Знает даже дату первой французской балетной постановки. 15 октября 1581 года королевское и придворные увидели постановку «Цирцея, или Комедийный балет королевы». Задумка представления принадлежит одному из придворных скрипачей - итальянцу Бальтазарини де Бельджозо.
На заре балета в его основе лежали танцы, принятые при королевском дворе. Примерно через сто лет зарождаются новые жанры: балет- , балет-опера и другие. Музыку для таких спектаклей начинают выделять в особый жанр, а постановку стремятся максимально драматизировать. Спустя еще век балет становится самостоятельным видом искусства. Немалую роль в этом сыграл французский балетмейстер Жан Жорж Новерр, который провел ряд реформ и сделал ставку на раскрытие постановки через выразительные образы.
В особую категорию всегда выделяли балет. Первый в России спектакль был поставлен 8 февраля 1673 года. В тот день царь Алексей Михайлович находился в подмосковном селе Преображенское и желал развлекаться. По преданию, балет ему настолько понравился, что он повелел развивать это направление искусства.
Русский балет как особая часть общего балетного искусства стал формироваться в начале XIX века. Французский балетмейстер Шарль-Луи Дидло сделал более тесной связь танцевальных па и пантомимы, увеличил значение кордебалета. Именно он делал центром постановки танец. Русский балет не был бы известен во всем мире, если бы не композитор П.И. Чайковский. Именно ему принадлежит , ставшая основой классических «Щелкунчик», «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и других. Глубокая проникновенная музыка дала возможность танцорам более полно раскрыть образное , выразить драматическими средствами чувства и переживания героев. На сцене персонажи росли, развивались, боролись друг с другом и самими собой, влюблялись, убивали. Балет перестал быть просто видом танца, а стал настоящим искусством, понятным зрителю.
Академический балет XIX века был закован в рамки правил, стереотипов и условностей. В начале XX века не только в России, но и других странах мира начались усиленные поиски новых форм. Появился модерн – альтернатива строгим формам, а затем и свободный танец. Считается, что свободный танец придумала Айседора Дункан. Она была убеждена, что танец естественен, является частью каждого человека и отражает язык души. Именно Дункан первая спустилась с балетных пуант, отказалась от неудобных пачек в пользу легких и летящих одеяний. Свободный танец стал мировым движением, которое послужило толчком к очередному эволюционному витку балета.
Справедливо считается высшей ступенью хореографического искусства, где танец превращается в музыкально-сценическое представление. Этот вид искусства возник в XV-XVI веках, намного позднее танца. Изначально он являлся придворно-аристократическим искусством. Танец - главное средство выражения в балете, но немалое значение имеют драматургическая основа, сценография, работа художников по костюмам, по свету.
Классический балет – сюжетный танец, где танцоры всегда посредством танца рассказывают некую историю. Классический многоактный балет традиционно посвящен мифам, сказкам, историческим темам. Жанровые постановки могут быть героическими, комическими, фольклорными.
В основе происхождения названия либо латинское ballo – «танцую», либо французское balletо, имеющее то же значение.
Балетом называется и танцевальный спектакль, и разновидность театрально-музыкального искусства, где с помощью пластики и хореографии создаются выразительные художественные образы.
Театрализация танца началась в Италии в XV веке, когда танцмейстеры стали создавать на основе народных танцев танцы придворные, а также бальные.
Первый балет
Первая балетная постановка, где были объединены танец, музыка, пантомима и слово была поставлена во Франции при дворе Екатерины Медичи в конце XVI века. Она называлась «Цирцея и нимфы» и была поставлена Бальтазарини ди Бельджойозо, замечательным балетмейстером, скрипачом, прибывшим из Италии со своим оркестром скрипачей.
Это была постановка с античным сюжетом, которая положила начало развитию французского придворного балета. Интермедии, пасторали, маскарады и танцевальные дивертисменты быстро стали украшением придворных празднеств.
Основные каноны балета, составленные Пьером Бошаном
Всякий танец в основе имеет определенные правила, и танец превратился в балет, когда балетмейстер Пьер Бошан описал каноны благородной танцевальной манеры.
