Что отражало искусство в эпоху барокко. Значение слова «барокко. Характерные черты барокко

1. Анализ художественного произведения 1. Определить тему и идею /главную мысль/ данного произведения; проблемы, затронутые в нем; пафос, с которым произведение написано; 2. Показать взаимосвязь сюжета и композиции; 3. Рассмотреть субъектную организацию произведения /художественный образ человека, приемы создания персонажа, виды образов-персонажей, система образов-персонажей/; 4. Выяснить авторское отношение к теме, идее и героям произведения; 5. Определить особенности функционирования в данном произведении литературы изобразительно-выразительных средств языка; 6. Определить особенности жанра произведения и стиля писателя.
Примечание : по этой схеме можно писать сочинение-отзыв о прочитанной книге, при этом в работе представить также:
1. Эмоционально-оценочное отношение к прочитанному.
2. Развернутое обоснование самостоятельной оценки характеров героев произведения, их поступков и переживаний.
3. Развернутое обоснование выводов. 2. Анализ прозаического литературного произведения Приступая к анализу художественного произведения, в первую очередь, необходимо обратить внимание на конкретно-исторический контекст произведения в период создания данного художественного произведения. Необходимо при этом раз¬личать понятия исторической и историко-литературной обстановки, в последнем случае имеется в виду
литературные направления эпохи;
место данного произведения среди произведений других авторов, написанных в этот период;
творческая история произведения;
оценка произведения в критике;
своеобразие восприятия данного произведения современниками писателя;
оценка произведения в контексте современного прочтения; Далее следует обратиться к вопросу об идейно-художественном единстве произведения, его содержания и формы (при этом рассматривается план содержания - что хотел сказать автор и план выражения - как ему удалось это сделать). Концептуальный уровень художественного произведения
(тематика, проблематика, конфликт и пафос) Тема - это то, о чем идет речь в произведении, основная проблема, поставленная и рассматриваемая автором в произведении, которая объединяет содержание в единое целое; это те типические явления и события реальной жизни, которые отражены в произведении. Созвучна ли тема основным вопросам своего времени? Связано ли с темой название? Каждое явление жизни - это отдельная тема; совокупность тем - тематика произведения. Проблема - это та сторона жизни, которая особенно интересует писателя. Одна и та же проблема может послужить основой для постановки разных проблем (тема крепостного права - проблема внутренней несвободы крепостного, проблема взаимного развращения, уродования и крепостных, и крепостников, проблема социальной несправедливости...). Проблематика - перечень проблем, затронутых в произведении. (Они могут носить дополнительный характер и подчиняться главной проблеме.) Идея - что хотел сказать автор; решение писателем главной проблемы или указание пути, которым она может решаться. (Идейный смысл - решение всех проблем - главной и дополнительных - или указание на возможный путь решения.) Пафос - эмоционально-оценочное отношение писателя к рассказываемому, отличающееся большой силой чувств (м.б. утверждающий, отрицающий, оправдывающий, возвышающий...). Уровень организации произведения как художественного целого

Композиция - построение литературного произведения; объединяет части произведения в одно целое. Основные средства композиции: Сюжет - то, что происходит в произведении; система основных событий и конфликтов. Конфликт - столкновение характеров и обстоятельств, взглядов и принципов жизни, положенное в основу действия. Конфликт может происходить между личностью и обществом, между персонажами. В сознании героя может быть явным и скрытым. Элементы сюжета отражают ступени развития конфликта; Пролог - своеобразное вступление к произведению, в котором повествуется о событиях прошлого, он эмоционально настраивает читателя на восприятие (встречается редко); Экспозиция - введение в действие, изображение условий и обстоятельств, предшествовавших непосредственному началу действий (может быть развернутой и нет, цельной и «разорванной»; может располагаться не только в начале, но и в середине, конце произведения); знакомит с персонажами произведения, обстановкой, временем и обстоятельствами действия; Завязка - начало движения сюжета; то событие, с которого начинается конфликт, развиваются последующие события. Развитие действия - система событий, которые вытекают из завязки; по ходу развития действия, как правило, конфликт обостряется, а противоречия проявляются все яснее и острее; Кульминация - момент наивысшего напряжения действия, вершина конфликта, кульминация представляет основную проблему произведения и характеры героев предельно ясно, после нее действие ослабевает. Развязка - решение изображаемого конфликта или указание на возможные пути его решения. Заключительный момент в развитии действия художественного произведения. Как правило, в ней или разрешается конфликт или демонстрируется его принципиальная неразрешимость. Эпилог - заключительная часть произведения, в которой обозначается направление дальнейшего развития событий и судеб героев (иногда дается оценка изображенному); это краткий рассказ о том, что произошло с действующими лицами произведения после окончания основного сюжетного действия.

Сюжет может излагаться:

В прямой хронологической последовательности событий;
С отступлениями в прошлое - ретроспективами - и «экскурсами» в
будущее;
В преднамеренно измененной последовательности (см. художественное время в произведении).

Несюжетными элементами считаются:

Вставные эпизоды;
Лирические (иначе - авторские) отступления. Их основная функция - расширять рамки изображаемого, дать возможность автору высказать свои мысли и чувства по поводу различных явлений жизни, которые не связаны напрямую с сюжетом. В произведении могут отсутствовать отдельные элементы сюжета; иногда сложно разделить эти элементы; иногда встречается несколько сюжетов в одном произведении - иначе, сюжетных линий. Существуют различные трактовки понятий «сюжет» и «фабула»: 1) сюжет - главный конфликт произведения; фабула - ряд событий, в которых он выражается; 2) сюжет - художественный порядок событий; фабула - естественный порядок событий

Композиционные принципы и элементы:

Ведущий композиционный принцип (композиция многоплановая, линейная, кольцевая, «нитка с бусами»; в хронологии событий или нет...).

Дополнительные средства композиции:

