В новом тысячелетиии живописные полотна начали напоминать фильмы в формате 3D. Секреты живописи перебрались из мастерских в недра компьютерных технологий. Изображение стало в прямом смысле живым, имитируя на плоскости цветную объемную реальность. Впрочем, слово «полотна» условно, потому что на холсте рисуют все меньше: художники выходят на улицу и творят на асфальте, на стенах, на людях...
Чудесные картины... с помощью смолы
Американская художница Джессика Данаган изображает красочные «подводные» картины. Иллюзию объема ей помогает создавать техника накладывания краски слоями вперемешку с таким прозрачным и клейким материалом как эпоксидная смола. У мастеров street-painting свои секреты живописи: они создают иллюзорные объекты на асфальте благодаря отличному знанию основ перспективы, компьютерной графике и... той же эпоксидной смоле. Китайский художник Ван Ся Сяо пошёл другим путем – он создает объемные картины из наложенных друг на друга плоских изображений, выполненных на затемненных стеклах. У каждого художника свои тонкости технологии, индивидуальные предпочтения к выбору красок, свои идеи, методы, находки. Самые важные секреты живописи = терпение + новаторство + новые материалы, дающие в руки мастера невиданные инструменты.
Новые инструменты
Революция в живописи началась с того, что изменились сами краски. Привычные гуашь, акварель, масло подвинулись, чтобы освободить место акрилу. Полимерные материалы вообще дали много новинок солидному искусству живописи, привлекли к нему широкие массы. Светящиеся, перламутровые, с блестками и бусинами, легко сохнущие краски вдохновили не только профессиональных художников, но и простых людей, которым нравится украшать свой дом. Секреты живописи стали раскрываться на сайтах и в социальных сетях, побуждая к творчеству все большее количество людей. И, конечно, не стоит сбрасывать со счетов достижения компьютерной графики, которая позволяет создать готовый шаблон, трафарет, спроектировать будущую картинку, а затем воплотить её в жизнь.
Специальные добавки к краскам – еще один секрет живописи
Во многом чудесные картины, на которые то и дело натыкаешься в Интернете, стали возможны благодаря появлению и широкому применению специальных средств для улучшения свойств красок. Условно эти средства можно разбить на такие, которые меняют свойства (структуру) красок, и такие, которые свойства красок не меняют, но позволяют дольше сохранить их качество. Самые известные из добавок: фактурные пасты, структурные гели, закрепляющие лаки .
1. Закрепляющие лаки продаются в баночках или аэрозольном баллончике.
Виды лаков:
- пихтовый,
- даммарный,
- акриловый (матовый или глянцевый),
- ретушный.
Есть и другие виды. Лаки обычно наносятся кисточкой после высыхания краски. Если лак в аэрозольном баллончике, он разбрызгивается на полотно. Кроме лаков, в продаже есть специальные фиксативы для карандаша и угля, древесное масло для листового железа, закрепитель на основе воска для пастельного рисунка. Многие защитные средства содержат ультрафиолетовые светофильтры. Раньше живописные полотна были чрезвычайно уязвимыми, требовали особенных условий хранения; секрет живописи был не только в изображении, но и в способе это изображение сохранить. Теперь ни свет, ни влажность краске не страшны. Покрывая картину специальным средством, художник не только защищает ее от солнца, влаги и времени, но придает изображению дополнительные выразительные особенности, например, глянцевый или матирующий эффект.
2. Фактурная паста помогает имитировать различные материалы: камень, дерево, глину, стекло, металл. Позволяет накладывать краску слоями, что позволяет создавать очень эффектные полотна. Структурный гель меняет качество краски в нужном художнику направлении: может сделать краску более прозрачной или более стойкой. Иногда пасту и гель смешивают. Очень популярны моделирующие (или контурные) гели для создания контура, рельефной поверхности. Такой гель любят использовать не только художники, но и мастерицы, занимающиеся скрапбукингом, декупажом и другими видами домашнего творчества.