Движения танцора Бошан разделил на группы – прыжки, приседания, различные положения корпуса и вращения. В основе этого вида танцевального искусства был принцип выворотности ног, благодаря которому тело могло двигаться в разные стороны. Вышеописанные движения выполнялись на основе трех позиций рук и пяти позиций ног.
Развитие балета
С этого момента и началось развитие балета, ставшего самостоятельным искусством в XVIII веке.
Развитие балетных школ начинается во всей Европе, добираясь до России, где в 1738 г. в Санкт-Петербурге был основан Русский императорский балет.
Ранним танцовщикам приходилось нелегко – они носили очень сложные костюмы, движения затрудняли тяжелые юбки. Но постепенно костюм менялся – балетные туфли утратили каблуки, одеяния балерин стали легкими и воздушными.
Балетмейстеры учили танцовщиков выражать эмоции жестами и выражением лиц, мифологические сюжеты заменялись рассказами о дальних странах, любовными историями и сказками. В таком виде классический балет сохранился до наших дней как один из видов прекрасного танцевального искусства.
История мирового балета знает немало легендарных имен. В Стокгольме перед старинным зданием Музея танца сооружен памятник. В скульптуре из бронзы воплощен образ выдающейся русской балерины Галины Улановой в партии Лебедя (скульптор Елена Янсон-Манизер). Кто из нас не помнит танец маленьких лебедей или адажио Одетты-Одилии из сказочно-фантастического балета П. Чайковского «Лебединое озеро»? Эта музыка стала любимой для многих людей во всем мире, ведь идеи борьбы против темных сил, которые стоят на преграде к счастью, понятны представителям разных культур, людям разного возраста, разных художественно-эстетических интересов и вкусов.
– вид музыкально-сценического искусства, его содержание раскрывается в хореографических образах. Французское слово «ballet» произошло от итальянского «танец». Французское название и итальянский корень не случайны. Родина балета – Италия, время возникновения – Возрождение. Итальянцы издавна любили танцевальные сценки на карнавале, которые со временем превратились в танцевальные спектакли. Во Франции стал популярным придворный торжественный балет. В королевской академии танца (Париж) сформировалась школа классического танца – своеобразный язык хореографического искусства, который в основном сохранился до наших дней. Балет состоит из музыки, танца – классического и характерного, пантомимы, сценария (либретто), сценографии.
В России балет стал популярным в 18 веке благодаря одному из представителей французской школы классического танца Шарлю Дидло. Именно он поставил на петербургской сцене немало балетных спектаклей, в которых выступала, в частности, и Авдотья Истомина, чье исполнение воспел . Становление русской школы классического танца в 19 веке связано с деятельностью балетмейстера Мариуса Петипа, который поставил в Петербурге около 60 балетов, а также с музыкой , автора трех знаменитых балетов: «Лебединого озера», «Спящей красавицы», «Щелкунчика». Именно он придал глубокое психологическое содержание балетной музыке, в которой использовал принципы симфонического развития.
Историческое значение имел балетный дебют русского композитора . Его балеты «Жар-птица», «Петрушка» в постановке талантливого балетмейстера Михаила Фокина, «Весна священная» в постановке известного танцовщика и балетмейстера Вацлава Нижинского были созданы для «Русских сезонов» в Париже, которые в начале 19 века организовывал Сергей Дягилев – известный антрепренер, горячий пропагандист русского искусства за границей. Сценическое оформление, декорации, костюмы, даже либретто «Петрушки» разрабатывал художник Александр Бенуа; сценография «Весны священной» принадлежала Николаю Рериху, также соавтору либретто. Балеты И. Стравинского с оркестровыми эффектами, смелыми ритмами, ладогармоническими находками, новаторской трактовкой фольклора открыли новую эру в истории музыкального театра. Звездой первой величины в русской труппе С. Дягилева была балерина Анна Павлова. До нее в балете царил виртуозный блеск, культ танцевальной техники. Анна Павлова создала эталонные образы высокой духовности, красоты, искренности. Среди них – «Лебедь» К. Сен-Санса, «Вальс» из «Шопенианы».