Лирические отступления - формы раскрытия и передачи чувств и мыслей писателя по поводу изображенного (выражают отношение автора к персонажам, к изображаемой жизни, могут представлять собой размышления по какому-либо поводу или объяснение своей цели, позиции); Вводные (вставные) эпизоды (не связанные непосредственно с сюжетом произведения); Художественные предварения - изображение сцен, которые как бы предсказывают, предваряют дальнейшее развитие событий; Художественное обрамление - сцены, которые начинают и заканчивают событие или произведение, дополняя его, придавая дополнительный смысл; Композиционные приемы - внутренние монологи, дневник и др. Уровень внутренней формы произведения Субъектная организация повествования (ее рассмотрение включает следующее): Повествование может быть личное: от лица лирического героя (исповедь), от лица героя-рассказчика, и безличное (от лица повествователя). 1) Художественный образ человека - рассматриваются типические явления жизни, нашедшие отражение в этом образе; индивидуальные черты, присущие персонажу; раскрывается своеобразие созданного образа человека:
Внешние черты - лицо, фигура, костюм;
Характер персонажа - он раскрывается в поступках, в отношении к другим людям, проявляется в портрете, в описаниях чувств героя, в его речи. Изображение условий, в которых живет и действует персонаж;
Изображение природы, помогающее лучше понять мысли и чувства персонажа;
Изображение социальной среды, общества, в котором живет и действует персонаж;
Наличие или отсутствие прототипа. 2) 0сновные приемы создания образа-персонажа:
Характеристика героя через его действия и поступки (в системе сюжета);
Портрет, портретная характеристика героя (часто выражает авторское отношение к персонажу);
Прямая авторская характеристика;
Психологический анализ - подробное, в деталях воссоздание чувств, мыслей, побуждений -внутреннего мира персонажа; здесь особое значение имеет изображение «диалектики души», т.е. движения внутренней жизни героя;
Характеристика героя другими действующими лицами;
Художественная деталь - описание предметов и явлений окружающей персонажа действительности (детали, в которых отражается широкое обобщение, могут выступать как детали-символы); 3) Виды образов-персонажей: лирические - в том случае, если писатель изображает только чувства и мысли героя, не упоминая о событиях его жизни, поступках героя (встречается, преимущественно, в поэзии); драматические - в том случае, если возникает впечатление, что герои действуют «сами», «без помощи автора», т.е. автор использует для характеристики персонажей прием самораскрытия, самохарактеристики (встречаются, преимущественно, в драматических произведениях); эпические - автор-повествователь или рассказчик последовательно описывает героев, их поступки, характеры, внешность, обстановку, в которой они живут, отношения с окружающими (встречаются в романах-эпопеях, повестях, рассказах, новеллах, очерках). 4) Система образов-персонажей; Отдельные образы могут быть объединены в группы (группировка образов) - их взаимодействие помогает полнее представить и раскрыть каждое действующее лицо, а через них - тематику и идейный смысл произведения. Все эти группы объединяются в общество, изображенное в произведении (многоплановое или одноплановое с социальной, этнической и т.п. точки зрения). Художественное пространство и художественное время (хронотоп): пространство и время, изображенное автором. Художественное пространство может быть условным и конкретным; сжатым и объемным; Художественное время может быть соотнесенным с историческим или нет, прерывистым и непрерывным, в хронологии событий (время эпическое) или хронологии внутренних душевных процессов персонажей (время лирическое), длительным или мгновенным, конечным или бесконечным, замкнутым (т.е. только в пределах сюжета, вне исторического времени) и открытым (на фоне определенной исторической эпохи). Позиция автора и способы ее выражения:
Авторские оценки: прямые и косвенные.
Способ создания художественных образов: повествование (изображение происходящих в произведении событий), описание (последовательное перечисление отдельных признаков, черт, свойств и явлений), формы устной речи (диалог, монолог).
Место и значение художественной детали (художественная подробность, усиливающая представление о целом). Уровень внешней формы. Речевая и ритмомелодическая организация художественного текста Речь персонажей - выразительная или нет, выступающая как средство типизации; индивидуальные особенности речи; раскрывает характер и помогает понять отношение автора. Речь повествователя - оценка событий и их участников Своеобразие словопользования общенародного языка (активность включения синонимов, антонимов, омонимов, архаизмов, неологизмов, диалектизмов, варваризмов, профессионализмов). Приемы образности (тропы - использование слов в переносном значении) - простейшие (эпитет и сравнение) и сложные (метафора, олицетворение, аллегория, литота, перифраз). Анализ поэтического произведения
План анализа стихотворения 1. Элементы комментария к стихотворению:
- Время (место) написания, история создания;
- Жанровое своеобразие;
- Место данного стихотворения в творчестве поэта или в ряду стихотворений на подобную тему (с подобным мотивом, сюжетом, структурой и т.п.);
- Пояснение неясных мест, сложных метафор и прочие расшифровки. 2. Чувства, выраженные лирическим героем стихотворения; чувства, которые вызывает стихотворение у читателя. 3. Движение авторской мысли, чувства от начала к концу стихотворения. 4. Взаимообусловленность содержания стихотворения и его художественной формы:
- Композиционные решения;
- Особенности самовыражения лирического героя и характер повествования;
- Звуковой ряд стихотворения, использование звукозаписи, ассонанса, аллитерации;
- Ритм, строфика, графика, их смысловая роль;
- Мотивированность и точность использования выразительных средств. 4. Ассоциации, вызываемые данным стихотворением (литературные, жизненные, музыкальные, живописные - любые). 5. Типичность и своеобразие данного стихотворения в творчестве поэта, глубинный нравственный или философский смысл произведения, открывшийся в результате анализа; степень «вечности» поднятых проблем или их интерпретации. Загадки и тайны стихотворения. 6. Дополнительные (свободные) размышления. Анализ поэтического произведения
(схема) Приступая к анализу поэтического произведения, необходимо определить непосредственное содержание лирического произведения - переживание, чувство; Определить «принадлежность» чувств и мыслей, выраженных в лирическом произведении: лирический герой (образ, в котором выражены эти чувства); - определить предмет описания и его связь с поэтической идеей (прямая - косвенная); - определить организацию (композицию) лирического произведения; - определить своеобразие использования изобразительных средств автором (активное - скупое); определить лексический рисунок (просторечие- книжно-литературная лексика...); - определить ритмику (однородная - неоднородная; ритмическое движение); - определить звуковой рисунок; - определить интонацию (отношение говорящего к предмету речи и собеседнику. Поэтическая лексика Необходимо выяснить активность использования отдельных групп слов общеупотребительной лексики - синонимов, антонимов, архаизмов, неологизмов; - выяснить меру близости поэтического языка с разговорным; - определить своеобразие и активность использования тропов ЭПИТЕТ - художественное определение; СРАВНЕНИЕ - сопоставление двух предметов или явлений с целью пояснить один из них при помощи другого; АЛЛЕГОРИЯ (иносказание) - изображение отвлеченного понятия или явления через конкретные предметы и образы; ИРОНИЯ - скрытая насмешка; ГИПЕРБОЛА - художественное преувеличение, используемое, чтобы усилить впечатление; ЛИТОТА - художественное преуменьшение; ОЛИЦЕТВОРЕНИЕ - изображение неодушевленных предметов, при котором они наделяются свойствами живых существ - даром речи, способностью мыслить и чувствовать; МЕТАФОРА - скрытое сравнение, построенное на сходстве или контрасте явлений, в котором слово «как», «как будто», «словно» отсутствуют, но подразумеваются. Поэтический синтаксис
(синтаксические приемы или фигуры поэтической речи) - риторические вопросы, обращения, восклицания - они усиливают внимание читателя, не требуя от него ответа; - повторы – неоднократное повторение одних и тех же слов или выражений; - антитезы – противопоставления; Поэтическая фонетика Использование звукоподражаний, звукозаписи - звуковых повторов, создающих своеобразный звуковой «рисунок» речи.) - Аллитерация – повторение согласных звуков; - Ассонанс – повторение гласных звуков; - Анафора - единоначалия; Композиция лирического произведения Необходимо: - определить ведущее переживание, чувство, настроение, отразившееся в поэтическом произведении; - выяснить стройность композиционного построения, его подчиненность выражению определенной мысли; - определить лирическую ситуацию, представленную в стихотворении (конфликт героя с собой; внутренняя несвобода героя и т.д.) - определить жизненную ситуацию, которая, предположительно, могла вызвать это переживание; - выделить основные части поэтического произведения: показать их связь (определить эмоциональный «рисунок»). Анализ драматического произведения Схема анализа драматического произведения 1. Общая характеристика: история создания, жизненная основа, замысел, литературная критика. 2. Сюжет, композиция:
- основной конфликт, этапы его развития;
- характер развязки /комический, трагический, драматический/ 3. Анализ отдельных действий, сцен, явлений. 4. Сбор материала о персонажах:
-внешность героя,
- поведение,
- речевая характеристика
- содержание речи /о чем?/
- манера /как?/
- стиль, словарь
- самохарактеристика, взаимные характеристики героев, авторские ремарки;
- роль декораций, интерьера в развитии образа. 5. ВЫВОДЫ : Тема, идея, смысл заглавия, система образов. Жанр произведения, художественное своеобразие. Драматическое произведение Родовая специфика, «пограничное» положение драмы (Между литературой и театром) обязывает вести ее анализ по ходу развития драматического действия (в этом принципиальное отличие анализа драматического произведения от эпического или лирического). Поэтому предлагаемая схема носит условный характер, она лишь учитывает конгломерат основных родовых категорий драмы, особенность которых может проявиться по-разному в каждом отдельном случае именно в развитии действия (по принципу раскручиваемой пружины). 1. Общая характеристика драматического действия (характер, план и вектор движения, темп, ритм и т.д.). «Сквозное» действие и «подводные» течения. 2. Тип конфликта. Сущность драматизма и содержание конфликта, характер противоречий (двуплановость, внешний конфликт, внутренний конфликт, их взаимодействие), «вертикальный» и «горизонтальный» план драмы. 3. Система действующих лиц , их место и роль в развитии драматического деиствия и разрешения конфликта. Главные и второстепенные герои. Внесюжетные и внесценические персонажи. 4. Система мотивов и мотивочное развитие сюжета и микросюжетов драмы. Текст и подтекст. 5. Композиционно-структурный уровень. Основные этапы в развитии драматического действия (экспозиция, завязка, развитие действия, кульминация, развязка). Принцип монтажности. 6. Особенности поэтики (смысловой ключ заглавия, роль театральной афиши, сценический хронотип, символика, сценический психологизм, проблема финала). Признаки театральности: костюм, маска, игра и постситуативный анализ, ролевые ситуации и др. 7. Жанровое своеобразие (драма, трагедия или комедия?). Истоки жанра, его реминисценции и новаторские решения автором. 8. Способы выражения авторской позиции (ремарки, диалогичность, сценичность, поэтика имен, лирическая атмосфера и др.) 9. Контексты драмы (историко-культурный, творческий, собственно-драматический) . 10. Проблема интерпретаций и сценическая история.

Введение

В настоящее время актуальность приобретает интерес к проблематике сложного мира искусства, необходимость понимания его места и роли в широком контексте культуры. Ориентационно-ценностные изменения в современной истории заставляют по-новому относится к науке и культуре, а в искусстве видеть не только самодостаточное средство познания действительности, но и способ ценностного постижения мира, самосознания культуры. Барокко появился в Италии в конце XVI – начале XVII века, как папский стиль. Но вскоре барокко стал популярным за пределами Рима и Ватикана по всей Европе и просуществовал вплоть до XVIII столетия. Он использовался для оформления дворцов знатных семей. Во Франции во времена Людовика XIV, барокко получил особенное распространение.

Термин «барокко» переводят как «причудливый, странный, вычурный». Происхождение его не вполне ясно, в быту это слово и сейчас употребляется как синоним странного, причудливого, необычного, вычурного, неестественного. Этим термином пользовались ювелиры, обозначая им нестандартные жемчужины, которые мастера эпохи барокко умели использовать в декоративных целях. «Время барокко» включает в себя много стилей и направлений (маньеризм, классицизм, барокко и рококо) и «стиль барокко». Должно быть, в этом стиле и в самом деле есть что-то причудливое и странное, если даже специалисты сильно расходятся в его оценке. Одни считают, что искусство барокко – неправильное, взвинченное, громоздкое, противоречит гармоничному и жизнеутверждающему искусству Возрождения. Другие видят в барокко грандиозность, пластичность, стремление к красоте и поэтому считают его скорее продолжением Возрождения. Есть третье мнение: искусство барочного типа – это поздняя, кризисная стадия разных эпох в художественной культуре. В то же время многие ученые настаивают, что кризисная стадия Возрождения еще не барокко, дают ей особое наименование – маньеризм. Тем не менее, даже знатоки не всегда решатся с уверенностью сказать, принадлежит автор к Возрождению, маньеризму или к барокко.

Работа состоит из введения, основной части, заключения и списка литературы.

1. Характеристика эпохального стиля Барокко

«Каждый человек – стиль» - эти слова известного французского учёного Бюффона, как нельзя лучше характеризуют основные эстетические воззрения человека эпохи барокко. Этот стиль невозможно перепутать ни с каким-либо любым другим стилем. Барокко – воплощение той эпохи, в которой он появился. В барокко объединены два понятия, а именно: стиль и образ жизни.

Культура XVII века воплощает в себе всю сложность этого времени. Трудно найти столетие, которое бы дало столько блестящих имен во всех областях человеческой культуры. Европа XVII в. – это эпоха мануфактурного производства и водяного колеса – двигателя. Развитие мануфактурного производства порождало потребность в научных разработках. Такие ученые, как Коперник, Галилей, Кеплер внесли принципиальные изменения во взглядах на библейскую картину мироздания. В разработках Лейбница, Ньютона, Паскаля была раскрыта несостоятельность средневекового природы. Все это позволило сделать массу открытий и изобретений. Созданы алгебра и аналитическая геометрия, открыты дифференциальные уравнения и интегральное исчисление в математике, сформирован ряд важнейших законов в физике, химии, астрономии.