3. Есть и другие виды добавок: загустители, разбавители, замедлители – они (каждый по-своему) делают более комфортной работу с красками. Существуют отдельные добавки для акварели, для гуаши, для акриловых красок. Они улучшают качество краски, повышают ее эластичность, яркость. Наш магазин предлагает художникам в Королеве богатейший ассортимент паст, лаков и гелей для создания работ самых разных стилей и направлений.
Уже никто не удивляется иллюзии объема в росписи интерьера и наружных стен. Перестал быть экзотикой наливной 3D пол. Бодиарт достиг таких высот, что разукрашенные живые модели просто исчезают на фоне леса или пустыни. Одни художники изображают несуществующих людей на фоне города, другие – изображают города прямо на живых людях. Что это? Чудачество? Попытка привлечь к себе внимание? Или новое средство выражения, способ познания мира, цветов, фактур, секретов живописи? Попытка сказать о том, что видимый нами мир – тоже иллюзия? Иллюзия на кончике чьей-то кисти...
Этот вид красок используют уже более 3 тысяч лет – именно их веками применяли в станковой живописи, широко использовали в иконописи. Саркофаги фараонов древнего Египта расписаны ими. Микеланджело и Леонардо да Винчи, Рафаэль и Коррэджо использовали ее при написании своих работ. Масляные краски при своем появлении на некоторое время стали более популярны среди профессиональных художников, темперные же продолжали жить в народной росписи.
Выбираем художественную бумагу
Художественная бумага – это материал с волокнами и минеральными компонентами. Он создается ненатурально, но способен впитывать влагу и краски. Бумага, которая предназначена для рисования, пропитана керосином или маслом, поэтому при намокании практически не изменяет свой внешний вид. Характеристики и свойства листов зависят от состава, типа обработки, отделки и других аспектов, которые положены в основу производства.
Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.
Музыка на ягодицах
Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.
Фрагмент части триптиха
Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".
Обнаженная Мона Лиза
Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.
Старый Рыбак
В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.
Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).
А был ли кит?
Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».
Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.
Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.
Два "Завтрака на траве"
Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.
Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.
Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают - ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».
Двойники на "Тайной вечере"
Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.
Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.
"Ночной дозор" или "Дневной"?
Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.
Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.
И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия - не более 14 часов.
Перевернутая лодка
Анри Матисс, "Лодка", 1937.
В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус - это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.
Обман в автопортрете
Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.
О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.
Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.
Чужие мишки
Иван Шишкин, "Утро в Сосновом лесу", 1889.
Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.
Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».
Невинная история "Готики"
Грант Вуд, "Американская готика", 1930.
Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.
Месть Сальвадора Дали
Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.
В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.
Двуликая Даная
Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.
Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии - супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс - любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.
Желтая спальня Ван Гога
Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.
В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.
Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку - средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.
Беззубое совершенство
Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.
Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза - совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, - считает эксперт. - Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».
Майор на фейсконтроле
Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.
Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.
Почему Свобода обнажена
Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.
По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки - прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.
Неквадратный квадрат
Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.
На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.
Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.
Мелодрама Австрийской Моны Лизы
Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.
На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.
Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.
Картина, вернувшая Гогена к жизни
Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.
Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).
Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.
112 пословиц на одной картине
Питер Брейгель - старший, «Нидерландские пословицы», 1559
Питер Брейгель - старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».
Другие пословицы отражают человеческую глупость.
Субъективность искусства
Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894
Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.
Скрытая картина
Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901
В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение - портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», - объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.
Недоступные марокканки
Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928
Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение - отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды - он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.
Спонтанное озарение
Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900
Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило - вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.
Опять двойка
© Федор Решетников
Знаменитая картина «Опять двойка» - это всего лишь вторая часть художественной трилогии.
Первая часть - «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.
Вторая часть - «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».
Третья часть - «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».
Как рождаются шедевры
Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844
В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.
