Rafael Santi pracuje. Głód nowej wiedzy. Na co zmarł Rafael Santi?

Pochowano go w kościele św. Sykstusa, pod tą samą „Madonną Sykstyńską”, za co dwa wieki później mieli zapłacić prawie 100 kg złota i wywieźć go do Niemiec. Ale Margaricie nie pozwolono uczestniczyć w nabożeństwie pogrzebowym - nikt nie wierzył, że od dawna była potajemnie zamężną żoną geniusza. Rafael został pochowany w Panteonie, gdzie spoczywają szczątki najwybitniejszych ludzi Włoch.
Uczniowie artystki obwinili niewierną Margaritę za śmierć swojej nauczycielki i poprzysięgli zemstę, ponieważ poprzez serię niezliczonych zdrad złamała serce wielkiego człowieka.

Przerażona Margarita pobiegła do ojca, w którego domu ukrywała się od jakiegoś czasu. Tutaj pewnego razu stanęła twarzą w twarz ze swoim byłym narzeczonym Tomaso, który dzięki jej łasce spędził pięć lat w klasztorze. Margarita nie znalazła nic lepszego, jak tylko spróbować go uwieść i odsłoniła swoje bujne ramiona przed pasterzem. Chwyciwszy garść ziemi, rzucił ją w twarz swojej byłej narzeczonej i wyszedł, nie chcąc już więcej spotkać się z kobietą, która zrujnowała mu życie.

Dziedzictwo pozostawione przez Rafaela wystarczyłoby, aby niepoważna Fornarine odmieniła swoje życie i stała się przyzwoitą kobietą. Ale czując smak cielesnej miłości i beztroskiego życia, poznawszy najsłynniejszych mężczyzn Rzymu, nie chciała niczego zmieniać. Do końca swoich dni Margarita Luti pozostała kurtyzaną. Zmarła w klasztorze, ale przyczyna jej śmierci nie jest znana.

Malownicze dzieła Rafaela zdobią najsłynniejsze muzea na świecie. Co więcej, w szczególności dzięki nim muzea te zasłynęły. Co roku miliony ludzi zastygają w zachwycie przed obrazem „Madonny Sykstyńskiej”, który od dawna jest głównym skarbem Galerii Drezdeńskiej. Patrzą z czułością na piękną, nieziemską kobietę, która wyciąga do nich ufne dziecko z nieba... Niewiele jednak osób wie, że ziemskie ciało kobiety ukazanej na zdjęciu nie jest wtedy, gdy należało do najbardziej zmysłowej i rozpustnej kurtyzany wszech czasów. Włochy - ten, który zniszczył geniusza u szczytu jego mocy i talentu.

W literaturze istnieje jednak także inna wersja opisywanych wydarzeń. Rafael od początku zakochał się w zdeprawowanej rzymskiej dziewczynie, doskonale znał jej wartość, jednak w niemoralnej atmosferze dworu papieskich patronów nie wstydził się wykorzystać jej walorów modelki przy malowaniu twarzy Matka Boga. .

Rafael Santi (Raffaello Santi) to włoski artysta, mistrz grafiki i rozwiązań architektonicznych, przedstawiciel umbryjskiej szkoły malarstwa renesansu.

Rafael urodził się o trzeciej nad ranem w rodzinie artysty i dekoratora 6 kwietnia 1483 roku we włoskim mieście (Urbino). Jest kulturalnym i historycznym centrum regionu (Marche) we wschodnich Włoszech. W pobliżu miejsca urodzenia Rafaela znajdują się kurorty Pesaro i Rimini.

Rodzice

Ojciec przyszłej celebrytki, Giovanni Santi, pracował w zamku księcia Urbino Federico da Montefeltro, jego matka Margie Charla zajmowała się domem.

Ojciec wcześnie zauważył zdolności malarskie syna i często zabierał go ze sobą do pałacu, gdzie chłopiec komunikował się z tak znanymi artystami jak Piero della Francesca, Paolo Uccello i Luca Signorelli.

Szkoła w Perugii

W wieku 8 lat Rafael stracił matkę, a ojciec wprowadził do domu nową żonę Bernardynę, która nie okazała miłości cudzemu dziecku. W wieku 12 lat chłopiec został sierotą., stracił ojca. Powiernicy wysłali młode talenty na studia u Pietro Vannucciego w Perugii.

Do 1504 roku Rafael kształcił się w szkole Perugino, z entuzjazmem studiując umiejętności nauczyciela i próbując go naśladować we wszystkim. Sympatyczny, czarujący i pozbawiony arogancji młody człowiek wszędzie zdobywał przyjaciół i szybko przyswajał doświadczenie swoich nauczycieli. Wkrótce jego dzieła stały się nie do odróżnienia od dzieł Pietro Perugino.

Pierwszymi wybitnymi dziełami Rafaela były obrazy:

• „Zaręczyny Najświętszej Marii Panny” (Lo sposalizio della Vergine), 1504, wystawiona w Galerii Mediolańskiej (Pinacoteca di Brera);
• „Madonna Connestabile”, 1504, należy do Ermitażu (Sankt Petersburg);
• „Sen rycerza” (Sogno del cavaliere), 1504, obraz wystawiony w Galerii Narodowej w Londynie;
• „Trzy Grazie” (Tre Grazie), 1504, jest wystawiona w Musée Condé w Château de Chantilly we Francji;
• W twórczości wyraźnie widać wpływ Perugina, nieco później Rafael zaczął tworzyć własny styl.

We Florencji

W 1504 roku Rafael przeniósł się do (Firenze), podążając za swoim nauczycielem Perugino. Dzięki nauczycielowi młody człowiek poznał geniusza architektury Baccio d'Agnolo, wybitnego rzeźbiarza Andreę Sansovino, malarza Bastiano da Sangallo oraz jego przyszłego przyjaciela i opiekuna Taddeo Taddei. . Spotkanie z Leonardem da Vinci miało znaczący wpływ na proces twórczy Rafaela. Do dziś zachowała się kopia obrazu „Leda i łabędź” Rafaela (wyjątkowa tym, że nie zachował się sam oryginał).

Pod wpływem nowych nauczycieli Rafael mieszkając we Florencji tworzy ponad 20 Madonn, wkładając w nie swoją tęsknotę za miłością i uczuciem, którego nie otrzymał od matki. Obrazy tchną miłością, są delikatne i wyrafinowane.

W 1507 roku artysta przyjął zamówienie od Atalanty Baglióni, której zmarł jedyny syn. Rafael tworzy obraz „Złożenie do grobu” (La deposizione), ostatnie dzieło we Florencji.

Życie w Rzymie

W 1508 roku papież Juliusz II (Iulius PP. II), na świecie – Giuliano della Rovere (Giuliano della Rovere) zaprasza Rafaela do Rzymu, aby namalował stary Pałac Watykański. Od 1509 roku aż do końca swoich dni artysta pracował, wkładając w swoje dzieło wszystkie swoje umiejętności, cały swój talent i całą swoją wiedzę.

Kiedy zmarł architekt Donato Bramante, papież Leon X (Leo PP. X), na świecie – Giovanni Medici, od 1514 r. mianował Rafaela na czołowego architekta budowy (Basilica Sancti Petri), w 1515 r. zostaje także kustoszem kosztowności . Młody człowiek wziął na siebie odpowiedzialność za spis ludności i konserwację zabytków. Dla świątyni św. Piotra Rafael sporządził inny plan i ukończył budowę dziedzińca z loggiami.

Inne dzieła architektoniczne Rafaela:

• Kościół Sant’Eligio degli Orefici, zbudowany przy ulicy o tej samej nazwie w r., budowę rozpoczęto w 1509 roku.
• Kaplica Chigi (La cappella Chigi) kościoła (Basilica di Santa Maria del Popolo), znajdującego się na Piazza del Popolo. Budowę rozpoczęto w 1513 r., a ukończono (przez Giovanniego Berniniego) w 1656 r.
• Palazzo Vidoni-Caffarelli w Rzymie, położony na skrzyżowaniu Piazza Vidoni i Corso Vittorio Emanuele. Budowę rozpoczęto w 1515 roku.
• Przed Bazyliką Świętego Piotra znajdował się obecnie zrujnowany Palazzo Branconio dell'Aquila. Budowę zakończono w 1520 r.
• Pałac Pandolfini we Florencji przy Via San Gallo został zbudowany przez architekta Giuliano da Sangallo według szkiców Rafaela.

Papież Leon X obawiał się, że Francuzi mogą odciągnąć utalentowanego artystę, dlatego starał się powierzyć mu jak najwięcej pracy, nie skąpiąc na prezentach i pochwałach. W Rzymie Rafael kontynuuje malowanie Madonn, nie odchodząc od ulubionego tematu macierzyństwa.

Życie osobiste

Obrazy Rafaela przyniosły mu nie tylko sławę wybitnego artysty, ale także dużo pieniędzy. Nigdy nie brakowało mu zarówno uwagi rodziny królewskiej, jak i zasobów finansowych.