Для духовной жизни общества XVII в. большое значение имели великие географические и естественнонаучные открытия: первое плавание Христофора Колумба в Америку, открытие Васко да Гаммой морского пути в Индию, кругосветное путешествие Магеллана, открытие Коперником движения Земли вокруг Солнца, исследования Галилея. Новые знания разрушили прежние представления о неизменной гармонии мира, об ограниченном пространстве и времени, соразмерных человеку.

Формирование исторического стиля Барокко , прежде всего, связано с кризисом идеалов Итальянского Возрождения в середине XVI в. и стремительно меняющейся «картиной мира» на рубеже XVI-XVII вв. Вместе с тем, новое искусство стиля Барокко выросло на формах Классицизма эпохи Возрождения. Предыдущее столетие в Италии было в художественном отношении настолько сильным, что его идеи, несмотря на все трагические коллизии, не могли исчезнуть внезапно, они продолжали оказывать значительное влияние на умы людей. А шедевры искусства «Высокого Возрождения» - произведения Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля - казались недосягаемыми. В этом - суть всех противоречий «эпохи Барокко». Это было время болезненных изменений мировоззрения, неожиданных поворотов человеческой мысли, отчасти вызванное великими географическими и естественнонаучными открытиями.

Идеологической основой нового стиля было ослабление духовной культуры и духовной силы религии, раскол церкви (на протестантов и католиков), борьба различных вероучений, отражающих интересы различных классов: католицизм выражал феодальные тенденции, протестантизм - буржуазные. В это же время государство приобретает большую роль, соответственно происходила борьба религиозного и светского начал.

Мировоззренческие основы стиля сложились, как результат потрясения, какими были в XVI в. Реформация и учение Коперника. Изменилось утвердившееся в античности представление о мире, как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке, как о разумнейшем существе. Человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем» по выражению Паскаля, «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

В 1445 г. И. Гутенберг положил начало книгопечатанию, в 1492 г. X. Колумб открыл Америку, Васко да Гама в 1498 г.- морской путь в Индию. В 1519-1522 гг. Магеллан совершил первое кругосветное плавание, к 1533 г. открытие Коперником движения Земли вокруг Солнца стало завоевывать признание. Исследования Галилея, Кеплера и ньютоновская «небесная механика» разрушали прежние привычные представления о замкнутом и неподвижном мире, в центре которого находится Земля и сам человек. То, что раньше казалось абсолютно ясным, незыблемым и вечным, стало буквально рассыпаться на глазах. До этого времени человек, к примеру, был абсолютно уверен, что Земля - плоское блюдце, а Солнце заходит за его край, отчего становится темно ночью. Теперь стали убеждать, что Земля - не блин, а шар, да еще вращается вокруг Солнца. Это противоречило зрительным впечатлениям. Человек продолжал видеть по-прежнему: плоскую неподвижную землю и движение небесных тел над головой. Он ощущал твердость материальных предметов, но ученые стали доказывать, будто это всего лишь видимость, а на самом деле - ничто иное, как множество пульсирующих центров электрических сил. Было от чего прийти в смятение.

Правда законы Кеплера согласовывались с пифагорейской теорией музыки Небесных Сфер, а Ньютон не спешил обнародовать свои открытия. Но, так или иначе, данные науки приходили в противоречие с опытом и видимым образом мира. Произошел бесповоротный психологический надлом - основа будущего стиля Барокко. В конце XVI - начале XVII вв. открытия в области естественных и точных наук значительно пошатнули образ завершенного, неподвижного и гармоничного мироздания, в центре которого - «венец Творения» - сам человек.

Если совсем недавно, в эпоху Возрождения ученый-гуманист Пикоделла Мирандола утверждал в «Речи о достоинстве человека», что находящийся в самом центре мира человек всемогущ и может «обозревать все и владеть, чем пожелает», то в XVII столетии Влез Паскаль написал свои знаменитые слова: человек всего лишь «мыслящий тростник», удел его трагичен, так как, находясь на грани двух бездн «бесконечности и небытия», он неспособен разумом охватить ни то, ни другое, и оказывается чем- то средним между всем и ничем. Он улавливает лишь видимость явлений, ибо неспособен познать ни их начало, ни конец». И это слова великого математика! Какие противоположные суждения по одному и тому же предмету! Еще раньше, в первой трети XVI в., человек стал остро ощущать противоречия между видимостью и знанием, идеалом и действительностью, иллюзией и правдой. Именно в эти годы складывались взгляды, согласно которым, чем неправдоподобнее произведение искусства, чем резче оно отличается от наблюдаемого в жизни, тем оно интереснее, привлекательнее с художественной точки зрения.

На территории Италии начинают хозяйничать иностранцы - Испанцы и Французы. Они диктуют условия политики и пр. Истощенная Италия не утратила высоты своих культурных позиций - она остается культурным центром Европы. Она богата духовными силами. Мощь в культуре проявилась приспособлением к новым условиям. Центром католического мира является Рим. Благодаря этим обстоятельствам, знать и церковь нуждаются в том, чтобы их силу и состоятельность увидели все. Денег на постройки палаццо не было, знать обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию могущества и богатства. Популярным становится стиль, который может возвысить, вот так в XVI веке на территории Италии возникает Барокко .

Эпоха барокко отвергает традиции и авторитеты как суеверия и предрассудки. Истинно все то, что «ясно и отчётливо» мыслится или имеет математическое выражение, заявляет философ Декарт. Поэтому барокко - это ещё век Разума и Просвещения. Не случайно слово «барокко» иногда возводят к обозначению одного из видов умозаключений в средневековой логике - к baroco . В Версале появляется первый европейский парк, где идея леса выражена предельно математически: липовые аллеи и каналы словно вычерчены по линейке, а деревья подстрижены на манер стереометрических фигур. Впервые одетые в униформу армии эпохи барокко большое внимание уделяют «муштре» - геометрической правильности построений на плацу.

Отличительными чертами барокко являются пространственный размах, пышность, великолепие и роскошь. Отметим, что изменчивость и игру образов этого стиля можно сравнить с морской раковиной, в честь которой и был назван этот стиль. Изысканная роскошь, великолепие и превосходство вновь возвращается в убранство домов после простоты и минимализма в декоре помещений.

Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств - променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров - «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий - театр и бал-маскарады. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.

Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).

Таким образом, стиль Барокко медленно вызревал, чтобы неожиданно взорваться. В этой эпохе разрушительно действовало несколько противоположных стилистических течений, все они были неустойчивы и «несоответствовали реальности». В этом обстоятельстве ключ к пониманию слов И. Грабаря: «Высокий Ренессанс уже на три четверти Барокко». С каждым днем становилось яснее, что Альберти – «не совсем то, что нужно», что даже Браманте уже чуть- чуть педантичен и «суховат» и не так уже очаровывала абракадабра знаменитого «золотого разреза» и математика пропорций, данная в фасаде его «Cancelleria».

И только когда неистовый Микеланджелоо открыл свой сикстинский потолок и занялся капитолийскими постройками, все поняли, чем каждый болел и что прятал в своем сердце... и новый стиль - Барокко - был создан».

2. Характеристика национального стиля Барокко

В 17 веке Рим был столицей мира в области искусства, привлекал художников всей Европы, поэтому Барокко искусство скоро распространилось за пределы «вечного города». Самые глубокие корни за пределами Италии стиль Барокко пустил в католических странах. В каждой стране Барокко искусство подпитывалось местными традициями. В одних странах оно становилось более экстравагантным, как, например, в Испании и Латинской Америке, где развился стиль архитектурного украшательства, названный чурригереско; в других приглушалось в угоду более консервативным вкусам. Стиль барокко получает распространение в Испании, Германии, Бельгии (Фландрии), Нидерландах, России, Франции.

В католической Фландрии Барокко искусство расцвело в творчестве Рубенса, на протестантскую Голландию оно оказало не столь заметное влияние. Правда, зрелые работы Рембрандта, чрезвычайно живые и динамичные, явно отмечены влиянием Барокко искусства.

Во Франции оно ярче всего выразило себя на службе монархии, а не церкви. Людовик XIV понимал важность искусства как средства прославления королевской власти. Его советником в этой области был Шарль Лебрен, который руководил художниками и декораторами, работавшими во дворце Людовика в Версале. Версаль с его грандиозным сочетанием пышной архитектуры, скульптуры, живописи, декоративного и ландшафтного искусства явил собой один из самых впечатляющих примеров слияния искусств.

Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б.Ф. Растрелли в России) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Архитектура барокко тяготеет к торжественному «большому стилю», к подчеркнутой монументальности, основывается на представлении о сложности, многообразии, изменчивости мира, отражает величие Папы Римского и католической церкви, а также могущество и роскошь монархов и крупной аристократии. В это время возводят католические храмы, городские и загородные дворцово-парковые ансамбли - площадь перед собором Св. Петра в Риме, загородные виллы в Италии.

Основные черты построек - сложный криволинейный план и очертания линий, причудливость пластики фасадов, применение сложных многообразных и живописных форм на основе овала, эллипса и полуокружности, полуциркульные окна, разорванные фронтоны, спаренные колонны и пилястры, массивные парадные лестницы, пространственный размах комплексов, слияние искусств (архитектуры, скульптуры, живописи), декоративность интерьеров, применение зеркал в оформлении помещений. Ордер применяется как декоративно-пластическая форма наравне со скульптурой. Свойства построек - предельная живописность (вычурность), контрастность, напряженность, динамичность образов и текучесть сложных обычно криволинейных форм, стремление к нарочитой пышности, к совмещению реальности и иллюзии. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко - теламон (атлант), кариатида, маскарон.

