Японская классическая живопись имеет долгую и интересную историю. Изобразительное искусство Японии представлено в разных стилях и жанрах, каждый из которых по-своему уникален. Древние расписные фигурки и геометрические мотивы, обнаруженные на бронзовых колоколах дотаку и осколках гончарных изделий, датируются 300 г. н.э.
Буддийская направленность искусства
В Японии было достаточно хорошо развито искусство настенной живописи, в 6 веке особенно популярны были изображения на тему философии буддизма. В то время в стране строились крупные храмы, и их стены повсеместно украшали фрески, написанные по сюжетам буддистских мифов и легенд. До сих пор сохранились древние образцы настенной живописи в храме Хорюдзи неподалеку от японского города Нара. На фресках Хорюдзи изображены сцены из жизни Будды и других богов. Художественный стиль этих фресок весьма близок к изобразительной концепции, популярной в Китае времен династии Сун.
Живописный стиль династии Тан приобрел особую популярность в середине периода Нара. К этому периоду относятся фрески, обнаруженные в гробнице Такамацузука, возраст которых относят примерно к 7 веку н.э. Художественная техника, сформировавшаяся под влиянием династии Тан, впоследствии легла в основу живописного жанра кара-э. Этот жанр сохранял свою популярность вплоть до появления первых работ в стиле ямато-э. Большинство фресок и живописных шедевров принадлежат кисти неизвестных авторов, сегодня многие из работ того периода хранятся в сокровищнице Сесоин.
Растущее влияние новых буддистских школ таких, например, как Тендай, повлияло на широкую религиозную направленность изобразительного искусства Японии в 8 и 9 веках. В 10 веке, на который пришелся особый прогресс японского буддизма, появился жанр райгодзу, «привественных картин», на которых изображался приход Будды в Западный Рай. Ранние примеры райгодзу, датируемые 1053 годом можно увидеть в храме Бедо-ин, который сохранился в городе Удзи, префектура Киото.
Смена стилей
В середине периода Хейан на смену китайскому стилю кара-э приходит жанр ямато-э, который надолго становится одним из самых популярных и востребованных жанров японской живописи. Новый живописный стиль в основном применялся в росписи раскладных ширм и скользящих дверей. Со временем ямато-э перебрался и на горизонтальные свитки эмакимоно. Художники, работавшие в жанре эмаки старались передать в своих работах всю эмоциональность выбранного сюжета. Свиток Гендзи-моногатари состоял из нескольких эпизодов, соединенных вместе, художники того времени использовали быстрые мазки и яркие, выразительные цвета.
Э-маки – один из древнейших и наиболее выдающихся примеров отоко-э, жанра изображения мужских портретов. Женские портреты выделены в отдельный жанр онна-э. Между этими жанрами, собственно так же, как и между мужчинами и женщинами, просматриваются довольно существенные различия. Стиль онна-э красочно представлен в оформлении Повести о Гендзи, где основными темам рисунков вступают романтические сюжеты, сцены из придворной жизни. Мужской стиль отоко-э – это преимущественно художественное изображение исторических сражений и других важных событий в жизни империи.
Классическая японская художественная школа стала плодородной почвой для развития и продвижения идей современного искусства Японии, в котором достаточно четко прослеживается влияние поп-культуры и аниме. Одним из самых известных японских художников современности можно назвать Такаши Мураками, чье творчество посвящено изображению сцен из японской жизни послевоенного периода и концепции максимального слияния изящного искусства и мэйнстрима.
Из известных японских художников классической школы можно назвать следующих.
Тенсе Сюбун
Сюбун творил в начале 15 столетия, посвятив немало времени изучению работ китайских мастеров эпохи династии Сун, этот человек стоял у истоков японского изобразительного жанра. Сюбун считается основателем стиля суми-э, монохромной живописи тушью. Он приложил немало усилий для популяризации нового жанра, превратив его в одно из ведущих направлений японской живописи. Учениками Сюбуна были многие ставшие впоследствии известными художники, в том числе Сэссю и основатель известной художественной школы Кано Масанобу. Авторству Сюбуна приписывались многие пейзажи, однако наиболее известной его работой традиционно считается «Читая в бамбуковой роще».
