Также я прилагаю к данному видео старую статью из первой версии курса о составах инструментов
Для создания правильной аранжировки в первую очередь необходимо четко понимать какую функцию выполняет музыкальный инструмент в музыкальной ткани произведения. Для лучшей ориентации все музыкальные инструменты делят на несколько групп. Функции у каждой группы разные.
Для каждой группы инструментов существуют свои, устоявшиеся правила написания партий, которые хорошо звучат в любом стиле. Поскольку в каждом стиле музыки существуют самые различные составы инструментов и невозможно рассмотреть их все в данной статье, то рассмотрим наиболее распространенные составы и группы инструментов.
Введение такого определения необходимо, во-первых, потому, что это уже укрепившийся исторически тип состава. Во-вторых, это помогает хоть как-то организовать то огромное количество ансамблей, которое может быть организованно в рамках данной группы.
Теперь, рассмотрим наиболее распространенные группы инструментов:
Основой большинства современных аранжировок является -группа.
На схеме приведен классический состав: Ударные,Бас,Гитара,Фортепиано.
Из остальных групп инструментов большое значение имеют медные духовые, струнные, электронные инструменты.
Основная функция этих инструментов — это создание педалей и разного рода контрапунктов, либо солирование. Изредка они также участвую в организации , но, как правило, имеют смешанную функцию(т.е. играют роль как солирующего,так и ритм инструмента)
Такие группы инструментов как деревянные духовые,ударные с определенной высотой звука и др. встречаются в основном в оркестровых составах инструментов, однако хотелось бы отметить, что для современных аранжировок очень характерно применение этих инструментов в неожиданной обстановке камерных составов (например, флейта, ксилофон,гитара,бас,перкуссия).
Таким образом, начиная написание аранжировки, определите какой состав инструментов у Вас есть, либо какой состав инструментов соответствует образному строю музыки.
Это очень важный момент.
Начинающие композиторы и аранжировщики, как правило, стараются использовать все инструменты для которых уже научились писать. Например, нет ничего хуже,чем вставлять в каждую к месту и не к месту струнные, ударные и т.д. Это похоже на инструменталиста, который пытается в одном произведении показать всю технику которой владеет.
По сути, не существует никаких секретных техник аранжировки и композиции. Главный секрет это умеренность. Если послушать наиболее выдающиеся аранжировки, то можно заметить только одну закономерность — умелое использование заранее выбранных ресурсов.
Поскольку музыка предоставляет нам неограниченное количество возможностей, то умение себя ограничивать — это первая ступень на пути к созданию качественного звучания.
Напишите на листе количество инструментов, их названия и роль которую эти инструменты будут выполнять в Вашей аранжировке.
Задание: послушайте любимую музыку и попробуйте классифицировать состав, группы инструментов и проследить какие функции они выполняют.
1) Средства и способы крепления растений в аранжировке. Инструменты и вспомогательные материалы.
2) Сосуд как элемент аранжировки.
3) Подготовка растительного материала.
4) Сухоцветы: приёмы консервации и обработки растений.
Цветочная аранжировка – это выполнение различных композиций из живых и высушенных цветов и других частей растений, из коры дерева, семян, и других подобных материалов.
Цветочная аранжировка может выступать как дополнение к подарку или в качестве самого подарка.
Материалы для крепления растений.
1) Флористическая губка (оазис) бывает двух видов: для живых растений – зелёного цвета и для искусственных и сухоцветов коричневого или серого цвета. Преимущества: стебли растений можно закрепить под любым углом, снижается опасность загнивания воды. Оазис для живых цветов нельзя погружать в воду принудительно, сухой блок кладут на поверхность воды до полного его насыщения водой.
2) Устройства-держатели: наколки, проволока, проволочная сетка, моховые подушечки, дырчатые держатели. В тоже время можно использовать также влажный песок, гравий, пластилин, гипс, оконную замазку, воронки.
· Наколки (кендзан) – используют для закрепления оазисов и представляют собой свинцовый кружок с вертикальными шипами. Если композиция очень большая и используется несколько оазисов, то их соединяют несколькими заколками. В свою очередь наколки крепятся к сосуду специальной массой или пластилином.
Ветки и стебли можно непосредственно установить на наколки.
- Проволока и проволочная сетка – стебли некоторых растений обматывают для укрепления проволокой, чтобы они не могли согнуться и нарушить композицию. Если на оазис крепится большое количество растений или сами растения тяжёлые, то перед их установкой на его поверхность укладывается флористическая сетка, которая предотвращает разрушение оазиса под тяжестью. Она также является удобным держателем в высоких вазах с широким горлом или узкогорлых вазах. Сетку вырезают в виде квадрата, загибают края по периметру горлышка, вставляют внутрь или крепят снаружи. Вместо сетки можно использовать решётки из веточек, которые связывают проволокой, лентой, рафией или склеивают и фиксируют на вазе с помощью скотча. Также крепление из веток может быть самостоятельным декоративным элементом композиции.
- Моховые подушечки – делают из увлажнённого мха сфагнума, ей придают форму полушария и обматывают проволокой для лучшего закрепления цветов. Подушечку помещают на несколько минут в воду и помещают в сосуд. Острой палочкой в ней проделывают углубления в которые вставляют растения под нужными углами.
- Гидрогель – это особый водопоглощающий полимер. Объём поглощающей воды в десятки раз больше, чем объём самого полимера. Гидрогель имеет разные оттенки и выразительный блеск. Они постепенно, дозировано выделяют воду растениям, предотвращая загнивание.
- Дырчатые держатели – это пластины разной формы, толщиной в несколько мм, в которых пробивают отверстия. Они могут быть керамическими, пластиковыми, металлическими. Этими пластинами закрывают сосуды, в которые наливается вода, а в отверстия вставляют растения,
Инструменты и вспомогательные материалы : секатор, ножницы, флористический нож, несколько видов проволоки, маленькие плоскогубцы, деревянные палочки для укрепления стеблей, пластилин или оконная замазка, полиэтиленовые пакеты, скотч, пробирки, пенопласт, бумага обёрточная, тесьма, красители, клей, картон, леска.