В итальянской архитектуре самым видным представителем Барокко искусства был Карло Мадерна (1556-1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение - фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 г. Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария делла Виктория (1645-1652 гг.). Самыми видными итальянскими современниками Бернини в этот период зрелого барокко были архитектор Борромини и художник, и архитектор Пьетро да Кортона . Несколько позднее творил Андреа дель Поццо (1642-1709 гг.); расписанный им плафон в церкви Сант-Иньяцио в Риме (Апофеоз св. Игнатия Лойолы) является кульминацией тенденции барокко к помпезному великолепию. Испанское барокко , или по местному чурригереско (в честь архитектора Чурригеры), распространившееся также в Латинской Америке. Наиболее популярный памятник его - собор в Сантьяго-де-Компостела, является также одним из наиболее почитаемых верующими храмов Испании. В Латинской Америке барокко смешалось с местными архитектурными традициями, это - самый вычурный его вариант, и называют его ультрабарокко . Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. Раньше считалось, что здесь стиль вообще развития не получил, и памятники барокко считались памятниками классицизма. Иногда употребляют термин «барочный классицизм» применительно к французскому и английскому вариантам барокко . Сейчас к французскому барокко причисляют Версальский дворец вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др. произведения. Они действительно имеют некоторые черты классицизма. В Бельгии выдающимся памятником барокко является ансамбль Гранд-Плас в Брюсселе. Черты барокко имеет дом Рубенса в Антверпене, построенный по собственному проекту художника. В России барокко появляется еще в XVII веке («нарышкинское барокко», «голицынское барокко»). В XVIII веке в правление Петра I получает развитие в Санкт-Петербурге и пригородах в творчестве Д. Трезини - так называемое «петровское барокко» (более сдержанное), и достигает расцвета в правление Елизаветы Петровны творчестве С.И. Чевакинского и Б.Растрелли. В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы - И.Г. Бюринг, Х.Л. Мантер) и Летний дворец там же (Г.В. фон Кнобельсдорф).

Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шёнбрунн (Австрия).

Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Преобладали сюжеты, в основе которых был заложен драматический конфликт, - религиозного, мифологического или аллегорического характера. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров.

Особенность барокко – не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Большое значение приобрели композиционные эффекты, выраженные в смелых контрастах масштабов, цветов, света и тени. Но при этом художники барокко стремятся к достижению ритмического и цветового единства, живописности целого.

У истоков Барокко искусства в живописи стоят два великих итальянских художника - Караваджо и Аннибале Карраччи , создавшие самые значительные работы в конце 16 - начале 17 вв. Для итальянской живописи конца 16 века характерны неестественность и стилевая неопределённость. Караваджо и Карраччи своим искусством вернули ей цельность и выразительность.

В итальянской живописи эпохи барокко развивались разные жанры, но в основном это были аллегории, мифологический жанр. В этом направлении преуспели Пьетро да Кортона, Андреа дель Поццо, Джованни Баттиста Тьеполо, братья Карраччи. Прославилась венецианская школа, где большую популярность получил жанр ведуты, или городского пейзажа. Самый прославленный автор таких работ - Д.А. Каналетто. Не менее известны Франческо Гварди и Бернардо Беллотто. Каналетто и Гварди писали виды Венеции, тогда как Беллотто (ученик Каналетто) работал в Германии. Ему принадлежат многие виды Дрездена и других мест. Сальватор Роза (неаполитанская школа) и Алессандро Маньяско писали фантастические пейзажи. Последнему принадлежат архитектурные виды, и к нему очень близок французский художник Юбер Робер, работавший в то время, когда вспыхнул интерес к античности, к римским развалинам. В их работах представлены руины, арки, колоннады, древние храмы, но в несколько фантастическом виде, с преувеличениями. Героические полотна писал Доменикино, и живописные притчи - Доменико Фетти. Питер Пауль Рубенс (1577-1640) в начале XVII в. учился в Италии, где усвоил манеру Караваджо и Каррачи, хотя и прибыл туда лишь по окончании курса обучения в Антверпене. Он счастливо сочетал лучшие черты школ живописи Севера и Юга, сливая в своих полотнах природное и сверхъестественное, действительность и фантазию, ученость и духовность.

Микеланджело Меризи (Караваджо) (1571-1610) считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света, выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.

Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Самая известная его работа - портрет Людовика XIV. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена. Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. К тому времени Испания переживала свой «Золотой век» в искусстве, находясь при этом в экономическом и политическом упадке.

Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного. Среди представителей: Доменико Теотокопули (Эль Греко). Он был глубоко религиозен, поэтому в его искусстве представлены многочисленные варианты религиозных сюжетов и празднеств: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие святого духа», «Христос на масленичной горе». Эль Греко был великолепным портретистом - изображаемое он трактовал как ирреальное, фантастическое, воображаемое. Отсюда деформация фигур (элементы готики), предельные колористические контрасты с преобладанием темных цветов, игра светотени, ощущение движения. Диего Веласкес (1599-1660) - великолепный мастер психологического портрета, живописец характеров. Его картины отличаются многофигурной сложностью композиций, многокадровостью, предельной детализацией, прекрасным владением цветом.

Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века. Законодателем в новом стиле стал Рубенс. В ранний период барочная стилистика воспринимается Рубенсом через призму живописи Караваджо - «Воздвижение креста», «Снятие с креста», «Похищение дочерей Левкиппа». Переходом к зрелой фазе творчества художника стал большой заказ цикла картин «Жизнь Марии Медичи». Картины театральны, аллегоричны, манера письма выразительна. Рубенс демонстрирует невероятную жизнеутверждающую силу барокко, его портреты, особенно женские, открывают этот неиссякаемый для него источник радости. В последний период творчества Рубенс продолжает тему вакханалий - «Вакх» - откровенно телесное восприятие жизни. Помимо Рубенса признания добился еще один мастер фламандского барокко, ван Дейк (1599-1641).

С творчеством Рубенса новый стиль пришел в Голландию, где его подхватили Франс Хальс (1580/85-1666), Рембрандт (1606-1669) и Вермеер (1632-1675). В Испании в манере Караваджо творил Диего Веласкес (1599-1660), а во Франции - Никола Пуссен (1593-1665), который, не удовлетворившись школой барокко, заложил в своем творчестве основы нового течения - классицизма.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса - в Харлеме, Рембрандта - в Амстердаме, Вермеера - в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрандт это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, - всё это служит для нашего упражнения».

3. Характеристика индивидуальных стилей

Для архитектуры барокко характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Блестящим центром архитектуры барокко стал католический Рим.

«Отцом барокко» считают итальянского скульптора и архитектора Микеланджело Буонарроти - капелла Медичи во Флоренции (1520-1534).

Великий Микеланджело мощью и экспрессией своего индивидуального стиля в один миг разрушил все привычные представления о «правилах» рисунка и композиции. Написанные им на потолке могучие фигуры зрительно «разрушили» отведенное для них изобразительное пространство; они не соответствовали ни сценарию, ни пространству самой архитектуры. Здесь все было антиклассично. Дж. Вазари, знаменитый летописец Возрождения, пораженный, как и другие, назвал этот стиль «причудливым, из ряда вон выходящим и новым».

Другие произведения Микеланджело: архитектурный ансамбль Капитолия в Риме, интерьер Капеллы Медичи и вестибюль библиотеки Сан-Лоренцо во Флоренции - демонстрировали классицистические формы, но все в них было охвачено необычайным напряжением и волнением. Старые элементы архитектуры использовались по-новому, прежде всего, не в соответствии с их конструктивной функцией. Так в вестибюле библиотеки Сан-Лоренцо Микеланджело сделал нечто совершенно необъяснимое. Колонны сдвоены, но запрятаны в углубления стен и ничего не поддерживают, поэтому их капители представляют собой какие- то странные окончания. Висящие под ними волюты- консоли вообще не выполняют никакой функции. На стенах - мнимые, глухие окна. Но более всего удивляет лестница вестибюля. По остроумному замечанию Я. Буркхардта «она пригодна только для тех, кто хочет сломать себе шею». По сторонам, где это необходимо, у лестницы нет перил. Зато они есть в середине, но слишком низкие, чтобы на них можно было опереться. Крайние ступени закруглены с совершенно бесполезными завитками на углах. Сама по себе лестница заполняет почти все свободное пространство вестибюля, что вообще противоречит здравому смыслу, она не приглашает, а лишь загораживает вход.

В проекте собора Св. Петра (1546) Микеланджело в противоречие начавшему строительство Браманте, подчинил все архитектурное пространство центральному куполу, сделав сооружение динамичным. Пучки пилястров, сдвоенные колонны, ребра купола изображают согласованное, мощное движение ввысь. В сравнении с эскизами Микеланджело, исполнитель проекта Джакомо делла Порта в 1588-1590 гг. усилил эту динамику заострив купол; он сделал его не полусферическим, как было принято в искусстве Возрождения, а удлиненным, параболическим.

Наступление эры Барокко означало возвращение романтики архитектуре христианских храмов. В этом смысле примечательно высказывание О.Шпенглера об эволюции творчества Микеланджело: «Из глубочайшей неудовлетворенности искусством, на которое он растратил свою жизнь, его вечно неутоленная потребность в выражении разбила архитектонический канон Ренессанса и сотворила римское Барокко... А в лице Микеланджело - скульптора «закончилась история европейского ваяния». Действительно, Микеланджело - подлинный «отец Барокко» , поскольку в его статуях, зданиях, рисунках происходит, одновременно, возврат к духовным ценностям средневековья и последовательное открытие новых принципов формообразования. Этот гениальный художник, исчерпав возможности классицистической пластики, в поздний период своего творчества создавал невиданные ранее экспрессивные формы. Его титанические фигуры изображены не по правилам пластической анатомии, служившими нормой для того же Микеланджело всего каких-нибудь десять лет тому назад, а согласно иным, иррациональным формообразующим силам, вызванным к жизни фантазией самого художника.

