Il XVII secolo è l'età "d'oro" della pittura. L'arte del Seicento a confronto con la cultura
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Auto ritratto. 1630
epoche precedenti, più complesse, contraddittorie nei contenuti e nelle forme artistiche. Gli artisti pongono l'accento su una persona che è consapevole del proprio significato rispetto all'ambiente sociale e alle leggi oggettive della vita. La sua incarnazione diventa più concreta, emotiva e psicologicamente complessa. Gli artisti del XVII secolo si sforzano di mostrare la vita reale in tutta la sua diversità. Il desiderio di un'ampia rappresentazione della realtà porta in questo momento alla comparsa di tutti i tipi di scene di genere. Nelle arti visive, insieme ai generi mitologici e biblici tradizionali, i generi secolari stanno guadagnando un posto indipendente: genere quotidiano, paesaggio, natura morta. Ciò segnò l’emergere nel XVII secolo di una tendenza realistica nell’arte, che rappresenta una pietra miliare importante nell’evoluzione dell’arte dell’Europa occidentale.
In questo momento, Italia, Francia, Spagna, Fiandre, Olanda diventano rapidamente centri artistici influenti. I più grandi maestri del realismo appartengono al XVII secolo: Caravaggio, Velasquez, Hals, Delft e, naturalmente, Rembrandt Harmenszoon van Rijn - il più grande maestro dell'arte realistica, nella cui opera la pittura olandese del XVII secolo raggiunse il suo apice.
È il più grande rappresentante della pittura olandese del XVII secolo.
L'Olanda del XVII secolo è uno stato ricco, dove i mercanti raggiunsero il loro potere e una ricchezza senza precedenti. L'Olanda è un paese di commercianti, imprenditori, un paese di commercio. Le famiglie benestanti dell'Olanda di quel tempo cercavano di mostrare la loro fortuna, la loro ricchezza. E così i ricchi acquistano palazzi chic, pieni di ogni sorta di curiosità raccolte da tutto il mondo. Questi sono piatti, tappeti persiani, dipinti di epoche precedenti e gioielli. E non è un caso che la pittura olandese fiorì nel XVII secolo. I ricchi artisti locali ordinarono i loro ritratti e i ritratti dei loro familiari. Gli artisti, cercando di accontentare i propri clienti, ritraevano i ritratti all'apice della loro fama e fortuna. Tali ritratti glorificavano quelli raffigurati.
Rembrandt ha aderito a questa tradizione di creare un ritratto nel primo periodo del suo lavoro. Ma era all'inizio del percorso creativo dell'artista.
Nonostante il fatto che, molto probabilmente, non abbia mai lasciato l'Olanda, già durante la sua vita Rembrandt era conosciuto in tutta Europa e ha avuto una forte influenza sull'arte di quell'epoca. Anche quando l'artista era vivo, la sua opera e la sua vita divennero una leggenda.
Il lavoro di Rembrandt è intriso del desiderio di una comprensione profonda e filosofica della realtà e del mondo interiore di una persona in tutta la ricchezza delle sue esperienze spirituali. Realistico e umanistico nella sua essenza, segnò l'apice dello sviluppo dell'arte olandese del XVII secolo, incarnando alti ideali morali, fede nella bellezza e nella dignità della gente comune in una forma artistica individuale brillante e perfetta. La straordinaria ampiezza della gamma tematica, l'umanesimo più profondo che ispira le opere, la vera democrazia dell'arte, la costante ricerca dei mezzi artistici più espressivi, l'abilità insuperabile hanno dato all'artista l'opportunità di incarnare le idee avanzate più profonde del tempo. L'eredità artistica di Rembrandt è eccezionalmente varia: ritratti, ritratti di gruppo, nature morte, scene di genere, dipinti su soggetti biblici, mitologici e storici.
Dopo un breve studio presso l'Università di Leida presso la Facoltà di Filosofia (1620), si dedicò all'arte. Studiò pittura con Swanenbürch a Leida (1620-23 circa) e con il pittore storico Pieter Lastman ad Amsterdam (1623), che ebbe una grande influenza sull'opera di Rembrandt. Dopo un breve studio con lui, Rembrandt tornò a Leida, dove lavorò fruttuosamente dal 1623 al 1631. Aprì il suo laboratorio e reclutò studenti. È giunto il momento del successo e della fama. La sua tecnica è migliorata. Dramma, spontaneità, impressione di un momento catturato, composizioni e luci opportunamente scelte, una descrizione psicologica piena di simpatia costituiscono le caratteristiche uniche delle opere di Rembrandt.
Già all'inizio della sua carriera, un certo Maxim Häggens visitò il suo studio e lasciò un biglietto in memoria di Rembrandt: "Bravo, Rembrandt!" Ben presto Rembrandt trova un mecenate forte e ricco, che lo introduce nella ricca società olandese.
Durante questo periodo dipinge molti ritratti di cittadini ricchi e nobili. Ma anche nello stesso periodo i dipinti di Rembrandt sono segnati dalla ricerca di indipendenza creativa, sebbene mostrino ancora l'influenza di Lastman e dei caravagisti di Utrecht. Così nei dipinti "L'apostolo Paolo" (1629-30 circa, Museo nazionale tedesco, Norimberga) e "Simeone nel tempio" (1631, Mauritshuis, L'Aia), Rembrandt utilizzò per primo il chiaroscuro come mezzo per esaltare la spiritualità ed espressività emotiva delle immagini.
La sua opera è diventata un simbolo dell'era della pittura del XVII secolo.
Una caratteristica distintiva della pittura europea del XVII secolo fu la promozione di un ritratto da camera, intimo, in contrapposizione a un ritratto cerimoniale, volto ad esaltare e glorificare la raffigurazione. Quindi Rembrandt, nel primo periodo del suo lavoro (il periodo di Leida), ha lavorato duramente su un ritratto, studiando le espressioni facciali di un volto umano, varie manifestazioni di personaggi e tratti individuali di una persona. In questo periodo realizza una serie di autoritratti e ritratti dei membri della sua famiglia. In numerosi ritratti, autoritratti in costume (più di un centinaio), Rembrandt ha registrato e analizzato stati mentali, tipi di personaggi e ruoli.
Ritratto "Nicholas Rats" (1631), oppure scatta, ad esempio, una foto con la storia biblica "Weep
Rembrand Harmens Van Rijn. Lamento di Geremia per la distruzione di Gerusalemme. 1630 Rijksmuseum, Amsterdam
Geremia sulla distruzione di Gerusalemme "(1630), un ritratto di gruppo" Concerto "(1626): qui lo stato d'animo dei ritratti è mostrato molto chiaramente. E Rembrandt realizza tutto questo con il chiaroscuro. Inoltre, cercando di mostrare nel ritratto mondo interiore di una persona, Rembrandt colloca la persona ritratta più spesso all'interno che nel paesaggio: così, in una stanza chiusa, è più facile scrutare il volto di una persona. C'è qualcosa di sorprendente nelle composizioni. È occupato dalla luce, che cade abbondantemente sugli oggetti. A poco a poco, il desiderio di trasmettere l'aspetto degli oggetti lo porta alla pittura accuratamente scritta, ordinata, lucidata. Cerca l'armonia dei toni del blu, del verde pallido e del giallo rosa. Vale la pena prestare attenzione al dipinto del 1630 "Lamento di Geremia per la distruzione di Gerusalemme" (1630) . L'immagine è stata creata su una delle scene bibliche dell'Antico Testamento, che si legge. Il profeta Geremia predisse la distruzione dello Stato ebraico, la distruzione di Gerusalemme. Ma nessuno gli credeva. Tuttavia, Gerusalemme fu distrutta. E l'artista ha mostrato il momento in cui, vicino alle rovine della Gerusalemme distrutta, Geremia si lamenta di essere dotato del dono della predizione. Questo dono è doloroso per lui, ma non può fare nulla. Inoltre, i colori utilizzati, la composizione: tutto fa sì che lo spettatore presti attenzione al volto di Geremia, non appena si avverte il dolore, la sofferenza mentale di una persona, i suoi pensieri sul destino di tutta l'umanità. Con quanta precisione emotiva e psicologica l'artista ha trasmesso lo stato di questo vecchio: tutto, dai colori nell'immagine alla posizione della postura della persona, trasmette la sua sofferenza, il suo stato d'animo. Indubbiamente, i ritratti dipinti da Rembrandt dimostrano quanto l'artista fosse perspicace già all'età di 25 anni. E manterrà questo marchio della sua creatività fino alla fine dei suoi giorni.
La vita dell'artista all'inizio ebbe successo. Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò la ricca patrizia Saskia van Uylenburgh. Gli anni Trenta del Seicento sono gli anni della felicità familiare e del grande successo artistico di Rembrandt. Il dipinto “La lezione di anatomia del dottor Tulp” (1632, Mauritshuis, L'Aia), in cui l'artista risolse il problema del ritratto di gruppo in un modo nuovo, conferendo alla composizione una facilità vitale e unendo i ritratti in un'unica azione , portò a Rembrandt un'ampia fama. Gode di ampia popolarità, riceve molti ordini, numerosi studenti lavorano nei suoi laboratori.
Rembrandt continua a migliorare la tecnica di scrivere un ritratto. Nei ritratti realizzati su misura di ricchi borghesi, trasmette con cura i lineamenti del viso, i vestiti, i gioielli, ma spesso i modelli ricevono anche una chiara descrizione sociale. Negli autoritratti e nei ritratti dei propri cari, l'artista sperimenta audacemente alla ricerca dell'espressività psicologica. Raffigura spesso Saskia e se stesso, giovani, felici, pieni di forza. Le opere di questo periodo sono talvolta caratterizzate da effetti esterni deliberati: abiti eleganti e fantasiosi, luci, angoli acuti, contrasti di luci e ombre. Uno degli esempi più brillanti della ricerca creativa dell'artista è il "Ritratto di Saskia", realizzato intorno al 1635. In presenza di una nuova tecnica per dipingere un ritratto, Rembrandt nel ritratto di sua moglie ha mostrato il suo desiderio di accuratezza e veridicità, che ha manifestato il dono indubbio e sincero dell'artista. Che in questo periodo, quasi ancora iniziale, ci si sente già un grande artista, indipendente e perfetto.
La ricerca di questo periodo è stata completata dal famoso "Autoritratto con Saskia" / "Merry Society" (1636 circa; Galleria d'arte, Dresda). Rompere coraggiosamente con i canoni artistici, diversi
Rembrand Harmenszoon van Rey. Autoritratto con Saskia in ginocchio. 1935-1636 Paesi Bassi (Olanda) Dresda. Galleria d'arte
vivace spontaneità ed euforia della composizione, modo di dipingere libero, importante, pieno di gamma leggera, dorata e colorata.
In questo momento, lo stile di Rembrandt diventa più audace, il disegno più libero, è soddisfatto dei colori lussureggianti e ricchi, la sua pennellata diventa profonda e succosa.
Se all'inizio della sua carriera era un pittore, presto diventa un visionario. Rembrandt fa la conoscenza degli ebrei di Amsterdam. Gli piaceva passeggiare per Amsterdam. Viene visto da vecchi rabbini, che gli spiegano la Bibbia, confermano l'autenticità dello straordinario e del soprannaturale, danno ai testi della Scrittura interpretazioni inaspettate e, per così dire, illuminanti, e fanno rivivere i sogni nascosti che portava dentro lui stesso.
Diventa un artista del miracoloso. Tutto ciò è confermato nelle sue opere dai colori, dalle meravigliose luci che crea.
Il dipinto "Cristo nel mare di Galilea durante una tempesta", realizzato nel 1933, è scritto su una delle scene bibliche. L'artista lavora con il pennello in modo così abile, mette così tanto nel quadro sentimenti profondi e puramente umani, che sembra che sia accaduto un miracolo: Cristo è sceso sulla terra ed è tra le persone. Il mondo creato dalla sua immaginazione è così naturale che lo spettatore ci crede con la stessa facilità con cui crede nella realizzazione delle cose a noi familiari.
Durante questo periodo (1630) nell'opera di Rembrandt, c'è una tendenza a un eccesso di trame realistiche. Rifiuta il pathos violento e gli effetti esterni: cerca l'espressività psicologica. Anche i colori caldi dei suoi dipinti diventano più ricchi e la luce acquisisce un ruolo ancora maggiore, conferendo all'opera una particolare trepidazione ed eccitazione.
