Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (hiszp. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 6 czerwca 1599, Sewilla – 6 sierpnia 1660, Madryt) – hiszpański artysta, największy przedstawiciel złotego wieku malarstwa hiszpańskiego.
Biografia
Velazquez urodził się 6 czerwca 1599 roku w Sewilli w Hiszpanii. Studiował malarstwo w swoim rodzinnym mieście u Francisco Herrery Starszego i Francisco Pacheco, którego córkę, Juanę Mirandę, poślubił w 1618 roku.
Mianowany na malarza nadwornego
Młody artysta wyrobił sobie już w Sewilli całkiem niezłą reputację. Jego nauczyciel Pacheco, a także przyjaciele i rodacy starali się pomóc mu w karierze. W 1622 roku został po raz pierwszy wysłany do Madrytu. Jednak pomimo tego, że przebywający razem w stolicy rodacy próbowali mu pomóc, nie udało mu się pojawić przed królewskimi oczami.
Przygnębiony Velazquez wrócił do Sewilli. Ale nie było go nawet w domu przez dwa miesiące (1623), kiedy dotarł do niego list od Sewilli, który był kapelanem królewskim. Napisał do niego, że zmarł nadworny malarz Rodrigo de Villandrando i stanowisko to zwolniło się. Velazquez szybko udał się na dwór, zatrzymał się w domu swojego przyjaciela kapelana i namalował swój portret. Inny Sewilijczyk, lokaj kardynała-Infante Ferdynanda (brata królewskiego), zaniósł go do pałacu i pokazał właścicielowi. Kardynał Infante był zachwycony i natychmiast zamówił swój portret u Velazqueza. W tym czasie sam król Filip IV widział już obraz kanonika. Tak mu się to spodobało, że nakazał swojemu bratu, kardynałowi Infante, zrezygnować z pozy. Velasquez w końcu miał okazję się pokazać.
Obraz wywołał sensację („Portret Filipa IV z petycją”, 1623, nie zachowany). Velazquez otrzymał wynagrodzenie, następnie przyznano mu rentę, a także przyjął stanowisko nadwornego artysty. Filip IV powtórzył mu obietnicę Aleksandra Wielkiego skierowaną do Apellesa: „Nikt oprócz ciebie nie będzie już do mnie pisał”.
Pierwsza podróż do Włoch
W lipcu 1629 roku artysta w towarzystwie generała Spinoli, który właśnie został mianowany dowódcą wojsk hiszpańskich we Włoszech, opuścił Madryt. Podróży przez Włochy nie można nazwać przyjemną: pozycja szambelana królewskiego, status protegowanego hrabiego Olivaresa, a w dodatku jego towarzysz był generałem, wszystko to irytowało podejrzliwych Włochów, którzy uważali Velazqueza niemal za Hiszpana szpieg. Zła wola miejscowej arystokracji mogła nieco zranić artystę – ale nic więcej, gdyż wcześniej główny cel swojej podróży zdefiniował jako „doskonalenie swoich umiejętności zawodowych”. Znajomość dzieł wielkich włoskich artystów wpłynęła na styl malarza - stał się bardziej swobodny i świetlisty, kolorystyka była mniej ciemna w cieniach i oddawała naturę w jasnym świetle.
Pod koniec sierpnia 1629 roku Velazquez przybył do Genui. Stamtąd udał się do Mediolanu, a następnie do Wenecji. To właśnie w Wenecji artysta spotkał się z najgwałtowniejszym odrzuceniem przez Włochów Hiszpanów jako takich i w październiku 1629 roku pospiesznie opuścił miasto i udał się do Rzymu, gdzie w razie gdyby coś się wydarzyło, mógł liczyć na wstawiennictwo papieża . Artysta przebywał w Wiecznym Mieście do końca przyszłego roku.
Powrót do Madrytu (okres dla dorosłych)
W 1634 r. słynny artysta otrzymał honorowy tytuł szatni królewskiej, w 1643 r. lokaja, w latach 1642–1644. towarzyszył królowi w jego kampanii przeciwko Aragonii.
Drugi wyjazd do Włoch
Pod koniec 1648 roku Velazquez odbył drugą podróż do Włoch - najbardziej udanym dziełem namalowanym podczas tej podróży był portret papieża Innocentego X. We Włoszech artysta odniósł wielki sukces, został wybrany na członka Akademii Rzymskiej.
Powrót do Madrytu (późny okres)
W 1651 Velazquez powrócił do Madrytu. Historycy sztuki datują to wydarzenie jako początek późnego okresu jego twórczości.
kreacja
Okres Sewilli
Wczesne obrazy okresu sewilskiego powstawały głównie w gatunku bodegonów (hiszp. bodegon – tawerna). Były to głównie martwe natury, sceny kuchenne i szkice karczmowe. („Śniadanie”, ok. 1617-1618; „Stary kucharz”, ok. 1620 r.; „Śniadanie dwóch młodzieńców”, „Nosiciel wody”, ok. 1621 r.). W podobnym stylu namalowano kilka obrazów religijnych z tego samego okresu - „Pokłon pasterzy”, „Pokłon Trzech Króli” (1619); „Chrystus w domu Marty i Marii” (ok. 1620 r.).
Przede wszystkim ukazują one wnikliwe studia młodego Velázqueza nad sztuką karawagistów, których wiele przykładów można było znaleźć w Sewilli. A także długi pobyt w pracowni Pacheco: praca z życia, staranny rysunek, precyzja podobieństwa do modela.
Malarz dworski
W okresie madryckim umiejętności artysty uległy poprawie. Sięga po tematy starożytne, rzadkie w malarstwie hiszpańskim („Triumf Bachusa, czyli pijaka”, 1628–1629, „Kuźnia Wulkana”, 1630), a także historyczne – „Kapitulacja Bredy” ( 1634).
Portrety stworzone przez Velazqueza w latach 1630-1640 przyniosły mu zasłużoną sławę jako mistrza tego gatunku. Chociaż portretom Velázqueza na ogół brakuje gestu i ruchu, są one niezwykle realistyczne i naturalne. Tło dobiera się tak, aby maksymalnie podkreślić figurę, kolorystyka jest surowa, ale ożywiona starannie dobranymi kombinacjami kolorów. Velazquezowi udało się oddać charakter osoby na portrecie, pokazać niespójność jego cech charakteru.
Do najbardziej znanych należą portrety Don Juana Mateosa (1632), generała Olivaresa (1633), portret konny króla Filipa III (1635), papieża Innocentego X (1648), a także cykl portretów krasnoludów i błaznów ( Los truhanes).
Portrety z późnego okresu twórczości Velázqueza charakteryzują się w dużej mierze kunsztem i kompletnością psychologiczną (Infanta Maria Teresa, 1651; Filip IV, 1655-1656; Infantka Małgorzata Austriacka, około 1660).
Uczniowie i naśladowcy
Bezpośrednim następcą i spadkobiercą jego stanowiska na dworze był jego uczeń i mąż jego córki Franciszki, Juan Batista del Maso (angielski) Rosjanin, nie miał on jednak talentu swojego poprzednika i potrafił odtworzyć jedynie pewne formy zewnętrzne . Kolejnym uczniem Velazqueza był Juan de Pareja, Maur, który był służącym w jego warsztacie. (Velázquez przedstawił tego Afrykanina na jednym ze swoich najlepszych portretów). Pareja malował portrety i obrazy religijne.
Po Velazquezie Claudio Coelho i Juan Carreno de Miranda pracowali na madryckim dworze króla Carlosa II. Wraz ze zmianą panującej dynastii (hiszpańscy Burbonowie) francuski barok i rokoko zastąpiły tak pięknie stworzony przez Velazqueza w wyższych warstwach realizm i naturalizm.
Później romantycy i impresjoniści zwrócili się ku dziedzictwu Velazqueza.
Krater na Merkurym nosi imię Velazqueza.
„Człowiek doskonale wykształcony, kulturalny i mający poczucie własnej wartości”
Marco Boschiniego
Odważny malarz hiszpański, który wyróżniał się na tle innych tym, że jak nikt inny potrafił wniknąć w charakter modela, posiadając przy tym wyostrzone poczucie harmonii, subtelności i bogactwa koloru. Według wczesnych biografów wszystko rozumiał dosłownie w locie, bardzo wcześnie nauczył się czytać, a już w dzieciństwie zaczął gromadzić bibliotekę, która pod koniec życia artysty rozrosła się do zbioru, który zadziwiał współczesnych swoją wielkością i wielkością. wszechstronność. Sądząc po składzie tej biblioteki, Velázquez poważnie interesował się literaturą, architekturą, astronomią, historią, matematyką i filozofią. Ale najbardziej pociągało go malarstwo...
Velazquez urodził się w Sewilli w 1599 roku w biednej rodzinie szlacheckiej pochodzącej z Portugalii. Dokładna data jego urodzin nie jest znana, ale odnotowano dzień chrztu - 6 czerwca (w tych dniach próbowano chrzcić dzieci zaraz po urodzeniu).
Wkrótce ojciec Velazqueza dowiedział się o zdolnościach artystycznych syna i zabrał dziesięcioletniego Diego do pracowni słynnego hiszpańskiego artysty F. Herrery. Już sam fakt wyboru takiego zawodu był wyzwaniem dla hiszpańskiej arystokracji, gdyż zawód artysty uznawano za zajęcie nie do przyjęcia dla szlachcica.