Один из первых признаков искусства Барокко: избыточность средств и смешение масштабов. В искусстве Классицизма все формы четко определены и отграничены друг от друга. «Сикстинский плафон» Микеланджело потому и является первым произведением стиля Барокко , что в нем произошло столкновение нарисованных, но скульптурных по осязательности фигур, и невероятного архитектурного каркаса, написанного на потолке, нисколько не согласованного с реальным пространством архитектуры. Размеры фигур также вводят зрителя в заблуждение, они не гармонируют, а диссонируют даже с живописным, иллюзорным пространством, созданным для них художником.

«Гений Барокко» Дж.Л. Бернини (1598-1680). Крупнейшая архитектурная работа Бернини - окончание многолетнего строительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним (1656-1667). В интерьере собора Св. Петра в Риме над гробницей Апостола Петра он возвел огромный, непомерно увеличенный шатер - киворий в 29 м высотой (высота Палаццо Фарнезе в Риме). Издали шатер из черненой и позолоченной бронзы на четырех витых колоннах с «занавесями» и статуями из нефа собора кажется всего лишь игрушкой, причудой убранства интерьера. Но вблизи - ошеломляет и подавляет, оказываясь колоссом нечеловеческих масштабов, отчего и купол над ним кажется безмерным, как небо.

Сооруженные по его проекту два могучих крыла монументальной колоннады замкнули обширное пространство площади. Расходясь от главного, западного фасада собора, колоннады образуют сначала форму трапеции, а затем переходят в громадный овал, подчеркивающий особую подвижность композиции, призванной организовывать движение массовых процессий. 284 колонны и 80 столбов высотой по 19 м составляют эту четырехрядную крытую колоннаду, 96 больших статуй венчают ее аттик. По мере движения по площади и изменения точки зрения кажется, что колонны то сдвигаются тесное, то раздвигаются, и архитектурный ансамбль будто разворачивается перед зрителем. Мастерски включены в оформление площади декоративные элементы: зыбкие струн воды двух фонтанов и стройный египетский обелиск между ними, которые акцентируют середину площади. Но выражению самого Бернини, площадь, «подобно распростертым объятиям», захватывает зрителя, направляя его движение к фасаду собора, украшенного грандиозными приставными коринфскими колоннам», которые возвышаются и господствуют над всем этим торжественным барочным ансамблем. Подчеркнув пространственность общего решения сложной по форме площади и собора, Бернини определил и главную точку зрения на собор, который па расстоянии воспринимается в своем величавом единстве.

Бернини хорошо знал и учитывал законы оптики и перспективы. С дальней точки зрения, сокращаясь в перспективе, поставленные под углом колоннады трапециевидной площади воспринимаются прямыми, а овальная площадь - кругом. Эти же свойства искусственной перспективы умело применены при сооружении парадной Королевской лестницы, соединяющей собор св. Петра с Папским дворцом. Она производит грандиозное впечатление благодаря точно рассчитанному постепенному сужению лестничного пролета, кессионированного свода перекрытия и уменьшению обрамляющих ее колонн. Усилив эффект перспективного сокращения уходящей вглубь лестницы, Бернини добился иллюзии увеличения размеров лестницы и ее протяженности.

Во всем блеске мастерство Бернини-декоратора проявилось при оформлении интерьера собора св. Петра. Он выделил продольную ось собора и его центр - подкупольное пространство роскошным, бронзовым киворием (балдахином, 1624-1633), в котором нет ни одного спокойного контура. Все формы этого декоративного сооружения волнуются. Круто вздымаются витые колонны к куполу собора; с помощью фактурного разнообразия бронза имитирует пышные ткани и бахрому отделки.

В изобразительном искусстве этого периода преобладали сюжеты, в основе которых был заложен драматический конфликт , - религиозного, мифологического или аллегорического характера. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Особенность барокко - несоблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Большое значение приобрели композиционные эффекты, выраженные в смелых контрастах масштабов, цветов, света и тени. Но при этом художники барокко стремятся к достижению ритмического и цветового единства, живописности целого. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - Рубенс, Караваджо.

Рубенс Питер Пауль (1577-1640) - фламандский живописец, рисовальщик, глава фламандской школы живописи барокко. В жизни Рубенс воплощал барочный идеал виртуоза, сосредоточенного на внешней стороне вещей, для которого весь мир был сценой. Противоречия эпохи Рубенс в живописи примирял, казалось бы, непримиримые противоположности. Его огромный интеллект и могучая жизненная энергия позволили ему создать на основе разнообразных заимствований целостный, неповторимый стиль, в котором удивительным образом слиты природное и сверхъестественное, действительность и фантазия, ученость и духовность. Его эпические полотна, таким образом, определяют масштаб и стиль живописи зрелого барокко. Они полны брызжущей, неистощимой энергии и изобретательности, и являются, как и его героические обнаженные фигуры, олицетворением чувства жизнелюбия. Изображение столь насыщенного бытия с таким размахом требовало расширения арены действия, предоставить которую могло только барокко с его театральностью - в лучшем смысле этого слова. Чувство драматизма было присуще Рубенсу в той же мере, как и Бернини. «Воздвижение креста» - первый крупный алтарный образ, свидетельствует, как многим он был обязан итальянскому искусству. Мускулистые фигуры, детально проработанные, чтобы продемонстрировать их физическую силу и страстность чувств, напоминают образы Сикстинской Капеллы Микеланджело и галереи палаццо Фарнезе Аннибале Карраччи, а в манере освещения картины есть что-то от Караваджо. Тем не менее своим успехом панно во многом обязано поразительному умению Рубенса соединять итальянские влияния с нидерландскими идеями, придавая им в процессе создания современное звучание. По масштабу и концепции картина героичнее любой другой север ной работы, но все же невозможно представить ее появление без «Снятия с креста» Рогира ван дер Вейдена.

Рубенс - столь же внимательный к жизненным подробностям фламандский реалист, что видно по таким деталям, как изображение листвы, доспехов и собаки на переднем плане. Эти разнообразные элементы, сведенные воедино с высочайшим мастерством, образуют композицию огромной драматической мощи. Неустойчивая, угрожающе покачивающаяся пирамида из тел в типично барочной манере разрывает пределы рамы, создавая у зрителя ощущение со участия в этом действе.

В 1620-е годы динамический стиль Рубенса достиг своей вершины в огромных декоративных работах по заказам церквей и дворцов. Наиболее знаменит цикл картин, выполненных Рубенсом для Люксембургского дворца в Париже и посвященный прославлению жизненного пути Марии Медичи, вдовы Генриха IV и матери Людовика XIII. Все здесь связано единым ритмом кругового движения: небо и земля, исторические лица и аллегорические персонажи, даже рисунок и живопись, так как Рубенс использовал подобные живописные эскизы при подготовке своих композиций. В отличие от художников предыдущих эпох, он предпочитал разрабатывать свои картины в отношении света и цвета с самого начала (большинство его рисунков - это фигурные этюды или портретные эскизы). Такое целостное видение, у истоков которого, хотя еще и без явных достижений, стояли великие венецианцы, было наиболее ценным в наследии Рубенса для живописцев последующих поколений.

Микеланджело Меризи , которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо , считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи.

Уже в первых выполненных в Риме работах он выступает как смелый новатор, он бросил вызов главным художественным направлениям той эпохи - маньеризму и академизму, противопоставив им суровый реализм и демократизм своего искусства. Герой Караваджо - человек из уличной толпы, - римский мальчишка или юноша, наделённый грубоватой чувственной красотой и естественностью бездумно-жизнерадостного бытия; герой Караваджо предстает то в роли уличного торговца, музыканта, простодушного щёголя, внимающего лукавой цыганке, то в облике и с атрибутами античного бога Вакха. Эти жанровые по своей сути персонажи, залитые ярким светом, вплотную придвинуты к зрителю, изображены с подчеркнутой монументальностью и пластической ощутимостью.

Период творческой зрелости открывает цикл монументальных полотен, посвященных св. Матфею. В первом и самом значительном из них - «Призвание апостола Матфея», - перенеся действие евангельской легенды в полуподвальное помещение с голыми стенами и деревянным столом, сделав его участниками людей из уличной толпы, Караваджо в то же время выстроил эмоционально сильную драматургию великого события - вторжения света Истины в самые низы жизни. «Погребной свет», проникающий в темное помещение вслед за вошедшими туда Христом и св. Петром, высвечивает фигуры собравшихся вокруг стола людей и одновременно подчеркивает чудесный характер явления Христа и св. Петра, его реальность и одновременно ирреальность, выхватывая из темноты лишь часть профиля Иисуса, тонкую кисть его протянутой руки, жёлтый плащ св. Петра, в то время как фигуры их смутно проступают из тени

Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Искусство Караваджо оказало огромное влияние на творчество не только многих итальянских, но и ведущих западноевропейских мастеров XVII века - Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта.

Таким образом, художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Заключение

Таким образом, Барокко - характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков, центром которой была Италия и, затем, распространился по всей Западной Европе. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации».

Его появление было исторически закономерным процессом, подготовленным всем предшествующим развитием. Неодинаково находил свое претворение стиль в различных странах, выявляя их национальные особенности. В то же время имел общие черты, типичные для всего европейского искусства и для всей европейской культуры:

1. Церковный догматизм, приведший к усилению религиозности;

2. Увеличение роли государства, светскости, борьба двух начал;

3.Повышенная эмоциональность, театральность, преувеличенность всего;

4. Динамика, импульсивность;

Не будет преувеличением сказать, что «барокко» является одним из самых вычурных, пышных стилей.

Стиль «барокко» полностью соответствует образу жизни, свойственному той эпохе. Это стиль, основанный на применении классических ордерных форм, приведенных в состояние динамического напряжения, иногда доходящего до конвульсий.

Время барокко способствовало формированию национальных художественных школ со своими особенностями (Фландрия, Голландия, Франция, Италия, Испания, Германия).