Uno dopo l'altro scrive grandi composizioni religiose. Allo stesso tempo, finisce
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Festa di Baldassarre. 1635 Galleria Nazionale di Londra
tutta una serie di opere i cui temi etici o leggendari mantengono Rembrandt nel suo vero cammino mistico. La nitidezza degli angoli e i contrasti di luci e ombre vengono da lui utilizzati nelle composizioni degli anni Trenta del Seicento su soggetti religiosi. Il dipinto "Il banchetto di Baldassarre" è stato dipinto in questo modo. Il lavoro su questo dipinto ha richiesto a Rembrandt due anni: 1634 - 1636. Mostra una delle scene bibliche.
Con l'aiuto di contrasti di luci e ombre, l'artista attira tutta l'attenzione dello spettatore sul volto del re Baldassarre e sull'iscrizione, ma che è diretta dal suo sguardo spaventato. Interessante anche la trama mostrata in figura. Una volta il re Baldassarre di Babilonia organizzò un banchetto per un migliaio dei suoi nobili. Per fare ciò, ordinò ai servi di portare vasi d'oro e d'argento dal tempio di Gerusalemme. Quando furono portati, il re, i suoi nobili e le loro mogli cominciarono a bere vino da loro e lodare i loro idoli. Ma all'improvviso nel palazzo reale, dove si svolgeva la festa, una mano umana apparve e cominciò a scrivere sul muro di fronte alla lampada. Il re, vedendo ciò, cambiò faccia dalla paura. Immediatamente si indebolì e le sue ginocchia cominciarono a tremare. Il re gridò forte e ordinò che venissero condotti i saggi per spiegare ciò che era stato scritto. Per molto tempo nessuno riuscì a interpretare le parole scritte e solo una persona lesse ciò che era scritto sul muro. Significava: "Dio ha contato il tuo regno e gli ha posto fine". Nella stessa notte accadde ciò che Dio aveva predetto attraverso le parole scritte sul muro del palazzo: il re Baldassarre fu ucciso e il suo regno fu conquistato. Questo evento è accaduto molte migliaia di anni fa, ma nella foto sembra essere accaduto di recente. L'artista, come se, ci avesse avvicinato a questo evento molte migliaia di anni a venire. L'artista, fin nei minimi dettagli, disegna i piatti sulla tavola, gli abiti del re e perfino le rughe del suo viso. Niente è perfetto. Le persone sembrano realmente esistenti e solo una mano in piena luce dimostra la grande abilità di Rembrandt.
Un altro dipinto dell'artista, Il sacrificio di Abramo (1635), non è meno emotivo e dinamico nella sua essenza. Realizzato su una delle scene bibliche. Dice:
Abramo e sua moglie non ebbero figli per molto tempo. Hanno già 90 anni e hanno smesso di sperare in un miracolo. Ma, un giorno, il Signore Dio mandò un uomo ad Abramo, che gli trasmise la volontà di Dio: lui e sua moglie avrebbero avuto un figlio. Il tanto atteso e unico figlio di Abramo, Isacco, è cresciuto nell'amore e nella cura dei suoi genitori. Un giorno il Signore decise di mettere alla prova la fede di Abramo e il suo amore per Lui. Si rivolse a lui con le parole: "Prendi tuo figlio Isacco e offrilo in sacrificio al tuo Dio". Fu difficile per Abramo farlo. Ma volle fare tutto ciò che Dio gli aveva comandato, perché amava il Signore con tutto il cuore. Allora Abramo tagliò la legna e la caricò su un asino, prese con sé due servi e Isacco e si recò nel luogo indicato dal Signore. Arrivato nel luogo indicato, Abramo lasciò i servi ai piedi del monte, e lui stesso, salito sul monte, costruì un altare, preparò la legna e, dopo aver legato Isacco, lo depose sull'altare ... Ma all'improvviso un angelo di Dio lo chiamò dal cielo: “Abraamo! Abramo! Non alzare la mano contro il ragazzo e non fare nulla con lui, perché ora so che sei pronto a fare tutto per il Signore tuo Dio! Quante dinamiche, movimenti bruschi, profondità del piano mostrato ci sono nella foto. Rembrandt ha catturato magistralmente il minuto movimento: Abramo ha alzato la mano con la ferma decisione di sacrificare suo figlio, e poi un angelo appare all'improvviso e riesce a fermarlo, afferrando Abramo per mano.
Nel 1637 Rembrandt dipinse il dipinto “L'angelo Raffaele che lascia la famiglia di Tobia” (Museo del Louvre). La composizione di questo dipinto è sorprendente. La famiglia del patriarca: un padre inginocchiato, una moglie e un figlio, in agguato l'uno per la paura, un cane timidamente rannicchiato vicino alla sua padrona - tutto parla di un miracolo accaduto, mentre un angelo guaritore, impetuoso e inespugnabile. Con un volo possente, si precipita in cielo per unirsi all'esercito celeste, da cui si era separato per un momento. Questo straordinario fenomeno è rappresentato, come sempre con Rembrandt, nei termini più essenziali. Non c'è niente di superfluo. Neanche un gesto falso. Nessuna pomposità, nessuna esagerazione. Si crea l'impressione di completa naturalezza: non si può dubitare per un momento che il cielo sia condiscendente verso gli affari terreni, che Dio si protenda verso le persone e che il pio vecchio abbia appena sperimentato il tocco di una mano invisibile.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Danae. 1636 Eremo di Stato. San Pietroburgo
Un posto speciale è occupato dalle opere di Rembrandt degli anni Trenta del Seicento. composizioni mitologiche in cui l'artista sfidava coraggiosamente canoni e tradizioni classiche (Il ratto di Ganimede, 1635, Pinacoteca, Dresda). Una vivida incarnazione delle opinioni etiche dell'artista fu la composizione monumentale "Danae" - 1636 (la maggior parte del dipinto fu riscritta a metà degli anni Quaranta del Seicento, al Museo statale dell'Ermitage). L'immagine sulla trama mitologica è realizzata in contraddizione con i canoni e le tradizioni classiche accettate: la trama nella sua immagine è insolitamente vitale e convincente. Piccoli dettagli sottolineano questa caratteristica dell'immagine: le scarpe di Danae sono sparse sul letto, ormai è arrivato il mattino e la cameriera, dopo aver aperto la tenda, vuole entrare nella camera da letto di Danae che si è appena svegliata. La figura di Danae è lontana dagli ideali classici, è realizzata con audace immediatezza realistica. Rembrandt contrapponeva la sublime bellezza della spiritualità e il calore di un intimo sentimento umano alla bellezza sensuale-corporea e ideale delle immagini dei maestri italiani. Esiste una versione in cui sua moglie Saskia è servita da modello per creare l'immagine. Numerosi storici dell'arte propongono la versione secondo cui l'immagine mostra una donna incinta in generale, ciò è dimostrato dal fatto che nel XVII secolo le donne incinte indossavano braccialetti sulle mani, che l'artista ha mostrato nella foto.
Negli anni Trenta del Seicento Rembrandt lavorò a lungo anche con la tecnica dell'acquaforte. Riproduceva spesso scene di genere con vivace spontaneità, mostrando un particolare interesse per la vita delle classi sociali (numerose immagini di mendicanti, Venditore di veleno per topi, 1632). Ricorrendo a varie tecniche, Rembrandt creò durante questo periodo disegni a matita, accurati nella caratterizzazione, audaci e generalizzati nel modo. Rembrandt nel suo lavoro prestò sempre grande attenzione all'acquaforte e al disegno. Ritratti e paesaggi da lui eseguiti con la tecnica dell'acquaforte, scene quotidiane e religiose si distinguono per la novità delle tecniche artistiche, il profondo psicologismo delle immagini, la ricchezza del chiaroscuro, l'espressività e la concisione delle linee. Sono giunti fino a noi circa 2mila disegni di Rembrandt. Tra questi ci sono schizzi preparatori, schizzi per dipinti, schizzi di scene di vita quotidiana e idee nate nella sua immaginazione.
Rembrandt è noto anche per le sue immagini di paesaggi: intorno al 1640 si rivolse al vero paesaggio circostante. Prima di ciò, dipinse paesaggi, seguendo la tradizione olandese dei paesaggi composti. Il mondo della natura nativa appare nei suoi dipinti nella sua variabilità. È insolitamente vicino a una persona, abitato da lui.
Già da questo momento, quando si osserva l'approfondimento dell'abilità realistica dell'artista, aumentano i suoi disaccordi con l'ambiente patrizio circostante. Il conflitto maturato tra l'arte di Rembrandt e le esigenze della società borghese olandese, che stava gradualmente perdendo le sue tradizioni democratiche, si manifestò nel 1642, quando il dipinto La ronda di notte (Amsterdam, Rijksmuseum) provocò le proteste dei clienti. Nel 1642, per ordine di una compagnia di fucilieri, Rembrandt dipinse un grande quadro (3,87 x 5,02 m.), A causa dell'oscuramento dei colori di tanto in tanto, in seguito ricevette il nome "Ronda di notte". Invece della tradizionale festa con i ritratti dei suoi partecipanti, dove ognuno è raffigurato con tutta la cura delle caratteristiche individuali, come fatto in precedenza, l'artista ha raffigurato l'esibizione dei tiratori in una campagna. Alzando lo stendardo, guidati dal capitano, si avviano al suono dei tamburi lungo l'ampio ponte vicino al palazzo della gilda. Un raggio di luce insolitamente brillante, che illumina le singole figure, i volti dei partecipanti al corteo e una bambina con un gallo in vita, come se si facesse strada tra le fila dei tiratori, sottolinea l'inaspettata, la dinamica e l'eccitazione dell'immagine. Le immagini di persone coraggiose, colte da un impulso eroico, si combinano qui con un'immagine generalizzata del popolo olandese. Pertanto, un ritratto di gruppo acquisisce il carattere di una sorta di dipinto storico in cui l'artista cerca di valutare il presente.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. La Guardia notturna. 1642 Rijksmuseum, Amsterdam
La Ronda di Notte portò Rembrandt in disgrazia presso i filistei di Amsterdam e lo trascinò in una faida senza fine con la corporazione. Ciascuno dei dignitari della gilda si è sentito tradito. Perché?
È tutta una questione di tradizione!
Tra le società e le corporazioni di Amsterdam è stata stabilita l'usanza di ordinare un ritratto collettivo a uno degli artisti locali. I principali membri della corporazione lasciarono le loro immagini in eredità ai loro successori.
Opere di questo tipo sono diventate un luogo banale per la pittura olandese. Nell'esecuzione delle loro tradizioni venivano osservate nel modo più attento e non c'era posto per l'ingegno personale dell'artista. I membri della corporazione erano disposti in fila, il capo della corporazione era al centro e ai suoi lati si trovavano i dignitari della corporazione. A volte venivano raffigurati in occasione di qualche festa solenne.
Nel 1642, la corporazione dei tiratori di Amsterdam si rivolse a Rembrandt con la richiesta di servirla con il suo talento. Per il suo lavoro venne pagato 1.600 fiorini.
Il maestro si mise subito al lavoro. Si sperava che obbedisse all'usanza consolidata e collocasse i membri della corporazione in ordine gerarchico in qualche sala destinata a feste o riunioni. Rembrandt ha tradito queste aspettative. Non poteva sottomettersi a condizioni così reali. E l'immagine che vediamo ora è nata. Praticamente tutti hanno domande: a che ora e per quale scopo, al comando di chi e in quale città si sono riunite queste persone; se questa è una chiamata alle armi, allora perché questo festoso corteo; come questa ragazza è arrivata qui, vestita da principessa in seta e oro, e con un pollo alla cintura; perché questi specchi erano appesi alle colonne??? La risposta suggerisce se stessa: questa immagine potrebbe servire da illustrazione per qualche commedia. Pertanto, l'immagine ha provocato le proteste della società patrizia olandese.
Nel corso degli anni Quaranta del Seicento la divergenza dell'artista dalla società patrizia crebbe. Ciò è facilitato da eventi difficili nella sua vita personale, la morte di Saskia. L'afflusso di ordini a Rembrandt sta diminuendo, nei suoi laboratori rimangono solo gli studenti più devoti. Ma fu in questo momento che arrivò il momento della maturità nell'opera di Rembrandt.