Сосуд может быть разнообразной формы, окраски, и изготовлен из всевозможных материалов, главное он должен подчёркивать красоту композиции, не доминируя и не затмевая её. Выбор ёмкости зависит от характера композиции, фактуры и цвета растительного материала, фона, места назначения и способа установки.
1) Ваза – это сосуд, высота которого равна или больше ширины, обычно с более узким горлом, для составления букетов и композиций лучше приобретать простые, скромные, неяркой окраски вазы. Гармонично сочетаются с цветами любой окраски, сосуды всех оттенков коричневого и зелёного цветов, а также белого и черного. Ярко окрашенные вазы или вазы с украшением в виде пёстрой росписи, лепки, лучше подходят для зимних букетов.
Для простых скромных цветов подбирают простые неглазированные глиняные вазы, сосуды из дерева, плетёные корзинки из соломы или ивняка.
Цветущие ветки, а также сухие ветки и ветки с ягодами, букеты из опушённых растений, луговых трав, осок, камыша хорошо сочетаются с керамикой.
Букеты из злаков лучше смотрятся в стеклянных вазах.
Для крупных тяжёлых цветов (георгина, хризантема) лучше подбирать массивные, грубые керамические вазы.
Гвоздики, розы, орхидеи, антуриумы ставят в дорогие вазы или в металлические ручной работы.
Цветы с безлистным тонким стеблем (гербера, ромашка) , а также изящные, хрупкие цветы, помещают в фарфоровые или стеклянные вазы.
Низкорослые растения или цветы с коротким стеблем (фиалки, подснежники, примулы, мускари, ландыши) помещают в невысокие плоские вазы или в небольшие фужеры из дымчатого хрусталя или стекла.
Правило подбора вазы: .
1) Самый главный принцип – принцип аналогии: форма букета должна либо повторять форму вазы, либо продолжать её.
2) В стройную высокую вазу нельзя ставить букеты округлой формы, композиции необходимо придавать такую же вытянутую форму, подбирая растения со стройными стеблями.
3)Высокая широкогорлая ваза подходит для одностороннего букета с хорошо оформленной лицевой частью
4) Низкая и широкая ваза необходима короткому и широкому букету.
Если вазу необходимо «вписать» в сервировку стола, она должна быть сделана из того же материала, что и посуда.
5) Кувшины – подходят для создания композиций под старину и кухонных букетов
6)Корзины – чаще всего используются корзины плетённые из натуральных материалов (лоза, бамбук). Размер корзины должен соответствовать размеру растений, материала. Плетение должно быть плотное.
Поднос – плоский сосуд с приподнятыми краями. Используется для создания настольных композиций.
Другие предметы – сковородки, ковши, молочники, чайники, сахарницы, крупные ракушки, коряги, детские игрушки, вазы для фруктов и т.д.
Ёмкость из вырезанных арбузов, дынь, кабачков.
Вазы-подставки – из срезов деревьев, из корней, толстых кусков коры, сланцевых плит, камней и т.д.
Цветы срезают под листовым узлом, под наклоном острым ножом. При использовании тупого ножа ткани стебля мнутся, что препятствует проникновению воды. В нижней части стебля удаляют листья, которые в воде быстро загнивают. Не делают это у роз и хризантем, т.к. их листья впитывают воду, нельзя удалять колючки и кору. Для лучшего поглощения воды нижний срез обновляют под водной струёй. Если стебли растения при срезке выделяют млечный сок (мак, молочай, георгина, цинния) , то срезы обрабатывают пламенем или опускают в кипяток, затем срезы ставят в холодную воду. Стебли луковичных растений должны срезаться зелеными, т.к. неокрашенная часть стебля плохо впитывает воду, её необходимо удалять. Осенние ветки и бамбук вымачивают в концентрированном растворе сахара, так они становятся глянцевыми и долго сохраняются. В стебли кувшинки впрыскивают настой махорки, чтобы цветок оставался раскрытым и долго сохранялся. Маргаритки обрабатываются солью. У лилий, тюльпанов и некоторых других цветов удаляют пылинки.
растений, т.к. вещества, выделяемые одними растениями токсичны для других.
Несовместимые: гвоздики и розы; душистый горошек и розы; тёмно-красные розы и чайные розы; ландыши и фиалки; ландыши и сирень; лилии и маргаритки; лилии и маки; лилии и васильки; маки и орхидеи; незабудки и тюльпаны; тюльпаны и нарциссы; тюльпаны и ландыши; примулы жёлтые и мускари; примулы жёлтые и другие примулы.
Да… Есть такая тема, о которой можно говорить много и долго, и в конце разговора не сдвинуться с места ни на шаг. Вопрос «как нужно делать аранжировку» ставит в безнадежный тупик. Начинаешь сам себя спрашивать – ну как объяснить человеку, как это нужно делать, если для работы над аранжировкой требуется не просто компьютер с кучей софта, и даже не студия, набитая синтезаторами и обработкой. Для этого требуется нечто другое – вкус, знания, слух, музыкальный багаж, опыт… Ну, конечно, приличное помещение, адекватный контроль и качественная среда для записи тоже важны.
Так что навряд ли я в последующие несколько десятков абзацев и несколько тысяч слов смогу досконально описать алгоритм создания аранжировки. Тем более – не смогу дать однозначных рекомендаций о том, что нужно сделать, чтобы Ваша аранжировка сразу же зазвучала на всех радиостанциях. Но кое-что я все-таки смогу рассказать. И это позволит Вам избежать наиболее распространенных ошибок. Ну, знаете, как в пословице – чисто не там, где моют, а там, где не мусорят. Примерно об этом и пойдет речь – в большей степени не о том, что делать, а о том, чего не делать .
Итак, самые распространенные проблемы, с которыми приходится сталкиваться, а соответственно и решать их, среднестатистическому аранжировщику.
Для начала – надо четко уяснить, что аранжировка – это не произведение. Это обрамление для произведения , способ его подать. Поэтому необходимо задуматься – а соответствует ли содержание той форме, которую Вы собираетесь ему придать? Например, берете песню в жанре шансон и пытаетесь сделать из нее диско. Возможно, конечно, в результате у Вас получится нечто а-ля диско, однако для любителей шансона это будет пощечиной, а поклонники танцевальных жанров, скорее всего, просто пропустят Ваш перл мимо ушей и внимания.