Za panowania Leona X nabył luksusowy dom w stylu antycznym, zbudowany według własnego projektu. Jednak wielokrotne próby poślubienia młodego mężczyzny przez jego patronów nie doprowadziły do ​​​​niczego. Rafael był wielkim wielbicielem kobiecego piękna. Z inicjatywy kardynała Bibbieny artysta zaręczył się ze swoją siostrzenicą Marią Dovizi da Bibbiena, jednak do ślubu nie doszło. maestro nie chciał wiązać węzła. Imię jednej słynnej kochanki Rafaela brzmiało Beatrycze z Ferrary, ale najprawdopodobniej była to zwykła rzymska kurtyzana.

Jedyną kobietą, której udało się zdobyć serce bogatego kobieciarza, była Margherita Luti, córka piekarza o pseudonimie La Fornarina.

Artysta spotkał dziewczynę w ogrodzie Chigi, gdy szukał obrazu do „Kupidyna i Psyche”. Trzydziestoletni Rafael malował (Villa Farnesina) w Rzymie, który należał do jego zamożnego mecenasa, a uroda siedemnastoletniej dziewczyny doskonale pasowała do tego obrazu.

• Polecamy odwiedzenie następującej wycieczki:

Ojciec dziewczynki pozwolił córce pozować dla artysty za 50 sztuk złota, a później za 3000 sztuk złota pozwolił Raphaelowi zabrać ją ze sobą. Przez sześć lat młodzi ludzie żyli razem, Margarita nigdy nie przestała inspirować swojego wielbiciela nowymi arcydziełami, w tym:

• „Madonna Sykstyńska” („Madonna Sistina”), Galeria Starych Mistrzów (Gemäldegalerie Alte Meister), Drezno, Niemcy, 1514;.;
• „Donna Velata” („La Velata”), Galeria Palatyn (Galerie Palatine), (Palazzo Pitti), Florencja, 1515;
• „Fornarina” („La Fornarina”), Palazzo Barberini, Rzym, 1519;

Po śmierci Raphaela młoda Margarita otrzymała utrzymanie na całe życie i dom. Ale w 1520 roku dziewczyna została nowicjuszką w klasztorze, gdzie później zmarła.

Śmierć

Śmierć Raphaela pozostawiła wiele tajemnic. Według jednej wersji artysta zmęczony nocnymi przygodami wrócił do domu w osłabionym stanie. Lekarze mieli go podtrzymywać na duchu, jednak dokonali upuszczania krwi, co spowodowało śmierć pacjenta. Według innej wersji Rafael przeziębił się podczas wykopalisk w podziemnych galeriach grobowych.

6 kwietnia 1520 roku zmarł maesto. Został pochowany w (Panteonie) z należnymi honorami. Grób Rafaela można zobaczyć podczas zwiedzania Rzymu o świcie.

Madonny

Naśladując swojego nauczyciela Pietro Perugino, Rafael namalował galerię czterdziestu dwóch obrazów Matki Boskiej z Dzieciątkiem. Pomimo różnorodności wątków, prace łączy wzruszające piękno macierzyństwa. Artystka przenosi na płótna brak matczynej miłości, wzmacniając i idealizując kobietę, która z niepokojem chroni aniołka.

Pierwsze Madonny Rafaela powstały w stylu Quattrocento, powszechnym we wczesnym renesansie w XV wieku. Obrazy są wymuszone, suche, postacie ludzkie ukazane są ściśle frontalnie, spojrzenie jest nieruchome, na twarzach widać spokój i poważną abstrakcję.

Okres florencki wprowadza do wizerunków Matki Bożej uczucia, objawia się niepokój i duma z Jej dziecka. Krajobrazy w tle stają się bardziej złożone, a interakcja przedstawionych postaci staje się oczywista.

W późniejszych dziełach rzymskich można dopatrzeć się początków baroku, uczucia stają się bardziej złożone, pozy i gesty dalekie są od renesansowej harmonii, wydłużają się proporcje postaci, obserwuje się przewagę ponurych tonów.

Madonna Sykstyńska (Madonna Sistina) to najsłynniejszy ze wszystkich obrazów Matki Bożej o wymiarach 2 m 65 cm na 1 m 96 cm. Wizerunek Madonny pochodzi od 17-letniej Margherity Luti, córki piekarz i kochanka artysty.

Maryja, schodząc z chmur, niesie w ramionach niezwykle poważne dziecko. Spotykają ich papież Sykstus II i św. Barbara. W dolnej części obrazu znajdują się dwa anioły, prawdopodobnie oparte o wieko trumny. Anioł po lewej stronie ma jedno skrzydło. Imię Sykstus w tłumaczeniu z łaciny oznacza „sześć”; kompozycja składa się z sześciu postaci – trzy główne tworzą trójkąt; tłem kompozycji są twarze aniołów w postaci chmur. Płótno powstało na ołtarz bazyliki św. Sykstusa (Chiesa di San Sisto) w Piacenza w 1513 roku. Od 1754 roku dzieło wystawiane jest w Galerii Starych Mistrzów.

Madonna z Dzieciątkiem

Inna nazwa obrazu powstałego w 1498 roku to „Madonna z domu Santi” („Madonna di Casa Santi”). Stało się to pierwszym odwołaniem artysty do wizerunku Matki Bożej.

Fresk przechowywany jest w domu, w którym urodził się artysta, przy Via Raffaello w Urbino. Dziś budynek nosi nazwę „Dom-Muzeum Rafaela Santiego” („Casa Natale di Raffaello”). Madonna pokazana jest z profilu, czyta książkę umieszczoną na stojaku. Trzyma w ramionach śpiące dziecko. Ręce matki podtrzymują i delikatnie głaszczą dziecko. Pozy obu postaci są naturalne i zrelaksowane, nastrój tworzy kontrast ciemnych i białych tonów.

Madonna del Granduca to najbardziej tajemnicze dzieło Rafaela, ukończone w 1505 roku. Jej wstępny szkic wyraźnie wskazuje na obecność pejzażu w tle. Rysunek znajduje się w Gabinecie Szkiców i Etiud w (Galleria degli Uffizi) we Florencji (Firenze).

• Polecamy odwiedzić: z licencjonowanym przewodnikiem artystycznym

Rentgen gotowego dzieła potwierdza, że ​​obraz pierwotnie miał inne tło. Analiza farby wskazuje, że wierzchnia warstwa obrazu została nałożona 100 lat po jego powstaniu. Prawdopodobnie mógł tego dokonać artysta Carlo Dolci, właściciel Granduca Madonna, który preferował ciemne tło obrazów religijnych. W 1800 roku Dolci sprzedał obraz księciu Franciszkowi III (François III) w formie, w jakiej przetrwał do dziś. Madonna otrzymuje imię „Granduka” od imienia tego samego właściciela (Wielkiego Księcia – Wielkiego Księcia). Obraz o wymiarach 84 cm na 56 cm jest wystawiany w Galerie Palatine w Palazzo Pitti we Florencji.

Po raz pierwszy A. S. Puszkin zauważył podobieństwo między Madonną Bridgewater i jego żoną Natalią Nikołajewną latem 1830 r., po obejrzeniu kopii obrazu powstałego w 1507 r. w witrynie księgarni przy Newskim Prospekcie. To kolejna tajemnicza praca Rafaela, w której pejzaż w tle zamalowany jest czarną farbą. Długo podróżowała po świecie, po czym jej właścicielem został książę Bridgewater.

Następnie spadkobiercy zachowali dzieło w majątku Bridgewater w Londynie przez ponad sto lat. Podczas II wojny światowej blond Madonna została przewieziona do Galerii Narodowej Szkocji w Edynburgu, gdzie jest dziś wystawiana.

Madonna Connestabile to dzieło wykończeniowe mistrza w Umbrii, namalowane w 1502 roku. Przed przejęciem przez hrabiego Conestabile della Staffa nosiła nazwę Madonna del Libro.

W 1871 roku odkupił go od hrabiego Aleksander II, aby przekazać go swojej żonie. Dziś jest to jedyne dzieło Rafaela należące do Rosji. Jest wystawiony w Ermitażu w Petersburgu.

Praca ukazana jest w bogatej ramie powstałej równolegle z płótnem. Podczas przenoszenia obrazu z drewna na płótno w 1881 roku odkryto, że Madonna zamiast książki początkowo trzymała przy sobie granat – znak krwi Chrystusa. W momencie tworzenia Madonny Rafael nie opanował jeszcze techniki zmiękczania przejść linii – sfumato, dlatego zaprezentował swój talent pod nierozcieńczonym wpływem Leonarda da Vinci.

„Madonna d'Alba” została stworzona przez Rafaela w 1511 roku na zlecenie biskupa Paolo Giovio. w okresie szczytu twórczego artysty. Przez długi czas, aż do 1931 roku, obraz znajdował się w petersburskim Ermitażu, następnie został sprzedany do Waszyngtonu w USA, a dziś jest wystawiany w Narodowej Galerii Sztuki.

Poza i fałdy szaty Matki Bożej nawiązują do rzeźb z czasów starożytnych. Praca jest niezwykła, gdyż ujęta jest w okrąg o średnicy 945 mm. Tytuł „Alba” nadano Madonnie w XVII wieku na pamiątkę książąt Alby (niegdyś obraz znajdował się w pałacu w Sewilli, należącym do spadkobierców Olivaresa). W 1836 roku cesarz rosyjski Mikołaj I kupił go za 14 000 funtów i nakazał przeniesienie go z drewna na płótno. Jednocześnie część przyrody po prawej stronie została utracona.