Урок анатомии от Микеланджело
Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511
Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.
«Тайная вечеря» Ван Гога
Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888
Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.
Образ памяти у Дали
Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931
Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.
О чем кричит Мунк
Эдвард Мунк, "Крик", 1893.
Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?
Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.
Писатель в народе
Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.
Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".
Подагра Микеланджело
Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.
Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.
Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.
Зеркало четы Арнольфини
Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.
В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них - ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.
Как недостаток превратился в талант
Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.
Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.
Безгрешная Венера
Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.
До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.
Лютнист или лютнистка?
Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.
Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор - это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.
Если Вы хотите принять участие в обучении - заполните, пожалуйста, форму предварительной регистрации . О начале курса мы оповестим Вас по электронной почте.
Кто такие «старые мастера»? Так называют художников, начиная с Яна ван Эйка, который открыл для мира живопись маслом и показал ее потрясающую красоту. Своего расцвета живопись старых мастеров достигла в Голландии и Нидерландах в XVII столетии, когда работали непревзойденные до сих пор живописцы, такие как Рембрандт, Рубенс, «малые голландцы» и их последователи.
В XVIII столетии эта живопись постепенно сошла на нет, вытесненная академической школой, и, позже, импрессионизмом. К началу ХХ столетия секреты живописи старых мастеров оказались уже утрачены, и, казалось, навсегда канули в лету.
Многие художники ХХ века и нашего времени пытаются разгадать, какими живописными приемами пользовались «старые мастера» для достижения в своих работах потрясающей выразительности натюрмортов, жизненности портретов и завораживающего, почти мистического реализма.
Многие знают, что эта техника основана на лессировках - тончайших красочных слоях, словно фильтры покрывающих картины. Но сказать, что это живопись лессировочная - еще ничего не сказать о технике работы. Ведь в этой живописи секреты начинаются с самых, казалось бы, простых и заурядных процессов: с подготовки холста, выбора красок. И если в целом этапы работы над картиной общеизвестны, то собственно секреты и приемы работы остаются в тайне.
Арина Даур много лет изучает искусство старых мастеров, по крупицам собирая знания из старинных книг, в беседах с реставраторами, копируя шедевры прошлого в музеях. Она не только разгадала многие из секретов этой живописи, но и создала школу, где все желающие могут научиться этом мастерству.
В старину единственной школой для начинающего художника была практика копирования: ученик копировал работы учителя, постигая все секреты мастерства. И мы поступим также.
Что Вы будете делать на курсе? Будете копировать работу голландского художника Якоба ван Хульсдонка. Этот натюрморт с кувшинчиком стал своего рода визитной карточкой студии Арины Даур. Именно с копирования этой картины начинают здесь обучение все новички. Несмотря на небольшой размер, эта картина дает шанс узнать основы техники старых мастеров, провести исследование и написать собственный "Кувшинчик" со всеми подробностями этого натюрморта. Вы научитесь передавать фактуру теплой глины и холодного металла, живой блеск ягод и завораживающее мерцание стекла, узнаете, как "погрузить" изображение в таинственную дымку и показать свет на предметах. Этот натюрморт, наполненный золотым светом, станет основой для Ваших успехов в живописи маслом.
И не важно, в какой манере Вы предпочитаете работать, даже если Вы пишите современные сюжеты, выбираете неожиданные композиционные решения и яркие краски для работы в технике a la prima (за один сеанс), умение работать в технике старых мастеров даст Вам огромное преимущество. Об этом лучше всего сказал Сальвадор Дали, художник, которого невозможно заподозрить в приверженности старине: "Для начала научитесь рисовать и писать как старые мастера, а уж потом действуйте по своему усмотрению — и вас будут уважать."
Для всех, кто не может посетить школу живописи старых мастеров в Петербурге, предназначен наш online курс. А в этом видео Вы можете узнать рекомендации Арины Даур о том, какие книги будут полезны по этой теме.