Огата Корин (1658-1716)
Огата Корин является одним из крупнейших художников в истории японской живописи, основателем и одним из ярчайших представителей художественного стиля римпа. Корин в своих работах смело уходил от традиционных стереотипов, сформировав свой собственный стиль, основными характеристиками которого стали небольшие формы и яркий импрессионизм сюжета. Корин известен своим особым мастерством в изображении природы и работе с абстрактными цветными композициями. «Цветение сливы красным и белым» - одна из самых известных работ Огата Корина, также известны его картины «Хризантемы», «Волны Мацусимы» и ряд других.
Хасэгава Тохаку (1539-1610)
Тохаку является основателем японской художественной школы Хасэгава. Для раннего периода творчества Тохаку характерно влияние известной школы японской живописи 
Кано, но со временем художник сформировал свой собственный уникальный стиль. Во многом на творчество Тохаку повлияли работы признанного мастера Сэссю, Хосэгава даже считал себя пятым приемником этого великого мастера. Картина Хасэгавы Тохаку «Сосны» получила мировую известность, также известны его работы «Клен», «Сосны и цветущие растения» и другие.
Кано Эйтоку (1543-1590)
Стиль школы Кано доминировал в изобразительном искусстве Японии около четырех столетий, и Кано Эйтоку, пожалуй, один из самых известных и ярких представителей этой художественной школы. Эйтоку был обласкан властью, покровительство аристократов и состоятельных патронов не могло не поспособствовать укреплению его школы и популярности работ этого, без сомнения, очень талантливого художника. Раздвижная восьмипанельная ширма «Кипарис», расписанная Эйтоку Кано, - это настоящий шедевр и яркий пример размаха и мощи стиля Монояма. Не менее интересно выглядят и другие работы мастера, такие как «Птицы и деревья четырех времен года», «Китайские львы», «Отшельники и фея» и многие другие.
Кацусика Хокусаи (1760-1849)
Хокусаи – величайший мастер жанра укие-э (японской ксилографии). Творчество Хокусаи получило мировое признание, его известность в других странах не сравнима с популярностью большинства азиатских художников, его работа «Большая волна в Канагаве» стала чем-то вроде визитной карточки японского изобразительного искусства на мировой художественной арене. На своем творческом пути Хокусаи использовал более тридцати псевдонимов, после шестидесяти художник полностью посвятил себя искусству и именно это время считается наиболее плодотворным периодом его творчества. Работы Хокусаи повлияли на творчество западных мастеров импрессионизма и постимпрессионистского периода, в том числе и на творчество Ренуара, Моне и ван Гога.
Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!
Художники Японии отличаются неповторимым стилем, отточенный целыми поколениями мастеров. Сегодня мы расскажем о самых ярких представителях японской живописи и их картинах, начиная с древних времен и заканчивая современностью.
Что же, давайте окунемся в искусство Страны восходящего солнца.
Зарождение искусства
Древнее искусство живописи Японии в первую очередь связано с особенностями письма и потому строится на основах каллиграфии. К первым образцам относятся фрагменты найденных при раскопках колокольчиков из бронзы, посуды, предметов обихода. Многие из них были расписаны натуральными красками, а исследования дают повод полагать, что изготовлены изделия были ранее, чем в 300 году до нашей эры.
Новый виток развития искусства начался с приходом в Японию. На эмакимоно – особые свитки из бумаги – наносились изображения божеств пантеона буддизма, сюжеты из жизни Учителя, его последователей.
Преобладание религиозных тем в живописи прослеживается в средневековой Японии, а именно – с X по XV столетия. Имена художников той эпохи до наших дней, увы, не сохранились.
