период классицизма появляется струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, значительно расширяется состав оркестра.
Итак, со всеми своими трудностями, эстетическими противоречиями и даже потрясениями, со своими контрастами и своим высшим единством XVIII век был великим веком музыкального искусства, временем его прекрасного восхождения. При всём стилевом и жанровом разнообразии в музыкальной культуре 18 века можно выделить основные тенденции развития:
Светская музыка постепенно вытесняет духовную, стирается прежде чёткая граница между этими полюсами музыкальной культуры.
Всё большее распространение получает инструментальная музыка.
Формируется симфонический оркестр и фундаментальные приёмы оркестрового письма.
Очередные этапы в развитии оперы. Появление новых жанров, классических и романтических.
Расцвет классицизма - соната, симфония, концерт. Сонатная форма.
Новая гармония и новые образы в романтизме.
Возникновение национальных школ.
Культурное наследие 18 столетия до сих пор поражает необычайным разнообразием, богатством жанров и стилей, глубиной постижения человеческих страстей, величайшим оптимизмом, верой в человека и его разум.
бах барокко классицизм композитор
2. Выдающиеся композиторы XVIII века
Самые известные имена этого периода И.С. Бах, Г.Ф. Гендель. Можно различно оценивать их произведения: оценка зависит от вкусов и направлений. Но каждый в своей области они выполнили свою миссию с равным совершенством. Сила их творчества сконцентрировала вокруг себя все существенное, что было достигнуто до тех пор европейской музыкой.
Иоганн Себастьян Бах (1685 - 1750) - один из величайших композиторов в истории музыки. За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы; он обобщил все достижения музыкального искусства данного периода.
В формировании личности и творчества Баха важную роль сыграла музыкальная культура немецкого протестантизма. Не случайно большая часть наследия композитора - духовная музыка. К самому популярному жанру XVIII в., опере, он не обращался.
Бах никогда не покидал Германии, более того, жил в основном не в столичных, а в провинциальных городах. Тем не менее, он был знаком со всеми значительными достижениями в музыке того времени. Композитор сумел соединить в своём творчестве традиции протестантского хорала с традициями европейских музыкальных школ. Произведения Баха отличаются философской глубиной, сосредоточенностью мысли, отсутствием суетности. Важнейшая особенность его музыки - удивительное чувство формы. Всё здесь предельно выверено, уравновешенно и в то же время эмоционально. Различные элементы музыкального языка работают на создание единого образа, в результате достигается гармония целого.
Творчество Баха, музыканта-универсала, обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма. Ярко национальный художник, Бах соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской, итальянской, французской музыкальных школ.
Ведущий жанр в вокально-инструментальном творчестве Баха - духовная кантата. Бах создал 5 годовых циклов кантат, которые различаются по принадлежности к церковному календарю, по текстовым источникам (псалмы, хоральные строфы, «свободная» поэзия), по роли хорала и т.д.
Из светских кантат наиболее известны «Крестьянская» и «Кофейная». Выработанные в кантатедраматургия, принципы нашли претворение в мессах, «Страстях». «Высокая» месса h-moll, «Страстипо Иоанну», «Страсти по Матфею» стали кульминацией многовековой истории этих жанров.
Центральное место в инструментальном творчестве Баха занимает органная музыка. Синтезируя унаследованные от своих предшественников (Д. Букстехуде, И. Пахельбеля, Г. Бёма, И.А. Рейнкена) опыт органной импровизации, разнообразные вариационные и полифонические приёмы сочиненияи современные ему принципы концертирования, Бах переосмыслил и обновил традиционные жанры органной музыки - токкату, фантазию, пассакалью, хоральную прелюдию.
Исполнитель-виртуоз, один из крупнейших в своё время знатоков клавишных инструментов, Бах создал обширную литературу для клавира. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «Хорошо темперированный клавир» - первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже 17-18 вв. темперированного строя.
Величайший полифонист, в фугах Бах создал непревзойдённые образцы, своего рода школу контрапунктического мастерства, что нашло продолжение и завершение в «Искусстве фуги», над которым Бах работал на протяжении последних 10 лет жизни. Бах-автор одного из первых клавирных концертов - Итальянского концерта (без оркестра), полностью утвердившего самостоятельное значение клавира как концертного инструмента.
Музыка Баха для скрипки, виолончели, флейты, гобоя, инструментального ансамбля, оркестра - сонаты, сюиты, партиты, концерты - знаменует значительное расширение выразительных и технических возможностей инструментов, обнаруживает глубокое знание инструментов и универсализм в их трактовке.