Материалы и инструменты
Холст на подрамнике (мелкозернистый), грунтованный водоэмульсионным или акриловым грунтом, размер 30х40 см.;
. грунтованный картон 24х30 см. для изготовления собственной палитры;
. деревянная овальная палитра для красок (или та, что у Вас есть);
. двойная масленка;
. акриловый грунт и акриловая краска (охра или сиена натуральная);
. полимеризованное масло;
. даммарный лак;
. «Пинен» без запаха или разбавитель № 4;
. Кисти:
- № 1 круглая для мелких деталей,
- № 2 или 3 круглая колонок,
- синтетическая кисть, срезанная на уголок.
. масляные краски «Мастер-класс»:
1) белила титановые;
2) охра светлая;
3) охра красная;
4) марс оранжевый;
5) ультрамарин;
6) индийская желтая;
7) оливковая;
8) умбра натуральная;
9) краплак темный;
10) кадмий светлый красный.
Есть художники, которые чувствуют призвание к одному виду творчества и увлеченно им занимаются всю жизнь. Они достигают высот в избранном направлении, но известны в одном единственном амплуа. Есть и другие мастера, которые пробуют многое и совершенствуются в нескольких видах искусства. Мир знает их одновременно как акварелистов и витражистов, архитекторов и графиков, иллюстраторов и скульпторов. Арина Даур - именно такой многосторонний художник.
Арина родилась в Краснодаре, но уже в раннем детстве оказалась в Ленинграде. По ее собственному признанию, художником ощутила себя в четыре года. И с этого момента делом жизни стало созидание.
Потом были яркие годы в художественной школе, трудное поступление в училище имени В. И. Мухиной в Ленинграде, было непонимание в Союзе Художников и счастливые стечения обстоятельств, которые давали надежу быть понятой зрителем и коллегами по профессии. Разными сложными путями жизнь привела к признанию обществом ценности того, во что Арина вкладывала силы и время, знания и энергию души.
Как художник Арина занималась многим: рисовала находки и земляные стены в раскопах археологических экспедиций, работала над созданием мультипликационных фильмов, увлекалась лепкой и литьем из глины. Ее творческая энергия находила применение в создании кукол и театральных костюмов, в живописи и в графике. А вдохновение черпалось в культурной атмосфере тех мест, куда приводила судьба.
Одним из таких знаковых мест в ее жизни стали Пушкинские горы, где Арина проводила летние месяцы, «отдыхая» за работой в мастерской. Здесь она учила детей «всяким изобразительным штукам»: работать с особенной глиной тех мест, искать образы в бесформенных кляксах монотипий. Одновременно проникалась «духом места», вчитывалась в Пушкина. Как результат этого погружения появились иллюстрации к произведениям Александра Сергеевича. А в 2012 году роман «Евгений Онегин» был издан с рисунками Арины Даур.
Человек с философским складом ума, Арина старается осмыслить каждый свой практический опыт, «взять» тему глубокого и широко, изучая работы предшественников, устанавливая связи с разными явлениями в истории культуры, собирая вокруг единомышленников. Когда ее внимание привлекли силуэтные рисунки, за собственными упражнениями с бумагой последовали исторические изыскания. И закономерно случай свел Арину с потомками знаменитой художницы «Серебряного века» Елизаветой Кругликовой, гравюры, монотипии и силуэтная графика которой стали яркой страницей в истории отечественного искусства. А в апреле 2009 года Арина организовала в Петербурге Четвертый международный фестиваль монотипии, посвященный памяти знаменитой художницы.