Славу русского балета на мировой музыкально-театральной арене приумножил еще один воспитанник петербургской школы, ученик Н. Римского-Корсакова Сергей Прокофьев. Он – автор огромного количества произведений: опер, симфоний, инструментальных сонат и концертов, ораторий и кантат, музыки к кинофильмам. Вершиной творчества композитора принято считать балет-трагедию «Ромео и Джульетта», который благодаря новаторской хореографии, симфоническим приемам музыкального развития стал гениальным воплощением шекспировских глубоко психологических образов, общечеловеческих конфликтов. Музыку балета пронизывают основные мелодичные линии – лейтмотивы, которые соединяют в одно целое ряд образов-портретов. Стремительная и полетная тема Джульетты-девочки, мечтательно-задумчивая и грустная – Ромео, эксцентричная и жизнерадостная – Меркуцио, сурово хоральная – отца Лоренцо, трагично-угрожающая – тема вражды Монтекки и Капулетти. В череде хореографических образов как будто оживает дух эпохи Возрождения. Балет стал общепризнанным шедевром трагедийного жанра. На основе русских народных сказок С. Прокофьев создал национальные балеты «Сказка про шута» и «Сказ о каменном цветке», в классических традициях написана поэтическая «Золушка».
Незабываемые прокофьевские образы Джульетты и Золушки воплотила на музыкально-театральной сцене Галина Уланова. Она обогатила традиции лирико-романтического танца Анны Павловой, наполнила характеристики хореографических героев психологизмом, особой поэтичностью, богатой гаммой эмоциональных нюансов. Героиням Улановой – непревзойденной мастерицы пластических деталей – свойственны внешняя скромность и огромная внутренняя сила. После выступлений за границей, где искусство балерины получило широкое признание, она писала: «Во всем мире считают, что именно душа нашего танца, или, как говорил Станиславский, «жизнь человеческого духа», завораживают превыше всего».
Славу своих выдающихся предшественников продолжают современные артисты русского балета. Образы Майи Плисецкой («Кармен-сюита» Р. Щедрина), Екатерины Максимовой и Владимира Васильева («Спартак» А. Хачатуряна), Нины Ананиашвили («Жизель» А. Адана) и многих других солистов Большого театра и Санкт-Петербургского театра оперы и балета вызывают восхищение зрителей. Сейчас русский балет известен во всем мире, ни одна страна не может похвастаться такими достижениями в этой художественной области.
Балет (фр. ballet, от лат. ballo - танцую) - вид сценического искусства, основными выразительными средствами которого являются неразрывно связанные между собой музыка и танец.
Чаще всего в основе балета лежит какой-то сюжет, драматургический замысел, либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец. Немаловажную роль здесь играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются также элементы гимнастики и акробатики.
Зарождение балета
Балет зародился в Италии в эпоху Возрождения (XVI в.) вначале как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии во Франции расцветает придворный балет как пышное торжественное зрелище. Музыкальную основу первых балетов («Комедийный балет королевы», 1581) составляли народные и придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Ж. Ж. Новером. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных пластических образах, утвердил активную роль музыки как «программы, определяющей движения и действия танцовщика».
Дальнейшее развитие балета
Дальнейшее развитие и расцвет балета приходится на эпоху романтизма.
Современный балетный костюм (костюм феи Драже из спектакля «Щелкунчик»)
Ещё в 30-е годы XVIII в. французская балерина Камарго укоротила юбку (пачку) и отказалась от каблуков, что позволило ей ввести в свой танец заноски. К концу XVI II в. балетный костюм становится значительно более лёгким и свободным, что в немалой степени способствует бурному развитию техники танца. Пытаясь сделать свой танец более воздушным, исполнительницы старались встать на коньчики пальцев, что привело к изобретению пуант. В дальнейшем пальцевая техника женского танца активно развивается. Первой применившей танец на пуантах как выразительное средство была Мария Тальони.