Выбирайте тот жанр, в котором песня будет слушаться максимально аутентично и гармонично. Не нужно русскую хороводную песню пытаться выдать за босса-нову, не стоит из хеви-метала лепить колыбельную. Не, если Ваша цель – эксперименты – то, безусловно, флаг Вам в руки. Но здесь речь пойдет о более-менее стандартном, «академическом» подходе.
Затем – поймите, стоит ли выбранный материал того, чтобы тратить на него дни и ночи напролет, пытаясь вылизать его до «предхитового» состояния. Обратите внимание на исходные данные. Хорош ли текст? Интересна ли музыка? Если в тексте куча ошибок, шаблонов, ляпов – скорее всего, даже с самой хорошей аранжировкой итоговый результат будет у многих вызывать негатив. Если музыкальный посыл бедный и неинтересный – можно, конечно, поупражняться в гармонических заменах, переписать большую часть мелодических линий и так далее, но вопрос – а стоит ли? Может проще взяться за что-то другое или придумать новую песню с нуля ?
Безусловно, если речь идет о выполнении коммерческого заказа на аранжировку – тут придется мириться. И биться головой об стену, пытаясь навести глянец и вытащить клещами хит из грустной серой звуко-буквенной массы. Возможно даже, Вам удастся сделать хит из плохой песни, но никогда не получится ее сделать хорошей. А значит, песенка «отпоет свое» на радио и на корпоративах, и будет благополучна забыта. Если вопрос упирается в деньги – да и бог с ней. А если все же имеет место творческий подход – становится печально…
Много – не значит хорошо
Одна из главных проблем любого аранжировщика – неважно, опытного или начинающего – сложность взглянуть на свою работу незамыленным, свежим взглядом . Вернее, ухом. Мы придумываем партию, доводим ее до состояния идеала на наш взгляд, а затем начинаем придумывать что-то еще. А первая партия крутится, крутится, крутится, и со временем мы к ней так привыкаем, что начинаем забывать, что она есть. Придумываем еще и еще партии. И к каждой из них привыкаем. И все нам кажется, что аранжировка звучит бедно, что наше мастерство так и не раскрыто, мы можем круче, интересней, масштабнее! И никто не оценит нашей гениальности, если мы не добавим еще один инструмент вот сюда и еще два-три вот сюда.
В один момент наступает осознание, что музыке уже нечем дышать. Мы впихнули в нее столько идей, звуков, партий и голосов, что стало непонятно, что из этого всего – музыка. Начинаем вспоминать – вот, в самом начале я придумал «гениальный ход», а где же он? А, ну вот, его перекрыл другой «великолепный пассаж» или он затерялся среди вот этих двух «замечательных секвенций» или среди ста сорока трех голосов «умопомрачительного хорала». И это еще хорошо, если это осознание все-таки наступает. Потому что в большинстве случаев без вмешательства извне аранжировщик так и не понимает, что слушать «это» нельзя.
И что же теперь делать? Надо от чего-то избавляться… Но от чего? И это хорошо, и это здорово, обидно и жалко, да и времени столько потрачено…
Не заставляйте его напрягать слух в попытках разобрать, что же там такое где-то звучит. Не старайтесь заполнить каждую паузу каким-нибудь звуком. Если сомневаетесь в необходимости партии – значит она точно не нужна. В конце концов, дайте послушать паре-тройке друзей Вашу промежуточную работу, и попросите их покритиковать. И обязательно сами бейте себя по рукам.
Продавайте задорого
Частенько бывает и так – мы придумали интересный по нашему мнению ход, или надизайнили очень красивый звук на синтезаторе. Вставили его после второй строчки. Прослушали – очень хорошо. И думаем – а вдруг кто-то не расслышит этот ход или звук? Добавим его еще разок после третьей строчки, ну и для закрепления после четвертой. И вообще – раз в куплете он так «впирает» – может его и в припеве впихнуть? Ну, хотя бы пару раз? А потом в проигрыше, во вступлении, в коде…
И так – не с одним звуком, а со многими. Что получаем в результате? Тот самородок, который мы нашли, оказался куском гранита, и точно такие же валяются под ногами везде и всегда, и за ними лень наклоняться…
Очень важно подчеркнуть самые удачные моменты аранжировки. Донести их до слушателя. Но также важно не пичкать его морковной кашицей на завтрак, обед и ужин семь дней в неделю.
Итак, совет третий. Продавайте мало, но дорого . Повторите Ваш удачный ход в другом куплете, а лучше через куплет. Пусть слушатель поставит песню еще раз сначала, только ради того чтобы снова услышать именно этот момент.
Привлекайте внимание
Человеческий слух – это часть сложного механизма, часть нервной системы. Это не просто ушные раковины с отверстиями, которые улавливают пульсацию баса и транслируют конечностям ритмичные команды «Дергаться!» (а многим, кстати, и неритмичные).
Задача аранжировщика – стимулировать внимание слушателя , не дать ему заскучать, периодически подкидывать деликатесные звуковые вкрапления, благодаря которым он не переключит песню.
Человеческая психика устроена таким образом – внимание держится от 15 до 30 секунд на одном объекте, а затем возникает привыкание, и мозг начинает искать новые впечатления и ощущения. Зная это – пользуйтесь. У Вас масса средств выразительности: гармония, ритм, темп, тембральные решения, динамические акценты и спады, мелодические подголоски, спецэффекты, пространственная обработка, модуляция (как в музыкально-теоретическом смысле, так и в саунд-дизайнерском) и так далее. Напугайте слушателя, рассмешите его, или придумайте что-то свое. Ваша задача – его внимание.
Но тут важно не переборщить! Не нужно делать из музыки мозаику, если, конечно, перед Вами не поставлена именно такая техническая задача.
В общем, совет четвертый. Не отправляйтесь в пустыню с баночкой колы в надежде, что через пару барханов на пути Вам встретиться ларек. Короче говоря, продумайте элементы для стимулирования внимания на протяжении всей песни, чтобы слушатель не уснул от скуки.