В период 15-18 веков начинается новое время, характеризующееся появлением художников с выработанным индивидуальным стилем. Они обозначили вектор дальнейшего развития изобразительного искусства.
Яркие представители прошлого
Тенсе Сюбун (начало 15 века)
Для того, чтобы стать выдающимся мастером, Сюбун изучал технику письма сунских художников Китая и их работы. Впоследствии он стал одним из основоположников живописи в Японии и создателем суми-э.
Суми-э – художественный стиль, который базируется на рисовании тушью, а значит, одном цвете.
Сюбун сделал многое, чтобы новый стиль прижился в художественных кругах.Он обучал художеству других дарований, в числе которых оказались будущие известные живописцы, например Сэссю.
Самая популярная картина Сюбуна называется «Читая в бамбуковой роще».
«Читая в бамбуковой роще», Тенсе Сюбун
Хасэгава Тохаку (1539—1610)
Он стал создателем школы, названной в честь его самого – Хасэгава. Поначалу он старался следовать канонам школы Кано, но постепенно в работах стал прослеживаться его индивидуальный «почерк». Тохаку ориентировался на графику Сэссю.
Основу работ составляли простые, лаконичные, но реалистичные пейзажи с незамысловатыми названиями:
- «Сосны»;
- «Клен»;
- «Сосны и цветущие растения».
«Сосны», Хасэгава Тохаку
Братья Огата Корин (1658—1716) и Огата Кэндзан (1663—1743)
Братья были прекрасными мастерами 18 века. Старший – Огата Корин – полностью посвятил себя живописи и основал жанр римпа. Он избегал стереотипных изображений, отдавая предпочтение импрессионистскому жанру.
Огата Корин писал природу в целом и цветы в виде яркости абстракций в частности. Его кисти принадлежат картины:
- «Цветение сливы красным и белым»;
- «Волны Мацусимы»;
- «Хризантемы».
«Волны Мацусимы» Огата Корин
Младший брат – Огата Кэндзан – имел множество псевдонимов. Он хоть занимался живописью, но знаменит был больше как замечательный керамист.
Огата Кэндзан владел многими техниками создания керамики. Его отличал нестандартный подход, к примеру, он создавал тарелки в виде квадрата.
Собственная роспись не отличалась пышностью – в этом тоже была его особенность. Он любил наносить на изделия каллиграфию наподобие свиточной или отрывки из стихов. Иногда они работали вместе с братом.
Кацусика Хокусай (1760—1849)
Творил в стиле укиё-э – своеобразной ксилографии, иными словами, гравюрной живописи. За все время творчества сменил порядка 30 имен. Известнейшая работа – «Большая волна в Канагаве», благодаря которой стал знаменит за пределами родины.
«Большая волна в Канагаве», Хокусай Кацусика
Особенно усердно Хокусай стал работать после 60 лет, что принесло хорошие плоды. С его творчеством были знакомы Ван Гог, Моне, Ренуар, и в известной степени оно оказало влияние на работы европейских мастеров.
Андо Хиросиге (1791—1858)
Один из величайших художников 19 века. Родился, жил, творил в Эдо, продолжил дело Хокусая, вдохновлялся его работами. То, как он изображал природу, поражает почти так же, как количество самих работ.
Эдо – бывшее название Токио.
Вот некоторые цифры о его творчестве, которые представлены циклом картин:
- 5,5 тысяч – количество всех гравюр;
- «100 видов Эдо;
- «36 видов Фудзи»;
- «69 станций Кисокайдо»;
- «53 станции Токайдо».
Живопись Андо Хиросигэ
Интересно, что выдающийся Ван Гог написал пару копий его гравюр.
Современность
Такаси Мураками
Художник, скульптор, дизайнер одежды, он заработал имя уже в конце 20 века. В творчестве придерживается модных тенденций с элементами классики, а вдохновение черпает из мультфильмов аниме и манга.