Драматизация балета требовала развития балетной музыки. Бетховен в своём балете «Творения Прометея» (1801) предпринял первую попытку симфонизации балета. Романтическое направление утверждается в балетах Адана «Жизель» (1841) и «Корсар» (1856). Балеты Делиба «Коппелия» (1870) и «Сильвия»(1876) считаются первыми симфонизированными балетами. Вместе с тем обозначился и упрощённый подход к балетной музыке (в балетах Ч.Пуньи, Л.Минкуса, Р. Дриго и др.), как музыке мелодичной, чёткой по ритму, служащей лишь сопровождением для танца.
В Россию балет проникает и начинает распространяться ещё при Петре I в нач. XVIII в. В 1738 по ходатайству французского танцмейстера Жана-Батиста Ланде в Санкт-Петербурге была открыта первая в России школа балетного танца (ныне Академия Русского балета им. А. Я. Вагановой).
История русского балета начинается с 1738 года. Именно тогда, благодаря прошению господина Ланде, появилась первая в России школа балетного искусства - известная ныне на весь мир Санкт-Петербургская Академия танца имени Агриппины Яковлевны Вагановой. Правители российского престола всегда заботились о развитии танцевального искусства. Михаил Федорович первым из русских царей ввел в штат своего двора новую должность плясуна. Им стал Иван Лодыгин. Он должен был не только танцевать сам, но и обучать этому ремеслу других. В его распоряжение поступило двадцать девять юношей. Первый театр появился при царе Алексее Михайловиче. Тогда было заведено показывать между актами пьесы сценический танец, который именовали балетом. Позднее по специальному указу императора Петра Первого танцы стали составной частью придворного этикета. В 30-е годы восемнадцатого столетия дворянская молодежь была обязана обучаться танцам. В Петербурге бальный танец стал обязательной дисциплиной в Шляхетском кадетском корпусе. С открытием летнего театра в Летнем саду, зимнего - во флигеле Зимнего дворца кадеты начинают участвовать в балетных танцах. Преподавателем танцев в корпусе был Жан-Батист Ланде. Он прекрасно понимал, что дворяне в дальнейшем не посвятят себя балетному искусству. Хотя они наравне с профессионалами танцевали в балетах. Ланде, как никто другой, видел надобность в русском балетном театре. В сентябре 1737 он подал прошение, в котором сумел обосновать необходимость создания новой специальной школы, где девочки и мальчики простого происхождения обучались бы хореографическому искусству. Вскоре такое разрешение было дано. Из дворцовой челяди отобрали двенадцать девочек и двенадцать стройных юношей, которых и начал обучать Ланде. Ежедневный труд принес результаты, публика была в восторге от увиденного. С 1743 бывшим ученикам Ланде начинают выплачивать жалованье как артистам балета. Школа очень быстро сумела дать русской сцене прекрасных артистов кордебалета и великолепных солистов. В истории остались имена лучших учеников первого набора: Аксиньи Сергеевой, Авдотьи Тимофеевой, Елизаветы Зориной, Афанасия Топоркова, Андрея Нестерова
Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Ш.-Л. Дидло. Дидло усиливает роль кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца.
Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро» (1877), «Спящая красавица» (1890), «Щелкунчик» (1892) обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия, воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. В хореографии новаторство Чайковского было воплощено балетмейстерами Мариусом Петипа и Л. И. Ивановым положившими начало симфонизации танца. Традиция симфонизации балетной музыки была продолжена Глазуновым в балетах «Раймонда» (1898), «Барышня-служанка»(1900), «Времена года» (1900).
Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века. В своих балетах балетмейстер Большого театра А. А. Горский стремился добиться последовательности развития драматического действия, исторической достоверности, старался усилить роль кордебалета, как массового действующего лица, преодолеть разделённость пантомимы и танца. Крупный вклад в русское балетное искусство внёс М. М. Фокин существенно расширив круг идей и образов в балете, обогатив его новыми формами и стилями. Его постановки для «Русских сезонов» балетов «Шопениана», «Петрушка», «Жар-птица» и др. принесли славу русскому балету за рубежом. Завоевала мировую известность созданная Фокиным для Анны Павловой миниатюра «Умирающий лебедь» (1907). В 1911-13 на почве «Русских сезонов» образовалась постоянная труппа «Русский балет Дягилева». После ухода из труппы Фокина её балетмейстером стал Вацлав Нижинский. Самой известной его постановкой стал балет «Весна священная» на музыку Стравинского.