Il suo lavoro in questa fase perde la sua vistosità esterna e le note di maggiore inerenti ad esso in precedenza. Dipinge scene bibliche e di genere calme, calde e intime, rivelando le sottili sfumature delle esperienze umane, i sentimenti di vicinanza spirituale. I dipinti furono dipinti in questo modo, ad esempio David e Jonathan, 1642, o La Sacra Famiglia, 1642, Museo statale dell'Ermitage. Quest'ultimo affascina con la sua sincerità. Semplicità ed eccitazione contenuta, profonda umiltà sono caratteristiche di questa immagine. La profondità dei sentimenti umani mostrata in esso affascina con un'incarnazione sorprendentemente sottile e forte. Nelle semplici scene quotidiane, in gesti parsimoniosi e accuratamente individuati, l'artista rivela la complessità della vita spirituale, il flusso dei pensieri dei personaggi. Trasferisce la scena del dipinto "La Sacra Famiglia" in una povera casa di contadini, dove il padre lavora come falegname e la giovane madre custodisce attentamente il sonno del bambino. Ogni cosa qui è pervasa dal respiro della poesia, enfatizzando l'atmosfera di silenzio, pace e tranquillità. Ciò è facilitato dalla luce soffusa che illumina i volti della mamma e del bambino, nelle sfumature più sottili del caldo colore dorato.
Il colore dei dipinti di Rembrandt degli anni Quaranta del Seicento diventa più emotivo, elegante e sonoro. Sempre più importante, sia nella grafica che nella pittura, Rembrandt sta acquisendo un gioco di luci e ombre, creando un'atmosfera speciale, drammaticamente intensa, emotiva: il monumentale foglio grafico “Cristo guarisce i malati”, o la cosiddetta “Foglia di Cento fiorini”, 1642 - 1646 anni circa; paesaggio ricco di dinamiche aeree e luminose "Tre alberi", 1643 circa. Inoltre, il dipinto "Cristo e il peccatore" (1644). Le figure principali - Cristo e il peccatore - sono evidenziate dall'artista dalla penombra con una luce sottile e gradevole che le illumina.
Gli anni 1640-50 segnano l'apice della carriera di Rembrandt e allo stesso tempo una svolta nel suo destino, seguita dalla rovina. Sono gli anni delle difficili prove della vita del Gran Maestro d'Olanda. Rembrandt si ritirò dalla vita secolare, ma, nonostante le avversità, la sua arte continuò a svilupparsi, il suo stile divenne più individuale e originale, e questo gli permise di creare le sue più grandi opere alla fine della sua vita.
Scrive scene bibliche e di genere tranquille, piene di calore esterno e intimità,
Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Cristo ad Emmaus. 1648 Museo del Louvre, Parigi
rivelando le sottili sfumature delle esperienze umane, un senso di vicinanza spirituale e familiare. Nel 1648 realizzò un dipinto intitolato "Cristo di Emmaus" (Louvre). Un lavoro meraviglioso! L'allestimento scenico è estremamente povero e modesto. Tutto lo splendore di quest'opera, la sua penetrazione profonda, la sua potenza soprannaturale sta in tre figure: due discepoli e un servo, e nel capo di Cristo. Non ho mai visto un dipinto di un volto di Dio così sorprendente. È impossibile trasmettere l'infinita umanità di questo volto, basta vedere l'ego. Incarna tutta la tenerezza della vita e tutta la tristezza della morte. I suoi occhi guardano con tanta profondità la sofferenza dell'umanità, e la sua fronte sembra così limpida in mezzo all'oscurità che avvolge il mondo intero! È difficile dire come sia scritto questo volto; sembra che non esista realmente, ma solo appaia. L'amore sconfinato lo circonda e i suoi discepoli lo venerano. Guardando lontano, Cristo spezza lentamente il pane, e il suo gesto sembra essere un simbolo della verità, che sarà conosciuta solo più tardi. Dopo la sua crocifissione e risurrezione, Cristo decise di visitare i suoi discepoli. Essendo un vagabondo, si unì a due di loro lungo la strada e andò con loro a mangiare in una delle case locali. Gli studenti non avevano idea di chi fosse accanto a loro. E solo quando Cristo, prendendo il pane tra le mani, cominciò a spezzarlo, i discepoli con questo gesto di Cristo videro in lui il loro maestro.
In questo momento, Rembrandt si rivolge sempre più al genere del ritratto, raffigurando le persone a lui più vicine: numerosi ritratti della seconda moglie di Rembrandt, Hendrickje Stoffels, suo figlio Titus, in cui l'artista si concentra sulla rivelazione del mondo spirituale del ritratto. L'amore e la tenerezza per tuo figlio, per tuo figlio sono stati incarnati nel dipinto "Titus Reading". Quell'amore e quella tenerezza che non ha avuto il tempo di dare in tutta la sua ricchezza a suo figlio, morto così presto, Tito. Il dipinto fu dipinto nel 1657 ed è conservato nel Museo di Storia dell'Arte di Vienna. Quanto amore, tenerezza e pace in questa tela. Nel ritratto l'immagine è come penetrata dai raggi del sole. Titus fungeva spesso da modello per suo padre: questo giovane malaticcio e fragile con un viso gentile e pieno di sentimento.
La concentrazione del contenuto delle sue opere si ottiene passando da trame narrative, a volte prolisse, a un'interpretazione estremamente ricca e concisa. Un posto crescente nei ritratti di Rembrandt è occupato da un uomo semplice. L'artista è attratto dalle immagini di anziani che hanno attraversato una lunga vita piena di dolori e difficoltà, servendo come incarnazione della saggezza della vita e della ricchezza spirituale. Ora Rembrandt si concentra solo sul viso e sulle mani, strappate all'oscurità da una luce morbida e diffusa, non disegna i vestiti con tanta cura. Spesso la figura raffigurata è circondata dal crepuscolo, che contribuisce a trasferire la profondità psicologica delle immagini. Una delle sue opere più famose, il cosiddetto "Ritratto della moglie del fratello dell'artista", scritto nel 1654, è conservato nel Museo delle Belle Arti di Mosca. A. S. Pushkin. Con il suo “Ritratto di una vecchia”, il geniale ritrattista olandese Rembrandt introduce lo spettatore nel mondo interiore di una persona semplice e poco famosa e rivela in lui la grandezza della ricchezza di gentilezza e umanità. Qui l'artista ha utilizzato una tecnica pittorica a più strati, ottenendo la massima somiglianza tra l'originale e l'immagine nel dipinto, come se fosse una fotografia. L'insolita emotività dell'opera è facilitata da una combinazione di toni caldi, luccicanti delle sfumature più fini, leggeri, tremanti, come se emessi dall'oggetto stesso. Le espressioni facciali appena percettibili riflettono il complesso movimento di pensieri e sentimenti. Sia leggeri e trasparenti, sia pennellate pastose creano la superficie del quadro, cangiante con sfumature colorate e chiaro-scuri. Guardando il gioco di luci e ombre, lo spettatore, per così dire, segue il graduale sviluppo delle esperienze del raffigurato.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) è stato un artista, disegnatore e incisore olandese, un grande maestro del chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. È riuscito a incarnare nelle sue opere l'intera gamma delle esperienze umane con una tale ricchezza emotiva, che l'arte prima di lui non conosceva. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, aprono allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.
Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) in una grande famiglia del ricco proprietario di un mulino Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. La famiglia della madre, anche dopo la Rivoluzione olandese, rimase fedele alla fede cattolica.
A Leida Rembrandt frequentò la scuola di latino all'università, ma mostrò il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti con il pittore storico di Leida Jacob van Swanenbürch, cattolico di fede. I ricercatori non sono riusciti a trovare le opere di Rembrandt relative a questo periodo, quindi rimane aperta la questione dell'influenza di Swanenbürch sulla formazione del modo creativo di Rembrandt: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.
Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che si era formato in Italia e si era specializzato in argomenti storici, mitologici e biblici. Ritornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni ottenne un'ampia popolarità.
La passione di Lastman per la variegatura e il dettaglio nell'esecuzione ha avuto un enorme impatto sul giovane artista. Ciò emerge chiaramente nelle sue prime opere sopravvissute: "La lapidazione di S. Stefano" (1629), "Una scena di storia antica" (1626) e "Il battesimo di un eunuco" (1626). Rispetto alle sue opere mature, sono insolitamente colorate, l'artista si sforza di scrivere attentamente ogni dettaglio del mondo materiale, nel modo più accurato possibile per trasmettere l'ambientazione esotica della storia biblica. Quasi tutti i personaggi appaiono davanti allo spettatore vestiti con bizzarri abiti orientali, splendenti di gioielli, che creano un'atmosfera di maggioranza, splendore, festa ("Allegoria della musica", 1626; "David prima di Saul", 1627).
Le opere finali del periodo - "Tobia e Anna", "Balaam e l'asino" - riflettono non solo la ricca immaginazione dell'artista, ma anche il suo desiderio di trasmettere le drammatiche esperienze dei suoi eroi nel modo più espressivo possibile. Come altri maestri del barocco, inizia a comprendere il significato del chiaroscuro nettamente scolpito nel trasmettere emozioni. I suoi maestri riguardo al lavoro con la luce furono i caravagisti di Utrecht, ma fu ancor più guidato dalle opere di Adam Elsheimer, un tedesco che lavorò in Italia. I dipinti più caravaggisti di Rembrandt sono “La parabola del ricco stolto” (1627), “Simeone e Anna al tempio” (1628), “Cristo di Emmaus” (1629).
Attiguo a questo gruppo è il dipinto L'artista nel suo studio (1628; forse si tratta di un autoritratto), in cui l'artista si immortala nello studio nel momento di contemplare la propria creazione. La tela su cui si sta lavorando viene portata in primo piano nel quadro; in confronto a lui, l'autore stesso sembra un nano.
Una delle questioni irrisolte della biografia creativa di Rembrandt è la sua sovrapposizione artistica con Lievens. Lavorando fianco a fianco, affrontarono lo stesso soggetto più di una volta, come in Sansone e Dalila (1628/1629) o La Resurrezione di Lazzaro (1631). In parte, entrambi erano attratti da Rubens, che allora era conosciuto come il miglior artista di tutta Europa, a volte Rembrandt prendeva in prestito le scoperte artistiche di Livens, a volte era esattamente il contrario. Per questo motivo la distinzione tra le opere di Rembrandt e Lievens del 1628-1632 presenta alcune difficoltà per gli storici dell'arte. Tra le sue altre opere famose c'è "L'asino di Valaam" (1626).
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Nei primi anni
Comprendere le basi
Ritorno
Pittura
Clienti
autoritratti
lezione di anatomia
Ritratto di Silvio
Bellissima Danae
Applicazione
Nei primi anni
Il bambino miracoloso nacque nel 1606, nella città di Leida, nella casa del mugnaio Harmen van Rijn. Al battesimo fu chiamato con il nome piuttosto raro Rembrandt. Sebbene la famiglia avesse già cinque figli, la nascita del sesto non ha turbato, ma ha deliziato i genitori. Il padre di famiglia era un uomo piuttosto ricco: oltre a un mulino e una malteria, aveva due case, e prese una buona dote per la moglie.
Il ragazzo trascorse i suoi primi anni nel mulino natale, sulle rive del ramo del Reno (dal nome di questo fiume la sua famiglia prese il cognome). Probabilmente gli era capitato più di una volta di osservare i raggi del sole, quando questi, facendosi strada attraverso l'abbaino della tettoia del mulino, trafiggevano con strisce dorate le minuscole particelle di polvere di farina. Forse queste esperienze infantili gli hanno insegnato quegli effetti magici di luce e ombra, che successivamente hanno immortalato il suo nome. Ammirando la sera le onde tranquille del suo fiume natale, illuminate da un tramonto ambrato, e le sfumature di nebbia trasparente che si alzano dalla sua superficie liscia, Rembrandt per la prima volta indovinò i segreti del colore, che solo lui sapeva dare ai dipinti .