Избегайте клише
Когда-то давно, занимаясь в рамках курса композиции у замечательного преподавателя и композитора Медюляновой Полины Викторовны, я услышал от нее отличную фразу, которую запомнил навсегда. Я много чего сказанного ей запомнил, но эта фраза врезалась в сознание. «Когда композитору нечего сказать, он использует хроматическую гамму или уменьшенный септаккорд». В этой фразе сосредоточены вкус и музыкальная мудрость. И, конечно, она подразумевает не только сами по себе примитивные средства выразительности, каковыми являются перечисленные элементы, но и множество других шаблонных примочек. Эти примочки могут иметь отношение как к композиции, так и к аранжировке, поскольку аранжировка практически в обязательном порядке включает в себя композиторское начало.
Немного поясню. Некоторые шаблонные элементы бывают весьма кстати, когда стоит конкретная задача, и ее надо выполнить в короткие сроки. К примеру, просят композитора написать «слезливую песню про любовь» – тут же к месту приходится «золотая секвенция », стандартный гармонический оборот (пример – Dm–G–C–F–Hm♭5–E7–Am). В таких случаях шаблоны помогают удовлетворить всех – заказчик счастлив («какой же гениальный композитор!»), композитор сыт.
Но все-таки это, скорее, частный случай, хотя и довольно распространенный. А нередко музыкант, придумавший песню, сам же хочет и аранжировать ее, а значит относится к этому процессу не как к ремеслу, а как к творчеству. Но творчество тоже должно иметь строгие рамки, и если уж в этих рамках нарушаются какие-то правила, то эти нарушения должны быть осознанными и оправданными . Так что, придется взять за правило – избегать шаблонов и клише, чтобы не попасть под обстрел коллег-музыкантов, готовых сравнить Вас с любыми поющими трусами на ТВ.
Итак, какие могут быть клише в аранжировке? Их немало. Кое-что, возможно, Вас и самих уже не раз раздражало в «хитах» на радио. Например, произносимые патетическим шепотом последние 3-4 слова песни. Да, да, работа с голосом – это тоже аранжировка. И если каждый аранжировщик будет перед заключительным аккордом всегда делать остановку с паузой (стоп-тайм), заполненной слащавым шепотком – об этом скоро начнут рассказывать шутники из камеди-клаба.
Еще пример шаблона – использование «эффекта Шер » на голосе. Когда-то в конце 90-х певица Шер исполнила отличную песню Believe, и многие слушатели были в восторге от того, как местами был обработан ее голос. С тех пор даже самый замшелый провинциальный продюсер считает своим долгом впихнуть подобный эффект в любую песню, считая, видимо, это признаком хитовости и мастерства. По сути, эта обработка голоса – не что иное как побочный эффект тюнинга вокала, и во многих случаях он является скорее браком. Но ничего не поделаешь – мода есть мода, и по всем музыкальным каналам в каждом клипе мы видим и слышим певцов с «изломами» на связках, издающих странные утробные звуки вместо пения. Причем теперь, спустя полтора десятка лет, этот эффект появляется не эпизодически. Иногда на включенном «жестком» тюнинге поется вся песня.
Другой возможный шаблон – модуляция . Речь о тональной модуляции в данном случае. Почти всегда модуляция – это признание собственной несостоятельности как аранжировщика. Когда аранжировщик понимает, что песня идет к концу, а идей по развитию и подведению к кульминации нет – он использует избитый, проверенный прием. А что? Очень здорово! Скопировать один куплет и припев, а потом раз – и поднять все на полтона или тон. Делов на 15 секунд. Только все, почему-то, забывают, что модуляция – это средство выразительности , которая требует такого же внимательного подхода, как и придумывание мелодии, разработка ритм-секции или .
Есть единичные примеры творческого использования модуляции в популярной музыке.
Элла Фитцджеральд , исполняя Mack The Knife – на протяжении песни постоянно шагала по тональностям вверх и вверх. Смысл этого – не в аранжировочном приеме, а в способе продемонстрировать вокальные способности самой великой певицы.
Аналогично нередко поступал Фредди Меркюри в песнях Queen и в своем сольном творчестве. Всю песню выть по верхам – некрасиво, но и недюжинные возможности вокала тоже грех держать в узде. Поэтому в песнях часто использовалась модуляция, причем даже не на полтона или тон, а и на более широкие интервалы. Очень хороший пример – песня Дэйва Кларка Time, которую исполнил Меркюри. Написанная для мюзикла, песня учитывала особенности вокала певца, и, начавшись в Соль-мажоре, к концу масштабно звучит в До, поднявшись на кварту. Естественно, помимо самого перехода в другую тональность, были применены и другие способы подчеркнуть напряженное движение к кульминации – отыгрыши, насыщение хоровыми партиями, оркестровые тутти и так далее.
Ставшая суперпопулярной благодаря другому мюзиклу песня Belle – еще один пример великолепного владения техникой модуляции и тонкого композиторского вкуса. Риккардо Коччанте , безусловно, мастер своего дела, раз в несколько тактов уводит тональность на малую терцию вверх, замыкая тональный план в тот самый уменьшенный септаккорд, который теперь уже звучит ох как небанально.
Ну, кстати, нельзя не вспомнить и наших соотечественников – песня «Чистые Пруды» Давида Тухманова , ставшая популярной в исполнении Игоря Талькова . Начавшись в C#m, затем, вроде бы примитивно, переходит в Dm. И не было бы тут ничего примечательного, если бы в самом конце, во время грустного и драматического соло аккордеона вдруг не возникла тревожная пауза и тональность не вернулась бы обратно в C#m. Как это сделано – Вы можете найти и послушать эту запись. Это просто шедеврально.
С модуляцией примерно понятно. Не стоит ее делать, если она не нужна . Она должна решать художественные задачи, но ни в коем случае не быть самоцелью.
Хроматические гаммы, уменьшенные септаккорды, стоп-тайм с шепотом – со всем этим тоже нужно быть крайне внимательным.
Про некоторые другие клише я также писал в статье про . Текст также является частью песни, и работа над текстом, над его ритмикой, над певучестью – это та же аранжировка. Возможно, для кого-то указанная статья также будет полезна.