Танец модерн
Танец модерн - направление в танцевальном искусстве появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы хореографов.
От балета отталкивался свободный танец, создателей которого интересовала не столько новая техника танца или хореография, сколько танец как особая философия, способная изменить жизнь. Это возникшее в начале ХХ века движение (родоначальницей его считается Айседора Дункан), служило истоком многих направлений современного танца и дало импульс реформе самого балета.
Средневековье.
Как бы удивительно это не звучало, но прототипом современного балета являлся образ смерти. Дело в том, что для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха перед концом земной жизни. Изображения смерти, как и дьявола, постоянно встречаются в средневековой символике. Образ танцующей смерти возник уже в глубокой древности, она появляется также в танцах многих первобытных обществ. Но именно в эпоху Средневековья образ смерти превращается в символ потрясающей силы. «Танец смерти» (danse macabre), особенно широко распространился в Европе в XIV в., в периоды эпидемии чумы. В социальном смысле этот танец, сродни смерти, уравнивал представителей разных сословий.
Сам балет, как вид сценического искусства, возник во времена эпохи Возрождения. Но вряд ли мастера танца, развлекавшие государей роскошными представлениями, могли предположить, что сеют семена искусства, которым в грядущие века будут наслаждаться миллионы людей во всем мире.
Первородные формы современного балета появились в конце XV века в Италии, где владетельные князья нанимали профессионалов для постановки пышных зрелищ, чтобы произвести впечатление на знатных гостей. Помимо элементов драмы, эти представления включали величавые танцы, шествия в исполнении придворных дам и кавалеров.
Мастерство ранних итальянских учителей танцев произвело впечатление на знатных французов, которые сопровождали армию Карла VIII, когда в 1494 году он вступил в Италию, предъявив свои претензии на трон неаполитанского королевства. Став супругой французского короля, итальянка Екатерина Медичи привезла во Францию и моду на диковинные придворные балеты. В результате итальянские танцмейстеры стали приглашаться ко французскому двору.
Они не только обучали балету, но и являлись основоположниками моды в области этикета и манер и оказывали огромное влияние на атмосферу при дворе. Итальянец Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайe) ставил придворные представления, наиболее известное из которых носило название «Комедийный балет королевы» и обычно считается первым в истории музыкального театра балетным спектаклем.
Маскарады, постановки балета и карнавальные шествия устраивались в дворянских домах и по мере их усложнения превратились в дорогостоящие празднества. Больше всего в эпоху Ренессанса увлекались маскарадами. Люди, желавшие сохранить свое инкогнито, путешествовали в масках; представители враждующих знатных семейств также скрывали свои лица под масками.
Развитие балета при Людовике XIV.
7 июня 1654 короновали нового монарха Франции Людовика XIV. При нем балеты давались часто и обставлялись с невиданной пышностью. Примерно тогда же появилось разделение танцовщиков на любителей и профессионалов. В 1661 году Людовик учредил Королевскую академию танца «в целях совершенствования сего искусства», а спустя 10 лет Королевскую академию музыки. Так был заложен фундамент будущей Парижской оперы.
Именно в Парижской опере в 1681 году впервые появились профессиональные танцовщицы. Спустя 32 года при театре открылась балетная школа, чтобы обеспечить постоянный приток молодых танцовщиков в ставшие особо популярными оперы-балеты. Для многих балет стал профессией. Тогда же были заложены основы балетной техники и появились первые знаменитости. К их числу принадлежат балерины Мари-Анн де Камарго и Мари Салль, а также танцовщик Луи Дюпре.
Сам Людовик XIV с 12-летнего возраста танцевал в так называемых «балетах театра Пале-Рояль». Эти мероприятия были вполне в духе времени, ибо проводились во время карнавала. Карнавал эпохи барокко это не просто праздник, это перевёрнутый мир. Король на несколько часов мог превратиться в шута (как и шут вполне мог себе позволить предстать в роли короля). В этих балетах юному Людовику довелось сыграть роли Восходящего солнца (1653) и Аполлона Солнечного бога (1654).