Tutta l'atmosfera e lo spirito della famiglia borghese olandese di quel tempo dovevano sviluppare caratteri forti, integri, allegri e allegri nella vita quotidiana, fermi nelle ore di sventura e tristezza. Cresciuti secondo rigide regole religiose, gli olandesi cercavano divertimento e relax lavorando duramente in una stretta cerchia familiare e leggendo la Bibbia.
Per un adolescente brillante, le strade e i mercati di Leida erano un campo di osservazione; qui incontrò tipi di ogni tipo, che con mano inetta trasferì sulla carta. Un persiano scuro si imbatté in un inglese biondo. Persone di ogni nazione, carattere, status sociale passavano davanti agli occhi curiosi del ragazzo, come le immagini colorate di un caleidoscopio. Le periferie della città, pur non essendo particolarmente pittoresche, non erano prive di una peculiare bellezza.
Dopo essersi diplomati in un corso in una scuola popolare, i fratelli maggiori di Rembrandt iniziarono gli insegnamenti degli artigiani. Il vecchio Harmen destinava il figlio minore ad altre attività. Il ragazzo ha frequentato una scuola di latino, in seguito suo padre ha voluto dargli l'accesso all'università, in modo che potesse, raggiunto l'età adulta, "beneficare la sua città natale e la sua patria con le sue conoscenze".
Questa visione di padre Rembrandt non era affatto un'eccezione. Nella loro cultura ed educazione, così come nell'organizzazione del loro ordine sociale, gli olandesi nel XVII secolo erano duecento anni avanti rispetto al resto d'Europa.
Gli olandesi tenevano in grande considerazione la scienza. Quando agli abitanti di Leida fu chiesto di scegliere un premio, chiesero che fosse fondata un'università in città. La sua fama era tale che i sovrani stranieri consideravano un onore studiare qui.
Rembrandt era poco interessato alla scienza, era attratto dalla pittura. Non appena il padre di Rembrandt si accorse dell'inclinazione del figlio, gli diede subito l'opportunità di seguire la sua vocazione.
Comprendere le basi
All'età di circa 16 anni, il giovane entrò nel primo insegnante, il suo parente Jacob van Swanenbürch, un artista, ormai completamente dimenticato. Per tre anni il giovane Rembrandt acquisì le prime competenze della sua arte. Come van Swanenbürch trattò il giovane studente, quale impatto morale ed estetico ebbe sul futuro ideatore della Lezione di anatomia, non lo sappiamo. Questi primi anni da studente non lasciarono la minima traccia negli annali dell'epoca. Nelle opere di Rembrandt l'influenza di altri due insegnanti, Joris van Schooten e Jan Peinas, è più evidente.
Joris era un tempo un pittore abbastanza noto di direzione naturalistica e reale. Dipinse ritratti di borgomastri, dipinti raffiguranti riunioni di varie corporazioni.La sua pittura si distingue per l'originalità. Probabilmente è a lui che Rembrandt deve lo sviluppo di quelle qualità che espongono tutte le sue creazioni; sottile comprensione della natura, desiderio di rappresentare la realtà così com'è, capacità di trasmettere un potente flusso di vita su una tela morta.
Jan Peinas era conosciuto come un meraviglioso colorista. Si ritiene che Rembrandt abbia adottato da lui quei toni caldi, anche se un po' cupi, quella gamma di sfumature potente e allo stesso tempo morbida che conferisce ancora ai dipinti di un genio un fascino irresistibile. In ogni caso, l'illuminazione di Peynas ricorda leggermente quella di Rembrandt.
Poi, per sei mesi, il giovane artista finì nella bottega del pittore di Amsterdam Peter Lastman, dal quale imparò l'incisione.
Ritorno
Il ventenne Rembrandt è tornato nella sua città natale. Qui continuò i suoi studi da solo, sotto la guida esclusiva del suo genio e di madre natura. I primi dipinti giunti fino a noi risalgono al 1627: uno di questi è "L'apostolo Pietro in carcere", l'altro è "Il Cambiatore". Si tratta di tentativi giovanili, non di particolare interesse; ma nella seconda immagine, nella luce sorprendentemente bella che emana dalla candela, semioscurata dalla mano del cambiavalute, si può già riconoscere il futuro Rembrandt.
Oltre alla pittura, il giovane van Rijn si dedicò diligentemente all'incisione. Una delle sue prime incisioni è un ritratto di sua madre, contrassegnato con 1628. Si può vedere che una mano amorevole ha lavorato su queste incisioni. Durante quell'epoca della sua carriera artistica, Rembrandt incise più volte l'immagine di sua madre. La più notevole di queste stampe è conosciuta come La madre di Rembrandt sotto il velo nero. La veneranda vecchia siede in poltrona davanti al tavolo; le sue mani, che hanno lavorato molto ai loro tempi, sono piegate sulle ginocchia. Il volto esprime la calma che solo la coscienza di una vita vissuta correttamente e onestamente, adempiuta al dovere, dona. La finitura dell'incisione è davvero sorprendente: ogni ruga, ogni vena annodata sulle vecchie mani rugose è piena di vita e di verità.
L'oggetto di osservazione preferito di Rembrandt era il riflesso della vita interiore e spirituale di una persona sul suo viso. Non perdeva mai occasione di riprodurre una simile espressione su carta o lavagna.
È vero, in questi anni (1627-1628) non dipinse ancora quei ritratti che i suoi ammiratori e intenditori tanto ammiravano e ammiravano. Pertanto, oltre ai due ritratti della madre, ci sono solo poche immagini incise dell'artista stesso.
Su una delle stampe vediamo un giovane piuttosto brutto con il viso pieno incorniciato da folti capelli. Ma i lineamenti respirano con tale allegria, forza sicura di sé e buona natura che ispirano involontariamente simpatia. Nella seconda incisione, chiamata "L'uomo con il berretto corto", - la stessa faccia, solo con un'espressione di orrore: gli occhi quasi fuoriescono dalle orbite, la bocca è semiaperta, la rotazione della testa indica un forte spavento .
Rembrandt usava spesso il suo volto per gli studi: era un modo economico e conveniente per esercitarsi: il soggetto non chiedeva nulla per le sue fatiche e obbediva volentieri ai capricci dell'artista. Dicono che, seduto davanti a uno specchio, il giovane van Rijn abbia dato diverse espressioni alla sua fisionomia: rabbia, gioia, tristezza, stupore - e abbia cercato di copiare il suo viso nel modo più accurato possibile. Per tutta la vita, Rembrandt non ha abbandonato questa abitudine: in molti musei d'Europa ci sono i suoi autoritratti, in cui si è catturato in età diverse e in tutti i tipi di costumi.
Pittura
Nella mente di un giovane artista, il pensiero di lasciare il suo nido natale è maturato da tempo. La vita di una piccola città di provincia con la sua morale semplice e le sue prospettive ristrette era troppo meschina e angusta per l'anima potente di un giovane di ventiquattro anni. Voleva vedere la luce, vivere tra i rumori e gli spazi aperti della grande città, girarsi in libertà. Ha deciso di trasferirsi ad Amsterdam.
La città vecchia era molto pittoresca. Dispiegato in un ampio ventaglio lungo le rive del fiume Amstel. era nell'anello di graziosi cottage e verdi giardini. C'erano molti elementi che davano cibo all'ispirazione, una folla eterogenea, una varietà di immagini, una ricca scelta di tipologie.
All'inizio del 1631, pieno di speranze e speranze, Rembrandt iniziò una nuova vita. Quando, stanco del suo lavoro, gettò tavolozza e pennello e si mise a vagare per le strade e le piazze della città, Amsterdam suscitò nella sua anima ricettiva mille impressioni fino ad allora sconosciute. Questo centro di civiltà sembrava una seconda Venezia, solo più vivace e rumorosa, senza i cupi palazzi aristocratici, senza il misterioso crepuscolo verdastro dei canali e l'azzurro radioso dell'Adriatico.
Un quadro completamente diverso, anche se non per questo meno pittoresco, è stato presentato dalle piazze del mercato e dal porto di Amsterdam. Le navi che arrivavano qui scaricavano merci da tutto il mondo. Tessuti orientali giacevano accanto a specchi e porcellane; le graziose statue e vasi dell'Italia erano bianchi sullo sfondo scuro dei mobili di Norimberga. Le ali colorate degli uccelli tropicali e dei pappagalli brillavano al sole; agili scimmie facevano smorfie tra le balle. Tutto questo pandemonio babilonese di ricchezze straniere, tutto questo caos era addolcito dall'abbondanza di fiori. L'armonia è stata ripristinata dai numerosi giacinti, tulipani, narcisi e rose portati ogni giorno al mercato dai giardinieri di Harlem.
Il giovane trascorreva ore intere in negozi bui ed era sempre un ospite gradito. Il proprietario ha trovato per lui tra cumuli di ogni genere di spazzatura cose rare, armi ricche, gioielli antichi, abiti lussuosi. Tutto questo Rembrandt poteva comprarlo a metà prezzo. Spesso durante tali visite, il famoso pittore abbozzava o incideva il volto espressivo di uno dei membri della famiglia del commerciante, che lo colpiva per la bellezza o l'originalità.
Clienti
Dipinti e incisioni di Rembrandt trovarono acquirenti a livello locale e iniziarono a penetrare all'estero. Al massimo poco tempo l'artista è riuscito a garantirsi un'esistenza completamente confortevole; guadagnò così tanto che poteva persino acquistare e collezionare oggetti rari e costosi.Nel 1631 Rembrandt scrisse due opere: La Presentazione e La Sacra Famiglia. Quest'ultimo fa un'impressione un po' strana. Non vediamo la modesta abitazione di un falegname nazareno, ma una stanza nella casa di un ricco borghese di Harlem o Sardam. La Santa Vergine è una donna olandese paffuta e fiorita in un costume del XVII secolo. Anche il volto del bambino che si è addormentato sulle sue ginocchia è il tipo di un puro nordico.
Tutto in questa immagine - sia l'ambientazione che le tipologie - contraddice i concetti moderni di fedeltà storica e verità della vita. Ma vale la pena guardare da vicino questa scena familiare, e tutte le discussioni sulla teoria dell'arte lasciano il posto a un sentimento di mite tenerezza: tanta poesia e bellezza spirituale in questo gruppo, riunito vicino alla povera culla del Salvatore, tanta grazia ingenua nella posa di un bambino addormentato, tanto amore e tenerezza negli occhi della giovane mamma e nel suo sorriso... San Giuseppe scruta con curiosità e pensieroso i lineamenti del bambino, come se prevedesse il sentiero spinoso lungo il quale dovrà percorrere . Tutta la luce dell'immagine è focalizzata sulla figura di Gesù addormentato, solo i raggi separati scivolano sul petto e sul collo di Maria, sul volto di Giuseppe e sul modesto letto.
Dopo aver scelto una trama, Rembrandt vi è entrato completamente, intriso dei più piccoli dettagli, lo ha sottoposto alla discussione più completa. Di solito la prima stesura non lo soddisfaceva. E Rembrandt, invece di cambiare e rifare, abbandonò completamente le stampe danneggiate e ricominciò tutto da capo. Così da sotto il suo pennello o taglierino sono apparse nuove, originali riproduzioni dello stesso tema. L'artista non affidava a nessuno la stampa delle sue incisioni: ad ogni stampa aggiungeva qualche tratto al disegno, ottenendo nuovi effetti, rafforzando o indebolendo il tono. Pertanto, le immagini della stessa incisione spesso differiscono l'una dall'altra in piccoli dettagli. Anche in questo lavoro meccanico è visibile il genio di Rembrandt.
Probabilmente, in questi primi anni, il giovane artista ha avuto molto tempo libero: ha dipinto un'intera serie di autoritratti. Ma questi lavori non sono più i primi esperimenti di uno studente brillante, ma lavori completamente finiti.
autoritratti
Cosa ha spinto Rembrandt a dipingere la sua immagine così tanto e spesso? Forse è stato guidato da un desiderio molto comprensibile e legittimo di una persona che sente la sua superiorità sull'esatto, che è consapevole di qualcosa di straordinario nella sua anima, di trasmettere ai suoi discendenti il suo aspetto, il desiderio di non scomparire senza lasciare traccia, non come artista, ma come persona? Forse voleva attirare l'attenzione degli amanti dell'arte che visitavano il suo laboratorio, aumentando così il numero degli ordini?