Diego nie uczył się długo u Herrery, nie dogadywali się charakterami. Rok później pracował w warsztacie innego artysty, Francisco Pacheco, u którego pozostał aż do 1617 roku, kiedy to otrzymał tytuł mistrza. Pacheco okazał się zagorzałym miłośnikiem starożytności i doskonałym nauczycielem. Zgodnie z naczelną zasadą nauczyciela „cała sztuka malarza polega na rysowaniu”, Diego dużo rysuje. Według samego Pacheco, będąc jeszcze młodym mężczyzną, Velazquez „zapłacił chłopcu, który służył mu za wzór. Przedstawiał go w różnych postaciach i pozach, czasem płaczącego, czasem śmiejącego się, nie zatrzymując się na żadnych trudnościach”.
Za radą swojego nauczyciela Diego doskonali swoje umiejętności rysunkowe, co pozwala mu wiernie odwzorowywać naturę, w malarstwie o tematyce codziennej, w języku hiszpańskim - bodegones. Pojawiły się obrazy „Śniadanie”, „Stary kucharz”, „Mulatka”, „Muzycy”, „Śniadanie dwóch młodych mężczyzn”, „Nosiciel wody”.
W 1622 roku po raz pierwszy odwiedził stolicę Hiszpanii. W sensie praktycznym wyjazd ten nie należał do zbyt udanych – Velazquez nie znalazł dla siebie godnego miejsca. Miał nadzieję spotkać młodego króla Filipa IV, ale do spotkania to nie doszło. Podjął jednak kilka ważnych kroków. W szczególności w Madrycie Velazquez namalował portret słynnego poety Luisa de Gongora i udało mu się przyciągnąć uwagę wielu szlachciców na swoją osobę, którzy wyrazili podziw dla jego talentu. Na dwór dotarły pogłoski o młodym artyście i już w następnym roku, 1623, pierwszy minister, książę de Olivares (również pochodzący z Sewilli), zaprosił Velazqueza do Madrytu, aby namalował portret króla. Dzieło to, które do nas nie dotarło, zrobiło na królu tak przyjemne wrażenie, że natychmiast zaproponował Velazquezowi stanowisko artysty nadwornego. Przyjął tę propozycję bez wahania.
Wkrótce między królem a Velazquezem rozwinęły się dość przyjacielskie stosunki, co nie było zbyt typowe dla zakonu panującego na dworze hiszpańskim. Króla, który rządził największym imperium świata, uważano nie za człowieka, ale za bóstwo, a artysta nie mógł nawet liczyć na szlacheckie przywileje, gdyż zarabiał na życie pracą. Tymczasem Filip nakazał, aby odtąd tylko Velazquez malował swoje portrety. Pacheco zauważył, że „wielki monarcha był niezwykle hojny i przychylny Velazquezowi. Pracownia artysty mieściła się w apartamentach królewskich i tam zainstalowano krzesło dla Jego Królewskiej Mości. Król, który miał klucz do warsztatu, przychodził tu niemal codziennie, aby obserwować pracę artysty.
Nic dziwnego, że Velasquez ma wielu wrogów. Wyrażali wątpliwości co do jego talentu. Mówili, że młody malarz był zbyt arogancki i arogancki. Pierwsze jest śmieszne, drugie obala opinia bezstronnych świadków. Wkrótce popularność Velazqueza wzrosła tak bardzo, że na dworze wstydem było nieposiadanie portretu jego dzieła. Wśród podobnych portretów z tego okresu należy wymienić „Hrabiego Olivaresa” (1625) i „Błazna Calaba-Sillas” (1626-1627). W tych portretach, które stają się coraz bardziej „niematerialne”, pędzel malarza nabiera lekkości, ukazując tematy pod pewnymi względami mniej wzniosłe, ale jednocześnie bardziej eleganckie i znaczące społecznie. Oprócz portretów dworskich Velazquez stworzył całą galerię wizerunków postaci kultury hiszpańskiej - dramaturga Lope de Vega, Tirso de Molina i Calderona, poety Quevedo. W 1629 r. artysta ukończył niezwykły dla tradycji hiszpańskiej obraz na starożytny temat - „Bachus” lub „Pijaki” (1628–1629).
Również spotkanie z Rubensem, który przybył do Madrytu jako dyplomata w 1628 roku, wniosło w życie artysty znaczne korzyści. Przez dziewięć miesięcy wielcy malarze intensywnie porozumiewali się. Najwyraźniej to Rubens poradził Velazquezowi wizytę we Włoszech. Wkrótce po wyjeździe Rubensa Velazquez błagał króla o pozwolenie na tę podróż, która trwała od sierpnia 1629 do stycznia 1631. Po powrocie do domu kontynuował działalność rządową i artystyczną. Artysta niestrudzenie malował portrety, które przyniosły mu sławę, a także stworzył szereg płócien o treści religijnej i mitologicznej. „Kapitulacja Bredy” (1634-35), która stała się jednym z najważniejszych dzieł malarstwa europejskiego w gatunku historycznym. Obraz ten, znajdujący się w zespole Sali Królestw pałacu Buen Retiro w Madrycie, jest jednym z najważniejszych dzieł malarstwa europejskiego gatunku historycznego, w którym każdą z walczących stron cechuje głębokie człowieczeństwo. Ogromne płótno, wypełnione srebrzystą mgłą wczesnego czerwcowego poranka i stwarzające wrażenie przestrzennej głębi, zostało zaprojektowane w powściągliwej, wyrafinowanej kolorystyce.
Po powrocie z Włoch stara się w swoich pracach wypełnić życiem schematy wizerunków obrzędowych. Na świeżym powietrzu w naturalnym świetle namalował dwa niewielkie pejzaże Willi Medici i Prado, tzw. portrety jeździeckie (1634-35) i myśliwskie (1634-36) króla, jego rodziny, premiera Olivaresa dla pałaców Buen Retiro i Torre de la Parada (wszystkie w Prado). Portretom Velazqueza zwykle brakuje akcesoriów, gestu i ruchu. Szarobrązowe tło wydaje się przewiewne i pełne głębi, swobodnie układane pociągnięcia tworzą cienką warstwę, przez którą prześwituje gruboziarniste płótno. Surową ciemną paletę ożywiają wykwintne połączenia szarości i czerwono-różowego, zielonkawego i szaro-oliwkowego, czarnego i złotego. Efekty odcieni szarości są uderzające, czasem ciemniejsze, bardziej miękkie, aksamitne, czasem dochodzące do czystego, świeżego, perłowego odcienia. Portretując króla, dostojników, dworzan, przyjaciół, studentów, Velazquez przedstawia osobę taką, jaka jest. W fuzji najbardziej sprzecznych cech charakteru, czy to okrutnego pracownika tymczasowego Olivaresa, ponurego szlachcica Juana Mateosa, włoskiego kardynała Camilo Astalli, nieznanego caballero pełnego wewnętrznej energii, pogrążonego w swojej pracy rzeźbiarza J. Martineza Montaneza, czy „Dama z wachlarzem” pokryta szlachetnym wdziękiem.
W latach trzydziestych i czterdziestych XVII wieku Velázquez stworzył serię portretów krasnoludów i błaznów. Przez maskę klauna wielki mistrz widział świat duchowy tych ludzi, urażonych naturą, przedstawiony bez cienia szyderstwa, z prostotą i taktem, odsłaniając ich charaktery, stan ducha, świat przeżyć, dochodząc czasem do żałobnej tragedii „Barbarossy”, „El. Bobo del Coria”, „El Primo”, „Sebastiano del Morra”, „Chłopiec z Vallescas”, „Juan Austrii”. W połączonych obrazach „Menippus” i „Ezop” (1639-40, Prado) pojawiają się wizerunki ludzi, którzy stali się zdegradowanymi, biednymi włóczęgami i odrzuconymi przez społeczeństwo, ale którzy zyskali wewnętrzną wolność od konwencji krępujących jednostkę. Treść intelektualna satyryka Menippusa wyraża się w jego ironicznym, nieżyczliwym stosunku do świata, na obrazie bajkopisarza Ezopa - smutnej obojętności i mądrości człowieka, który poznał prawdziwą wartość życia. Z tego samego okresu pochodzi najwyraźniej jego arcydzieło „Wenus z lustrem”, najrzadsze przedstawienie nagiego ciała kobiecego w historii malarstwa hiszpańskiego, temat zakazany przez Inkwizycję.
Lata pięćdziesiąte XVII wieku to czas największych osiągnięć twórczych Velazqueza. Późne portrety kobiet i dzieci rodu królewskiego charakteryzują się natchnionym kunsztem i odważnymi odkryciami artystycznymi. Portret starzejącego się Filipa IV (1655-1656, Prado, powtórzenie autora w National Gallery w Londynie) naznaczony jest głębokimi cechami psychologicznymi.