Живопись Такаси Мураками
Работы Такаси Мураками причисляют к субкультуре, но при этом они пользуются невероятной популярностью. К примеру, в 2008 году одну из его работ купили с аукциона больше чем за 15 миллионов долларов. В свое время современный творец работал совместно с модными домами «Marc Jacobs» и «Louis Vuitton».
Тихо Асима
Соратница предыдущего художника, она создает современные сюрреалистичные картины. На них изображены виды городов, улицы мегаполисов и существа будто из другой вселенной — привидения, злые духи, инопланетные девушки. На заднем плане картин зачастую можно заметить первозданную, иногда даже пугающую природу.
Ее картины достигают больших размеров и редко ограничиваются бумажными носителями. Их переносят на кожаные, пластиковые материалы.
В 2006 году в рамках выставки в британской столице женщина создала порядка 20 арочных сооружений, которые отражали красоту природы села и города, дня и ночи. Одно из них украшало станцию метро.
Эй Аракава
Молодого человека нельзя назвать просто художником в классическом понимании слова – он создает инсталляции, такие популярные в искусстве 21 века. Темы его выставок поистине японские и затрагивают дружественные отношения, а также труд всем коллективом.
Эй Аракава часто участвует в различных биеннале, например, в Венеции, выставляется в музее современного искусства на родине, заслуженно получает разного рода награды.
Икенага Ясунари
Живописцу современности Икенага Ясунари удалось совместить две, казалось бы, несовместимые вещи: жизнь нынешних девушек в портретном виде и традиционные техники Японии родом из древности. В работе живописец использует специальные кисточки, натуральные пигментированные краски, чернила, уголь. Вместо привычного полотна – ткань из льна.
Живопись Икенага Ясунари
Подобная техника контраста изображаемой эпохи и внешнего вида героинь создает впечатление, что они вернулись к нам из прошлого.
Популярная в последнее время в интернет-сообществе серия картин про сложности жизни крокодила тоже создана японцем – художником-карикатуристом Кейго.
Заключение
Итак, японская живопись зародилась приблизительно в 3 веке до нашей эры, и с тех пор сильно изменилось. Первые изображения наносились на керамику, затем в художествах стали преобладать буддийские мотивы, но имена авторов не сохранились до наших дней.
В эпоху Нового времени мастера кисти приобретали все большую индивидуальность, создавали разные направления, школы. Сегодняшнее изобразительное искусство не ограничивается традиционной живописью – в ход идут инсталляции, карикатуры, художественные скульптуры,особые сооружения.
Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, вам оказалась полезной наша статья, а рассказы о жизни и творчестве ярчайших представителей арт-искусства позволили познакомиться с ними поближе.
Конечно, сложно в одной статье рассказать про всех художников с древности до современности. Поэтому пусть это будет первый шаг на пути к познанию японской живописи.
И присоединяйтесь к нам — подписывайтесь на блог — будем изучать буддизм и культуру востока вместе!
Имеет очень богатую историю; её традиция обширна, при этом уникальное положение Японии в мире в значительной степени повлияло на доминирующие стили и техники японских художников. Известный факт, что Япония была весьма изолирована в течение многих столетий, обусловлен не только географией, но также и доминирующей японской культурной склонностью к изоляции, которая обозначила историю страны. В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от тех, что были в остальном мире. И это даже заметно в практике японской живописи. Например, картины Нихонга являются одними из основных произведений практики японской живописи. Она основана на более чем тысячелетней традиции, а картины обычно создаются кистями на ваши (японская бумага) или егину (шёлк).
Тем не менее, японское искусство и живопись находились под влиянием иностранных художественных практик. Сначала, это было китайское искусство в XVI веке и китайская живопись и китайская традиция искусства, которая была особенно влиятельной в нескольких аспектах. По состоянию на XVII век японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, который длился с 1868 по 1945 год, на японскую живопись повлиял импрессионизм и европейский романтизм. В то же время на новые европейские художественные движения также значительно влияли японские художественные техники. В истории искусства это влияние называют «японизмом», и оно особенно существенно для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модернизмом.