„Madonna della Seggiola” powstała w 1514 roku i jest wystawiana w Galerie Palatine w Palazzo Pitti. Matka Boża ubrana jest w eleganckie stroje kobiet z XVI-wiecznych Włoch.

Madonna mocno ściska syna obiema rękami, jakby przeczuwała to, czego będzie musiał doświadczyć. Po prawej stronie Jan Chrzciciel patrzy na nich w postaci małego chłopca. Wszystkie postacie są rysowane z bliska, a tło obrazu nie jest już potrzebne. Nie ma tu surowości geometrycznych kształtów i linearnych perspektyw, jest natomiast bezgraniczna matczyna miłość, wyrażona poprzez zastosowanie ciepłych barw.

Duże płótno Rafaela (1 m 22 cm na 80 cm) „Piękny ogrodnik” (La Belle Jardiniere), namalowane w 1507 r., należy do jednego z najcenniejszych eksponatów paryskiego Luwru (Musée du Louvre).

Początkowo obraz nosił tytuł „Matka Boska w stroju chłopskim”, dopiero w 1720 roku krytyk sztuki Pierre Mariette zdecydował się nadać mu inną nazwę. Maryja jest przedstawiona siedząca w ogrodzie z Jezusem i Janem Chrzcicielem. Syn wyciąga rękę do książki i patrzy matce w oczy. Jan trzyma laskę z krzyżem i patrzy na Chrystusa. Aureole są ledwo widoczne nad głowami bohaterów. Ciszę i spokój zapewnia turkusowe niebo z białymi chmurami, jezioro, kwitnące zioła i pulchne dzieci w pobliżu życzliwej i delikatnej Madonny.

Madonna ze szczygłem

Madonna ze szczygłem (Madonna del Cardellino) uznawana jest za jedno z najlepszych dzieł Rafaela, namalowane w 1506 roku. Wystawione w Galerii Uffizi (Galleria degli Uffizi) we Florencji.

Klientem obrazu był przyjaciel artysty, kupiec Lorenzo Nazi, który poprosił, aby obraz był gotowy na jego ślub. W 1548 roku obraz prawie zaginął, gdy góra San Giorgio zawaliła się na dom kupiecki i sąsiednie domy. Jednak syn Lorenza, Batista, zebrał wszystkie części obrazu z ruin i przekazał je Ridolfo del Ghirlandaio do renowacji. Zrobił wszystko, co w jego mocy, aby nadać arcydziełu oryginalny wygląd, jednak śladów uszkodzeń nie udało się całkowicie ukryć. Na zdjęciu RTG widać 17 oddzielnych elementów połączonych gwoździami, nowe malowanie i cztery wstawki po lewej stronie.

Mała Madonna z Cowper (Piccola Madonna Cowper) powstała w 1505 roku i nazwana na cześć Earla Cowpera, w którego zbiorach dzieło to znajdowało się przez wiele lat. W 1942 podarowany Narodowej Galerii Sztuki w Waszyngtonie. Święta Dziewica, podobnie jak na wielu innych obrazach Rafaela, jest przedstawiona w czerwonych szatach, symbolizujących krew Chrystusa. Na górze dodano niebieską pelerynę jako symbol niewinności. Choć nikt we Włoszech tak nie chodził, Rafael przedstawił Matkę Bożą w dokładnie takim stroju. Główne ujęcie przedstawia Marię odpoczywającą na ławce. Lewą ręką obejmuje uśmiechniętego Chrystusa. Za nim widać kościół przypominający świątynię San Bernardino (Chiesa di San Bernardino) w Urbino, ojczyźnie autora obrazu.

Portrety

W zbiorach Rafaela nie ma zbyt wielu portretów, wcześnie zmarł. Wśród nich wyróżnić można dzieła wczesne powstałe w okresie florenckim oraz dzieła jego dojrzałego wieku, powstałe podczas pobytu w Rzymie w latach 1508-1520. Artysta czerpie wiele z życia, zawsze wyraźnie określając zarys, osiągając jak najwierniejszą zgodność z obraz do oryginału. Autorstwo wielu dzieł jest kwestionowane, do grona możliwych autorów zaliczają się: Pietro Perugino, Francesco Francia, Lorenzo di Credi.

Portrety powstałe przed przeprowadzką do Florencji

W (Galleria Borghese) wystawiony jest olej na desce (45 cm na 31 cm), wykonany w 1502 roku.

Aż do XIX wieku autorstwo portretu przypisywano Perugino, jednak najnowsze badania wskazują, że arcydzieło namalował wczesny Rafael. Być może jest to wizerunek jednego z książąt, współczesnych artyście. Płynące loki włosów i brak defektów twarzy nieco idealizują obraz, nie odpowiadało to realizmowi ówczesnych artystów północnych Włoch.

• Polecamy:

W Galerii Uffizi eksponowany jest portret Elżbiety Gonzagi, wykonany w 1503 roku, o wymiarach 52 cm na 37 cm.

Elżbieta była siostrą Franciszka II Gonzagi i żoną Guidobaldo da Montefeltro. Czoło kobiety ozdobione jest wisiorkiem w kształcie skorpiona, jej fryzura i ubiór są przedstawione na modłę współczesnych autorce.. Według historyków sztuki portrety Gonzagi i Montefeltro zostały częściowo namalowane przez Giovanniego Santiego. Elżbieta była bliska Rafaelowi, ponieważ zaangażowała się w jego wychowanie, gdy został sierotą.

Portret Pietro Bembo, jedno z pierwszych dzieł Rafaela z 1504 roku, przedstawia młodego Pietro Bembo, który został kardynałem, praktycznie sobowtórem artysty.

Na zdjęciu długie włosy młodego mężczyzny miękko wysuwają się spod czerwonej czapki. Ręce są złożone na parapecie, w prawej dłoni ściska się kartkę papieru. Rafael po raz pierwszy spotkał Bembo w zamku księcia Urbino. Portret wykonany olejem na desce (54 cm na 39 cm) znajduje się w Muzeum Sztuk Pięknych (Szépművészeti Múzeum) w Budapeszcie na Węgrzech.

Portrety z okresu florenckiego

Portret kobiety w ciąży autorstwa Donny Gravidy (La donna gravida) został wykonany w 1506 roku w technice olejnej na płótnie o wymiarach 77 cm na 111 cm i przechowywany jest w Palazzo Pitti.

W czasach Rafaela nie było zwyczaju przedstawiania kobiet rodzących dziecko, ale portrecista malował obrazy bliskie jego duszy, bez względu na dogmaty. Motyw macierzyństwa, przewijający się przez wszystkie Madonny, znalazł swoje odzwierciedlenie także w wizerunkach ziemskich mieszkańców. Historycy sztuki uważają, że mogła to być kobieta z rodziny Bufalini, Città di Castello lub Emilia Pia da Montefeltro. O przynależności do klasy zamożnej świadczy modny strój, biżuteria na włosach, pierścionki z drogimi kamieniami na palcach i łańcuszek na szyi.

Portret damy z jednorożcem (Dama col liocorno) wykonany olejem na desce o wymiarach 65 cm na 61 cm, namalowany w 1506 r., znajduje się w Galerii Borghese.

Do zdjęcia pozowała prawdopodobnie Giulia Farnese, sekretna miłość papieża Aleksandra VI. Dzieło jest o tyle ciekawe, że podczas licznych renowacji wizerunek damy wielokrotnie ulegał zmianom. Na zdjęciu rentgenowskim zamiast jednorożca widać sylwetkę psa. Być może praca nad portretem przeszła kilka etapów. Rafael mógł być autorem tułowia postaci, krajobrazu i nieba. Giovanni Sogliani mógł namalować kolumny po bokach loggii, ramiona z rękawami i psa. Kolejna późniejsza warstwa farby zwiększa objętość fryzury, zmienia rękawy i uzupełnia psa. Po kilkudziesięciu latach pies staje się jednorożcem, ręce są przepisane. W XVII wieku dama staje się św. Katarzyną w płaszczu.

Autoportret

Autoportret (Autoritratto) o wymiarach 47,5 cm na 33 cm, wykonany w 1506 r., przechowywany jest w Galerii Uffizi we Florencji.

Dzieło przez długi czas było własnością kardynała Leopoldusa Medicesa, od 1682 roku znajduje się w zbiorach Galerii Uffizi. Lustrzane odbicie portretu namalował Rafael na fresku „Scuola di Atene” w sali głównej Pałacu Watykańskiego (Pałac Apostolski (Palazzo Apostolico)). Artysta przedstawił się w skromnej czarnej szacie, ozdobionej jedynie niewielkim paskiem białego kołnierzyka.

Portret Agnolo Doni, portret Maddaleny Doni

Portret Agnolo Doni i portret Maddaleny Doni (Portret Agnolo Doni, Portret Maddaleny Doni) zostały namalowane techniką olejną na drewnie w 1506 roku i doskonale się uzupełniają.

Agnolo Doni był zamożnym handlarzem wełną i zaraz po ślubie zamówił obraz przedstawiający siebie i swoją młodą żonę (z domu Strozzi). Wizerunek dziewczyny powstaje na podobieństwo „Mony Lisy” (Leonardo da Vinci): ten sam obrót ciała, to samo położenie rąk. Staranne wykończenie odzieży i biżuterii wskazuje na bogactwo pary.