В общем, совет пятый. Зеркала бесполезны в комнате, где нет света . Используйте доступные средства выразительности только тогда, когда они оправданы. Каждый раз спрашивайте себя – «зачем я это делаю?».
Основные принципы
И еще немного о том, каких основных принципов стоит придерживаться при работе над аранжировкой.
Принцип контрастов
Принцип контрастности лежит в основе любого вида искусства. Живопись, литература, музыка, кино – везде есть контрастные линии . Натюрморт – яркие фрукты на монотонном фоне. В фильмах и в романах – положительные и отрицательные герои, лирика и острота сюжета. Так и в музыке – про контрасты нельзя забывать.
Куплет разряженный, припев забойный. У певицы низкий тембр голоса? Добавьте тоненький высокий сольный звук в паузах между фразами. Ритм-секция? В куплете хай-хет – в припеве райд, в куплете сайд-стик – в припеве малый с рим-шотом.
Принцип развития
Не забывайте про Золотое Сечение , принципы которого наиболее четко сформулировал еще Леонардо да Винчи в своем Витрувианском Человеке. Чтобы понять, как принцип золотого сечения реализуется в музыке – необязательно изучать творчество да Винчи (хотя, с точки зрения всесторонней развитости – весьма полезно). Достаточно понять, что эта самая точка находится примерно в третьей четверти Вашего опуса. Примерно к этому моменту Вы должны сделать все, чтобы подвести развитие к апогею. Именно в этой части чаще всего наступает кульминация , за которой следует спад длительностью примерно в четверть произведения.
Также не забывайте про постепенное развитие от куплета к куплету. Причем развитие – это совсем не обязательно уплотнение ткани или добавление других инструментов. Возможно, Вы найдете свой собственный способ развития.
Иногда развитие может быть почти незаметным. Ну, допустим, добавили одну барабанную сбивку, или немного побольше дали дилея или ревербератора на вокале. Или спецэффект какой-то разовый запустили. В общем – сделали какой-то шаг с места.
Часто аранжировщики применяют «голое» фортепиано или гитару в качестве аккомпанемента в первом куплете, добавляют бас и барабаны во втором, гитару с овердрайвом или синтезаторы в припеве, и так далее. Это тоже своего рода шаблон, но это, если можно так сказать, классика, а классика, как известно, не устаревает. Правда, это не значит, что каждая аранжировка у Вас должна строиться именно так.
Один из ярчайших примеров работы над развитием музыкального произведения – песня группы Queen под названием I Want It All . Я довольно часто привожу примеры из творчества этой группы – во-первых, из-за своей большой любви к их музыке, а во-вторых – по причине уникальной ее сбалансированности. Не даром это «классический рок» – в нем соблюдаются практически все законы классической музыки. Однако, как Вы уже заметили, я не выкладываю их записи, чтобы не нарушать права авторов. Каждый сам для себя может решить, где и как их можно послушать, я лишь даю наводки. Очень рекомендую внимательно послушать обозначенную композицию. Пример гениальной драматургии, выстроенной всего лишь на трех-четырех аккордах с незначительными отклонениями. Там и смена ритмов, и плавное насыщение куплетов, и применение различной фактуры аккомпанемента, и мощные драматичные гитарные соло, и качественная проработка коды, великолепная средняя часть, и хоралы, в общем – сама аранжировка это произведение искусства.
Стройность формы
Кроме того, не забывайте про музыкальную форму. Про «третью часть», про «бриджи» (об этом я писал в уже упомянутой статье про текст песни). Не забывайте, что иногда после бурного развития хочется чего-то расслабленного, отвлеченного.
Изучите, почитайте в интернете, какие бывают формы музыкальных произведений. Студентов музыкальных учебных заведений учат этому по толстенной книге «Анализ музыкальных произведений » Мазеля и Цуккермана. Если найдете и осилите – будет большой плюс. Но если даже нет – поинтересуйтесь хотя бы у поисковиков об основных типах музыкальных форм. Наиболее частые формы в популярной музыке – песенная (ААБА ), куплетно-припевная (АБАБ ), иногда применяется также форма рондо (АБАВАГ или БАВАГА ) или простая периодичная форма (ААА ). Также опытные композиторы и аранжировщики применяют развитую форму, где помимо куплета и припева есть связующая часть – бридж (АБВАБВ ). Вряд ли Вам сразу захочется овладеть приемами сонатной формы , однако если Вы все-таки вникнете в вопрос – это может оказаться довольно полезным знанием.
Это только так кажется, что форма имеет небольшое значение для слушателя. На самом деле, это очень мощное средство психоакустического воздействия на подсознание. С помощью чередования частей Вы вводите слушателя в некое состояние транса, увлекая и удерживая его внимание. Слишком затянутая или слишком короткая какая-то из частей может выбить из нужного состояния, отвлечь и заставить потерять к музыке интерес.
В случае с формой – не нужно ничего изобретать. Музыкальные умы столетиями выкристаллизовывали «рабочие» схемы, которыми мы теперь можем просто пользоваться. Эти схемы воздействуют, прежде всего, на подсознание, поэтому сознательно вряд ли кто-то обвинит Вас в плагиате. Наоборот – если кто-то назвал Ваше произведение стройным по форме – можете быть уверены, Вы услышали весьма лестный отзыв профессионала.
Инструментовка
Основы инструментовки лежат в другой музыкальной науке – в контрапункте . Раньше, когда не было такого разнообразия инструментов, чаще всего в роли оркестра (которого, кстати, тоже еще не существовало в классическом понимании) выступал либо один орган, либо хор, либо, к примеру, клавесин. И партии часто разделялись не по инструментам, а по голосам, по регистрам. Есть верхний голос, средний, нижний… Чаще всего голосов было четыре – по принципу хорала (два женских голоса – сопрано и альт, и два мужских – тенор и бас). Затем стали появляться инвенции и фуги, с более сложными мелодическими рисунками, и, соответственно, часто с меньшим количеством голосов (два или три).