Conoscendo la natura modesta e piuttosto negligente che prudente di Rembrandt, difficilmente si può presumere che fosse guidato esclusivamente dall'orgoglio e dall'interesse personale. Piuttosto, una persona così orgogliosa e imperiosa come Rembrandt, che, anche per il bene del pane quotidiano in giorni di estrema povertà e bisogno, non comprometteva minimamente le sue opinioni e abitudini, semplicemente non poteva sottomettersi ai capricci di modelli e modelli. .
In brevissimo tempo il suo laboratorio divenne il centro del mondo artistico di Amsterdam. I cittadini ricchi si rivolgevano costantemente a lui con ordini, nonostante il fatto che, secondo i suoi contemporanei, dovesse non solo pagare un sacco di soldi per il lavoro, ma anche chiedere, supplicarlo di assumerlo.
lezione di anatomia
Un anno dopo il suo trasferimento ad Amsterdam, Rembrandt creò una delle sue opere più grandi, La lezione di anatomia. Se il creatore di "Ronda di notte", "Discesa dalla croce" e altri dipinti eccezionali scrivesse solo questa "Lezione", sarebbe sufficiente per la gloria di uno dei primi pittori dell'epoca.
Nel XVII secolo in Olanda, dove la pittura fiorì fin dall'inizio del Rinascimento, i membri delle singole corporazioni commissionarono volentieri ritratti collettivi. Questa usanza era seguita soprattutto dai chirurghi. Prima della Riforma, la chirurgia vegetava sotto il giogo del dispotismo religioso medievale. Fu solo a metà del XVI secolo che i medici ricevettero il diritto di studiare apertamente la loro specialità, senza timore di punizioni e persecuzioni. Nel 1555 fu promulgata una legge che autorizzava la dissezione dei corpi umani per ricerche anatomiche. Per le autopsie con catena scientifica venivano assegnate apposite stanze; erano chiamati teatri anatomici.
Nel 1632, il dipartimento di anatomia di Amsterdam fu occupato dal medico e scienziato Nicholas Tulp. Volendo ottenere il suo ritratto in ricordo del loro amato professore, i membri della corporazione dei chirurghi si rivolsero al pittore con la richiesta di farsi carico di quest'opera. . Tali ritratti, secondo l'usanza dell'epoca, venivano dipinti secondo lo schema accettato: tutti erano posti attorno al tavolo o stavano in fila in modo che ogni volto fosse ugualmente visibile al pubblico.
Ma qualsiasi routine era estranea al genio. Fino ad ora, nessuno dei suoi fratelli ha raggiunto nella ritrattistica quella naturalezza e verità sfrenate che stupiscono nella lezione di anatomia. Questo dipinto di genere respira freschezza, vivacità e forza. È stato creato per mano non solo di un grande maestro, ma anche di un profondo psicologo e conoscitore dell'anima umana.
Dall'espressione dei volti nel ritratto è facile intuire il carattere di ciascuno, leggere i sentimenti e i pensieri che lo eccitano. Il dottor Tulip è in piedi accanto al corpo, che giace sul tavolo operatorio. Dimostra i muscoli nudi della mano e involontariamente, secondo l'abitudine caratteristica degli anatomisti, muove le proprie dita, come a confermare le spiegazioni dell'attività dei muscoli. Il volto del dottore è serio e calmo; trasmette consapevolmente e con sicurezza ai suoi ascoltatori conclusioni scientifiche che sono già abbastanza chiare e indubbie per lui.
Sette chirurghi si affollarono attorno al docente in uno stretto cerchio. In primo piano, accanto a Tulipano, ci sono tre giovani. Uno di loro, apparentemente miope, esamina attentamente i muscoli esposti; il secondo, come colpito dalle argomentazioni del professore, alzò lo sguardo; infine, il terzo, cercando di distinguere il movimento della mano di Tulip, segue con tensione le spiegazioni del docente
Dietro questo primo gruppo ci sono altri quattro chirurghi. Un po' dietro al professore, un uomo di mezza età registra diligentemente la lezione; la sua mano si fermò a metà della frase: evidentemente stava riflettendo su come esprimere il suo pensiero in modo più accurato. Proprio al tavolo, appoggiandosi con la mano, semigirato verso il pubblico, era posto un bel giovane. È uno scettico, con un sorriso quasi beffardo sulle labbra. Delle altre figure, quella estrema è piena di espressione: la persona è già matura, avendo probabilmente incontrato molte difficoltà e compiti irrisolti nel suo lavoro di medico. È scritto di profilo: fissando gli occhi su Tulip, sembra che si sia trasformato in udito, cercando di non perdere una sola parola.
Una luce brillante e allo stesso tempo morbida si riversa sul quadro: i toni cupi che in seguito Rembrandt amava usare non si vedono da nessuna parte. Questa illuminazione, per così dire, personifica lo splendore della scienza, espellendo ogni oscurità e penetrando negli angoli più remoti.
Per quasi duecento anni, la "Lezione di anatomia" è stata ospitata nell'edificio dove per la prima volta risuonò la voce della scienza libera nella libera Olanda. Nel 182 il re Guglielmo I acquistò questa perla della scuola olandese per 32.000 fiorini (Rembrandt ricevette solo 700 fiorini) e la donò ad una galleria d'arte dell'Aia.
La notizia che il ritratto appena finito di Tulip e dei suoi ascoltatori era già stato consegnato ai clienti e decorava le pareti del teatro anatomico si diffuse rapidamente in tutta la città. Folle di curiosi assediavano il pubblico, affrettandosi ad ammirare la nuova opera di Rembrandt. La sua fama crebbe, e con essa il numero delle commesse: ciascuno degli abitanti della città, che disponeva almeno di qualche entrata, voleva ottenere un ritratto della sua opera, almeno inciso su rame.
Ritratto di Silvio
Uno dei primi a rivolgersi all'artista fu l'allora famoso predicatore Jan Cornelis Silvius. Al primo incontro, Rembrandt provò profondo rispetto e simpatia per il venerabile pastore. Si mise subito al lavoro nel deposito e fu particolarmente diligente nell'esecuzione dell'ordine.
Ben presto maturarono le prime stampe, ma non soddisfacevano il giovane artista. Gli sembrava che il volto del suo nuovo amico si fosse rivelato troppo freddo e senza vita, che non fosse riuscito a cogliere quella combinazione di premurosa severità e cordiale gentilezza che tanto gli piaceva nel pastore.
Ancora una volta ho dovuto occupare il deposito. Rembrandt intensificò le ombre: più vita apparve sul volto, divenne più prominente, ma la sottigliezza dell'opera, l'integrità dell'impressione ne risentirono. Tuttavia, l'artista ha deciso di consegnare l'opera al cliente: gli ha inviato tutte e quattro le stampe con la lettera più sincera. Il vecchio era molto soddisfatto del ritratto. Fu commosso dalla delicatezza del maestro, che gli regalò quattro fogli invece di uno. Affascinato dal carattere allegro e vivace del giovane, il severo predicatore fu amichevole con lui e lo presentò alla famiglia, dove Rembrandt divenne presto la sua persona. Qui ha incontrato la dodicenne Saskia.
Bellissima Danae
Il mito di questa principessa delle fiabe ci è giunto da un lontano passato e il pennello del grande artista ha creato uno dei dipinti più poetici della pittura mondiale basato su questa trama.
Un oracolo greco predisse al re Acrisio che sarebbe morto per mano di suo nipote. Il re, che aveva paura della morte, avendo sentito una predizione così tragica, decise di imprigionare la sua unica figlia Danae in una torre, e i cani più feroci del regno furono messi a guardia di lei. Ma il potente Zeus vide la ragazza, si innamorò di lei e, trasformandosi in una pioggia dorata, entrò nella prigione...
Un giubilante flusso di colore dorato illumina brillantemente la figura di Danae nuda. La ragazza aspetta il suo amante, gioiosa e allo stesso tempo timida davanti a Zeus, si protende verso l'amore, e nei suoi occhi c'è una chiamata, una premonizione di felicità ... Un corpo femminile nudo così perfetto, tremante , caldo, vivo e bello, poteva essere scritto solo da una persona accecata dall'amore.
Questa foto è un inno alla giovinezza e alla bellezza, un inno alla Donna. Guardando la tela inizi a capire quanto siano belli ed eterni la Donna e l'Amore. Ma pochi sanno quanto sia complesso e drammatico il destino del quadro e il destino del genio che lo scrisse...
1631. Amsterdam. Il giovane sconosciuto Rembrandt van Rijn vaga per le strade acciottolate della capitale. Ha solo venticinque anni ed è sopraffatto dalle ambizioni giovanili: il figlio del mugnaio di Leiden Harmen van Rijn ha frequentato la scuola dei maestri di Leiden Swaneburg e Layman e sogna di conquistare la capitale, vedendo già folle di fan entusiasti a i suoi piedi.
Sorprendentemente, ci riesce, anche se non immediatamente. All'inizio gli ordini non vanno: i ricchi borghesi non vogliono e non amano sprecare soldi, perché ad Amsterdam nessuno conosce ancora Rembrandt. Ma la situazione cambia improvvisamente. Ci volle solo un anno perché il giovane artista fosse ammirato.
Nel 1632 espone il suo nuovo dipinto "La lezione di anatomia del dottor Tulip", che gli procura un vero successo! Rembrandt diventa immediatamente un artista alla moda: ora non gli mancano i clienti e tra loro ci sono molte persone benestanti e influenti.
Tutto sta andando molto bene: giovinezza, successo, soldi e un'indomabile voglia di disegnare...
Una volta Rembrandt fu invitato a casa del mercante d'arte Hendrik van Uylenburgh.
In una rumorosa e allegra compagnia di giovani, vide colui che gli colpì per sempre il cuore: la giovane Saskia, cugina di Hendrik.
Sebbene Saskia non fosse una bellezza nel pieno senso della parola: un collo corto, occhi piccoli, guance carnose, ma il suo modo di comunicare con le persone, la sua voce dolce e melodiosa e semplicemente una giovinezza fresca e affascinante la rendevano insolitamente affascinante nel occhi dei giovani. Inoltre, Rembrandt fu colpito dalla sua intelligenza e vivacità, e iniziò a corteggiare intensamente la ragazza, inoltre, proveniva da una famiglia molto ricca, tra i suoi parenti c'erano funzionari di alto rango e pastori, mercanti e armatori.
Poi ci furono molti altri incontri nella più alta società di Amsterdam e Rembrandt alla fine fece la sua scelta. Non poteva immaginarsi senza questa ragazza. L'artista le fa una proposta ufficiale, che viene accettata di buon grado, e nel 1634 i giovani si sposano legalmente.
Iniziarono così gli anni più felici della vita di Rembrandt. Saskia non solo ha dato il suo amore disinteressato a suo marito, ma ha anche portato una dote significativa e lo ha presentato ai circoli più alti dei borghesi di Amsterdam.
Gli ordini piovvero uno dopo l'altro, il nome di Rembrandt fu menzionato con ammirazione in quasi tutte le case, e a quel punto lui stesso era già diventato una persona benestante e poteva circondare sua moglie di splendore e lusso - la comprò a caro prezzo vestiti, gioielli e fece di tutto affinché la famiglia Saskia non considerasse il loro matrimonio ineguale.
Nessun archivio è stato conservato sulla loro vita familiare: né diari, né appunti, né lettere reciproche, né resoconti di testimoni oculari, ma che fosse piena di felicità è testimoniato da numerosi ritratti, disegni e incisioni realizzati da Rembrandt.
Il denaro permetteva al giovane coniuge di non essere avaro e con entusiasmo iniziò a collezionare nella sua casa un'ampia varietà di rarità antiche, dipinti, incisioni, acqueforti, tappeti, vasi giapponesi - che non erano nella sua collezione.
Ma, ovviamente, il tesoro principale di Rembrandt è Saskia. Ed è stata lei a ispirare l'artista a creare una delle sue opere migliori: creare Danai.
C'è così tanto personale in questa immagine, così tanto amore e franchezza, che l'artista ha deciso di non vendere mai questa tela - dopo tutto, era un simbolo del loro amore sconfinato e della loro straordinaria felicità.