Rubiny symbolizują dobrobyt, szafiry symbolizują czystość, a perłowy wisiorek na szyi Maddaleny symbolizuje dziewictwo. Wcześniej obie prace łączone były ze sobą zawiasami. Od połowy lat 20. XIX wiek potomkowie rodziny Doni przekazują portrety.

Obraz Niemowa (La Muta) wykonany w oleju na płótnie o wymiarach 64 cm na 48 cm powstał w 1507 roku i był wystawiany w Galerii Narodowej Marche (Galleria nazionale delle Marche) w Urbino.

Za prototyp obrazu uważa się Elisabettę Gonzagę, żonę księcia Guidobaldo da Montefeltro. Według innej wersji mogła to być siostra księcia Giovanna. Do 1631 roku portret znajdował się w Urbino, następnie przewieziono go do Florencji. W 1927 roku dzieło ponownie wróciło do ojczyzny artysty. W 1975 roku obraz został skradziony z galerii, a rok później odnaleziono go w Szwajcarii.

Portret młodzieńca wykonany olejem na desce (35 cm na 47 cm), namalowany w 1505 r., jest wystawiany we Florencji, w Galerii Uffizi.

Pokazany na zdjęciu Francesco Maria della Rovere był synem Giovanniego Della Rovere i Juliany Feltrii. Wuj mianował młodego człowieka swoim spadkobiercą w 1504 roku i natychmiast zamówił ten portret. Młody mężczyzna w czerwonej szacie przedstawiony jest w skromnej przyrodzie północnych Włoch.

Portret Guidobaldo da Montefeltro (Ritratto di Guidоbaldo da Montefeltro) wykonany olejem na desce (69 cm na 52 cm) powstał w 1506 roku. Dzieło przechowywano w zamku książąt Urbino (Palazzo Ducale), po czym zostało przewieziono do miasta Pesaro.

W 1631 roku obraz trafił do kolekcji żony Ferdynanda II Medici, Vittorii della Rovere. Ubrany na czarno Montefeltro zostaje umieszczony w centrum kompozycji, obramowanej ciemnymi ścianami pomieszczenia. Po prawej stronie znajduje się otwarte okno z przyrodą na zewnątrz. Spokój i asceza obrazu przez długi czas nie pozwalały na rozpoznanie Rafaela jako autora obrazu.

Zwrotki Rafaela w Watykanie

W 1508 roku artysta przeniósł się do Rzymu, gdzie pozostał aż do śmierci. Architekt Domato Bramante pomógł mu zostać artystą na dworze papieskim. Papież Juliusz II przekazuje swojemu protegowanemu do pomalowania pomieszczenia reprezentacyjne (strofy) starego pałacu watykańskiego, nazwanego później (Stanze di Raffaello). Po obejrzeniu pierwszego dzieła Rafaela papież nakazał nanieść jego rysunki na wszystkie powierzchnie, usuwając freski innych autorów i pozostawiając nietknięte jedynie abażury.

• Musisz odwiedzić:

W dosłownym tłumaczeniu „Stanza della Segnatura” brzmi jak „pokój sygnowany” i jako jedyny nie został przemianowany zgodnie z tematyką fresków.

Rafael pracował nad jego obrazem od 1508 do 1511 roku. W pomieszczeniu, w którym królowie podpisali ważne dokumenty, znajdowała się tam również biblioteka. To jest pierwsza zwrotka z czterech, nad którymi pracował Raphael.

Fresk „Szkoła Ateńska”

Drugi tytuł „Scuola di Atene”, najlepszego ze stworzonych fresków, to „Rozmowy filozoficzne” („Discussioni filosofiche”). Główny temat - spór między Arystotelesem (Arystotelesem) a Platonem ((Platon, pisany z Leonardem da Vinci) pod łukami fantastycznej świątyni, ma odzwierciedlać działalność filozoficzną. Długość u podstawy wynosi 7 m 70 cm, w kompozycji umieszczono ponad 50 znaków, wśród których Heraklit ((Heraklit), malowany), Ptolemeusz ((Ptolemeusz), autoportret Rafaela), Sokrates (Sokrates), Diogenes (Diogen), Pitagoras (Pitagoras), Euklides ((Evklid), malowany Bramantem) , Zoroaster (Zoroastr) i inni filozofowie i myśliciele.

Fresk „Spór”, czyli „Spór o Komunię Świętą”

Wymiary „Sporu o Komunię Świętą” („La disputa del sacramento”), symbolizującego teologię, wynoszą 5 m na 7 m 70 cm.

Na fresku niebiańscy mieszkańcy toczą debatę teologiczną z ziemskimi śmiertelnikami (Fra Beato Angelico, Augustine Hipponensis, Dante, Savonarola i inni). Wyraźna symetria w dziele nie przygnębia, wręcz przeciwnie, dzięki talentowi organizacyjnemu Rafaela, wydaje się naturalna i harmonijna. Wiodącą figurą kompozycji jest półkole.

Fresk „Mądrość. Umiar. Siła"

Fresk „Mądrość. Umiar. Siła” („La saggezza. La moderazione. Forza”) umieszczona jest na ścianie przeciętej oknem. Inną nazwą dzieła gloryfikującego ustawodawstwo świeckie i kościelne jest „Orzecznictwo” (Giurisprudenza).

Poniżej figury Prawoznawstwa na suficie, na ścianie nad oknem znajdują się trzy postacie: Mądrości patrzącej w lustro, Siły w hełmie i Wstrzemięźliwości z wodzami w dłoni. Po lewej stronie okna klęczą przed nim cesarz Justynian (Iustinianus) i Tribonian (Tribonianus). Po prawej stronie okna znajduje się wizerunek papieża Grzegorza VII (Gregorius PP. VII) przedstawiającego prawnikowi dekrety papieży.

Fresk „Parnas”

Fresk „Parnas” („on Parnassus”) lub „Apollo i Muzy” („Apollo i Muzy”) znajduje się na ścianie naprzeciwko „Mądrości. Umiar. Powers” ​​i przedstawia poetów starożytnych i współczesnych. Pośrodku obrazu znajduje się starożytny grecki Apollo z ręcznie wykonaną lirą, otoczony przez dziewięć muz. Po prawej stronie stoją: Homer, Dante, Anakreon, Wergiliusz, po prawej Ariosto, Horatius, Terentius, Ovidius.

Tematem obrazu Stanza di Eliodoro jest wstawiennictwo sił wyższych za Kościołem. Sala, nad którą prace trwają od 1511 roku. do 1514 roku, nazwana na cześć jednego z czterech fresków namalowanych przez Rafaela na ścianie. W pracy nauczyciela pomagał najlepszy uczeń mistrza, Giulio Romano.

Fresk „Wypędzenie Eliodora ze świątyni”

Fresk „Cacciata di Eliodoro dal tempio” przedstawia legendę, według której wierny sługa królewskiej dynastii Seleukidów, dowódca wojskowy Eliodorus, został wysłany do Jerozolimy, aby odebrać skarbiec wdów i sierot ze Świątyni Salomona.

Kiedy wszedł do sali świątynnej, ujrzał pędzącego, wściekłego konia z anielskim jeźdźcem. Koń zaczął deptać Eliodora kopytami, a towarzysze jeźdźca, także aniołowie, kilkakrotnie uderzyli zbójcę biczem. Papież Juliusz II jest przedstawiony na fresku jako zewnętrzny obserwator.

Fresk „Msza w Bolsenie”

Rafael pracował sam nad freskiem „Msza Bolsena”, bez angażowania asystentów. Fabuła przedstawia cud, który wydarzył się w świątyni Bolsena. Niemiecki ksiądz miał właśnie przystąpić do obrzędu komunii, w głębi duszy nie wierząc w jej prawdziwość. Następnie z opłatka (ciasta) trzymanego w jego rękach popłynęło 5 strumieni krwi (2 z nich to symbol przebitych rąk Chrystusa, 2 Jego stóp, 1 z nich to krew z rany Jego przebitego boku). W utworze pojawiają się nuty starcia z heretykami niemieckimi XVI wieku.

Fresk „Wyprowadzenie apostoła Piotra z więzienia”

Fresk „Uwolnienie apostoła Piotra z więzienia” („la Delivrance de Saint Pierre”) jest także w całości dziełem Rafaela. Fabuła pochodzi z „Dziejów Apostolskich”, obraz jest podzielony na 3 części. W centrum kompozycji znajduje się promienny apostoł Piotr, osadzony w ponurej celi więziennej. Po prawej stronie Piotr i anioł wychodzą z niewoli, gdy strażnicy śpią. Po lewej stronie trzecia akcja, kiedy strażnik się budzi, odkrywa stratę i podnosi alarm.

Fresk „Spotkanie Leona I Wielkiego z Attylą”

Znaczna część dzieła „Spotkanie Leona Wielkiego z Attylą” o szerokości ponad 8 m została wykonana przez uczniów Rafaela.

Leon Wielki ma wygląd papieża Leona X. Według legendy, gdy przywódca Hunów zbliżył się do murów Rzymu, Leon Wielki wyszedł mu na spotkanie wraz z innymi członkami delegacji. Swoją elokwencją przekonał najeźdźców do porzucenia zamiarów ataku na miasto i wyjazdu. Według legendy Attyla zobaczył za Leo duchownego, który groził mu mieczem. Mógł to być apostoł Piotr (lub Paweł).