Арина Даур умеет «заразить» своим интересом других - многих. Ее искренняя увлеченность, доброжелательность, понимание глубинной сути искусства поражают и привлекают не только творческих людей, но и совсем не-художников. Вокруг Арины бурлит и кипит энергия человеческих взаимоотношений, и совместные усилия дают поразительные результаты. Так были организованы множество фестивалей, в том числе международные, посвященные монотипии. Эта техника, которой всерьез занимаются профессионалы, привлекала многих художников прошлого, и просто приворожила Арину. С детства привлекала ее возможность «достать» образ из красочного хаоса. Умение смотреть и видеть, помноженное на художественный опыт и многолетнюю практику, дали свои результаты: в 2002 году на выставке в Совете Европы в Страсбурге имя Арины Даур прогремело и стало буквально открытием для европейской публики. «Королева монотипии», как ее презентовали на этом мероприятии, окрыленная успехом в дальнем зарубежье, основательно «погрузилась» в тему, изучив историю, найдя единомышленников. Выставки, мастер-классы, лекции, организация фестивалей заполнили 2000-е годы.
А в 2013 Арина открыла собственную студию, в которой преподает технику живописи старых мастеров. И это не внезапная смена интересов, это - другая грань жизни одного и того же человека.
Каждый разговор с Ариной открывает ее личность с неизвестной, часто неожиданной стороны: например, ее дипломный проект - фаянсовый сервиз для парусного судна «Надежда» из тридцати шести предметов находится в коллекции музея родного училища, уже давно сменившего имя на первоначальное - художественно-промышленная академия им. А. Л. Штиглица. Еще она иллюстрирует сказки и ведет авторскую передачу на «Радио России», рассказывая о художниках в цикле «Наше Вам с кисточкой». Работы Арины находятся в коллекциях музеев разных стран. Фильм «Из дома вышел человек», в создании которого она участвовала как художник-мультипликатор, в 1990 году получил Большую золотую медаль на кинофестивале стран Балтии. Это - лишь некоторые яркие факты из биографии художника. Она работает в разных видах, техниках и жанрах искусства и увлекает ими других. Дети и взрослые постигают в общении с Ариной главное - умение видеть красоту: в картинах старых мастеров и в черной кляксе на бумаге. И увидев один раз, остаются увлечены бесконечным процессом познания художественного творчества в самых разных его проявлениях.
Хотите стать творческой личностью? Смотрите уроки Арины Даур.
Работы Арины Даур
Программа курса
Видеокурс «Техника старых мастеров» состоит из 21 урока. Это - теоретические и практические видео занятия с 16 заданиями для освоения материала. В каждом уроке Арина рассказывает и показывают одну стадию работы над картиной и вы повторяете ее самостоятельно с удобной вам скоростью. Через форму обратной связи Вы показываете результаты Арине, получаете ответы на вопросы и двигаетесь дальше, шаг за шагом осваивая материал.
Программа:
1 часть. Подготовительная. Теория. Разговор о красках и холсте. Изготовление собственной палитры. Подготовка холста. 6 уроков, 3 практических задания.
2 часть: "Призрак" картины. 1 урок, 1 задание.
3 часть: Основная стадия письма. 7 уроков, 4 задания.
4 часть: Живописная стадия письма. 7 уроков, 8 заданий.
Что Вы получите в конце курса? Самостоятельно написанную копию картины в технике старых мастеров и огромный багаж знаний, с помощью которых Вы сможете создать еще много копий и самостоятельных работ в технике старых мастеров.
Необходимые навыки : этот курс не требует навыков в живописи маслом.
На кого рассчитан этот курс? Он подойдет:
- тем, кто восхищен живописью старых мастеров и хочет освоить их метод работы,
- творцам, которые любят пробовать новое, чтобы разнообразить свои умения, для обогащения собственной манеры письма.
- и даже новичкам в живописи, которые еще мало практиковались, или едва прикасались к кистям. Не верите? Смотрите видео с учениками петербургской школы старых мастеров, в котором они рассказывают о себе и обучении в студии.
Кому точно не подойдет этот курс?
Тем, кому не нравятся натюрморты старых мастеров, кто равнодушен к живописи малых голландцев, Рембрандта и Рубенса, кто уверен, что уже знает все и его ничем не удивить.