Среди произведений Баха для других инструментов главное место принадлежит скрипичным сонатам, партитам и концертам. Будучи с юных лет отличным скрипачом, Бах-композитор в совершенстве постиг возможности инструмента, его «стиль», точно так же, как владел «стилем» органа и клавира. Новый в то время склад скрипичной музыки послужил ему образцом при создании не только скрипичных произведений, что уже было отмечено на примере концертов. Одновременно развитое многоголосие, выработанное в формах органной и клавирной музыки, Бах стремился перенести и в сонаты для скрипки, предъявляя к этому инструменту предельно высокие требования. «В сущности, все его произведения созданы для идеального инструмента, заимствующего от клавишных возможности полифонической игры, а от струнных - все преимущества в извлечении звука», - справедливо заключает Альберт Швейцер 6 Бранденбургских концертов для различных инструментальных составов, претворившие жанровые и композиционные принципы concerto grosso, явились важным этапом на пути к классической симфонии.
При жизни Баха была опубликована небольшая часть его произведений. Творчество Баха настолько глубоко и многогранно, что современники не смогли оценить его по достоинству. Подлинный масштаб гения Баха, оказавшего сильнейшее влияние на последующее развитие европейской музыкальной культуры, начал осознаваться лишь его смерти. Должно было пройти целое столетие, чтобы Бах получил признание как великий композитор.
С именем Георга Фридриха Генделя (1685-1759) связано развитие оперы и оратории. Уже в двенадцатилетнем возрасте Гендель писал церковные кантаты и органные пьесы. В 1702 г. он занял пост органиста протестантского собора в родном городе - Галле, но вскоре понял, что церковная музыка не его призвание. Гораздо больше композитора привлекала опера.
Как оперный композитор Гендель состоялся в Италии. Известность ему принесла постановка «Агриппины» (1709 г.) в Венеции, а опера «Ринальдо» (1711 г.), поставленная в Лондоне, сделала Генделя крупнейшим оперным композитором Европы. Он участвовал в оперных предприятиях (т.н. академиях), ставил свои оперы, а также произведения других композиторов; особенно успешной для Генделя была работа в «Королевской академии музыки» в Лондоне. Гендель создавал по несколько опер в год. В 1730-е гг. композитор ищет новые пути в музыкальном театре - усиливает роль хора и балета в операх («Ариодант», «Альчина», обе - 1735).
На оперное творчество Генделя оказала влияние музыкальная драматургия Р. Кайзера. Художник Просвещения, Гендель обобщил достижения музыкального барокко и проложил пути к музыкальному классицизму. Не порывая окончательно с канонами оперы-сериа, путём контрастного сопоставления драматургических пластов Гендель добивался напряжённого развития действия.
Он работал и в жанре итальянской оперы-сериа. Музыка необыкновенной красоты производила огромное впечатление на слушателей. Всего мастер создал более сорока сочинений этого жанра. Однако оперу-сериа в Англии принимали далеко не все. Не случайно огромный успех имела «Опера нищего» (1728 г.; музыка Иоганна Кристофа Пепуша, либретто Джона Гея), которая пародировала итальянские оперы, мешавшие, как полагали некоторые, развитию национального театра.
Итальянскую оперу-сериа он подвел к порогу реформы. Ее начнет осуществлять Глюк только спустя двадцать с лишком лет, когда сложатся для того необходимые исторические условия. Сам же Гендель продолжит свои искания в жанре оратории.
Произведениям Генделя свойственны монументально-героический стиль, оптимистическое, жизнеутверждающее начало, объединяющее в единое гармоническое целое героику, эпику, лирику, трагедийность, пасторальность. Впитав и творчески переосмыслив влияние итальянской, французской, английской музыки, Гендель оставался по истокам творчества и образу мышления немецким музыкантом.
В 40х гг., после провала оперы «Дейдамия» (1741 г.), Гендель больше не обращался к этому виду музыкального искусства и посвятил всё своё время оратории - высшее творческое достижение Г.Ф. Генделя.
Новые сочинения композитора были горячо приняты публикой. Гендель создал тридцать две оратории. В оратории, не связанной жёсткими жанровыми ограничениями, Гендель продолжил искания в области музыкальной драмы, в сюжетном и композиционном.