Ma la felicità si rivelò di breve durata, la fortuna ad un certo punto si allontanò dalla famiglia e iniziarono una serie di eventi tragici; all'inizio del 1636 muore il primo figlio neonato Rumbarthus, poi la stessa triste sorte tocca alle due figlie nate una dopo l'altra,
Il lutto regnava in casa: era difficile disegnare, era difficile guardare Saskia che piangeva costantemente, ma pur sempre amata e cara, i soldi gradualmente scorrevano via. Ma c'era la convinzione che un giorno la felicità sarebbe tornata in casa e Dio avrebbe avuto pietà di loro.
E così accadde tutto: Saskia rimase nuovamente incinta e nel 1641, finalmente, diede alla luce un bambino sano, il figlio di Tito.
Il desiderio di creare ritorna al padre felice, e durante questo periodo appare un intero ciclo di disegni, oltre al famoso dipinto: Saskia, dopo il parto, gioca a letto con Titus.
L'artista era pieno di questo tema: il tema della madre e del figlio.
Sembrava che tutto stesse migliorando, la fortuna era di nuovo dalla sua parte, ma ancora una volta la felicità non indugiò: il parto frequente minò la salute di Saskia, iniziò ad ammalarsi, quasi non si alzò dal letto e nove mesi dopo la sua nascita figliolo, la giovane è morta, aveva solo trent'anni!
Rembrandt cadde in una grave depressione: dopo tutto, Saskia portò con sé tutti i colori del mondo.
Ma un giorno, mentre l'artista era seduto nel suo studio, e il suo cuore era particolarmente triste e malato, udì la voce femminile di qualcuno:
Bevi, maestro, ti sentirai subito meglio.
Di fronte a lui c'era la nutrice di Titus, che Saskia aveva assunto durante la sua vita. E Rembrandt, inaspettatamente per se stesso, sentì improvvisamente che gli piaceva questa donna: il suo cuore cominciò a battere forte, come una volta all'incontro con Saskia.
Gertje Dirks, la vedova del trombettista di bordo, era una donna giovane, sana e piuttosto attraente, non priva di astuzia. A poco a poco, si stabilì saldamente non solo nella camera da letto del padrone, ma prese anche tutto il potere nella sua casa.
Gertier non somigliava affatto all'aristocratica Saskia: era una donna del popolo in cui ribollivano le passioni terrene. Ma Rembrandt sembrava divertirsi. Gertier appariva sempre più spesso sulle sue tele e nudo. La sua carne magnifica, densa e così terrena riempiva le tele di sensualità e lussuria.
E arrivò il momento in cui Rembrandt decise di riscrivere Danae. Nella foto precedente, Danae era avvolta nel tessuto più sottile - dopo tutto, l'amata, così gentile e pura Saskia ha posato per l'artista, e lui non voleva che nessuno tranne lui potesse ammirare la bellezza del suo corpo. Ma il semplice e rude Gertier, che è riuscito a risvegliare in lui le passioni carnali, potrebbe benissimo essere smascherato davanti agli occhi di estranei.
Così sulla tela di Rembrandt nasce una nuova Danae: pronta per carezze e giochi d'amore, sensuale, ardente, aspetta il suo amante, volendo dargli tutti i piaceri terreni. E questa nuova Danae ha le caratteristiche di Gertier (Saskia non potrebbe essere così apertamente sexy).
Passarono gli anni. Rembrandt ha lavorato duro. Suo figlio Tito stava crescendo. E Gertie, che era diventata stantia per le larve del padrone, si sentiva un'amante sovrana ed era tormentata da un solo pensiero: perché il padrone non avrebbe dovuto sposarla? Ha dato tutta la sua vita a Rembrandt e lui, a quanto pare, non l'avrebbe chiamata sua moglie.
Ben presto l'artista fu convocato alla "Camera dei litigi familiari" (una tale istituzione esisteva ad Amsterdam nel XVII secolo) e gli fu ordinato di pagare alla signora Dirks 200 fiorini all'anno. Per quei tempi era una cifra considerevole, ma Rembrandt è pronto a tutto pur di sbarazzarsi di una donna cattiva e scandalosa. Tutti i sentimenti teneri per lei sono scomparsi da tempo, soprattutto da quando in casa è apparsa una nuova domestica: Hendrikje Stoffels, la figlia di un soldato che ha prestato servizio al confine con la Vestfalia. Si è rivelata modesta, dolce, gentile e presto questa ragazza tranquilla e devota ha conquistato non solo il cuore dell'artista, ma tutti in casa.
Rembrandt si innamorò sinceramente di lei e per la prima volta dopo che Saskia volle legittimare la relazione. Ma, sfortunatamente, questo era impossibile: secondo i termini del testamento di Saskia, essendosi sposato, è stato privato del diritto di gestire la proprietà di suo figlio Tito e di utilizzare le sue entrate.
Ma Hendrickje non si aspettava né pretendeva nulla, la cosa principale è che stavano insieme e lei avrebbe potuto dare a Rembrandt la sua giovinezza, pace e felicità, e nel 1654 - sua figlia, l'amata Cornelia.
Rembrandt non rimase in debito, tuttavia, non poteva inondare la sua amata di gioielli o denaro: in questi anni diventarono sempre meno, ma scrisse una straordinaria galleria dei suoi ritratti.
E un giorno, in una serata tranquilla e calma, mentre erano seduti in officina e parlavano di qualcosa, improvvisamente si alzò di colpo, andò da Danae e, lanciandole un'occhiata, prese dei colori e un pennello, dando subito il la principessa delle fiabe presenta Hendrickier.
Così è apparsa la terza versione di questa tela misteriosa e bellissima.
Nel frattempo, la società di Amsterdam ribolliva: i borghesi erano indignati dallo stile di vita dell'artista diventato famoso da tempo. La sua serva, prostituta e adultera, vive con lui nel peccato! Ma il vero scandalo scoppiò dopo che si sparse la voce secondo cui Hendrikje, incinta, avrebbe posato per l'artista per il dipinto Bathing Bathsheba,
La ragazza fu convocata al concistoro calviniano e pretese di lasciare l'artista, minacciando, in caso contrario, di essere scomunicata.
Adesso è difficile immaginare cosa volesse dire per una giovane donna essere scomunicata dalla comunione serale: è stata una vergogna terribile.
Ma Hendrickje, nonostante il suo carattere tranquillo e docile, rifiutò bruscamente: dopo tutto, nulla poteva competere con il suo amore sconfinato, e lei continuò comunque a vivere con Rembrandt.
La famiglia ha avuto un momento difficile. Erano finiti gli anni prosperi e ben nutriti, nessuno comprava i dipinti di Rembrandt e gradualmente dovettero vendere tutti i tesori: tappeti, armi, vasi, dipinti che collezionava con tanto amore.
Nel 1656 Rembrandt fu finalmente dichiarato fallito. "Inventario di dipinti, mobili e utensili domestici appartenenti a Rembrandt van Rijn, che vive a Breestraat vicino alla chiusa di Sant'Antonio", i funzionari fiscali hanno coscienziosamente descritto la proprietà di Rembrandt. In uno dei paragrafi dell'inventario, accanto alle pelli di un leone e di una leonessa e a due abiti colorati, c'è un "grande dipinto" Danae ".
La tela, dalla quale l'artista non si è mai separato, è caduta nelle mani indifferenti di altre persone.
E poi la famiglia perse la casa stessa - fu acquistata da un vicino calzolaio - e si trasferì in uno dei quartieri più poveri di Amsterdam.
La sfortuna e la perdita continuarono a perseguitarli. Incapace di resistere a queste difficili prove della vita, Hendrickje muore nel 1663, seguito da Titus: ha recentemente sposato l'affascinante Magdalena van Lo, che non poteva vivere senza suo marito e non gli è sopravvissuta a lungo.
Tutti coloro che Rembrandt amava lasciarono l'artista, rimasero solo due ragazze: la figlia Cornelia e la nipotina Titya.
Il tempo scorreva inesorabilmente avanti e anche la salute se ne andava inesorabilmente. Rembrandt si stava indebolendo, vivendo in una terribile povertà e umiliazione. Ma più il suo destino è stato duro, più la sua arte ha acquisito saggezza e profondità.
La sua morte non ha suscitato alcun interesse ad Amsterdam: pensate che ci sono molti di questi artisti i cui dipinti vengono venduti anche nei mercati insieme a selvaggina, carne e pesce!
E nessuno allora pensava che il Paese avesse perso uno dei suoi figli più grandi...
E che mi dici di Danae? In quali mani è caduto il dipinto preferito di Rembrandt?
Avendo cambiato diversi proprietari, inizio XVII secolo, finì nella collezione del banchiere francese Pierre Crozat, e dopo la sua morte fu ereditato dal nipote del barone Thiers, e solo nel 1770 fu venduto. Tra i nuovi proprietari dei tesori di Crozat c'era l'imperatrice russa Caterina II, che raccolse la sua collezione di dipinti con grande entusiasmo.
Alla fine, "Danae" ha trovato un posto degno per sé: nelle sale dell'Ermitage. Giunta qui suscitò subito accese polemiche; dov'è la pioggia dorata, perché Cupido piange sul suo letto, perché c'è un anello al dito della sua mano sinistra? Allora non è affatto Danae! O forse Dalila, in attesa di Sansone, o la biblica Agar?
Tutte le domande sono state rimosse di recente, quando il capolavoro di Rembrandt è stato studiato con l'aiuto dei raggi X. Dopo aver illuminato la tela, gli scienziati stupiti ne videro un'altra sotto un'immagine! Nella prima versione, Saskia era raffigurata con un anello al dito, come dovrebbe essere per una donna sposata, e il suo corpo era timidamente coperto da un leggero velo. L'artista lo ha colto quando è apparso Gertier Dirks, motivo per cui Cupido piange, piange l'amore scomparso e la meravigliosa Saskia.
Ma la storia non è finita qui. In una soleggiata giornata di sabato, il 15 luglio 1985, un giovane Bryunas Maigis, arrivato a Leningrado da Kaunas, si recò all'Ermitage: e subito si recò alla Sala Rembrandt. Avvicinandosi alla "Danae", tirò fuori un coltello e gridò "Libertà alla Lituania!" si avventò su di lei. Dopo aver ritagliato la foto, vi versò sopra anche un litro di acido solforico. Il personale del museo, scioccato, è rimasto sbalordito: questo non è mai successo in un museo! Il pazzo vandalo fu arrestato e durante l'interrogatorio disse di aver letto un articolo sulla rivista Ogonyok secondo cui questo era "il dipinto principale nel principale museo sovietico". Nella mente perversa del lituano, il capolavoro di Rembrandt si trasformò in una sorta di simbolo dell'Impero russo, che opprimeva i lituani.
E mentre la polizia portava Maigis fuori dall'Hermitage, lo staff del museo osservava con orrore i flussi di acido che scorrevano sul dipinto, corrodendo lo strato di vernice e la tela. Furono chiamati con urgenza restauratori e i migliori chimici della città. L'immagine mutilata fu trasferita in laboratorio, lavata e iniziarono a pensare a cosa farne: dopo tutto, l'acido lasciò terribili solchi, inoltre, le cosce e lo stomaco di Danai furono tagliati con un coltello.
A seguito di accesi dibattiti, si è giunti a una soluzione di compromesso: ciò che è completamente danneggiato non deve essere ripristinato, ma ciò che può essere ripristinato deve essere ripristinato. E i restauratori sono riusciti a salvare il dipinto dopo il folle atto vandalico.
Il capolavoro di Rembrandt piace ancora ai visitatori dell'Ermitage e tutti, avvicinandosi ad esso, sentono di nuovo il fascino della bellezza femminile e la gioia di aspettare un miracolo. E, naturalmente, ammira l'abilità del grande olandese Rembrandt von Rhine, il cui 400esimo compleanno è stato celebrato l'anno scorso da tutti gli intenditori dell'arte immortale.
L'opera del geniale Rembrandt (1606-1669) è uno dei vertici della pittura mondiale. La straordinaria ampiezza della gamma tematica, l'umanesimo più profondo che ispira le opere, la vera democrazia dell'arte, la costante ricerca dei mezzi artistici più espressivi, l'abilità insuperabile hanno dato all'artista l'opportunità di incarnare le idee più profonde e avanzate del tempo. La colorazione dei dipinti di Rembrandt del periodo maturo e tardo, costruita su una combinazione di toni caldi e vicini, iridescenti con le sfumature più fini, leggere, svolazzanti e concentrate, come se emesse dagli oggetti stessi, contribuiscono alla straordinaria emotività delle sue opere. Ma ad essi viene dato un valore speciale da sentimenti alti e nobili che donano poesia e bellezza sublime alle cose quotidiane.