Głównymi dziełami Velazqueza późnego okresu są wielkoformatowe kompozycje „Las Meninas” i „Przędzarka” (1657) - oba w Prado. W obrazie „Las Meninas”, wypełnionym ruchem płaszczyzn przestrzennych, powietrza i światła, konkretny epizod życia dworskiego jawi się jako jeden z momentów ogólnego toku życia w bogactwie jego wzajemnych powiązań i zmiennych przejawów. Obraz zbudowany jest na skomplikowanym splocie tego, co oficjalne i codzienności, na wieloaspektowej grze odcieni semantycznych i porównań figuratywnych. W równie wielopłaszczyznowym zamyśle obrazie „Przędzarki” scena w królewskiej manufakturze dywanów z postaciami przędzarek na pierwszym planie oddaje jakby cały świat, występujący w jedności i rzeczywistości snów, życia codziennego i mit o greckiej rzemieślniczce Arachne. Velazquez malował bez wstępnego szkicu, bezpośrednio na płótnie, organicznie łącząc bezpośrednie impresje natury i pozornie swobodną improwizację ze ściśle przemyślaną kompozycją.
W 1652 roku artysta został mianowany naczelnym marszałkiem królewskim. Nowe stanowisko Velazqueza (do jego obowiązków należało przygotowywanie i organizacja uroczystości na dworze) wymagało wiele czasu i wysiłku. Po wielkiej uroczystości na granicy z Francją, poświęconej małżeństwu infantki Marii Teresy z królem francuskim Ludwikiem XIV, artysta ciężko zachorował i wkrótce po powrocie do Madrytu zmarł 6 sierpnia 1660 roku.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez urodził się 6 czerwca 1599 roku w mieście Sewilla (Hiszpania). Jego rodzina nie była bogata, byli z pochodzenia portugalskimi Żydami, którzy później przeszli na chrześcijaństwo. Zgodnie z oczekiwaniami Diego już w dzieciństwie wykazywał talent do sztuk pięknych. Studiował u mistrzów tego rzemiosła, F. Herrery i F. Pacheco. Dzięki temu talent Diego Velazqueza szybko się rozwinął i choć był jeszcze bardzo młody, stał się już dość znanym mistrzem w mieście. Tytuł mistrza otrzymał w 1617 r. W tym okresie na twórczość Diego miały wpływ dzieła Rubensa i Tycjana. Zaczyna pisać dzieła z gatunku bodegon (od hiszpańskiego bodegon - tawerna, tawerna). Świadczy to również o wpływie twórczości Caravaggia: realizmie obrazów, przyciemnionym tle i oświetlonych postaciach na pierwszym planie.
W 1618 r. Diego Velazquez poślubił córkę F. Pacheco, Juanę Mirandę.
W 1922 roku Velazquez przeniósł się do pracy w Madrycie. Tam w 1623 roku król Filip IV zaprosił go do pracy w pałacu. Pod rządami Diego można było pracować z Rubensem przez kilka miesięcy, gdy był w Madrycie. Ogólnie stosunki między królem a Velasquezem były bardzo przyjazne. Filip chciał, żeby jego portrety namalował tylko Diego. Stąd pochodziła duża liczba zazdrosnych ludzi. Argumentowali, że Velasquez nie ma talentu. W tym okresie pojawiły się takie dzieła jak „Głupiec Kalaba-Sillas”, „Hrabia Olivares”, „Bachus”, „Kuźnia Wulkana”. W dwóch ostatnich Diego Velazquez łączy mitologicznych bogów z brutalnym wizerunkiem ludzi. Obrazy są nasycone dużym znaczeniem psychologicznym.
Po wyjeździe Rubensa Velazquez poprosił króla o pozwolenie na wizytę we Włoszech. W 1629 roku wyruszył w podróż, która zakończyła się w styczniu 1931 roku. Po powrocie pojawia się bardzo mocne dzieło „The Surrender of Breda”. Następnie malował pejzaże Willi Medici i Prado, pracował w plenerze i malował portrety rodziny królewskiej.
Charakterystyczną cechą portretów Velazqueza jest brak niepotrzebnych akcesoriów i gestów. Obrazy przepełnione są pewną lekkością i aksamitnością.
Lata 1630-1640 to okres płodny w twórczości artysty, w którym przedstawiał błaznów i krasnoludków. Na ich portretach nie naśmiewa się ani z ich zawodu, ani z nich samych. Obrazy są nawet naznaczone pewnym cieniem tragedii, odzwierciedlają bowiem charakter błaznów, sposób życia i wewnętrzny świat przeżyć. Przykładowe prace: „El Primo”, „Menippus”, „Barbarossa”. Obraz „Wenus z lustrem” stał się jednym z najwspanialszych dzieł malarstwa hiszpańskiego.
W 1649 roku miała miejsce druga podróż Velazqueza do Włoch. Odniosła duży sukces. Tam został wybrany na członka Akademii Rzymskiej św. Łukasza i Towarzystwo Wirtuozów Panteonu. W Rzymie tworzy arcydzieło – portret papieża Innocentego X. Nawet sam tata był zaskoczony, gdy zauważył jego realizm.
Lata pięćdziesiąte XVII wieku można uznać za najbardziej owocny okres twórczości Velázqueza. Znów rysuje portrety. Są to członkowie rodziny królewskiej (królowa austriacka Marianna, infantka Małgorzata, infant Filip Prospero). Na szczególną uwagę zasługuje portret starzejącego się już Filipa IV.
W 1657 roku pojawiło się jedno z najważniejszych dzieł Velazqueza - obrazy „Las Meninas” i „Przędzarka”. „Las Menins” przedstawia epizod z życia dworskiego. Jest to utwór dość wieloaspektowy w swoim znaczeniu semantycznym. Obydwa obrazy namalowano bez szkiców, Velazquez pracował bezpośrednio na płótnie. Bogactwo jest ukazane we wszystkich jego postaciach.
W 1652 r. Velazquez został mianowany naczelnym marszałkiem królewskim. Praca była dość pracochłonna: konieczne było zorganizowanie wszystkich uroczystości w pałacu. Podczas jednego z tych świąt (ślub infantki Marii Teresy z królem Francji Ludwikiem XIV) Velazquez poważnie zachorował. A 6 sierpnia 1660 roku, wracając do Madrytu, zmarł Diego Velazquez.
Velázquez był uważany za przedstawiciela malarstwa barokowego. Wniósł ogromny wkład nie tylko w historię malarstwa hiszpańskiego, ale i światowego.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez urodził się 6 czerwca 1599 roku w hiszpańskiej Sewilli w szlacheckiej, ale biednej rodzinie. Jego ojciec pochodził z Portugalii i ta okoliczność w dużej mierze zadecydowała o losie Diego. Podobnie jak wielu innych chłopców, został wysłany do klasztornej szkoły łacińskiej. Jednak kilka lat później, gdy ujawniły się jego zdolności artystyczne, ojciec zabrał dziesięcioletniego Diego do pracowni słynnego hiszpańskiego artysty F. Herrery. Już sam fakt wyboru takiego zawodu był wyzwaniem dla hiszpańskiej arystokracji, gdyż zawód artysty uznawano za zajęcie nie do przyjęcia dla szlachcica. Diego przez krótki czas uczył się u Herrery, nie dogadywali się pod względem charakteru. Rok później pracował w warsztacie innego artysty, Francisco Pacheco, u którego pozostał aż do 1617 roku, kiedy to otrzymał tytuł mistrza. Pacheco okazał się zagorzałym miłośnikiem starożytności i doskonałym nauczycielem. Zgodnie z naczelną zasadą nauczyciela cała sztuka malarza polega na rysowaniu, Diego dużo rysuje. Według samego Pacheco, będąc jeszcze młodym mężczyzną, Velazquez zapłacił za chłopa, który był jego wzorem. Przedstawiał go w różnych postaciach i pozach, czasem płaczącego, czasem śmiejącego się, nie zatrzymując się na żadnych trudnościach. Za radą swojego nauczyciela Diego doskonali swoje umiejętności rysunkowe, co pozwala mu wiernie odwzorowywać naturę, w malarstwie o tematyce codziennej, w języku hiszpańskim - bodegones. Pojawiają się obrazy: Śniadanie, Stary kucharz, Mulatka, Muzycy, Śniadanie dwóch młodych mężczyzn, Nosiciel wody. W domu nauczyciela Diego poznał swoją przyszłą żonę. „Po pięciu latach studiów i edukacji wydałem mu córkę za mąż, motywowany jego cnotą, czystością i innymi dobrymi cechami, a także w nadziei na jego wrodzony i wielki geniusz” – pisze Pacheco w swojej książce „Sztuka Malarstwa.” Jedyna córka Pacheco, Juana Miranda, miała wtedy prawie szesnaście lat. W latach 1619 i 1621 małżeństwo Velazquezów miało dwie córki. W 1620 roku Diego otworzył własny warsztat.
Szesnastoletni król Filip IV, który wstąpił na tron, zastąpił niemal cały krąg dworski swojego ojca.