Этот поворот не останется без последствий и на дальнейшем пути композитора. Создавая подлинно героические оратории, он будет обращаться к темам и образам, связанным с идеей жертвы, жертвенности в судьбе человека, непреодолимой роковой обреченности героя или героини. Да и все, чего достиг Гендель за многие годы в оперном искусстве, все лучшее, что он нашел здесь, не пройдет мимо оратории. Среди популярнейших сочинений Генделя - оратории «Израиль в Египте» (1739), «Мессия» (1742), которая после успешной премьеры в Дублине встретила резкую критику духовенства. Успеху поздних ораторий, в т.ч. «Иуды Маккавея» (1747), способствовало участие Генделя в борьбе против попытки реставрации династии Стюартов. На материале библейских сказаний и их преломления в английской поэзии Гендель раскрыл картины народных бедствий и страданий, величие борьбы народа против гнёта поработителей. Гендель явился создателем нового типа вокально-инструментальных произведений, которые сочетают в себе масштабность (мощные хоры) и строгую архитектоничность. Оратории Генделя поражают мощью звучания хора, виртуозным использованием полифонии, мягкими и гибкими, выразительными мелодиями арий. Хор призван подчёркивать монументальность события, его огромную значимость для человечества, а арии - силу чувств героя.
В жанре оратории, как ни в одном другом, Гендель мог свободно распоряжаться хоровыми массами, вовлекая хор в эпическое повествование или драматическое действие. Он и не думал подражать итальянским образцам оратории, которая в его время тяготела к оперным формам гораздо более, чем к хоровой монументальности. Подобно Баху Гендель, видимо, всегда испытывал глубокий творческий интерес к крупным полифоническим формам.
На протяжении всего творческого пути Гендель работал и в инструментальных жанрах; наибольшее значение имеют его concerti grossi. Мотивная разработка, особенно в оркестровых произведениях, гомофонно-гармонический стиль преобладают у Генделя над полифоническим развитием материала, мелодика отличается протяжённостью, интонационной и ритмической энергией, чёткостью рисунка. Только в сравнении с операми и ораториями Генделя его инструментальная музыка может представляться менее значительной. Но сама по себе она очень показательна для него, крепко связана с главнейшими областями его творчества и полна художественного интереса. Хотя на тернистом пути композитора инструментальные произведения были скорее отдыхом, чем предельным напряжением сил, он успел написать их очень много: более 50 концертов, более 40 сонат и около 200 пьес для клавира, клавира или органа, а также различных инструментальных составов. Итак, если бы Гендель не создал ничего, кроме ораторий, его творческое наследие все равно следовало бы признать грандиозным. Но ему принадлежит еще более сорока опер, включающих в себя бесчисленные страницы прекрасной музыки. При всех существенных жанровых отличиях, при ином соотношении музыки и текста, итальянские оперы Генделя в собственно музыкальном смысле подготовили многое и для круга образов в его ораториях. В свою очередь непрерывная эволюция его ораториального творчества, многосторонние искания в этой области имели неоценимое значение и для истории оратории и для дальнейшей истории оперы. Его произведения оказали значительное влияние на художников последующих поколений, особенно на представителей венской классической школы. Творчество Генделя оказало значительное влияние на Й. Гайдна, В.А. Моцарта, Л. Бетховена, М.И. Глинку.
3. Русская музыка XVIII века
До своего расцвета и становления первых национальных композиторских школ в начале 19-го века она прошла долгий путь развития. До середины 18-го века светская музыка не была профессиональной, основные музыкальные жанры лежали в области народного фольклора и духовной музыки. Основными жанрами были кант и хоровой концерт. Хоровой концерт явился важной переходной ступенью от церковной к профессиональной светской музыке. Самой сложной формой русского музыкального искусства 18-го века считается «духовный концерт для хора». В 18 веке происходит решающий перелом во всем укладе русской музыки. Начинает преобладать светская музыка, вводятся современные формы профессиональной музыки - симфонические и камерные концерты, развивается домашнее музицирование. Успешно утверждалась музыка европейского типа с нотной записью.