Список использованных источников

1. Власов В.Г. Стили в искусстве: Словарь. – в 3-х тт. Т.1 / В.Г. Власов. - СПб.: Кольна, 1998. – 540 с.

2. Гомбрих Э. История искусства / Э. Гомбрих. – М.: АСТ, 2008. - 688 с.

3. Грушевицкая Т.Г. Словарь по мировой художественной культуре / Т.Г. Грушевицкая, М.А. Гузик, А.П. Садохин. - М.: Академия, 2001. - 408 с.

4. Дасса Ф. Барокко. Архитектура между 1600 и 1750 годами / Ф. Дасса; пер. с фр. Е. Мурашкинцева. - М.: АСТ, 2004. - 160 с.

5. Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство: Учебник. – М. Высш. шк., 2000. - 368 с.

6. Каган М.С. Основы теории художественной культуры: Учебное пособие / М.С. Каган, Л.М. Мосолова, П.С. Соболев; Под общ. ред. Л.М. Мосоловой. – СПб.: Лань, 2001. – 288 с.

Приложение

Рис. 1 - Площадь перед собором Св. Петра, спроектированная Лоренцо Бернини

Рис. 2 - Микеланджело. Фрагмент свода Сикстинской капеллы

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.

История появления стиля

Художественный стиль барокко зародился в конце 16 века в Италии. Историю названия связывают с португальскими моряками, которые словом barocco обозначали бракованные жемчужины неправильной формы. Итальянцы охотно переняли термин, объединив им вычурные и странные проявления нового культурного течения.

Возникновение барокко связывают с угасанием эпохи Ренессанса: отказавшись от представлений о классической гармонии и строгом миропорядке, творцы сосредоточились на борьбе разума и чувств. Отныне в центре их внимания - силы стихий, экспрессия, мистицизм.

В течение 17-18 веков барокко в архитектуре, искусстве и музыке широко распространилось по Европе и Америке, пришло в Россию. Расцвет стиля совпал с укреплением абсолютных монархий, освоением колоний, усилением католицизма. Логично, что и в градостроительстве он проявился масштабностью и монументальностью.

Характерные черты барокко

Торжественную, сложную, богато декорированную стилистику использовали при возведении городских дворцов, резиденций, монастырей. Архитектурные решения придворных зодчих подчинены одной идее: удивлять и восхищать.

Форма

Главной особенностью барокко является создание искривленного пространства, где плоскости и объемы - криволинейны и перетекают друг в друга, в планах преобладают эллипсы и прямоугольники.

В дизайне фасадов широко используется раскреповка, когда часть стены выставляется чуть вперед или наоборот заглубляется вместе со всеми элементами. Получается чередование выпуклых и вогнутых секций с эффектом пространственной иллюзии. Еще более выразительной фасадную композицию делают всевозможные эркеры, башни и балконы.

Ордер

Отличительный признак барочных зданий - сознательное нарушение пропорций в античной ордерной системе.

Части ордера (база, антаблемент, капитель) растягиваются, накладываются друг на друга, скручиваются; прежде гармоничная структура (соразмерная человеку) приобретает массивность и рваный ритм.

Внешний и внутренний декор

К основным чертам барокко относят также чрезмерное украшательство, дававшее немало поводов для обвинений в безвкусице.

Стены практически исчезают под лепниной, росписью, резными панелями, скульптурами, колоннами, зеркалами. Стремление к гигантизму проявляется в тяжеловесной мебели, огромных шкафах, лестницах. Если говорить о барокко кратко, то это стиль излишеств. За счет чередования освещенных и затененных зон, настраиваемого бокового освещения мастера создавали оптические эффекты расширения пространства. Золотистые, голубые, розовые цвета задавали торжественную атмосферу.

Связь с окружающим пространством

Наше описание стиля барокко было бы неполным без акцента на союз построек с прилегающей территорией: городской площадью, парком, садом. Это была прогрессивная тенденция, здания стали восприниматься единым целым с ландшафтом: отныне фонтаны, скульптурные композиции, разбитые дорожки и газоны - полноправная часть дворцовых ансамблей.

Архитектурные элементы барокко

• Барочные фасады активно оформляют колоннами, объемным крупным рельефом, фронтонами лучкового типа.

Богато отделанные наличники обязательно оснащены замковым камнем. Окна выполняются в виде овалов, полусфер, прямоугольных проемов. Вместо колонн для поддержки балочных перекрытий, балюстрад и сводов крыши устанавливают статуи кариатид и атлантов.

• Монументальные скульптурные композиции - один из характерных элементов стиля.

Поза и выражение лица мифологических и библейских фигур передают эмоциональное напряжение, драматизм сюжета, что отвечает концепции сложного устройства мира и человеческих страстей.

• Традиционные барочные орнаменты включают арабески, гирлянды, раковины, картуши, цветочные вазы, рога изобилия, музыкальные инструменты.

Каждая деталь пышно обрамлена. В связке исторически близких стилей барокко, рококо и классицизма первый существенно выделяется любовью к чрезмерному декору. Эту черту подхватит затем рококо, сделав больший акцент на изящество и утонченность.

• Одна из особенностей архитектурного барокко - активное использование в фасадном дизайне маскаронов (маска в виде человеческого лица или морды животного, расположенных анфас).

Изготавливали их из камня и гипса, размещали над входной дверью, оконными проемами, арками. У каждой маски свой характер: спокойный, устрашающий, комический. Тематические маскароны выбирали в соответствии с профилем заведения: на суд вешали изображения богини правосудия, львиные головы, на театр - драматических персонажей, на церковь - ангелов и детей.

Стиль барокко в Италии

В каждой из стран новый архитектурный стиль проявился под влиянием политических, социальных и культурных условий. В этом плане можно говорить о национальных видах барокко: итальянском, французском, испанском, немецком, английском, русском.

В мировом наследии итальянское барокко считается первоисточником и вдохновителем. Ведущую роль в развитии архитектуры взял на себя Ватикан. Католическая церковь в 16 веке начинает активное строительство храмов и соборов, причем не столько внушительных по масштабу, сколько величественных и эмоционально заряженных по оформлению.

В числе первых создали знаменитую церковь Иль-Джезу, проект Джакомо Бароцци да Виньола. В дизайне главного фасада сочетаются несколько ордеров. Широкие волнообразные волюты по бокам связывают оба фасадных яруса, такое решение стало хрестоматийным для церквей этого периода.

Крупнейшие итальянские архитекторы барокко17 века - Лоренцо Бернини, Франческо Борромини, Гварино Гварини, Карло Райнальди. На весь мир известна площадь Святого Петра в Риме - проект Л.Бернини, где колоннада создает искусственную перспективу и зрительно увеличивает размеры собора.

Французское барокко

Основные характеристики барокко во Франции проявились больше во внутреннем убранстве, в фасадной же отделке доминирует классицизм.

Яркий образчик такого подхода - Версальский дворец, спроектированный Луи Лево и Жюлем Ардуэн-Мансаром. Барочная тема в дизайне фасада обозначена только скульптурами, которые экспрессивностью форм контрастируют с прямой геометрией здания.

Пышное барочное убранство преобладает в дворцовых интерьерах, особенно в залах Войны и Мира, Зеркальной галерее.

Французские архитекторы соединяют барокко и классицизм в оформлении городских особняков, загородных резиденций. Художественная фантазия уступает ведущую роль строгости форм. Основные зодчие периода - Жак Лемерсье, Франсуа Мансар, Луи Лево.

Замковая архитектура переходит от традиционных четырехугольных в плане крепостей к ансамблям из центрального здания и боковых крыльев, с подъездными путями и окультуренными садами. Объемы упрощаются, на фасаде сокращается число лепнины, становятся скромнее размеры - таковы примеры барокко в оформлении замков Во, Монморанси, Шане, Мэзон-Лафитт.

Архитектура Испании, Португалии и Латинской Америки

Наиболее явно направление барокко проявилось в работах испанских братьев Чурригера (17-18 век), их творчество даже получило собственное название - чурригереско.

Фасады и интерьеры изобилуют пышными украшениями и перенасыщены деталями: изломанными фронтонами, волнообразными карнизами, завитками, гирляндами, балюстрадами. Самое известное здание такого барокко - Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела.

Другая часть испанской архитектуры развивалась под влиянием итальянских и французских традиций. Характерный пример - Королевский дворец в Мадриде, построенный по подобию Версаля зодчими из Италии: Филиппо Юварра, Джованни Саккетти, Франческо Сабатини. По-классически строгие фасады сочетаются здесь с великолепным барочным убранством интерьеров.

Португальские дворцы в стиле барокко входят в мировое культурное наследие:

• Фасад дворца Райо (проект Андре Соареша) обильно украшен лепниной, за счет многообразия форм создается эффект динамичности.

• Самый большой в стране королевский дворец Мафра объединяет базилику, грандиозную библиотеку и францисканский монастырь.

• Дворец Матеуш (проект итальянца Николау Насони) имеет статус Национального монумента Португалии, вокруг разбит парк с мраморными скульптурами.

Распространившись в Новый Свет, барочный стиль завоевал сторонников от Аргентины до Мексики. Типичные примеры - соборы в Таско и Мехико, перегруженные декором, с гипертрофированными угловыми башнями.

Русское барокко

В российской империи архитектурный стиль развивался особым путем. Взяв за основу традиции русского зодчества, он обогатился во времена Петра Первого западноевропейскими канонами. Высшая точка пришлась на середину 18 века, когда на Западе уже шел отказ от пышности в пользу строгости классицизма.

Особенности барочного стиля в России:

• Архитектурные планы и объемные композиции отличаются простотой и более четкой структурой.
• Основной материал для фасадной отделки - штукатурка с гипсовыми деталями, а не камень, как на Западе. Поэтому идет больший акцент на орнаментальную лепку и цветовые решения.
• Здания русского барокко выполнены в ярких и контрастных красках (голубых, белых, желтых, красных, синих), покрыты позолотой, сложные кровли изготовлены из белой жести. В комплексе создается праздничный, мажорный характер.