Длинная история японской живописи может рассматриваться как синтез нескольких традиций, которые создают части признанной японской эстетики. Прежде всего, буддистское искусство и методы живописи, так же как и религиозная живопись, оставили существенный след на эстетике японских картин; водно-тушевая живопись пейзажей в традиции китайской литературной живописи - другой важный элемент, признанный во многих знаменитых японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов - это то, что обычно связано с японскими композициями, как и пейзажи и сцены из повседневной жизни. Наконец, большое влияние на японскую живопись имели древние представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Ваби, что означает кратковременную и суровую красоту, саби (красота натуральной патины и старения) и югэн (глубокая грация и тонкость) по-прежнему влияют на идеалы в практике японской живописи.
Наконец, если мы концентрируем внимание на выборе десять самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э, который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре. Он доминировал в японском искусстве с XVII - XIX век, при этом художники, принадлежащие к этому жанру создавали ксилографии и картины с такими предметами как красивые девушки, актёры Кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествии и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.
Всегда сложно составлять список лучших картин из художественных традиций. Многие удивительные произведения будут исключены; однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире. В этой статье будут представлены только картины, созданные с XIX века по сегодняшний день.
Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японские художники разработали большое количество уникальных техник и стилей, которые являются самым ценным вкладом Японии в мир искусства. Одна из этих техник - суми-э. Суми-э буквально означает «чернильный рисунок», сочетающий в себе каллиграфию и рисование чернилами для создания редкой красоты композиций, нарисованных кистями. Эта красота парадоксальна - древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но подчиненная, несомненно, отражающая духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники завезли твёрдочернильный брикет и бамбуковую кисть в Японию из Китая в шестом веке, а за последние 14 столетий Япония разработала богатое наследие тушевой живописи.
Scroll down and see 10 Japanese Painting Masterpieces
1. Кацусика Хокусай «Сон жены рыбака»
Одна из самых узнаваемых японских картин - «Сон жены рыбака». Она была написана в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, эту удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как живопись, так как оно является ксилографией жанра укиё-э из книги «Молодые сосны» (Kinoe no Komatsu), которая представляет собой трёхтомную книгу сюнга. В композиции изображена молодая ныряльщица ама, обвитая сексуально парой осьминогов. Этот образ был весьма влиятельным в XIX и XX веках. Работа повлияла на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луис Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо .
2. Тессай Томиока «Абэ-но Накамаро пишет ностальгическую поэму, наблюдая за луной»
Тессай Томиока - псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником в традиции бунцзинга и одним из первых крупных художников стиля Нихонга. Бунцзинга была школой японской живописи, которая процветала в эпоху позднего Эдо среди художников, которые считали себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих художников, включая Тессайя, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.
3. Фудзисима Такэдзи «Восход солнца над Восточным морем»
Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным за труд по развитию романтизма и импрессионизма в художественном движении йога (западный стиль) в конце XIX - начале XX века. В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности, импрессионизм, что можно увидеть в его картине «Восход солнца над Восточным морем», который была написана в 1932 году.
4. Китагава Утамаро «Десять типов женских лиц, коллекция властвующих красавиц»
Китагава Утамаро был выдающимся японским художником, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен серией под названием «Десять типов женских лиц. Коллекция властвующих красавиц, темы большой любви классической поэзии» (иногда называемая «Женщины в любви», содержащая отдельные гравюры «Обнажённая любовь» и «Задумчивая любовь»). Он является одним из наиболее значительных художников, принадлежащих к жанру ксилографии укиё-э.
5. Каванабэ Кёсай «Тигр»
Каванабэ Кёсай был одним из самых известных японских художников периода Эдо. Его искусство находилось под влиянием творчества Тохаку, художник школы Кано XVI века, который был единственным художником своего времени, рисовавший ширмы полностью тушью на нежном фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай известен как карикатурист, он написал некоторые из самых известных картин в японской истории искусства XIX века. «Тигр» - одна из тех картин, для создания которой Кёсай использовал акварель и чернила.