Зарождается русский музыкальный театр, который опирался на традиции хорового пения, использования различных тропарей, кантов. В последней трети 18-го века в России появляется настоящий музыкальный театр. Были особенно знамениты крепостные театры Шереметевых и Воронцовых. С 1730-х годов в Петербурге существовал придворный итальянский театр, для которого работали такие композиторы, как Бальтассаре Галуппи и Доменико Чимароза. В 1780 в Москве был основан первый в России музыкальный Петровский театр. С 1783 года музыкальные спектакли ставились в Петербурге в Каменном театре. Этому примеру последовали провинциальные города. В последней четверти 18 века формируется национальная композиторская школа, впитавшая вольнолюбивые просветительские идеи, интерес к народной песне, для которой основными жанрами были комическая опера, лирический романс и вариации на русские темы. Среди различных жанров профессиональной музыки конца XVIII века опера занимает первое место. Именно опера в эту эпоху становится наиболее развитым, наиболее профессиональным и вместе с тем наиболее массовым видом музыкального творчества. Не удивительно, что именно в оперном жанре ярче всего проявились впоследствии творческие возможности русских композиторов XVIII века. Опера привлекает к себе и широкую аудиторию, и лучшие творческие силы. Опера вызывает живые отклики в общественном мнении, в поэзии, литературе и критике. С большой непосредственностью и полнотой она отображает передовые, демократические тенденции русского искусства.
Наряду с оперным искусством в России приобретают популярность различные жанры камерной музыки. В середине XVIII века камерные концерты при дворе становятся обычным явлением. Большим успехом камерное музицирование пользовалось в аристократических любительских кругах. К этому времени заметно выросла и роль придворного оркестра. В начале 60-х годов оркестр был разделен на две самостоятельные группы музыкантов - исполнителей оперно-симфонической и бальной музыки. Такая дифференциация была несомненным признаком роста исполнительских сил.
Максим Березовский и Дмитрий Бортнянский были блестящими оперными, инструментальными композиторами. Евстигней Фомин прославился в жанре «песенной» оперы на русские мотивы («Ямщики на подставе» на текст Н.А. Львова) и в жанре оперы-трагедии («Орфей» на текст Я.Б. Княжнина). Скрипиач-виртуоз Иван Хандошкин - автор очаровательно мелодичных сонат и вариаций на русские народные темы. Осип Козловский завоевал популярность патриотическими полонезами («Гром победы, раздавайся!») и «российскими песнями».
Таким образом, русская музыка XVIII века отразила тот резкий и быстрый взлет, который совершился во всех сферах общественной жизни в послепетровской России.
Своеобразное переплетение национального и общеевропейского, в чем-то наивного и зрелого, старого и нового, духовного и светского - все это вместе и составляет неповторимый облик русской музыки века Просвещения.
Заключение
Завершая работу, кратко отметим следующее. В XVIII веке начинает складываться тот музыкальный язык, на котором потом заговорит вся Европа, формы, достигают высшей ступени совершенства. Великие мастера, работающие в различных странах, определяют своим творчеством все музыкальное искусство данного периода.
В композиторском творчестве этот период представлен такими художественными стилями, как классицизм, барокко, рококо. Наряду с существующими уже монументальными жанрами мессы и оратории в этот период возникает и вскоре становится ведущим принципиально новый жанр - опера. Окончательно закрепляется господство светской музыки. Ее содержание охватывает широкий круг тем и образов; развивается публичная музыкальная жизнь; открываются постоянно действующие музыкальные учреждения - оперные театры, филармонический общества; совершенствуются струнные и духовые музыкальные инструменты; развивается нотная печать.
Музыка XVIII века выдвинула две гигантские недосягаемые вершины - Генделя и Баха. Прошло более двухсот лет, а интерес к их музыке только возрастает.
В конце этого периода начинается формирование симфонии и балета. Параллельно с расцветом полифонии свободного стиля, который приходит на смену полифонии строгого стиля, в бытовой танцевальной, а позже в профессиональной музыке зарождается гомофонно-гармонический состав. В странах, где в это время продолжается процесс становление наций формируются высокоразвитые национальные музыкальные культуры. Так в Италии зарождаются опера, оратория и кантата, обновляется инструментальная музыка, во Франции - опера-балет, новые формы клавирных миниатюр, в Англии - клавирные школа верджиналистив.
В русской музыке в XVIII веке происходит решающий перелом: начинает преобладать светская музыка, вводятся современные формы профессиональной музыки - симфонические и камерные концерты, развивается домашнее музицирование, успешно утверждалась музыка европейского типа с нотной записью, появляются первые оперы.
Нелегкая им досталась доля.
Малоизвестные композиторы XVIII века, предшественники и современники Михаила Ивановича Глинки. Мало сохранилось о них сведений.
Очень мало сведений сохранилось и о выдающемся композиторе и скрипаче Иване Хандошкине. Выходец из крепостной среды, он получил неплохое образование. Игре на скрипке обучался у одного из итальянцев, живших в России, и вскоре достиг большого мастерства как исполнитель.
Иван Хандошкин. Канцона.