Dowiedziawszy się o utalentowanym artyście z Sewilli, wzywa go do siebie. Jesienią 1623 roku Velazquez wraz z teściem przybył do Madrytu. Tutaj patronuje mu premier Olivares. Artysta maluje portret młodego króla Filipa IV, co odniosło ogromny sukces i wkrótce otrzymuje tytuł malarza nadwornego. Otrzymał apartamenty państwowe w jednym ze skrzydeł pałacu królewskiego i równie przestronny warsztat w jednym z podmiejskich zamków. Teraz Velazquez przestał być zależny od dorywczych zajęć, ale jednocześnie większość swojego czasu musiał poświęcić ceremoniom dworskim. Tematyka obrazów artysty również została mocno ograniczona, a portret stał się na wiele lat głównym gatunkiem. Velazquez wielokrotnie malował króla Filipa i jego dzieci. Szczególnie często córka Filipa, Infantka Margarita. Zachowało się kilka portretów, które pokazują, jak stopniowo dorastała i jak zmieniała się jej twarz.
Stopniowo popularność Velazqueza rosła tak bardzo, że na dworze wstydem było nieposiadanie portretu jego twórczości.
Wśród podobnych portretów z tego okresu warto wymienić hrabiego Olivares (1625) i błazna Calaba-Sillas (1626-1627). W tych coraz bardziej nieuchwytnych portretach pędzel malarza nabiera lekkości, ukazując tematy pod pewnymi względami mniej wysublimowane, ale jednocześnie bardziej eleganckie i znaczące społecznie. Oprócz portretów dworskich Velazquez stworzył całą galerię wizerunków postaci kultury hiszpańskiej - dramaturga Lope de Vega, Tirso de Molina i Calderona, poety Quevedo. Jednak popularność Velazqueza wzbudziła nie tylko uwielbienie, ale i zazdrość. Odwaga młodego Sewilli, który nie brał pod uwagę tradycji akademickich, doprowadziła do konfliktu z najbardziej autorytatywnymi artystami. Nalegali, żeby zorganizowano konkurs. W 1627 roku Velazquez namalował duży obraz historyczny „Wypędzenie Morysków”. Przedstawiała jedną z najtragiczniejszych kart historii Hiszpanii, wypędzenie z kraju wszystkich, którzy byli pochodzenia arabskiego i żydowskiego. Mimo że ostra ekspresja obrazu artysty zaprzeczała jego ceremonialnemu, urzędowemu przeznaczeniu, król był zachwycony dziełem Velazqueza i nakazał wystawienie obrazu w jednej z sal pałacowych do publicznego oglądania. Obraz wisiał tam przez kilka tygodni, po czym król nakazał przenieść go do sali lustrzanej, gdzie wisiały jego ulubione obrazy Tycjana i Rubensa. A sam artysta otrzymał jak na tamte czasy bardzo wysoką nagrodę, został stróżem królewskich drzwi, co równało się stanowisku szambelana.
W 1629 roku artysta ukończył nietypowy dla tradycji hiszpańskiej obraz oparty na starożytnym temacie „Triumf Bachusa”.
Uważa się, że tutaj odtworzono rytuał wtajemniczenia w bractwo Bachusa, pisze L.L. Kagane. Życie miasta, jego typy i zwyczaje nadal interesowały Velazqueza. Ale teraz wybór typów stał się odważniejszy, cechy przedstawionych stały się bardziej zróżnicowane, a rozwiązanie obrazu stało się bardziej uogólnione i monumentalne. Podobnie jak współczesna literatura i teatr, Velázquez wprowadził przedstawienie zwykłych obywateli, które rozpowszechniło się pod wpływem twórczości Caravaggia. W nich przejaw ludzkich emocji wyglądał bardziej naturalnie. Często artysta przenosi akcję w naturę, dzięki czemu oświetlenie jest bardziej równomierne, a kolory bogatsze. To prawda, że pierwszy plan nadal wygląda nieco ciężko, kontrasty światła i cienia są przesadzone. Velazquez później opanował nowatorską w ówczesnym malarstwie metodę przedstawiania scen plenerowych.
W 1629 roku król łaskawie pozwolił artyście dołączyć do orszaku słynnego komtura Ambrosio Spinoli, udającego się na sąsiedni półwysep.
Velazquez odwiedził Wenecję, Ferrarę, Rzym, Neapol. Kopiował obrazy Tintoretta, freski Michała Anioła, studiował rzeźbę starożytną, zapoznawał się z twórczością współczesnych artystów włoskich. Wyjazd do Włoch pozwolił mu poszerzyć horyzonty artystyczne i udoskonalić umiejętności. Po powrocie artysta dużo pracował, lata trzydzieste stały się najbardziej owocnym okresem jego twórczości. Najpierw pojawia się Kuźnia Wulkana (1630), w której obrazy mitologiczne łączą się ze scenami bliskimi rzeczywistości. W latach 1634-1635 Velazquez namalował swój jedyny obraz batalistyczny „Kapitulacja Bredy”, w którym jego umiejętności malarskie ukazują się w całej okazałości. 1625 Holenderska twierdza Breda, oblężona przez Hiszpanów, upadła. Komendant Bredy Justyn z Nassau przekazuje klucze do twierdzy hiszpańskiemu dowódcy Spinoli. Pośrodku płótna znajdują się postacie dwóch dowódców, Nissau, ugięty pod ciężarem porażki, w żółtym ubraniu, z kluczem w dłoni, pędzi w stronę zwycięzcy. Ubrani w czarne zbroje, z różową chustą na ramionach tłoczą się Hiszpanie. Smukły las włóczni (stąd druga nazwa obrazu Włócznie) stwarza wrażenie przewagi liczebnej i siły hiszpańskiego oddziału. Malarstwo artysty było na swoje czasy objawieniem pod względem prawdziwości przedstawienia wydarzenia historycznego i nowości rozwiązania kompozycyjnego – pisze L.L. Kagane.
Portrety nadal dominują w twórczości Velázqueza.
Stają się znacznie bardziej zróżnicowane pod względem kompozycji i rozwiązań obrazowych. Jako przykład można przytoczyć dzieła z lat trzydziestych: portrety myśliwskie i konne Filipa IV i członków jego rodziny (lata trzydzieste XVII w.). Klasyczna klarowność kompozycji i wyrafinowanie relacji kolorystycznych łączą się w tych dużych obrazach z wyjątkową jak na tamte czasy perswazją i malarską swobodą w interpretacji pejzaży. W latach trzydziestych i czterdziestych XVII wieku Velázquez stworzył serię portretów krasnoludów i błaznów. Poprzez maskę klauna wielki mistrz potrafił rozeznać i pokazać świat duchowy ludzi urażonych przez naturę, przedstawiając ich bez cienia szyderstwa, z prostotą i taktem.
W 1649 roku Velazquez ponownie udał się do Włoch, tym razem nie jako nieznany młody artysta, ale jako uznany mistrz.
Jeszcze większą sławę przyniosły mu obrazy, które artysta stworzył w Rzymie. Wśród nich szczególne znaczenie ma portret papieża Innocentego X, wykonany około 1650 roku. W I. Razdolskaja pisze: „Velázquez przedstawił go siedzącego na krześle, w pozie spokojnej, ale pełnej ukrytego napięcia. Dominujące na obrazie odcienie czerwieni wybrzmiewają szczególnie intensywnie w gorącym świetle przenikającym postać, nadając jej niezwykłą żywotność. Innocenty X był brzydki, a Velazquez nie zabiegał o uszlachetnianie swojego wyglądu. Ale wielką wewnętrzną siłę i temperament można odczytać w szorstkiej twarzy taty, w nieustępliwym, ciężkim spojrzeniu małych oczu, które zdają się przeszywać widza. Przed nami raczej inteligentny i energiczny świecki władca niż duchowny. Ostrość charakteryzacji, głęboki psychologizm i niezwykły kunszt wykonania pozwalają uznać to dzieło za jedno z najwyższych osiągnięć światowej sztuki portretowej. Sam Innocenty X uznał portret za zbyt zgodny z prawdą, ale hojnie nagrodził za to artystę. Obawiając się utraty Velazqueza, Filip IV wysłał do niego gniewny list, a w 1651 roku artysta wrócił do Hiszpanii. Filip IV wynosi artystę na najwyższe stanowisko w państwie, marszałku. Teraz Velazquez wreszcie uzyskał całkowitą niezależność. Tworzy jedyny w swojej twórczości obraz nagiej kobiety, Wenus i Kupidyna. Jeden z najbardziej skomplikowanych portretów mistrza, portret Filipa IV (1654), pochodzi z lat pięćdziesiątych. W wyblakłej twarzy króla, w jego zgasłym spojrzeniu, Velazquez znakomicie oddaje zmęczenie, rozczarowanie, gorycz, których nie da się ukryć jego dumną postawą i zwyczajowo aroganckim wyrazem twarzy.
Głównymi obrazami Velázqueza z późnego okresu są wielkoformatowe kompozycje „Las Meninas” (młode damy dworu) (1656) i „Przędzarka” (1657).
Las Meninas często nazywany jest obrazem w trakcie tworzenia. Niełatwo wytłumaczyć wpływ związany z poczuciem przebywania w jej wnętrzu. Pośrodku znajdują się król i królowa, odbici w lustrze w tle. Śledząc ich odbicie, możesz upewnić się, że podczas oglądania powinni stać mniej więcej w miejscu, w którym zwykle znajduje się publiczność. Wszystkie ukazane postacie patrzą także na publiczność, która jednocześnie czuje się blisko króla i królowej, bo stoją na swoim miejscu. Sam artysta przedstawiony jest po lewej stronie obrazu. Stoi, podkreślając w ten sposób swój status, gdyż przed królem mogły stać tylko osoby szlacheckie. Na rok przed śmiercią artysta otrzymał czerwony krzyż szlachecki, a wracając do obrazu, nie był zbyt leniwy, aby zapisać go na piersi.