Rembrandt dipinse dipinti, ritratti e paesaggi storici, biblici, mitologici e di tutti i giorni; fu uno dei più grandi maestri dell'acquaforte e del disegno. Ma indipendentemente dalla tecnica con cui lavorava Rembrandt, al centro della sua attenzione era sempre una persona, con il suo mondo interiore, le sue esperienze. Rembrandt trovava spesso i suoi eroi tra i rappresentanti dei poveri olandesi, in essi rivelava i migliori tratti caratteriali, l'inesauribile ricchezza spirituale. L'artista ha portato fede nell'uomo attraverso tutta la sua vita, difficoltà e prove. Lo ha aiutato fino ai suoi ultimi giorni a creare opere che esprimessero le migliori aspirazioni del popolo olandese.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn è nato a Leida, figlio del proprietario di un mulino. I suoi insegnanti furono Swannenburgh e successivamente Lastman. Dal 1625 Rembrandt iniziò a lavorare in modo indipendente. Le sue prime opere portano tracce dell'influenza di Lastman, a volte pittori di Utrecht, seguaci di Caravaggio. Ben presto il giovane Rembrandt trovò la sua strada, chiaramente segnata nei ritratti, realizzati principalmente con se stesso e i suoi cari. Già in queste opere il chiaroscuro divenne per lui uno dei principali mezzi di espressione artistica. Ha studiato varie manifestazioni di personaggi, espressioni facciali, espressioni facciali, tratti individuali.
Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam e divenne subito famoso con il dipinto La lezione di anatomia del dottor Tulp (1632, L'Aia, Mauritshuis). Si tratta in sostanza di un folto ritratto di gruppo di medici che circondavano il dottor Tulp e ascoltavano con attenzione le sue spiegazioni su un cadavere anatomico. Una tale costruzione della composizione ha permesso all'artista di trasmettere le caratteristiche individuali di ogni persona ritratta e di collegarle in un gruppo libero con uno stato generale di profondo interesse, per enfatizzare la vitalità della situazione. A differenza dei ritratti di gruppo di Hals, dove ciascuno dei ritratti occupa una posizione equivalente, nel dipinto di Rembrandt tutti i personaggi sono psicologicamente subordinati a Tulpa, la cui figura è evidenziata da un'ampia silhouette e da un gesto della mano libera. La luce intensa rivela il centro della composizione, contribuisce a dare l'impressione di compostezza di gruppo e aumenta l'espressione.
Il successo del primo quadro portò all'artista numerose commissioni e con esse ricchezza, che aumentò con il suo matrimonio con la patrizia Saskia van Uylenburgh. Uno dopo l'altro, Rembrandt scrive grandi composizioni religiose, come il Sacrificio di Abramo (1635, San Pietroburgo, Hermitage), piene di dinamismo e pathos, ritratti cerimoniali. È affascinato dalle immagini eroico-drammatiche, dalle costruzioni apparentemente spettacolari, dai magnifici abiti fantasiosi, dai contrasti di luce e ombra e dagli angoli acuti. Rembrandt raffigura spesso Saskia e se stesso, giovani, felici, pieni di forza. Si tratta del “Ritratto di Saskia” (circa 1634, Kassel, Galleria d'arte), “Autoritratto” (1634, Parigi, Louvre), “Autoritratto con Saskia in ginocchio” (circa 1636, Dresda, Galleria d'arte). Rembrandt ha lavorato molto nel campo dell'acquaforte, amando motivi di genere, ritratti, paesaggi e ha creato tutta una serie di immagini di rappresentanti delle classi sociali inferiori.
Entro la fine degli anni Trenta del Seicento si rivelò l'attrazione dell'artista per le immagini realistiche nei dipinti di grandi dimensioni. Il tema mitologico nel dipinto Danae (1636, la maggior parte del dipinto fu ridipinto a metà degli anni Quaranta del Seicento, San Pietroburgo, Ermitage) acquisì una soluzione insolitamente vitale e convincente. Rifiutando il pathos violento e gli effetti esterni, Rembrandt si è adoperato per l'espressività psicologica. I colori caldi sono diventati più ricchi, la luce ha acquisito un ruolo ancora maggiore, conferendo all'opera una particolare trepidazione ed eccitazione.
Con l'approfondimento dell'abilità realistica dell'artista crescevano i suoi disaccordi con l'ambiente borghese-patrizio circostante. Nel 1642, su incarico di una compagnia di fucilieri, dipinse un dipinto di grandi dimensioni (3,87 x 5,02 m), a causa dello scurimento dei colori di tanto in tanto, che in seguito ricevette il nome di “Ronda di notte” (Amsterdam, Rijksmuseum). Invece della tradizionale festa con i ritratti dei suoi partecipanti, dove ognuno è raffigurato con tutta la cura delle caratteristiche individuali, come fatto in precedenza, l'artista ha raffigurato l'esibizione dei tiratori in una campagna. Alzando lo stendardo, guidati dal capitano, marciano lungo l'ampio ponte vicino all'edificio della gilda al suono di un tamburo. Un raggio di luce insolitamente brillante, che illumina le singole figure, i volti dei partecipanti al corteo e una bambina con un gallo in vita, come se si facesse strada tra le fila dei tiratori, sottolinea l'inaspettata, la dinamica e l'eccitazione dell'immagine. Le immagini di persone coraggiose, colte da uno slancio eroico, si uniscono qui con un'immagine generalizzata del popolo olandese, ispirata dalla coscienza dell'unità e dalla fede nelle proprie forze. Pertanto, un ritratto di gruppo acquisisce il carattere di una sorta di dipinto storico in cui l'artista cerca di valutare il presente. Rembrandt incarna la sua idea di nobili ideali civici, di un popolo che si è sollevato per lottare per la libertà e l'indipendenza nazionale. Negli anni in cui si rivelavano sempre più le contraddizioni interne che dividevano il Paese, l'artista lanciava un appello all'impresa civica. Rembrandt ha cercato di creare un'immagine dell'eroica Olanda, per glorificare l'impennata patriottica dei suoi cittadini. Tuttavia, questa idea era già in gran parte estranea ai suoi clienti.
Nel corso degli anni Quaranta del Seicento le differenze tra l'artista e la società borghese aumentarono. Ciò è facilitato da eventi difficili nella sua vita personale, la morte di Saskia. Ma fu in questo momento che arrivò il momento della maturità nell'opera di Rembrandt. Le spettacolari scene drammatiche dei suoi primi dipinti vengono sostituite dalla poetizzazione della vita quotidiana: le trame liriche diventano predominanti, come L'addio di David a Jonathan (1642), La Sacra Famiglia (1645, entrambi i dipinti - San Pietroburgo, l'Ermitage), in cui la profondità dei sentimenti umani conquista con un'incarnazione sorprendentemente sottile e forte. Sembrerebbe che nelle semplici scene quotidiane, in gesti e movimenti parsimoniosi e accuratamente individuati, l'artista riveli la complessità della vita spirituale, il flusso dei pensieri dei personaggi. Trasferisce la scena del dipinto "La Sacra Famiglia" in una povera casa di contadini, dove il padre lavora come falegname e la giovane madre custodisce attentamente il sonno del bambino. Ogni cosa qui è ricoperta dal respiro della poesia, sottolinea l'atmosfera di silenzio, pace, tranquillità. Ciò è facilitato dalla luce soffusa che illumina i volti della mamma e del bambino, nelle sfumature più sottili del caldo colore dorato.
Le immagini delle opere grafiche di Rembrandt - disegni e incisioni - sono piene di profondo significato interiore. Con particolare forza, il democratismo della sua arte si esprime nell'acquaforte “Cristo che guarisce i malati” (1649 circa, “Un foglio di cento fiorini”, così chiamata per l'alto prezzo che acquistò alle aste). Colpisce l'interpretazione penetrante delle immagini dei malati e dei sofferenti, dei mendicanti e dei poveri, a cui si contrappongono farisei compiaciuti e riccamente vestiti. Autentica portata monumentale, pittorescità, contrasti sottili e netti di chiaroscuro, ricchezza tonale contraddistinguono le sue acqueforti e disegni a penna, sia tematici che paesaggistici.
Un posto enorme nel periodo tardo è occupato da composizioni semplici ma, molto spesso ritratti generazionali di parenti e amici, in cui l'artista si concentra sulla rivelazione del mondo spirituale del ritratto. Molte volte scrive a Hendrickje Stoffels, rivelando la sua gentilezza spirituale e cordialità, nobiltà e dignità - come, ad esempio, "Hendrickje at the Window" (Berlino, Museo). Spesso il modello è suo figlio Tito, un giovane malaticcio e fragile dal volto spirituale e gentile. Nel ritratto con libro (1656 circa, Vienna, Kunsthistorisches Museum), l'immagine sembra essere penetrata dai raggi del sole. Tra i più penetranti si ricordano il ritratto di Breuning (1652, Kassel, Galleria), un giovane dai capelli dorati dal volto mobile illuminato dalla luce interiore, e il ritratto di Jan Six chiuso e triste (1654, Amsterdam, collezione Six) , come se fosse rimasto nei suoi pensieri, infilandosi un guanto.
A questo tipo di ritratti appartengono anche gli autoritratti tardivi dell'artista, che colpiscono per la diversità delle caratteristiche psicologiche, l'espressione dei movimenti più sfuggenti dell'anima. L'“Autoritratto” del Museo di Vienna (1652 circa) fu eseguito con nobile semplicità e maestosità; nell'"Autoritratto" del Louvre (1660), l'artista si raffigura meditativo, intensamente triste.
Contemporaneamente è stato dipinto il ritratto di una vecchia, moglie di suo fratello (1654, San Pietroburgo, Hermitage), un ritratto-biografia che parla di una vita vissuta duramente, di giorni duri che hanno lasciato segni eloquenti sul viso rugoso e sulle mani stanche di questa donna sopravvissuta. Concentrando la luce sul viso e sulle mani, l'artista attira su di essi l'attenzione dello spettatore, rivelando la ricchezza spirituale e la dignità umana dei soggetti ritratti. Quasi tutti questi ritratti non sono realizzati su misura: ogni anno gli ordini sono sempre meno.
L'ultimo decennio è il periodo più tragico della vita di Rembrandt; dichiarato debitore insolvente, si stabilisce nel quartiere più povero di Amsterdam, perde i suoi migliori amici e i suoi cari. Muoiono Hendrickje e il figlio Titus. Ma le disgrazie che lo hanno colpito non hanno potuto fermare lo sviluppo del genio creativo dell'artista. Le opere più profonde e belle furono scritte da lui in questo periodo. Il ritratto di gruppo dei "Sindiki" (gli anziani della corporazione dei tessuti, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) completa i risultati dell'artista in questo genere. La sua vitalità risiede nella profondità e specificità di ciascuno dei soggetti, nella naturalezza della composizione, chiara ed equilibrata, nell'avarizia e accuratezza della selezione dei dettagli, nell'armonia di una combinazione di colori sobria e allo stesso tempo nel creare un'immagine integrale di un gruppo di persone unite dagli interessi comuni che tutelano. Un'angolazione insolita sottolinea la natura monumentale dell'immagine, il significato e la solennità di ciò che sta accadendo.
Al periodo tardo appartengono anche alcuni grandi dipinti tematici del maestro: “La cospirazione di Julius Civilis” (1661, Stoccolma, Museo Nazionale), una composizione storica raffigurante il capo della tribù Batav, considerati gli antenati dei Paesi Bassi, che nel I secolo incitarono il popolo alla rivolta contro Roma, così come dipinti su soggetti biblici: "Assur, Haman ed Ester" (1660, Mosca, Museo Pushkin).