Иван Хандошкин. "Вниз по матушке по Волге"
Интересны и его многочисленные сочинения для скрипки: вариации на народные темы, сонаты. В них нашла свое воплощение русская народная песенность, хотя заметна связь и с общеевропейской музыкой. Так же мало знаем мы и о других русских композиторах XVIII века — таких, как Даниил Кашин, Федор Дубянский, Василий Пашкевич. Известно лишь, что многие из них получили хорошее музыкальное образование за границей, были там признаны и награждены почетными званиями. Но не всем из них удалось свершить то, к чему у них было призвание, не все достигли тех высот в искусстве, которые были им по силам. В России эти композиторы много сделали для развития национальной музыки. И тем не менее, будучи одаренными и образованными людьми, они оставались на положении крепостных. Находясь в полной зависимости от прихотей своих хозяев, они нередко совмещали свои музыкальные обязанности с обязанностями кучеров, егерей, лакеев. Такое положение, унижавшее человеческое достоинство, не дававшее полностью проявиться таланту, было причиной многих трагедий и даже гибели некоторых музыкантов.
Такова, к примеру, судьба Максима Березовского. Вместе с великим Моцартом он блестяще участвовал в конкурсе музыкальной Академии в Болонье и получил звание академика. Одна из опер русского композитора, поставленная за границей, пользовалась большим успехом. В ней, по мнению современников, соединялись «живость и хороший вкус с музыкальным знанием». Но, вернувшись в Россию, Березовский оказался никому ненужным и не мог найти применения своему яркому таланту. Доведенный до отчаяния, он покончил с собой, — ему было 32 года.
Максим Березовский. Соната для скрипки и клавесина.
Максим Березовский. "Не отвержи мене во время старости"
Так же рано от жестокой бедности и туберкулеза умер и другой выдающийся русский музыкант, крепостной графа Шереметева Степан Дехтерев. Его «погубили талант и рабство — писал один из его учеников.— Необыкновенный талант рано обратил на него внимание знатоков, и властелин его, граф Шереметев, дал ему средства образоваться Он был послан для усовершенствования в Италию.
Его музыкальные сочинения доставили ему там почетную известность. Но, возвратившись в отечество, он нашел сурового деспота, который по ревизскому праву на душу гениального человека захотел присвоить себе безусловно и вдохновения ее: он наложил на него железную руку». О бесправном положении, в котором находился музыкант, красноречиво говорит один из приказов графа: «У учителя концертов, Степана Дехтерева, за давание им посторонним людям концертов, вычесть из жалованья 5 руб. и отдать певчему Чапову за объявление об оном». Выдающемуся русскому композитору, дирижеру, певцу — Дехтереву платили в год 177 руб. 70 коп в то время как рядовые музыканты оркестра — иностранцы получали 1225 руб. И тем не менее Степан Дехтерев оставил много оригинальных сочинений.Среди них выделяется первая русская оратория на национальный сюжет «Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы». Ее успех был так велик, что оратория была неоднократно исполняема как одно из капитальнейших произведений русской музыки начала XIX века. Газеты отмечали, что «оркестр составлен был почти из 200 одних только русских музыкантов и певцов, под управлением самого Дехтерева». Музыка оратории, полная высокого героического пафоса, и сейчас впечатляет своей суровой мужественной красотой.
Степан Дехтерев. Оратория "Минин и Пожарский", прелюдия.
Ария Дмитрия Пожарского из Оратории "Минин и Пожарский"
Степан Дехтерев. "Днесь Христос в Вифлееме".
Много сделал для распространения русских народных песен страстный их любитель и собиратель Даниил Кашин. Современники называли его «любимцем граждан московских», «соловьем русских песен». Эти песни, по мысли современников, Кашин «подслушивал и у ямщиков на большой дороге, и у русского мужика в поле». Хорошее знание народных песен позволило ему составить и издать довольно большой по тем временам сборник «Русские народные песни» — один из первых сборников в России. Был Кашин превосходным пианистом и дирижером — он сам исполнял свои сочинения, которые пользовались большой популярностью. Но всю жизнь он был крепостным музыкантом. Лишь незадолго до смерти ему все же удалось с величайшими трудностями получить «вольную». Трагична была судьба и других одаренных музыкантов из народа.