Тут скоро будут отображаться ваши работы.
Секреты старых мастеров
Старые техники живописи маслом
Фламандский метод письма масляными красками
Фламандский метод письма масляными красками в основном сводился к следующему: на белый, гладко отшлифованный грунт переводился рисунок с так называемого картона (отдельно выполненного рисунка на бумаге). Затем рисунок обводился и оттушевывался прозрачной коричневой краской (темперой или масляной). По свидетельству Ченнино Ченнини, уже в таком виде картины выглядели совершенными произведениями. Эта техника в своем дальнейшем развитии изменялась. Подготовленная под живопись поверхность покрывалась слоем масляного лака с примесью коричневой краски, через который просвечивал оттушеванный рисунок. Живописная работа заканчивалась прозрачными или полупрозрачными лессировками или же полукорпусным (полукроющим), за один прием, письмом. В тенях оставляли просвечивать коричневую подготовку. Иногда по коричневой подготовке писали так называемыми мертвыми красками (серо-голубыми, серо-зеленоватыми), заканчивая работу лессировками. Фламандский метод живописи легко проследить по многим работам Рубенса, особенно по его этюдам и эскизам, например по эскизу триумфальной арки “Апофеоз герцогини Изабеллы”
Чтобы сохранить красоту цвета синих красок в масляной живописи (синие пигменты, затертые на масле, изменяют свой тон), записанные синими красками места присыпали (по не вполне высохшему слою) порошком ультрамарина или смальты, а затем эти места покрывали слоем клея и лака. Масляные картины иногда лессировали акварелью; для этого их поверхность предварительно протирали чесночным соком.
Итальянский метод письма масляными красками
Итальянцы изменили фламандский метод, создав своеобразный итальянский способ письма. Вместо белого грунта итальянцы делали цветной; либо белый грунт сплошь покрывали какой-либо прозрачной краской. По серому грунту1 рисовали мелом или углем (не прибегая к картону). Рисунок обводили коричневой клеевой краской, ею же прокладывали тени и прописывали темные драпировки. Затем покрывали всю поверхность слоями клея и лака, после чего писали масляными красками, начиная с прокладки светов белилами. После этого по просохшей белильной подготовке писали корпусно в локальных цветах; в полутенях оставляли серый грунт. Заканчивали живопись лессировками.
Позже начали пользоваться темно-серыми грунтами, выполняя подмалевок двумя красками - белой и черной. Еще позже применяли коричневые, красно-коричневые и даже красные грунты. Итальянский способ живописи затем был усвоен некоторыми фламандскими и голландскими мастерами (Терборх, 1617-1681; Метсю, 1629-1667 и другие).
Примеры применения итальянского и фламандского методов.
Тициан первоначально писал на белых грунтах, затем перешел на цветные (коричневые, красные, наконец, нейтральные), применяя пастозные подмалевки, которые выполнял гризайлью2. В методе Тициана значительный удельный вес приобрело письмо за один раз, за один прием без последующих лессировок (итальянское название этого способа alia prima). Рубенс в основном работал по фламандскому методу, значительно упростив коричневую тушевку. Он сплошь покрывал белый холст светло-коричневой краской и той же краской прокладывал тени, поверх писал гризайлью, затем локальными тонами или же, минуя гризайль, писал alia prima. Иногда же Рубенс писал в локальных более светлых тонах по коричневой подготовке и заканчивал живописную работу лессировками. Рубенсу приписывается следующее, весьма справедливое и поучительное высказывание: “Начинайте писать ваши тени легко, избегая вводить в них даже ничтожное количество белил: белила--яд живописи и могут быть вводимы лишь в светах. Раз белила нарушат прозрачность, золотистость тона и теплоту ваших теней - ваша живопись не будет больше легка, но сделается тяжелой и серой. Совершенно иначе дело обстоит по отношению к светам. Здесь краски могут наноситься корпусно, насколько это нужно, но необходимо, однако, сохранять тона чистыми. Это достигается наложением каждого тона на свое место, один возле другого таким образом, чтобы легким движением кисти можно было стушевать их не тревожа, однако же, самих красок. По такой живописи можно пройти затем решительными заключительными ударами, которые так характерны для больших мастеров”".