Stanza dell’Incendio di Borgo to hala wykończeniowa, nad którą Rafael pracował od 1514 do 1517 roku.

Pomieszczenie zostało nazwane na cześć głównego i najlepszego fresku Rafaela „Ogień w Borgo” autorstwa mistrza. Nad resztą obrazów pracowali jego uczniowie, według otrzymanych rysunków.

Fresk „Pożar w Borgo”

W 847 roku w płomieniach stanęła rzymska dzielnica Borgo, sąsiadująca z Pałacem Watykańskim. Rosło aż do chwili, gdy z Pałacu Watykańskiego wyszedł Leon IV (Leon PP. IV) i znakiem krzyża powstrzymał katastrofę. W tle stara fasada Bazyliki Świętego Piotra. Po lewej stronie znajduje się grupa odnosząca największe sukcesy: wysportowany młody mężczyzna niesie na ramionach swojego starego ojca z ognia. Nieopodal inny młody mężczyzna próbuje wspiąć się na ścianę (prawdopodobnie artysta sam namalował).

Strofa Konstantyna

Rafael otrzymał zlecenie namalowania „Sali Konstantyna” („Sala di Costantino”) w 1517 r., ale udało mu się jedynie wykonać szkice rysunków. Nagła śmierć genialnego twórcy uniemożliwiła mu dokończenie dzieła. Wszystkie freski wykonali uczniowie Rafaela: Giulio Romano, Gianfrancesco Penni, Raffaellino del Colle, Perino del Vaga.

1. Giovanni Santi nalegał, aby matka sama karmiła noworodka Raphaela, bez uciekania się do pomocy pielęgniarki.
2. Do dziś zachowało się około czterystu rysunków mistrza., wśród których znajdują się szkice i wizerunki zaginionych obrazów.
3. Niezwykła życzliwość i duchowa hojność artysty objawiała się nie tylko w stosunku do bliskich osób. Rafael całe życie opiekował się jak syn biednym naukowcem, tłumaczem Hipokratesa na łacinę, Rabio Calve. Uczony był tak samo święty, jak go uczono, dlatego nie zgromadził dla siebie fortuny i żył skromnie.
4. W aktach klasztornych Margarita Luti była określana jako „wdowa po Rafaelu”. Ponadto podczas badania warstw farby na obrazie „Fornarina” konserwatorzy odkryli pod spodem pierścionek z rubinem, prawdopodobnie obrączkę ślubną. Perłowa dekoracja we włosach „Fornariny” i „Donny Velaty” również wskazuje na małżeństwo.
5. Bolesna, niebieskawa plama na klatce piersiowej Fornariny sugeruje, że kobieta miała raka piersi.
6. W 2020 roku minie 500 lat od śmierci genialnego artysty. W 2016 roku po raz pierwszy w Rosji wystawa Rafaela odbyła się w Moskwie, w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. Na wystawie „Rafael. Poezja obrazu” zaprezentowała 8 obrazów i 3 rysunki graficzne zebrane z różnych muzeów we Włoszech.
7. Dzieci znają Raphaela (aka Raf) jako jednego z „Wojowniczych Żółwi Ninja” z kreskówki o tym samym tytule, który dzierży broń o przeszywającym ostrzu – sai, która wygląda jak trójząb.

↘️🇮🇹 PRZYDATNE ARTYKUŁY I STRONY 🇮🇹↙️ PODZIEL SIĘ Z PRZYJACIÓŁMI

Rafael Santi to człowiek o niesamowitym przeznaczeniu, najtajniejszy i najpiękniejszy malarz renesansu. Władcy Włoch zazdrościli talentu i inteligencji genialnemu malarzowi, płeć piękna uwielbiała go za pogodne usposobienie i anielską atrakcyjność, a za dobroć i hojność przyjaciele nadali artyście przydomek posłańca nieba. Współcześni jednak nie podejrzewali, że wspaniałomyślny Rafael do końca swoich dni obawiał się, że jego umysł spadnie w otchłań szaleństwa.

Historia zawsze ma swój początek i kontynuację. I tak 6 kwietnia 1483 roku w małym miasteczku Królestwa Włoch Urbino, w domu nadwornego malarza książąt Urbino i poety Giovanniego Santiego, wielki Rafał Santi.

Giovanni Santi stał na czele najsłynniejszej pracowni artystycznej w Urbino. Tragedia, w wyniku której stracił ukochaną żonę i matkę, rozegrała się w nocy w jego domu. Kiedy artysta przebywał w Rzymie, gdzie malował portret papieża Jana II, jego brat Niccolò w przypływie szaleństwa zabił swoją starszą matkę i ciężko ranił ciężarną Maggię, żonę artysty. Strażnicy, którzy przybyli na miejsce zbrodni, zatrzymali przestępcę, któremu jednak udało się uciec. Ogarnięty szaleńczym strachem Niccolo rzucił się z mostu do lodowatej rzeki. Żołnierze stali na brzegu i próbowali wyłowić ciało, gdy Maja Santi urodziła już dziecko i zmarła z powodu odniesionych ran. Giovanni dowiedział się o kłopotach od podróżujących handlarzy. Rzuciwszy wszystko, pospieszył do domu. Ale przyjaciele i sąsiedzi już ochrzcili chłopca Rafał, pochował żonę i matkę.

Dzieciństwo wielkiego artysty było bardzo szczęśliwe i beztroskie. Giovanni Santi, który przeżył straszliwą tragedię, włożył wszystkie swoje siły w Rafaela, chroniąc go przed zmartwieniami i problemami prawdziwego świata, zapobiegając możliwym błędom i korygując te już popełnione. Od dzieciństwa Rafael uczył się tylko u najlepszych nauczycieli, ojciec wiązał z nim duże nadzieje, zaszczepiając zamiłowanie do malarstwa. Pierwsze zabawki Rafał były tam farby i pędzle z warsztatu mojego ojca. I już w wieku siedmiu lat Rafał Santi swoje utalentowane fantazje magiczne wyrażał w warsztacie nadwornego malarza – w warsztacie swojego ojca. Wkrótce Giovanni ożenił się ponownie z Bernardiną Parte, córką złotnika. Z drugiego małżeństwa urodziła się córka Elżbieta.

Z każdym dniem chłopiec przynosił coraz więcej radości. Giovanni obserwował, jak myśli i zachowuje się jego syn w swoim fikcyjnym świecie oraz jak te słabe i wciąż niezdarne ręce wyrażają wszystko na płótnie. Rozumiał ten talent i nadprzyrodzone zdolności Rafał znacznie bardziej godny niż jego własny, więc wysłał chłopca na studia do swojego przyjaciela, artysty Timoteo Viti.

W okresie szkoleniowym dziesięciolatek Rafał po raz pierwszy odszedł od kanonów klasycznego włoskiego portretu renesansu i opanował tę niepowtarzalną grę kolorów i farb, która dziś stanowi zagadkę dla artystów i krytyków sztuki na całym świecie.

W 1494 roku na zawał serca zmarł ojciec małego geniusza, a decyzją magistratu miejskiego chłopiec pozostał pod opieką rodziny kupca sukna Bartłomieja. Był młodszym bratem artysty Giovanniego i w przeciwieństwie do szalonego Niccolo był towarzyski, miał opiekuńcze, pogodne i życzliwe usposobienie, nie pozostawał obojętny i zawsze był gotowy nieść pomoc potrzebującym. Ten dobroduszny kupiec uwielbiał swojego osieroconego siostrzeńca i nie szczędził wydatków na jego edukację malarską.

Już w wieku siedemnastu lat z łatwością tworzył błyskotliwe, utalentowane dzieła, które do dziś zachwycają jego współczesnych. W listopadzie 1500 roku siedemnastoletni młodzieniec opuścił swoje małe prowincjonalne miasteczko Urbino i przeprowadził się do tętniącego życiem miasta portowego Perugio. Tam wstąpił do warsztatu słynnego malarza Pietro Vannucciego, znanego pod pseudonimem Perugino. Siwowłosy mistrz, przeglądając pierwsze prace egzaminacyjne swojego nowego ucznia, wykrzyknął: „Dzisiaj jest dla mnie radosny dzień, bo odkryłem geniusza dla świata!”

W okresie renesansu warsztat Perugino był twórczym laboratorium, w którym kształciły się genialne jednostki. Głęboki liryzm Perugina, jego czułość, spokój i łagodność odbiły się echem w duszy Rafał. Rafał jest przesadny. Szybko opanowuje styl malarski swojego nauczyciela, studiuje pod jego okiem prace na freskach, zapoznaje się z techniką i systemem figuratywnym malarstwa monumentalnego.

Przez pewien czas Rafael znajdował się jeszcze pod potężnym wpływem Perugino. Dopiero nieśmiało, jak chwilowy plusk, nagle pojawia się nieoczekiwane rozwiązanie kompozycyjne, niezwykłe dla Perugino. Nagle kolory na płótnach zaczynają brzmieć wyjątkowo. I pomimo tego, że jego arcydzieła tego okresu są naśladowcze, nie można stać z boku i nie zdawać sobie sprawy z tego, co zrobił ich nieśmiertelny mistrz. Przede wszystkim jest to „”, „”, „”. Całość dopełnia monumentalne płótno „” w mieście Civita – Kasztelan.