И все же след, оставленный ими в русской музыке, велик: их оперы, инструментальные, фортепианные и скрипичные пьесы, романсы и песни сыграли в свое время большую роль в развитии русской музыки. Эти композиторы, как правило, обладали высокоразвитым чувством национального достоинства, утверждая его в противовес аристократам, питавшим пристрастие ко всему иностранному. В середине XVIII века музыка широко входит в жизнь всех слоев русского общества.узыке обучают в закрытых пансионах и училищах. Всюду, где собиралось хоть небольшое общество, звучала музыка. «Обычай музицировать вкоренился всюду, по всей России, — писал о том времени академик Б. В. Асафьев. — Как ни жестоки были нравы и как ни бедственно было положение крепостных музыкантов (как и актеров), все-таки через них распространялась вокальная и инструментальная культура, развивались вкусы и образовывались выдающиеся исполнители и композиторы Необходимо помнить, что прежде чем дворянство выдвинуло композиторов из своей среды, русская музыкальная культура уже была создана даровитыми людьми низкого, или, как принято было говорить, «подлого» происхождения».
Наиболее крупной и значительной фигурой в русской музыке XVIII века был талантливый композитор Евстигней Ипатоевич Фомин. Благодаря своей реформаторской деятельности он оставил глубокий след. Но его произведения в большинстве своем либо утеряны и забыты, либо дошли до нас в виде отдельных отрывков.
Солдатский сын, он благодаря яркой одаренности был послан в Италию, где совершенствовался у знаменитого падре Мартини (бывшего одно время учителем великого Моцарта). Там, в Болонье, Фомин получил звание академика. А вернувшись на родину, удостоился почетного заказа — написать оперу «Новгородский богатырь Боеславич» на либретто Екатерины II (самодержица иногда тешила свое тщеславие созданием незатейливых, претенциозных виршей и драм). Но придворного композитора из Фомина не получилось.
Евстигней Фомин. Увертюра "Орфей и Звридика"
В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь кдостижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски - круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры иформы.
Главное достижение русского Просвещения - расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».
Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.
В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму .
Новые формы великосветского быта-гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балыи «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы- способствовали широкому развитию инструментальной музыки . По указу Петрав каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором . Примеру двора следовала петербургская и московская знать, котораязаводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах . Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.
Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр , созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта .
В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,преимущественно итальянцев, среди которыхкомпозиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза . Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria , называлась «Цефал и Прокрис» .
В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.
Канты петровского времени нередко назывались «виватами» , поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.
На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» - за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).
В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар-тесному концерту приходит новое художественное явление - ду-ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции - от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.
Русский духовный хоровой концерт
В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец - полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).
Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.
В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.
Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала - церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.
Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso , то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения.В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.
Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.
Максим Созонтович Березовский(1745-1777)
М. С. Березовский - выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему , однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открываетновый этап - эпоху русского классицизма.
Имя Березовского называется в числе родоначальниковклассического хорового концерта a cap р ella : его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.
Вершиной творческих исканий М.С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости» . Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.
И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему (I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами (II часть - «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема - молитва надежды («Боже мой, не удалися» - III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.
Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут...», которая является вершиной в развитии всего цикла.
Дмитрий Степанович Бортнянский (1751-1825)
Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро - медленно - быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.
Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).
Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера - Концерт № 32 , отмеченный П.И. Чайковским как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой... Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим...». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть - короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.
Сборники русских песен
Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.
Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова и Ивана Прача («Собрание народных русских песен с их голосами»).
В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику(«О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.
Песни из этих сборников использовались как любителями музы-ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво-их произведений - опер, инструментальных вариаций, сим-фонических увертюр.
К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова» . О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно .
Русская национальная композиторская школа
С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы . Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, гдерасцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе - основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.
Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды . Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).
По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни - поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.
Русская комическая опера
Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.
Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.
Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях . Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник - колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского . Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).
Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров - Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же - Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.
Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыгралВасилий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) -один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.
Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчествеЕвстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе» .(1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова - И. Прача.
В другом своем сочинении - мелодраме «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) - Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.
В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.
Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).
Бытовая вокальная лирика
Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора - городской песни .Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту - новойманере исполнения: ее мелодия сопро-вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин-струмента.
В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки - «российская песня» . Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты . Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.
Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II , образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов , автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759).По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.
Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).
В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра - Федор Дубянский и Осип Козловский . Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз-витую фортепианную партию, более сложную форму,можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).
В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма . Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».
Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).
Камерно-инструментальная музыка
В 70-80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.
Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.
Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы - ме-нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы - и вариа-ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы - композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог.Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.
В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом.С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим.
Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.
Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.
Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочиненийкомпозитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалосьврукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.
Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками. капелле, ввоенных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.
Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчиваетсявеселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.
На почтовой станции - подставе -собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг - вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.
Мелодрама - театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.