Естественно, когда на органе играются примерно одним и тем же звуком разные голоса – необходимо обеспечить читаемость этих голосов. Соответственно, партии выстраивались по определенным законам (строгое письмо), которые гарантировали, что каждый голос будет восприниматься индивидуально.
Сейчас, когда музыкальные средства стали крайне доступными, развращенные данным обстоятельством аранжировщики часто допускают беспредел в своих творениях. Ограничений по ресурсам нет – внутренний тормоз тоже отключается. Итог – перегруженная, перенасыщенная аранжировка.
В основе любой инструментовки должны быть элементы контрапункта. Одновременно должны звучать следующие голоса (желательно – не более!):
— сольный инструмент (вокал, гитара, синтезатор);
— гармонический инструмент (фортепиано , струнные, гитара, или их аккуратная комбинация);
— ритм (барабаны, перкуссия, );
— бас (основа аранжировки, фундамент);
— противосложение (подголоски, заполнения, дополнительная сольная партия).
К этому можно добавить, разве что, разные спецэффекты, и то – надо держать себя в руках, чтобы не переборщить. Подголоски не должны забивать вокал, они должны его оттенять. Инструменты гармонической группы не должны между собой биться ни по партиям, ни по регистрам.
Какие-то из перечисленных элементов могут иногда отсутствовать. Эпизодически можно вкраплять и дополнительные партии – но основная ткань не должна быть перегруженной .
Выражаясь фигурально – если красивую женщину всю увесить золотом – она не то что не станет еще лучше, она рискует рухнуть, переломать ноги и задохнуться. То же и с музыкой. Украсьте ее цепочкой, колечком и сережками, причешите, оденьте, обуйте. И будет красиво. А если сплошные украшения – коллапс.
Взгляд звукорежиссера
Не забывайте о том, что песня не отправляется сразу же на радио после завершения Вами работы над аранжировкой. На эту аранжировку еще предстоит записать голос , сделать сведение и мастеринг . Так что, работая над аранжировкой, думайте о тех, кто сменит Вас на посту.
Если вокалисту будет сложно петь – хорошего исполнения не получится. Певцы – народ хрупкий, чуть что – на нервы, переживают, ничего не выходит… Если аранжировка не дает исполнителю дышать – это плохая аранжировка. Певцу должно быть комфортно. Тогда он и споет красиво и с душой. Тогда и аранжировка Ваша будет слушаться легче и приятней.
Если инженеру сведения на записи будет чересчур сложно укладывать Ваши партии в микс – можете попрощаться с половиной своих находок, он их просто вырежет. Потому что хорошо сведенное меньшее количество партий – лучше, чем плохо сведенная батарея звуков. Каждый аранжировщик должен иметь хотя бы какое-то представление о процессе сведения. Чтобы придумывая партии – заботиться о том, какая их ждет дальнейшая судьба.
Вспомним про соответствие формы и содержания. Хорошая песня хорошо аранжируется. Хорошая аранжировка хорошо сводится. Хороший продукт легко слушается. Рецепт, как видите, простой. Все должно быть хорошо.
Подходите творчески
В общем, как я и говорил – в конце длинного разговора об аранжировке можно прийти к выводу, что с места ты никуда и не сдвинулся. По сути, я не сказал ничего нового или секретного, каждый прочитавший эту статью наверняка не раз ловил себя на мысли – «а я и так это знал !». Да, все описанное – логично и просто. Но в этой простоте сложность представляет иногда необходимость собрать все тезисы воедино, подойти к процессу осмысленно и выдать предсказуемый результат.
Надеюсь, мне все-таки удалось некоторым образом систематизировать всю нужную информацию. Ну, а главный совет, который можно дать любому аранжировщику – слушайте хорошую музыку, впитывайте ее в себя, а по возможности – анализируйте. И тогда никакие правила и законы не будут Вас отвлекать от творчества.
Отдельно хочу поблагодарить подписчиков этого блога , да и просто читателей. Меня очень радует, что каждый день в среднем 4-5 сотен человек заглядывают сюда, ну и то, что количество подписчиков всего за несколько месяцев уже приближается к сотне . Буду стараться раскрывать как можно больше интересных и актуальных музыкальных тем. Надеюсь, ряды читателей будут множиться. Еще раз всем спасибо. Ну, а если Вы еще не подписались – можно сделать это прямо сейчас .
Кстати, всех, кто интересуется звуком и синтезаторами, я также хочу пригласить в свою профильную
Данная статья посвящена рассмотрению самых распространенных ошибок, которые допускают начинающие композиторы, создавая музыку/аранжировки для симфонического оркестра. Однако ошибки, о которых пойдет речь, довольно распространены не только в симфонической музыке, но и в аранжировках поп-, рок-музыки и т. д.
Существует две группы ошибок, характерных для композиторов:
- 1.Первая группа обусловлена недостатком знаний и опыта. Эту проблему легко решить.
- 2.Вторая группа является результатом недостатка жизненного опыта и несформированного вкуса. Этот фактор сложно объяснить, но зачастую он играет даже более важную роль, чем обучение.
Об этом мы поговорим ниже.
Итак, разберем основные ошибки, заслуживающие особого внимания.
1. Неосознанное заимствование
Неосознанное заимствование можно еще назвать непреднамеренным плагиатом. С этой ошибкой сталкиваются практически все. Чтобы решить эту проблему, следует слушать как можно больше разнообразной музыки. Зачастую прослушивание одного композитора или исполнителя оказывает сильное влияние на вас, возникает тесная связь между вами и элементами музыки.
Однако если вы слушаете достаточное количеств разных композиторов и музыкальных групп, то вы не будете неосознанно копировать их, а будете писать свой уникальный материал. Заимствования могут вам помогать, но они не должны делать из вас копию какого-то другого композитора.
2.Отсутствие баланса
3. Скучные текстуры
Однотипные текстуры в течение большого отрезка времени нагоняют скуку на слушателя. Если прислушаться к партитурам профессионалов, то часто можно увидеть, что каждый такт вносятся какие-то изменения в оркестр, которые по-новому его окрашивают. Весьма редко для исполнения мелодии используется один инструмент. Постоянно добавляются дублирования, меняются тембры и т. д.