В развитии отечественного зодчества принято выделять несколько исторических этапов.

Московское барокко конца 17 века

Сюда входят направления, названные по фамилиям покровителей.

Характерные черты нарышкинского стиля барокко: симметрия, ярусность, центричность, белые детали на красном фоне. Здесь объединяются техника древнерусского деревянного и каменного строительства с европейской готикой, маньеризмом, ренессансом. В таком виде спроектирована знаменитая многоярусная церковь Покрова Пресвятой Богородицы в Филях.

Голицынское направление использует во внутреннем убранстве только барочный декор. Архитектурное достояние - церковь Знамения Пресвятой Богородицы в Дубровицах.

Строгановские постройки имеют пятиглавый силуэт (традиционный для русского храма). Барочный декор здесь чрезвычайно насыщенный и детализированный. Примером служит Смоленская церковь в Нижнем Новгороде.

Петровское барокко на рубеже 17-18 веков

При Петре I в России работают иностранные архитекторы, которые передают европейский опыт отечественным мастерам. Немец Андреас Шлютер создает Грот в Летнем саду Петербурга. Иоганн Готфрид Шедель, тоже из Германии, руководил строительством дворца Меньшикова на Васильевском острове, в Ораниенбауме, Стрельне, Кронштадте. В проектах присутствует барочная торжественность, а вот стены выполняются плоскостными, без искривленных иллюзий.

Первый русский архитектор, получивший официальное образование, - Михаил Григорьевич Земцов. Работая в стиле русского барокко, он спроектировал и построил Аничков дворец, летние резиденции, парковые павильоны в Санкт-Петербурге, дворец в Ревеле, участвовал в возведении колокольни в комплексе Петропавловской крепости.

Барочная архитектура середины 18 века

В эпоху правления императрицы Елизаветы (1740-1750-е годы) наступает период зрелого барокко, его называют елизаветинским. В это время творят Б.Ф. Растрелли, Д. Ухтомский, С. Чевакинский.

Укрепить престиж императорской и дворянской власти призвано строительство монументальных комплексов: дворцов, соборов, монастырей, загородных резиденций. Дворцовые апартаменты планируются по принципу анфилад, залы внутри украшены золоченой резьбой, лепкой, зеркалами, наборным паркетом. Обстановка исключительно парадная.

Достигший апогея барочный стиль в России этого времени связан с работами Бартоломео Франческо Растрелли. Его авторству принадлежат Царскосельский Екатерининский дворец, Смольный монастырь, Строгановский, Воронцовский и Зимний дворцы.

Архитектурный стиль барокко просуществовал в российском государстве недолго. На исходе 18 века на смену роскошеству и чрезмерности пришла рациональная красота классицизма. Зато созданные за это время дворцовые ансамбли по сей день восхищают масштабом замысла и великолепием убранства. Архитектура Петергофа, Царского села и Санкт-Петербурга - источник вдохновения для современного барокко, реализованного в частных загородных особняках. Здесь по-прежнему ценятся сложные формы и необычайная декоративность.

Современное барокко

Для ярых поклонников стиля, желающих иметь собственный современный барочный дом, мы предлагаем , реализованные в архитектурном бюро .

Чтобы создать иллюзию могущества и богатства. Популярным становится стиль, который может возвысить, вот так в XVI веке на территории Италии возникает барокко.

Происхождение термина

Происхождение слова барокко вызывает больше споров, чем названия всех остальных стилей. Существует несколько версий происхождения. Португальское barroco - жемчужина неправильной формы, не имеющая оси вращения, такие жемчужины были популярны в XVII веке. В итальянском baroco - ложный силлогизм , азиатская форма логики , приём софистики , основанный на метафоре . Как и жемчужины неправильной формы, силлогизмы барокко, ложность которых скрывалась их метафоричностью.

Использование термина со стороны критиков и историков искусства берет начало со 2-й половины XVIII и относится, в первое время, к фигуративному искусству и, последовательно, также к литературе. Вначале Барокко приобрел негативный смысл и только в конце XIX века произошла переоценка барокко, благодаря европейскому культуральному контексту от импрессионизма к символизму , который выделяет связи с эпохой барокко .

Одна из спорных теорий предполагает происхождение всех этих европейских слов от латинского bis-roca , скрученный камень. Другая теория - от латинского verruca , крутое высокое место, дефект в драгоценном камне .

В разных контекстах слово барокко могло означать «вычурность», «неестественность», «неискренность», «элитность», «деформированность», «преувеличенную эмоциональность». Все эти оттенки слова барокко в большинстве случаев не воспринимались как негативные.

Наконец, еще одна теория предполагает, что это слово во всех упомянутых языках является пародийным с точки зрения лингвистики , и его словообразование может объясняться его значением: необычностью, неестественностью, неоднозначностью и обманчивостью.

Неоднозначность стиля барокко объясняется его происхождением. Как считают некоторые исследователи , он был заимствован из архитектуры турок-сельджуков .

Черты барокко

Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли , опера , культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо , соната , сюита в инструментальной музыке).

Мировоззренческие основы стиля сложились как результат потрясения, каким для XVI века стали Реформация и учение Коперника . Изменилось утвердившееся в античности представления о мире как о разумном и постоянном единстве, а также ренессансное представление о человеке как о разумнейшем существе. По выражению Паскаля , человек стал сознавать себя «чем-то средним между всем и ничем», «тем, кто улавливает лишь видимость явлений, но не способен понять ни их начала, ни их конца».

Эпоха барокко

Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств - променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров - «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры ; вместо мистерий - театр и бал-маскарад . Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.

Эпоха барокко отвергает традиции и авторитеты как суеверия и предрассудки. Истинно все то, что «ясно и отчётливо» мыслится или имеет математическое выражение, заявляет философ Декарт. Поэтому барокко - это ещё век Разума и Просвещения. Не случайно слово «барокко» иногда возводят к обозначению одного из видов умозаключений в средневековой логике - к baroco . В Версальском дворце появляется первый европейский парк, где идея леса выражена предельно математически: липовые аллеи и каналы словно вычерчены по линейке, а деревья подстрижены на манер стереометрических фигур. В армиях эпохи барокко, впервые получивших униформу, большое внимание уделяется «муштре » - геометрической правильности построений на плацу.

Человек эпохи барокко

Барочный человек отвергает естественность, которая отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, самодурством, зверством и невежеством - всем тем, что в эпоху романтизма станет добродетелью. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса . Она на каблуках.

А идеалом мужчины в эпоху барокко становится джентльмен - от англ. gentle : «мягкий», «нежный», «спокойный». Изначально он предпочитал брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета . В эпоху барокко естественность - это синоним зверства, дикости, вульгарности и сумасбродства. Для философа Гоббса естественное состояние (англ. state of nature ) - это состояние, которое характеризуется анархией и войной всех против всех.

Барокко характеризует идея облагораживания естества на началах разума. Нужду не терпеть, но «благообразно в приятных и учтивых словах предлагать» (Юности честное зерцало , 1717). Согласно философу Спинозе , влечения уже составляют не содержание греха , но «саму сущность человека». Поэтому аппетит оформляется в изысканном столовом этикете (именно в эпоху барокко появляются вилки и салфетки); интерес к противоположному полу - в учтивом флирте , ссоры - в утончённой дуэли .

Для барокко характерна идея спящего Бога - деизм . Бог мыслится не как Спаситель, но как Великий Архитектор, который создал мир подобно тому, как часовщик создаёт механизм. Отсюда такая характеристика барочного мировоззрения как механицизм . Закон сохранения энергии, абсолютность пространства и времени гарантированы словом Бога. Однако, сотворив мир, Бог почил от своих трудов и никак не вмешивается в дела Вселенной. Такому Богу бесполезно молиться - у Него можно только учиться. Поэтому подлинными хранителями Просвещения являются не пророки и священники, а учёные-естествоиспытатели. Исаак Ньютон открывает закон всемирного тяготения и пишет фундаментальный труд «Математические начала натуральной философии» (), а Карл Линней систематизирует биологию «Система природы » (). Повсюду в европейских столицах учреждаются Академии Наук и научные общества.

Многообразие восприятия повышает уровень сознания - примерно так говорит философ Лейбниц . Галилей впервые направляет телескоп к звёздам и доказывает вращение Земли вокруг Солнца (), а Левенгук под микроскопом обнаруживает крошечные живые организмы (). Огромные парусники бороздят просторы мирового океана, стирая белые пятна на географических картах мира. Литературными символами эпохи становятся путешественники и искатели приключений: судовой врач Гулливер и барон Мюнхгаузен .

Барокко в живописи

Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо .

Микеланджело Меризи (1571-1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо , считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи . Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом , такие как Аннибале Карраччи (1560-1609) или Гвидо Рени (1575-1642), переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.

Барокко в архитектуре

В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556-1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение - фасад римской церкви Санта-Сусанна ( г.). Основной фигурой в развитии барочной скульптуры был Лоренцо Бернини , чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения. Значительный вклад оставили Д.Фонтана, Р.Райнальди, Г.Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона. На Сицилии после крупного землетрясения 1693 года появился новый стиль позднего барокко - сицилийское барокко .

В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы - И. Г. Бюринг, Х. Л. Мантер) и Летний дворец там же (Г. В. фон Кнобельсдорф).

Барокко в скульптуре

Трир. Барочный сфинкс у дворца курфюрста

Папа Иннокентий XII. Собор святого Петра в Риме

Барочные гномы в Хофгартене Аугсбурга

Скульптура - неотъемлемая часть стиля барокко. Величайшим скульптором и признанным архитектором 17 века был итальянец Лоренцо Бернини (1598-1680). Среди самых известных его скульптур – мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа «Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей. Последняя из них со своими вырубленными из мрамора облаками и словно развевающимся на ветру одеянием персонажей, с театрально преувеличенными чувствами, очень точно выражает устремления скульпторов этой эпохи.