La trama della parabola biblica del figliol prodigo aveva già attratto l'artista, come si trova in una delle sue acqueforti. Ma solo verso la fine della sua vita Rembrandt arrivò alla sua rivelazione più profonda. Nell'immagine di un uomo stanco e pentito, caduto in ginocchio davanti a suo padre, si esprime il tragico percorso di conoscenza della vita, e nell'immagine del padre che ha perdonato il figliol prodigo, la più alta felicità a disposizione di una persona, il limite dei sentimenti che riempiono il cuore, è incarnato. La soluzione di questa composizione di grandi dimensioni è di sorprendente semplicità, dove i personaggi principali sembrano illuminati da una luce interiore, dove il gesto delle mani del padre, che ha riconquistato il figlio, esprime la sua infinita gentilezza, e la figura cadente di un vagabondo vestito di stracci sporchi, aggrappato al padre, esprime tutta la forza del pentimento, la tragedia della ricerca e delle perdite. Altri personaggi sono relegati in secondo piano, nella penombra, e la loro compassione e premurosità non fanno che evidenziare ancora di più, come se risplendessero di una calda luce, dell'amore paterno e del perdono, che il grande artista olandese ha lasciato alle persone come un testamento.
L'influenza dell'arte di Rembrandt è stata enorme. Ciò influì non solo sul lavoro dei suoi allievi diretti, tra i quali Karel Fabritius si avvicinò di più alla comprensione del maestro, ma anche sull'arte di ogni artista olandese più o meno significativo. L'arte di Rembrandt ha avuto successivamente un profondo impatto sullo sviluppo di tutta l'arte realistica mondiale. Mentre il più grande artista olandese, entrato in conflitto con la società borghese, morì nel bisogno, altri pittori, avendo padroneggiato l'abilità di trasmettere fedelmente l'immagine raffigurata, riuscirono a ottenere riconoscimento e benessere a vita. Avendo concentrato i propri sforzi nel campo dell'uno o dell'altro genere di pittura, molti di loro hanno creato opere significative nel loro campo.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn è un pittore e incisore di fama mondiale. La biografia di Rembrandt è molto interessante, quindi non sorprende che un numero enorme di studi artistici e monografie scientifiche siano dedicati allo studio della sua vita e del suo lavoro.
nei primi anni
L'artista Rembrandt, la cui biografia è discussa in questo articolo, nacque nella famiglia del mugnaio Harmen Gerrits nel 1606. Il nome di sua madre era Neltje Willemsdochter van Rijn.
A causa del fatto che suo padre stava bene in quel momento, il futuro pittore ricevette un'istruzione abbastanza buona. Fu assegnato a una scuola di latino, ma al giovane non piaceva studiare lì, quindi il suo successo lasciava molto a desiderare. Di conseguenza, il padre cedette alle richieste del figlio e gli permise di andare a studiare presso il laboratorio d'arte di Jacob van Swanenbürch.
La biografia di Rembrandt è interessante in quanto il suo primo mentore non ha avuto una forte influenza sullo stile artistico dell'artista. La più grande influenza sull'artista alle prime armi fu il suo secondo insegnante, al quale si trasferì dopo tre anni di lavoro a Swanenbürch. Divennero Peter Lastman, lo studente a cui Rembrandt decise di trasferirsi a vivere ad Amsterdam.
Creatività e biografia dell'artista
Una breve biografia di Rembrandt van Rijn non consente una descrizione dettagliata della sua intera carriera e vita, ma è ancora del tutto possibile individuarne i punti principali.
Nel 1623, l'artista tornò a casa, nella città di Leida, dove nel 1628 aveva acquisito i propri studenti. Le notizie sulle sue primissime opere conosciute risalgono al 1627.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn ha camminato sistematicamente e diligentemente verso il suo successo creativo: la biografia di un pittore di talento indica che nelle prime fasi del suo lavoro ha lavorato instancabilmente.
A quel tempo dipinse principalmente parenti e amici, oltre a scene della vita della sua città natale. La Galleria di Kassel conserva un ritratto di un uomo con una doppia catena d'oro al collo, risalente a questo periodo della vita dell'artista, conosciuto in tutto il mondo come Rembrandt. La biografia e il lavoro di questo pittore già allora iniziarono ad attirare l'attenzione.
Trasferirsi ad Amsterdam
Nel 1631, il giovane si trasferì a vivere nella capitale, la città di Amsterdam. D'ora in poi appare estremamente raramente nelle sue terre natali. La biografia di Rembrandt in questa fase della sua vita e del suo lavoro è piena di prove del fatto che ha rapidamente guadagnato fama e successo creativo nei ricchi circoli di Amsterdam.
Questa è una fase molto fruttuosa nella vita dell'artista. Rembrandt, la cui breve biografia è esposta nel nostro articolo, ha lavorato molto duramente, adempiendo a molti ordini e allo stesso tempo non dimenticando di migliorare costantemente. L'artista ha disegnato dal vero e inciso personaggi interessanti che ha incontrato nel quartiere ebraico della città.
Quindi furono dipinti dipinti famosi come "Lezione di anatomia" (1632), "Ritratto di Coppenol" (1631) e molti altri.
Successo creativo e finanziario
Nel 1634 Rembrandt sposò Saskia van Uhlenborch, figlia di un avvocato di successo. In molti modi, questo ha segnato il periodo di maggior successo nella vita e nel lavoro dell'artista. Ha abbastanza soldi e molti ordini, che esegue volentieri.
La biografia di Rembrandt di quel periodo indica che amava molto dipingere sua moglie, e non solo nei ritratti, ma spesso la sua immagine può essere vista anche in altri dipinti del pittore.
I dipinti più famosi raffiguranti la giovane moglie dell'artista sono:
- "Ritratto della sposa di Rembrandt";
- "Ritratto di Saskia";
- "Rembrandt con sua moglie".
Rembrandt: una breve biografia dopo la morte della sua prima moglie
Il felice matrimonio del giovane non durò a lungo. Dopo sette anni di matrimonio, Saskia morì improvvisamente nel 1642. E da quel momento tutta la vita dell'artista comincia a cambiare in peggio.
Nonostante Rembrandt si sia sposato una seconda volta, non ha più avuto la stessa felicità del suo primo matrimonio. La sua compagna di vita era la sua ex cameriera Gendrikie Jagers.
Durante questo periodo di vita, l'artista incontra gravi difficoltà finanziarie, e non a causa della mancanza di lavoro e di ordini, ma a causa della sua passione per il collezionismo di opere d'arte, sulle quali spende gran parte del suo reddito.
La sua passione per il collezionismo portò al fatto che nel 1656 fu dichiarato debitore incapace di saldare i suoi debiti e nel 1658 dovette rinunciare alla propria casa per saldare i debiti. Da quel momento l'artista visse in un albergo.
Deterioramento
Il figlio di Hendrikie e Rembrandt, Tityus, fondò una società commerciale per la vendita di opere d'arte. Tuttavia le cose non andavano ancora molto bene e dopo la morte di Gendrikie nel 1661 la situazione peggiorò ulteriormente. Sette anni dopo muore anche il figlio che gestiva l’attività dell’azienda.
La situazione finanziaria del grande artista diventa semplicemente terribile, ma la povertà non ha ucciso in lui il desiderio di creare. Continua ostinatamente a dipingere quadri, che però non riscuotono più presso i contemporanei lo stesso successo di prima, perché i gusti del pubblico sono cambiati nel corso degli anni.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn morì nell'ottobre del 1669, tutto solo e in estrema povertà.
Rembrandt: biografia, dipinti
A differenza dei contemporanei del grande pittore, le generazioni successive apprezzarono molto non solo i primi lavori dell'artista, ma anche le opere e le tele successive di Rembrandt. Oggi il maestro è la personificazione della pittura olandese e uno dei suoi rappresentanti più brillanti.
Il filo conduttore principale di tutto il suo lavoro può essere chiamato realismo, che permea tutte le opere dell'autore. Anche raffigurando scene mitologiche, Rembrandt mostra gli antichi dei e dee greci nelle vesti degli abitanti contemporanei dell'Olanda. Un esempio lampante di ciò è il dipinto "Danae", conservato nel Museo statale dell'Ermitage di San Pietroburgo.
Alcuni dipinti mitologici hanno generalmente una rappresentazione semi-cartone animato di dei e dee. Questo può essere rintracciato nell'opera "Il rapimento di Ganimede" (il secondo nome è "Ganimede negli artigli di un'aquila"), conservata nel Museo di Dresda. Qui le proporzioni del corpo di Ganimede non corrispondono alla realtà, il che non indica un basso livello di abilità dell'esecutore del dipinto, ma il suo approccio caricaturale intenzionale alla rappresentazione del personaggio sulla tela, poiché in molti dipinti Rembrandt esegue facilmente anche elementi complessi raffiguranti parti della fisiologia e dell'anatomia umana.
I ritratti dell'artista si distinguono generalmente per realismo e credibilità senza precedenti per il suo tempo, il che parla dell'incredibile talento e capacità del maestro di trasferire ciò che ha visto nella vita sulla tela, nonché della sua conoscenza piuttosto profonda dell'anatomia e della fisiologia umana.
Per questo tipo di lavoro, l'artista tratta varie sciocchezze e piccoli accessori con molta attenzione e precisione. Questo è chiaramente visibile nelle immagini:
- "Calligrafo" (Museo statale dell'Ermitage);
- "Lezione di anatomia" (Mauritshuis);
- "Gilda dei tessitori" (Museo Amsterdam).
stile creativo
Le opere di Rembrandt sono caratterizzate dal fatto che tutti gli elementi importanti del quadro sono sempre messi in primo piano dall'artista, indipendentemente dalle caratteristiche compositive. L'artista non si sforza sempre di dimostrare che le persone o gli oggetti raffigurati siano corretti dal punto di vista della realtà. È caratterizzato da un'esagerazione deliberata.
La caratteristica principale che ha attraversato tutte le sue opere è l'assenza di colori vivaci e vivacità. Inoltre, questo può essere visto fin dalle prime opere dell'artista. E questo li distingue molto dai dipinti dei maestri italiani o, ad esempio, dall'opera del pittore fiammingo Rubens.
Rembrandt ha posto la massima enfasi sul gioco dei colori con luci e ombre. In questo, la sua abilità è considerata riconosciuta e insuperabile fino ai giorni nostri. A volte il gioco di colori sulle tele dell'artista è così forte che gli esperti d'arte discutono ancora su quale ora del giorno sia raffigurata nella foto.
Uno degli esempi più chiari del dipinto di Rembrandt con una tavolozza così magnifica è, forse, il suo dipinto più famoso "La ronda di notte", le controversie su cui non si fermano oggi.
"La ronda di notte"
Questa immagine è ufficialmente intitolata "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenbürg", ma in tutto il mondo viene comunemente chiamata semplicemente "Ronda di notte".
Tuttavia, a causa dell’amore dell’artista per il gioco di colori luce-ombra sopra descritto, le controversie su quale ora del giorno sia raffigurata nella foto, giorno o notte, sono ancora in corso e non esiste una risposta definitiva.
Questa tela è un simbolo e l'opera più sorprendente non solo dello stesso Rembrandt, ma dell'intera scuola di pittura olandese. È considerato proprietà del Regno dei Paesi Bassi e dell'arte mondiale in generale.
Milioni di turisti provenienti da tutto il mondo vengono ogni anno ad Amsterdam per visitare il Rijksmuseum e ammirare il famoso dipinto. Ognuno ci vede qualcosa di proprio, ognuno ha la propria impressione e opinione su questa tela. Ma il fatto che questa magnifica opera del famoso creatore non lasci assolutamente nessuno indifferente rimane sempre invariato.
Conclusione
Oggi, il pittore e incisore Rembrandt, la cui breve biografia e opera sono state descritte in questo articolo, è l'orgoglio non solo del suo paese natale. È conosciuto in tutto il mondo e i suoi dipinti sono ammirati dagli intenditori d'arte e di pittura di tutto il pianeta. I dipinti dell'artista vengono acquistati volentieri per soldi favolosi nelle aste in cui vengono venduti dipinti e opere d'arte, e il nome di Rembrandt viene ascoltato da chiunque abbia la minima idea dell'arte.
È difficile sopravvalutare il contributo creativo di questo grande artista all'arte e alla cultura del suo paese e del mondo intero. Non c'è da stupirsi che oggi la scuola di pittura olandese sia principalmente associata al nome di Rembrandt Harmensz van Rijn.