6. Хироси Ёсида «Фудзи со стороны озера Кавагути»
Хироси Ёсида известен как один из самых крупных фигур стиля син-ханга (син-ханга - это художественное движение в Японии в начале XX века, в периоды Тайсё и Сёва, которое возродило традиционное искусство укиё-э, пустившее свои корни в период Эдо и Мэйдзи (XVII - XIX вв)). Он обучался традиции западной живописи маслом, которая была заимствована в Японии в период Мэйдзи.
7. Такаси Мураками «727»
Такаши Мураками, вероятно, самый популярный японский художник современности. Его работы продаются за астрономические цены на крупных аукционах, а творчество уже вдохновляет новые поколения художников не только в Японии, но и за её пределами. Искусство Мураками включает в себя целый ряд сред и обычно описывается как суперплоскость. Его творчество известно использованием цвета, включением мотивов из японской традиционной и популярной культуры. Содержание его картин часто описывается как «милое», «психоделическое» или «сатирическое».
8. Яёи Кусама «Тыква»
Яой Кусама также является одной из самых известных японских художниц. Она творит в различных техниках, включая живопись, коллаж, скэт-скульптуру, перфоманс, энвайронментальное искусство и инсталляцию, большинство из которых демонстрируют её тематический интерес к психоделическим цветам, повторению и узору. Одной из самых известных серий этой великой художницы является серия «Тыква». Покрытая узором горошек обычная тыква ярко-жёлтого цвета представлена на фоне сети. В совокупности все такие элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художницы, и был развит и усовершенствован на протяжении десятилетий кропотливого изготовления и воспроизведения.
9. Тэммёя Хисаси «Японский дух №14»
Тэммёя Хисаси - современный японский художник, который известен своими картинами в стиле нео-нихонга. Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой полную противоположность современной японской живописи. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. «Японский дух № 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу.
10. Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»
Наконец, «Большая волна в Канагаве», вероятно, самая узнаваемая японская картина, когда-либо написанная. Это на самом деле самое известное произведение искусства, созданное в Японии. На ней изображены огромные волны, угрожающие лодкам у берегов префектуры Канагава. Несмотря на то, что иногда принимаемая за цунами, волна, как предполагает название картины, скорее всего, просто имеет аномально большую высоту. Картина выполнена в традиции укиё-э.
От: ,
Японская живопись - это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.
Внимательность к традициям
Восток - это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю японские художники. Современные именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.
Манера исполнения картин
В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская деревья, скалы, животные и птицы - всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность - именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.
Контрасты в живописи
Контраст - ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.
Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).
Переходы и цветовые решения
Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.
Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.
Основные мотивы японской живописи
В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.
Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов - излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку - так выглядит обычная картина 17-18 века.
Животные в японской живописи
Животные - тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.
Мир фауны - ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы - журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи - все они встречаются в рисунках восточных мастеров.
Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои - японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои - своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.
Японские картины: изображение людей
Люди в японской живописи - особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.
Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.
Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного - символ истории, культуры и философии Азии.
Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные были детально прорисованы и похожи на проволоку.
Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это - символ силы и военной мощи Японии.
Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин - то, чем изобилуют такие произведения искусства.
Пейзажи
Традиционный японский пейзаж - горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным - обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки - картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины - ещё одно замечательное качество японской культуры.
Иероглифы
Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.
Япония - одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета - то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.
Хариё Марита родилась в 1945 году в префектуре Сайтама.
С раннего детства она изучала японский классический рисунок, у Мастера Husuki. Также он познакомил Хариё Марита с живописными композициями, которые сделали японские образы настолько популярными в Японии и на Западе.
В 1960 году ее работы, были признанными лучшими на конкурсе организованном в префектуре.