В Испании в эпоху стиля барокко преобладали деревянные скульптуры, для большого правдоподобия их делали со стеклянными глазами и даже хрустальной слезой, на статую часто надевали настоящие одежды.

Барокко в литературе

Писатели и поэты в эпоху барокко воспринимали реальный мир как иллюзию и сон. Реалистические описания часто сочетались с их аллегорическим изображением. Широко используются символы, метафоры , театральные приёмы, графические изображения (строки стихов образуют рисунок), насыщенность риторическими фигурами, антитезами , параллелизмами , градациями , оксюморонами . Бытует бурлескно -сатирическое отношение к действительности. Для литературы барокко характерны стремление к разнообразию, к суммированию знаний о мире, всеохватность, энциклопедизм, который иногда оборачивается хаотичностью и коллекционированием курьёзов, стремление к исследованию бытия в его контрастах (дух и плоть, мрак и свет, время и вечность). Этика барокко отмечена тягой к символике ночи, теме бренности и непостоянства, жизни-сновидения (Ф. де Кеведо , П. Кальдерон). Известна пьеса Кальдерона «Жизнь есть сон». Развиваются и такие жанры, как галантно-героический роман (Ж. де Скюдери , М. де Скюдери), реально-бытовой и сатирический роман (Фюретьер , Ш. Сорель , П. Скаррон). В рамках стиля барокко рождаются его разновидности, направления: маринизм , гонгоризм (культеранизм), консептизм (Италия, Испания), метафизическая школа и эвфуизм (Англия)(См. Прециозная литература).

Действия романов часто переносятся в вымышленный мир античности, в Грецию, придворные кавалеры и дамы изображаются в виде пастушков и пастушек, что получило название пасторали (Оноре д’Юрфе , «Астрея»). В поэзии процветают вычурность, использование сложных метафор. Распространены такие формы, как сонет , рондо , кончетти (небольшое стихотворение, выражающее какую-нибудь остроумную мысль), мадригалы .

На западе в области романа выдающийся представитель - Г. Гриммельсгаузен (роман «Симплициссимус»), в области драмы - П. Кальдерон (Испания). В поэзии прославились В. Вуатюр (Франция), Д. Марино (Италия), дон Луис де Гонгора-и-Арготе (Испания), Д. Донн (Англия). В России к литературе барокко относятся С. Полоцкий , Ф. Прокопович . Во Франции в этот период процветала «прециозная литература». Культивировали её тогда, главным образом, в салоне мадам де Рамбуйе , одном из аристократических салонов Парижа, наиболее модном и знаменитом. В Испании барочное направление в литературе получило название «гонгоризма » по имени виднейшего представителя (см. выше).

В Германской литературе традиции стиля барокко поддерживаются до сих пор членами литературного сообщества Блюменорден . Они собираются летом на литературные праздники в роще "Иррхайн " под Нюрнбергом .Общество организовал в году поэт Филипп Харсдёрфер с целью восстановить и поддержать немецкий язык, сильно испорченный в годы Тридцатилетней войны

Музыка барокко

Музыка Барокко появилась в конце эпохи ренессанса и предшествовала музыке эпохи классицизма .

Барочная мода

Сперва, когда он был еще ребенком (он был коронован в возрасте 5 лет), в моду вошли короткие курточки, называемые брасьер , богато украшенные кружевами . Тогда же в моду вошли штаны, ренгравы , похожие на юбку, широкие, также обильно украшенные кружевами, которые продержались долго. Позже появился жюстокор (с французского это можно перевести: «точно по корпусу»). Это - тип кафтана, длиной до колен, в эту эпоху его носили застегнутым, поверх него носили пояс. Под кафтан надевали камзол , без рукавов. Кафтан и камзол можно сопоставить с более поздними пиджаком и жилетом, в которые они превратятся через 200 лет. Воротник у жюстокора сначала был отложной, с полукруглыми вытянутыми вниз концами. Позже его сменило жабо . Кроме кружев, на одежде было много бантов, на плечах, на рукавах и штанах - целые серии бантов. В предыдущую эпоху, при Людовике XIII , были популярны сапоги (ботфорты ). Это - полевой вид обуви, их носило обычно военное сословие. Но в то время были часты войны, и в сапогах ходили повсюду, даже на балах. Их продолжали носить и при Людовике XIV, но только уже по прямому их предназначению, - в поле, в военных походах. В гражданской обстановке на первое место вышли туфли . До 1670 года они украшались пряжками , затем пряжки были вытеснены бантами. Сложно украшенные пряжки называли аграф .

Барокко в интерьере

Для стиля барокко характерна показная роскошь, хотя он сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.

Роспись была популярна всегда, а в стиле барокко она стала просто необходимой, поскольку интерьеры требовали много цвета и крупных, богато украшенных деталей. Потолок, украшенный фресками , стены из расписанного мрамора и позолота были как никогда популярны. В интерьере часто использовались контрастные цвета: нередко можно было встретить мраморный пол, напоминающий шахматную доску. Золото было везде, и все, что можно было покрыть позолотой, было позолочено. Ни один уголок дома не оставляли без внимания при декорировании.

Мебель была настоящим предметом искусства, и, казалось, предназначалась лишь для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато окрашенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами и гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовали южный орех и цейлонское черное дерево.

Стиль барокко не подойдет для небольших помещений, поскольку массивная мебель и украшения занимают много места, и для того, чтобы комната не смотрелась как музей, должно быть много свободного пространства. Но даже в небольшой комнате можно воссоздать дух этого стиля, ограничившись стилизацией, используя некоторые детали барокко, такие как:

• статуэтки и вазы с растительным орнаментом;
• гобелены на стенах;
• зеркало в золоченой раме с лепниной;
• стулья с резными спинками и т.д.

Важно, чтобы используемые детали сочетались между собой, иначе интерьер будет выглядеть аляповато и безвкусно.

Барокко (итал. barocco - «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca - «жемчужина неправильной формы» - характеристика европейской культуры XVII-XVIII веков.

Эпоха барокко

Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств - променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров - «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий - театр и бал-маскарад. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.

Черты барокко

Барокко свойственны контрастность, напряжённость, динамичность образов, аффектация, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств (городские и дворцово-парковые ансамбли, опера, культовая музыка, оратория); одновременно - тенденция к автономии отдельных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке).

Человек эпохи барокко

Барочный человек отвергает естественность, которая отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, самодурством, зверством и невежеством. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса. Она на каблуках.

А идеалом мужчины в эпоху барокко становится кавалер, джентльмен - от англ. gentle: «мягкий», «нежный», «спокойный». Он предпочитает брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета.

Галилей впервые направляет телескоп к звёздам и доказывает вращение Земли вокруг Солнца (1611), а Левенгук под микроскопом обнаруживает крошечные живые организмы (1675). Огромные парусники бороздят просторы мирового океана, стирая белые пятна на географических картах мира. Литературными символами эпохи становятся путешественники и искатели приключений.

Барокко в скульптуре

Скульптура — неотъемлемая часть стиля барокко. Величайшим скульптором и признанным архитектором 17 века был итальянец Лоренцо Бернини (1598-1680). Среди самых известных его скульптур - мифологические сцены похищения Прозерпины богом подземного царства Плутоном и чудесного превращения в дерево нимфы Дафны, преследуемой богом света Аполлоном, а также алтарная группа«Экстаз святой Терезы» в одной из римских церквей. Последняя из них со своими вырубленными из мрамора облаками и словно развевающимся на ветру одеянием персонажей, с театрально преувеличенными чувствами, очень точно выражает устремления скульпторов этой эпохи.

В Испании в эпоху стиля барокко преобладали деревянные скульптуры, для большого правдоподобия их делали со стеклянными глазами и даже хрустальной слезой, на статую часто надевали настоящие одежды.

Барокко в архитектуре

Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелл и в России, Ян Кристоф Глаубиц в Речи Посполитой) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко - теламон (атлант), кариатида, маскарон.

Барокко в интерьере

Для стиля барокко характерна показная роскошь, хотя он сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.

Настенная роспись (один из видов монументальной живописи) использовалась в украшении европейских интерьеров с ранне-христианских времён. В эпоху барокко она получила наибольшее распространение. В интерьерах использовалось много цвета и крупных, богато украшенных деталей: потолок, украшенный фресками, мраморные стены и части декора, позолота. Характерны были цветовые контрасты - например, мраморный пол, оформленный плитками в шахматном порядке. Обильные позолоченные украшения были характерной чертой данного стиля.

Мебель была предметом искусства, и предназначалась практически только для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато окрашенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево.

Стиль барокко не подходит для небольших помещений, так как массивная мебель и украшения занимают большой объём в пространстве.

Барочная мода

Мода эпохи барокко соответствует во Франции периоду правления Людовика XIV, второй половине XVII века. Это время абсолютизма. При дворе царили строгий этикет, сложный церемониал. Костюм был подчинен этикету. Франция была законодателем моды в Европе, поэтому в других странах быстро переняли французскую моду. Это был век, когда в Европе установилась общая мода, а национальные особенности отошли на задний план или сохранились в народном крестьянском костюме. До Петра I европейские костюмы носили также и в России некоторые аристократы, хотя не повсеместно.

Костюму были характерны чопорность, пышность, изобилие украшений. Идеалом мужчины был Людовик XIV, «король-солнце», искусный наездник, танцор, стрелок. Он был низок ростом, поэтому носил высокие каблуки.

Барокко в живописи

Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко - броская цветистость и динамичность; яркий пример - творчество Рубенса и Караваджо .

Микеланджело Меризи (1571-1610), которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо , считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI в. новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, такие как Аннибале Карраччи (1560-1609) или Гвидо Рени (1575-1642), переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.