„Spinners” to jedno z najwyższych osiągnięć kunsztu artysty.
Obraz ilustruje mit o Arachne, mistrzyni tkackiej, która wyzwała na konkurs boginię tkactwa Atenę. Konkurs, zgodnie z fabułą, zakończył się remisem, tym samym Velazquez zestawia sztukę artysty z boską przynależnością. Na zdjęciu są dwa plany. Pierwsza przedstawia warsztat, w którym odbywa się praca. Druga przedstawia pracownię artysty. Przedstawia artystkę, jej asystentki i boginię Atenę, rozgniewaną, ponieważ śmiertelna kobieta postanowiła porównać się z bogami. Według mitu Atena zamieniła Arachne w pająka, w którego przebraniu kontynuowała tkanie. Wieloaspektowy charakter obrazu, a także spojrzenie jednej z kobiet skierowane w stronę widza, podkreślają także efekt obecności, połączony tutaj z wizualnym zaproszeniem artystki do wniknięcia w świat sztuki z codzienności.
W tym czasie kariera dworska Velazqueza osiągnęła swój szczyt.
Otrzymanie Krzyża Santiago z rąk najwyższego odznaczenia króla Hiszpanii było pierwszym w historii przypadkiem, gdy osoba ze świata sztuki została posiadaczem jednego z najstarszych odznaczeń rycerskich w Europie. Ale artysta był już wtedy poważnie chory. Aby pracować przy sztalugach, musiał wkładać coraz więcej wysiłku. Wkrótce po wzięciu udziału w ceremonii ślubnej królewskiej córki i króla Francji Ludwika XIV Velazquez zmarł. Stało się to 6 sierpnia 1660 r.
Velazquez był jednym z pierwszych mistrzów portretu psychologicznego.
Ze względu na obowiązki głównego artysty na dworze królewskim większość jego dzieł stała się znana znacznie później niż w momencie ich powstania. Dzieło mistrza, pełne niedopowiedzeń, łączące w sobie niesamowity kunszt techniczny, rzetelność i wyrazistość, niosące często podtekst filozoficzny, religijny czy alegoryczny, było niezwykle ważnym etapem w historii malarstwa. W takiej czy innej formie jego wpływ doświadczyli angielscy artyści XVIII wieku, F. Goya, francuscy impresjoniści (zaczynając od), artyści z Rosji i wielu innych. Szczególny hipnotyzujący efekt podczas oglądania dzieł mistrza trwa do dziś. Ponad połowa obrazów Velazqueza (około 50) znajduje się w Muzeum Prado w Madrycie.
Miał na tym świecie sześć dekad, z czego prawie dwie trzecie był nadwornym malarzem Filipa IV. Stanowisko to, zaszczytne i pożądane, ale wciąż wyniszczające talent ze względu na rygorystyczne przepisy, nie przeszkodziło Velazquezowi w tworzeniu obrazów w bardzo szczególny sposób malarski. Z uroczystych portretów rodziny królewskiej i dworzan na widza patrzą żywi ludzie. Malarz często odsłania tajemnice, które portretowani przez niego ludzie woleliby ukryć, wciąga ich w swoje przeżycia, ukazuje wszechstronność przeżyć i złożoność emocji dusz możnych.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez urodził się 6 czerwca 1599 roku w Sewilli, w rodzinie Marranos (Żydów, którzy przeszli na chrześcijaństwo). Deog był najstarszym z ośmiorga dzieci w rodzinie. Chłopiec odkrył swój talent malarski już we wczesnym dzieciństwie, w wieku 10 lat został wysłany na studia najpierw do sewilskiego artysty Francisco Herrery Starszego, a następnie do Francisco Pacheco. W wieku 18 lat Velazquez zdał egzamin na mistrza i został przyjęty do cechu malarzy Sewilli. Głównym źródłem inspiracji we wczesnym okresie twórczości Velazqueza było życie zwykłych ludzi. Artysta malował szkice życia codziennego w Sewilli ze szczególnym realizmem, zaczerpnięte z Caravaggia.
Stanowisko malarza nadwornego króla Hiszpanii Filipa IV przyniosło Velázquezowi portret słynnego poety, rywala Lope de Vegi, Luisa de Góngora y Argote. Monarchowi tak bardzo spodobało się to dzieło, że zamówił u malarza swój portret - i znowu był pod takim wrażeniem powstałego obrazu, że obiecał, że nikt poza Velazquezem nie będzie go ponownie malował. Tym samym od 1623 roku artysta otrzymał zaszczytne prawo do malowania na swoich płótnach całej rodziny królewskiej i gloryfikowania dynastii Habsburgów.
Diego Velazquez zmarł 6 sierpnia 1660 roku, pozostawiając po sobie kolosalne dziedzictwo twórcze, z którego czerpało inspirację wiele pokoleń malarzy, przedstawicieli romantyzmu i impresjonizmu.
„Wieczór Moskwy” zaprasza do przypomnienia najsłynniejszych obrazów Diego Velazqueza.
„Las Meninas” (1656)
Obraz przechowywany jest w Muzeum Prado w Madrycie. Płótno przedstawia pracownię artysty w pałacu królewskim w Madrycie. Dziś nazywa się to „za kulisami” – obraz przedstawia malarza pracującego nad portretem króla Filipa IV i królowej Marianny. Widoczne są one w lustrze w tle obrazu i jest to jedyny obraz Velazqueza, na którym para koronowana jest przedstawiona razem. Dziewczyna pośrodku zdjęcia to jedyna wówczas córka Filipa i Marianny, pięcioletnia Margarita. W wyglądzie tego dziecka Velasquez próbował ucieleśnić całą łaskę, dobrobyt i bogactwo tej rodziny. Infantka zachowuje się z niezwykłym dla swojego wieku spokojem, nie zdradzając radości z przebywania blisko rodziców ani zainteresowania niezwykłym otoczeniem pracowni artystki. Oczywiście księżna koronna przekonała się już, że główną cnotą w jej rodzinie jest powściągliwość – wiadomo, że król Filip IV śmiał się publicznie tylko dwa razy, a żył 60 lat.
Płótno nazywa się „Las Meninas” - tak nazywają się damy dworu, które od dzieciństwa służyły księżniczkom. W scenie ukazanej przez Velazqueza występują dwie damy dworu – to także prawdziwe postacie, których imiona są znane. Panią, która w głębokim dygnięciu podaje niemowlęciu dzbanek, to Dona Maria Sarmiento, za dzieckiem stoi Dona Iabella de Velasco. Na obrazie znalazło się także miejsce dla krasnoludków dworskich – Marii Barboli i Mikołaja Petrusato. Fakt, że są oni przedstawieni w tej samej grupie kompozycyjnej z psem, przypomina o statusie tych osób na dworze. Osoby z deformacjami fizycznymi były uważane za „naczynia” i służyły zabawianiu szlachty oraz pomaganiu im czuć się piękniejszymi i pewnymi siebie. Jednocześnie widać, że Velazquez traktował obydwa krasnoludki z wielkim szacunkiem – to nie przypadek, że Maria Barbola i Infantka znajdują się na tym samym równoleżniku, a ich wizerunki wyraźnie się przecinają. Tak, jedna jest ładna, a druga przerażająca, ale obie mają bardzo inteligentne twarze. I to jest szczególna tragedia.
Na szczególną uwagę zasługuje także autoportret Velazqueza – artysta przedstawił siebie przy pracy, z pędzlami i paletą, w czarnym garniturze. Na piersi krzyż Wielkiego Orderu Miecza św. Jakuba z Composteli. „Las Meninas” powstał w 1656 r., a Velazquez został członkiem zakonu dopiero w 1659 r. Krzyż dodano później – według legendy dostawił go własnoręcznie król Filip IV.
„Przędzarki” (1655-1657)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
Płótno znajduje się w Muzeum Prado w Madrycie. Velazquez bardzo subtelnie przeplata codzienne szkice i wątki mitologiczne, a także umiejętnie bawi się głębią i wszechstronnością kompozycji. Miejscem akcji jest królewski warsztat dywanowy. Na zdjęciu wyraźnie widać trzy płaszczyzny - na pierwszym planie ciemniejsze, pracują przędzarki, w drugiej - w łuku - damy dworu patrzą na tkany dywan, a trzecia - właściwie samo tkane płótno , który przedstawia mit o przędzarce Arachne, która przewyższyła samą boginię swoją sztuką Ateną i została przez nią surowo ukarana. Artystka porządkuje przestrzeń obrazu wykorzystując specjalną pracę ze światłem. Promień światła oświetla piękną przędzarkę siedzącą na wpół zwróconą w stronę publiczności - jest skupiona na swojej pracy - jej dłoń wyciąga się w stronę gotowego gobelinu i niejako wyznacza wektor ruchu jej spojrzenia. Stroje druhen zlewają się kolorystycznie z przestrzenią dywanu, jakby stawały się częścią mitologicznej fabuły. „The Spinners” Velazqueza to hymn na cześć codziennej pracy, poezja tworzona rękami zwykłych ludzi.