Фламандский мастер Ван-Дейк (1599-1641) предпочитал корпусную живопись. Рембрандт чаще всего писал по серому грунту, прорабатывая формы прозрачной коричневой краской очень активно (темно), пользовался и лессировками. Мазки различных красок Рубенс накладывал один подле другого, а Рембрандт перекрывал одни мазки другими.
Техникой, подобной фламандской или итальянской,- по белым или цветным грунтам с применением пастозной кладки и лессировок - широко пользовались вплоть до середины XIX века. Русский художник Ф. М. Матвеев (1758-1826) писал по коричневому грунту с подмалевками, выполненными сероватыми тонами. В. Л. Боровиковский (1757- 1825) подмалевывал гризайлью по серому грунту. К. П. Брюллов также часто пользовался серым и другими цветными грунтами, подмалевывал гризайлью. Во второй же половине XIX века эта техника была оставлена и забыта. Художники стали писать без строгой системы старых мастеров, сузив тем свои технические возможности.
Профессор Д. И. Киплик, говоря о значении цвета грунта, замечает:Живопись с широким плоским светом и интенсивными красками (каковы произведения Рожера ван дер Вейдена, Рубенса и др.) требует белого грунта; живопись же, в которой преобладают глубокие тени,- темного грунта (Караваджо, Веласкез и др.)”.“Светлый грунт сообщает теплоту краскам, нанесенным на него в тонком слое, но лишает их глубины; темный же грунт сообщает глубину краскам; темный грунт с холодным оттенком - холод (Терборх, Метсю)”.
“Чтобы вызвать на светлом грунте глубину теней, действие белого грунта на краски уничтожают прокладкой теней темно-коричневой краской (Рембрандт); сильные света на темном грунте получаются лишь при устранении действия темного грунта на краски нанесением в светах достаточного слоя белил”.
“Интенсивные холодные тона на интенсивном красном грунте (например, синий) получаются лишь в том случае, если действие красного грунта парализуется подготовкой в холодном тоне или краска холодного цвета наносится в толстом слое”.
“Наиболее универсальным по цвету грунтом является светло-серый грунт нейтрального тона, так как он одинаково хорош для всех красок и не требует слишком пастозной живописи”1.
Грунты хроматических цветов влияют как на светлоту картин, так и на их общую цветность. Влияние цвета грунта при корпусном и лес-сировочном письме сказывается различно. Так, зеленая краска, положенная непросвечивающим корпусным слоем на красный грунт, в его окружении выглядит особенно насыщенной, но нанесенная прозрачным слоем (например, в акварели) теряет насыщенность либо совершенно ахроматизируется, поскольку отражаемый и пропускаемый ею зеленый свет поглощается красным грунтом.