Чтобы не допустить однообразия, изучайте чужие аранжировки и анализируйте увиденные в них приемы.
4. Лишние усилия
Речь идет об необычных приемах игры, для использования которых от исполнителя требуется максимальная концентрация. Зачастую более простые приемы помогают получить более благозвучную аранжировку . Редкие приемы целесообразно использовать тогда, когда это оправдано, иными словами, если нужного эмоционального эффекта невозможно добиться никаким другим способом.
Безусловно, прославленные композиторы используют все предельные возможности оркестра, но, сколько нервов это ему стоит. Золотое правило - чем проще, тем лучше. Если вы все-таки тяготеете к авангарду, сначала попробуйте найти оркестр, который захочет и сможет это сыграть.
5. Отсутствие эмоций и интеллектуальная наполненность
Я постоянно повторяю, что ключевую роль играет баланс. Ваша музыка будет обладать интеллектуальной и эмоциональной глубиной только в том случае, если вы будете жить интересной и насыщенной жизнью.
Практически все композиторы много времени уделяли путешествиям и активно участвовали в общественной жизни. Где вы будете брать новые идеи, если вся ваша жизнь сосредоточена в четырех стенах? Интеллектуальный фактор подразумевает отражение вашего мировоззрения в вашей музыке.
Изучайте философию, эзотерику и смежные дисциплины - это поможет вам развиваться в творческом плане. Создавать великую музыку может только человек с великой душой. Для написания музыки недостаточно обучиться этому. Большое значение имеет умение общаться с людьми и окружающей средой.
6. Истерия и интеллектуальная перегруженность
Излишек чувств или холодной интеллектуальности не приводят ни к чему хорошему. В музыку нужно вкладывать эмоции, контролируемые разумом. Иначе вы потеряете саму суть музыкального искусства.
7. Использование шаблонов
Творчество погибает там, где применяются устоявшиеся штампы, клише и т. п. Используя все это, вы уподобляетесь автоаранжировщику. Вы должны стремиться сделать уникальной каждую свою работу, отразить в ней свою индивидуальность. Это касается и аранжировки поп-песни. Поэтому вам следует постоянно искать новые приемы, скрещивать стили и не допускать повторений.
Шаблоны с хорошим звучанием могут, конечно, сослужить добрую службу, но в результате вы можете потерять свое я.
8. Незнание инструментов
Не редко встречается неправильное использование диапазонов инструментов. Не ориентируясь в техниках, вы можете написать партии, которые музыканты просто не смогут исполнить.
Стоит обратить внимание и на тот факт, что удачно написанная партия имеет хорошее звучание даже при её исполнении виртуальными инструментами, тогда как партии, при написании которых не учитывалась специфика инструмента, даже при живом исполнении будут звучать неубедительно.
Профессиональному музыканту достаточно просто взглянуть на ноты, чтобы понять, насколько совместима эта партия с его инструментом. Иными словами, большую часть партий можно сыграть, однако они могут быть настолько неудобными, что учить их бессмысленно, или написанными так, что даже при исполнении, например на гитаре их звучание будет напоминать другой инструмент.
Во избежание этого следует внимательно прислушиваться к сольным произведениям для инструментов, с которыми вы работаете. Оптимальный вариант - освоить базовые приемы игры. Вы также можете советоваться с солистом, показывая ему свои наработки.
Это поможет вам довольно быстро научиться писать удобные партии, которые можно играть. При написании для сессионных музыкантов большое значение имеет то, насколько легко ваши партии играются с листа или как быстро они снимаются.
9. Партитуры с искусственным звучанием
Так как большая часть авторов работает на компьютере с виртуальными инструментами, очень важно добиться реалистичного звучания ваших аранжировок практически без исправлений. Как уже говорилось выше, хорошо написанные партии отличаются хорошим звучанием даже при воспроизведении компьютером. Это утверждение справедливо и для рок-группы, и для полного симфонического оркестра.
Вы должны стремиться добиться такого эффекта, при котором слушатель не думал бы, звучит ли оркестр механично или программные ли барабаны. Безусловно, внимательно прислушиваясь, можно легко понять, живое это выступление или программное.
Руки и уши - ваши главные помощники.
______________________
Тема сегодняшней статьи — структура и приемы аранжировки (англ. arrangement). Ни для кого не секрет, что слово аранжировка зачастую вызывает страх и ужас у студентов и студенток начальных курсов всех музыкальных вузов страны. И немудрено – ведь эта исключительно творческая наука требует титанических усилий, постоянного саморазвития. Но прежде всего – исключительно творческого подхода к делу, неподдельной любви к музыке .
Часто случается так, что некоторые любимые ваши фрагменты, или очень длительная и напряженная часть аранжировки оказывается совершенно ненужной, и ее приходится вычеркивать ради успеха общей картины композиции. ТопЗвук
В нашей статье мы постарались разобраться с некоторыми особенностями, приемами в аранжировке, а также понять ее структуру создания. Эта профессия не стоит на месте; то, что было актуально всего 10-20 лет назад, сегодня в техническом плане – в вопросах именно процесса работы – кардинально изменилось.
Цены на услуги звукозаписи |
||
|---|---|---|
| Услуга | Способ оплаты | Стоимость |
| Запись голоса | Почасовая | 750 руб/час |
| Сведение и мастеринг | Почасовая | 750 руб |
| RAP под минус | Фиксированная | 3000 руб |
| RAP под минус "Премиум" (с доп. эффектами) | Фиксированная | 4000 руб |
| Песня под минус "Лайт" (1 ч. записи + обработка без тюнинга) | Фиксированная | 3000 руб |
| Песня под минус "Премиум" (1 ч. записи + обработка и глубокий тюнинг) | Фиксированная | 5000 руб. |
Традиционные инструменты
Вот несколько основных приемов аранжировки с обычными стандартными музыкальными инструментами.
Обычно саксофоны или трубы, но также и гитары (так называемые транспонирующие инструменты) пишут сначала в ключе До. Необходимо писать их в том же диапазоне, где происходит их реальное звучание.
Все любят пользоваться штрихами, динамическими обозначениями, такими как форте, крещендо, пиано и т.п. В современных шаблонах, как правило, их не указывают, так что все эти элементы – целиком и полностью зависят от вашей персональной фантазии .