To jakby jego ostatni ukłon wobec nauczyciela. Rafał wchodzi w wielkie życie.

W 1504 roku przybył do Florencji, gdzie skoncentrowało się centrum sztuki włoskiej, gdzie narodził się i rozkwitł wysoki renesans.

Pierwszą rzeczą, którą zobaczył młody człowiek Rafał stawiając stopę na ziemi florenckiej, na Piazza della Signoria stał majestatyczny posąg biblijnego bohatera Dawida. Ta rzeźba Michała Anioła nie mogła powstrzymać się od oszołomienia Rafaela i nie mogła nie pozostawić śladu w jego wrażliwej wyobraźni.

W tym czasie wielki Leonardo pracował także we Florencji. Właśnie wtedy cała Florencja z zapartym tchem obserwowała pojedynek tytanów – Leonarda i Michała Anioła. Pracowali nad kompozycjami batalistycznymi dla Sali Rady Pałacu Signoria. Obraz Leonarda miał przedstawiać bitwę Florentyńczyków z Mediolanem pod Anghiari w 1440 roku. A Michał Anioł napisał bitwę Florentyńczyków z Pizańczykami w 1364 roku.

Już w 1505 roku Florentczycy mieli okazję ocenić oba wystawione razem kartony.

Poetycki, majestatyczny i buntowniczy Leonardo, z olśniewającą pasją do malowania Michała Anioła! Prawdziwa tytaniczna bitwa żywiołów. Młody Rafael musisz wyjść z ognia tej bitwy niespalony, pozostając sobą.

We Florencji Raphael opanowuje całą wiedzę potrzebną artyście, aby wznieść się na poziom tych tytanów.

Studiuje anatomię, perspektywę, matematykę, geometrię. Coraz wyraźniej ujawniają się jego poszukiwania piękna w Człowieku, kult Człowieka, rozwija się styl monumentalizmu, jego kunszt staje się wirtuozowski.

W ciągu czterech lat z nieśmiałego prowincjonalnego malarza przekształcił się w prawdziwego mistrza, pewnie władając wszystkimi szkolnymi sekretami potrzebnymi w jego twórczości.

W 1508 roku dwudziestopięciolatek Santi przybywa na zaproszenie papieża Juliusza II do Rzymu. Powierzono mu malowanie w Watykanie. Przede wszystkim konieczne było wykonanie fresków w Sali Podpisów, którą Juliusz II przeznaczył na bibliotekę i gabinet. Obrazy miały odzwierciedlać różne aspekty duchowej aktywności człowieka – w nauce, filozofii, teologii i sztuce.

Oto przed nami nie tylko malarz, ale artysta - filozof, który odważył się dojść do ogromnych uogólnień.

Sala Podpisów – Stanza della Segnatura – ponownie połączyła idee epoki dotyczące potęgi ludzkiego umysłu, siły poezji, praworządności i człowieczeństwa. Artysta łączył idee filozoficzne w scenach na żywo.

W grupach historycznych i alegorycznych Santi ożywia obrazy Platona, Arystotelesa, Diogenesa, Sokratesa, Euklidesa, Ptolemeusza. Prace monumentalne wymagały od mistrza znajomości najbardziej skomplikowanych technik malarskich – fresku, obliczeń matematycznych i stalowej ręki. To była naprawdę tytaniczna praca!

W swoich zwrotkach (pokojach) Rafael udało się znaleźć niespotykaną dotychczas syntezę malarstwa i architektury. Faktem jest, że wnętrza Watykanu były bardzo skomplikowane pod względem projektu. Artysta stanął przed niemal niemożliwymi problemami kompozycyjnymi. Ale Santi wyszedł zwycięsko z tej próby.

Zwrotki są arcydziełami nie tylko pod względem plastycznym postaci, charakterystyki obrazów i kolorystyki. Na tych freskach widz jest zdumiony wspaniałością zespołów architektonicznych stworzonych pędzlem malarza, stworzonych przez jego marzenie o pięknie.

Na jednym z fresków Sali Podpisów, wśród filozofów i pedagogów, jakby uczestnik tej podniosłej debaty, znajduje się on sam Rafał Santi. Zamyślony młody człowiek patrzy na nas. Duże, piękne oczy, głębokie spojrzenie. Widział wszystko: radość i smutek – i lepiej niż inni odczuwał Piękno, które pozostawił ludziom.

Rafał był najwybitniejszym portrecistą wszechczasów. Obrazy jego współczesnych Papież Juliusz II, Baltasara Castiglione, portrety kardynałów Przedstawiają nam dumnych, mądrych i silnej woli ludzi renesansu. Plastyczność, barwa i ostrość cech obrazów na tych płótnach są niesamowite.

Ogólnie rzecz biorąc, w ciągu swojego krótkiego trzydziestosiedmioletniego życia mistrz stworzył wiele niezrównanych, niepowtarzalnych obrazów. Ale najważniejsze pozostają natchnione Madonny, które wyróżniają się szczególnym, tajemniczym pięknem. Przeplatają się w nich Piękno, Dobroć i Prawda.

Obraz " Święta Rodzina. Madonna z Bezbrodym Józefem„lub” napisane w wieku dwudziestu trzech lat stanowi rodzaj twórczego „ćwiczenia” artysty, który rozwiązał problem zbudowania doskonale skoordynowanej we wszystkich swoich częściach kompozycji.

Jej środek wyznacza postać Dzieciątka. Wyróżniona skierowaną bezpośrednio na nią wiązką światła, ona, jako najjaśniejszy punkt obrazu, od razu przyciąga uwagę widza. To, co jest naprawdę niezwykłe, to wytrwałość i determinacja, z jaką Santi konsekwentnie odnosi wrażenie wewnętrznego związku bohaterów z ich otoczeniem przestrzennym. Dzieciątko siedzi na kolanach Maryi, ale jego wzrok jest zwrócony w stronę Józefa – jak to zwykle bywa Rafał technika kompozycyjna, dzięki której możliwe jest wzmocnienie połączenia między sąsiednimi postaciami nie tylko wizualnie, ale także emocjonalnie. Temu samemu celowi służą techniki czysto obrazowe. Zatem gładkie, paraboliczne linie zarysowane w zarysie rękawa Dziewicy Maryi znajdują swoje odbicie zarówno w zarysie postaci Dzieciątka, jak i w ruchu fałd płaszcza Józefa.

Madonna z Dzieciątkiem – jeden z motywów przewodnich w sztuce Rafał: w ciągu zaledwie czterech lat pobytu we Florencji namalował co najmniej półtora tuzina obrazów urozmaicających tę fabułę. Matka Boża czasami siedzi z Dzieciątkiem na rękach, czasami bawi się z nim lub po prostu o czymś myśli, patrząc na swojego syna. Czasami dodaje się do nich małego Jana Chrzciciela.

Tym samym „”, napisane przez niego w latach 1512–1513, zyskało najwyższe uznanie. Matka trzyma dziecko na rękach i niesie je do nas, do naszego świata. Dopełnił się Sakrament Najświętszy – narodził się człowiek. Teraz życie jest przed nim. Fabuła ewangelii jest jedynie pretekstem do rozwiązania odwiecznej idei poprzez skomplikowaną alegorię. Życie człowieka wkraczającego w nie to nie tylko radość, ale także poszukiwania, upadki, wzloty i cierpienia.

Kobieta przenosi syna w zimny i przerażający świat, pełen osiągnięć i radości. Jest matką, antycypuje losy syna, wszystko, co go czeka. Widzi jego przyszłość, więc w jej oczach jest przerażenie, przerażenie nieuniknionego, żal i strach o dziecko.

A jednak nie zatrzymuje się na ziemskim progu, ona go przekracza.

Najbardziej uderzająca jest twarz Dziecka. Spoglądając w oczy Dzieciątka, niezwykle jasne, błyszczące, niemal przerażające dla widza, odnosi się wrażenie nie tylko groźnego, ale czegoś dzikiego i „obsesyjnego” na punkcie znaczącego spojrzenia. To jest Bóg i podobnie jak Bóg, on także jest wtajemniczony w tajemnicę swojej przyszłości, wie też, co go czeka w tym świecie, na który odsłoniła się kurtyna. Przylgnął do matki, ale nie szukał przed nią ochrony, lecz jakby się z nią żegnał, gdy tylko przyszedł na ten świat i przyjął na siebie cały ciężar prób.

Lot Madonny w stanie nieważkości. Ale jeszcze chwila - i stanie na ziemi. Wręcza ludziom to, co najcenniejsze – swojego syna, nową osobę. Przyjmijcie go, ludzie, on jest gotowy przyjąć za was śmiertelne męki. To główna myśl, jaką artysta wyraził w malarstwie.

To właśnie ta idea budzi w widzu dobre uczucia, łączy Santi z czołowymi nazwiskami, wynosi go jako artystę na nieosiągalne wyżyny.

W połowie XVIII wieku benedyktyni sprzedali „ Madonna Sykstyńska„Elektorowi Fryderykowi Augustowi II, w 1754 roku trafił do zbiorów Drezdeńskiej Galerii Narodowej. " Madonna Sykstyńska„stał się obiektem kultu całej ludzkości. Zaczęto go nazywać Największym i Nieśmiertelnym obrazem świata.