Секреты изготовления материалов для живописи маслом
ОБРАБОТКА И ОБЛАГОРАЖИВАНИЕ МАСЛА
Масла из семян льна, конопли, подсолнуха, а также ядер грецкого ореха получают посредством выжимания прессом. Существует два способа выжимания: горячий и холодный. Горячий, когда раздробленные семена подогревают и получают сильно окрашенное масло, которое мало пригодно для живописи. Гораздо лучше масло, выжатое из семян холодным способом, его получается меньше, чем при горячем способе, но зато оно не загрязнено различными примесями и не имеет темно-коричневого цвета, а лишь слабо окрашено в желтый цвет. Свежеполученное масло содержит ряд вредных для живописи примесей: воды, белковых веществ и слизей, сильно влияющих, на его способность к высыханию и образованию прочных пленок. Поэтому; масло следует обработать или, как говорят, “облагородить”, удалив из него1 воду, белковые слизи и всякие загрязнения. Одновременно с этим его еле- дует и обесцветить. Наилучшим способом облагораживания масла является его уплотнение, то есть оксидация. Для этого свежеполученное масло наливают в широкогорлые стеклянные банки, закрывают марлей и выставляют весной и летом на солнце и воздух. Для очистки масла от загрязнений и белковых слизей на дно банки кладут хорошо высушенные из черного хлеба сухари, примерно столько, чтобы они занимали х/5 банки. Затем банки с маслом ставят на солнце и воздух на 1,5-2 месяца. Масло, поглощая кислород воздуха, окисляется и сгущается; под действием солнечных лучей оно отбеливается, уплотняется и становится почти бесцветным. Сухари же удерживают белковые слизи и различные загрязнения, содержащиеся в масле.Полученное таким образом масло является наилучшим живописным материалом и с успехом может применяться как для стирания с красочными веществами, так и для разбавления готовых красок. Высыхая, оно образует прочные и стойкие пленки, неспособные к растрескиванию и сохраняющие при высыхании глянцевитость и блеск. Это масло высыхает в тонком слое медленно, но сразу во всей своей толще и дает очень прочные блестящие пленки. Необработанное масло сохнет только с поверхности. Сначала слой его затягивается пленкой, а под ней остается совершенно сырое масло.
ОЛИФА И ЕЕ ПРИГОТОВЛЕНИЕ
Олифой называется вареное высыхающее растительное масло (льняное, маковое, ореховое и Др.). В зависимости от условий варки масла, температуры варки, качества и предварительной обработки масла получают совершенно различные по качеству и свойствам олифы.Для приготовления доброкачественной живописной олифы надо брать хорошее льняное или маковое масло, не содержащее никаких посторонних примесей и загрязнений.Существует три основных способа приготовления олифы: быстрое нагревание масла до 280-300° - горячий способ, при котором масло закипает; медленное нагревание масла до 120-150°, исключающее закипание масла в процессе его варки, - холодный способ и, наконец, третий способ - томление масла в теплой печи в течение 6-12 суток. Наилучшие олифы, пригодные для живописных целей1, можно получить только посредством холодного способа и томления масла.Холодный способ варки олифы состоит в том, что масло заливают в глиняный глазурованный горшок и варят на умеренном огне, медленно его нагревая в течение 14 часов и не давая ему закипать. Сваренное масло сливают в стеклянный сосуд и в открытом виде ставят на воздухе и солнце на 2-3 месяца для высветления и уплотнения. После этого масло осторожно сливают, стараясь не затронуть при этом образовавшегося осадка, остающегося на дне сосуда, и процеживают.Томление масла заключается в том, что сырое масло наливают в глиняный глазурованный горшок и ставят в теплую печь на 12-14 дней. Когда на масле появится пена, оно считается готовым. Пену снимают, дают маслу отстояться 2-3 месяца на воздухе и солнце в стеклянной банке, затем осторожно сливают, не трогая осадка, и процеживают через марлю.В результате варки масла по этим двум способам получают очень светлые, хорошо уплотненные масла, дающие при высыхании прочные и блестящие пленки. Эти масла не содержат белковых веществ, слизи и воды, так как вода испаряется в процессе варки, а белковые вещества и слизи свертываются и остаются в осадке. Для лучшего осаждения белковых веществ и других примесей во время отстаивания масла полезно в него положить небольшое количество хорошо просушенных сухарей из черного хлеба. Во время же варки масла следует в него положить 2-3 головки мелко нарезанного чеснока.Хорошо сваренные олифы, в особенности из макового масла, являются хорошим живописным материалом и могут добавляться в масляные краски, применяться для разжижения красок в процессе письма, а также служить составной частью масляных и эмульсионных грунтов.
| Создан 13 янв 2010 | |||||||||