Примеры портфолио с аранжировкой (РОК, ПОП, РЭП)
TZПример 1. РОК
Группа "Провода" - песня "Глубоко"
Пример 2. РОК
Группа "Hellya" - песня "Coco"
Пример 3. ПОП
Группа «The Produkt$» - песня «I Have a Dream»
Пример 4. ПОП
Песня «Цепляйся». Аранжировка под ключ
Пример 5. РЭП
Песня «Дай мне». Аранжировка + сведение
Пример 6. РЭП
Песня «Сорванец». Аранжировка + сведение
Сложно следить за соответствием с реальным диапазоном инструмента, на который писалась нотная партия. Особенно тяжело бывает разобраться по первому времени с басом, гитарой и прочим. Но не беда, опытный музыкант на месте сможет “подправить”.
Слышали про General MIDI? Всегда можно применять свои собственные, записанные самостоятельно звуки, но, надо сказать, все синтезаторы, имеют личный банк стандартных звуков. Как правило, подбор тембров основывается именно на них.
Особенности ударных инструментов
Записывают звуки барабанов простыми нотами. Для этого вы должны разобраться в GM (General MIDI) стандарте. Простое правило работы с этим форматом — барабаны стараются писать на пару октав выше их обычной высоты, если партия читается просто.
Отметим, что большая часть современных стилей включает в себя много ударных инструментов . Их будут записывать на нескольких нотоносцах. Далее их транспонируют в удобную тональность, уменьшая число ненужных знаков, и удобный для музыканта диапазон (то есть 1-2 октавы). Также не забывайте про перевод нот для настоящего барабанщика в его профессиональный «язык».
Посмотрите видео. Отличный пример того, как записываются барабаны с помощью MIDI. Сигналы передаются из контроллера (в данном случае — электронные барабаны) в компьютер и уже в секвенсоре на них «навешиваются» и настраиваются нужные звуки. В качестве контроллера можно использовать обычную midi-клавиатуру с традиционными клавишами или пэдами (также подойдет даже недорогой синтезатор, имеющий midi-выход).
Ударные условно принято подразделять всего на 5 групп. К основной относят все размеры барабанов. А еще томы, позволяющие видеть основную линию ударных, и вся дополнительная работа палочками по частям барабана. Следующая важная группа – педали, как закрытые, так и открытые. Эту группу называют хай-хэт. В латиноамериканской музыке отдельно рассматриваются третьей общностью работа конгов, бонгов, тимбалес. Еще есть в ударных инструменты с так называемыми мягкой и острой атаками. К первым относят шейкеры и маракасы, а вторые – треугольники, клавес.
О записи барабанов и ударных инструментов можно почитать в нашей статье.
Разбираемся в структуре аранжировки
Для начала займитесь созданием и прорисовкой структуры . На этом этапе важно определиться с точным количеством тактов для всех частей. Сколько будет куплетов, припевов, какая будет кода, а каким гитарное соло. Вам для этого понадобится нотный или обычный лист, просто разметьте его тактами, при соблюдении структуры песни.
Следующий шаг – подбор тембров, которые вы задействуете в своей аранжировке. Сейчас нужно определиться с функциями каждого, кто из них будет соло, а кто аккомпанемент.
Третий этап – возьмите за основу какой-нибудь книжный шаблон, а лучше – тот, который вы придумали сами, и займитесь основной кропотливой задачей – напишите к ним ноты.
Как правило, шаблон должен выглядеть доступно и просто, поэтому он лежит в До-мажоре (это упрощает работу с материалом из-за отсутствия ключей альтерации на нотном стане) и имеет длины по 1-2 такта. Вам останется только переделать под необходимые вам тональности и уложить в требуемое число тактов. Так получается нотное произведение. Возможно, у некоторых инструментов таким образом станет слишком много пустых тактов. Это нормально, ведь в отличие от классической аранжировки – упрощения чужого произведения, сейчас мы говорим об истинном творчестве. Не беда, если позже вам захочется что-то добавить, поэтому чтобы не запутываться, рекомендуем записывать пустые такты. В общем, на этом этапе вы должны подготовить индивидуальные нотные партии для всех ваших инструментов .
После проведения титанической работы стоит позволить небольшой перерыв, а затем начинается новый виток не менее глубокого творчества. Соберите черновик всей партитуры песни. Запомните, не нужно жалеть о нотных бумагах, записывайте все пустые такты, если вы конечно не пишите чистовик для студии, для издательства или, скажем, оркестра. Сэкономив пару нотных листиков, бывает, композитор потом теряет часы и дни для воссоздания нужной ему картины.
Дальше – в секвенсор устройства, на котором вы работаете, будь то синтезатор или компьютер, вам предстоит занести все партии, треки. Не стоит долго корпеть над отдельными партиями, а лучше сделать эту работу максимально быстро. Почему, спросите вы. Просто, пройдет время, и вы сможете всегда к ним вернуться, если хотите их изменить. Обидно, но действительно часто случается и так, что некоторые любимые ваши фрагменты, или очень длительная и напряженная часть аранжировки оказывается совершенно ненужной, и ее приходится вычеркивать ради успеха общей картины композиции .
Финальная часть
Теперь пора прослушать готовую запись, сделать это внимательно, а потом решить, стоит ли заниматься над ее улучшением или оставить шедевр в таком виде. Внимание, вот этот этап – действительно очень интересный, самый ответственный во всей работе. Теперь вам нужно будет поработать над корректировкой тембров в готовых работах. Скорее всего, придется двигать часть фрагментов на октаву вниз или вверх. Запишите снова неудачные фрагменты или партии. Попытайтесь “оживить” солирующие партии
На этом практически вы подошли к финалу. Теперь, если есть возможность и желание, добавляйте реверберацию или прочие элементы звуковой обработки. А также подкорректируйте баланс громкости каждой музыкальной единицы в вашем ансамбле .
Всё! Напоследок только наберите Элтону Джону, скажите певцу, что все у вас готово. Пускай скорее забирает ваши труды, конечно, если вам их отдавать не жалко.