Obraz czystego piękna można zobaczyć na portrecie „”. „” został namalowany przez artystę podczas jego pobytu we Florencji. Stworzony przez niego wizerunek młodej pięknej dziewczyny jest pełen uroku i dziewiczej czystości. Wrażenie to wiąże się także z tajemniczym zwierzęciem leżącym spokojnie na jej kolanach – jednorożcem, symbolem czystości, kobiecej czystości i niewinności.

Przez długi czas " Pani z jednorożcem„przypisywano albo Perugino, albo Tycjanowi. Dopiero w latach trzydziestych XX wieku odkryto i potwierdzono autorstwo Rafaela. Okazało się, że artystka początkowo przedstawiła kobietę z psem, następnie na jej kolanach pojawiło się mityczne stworzenie – jednorożec.

Przedstawiono piękną nieznajomą Rafał, wydaje się być „bóstwem”, „świątynią”. Jest w nieograniczonej harmonii z otaczającym ją światem.

Ta praca Rafał jak rodzaj dialogu pomiędzy geniuszem renesansu a Leonardo da Vinci, który właśnie stworzył swój słynny „ Mona Lisa”, co wywarło głębokie wrażenie na młodym artyście.

Korzystając z lekcji Leonarda, Mistrz Madonn podąża za nauczycielem. Umieszcza swój model w przestrzeni na balkonie i na tle krajobrazu, dzieląc płaszczyznę na różne strefy. Portret portretowanej modelki prowadzi dialog z widzem, tworząc nowe obrazy i odsłaniając jego inny, niecodzienny świat wewnętrzny.

Ogromną rolę odgrywa także kolorystyka w portrecie. Kolorowa i jasna paleta, zbudowana na gradacji jasnych i czystych kolorów, nadaje krajobrazowi wyraźną przezroczystość, niezauważalnie spowitą lekką, mglistą mgłą. Wszystko to dodatkowo podkreśla integralność i czystość krajobrazu na tle wizerunku damy.

Fresk farbami temperowymi na drewnie” Transfiguracja”, który Rafael zaczął pisać w 1518 roku na zlecenie kardynała Giulio de’ Medici dla katedry w Narbonne, można uznać za artystyczne przykazanie artysty.

Płótno jest podzielone na dwie części. Na górze znajduje się fabuła Przemienienia Pańskiego. Zbawiciel z podniesionymi rękami, w powiewających prawych szatach, unosi się na tle mgły rozświetlonej blaskiem Jego własnego blasku. Po obu jego stronach, również unoszący się w powietrzu, znajdują się Mojżesz i Eliasz – starsi; pierwszy, jak już wspomniano, z tablicami w rękach. Na szczycie góry niewidomi Apostołowie leżą w różnych pozach: zakrywają twarz rękami, nie mogąc znieść światła emanującego od Chrystusa. Po lewej stronie na górze znajduje się dwóch zewnętrznych świadków cudu Przemienienia, jeden z nich ma różaniec. Ich obecność nie znajduje uzasadnienia w ewangelicznej historii i najwyraźniej była podyktowana jakimiś przesłankami nieznanego nam dziś artysty.

Na obrazie nie ma poczucia cudu i wdzięku światła Favorian. Ale istnieje uczucie emocjonalnego przesycenia ludzi, które nakłada się na samo cudowne zjawisko.

W dolnej połowie zdjęcia u podnóża góry Santi przedstawiał dwie ożywione grupy ludzi: po lewej stronie pozostałych dziewięciu Apostołów, po prawej tłum Żydów, w którym na pierwszym planie widać klęczącą kobietę i Żyda podtrzymującego opętanego chłopca, którego silne, wijące się, zamglone oczy i otwarte usta ujawniają jego poważne cierpienie psychiczne i fizyczne. Tłum błaga Apostołów o uzdrowienie opętanego. Apostołowie patrzą na niego ze zdumieniem, nie mogąc złagodzić jego losu; niektórzy z nich wskazują na Chrystusa.

Jeśli przyjrzysz się uważnie obliczu Chrystusa, które Rafał napisał w przeddzień swojej śmierci i porównując go z „” artystą, można znaleźć pewne podobieństwa.

Rafał Santi- Wielki Artysta o pogodnym i życzliwym usposobieniu zmarł niespodziewanie pewnego wiosennego wieczoru, w wieku trzydziestu siedmiu lat. Opuścił ten świat pełen boskiego piękna po krótkiej chorobie 6 kwietnia 1520 roku w swoim warsztacie. Wydawało się, że sztuka umarła wraz z Wielkim i Czcigodnym Artystą. Zgodnie z wolą Raphaela Santiego został pochowany wśród wielkich ludów Włoch w Panteonie.

Malarstwo Raphaela Santiego

Renesans to czas największego rozwoju artystycznego, kiedy we Włoszech pracowało wielu wspaniałych malarzy, rzeźbiarzy i architektów.
Twórczość Raphaela Santiego to jedno z tych zjawisk kultury europejskiej, które nie tylko zyskały światową sławę, ale także nabrały szczególnego znaczenia – najwyższych punktów orientacyjnych w życiu duchowym ludzkości. Od pięciu wieków jego twórczość uznawana jest za jeden z przykładów estetycznej doskonałości.
Geniusz Rafaela objawił się w malarstwie, grafice i architekturze. Dzieła Rafaela stanowią najpełniejszy i najżywszy wyraz linii klasycznej, klasycznej zasady w sztuce wysokiego renesansu. Rafael stworzył „uniwersalny obraz” osoby pięknej, doskonałej fizycznie i duchowo, ucieleśniającej ideę harmonijnego piękna istnienia.

Malarstwo Rafaela odzwierciedlało styl, estetykę i światopogląd epoki, epoki wysokiego renesansu. Rafael urodził się, aby wyrazić ideały renesansu, marzenie o pięknym mężczyźnie i cudowny świat.

Rafael (dokładniej Raffaello Santi) urodził się 6 kwietnia 1483 roku w mieście Urbino. Pierwsze lekcje malarstwa pobierał u swojego ojca, Giovanniego Santiego. Kiedy Raphael miał 11 lat, zmarł Giovanni Santi, a chłopiec pozostał sierotą (stracił chłopca 3 lata przed śmiercią ojca). Podobno przez następne 5-6 lat uczył się malarstwa u Evangelisty di Piandimeleto i Timoteo Viti, mniejszych mistrzów prowincjonalnych.
Środowisko duchowe, które otaczało Rafaela od dzieciństwa, było niezwykle korzystne. Ojciec Rafaela był nadwornym artystą i poetą księcia Urbino Federigo da Montefeltro. Mistrz o skromnym talencie, ale człowiek wykształcony, zaszczepił w synu miłość do sztuki.

Pierwsze znane nam dzieła Rafaela powstały około 1500 - 1502 roku, gdy miał on 17-19 lat. Są to miniaturowe kompozycje „Trzy Gracje” i „Sen Rycerski”. 2,3 Te naiwne, wciąż studenckie, nieśmiałe istoty charakteryzują się subtelną poezją i szczerością uczuć. Od pierwszych kroków twórczości talent Rafaela ujawnia się w całej swojej oryginalności, zarysowuje się jego własny temat artystyczny

W 1502 roku pojawia się pierwsza Madonna Rafaela – „Madonna Solly” 4

Stopniowo Rafael rozwinął swój własny styl i stworzył swoje pierwsze arcydzieła - „Zaręczyny Maryi Dziewicy z Józefem” (1504), „Koronację Maryi” (około 1504) na ołtarz Oddiego. 5,6

Oprócz dużych obrazów ołtarzowych maluje małe obrazy: „Madonna Conestabile” (1502-1504), „Św. Jerzy zabijający smoka” (ok. 1504-1505) oraz portrety - „Portret Pietro Bembo” (1504-1506) 7,8,9 . Temat Madonny jest szczególnie bliski talentowi lirycznemu Rafaela i nieprzypadkowo stanie się jednym z głównych w jego twórczości. Kompozycje przedstawiające Madonnę z Dzieciątkiem przyniosły Rafaelowi szeroką sławę i popularność. Kruche, ciche, marzycielskie Madonny z okresu Umbrii zostały zastąpione bardziej ziemskimi, pełnokrwistymi obrazami, ich wewnętrzny świat stał się bardziej złożony, bogaty w emocjonalne odcienie. Rafael stworzył nowy typ wizerunku Madonny z Dzieciątkiem – monumentalny, surowy i jednocześnie liryczny, nadający temu tematowi niespotykane dotąd znaczenie.