Portret papieża Innocentego X (1650)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
Obraz przechowywany jest w Rzymie, w galerii Doria Pamphilj. Krytycy sztuki nazywają to dzieło Velazqueza jednym z najlepszych przykładów realistycznego portretu. Papież Innocenty X ukazany jest we wspaniałych szatach ceremonialnych, siedząc na bogato zdobionym krześle – a jednocześnie nie jest to klasyczny portret ceremonialny. Velazquez planował przekazać wewnętrzny świat papieża na płótnie. Artysta dwukrotnie spotkał się na żywo z Innocentym X podczas jego wizyty w Rzymie w 1650 roku – i wrażenia z obu spotkań udało mu się uwiecznić na portrecie. Innocenty X znany był ze swojej dwulicowości i chciwości – z płótna wyraźnie podstępny i twardy człowiek spogląda nieuprzejmie na publiczność. Jednak w jego zimnych, jasnych oczach można wyczytać depresję, widać, że jest czymś głęboko zaniepokojony – tak właśnie stało się, że Velasquez pewnego dnia przypadkowo zobaczył swojego tatę, aby być świadkiem jego osobistych przeżyć, ukrytych przed ciekawskimi oczami. Nie ma wątpliwości, że jest to osoba niezwykle inteligentna. Kiedy Innocenty X zobaczył swój portret, wykrzyknął: „To prawda!” Za swoje prace Velazquez otrzymał w prezencie złoty łańcuszek na klatkę piersiową z miniaturą papieża w medalionie – a sława utalentowanego hiszpańskiego malarza rozprzestrzeniła się po całych Włoszech, dając początek wielu naśladowcom.
„Wenus z lustrem” (ok. 1647-1651)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
Obraz znajduje się w London National Gallery i jest jedynym zachowanym przedstawieniem aktu kobiecego namalowanego przez Velázqueza. Dokładna data powstania tego obrazu nie jest znana, wiadomo jednak, że artysta pracował nad nim we Włoszech, gdyż w Hiszpanii malowanie nagiego ciała było zabronione przez Inkwizycję. Fabuła została wybrana przez Velazqueza pod wpływem dzieł Wenecjan renesansu - Giorgione i Tycjana. Jednak w przeciwieństwie do Włochów Wenus Hiszpana jest schludnie przedstawiona od tyłu. Głębię obrazu podkreśla czarna rama lustra, przez którą Wenus podziwia samą siebie – zdaniem historyków sztuki „rodzima” rama obrazu również była czarna, grając perspektywicznie. Swoją drogą, w Wenus Velasqueza nie ma zbyt wiele boskości – to raczej hymn na cześć ludzkiego piękna, zmysłowej strony miłości.
„Kapitulacja Bredy” (1634)
Kliknij na obrazek, aby przejść do trybu przeglądania
Płótno znajduje się w Muzeum Prado w Rzymie. Jest to jeden z 12 malowideł bałatowych upamiętniających zwycięstwa militarne króla Filipa IV. Cykl zamówiony u Velazqueza miał ozdobić Salę Królestw w pałacu Buen Retiro – słynny hiszpański artysta miał uchwycić całą potęgę, chwałę i niezwyciężoność dynastii Habsburgów. „Kapitulacja Bredy” opowiada historię zakończenia dziesięciomiesięcznego hiszpańskiego oblężenia holenderskiego miasta Breda. W latach 1568-1648 Cesarstwo Hiszpańskie walczyło o utrzymanie panowania Habsburgów nad Niderlandami Hiszpańskimi (tzw. wojna osiemdziesięcioletnia) – bitwa pod Bredą była ważna z politycznego punktu widzenia, zwycięstwo miało podnieść na duchu żołnierzy hiszpańskich i pokazać daremność holenderskiego oporu. Velazquez przedstawił na swoim płótnie scenę przekazania kluczy do miasta przez gubernatora Justyna z Nassau naczelnemu dowódcy wojsk hiszpańskich Ambrosio Spinoli, 5 czerwca 1625 roku. Mimo że przed malarzem stanęło zadanie gloryfikacji hiszpańskiej broni, udało mu się tak rozłożyć akcenty, aby widz był nasycony równym szacunkiem zarówno dla zwycięzców, jak i pokonanych. Artysta uważał, że w każdej wojnie obie strony są jednakowo godne szacunku, dlatego nie gloryfikował swoich rodaków i nie umniejszał godności żołnierzy Holandii. Gra świateł ponownie została wykorzystana do umieszczenia akcentów – twarze żołnierzy obu armii, pomalowane jaśniej niż pozostałe, są równie szlachetne. Spróbujcie w myślach zamienić miejscami młodego mężczyznę zwróconego do publiczności po stronie holenderskiej i pana z czarną brodą i wąsami po stronie hiszpańskiej – nic nie zmieni się pod względem nastroju na obrazie. Głównym patosem obrazu jest niewątpliwie hojność.
Malarstwo hiszpańskie osiąga swój szczyt w twórczości Diego Rodrigueza de Silvy Velazqueza (1599–1660), jednego z największych realistów sztuki europejskiej. Przez wiele lat służby dworskiej Velazquez niósł ze sobą idee humanizmu, wierności demokratycznej tradycji kultury hiszpańskiej i miłości do zwykłych ludzi. Bardziej bezpośrednio i odważniej niż jego malarscy poprzednicy, hiszpański artysta zwrócił się ku rzeczywistości, poszerzając tematykę malarstwa, przyczyniając się do rozwoju w nim różnych gatunków. Hiszpański dwór i arystokracja ożyły na jego portretach swoją dumą, smutkiem, wadami i intensywnym życiem pełnym namiętności. W obrazach mitologicznych i gatunkowych Velazquez ukazywał charakterystyczne w skali kraju wizerunki narodu hiszpańskiego.
Siła twórczości Velázqueza leży w głębi analizy psychologicznej i precyzyjnej precyzji jego cech. W swoich portretach nie schlebiał swoim modelom, ale przedstawiał każdego z nich w jego indywidualnej niepowtarzalności, charakterze narodowym i społecznym. Oryginalność metody Velázqueza przejawiała się w emocjonalnej powściągliwości, z jaką starał się on w holistycznej jedności ujawnić istotne cechy charakteru, duchową i mentalną budowę człowieka w ich złożoności i sprzecznościach.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez jest jednym z pierwszych mistrzów malarstwa waleriego. Szare odcienie jego obrazów mienią się wieloma odcieniami, czerń jest jasna i przejrzysta. Jasne, ciepłe odcienie, zimne błękity, ciemne prawie zawsze rozświetlają się równomiernym światłem i tworzą powściągliwe, subtelne harmonie. Mistrzowskie pociągnięcie pędzla jest zróżnicowane. Valeras nie tylko wzbogaca kolory, których użył Velazquez, ale także modeluje formy i otacza je mieniącym się światłem. Zalety koloru łączą się w obrazach Velazqueza z przejrzystością i majestatyczną prostotą kompozycji oraz wyczuciem proporcji.
Velazquez urodził się w Sewilli, studiował u Herrery Starszego, artysty-realisty, twórcy dramatycznych, surowych obrazów, następnie u powieściopisarza Francisco Pacheco, humanisty, poety i autora traktatu o malarstwie. W wieku siedemnastu lat Velazquez otrzymał tytuł magistra sztuki. We wczesnym okresie swojej twórczości (1617–1621) był bliski karawagizmu, zwrócił się w stronę szeroko rozpowszechnionego w Hiszpanii malarstwa rodzajowego – „bodegones”, przedstawiającego proste sceny z życia zwykłych ludzi w codziennym otoczeniu biednych, ciemnych tawern, w kuchniach, wśród skromnych naczyń i skromnych śniadań, oszczędnie charakteryzujących surowe piękno ludowego życia. Już we wczesnych pracach ujawnia się pewność rysunku, monumentalność form wydających się bliskich widzowi, surowość kompozycji wielkofigurowych, które nadają obrazom szczególne znaczenie („Śniadanie”, ok. 1617 r., św. Petersburg, Ermitaż, „Nosiciel wody”, ok. 1620, Anglia, Londyn, zbiory Wellington). Pojawia się charakterystyczne dla Caravaggia oświetlenie – promień światła wpadający przez okno do ciemnego wnętrza ujawnia plastyczną wyrazistość form. Odmawiając szczegółowej narracji, artysta skupił się na narodowych cechach wizerunków ludowych - dumnej powściągliwości, wybuchowym temperamencie, śmiałości, dobrej naturze. Bohaterowie Bodegonesa są barwni, ale psychologicznie wciąż pozostają statyczni.