Существует и другое культурное событие эпохи барокко так называемая «Карусель». Это празднично-карнавальная кавалькада, нечто среднее между спортивным праздником и маскарадом. В те времена «Карусель» называли просто «конным балетом». На «Карусели» Людовик XIV предстал перед народом в роли римского императора с огромным щитом в форме Солнца. Это символизировало то, что Солнце защищает короля и вместе с ним и всю Францию. Отсюда и произошло прозвище Людовика Король-Солнце.
К концу XVI века придворный балет достиг расцвета: он полностью финансировался французской монархией, которая использовала его для превозношения собственного величия. Балеты стали частью роскошных, огромных праздничных феерий, которые продолжались несколько дней кряду и включали в себя все виды развлечений.
В те времена танцевальная карьера начиналась с ранних лет и завершалась гораздо позже, чем сейчас. Балет и в малой доле не требовал такой отдачи сил, как в наши дни, а чтобы скрыть от публики свои стареющие лица, танцовщики выступали в масках. Долгое время техника и стиль танца оставались неизменными до той поры, когда в практику начали внедряться идеи французского танцовщика и хореографа Жана-Жоржа Новерра. Он нарядил актеров в легкие, не стеснявшие движений костюмы, запретил надевать маски и требовал от них не только танцевального, но и драматического мастерства.
В 1789 г. многое из того, что проповедовал Новерр, нашло воплощение в балете Жана Доберваля «Тщетная предосторожность». Никаких речей, никаких сказок о похождениях богов и богинь, никаких масок, пения и корсетов. Зритель увидел незатейливую историю о полюбившей красивого молодого крестьянина деревенской девушке, которую мать хотела выдать за богатого, но глупого сынка местного помещика. Танец обрел свободу и естественность движений.
Эпоха Романтизма начала XIX века.
В начале XIX века все виды искусства, в том числе и балет, оказались под мощным влиянием романтизма, как художественного течения. Возродился интерес к фольклору и фантазии. Ярким проявлением романтизма в балете стали спектакли «Сильфида» и «Жизель». Примерно тогда же балерины начали танцевать на кончиках пальцев встали на пуанты. Не имея балетных туфель с жестким носком, как у нынешних танцовщиц, они держались на пуантах лишь какую-то долю секунды.
Одной из первых начала танцевать на пуантах итальянская балерина Мария Тальони, отец которой поставил для нее в 1832 году «Сильфиду» на сцене Парижской оперы. В 1836 г. Огюст Бурнонвиль поставил в Копенгагене свою «Сильфиду» по воспоминаниям от спектакля с участием Тальони. Он создал для танцовщиков особенный, легкий и воздушный, стиль, который по сей день отличает мастеров датского Королевского балета.
Героиня другого романтического балета, юная крестьянка, лишается разума и умирает, узнав, что ее возлюбленный, дворянин Альберт, не сможет на ней жениться. После смерти она превращается в призрак и спасает Альберта от смерти. Премьера «Жизели» состоялась в 1841 г. на сцене Парижской оперы с Карлоттой Гризи в заглавной партии.
Теперь идеальная балерина в своих туфлях, казалось, едва касалась поверхности сцены и ее бесплотный дух словно не знал, что такое земля. В это время восходящие звезды женского танца полностью затмили присутствие бедных мужчин-танцоров, которых во множестве случаев окрестили просто двигающимися статуями, существующими только для того, чтобы балерины на них опирались. Эту ситуацию в начале двадцатого столетия немного подправило восхождение звезды Нижинского из Русского Балета. К этому времени уже развились традиционные для нас балетные костюмы, хореография, декорации, бутафория, словом, все стало почти таким, как есть сейчас. В конце концов, именно русский балет начал революцию в балетном искусстве.
Романтический балет был по преимуществу искусством женского танца. Со временем пик популярности романтического балета уже миновал, и Париж как центр классического танца стал понемногу угасать.
История балета. Часть 1: Зарождение