После обучения ученицей Хариё работала около 10 лет дизайнером кимоно и, в результате, выработала свой собственный стиль, в котором удалось соединить классическое японское искусство и собственное представление о современной японской живописи. Наряду с кимоно в дизайн Хариё Мариты входила и разработка канзаши. В соответствии с исторической японской традицией, комбинация элементов канзаши обязана была отображать перемену времен года и видоизменяться от месяца к месяцу.
В 1977 году художница переехала в Лондон, провела персональные выставки своих работ в Лондоне, Нью-Йорке, Гонолулу, Лос-Анджелесе, Саудовской Аравии, Токио. Любителям живописи очень понравились ее работы.
В дальнейшем Хариё Марита переехала в Австралию, там ей очень понравился климат, который по словам художницы идеально подходят для ее работы.
На своих картинах Хариё Марита изображает гейш, юдзё и знатных дам эпохи Хэйан (794 - 1185 годы).
Знатные дамы эпохи Хэйан
Демонстрировать себя японки могли только в двух случаях: за стенами собственного дома, в окружении домочадцев и/или мужа, либо этим могли заниматься гейши, т.к. ещё в эпоху Хэйан сложился обычай, согласно которому знатные дамы должны были прикрывать своё лицо на людях.
Идеал женской красоты того времени того времени в Японии: круглое лицо, высокий лоб, белая кожа. Женщины густо белили лица рисовой пудрой оширои (oshiroi), которые достаточно трудно было смыть. Естественные брови считались вульгарными, их сбривали и вместо них высоко на лбу рисовали короткие толстые черные черточки. Позже японские красавицы брови стали выщипывать. Глаза подводили черным или красным, губы красили красной помадой. Также женщины могли черной тушью подчеркивать линию роста волос, которая должна была сходиться на лбу треугольником. Это создавало иллюзию густоты прически.
Самым важным признаком красоты женщины Хэйана были волосы. Волосы должны были быть густыми, черными как смоль, гладкими и очень длинными, ниже пяток. Они должны быть распущены и лежать по спине одной темной густой массой. Такая прическа называлась kurokami. Эта мода началась как реакция против импортированной китайской моды, где прически были гораздо короче и включали хвосты типа пони. Рекордсменом по длине волос в период Хэйан, по преданию, была женщина с волосами 7 метров в длину.
Гейши
Гейша - девушка, развлекающая своих клиентов (гостей, посетителей) японским танцем, пением, ведением чайной церемонии, беседой на любую тему, обычно одетая в кимоно и носящая традиционные макияж и причёску.
«Настоящая гейша никогда не станет марать репутацию своей доступностью для мужчин».
Гейша обязательно знала толк в прикладной психологии. Гейша могла читать мысли, чувства, эмоции и многое другое по лицу собеседника. Но главное, самое великое, то, что делало гейш особенными, — они были счастливыми женщинами. И таковыми их воспринимали гости и клиенты. Они излучали радость, свет. На лице непременная улыбка. Тон голоса музыкально-напевный. Движения плавные, как у довольной собой кошки. Мысли только светлые, бодрые, энергичные. Этой дисциплине ума придавали огромное значение.
Готовность наслаждаться жизнью во всем и всегда. Будь это простое распитие с клиентом саке или утонченный разговор за чашкой чая. Будь это прогулка под дождем по улице. Взгляд, брошенный на летящую в небе птицу. Извлекать удовольствие из всего. Превращать в приятное событие даже пустяк. Вот чему учили девочек в настоящих школах гейш.
Юдзё
Юдзё - это единственный тип японских женщин, у кого пояс завязан спереди. Юдзё высшей категории называлются таю.
Юдзё имела полное право на свободный и подчас строптивый нрав, могла отказаться иметь дело с клиентом. Благосклонность таю надо было завоёвывать.
Любопытный мир подготовил для вас подборку картин Хариё Марита, в которых художница изобразила всех этих красивых и столь разных японских женщин.