W 1623 r. Velazquez przeniósł się do Madrytu, gdzie mieszkał przez około 40 lat; otrzymał stanowisko malarza nadwornego króla Filipa IV. Jego kariera dworzanina na najbardziej prymitywnym i konserwatywnym dworze w Europie podporządkowała jego życie sztywnemu ceremoniałowi pałacowego stylu życia. Jednocześnie tutaj, na dworze, Velazquez został uwolniony od konieczności pisania zgodnie z nakazami kościoła, co stawiało go w szczególnej pozycji wśród współczesnych. Pobyt w światowej stolicy imperium Habsburgów przyczynił się do poszerzenia jego horyzontów życiowych i artystycznych. Velazquez przyłączył się do demokratycznych aspiracji ówczesnej myśli społecznej. Jednocześnie w królewskim skarbcu sztuki, w którym znajdowało się wiele arcydzieł, zapoznał się z najwyższymi osiągnięciami malarstwa europejskiego. Nowy okres poszukiwań Velázqueza znalazł swoje odzwierciedlenie przede wszystkim w portrecie i gatunku codziennym. W przedstawianiu króla i szlachty nawiązał do tradycji hiszpańskich portretów ceremonialnych z XVI wieku, ale cechy wewnętrzne Velazqueza w portretowanych są bardziej złożone. Portret Filipa IV (1628, Madryt, Prado) przedstawia anemiczną, zimną twarz o obojętnym spojrzeniu i zapadniętej szczęce; ale ta wysoka, szczupła sylwetka o wydłużonych proporcjach, z szerokimi ramionami i małą głową robi wrażenie. Zajmuje płaszczyznę niemal całego płótna, czarny płaszcz nadaje ogólności i majestatu surowej sylwetce, wyróżniającej się jako ciemna plama na szarym tle. Powaga i statyczny charakter pozy, powściągliwość ruchów i izolacja dumnej twarzy wyrażają spokój ducha, wewnętrzny spokój i arogancką powściągliwość. Velazquez ucieleśniał w obrazie króla ideał osoby godnej, pełnej samokontroli i poczucia honoru, powszechny w hiszpańskim społeczeństwie. Portret jest utrzymany w niemal surowej kolorystyce i zbudowany na kontraście bezkrwawej twarzy, białego kołnierzyka i ciemnego garnituru. Czerwony obrus miękko wtapia się w szare tło, ożywiając je.
Velazquez odważnie poszerzał granice gatunku codziennego, nasycając go treścią. W obrazie „Bachus” („Pijacy”, 1628–1629, Madryt, Prado) Velazquez sięgnął po wątek mitologiczny, ale zinterpretował go w aspekcie codziennym. Wśród połaci pól i gór ukazana jest grupa wesołych włóczęgów, których pijane twarze noszą ślady gorączkowego życia. Wraz z nimi jest starożytny bóg wina Bachus i fauny. Obecność Bachusa nadała uczcie charakter akcji, jakby wprowadzenia zwykłych ludzi w życie odwiecznych sił natury. W włóczęgach, zainspirowanych wolnym duchem pól, z ich śmiałością i bogactwem charakterów, dostrzega się coś elementarnego, naturalnego, znaczącego - granica między artystą wzniosłym a podłym zdaje się zacierać. Gatunek codzienny nabiera nowego znaczenia. Namalowany w pracowni pejzaż zachowuje ślady konwencji, nie kojarzy się z postaciami, których formy wyrzeźbione są kontrastowym światłocieniem. Jednak subtelność srebrno-perłowo-liliowych odcieni ciała Bachusa, podkreślona różowo-czerwonym płaszczem, antycypuje dojrzały styl malarski Velazqueza.
Dla formacji Velazqueza jako malarza ogromne znaczenie miała podróż do Włoch (1629–1631) i zapoznanie się z dziełami wielkich mistrzów renesansu. Wracając z Włoch, artysta namalował duży obraz o współczesnym temacie historycznym – „Kapitulacja Bredy” (1634–1635, Madryt, Prado). Jest poświęcony zdobyciu holenderskiej twierdzy przez wojska hiszpańskie w 1625 roku. Artysta porzucił popularną w malarstwie XVII-wiecznym ceremonialną, alegoryczną interpretację tematu batalistycznego, Velazquez położył podwaliny pod realizm w malarstwie historycznym. Dramatyczne wydarzenia tej historii ujawniają się poprzez subtelne cechy psychologiczne głównych bohaterów, przedstawione z autentycznością portretu. Hiszpański admirał Spinola przyjmuje symboliczne klucze do miasta z rąk pokonanego holenderskiego dowódcy. Za zewnętrzną świecką powściągliwością Spinoli można wyczuć zarówno dumną świadomość zwycięstwa, jak i szlachetność jego natury: uprzejmie pozdrawia pokonanych, składając hołd odwadze i niezłomnemu duchowi Holendrów. Ich przywódca, bezpośredni książę Justyn z Nassau – krępy, w stroju marszowym, bez świeckiej polerki, w chwili porażki nie traci swej ludzkiej godności, osiąga honorowe warunki poddania twierdzy. Obydwa obozy – hiszpański i holenderski – scharakteryzowano obiektywnie, identyfikując różnice w cechach narodowych i społecznych każdego z nich. Dumni hiszpańscy wielcy o wytwornych twarzach i surowej postawie tworzą zwartą grupę, nad którą zwycięsko wznosi się las włóczni. Holenderscy żołnierze to odważni ludzie. I choć ich włócznie i sztandary kłaniały się przed wrogiem, w swobodnych pozach i otwartych twarzach dominuje wyraz niezależności ducha.
Zbudowana na równowadze grup kompozycja rozgrywa się na rozległej, głębokiej równinie, na tle Bredy z jej potężnymi placówkami. Centrum kompozycji – epizod przekazania kluczy, będący jednocześnie psychologiczną fabułą obrazu – otacza półokrąg postaci, które zdają się wciągać widza w wydarzenie. Rozpiętość koncepcji podkreśla pejzaż, w którym odbicia płomieni i dymu ogniska łączą się ze srebrzystą mgłą letniego poranka. Znaki okolicy i ślady niedawnych bitew są wiernie oddane. Bogactwo palety barwnej zbudowanej na przezroczystych ścianach oraz rozwiązanie problemu ukazywania osoby w jasnym otoczeniu charakteryzują nowy etap twórczości Velazqueza. Znikają matowe ciemne cienie, ostre linie, srebrzyste światło i powietrze otaczają postacie.
Lata trzydzieste i czterdzieste XVII wieku to okres rozkwitu sztuki portretowej Velazqueza. Malarz stworzył galerię wizerunków przedstawicieli społeczeństwa hiszpańskiego – arystokratów, dostojników, generałów, kardynałów, szlachty. Tradycyjne ramy kompozycji portretowych uległy zmianie. Velazquez namalował obrazy portretowe na tle pejzażu, które odwzorowywało przewiewną głębię; miękkie srebrzyste światło otaczające postać nadaje pozy portretowanych większą elegancję i naturalność („Portret infanta Ferdynanda”, ok. 1632 r., Madryt, Prado). Obok portretów myśliwskich artysta malował tradycyjne portrety konne, czasami osiągając w nich spontaniczność i urok obrazu („Portret konny infanta Beltasara Carlosa”, ok. 1635 r., Madryt, Prado). Jego oko staje się coraz bardziej wyczulone na wewnętrzny świat przedstawionych osób.
W pokoleniowym ceremonialnym portrecie Filipa IV (1644, Nowy Jork, Frick Museum) potwierdza nowe zasady portretu realistycznego. Świetnie odwzorowany wspaniały kostium tylko pogłębia wrażenie przeciętności, bezwładu umysłowego i braku woli sędziwego króla.
Podczas drugiej podróży do Włoch Velazquez namalował portret papieża Innocentego X (1650, Rzym, Galeria Doria Pamphili). Pod względem bezlitosności i wszechstronności cech oraz blasku malarskiego ucieleśnienia jest to jeden z najlepszych realistycznych portretów w sztuce światowej. Innokenty patrzy na widza ciężkim, podkrążonym wzrokiem. Nieatrakcyjny na zewnątrz wieloaspektowy obraz - Innocenty jest przebiegły, okrutny, dwulicowy, ale jednocześnie mądry, zdecydowany, wnikliwy, to znaczy jako osoba jest monolityczny i znaczący. Kolor portretu zbudowany jest na mocnym akordzie opalizujących ciemnoczerwonych, wiśniowych, fioletowych, ognistoróżowych odcieni peleryny, skufii, krzesła i tła. Zimnoniebieskie oczy, śnieżnobiały kołnierzyk i połyskujące fałdy koronkowej białej komży kontrastują z czerwonymi tonami, tworząc napięcie spójne z wizerunkiem człowieka o silnych, ale okrutnych namiętnościach, ukazywanym w momencie ich koncentracji. Promienie słoneczne łagodząc kontury, jednoczą kolory, niebieskie przezroczyste cienie i odbicia dają bogactwo półtonów. Portret Innocentego X otwiera późny etap twórczości Velazqueza, kiedy to namalował także szereg wspaniałych portretów dziecięcych, zachowując całą spontaniczność i świeżość wrażeń żywej natury, przekształconej grą światłocienia („Infanta Margarita”, ok. 1660 r. , Madryt, Prado; Kijów, Muzeum Sztuki Zachodniej i Wschodniej). Artystka często preferuje formę sięgającą popiersia, pozbawioną dodatków, gdzie portretowana osoba otoczona jest zwiewnym, złotym tłem. Ze szczególną wnikliwością portretuje ludzi o charakterze twórczym, intelektualnym, ze złożonym, wieloaspektowym światem wewnętrznym („Nieznani”, lata 30. XVII w., Londyn, zbiory księcia Wellington). Portret ucznia i sługi Maura autorstwa Juana Pareji (1649, Salisbury, zbiory Radiora) jest ucieleśnieniem szlachetności, człowieczeństwa i siły niezależnego charakteru.
Na szczególną uwagę zasługuje cykl portretów błaznów i krasnoludków dworu hiszpańskiego – osób stojących na samym dole hierarchicznej drabiny. Wyraźnie odzwierciedlały one szacunek artysty dla godności człowieka i wewnętrznego świata osób pokrzywdzonych. Prawdziwie przekazując duchową i fizyczną niższość, Velazquez ujawnił człowieczeństwo w swoich obrazach i wzniósł się do poziomu żałobnej tragedii. Z wątłym ciałem El Primo (1644, Madryt, Prado) kontrastuje jego inteligentna, skupiona twarz, powściągliwa i smutna, pełna duchowego piękna i znaczenia. Zdezorientowany El Bobo z Corii (ok. 1648 r., Madryt, Prado) skulił się w kącie. Gorączo i bezradnie pociera drżące ręce, przez oczy przemyka niejasny ruch emocjonalny, ale w jego cierpiącym, nieśmiałym uśmiechu jest wiele wzruszająco dziecinnego i oświeconego. Miękkie rysy rozpływają się w strumieniu światła, zaostrzając wyraz podniecenia. Wybrany przez artystę punkt widzenia z góry na dół, skompresowana przestrzeń, jakby przytłaczająca młodego człowieka, potęgują poczucie samotności i depresji.
W późnym okresie swojej twórczości Velazquez tworzy kompozycje niezwykłe pod względem siły uogólnienia i złożoności. W obliczu nadejścia reakcji katolickiej w Hiszpanii wskrzesza odwieczny temat, który niepokoił mistrzów włoskiego renesansu. W obrazie „Wenus z lustrem” (ok. 1657 r., Londyn, National Gallery), kontynuując tradycje Tycjana, Velazquez idzie dalej, przybliżając wizerunek bogini do prawdziwej kobiety. Pełna uroku młoda Hiszpanka uchwycona na łóżku w swobodnej, zrelaksowanej pozie. Wybrany przez artystę nieoczekiwany punkt widzenia od tyłu podkreśla ostre piękno giętkiego ciała. Lustrzane odbicie twarzy oddaje kontemplację własnej osoby, w której pogrążona jest młoda kobieta.
W obrazie „Las Meninas”, czyli „Dzwonki” (1656, Madryt, Prado) artysta subtelnie uchwycił wewnętrzną ruchliwość i zmienność życia, jego kontrastujące aspekty. Na oczach widza wydaje się, że scena codziennego życia dworu królewskiego została wyrwana z życia. Po lewej stronie sali Velázquez przedstawił siebie podczas pracy nad formalnym portretem pary królewskiej. Ale widz widzi ją tylko w lustrzanym odbiciu za artystką. Na sesji obecne są infantka Małgorzata, meniny i krasnoludki w uroczystych pozach przygotowujące się na powitanie członków rodziny królewskiej.
Odcinki gatunkowe - niegrzeczny krasnoludek ze śpiącym psem, rozmowa dworzan, druhna podająca niemowlęciu szklankę wody, marszałek nadworny odsuwający zasłonę z okna - wypadki życia codziennego naruszające statykę ceremonialnego dworu życia. Synteza dwóch przestrzeni – bezpośredniej, sięgającej głęboko w okno, przez które wpada światło słoneczne, i wyimaginowanej lustrzanej, poszerzającej przestrzeń – burzy izolację kompozycji i włącza ją w bieg prawdziwego życia. W tym środowisku dynamicznej przestrzeni dominuje obraz samego artysty, przepełniony twórczym pogłębieniem się, wznoszącym się zarówno ponad ceremoniał, jak i przypadkowość życia.
Obraz „Las Meninas” został namalowany z niezwykłą odwagą, lekkością i świeżością. Velazquez używa pociągnięć czystych kolorów, nie mieszając ich na palecie; dla widza znajdującego się w pewnej odległości od obrazu łączą się, tworząc wrażenie płynącego powietrza, przesiąkniętego srebrzystym światłem, łagodzącym ostre kontury postaci, łączącym pierwszy plan i odległe plany w jedną całość. Ogólną szarozieloną i szarobrązową tonację obrazu łagodzą jasne kolory: dominują czerń, srebrno-biały, perłowo-szary, brązowo-szary i zielony. Różowa suknia infantki, jej ładna, arogancka twarz o drżąco delikatnych rysach, z żywymi oczami, otoczonymi złotymi włosami, koralowoczerwone i niebieskie kolory wstążek na sukienkach i we włosach infantki i dam dworu , a odbicia światła na suficie pomieszczenia miękko się do nich wpasowują. „To nie jest obraz, ale samo życie” – napisał o „Las Meninas” francuski pisarz Théophile Gautier. Kompozycja obrazu jest doskonała, oparta na równowadze postaci i form architektonicznych. Kompozycyjnie obraz jest podzielony na dwie części: górna jest wolna, dolna jest zajęta postaciami. Z kolei każda połowa ma swoje wewnętrzne podziały. Przejrzystość proporcji daje widzowi poczucie harmonii.
Velazquez jako jeden z pierwszych artystów zachodnioeuropejskich gloryfikował piękno codziennej pracy człowieka, przedstawiając warsztat gobelinowy wraz ze środowiskiem pracy. Monumentalna kompozycja „Przędzarki” (1657, Madryt, Prado) przedstawia jednocześnie sceny porodu (na pierwszym planie hiszpańscy przędzalnicy przy pracy), życia towarzyskiego (ubrane damy patrzące na wspaniały gobelin w tle) i mitu (o Atenie i tkaczka Arachne), wpleciona w gobelin zawieszony na ścianie w tle. Jeśli chodzi o zasięg światowy, Velázquez w The Spinners idzie dalej niż w Las Lasings. Obraz jest pięknie skomponowany, skupieni na swojej pracy błystki są pełne energii, łączy jeden miarowy rytm ruchu, ich pozy są pełne gracji i zrelaksowania, ich zręczne gesty są pewne. Wśród nich dziewczyna po prawej stronie wyróżnia się kobiecym wdziękiem. Dwa źródła światło słoneczne stworzyć wrażenie przestrzeni i głębi we wnętrzu pracowni gobelinarskiej. Otoczenie, zanurzone w półmroku przezroczystych cieni, wypełnia migotliwe złote światło. Kontury obiektów rozpływają się w atmosferze tła, a utkane na dywanach mitologiczne postacie łączą się w malowniczą jedność z przedstawionymi realnie. Współbrzmienie najdelikatniejszych odcieni szaroniebieskiego, różowego, jasnoniebieskiego, liliowo-różowego, wyblakłej żółci, jasnoczerwonej i srebrno-białej przekształca tło w świat czystej poezji. Piękno sceny na pierwszym planie wyraża się w powściągliwych, ale bogatych odcieniach czerwono-brązowych, niebiesko-zielonych, czarno-brązowych i głębokiej czerwieni. Kompozycyjne odkrycie Velazqueza – porównanie dwóch scen o różnym charakterze – pozwoliło wiernie wyrazić wyobrażenie artysty o różnorodności realnego świata, pięknie życia, łączącego obie rzeczywistości – poetycką, stworzoną rękami prostych robotników, którzy wychwalali przędzarkę Arachne, obdarzoną mocą twórczą i materialnie namacalną, konkretną, ucieleśnioną w twórcach pięknych dywanów. Obraz „Przędzarka” w jasny sposób wyjaśnia istotę hiszpańskiego realizmu, a zwłaszcza realizmu Velazqueza – drogi do piękna poprzez codzienną rzeczywistość.
Odkrycia Velazqueza w dziedzinie koloru i światła, jego potężny realizm wpłynęły na malarstwo XVIII i XIX wieku. Od połowy XVII wieku sztuka hiszpańska utraciła bezpośredni związek z życiem. Nasiliły się w nim cechy idealizacji i zewnętrznej widowiskowości, ujawniły się tendencje mistyczne. Ostatnim znaczącym malarzem szkoły sewilijskiej, gdzie malarstwo przez dłuższy czas pozostawało wierne realizmowi, był Bartolomeo-Esteban Murillo (1617–1682), wybitny malarz, którego dzieła wyróżniała harmonijna barwa, subtelnie odtwarzająca efekty świetlne i przewiewność otoczenia. Do jego najlepszych dzieł należą wizerunki chłopców ulicy grających w kości, jedzących jedzenie itp. („Chłopiec z psem”, lata 50. XVII w., Petersburg, Ermitaż). Surową prostotę w interpretacji scen z życia ludowego i o tematyce religijnej zastąpiła później bezczelność, sentymentalizm, piękno zewnętrzne i suchość wykonania.
Upadek gospodarczy i polityczny Hiszpanii w drugiej połowie XVII wieku miał poważny wpływ na wszystkie dziedziny życia. Nastrój rozczarowania zmusił mnie do poszukiwania ucieczki od rzeczywistości. Pod koniec XVII i na początku XVIII wieku w sztuce hiszpańskiej ugruntował się styl barokowy z charakterystyczną bujną dekoracyjnością i teatralnością.