Florencja

Pod koniec 1504 roku przeniósł się do Florencji. Spotyka tu Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Bartolomeo della Porta i wielu innych florenckich mistrzów. Uważnie studiuje techniki malarskie Leonarda da Vinci i Michała Anioła. Rysunek Rafaela z zaginionego obrazu Leonarda da Vinci „Leda i łabędź” oraz rysunek z „Św. Mateusza” Michał Anioł. „…techniki, które dostrzegł w dziełach Leonarda i Michała Anioła, zmusiły go do jeszcze cięższej pracy, aby wydobyć z nich niespotykane dotąd korzyści dla swojej sztuki i maniery”. 10

„Portret damy z jednorożcem” (1505-1506, Rzym, Galleria Borghese) został wpisany do XVIII-wiecznego katalogu muzealnego jako „Święta Katarzyna”;

w istocie: ręce kobiety były inaczej złożone, ramiona zakrywał płaszcz, a także złamane koło i gałązka palmowa – symbole męczeństwa świętej. Podczas renowacji w 1935 roku prześwietlenia rentgenowskie wykazały, że elementy te zostały przypisane inną ręką, a po usunięciu wierzchniej warstwy obraz ukazał się w swojej pierwotnej, zwyczajnej formie. „Święta Rodzina z Barankiem” (Madryt, Prado) z datą 1507 jest niemal kompletnym ucieleśnieniem studiów Leonarda i wreszcie „Święta Rodzina” (obecnie w Starej Pinakotece Monako), wykonana w 1507 r. -1508 dla Domenico Canigianiego, zięcia Lorenza Nasi. 11,12

Podobnie jak jednorożec i naszyjnik z poprzedniego obrazu, dekoracja Portretu Maddaleny Doni (1506, Florencja) symbolizuje czystość. charakterystyczne obrazy twarzy. W „Portrecie damy z jednorożcem” (Rzym, Galleria Borghese), „Portretach małżonków Doni” (Florencja, Galeria Pitti), „W ciąży” (Florencja, Galeria Pitti) i wreszcie „Niemy” (Urbino, National Gallery Marche) Sanzio pracuje nad pozami, nadaje twarzom dostojny, surowy, spokojny, czasem trochę smutny wyraz, starannie projektuje kostiumy. 13. 14

Madonny florenckie

We Florencji Rafael stworzył około 20 Madonn. Choć fabuła jest standardowa: Madonna albo trzyma Dzieciątko w ramionach, albo bawi się obok Jana Chrzciciela, wszystkie Madonny są indywidualne i wyróżniają się szczególnym macierzyńskim urokiem (najwyraźniej przedwczesna śmierć matki pozostawiła głęboki ślad na duszy Rafaela).

Rosnąca sława Rafaela spowodowała wzrost zamówień na Madonny, stworzył „Madonnę z Granduca” (1505), „Madonnę z goździkami” (około 1506) i „Madonnę pod baldachimem” (1506-1508). Do najlepszych dzieł tego okresu należą „Madonna Terranuova” (1504–1505), „Madonna ze szczygiełkiem” (1506), „Madonna z Dzieciątkiem i Jan Chrzciciel (Piękny ogrodnik)” (1507–1508). 15,16

Watykan

W drugiej połowie 1508 roku Rafael przeniósł się do Rzymu (gdzie spędził resztę życia) i został oficjalnym artystą dworu papieskiego. Otrzymał zlecenie na wykonanie fresku w Stanza della Segnatura. Do tej zwrotki Rafael namalował freski odzwierciedlające cztery rodzaje ludzkiej aktywności intelektualnej: teologię, orzecznictwo, poezję i filozofię - „Spór” (1508–1509), „Mądrość, wstrzemięźliwość i siła” (1511) oraz najwybitniejszy „Parnas” (1509-1510) i „Szkoła Ateńska” (1510-1511). 17-20

Parnas przedstawia Apolla z dziewięcioma muzami, w otoczeniu osiemnastu słynnych starożytnych poetów greckich, rzymskich i włoskich. „Tak więc na ścianie zwróconej w stronę Belwederu, gdzie znajduje się Parnas i źródło Helikonu, namalował na szczycie i zboczach góry zacieniony gaj laurowy, w zieleni którego czuć drżenie liści, kołysząc się pod najdelikatniejszym powiewem wiatrów, podczas gdy w powietrzu unosi się niezliczona ilość nagich amorków, o najpiękniejszym wyrazie twarzy, zrywa gałązki laurowe, splatając je w wianki, które rozrzucają po wzgórzu, gdzie wszystko jest wachlowane z iście boskim tchnieniem – zarówno urodą postaci, jak i szlachetnością samego obrazu, patrząc na to, na co zwraca uwagę każdy, kto uważnie się mu przyjrzy, zadziwiające jest, jak ludzki geniusz, przy wszystkich niedoskonałościach prostej farby, potrafił osiągnąć coś takiego, że, dzięki perfekcji rysunku obraz obrazowy wydawał się żywy.”

„Szkoła ateńska” to znakomicie wykonana wielofigurowa (około 50 znaków) kompozycja, która przedstawia starożytnych filozofów, z których wielu Rafael nadał rysy swoim współczesnym, np. Platon jest namalowany na obrazie Leonarda da Vinci, Heraklit na obrazie Michała Anioła, a stojący po prawej stronie Ptolemeusz jest bardzo podobny do autora fresku. „Przedstawia mędrców całego świata, kłócących się ze sobą na wszelkie sposoby... Wśród nich jest Diogenes ze swoją miską, leżący na stopniach, postać bardzo rozważna w swoim dystansie i godna pochwały ze względu na swoje piękno i odpowiednie do tego ubrania... Piękno wspomnianych wyżej astrologów i geometrów, którzy za pomocą kompasów rysują na tablicach najróżniejsze cyfry i znaki, jest naprawdę niewysłowione.

W strofie Eliodora powstały „Wypędzenie Eliodora ze świątyni” (1511-1512), „Msza w Bolsenie” (1512), „Atyla pod murami Rzymu” (1513-1514), ale największy sukces fresk „Wyzwolenie apostoła Piotra z więzienia” (1513-1514) 21 . „Nie mniej zręczności i talentu artysta wykazał się w scenie, w której św. Piotr uwolniony z łańcuchów opuszcza więzienie w towarzystwie anioła... A ponieważ Rafael nad oknem przedstawia tę historię, cała ściana wydaje się ciemniejsza, gdyż światło oślepia widza patrzącego na fresk. Naturalne światło padające z okna tak skutecznie konkuruje z przedstawionymi nocnymi źródłami światła, że ​​wydaje się, jakbyś naprawdę widział na tle nocnych ciemności zarówno dymiący płomień pochodni, jak i blask anioła, przekazywany tak naturalnie i tak zgodnie z prawdą, że nigdy nie można by powiedzieć, że to tylko malarstwo – z taką przekonywalnością artysta urzeczywistnił najtrudniejszy pomysł. Rzeczywiście, na zbroi można dostrzec własne i opadające cienie, odbicia i dymiący żar płomienia, wyróżniające się na tle tak głębokiego cienia, że ​​można naprawdę uważać Rafaela za nauczyciela wszystkich innych artystów, który osiągnął takiego podobieństwa w przedstawieniu nocy, jakiego malarstwo nigdy wcześniej nie osiągnęło”.

W latach 1513-1516 Rafael na zlecenie papieża zajmował się produkcją tektur ze scenami biblijnymi na dziesięć arrasów, które miały być przeznaczone do Kaplicy Sykstyńskiej. Najbardziej udaną tekturą jest „Wonderful Catch” (w sumie do dziś przetrwało siedem kartonów). 22

Madonny rzymskie

W Rzymie Rafael namalował około dziesięciu Madonn. Madonna z Alby (1510), Madonna z Foligno (1512), Madonna z Ryby (1512-1514) i Madonna w Fotelu (około 1513-1514) wyróżniają się swoim majestatem.

Najdoskonalszym dziełem Rafaela była słynna „Madonna Sykstyńska” (1512-1513) )23 . Obraz ten powstał na zamówienie Papieża. Madonna Sykstyńska jest prawdziwie symfoniczna. Przeplatanie się i spotykanie linii i brył tego płótna zadziwia wewnętrznym rytmem i harmonią. Ale najbardziej fenomenalną rzeczą na tym wielkim płótnie jest tajemnicza zdolność malarza do łączenia wszystkich linii, wszystkich kształtów, wszystkich kolorów w tak cudowną korespondencję, że służą one tylko jednemu, głównemu pragnieniu artysty – abyśmy patrzyli, patrzyli niestrudzenie w smutne oczy Maryi”.

W 1515-1516 lat wraz ze swoimi uczniami tworzył kartony na dywany, które miały zdobić Kaplicę Sykstyńską podczas wakacji.

Ostatnia praca to „ Transfiguracja„(1518-1520) – wykonywany przy znacznym udziale uczniów i dokończony przez nich po śmierci mistrza. 24

Cechy twórczości Rafaela

To, co uderza w twórczości Raphaela Santiego, to przede wszystkim niewyczerpana wyobraźnia twórcza artysty, jakiej u nikogo innego nie spotykamy w takiej doskonałości. Indeks poszczególnych obrazów i rysunków Rafaela obejmuje 1225 numerów; w całej tej masie jego dzieł nie można znaleźć niczego zbędnego, wszystko tchnie prostotą i przejrzystością, a tutaj, jak w lustrze, cały świat odbija się w swojej różnorodności. Nawet jego Madonny są skrajnie różne: z jednego pomysłu artystycznego – wizerunku młodej matki z dzieckiem – Rafael potrafił wydobyć tak wiele doskonałych obrazów, w których może się to przejawić.Kolejną cechą charakterystyczną twórczości Rafaela jest połączenie wszystkich duchowych prezenty w cudownej harmonii. Rafael nie ma nic dominującego, wszystko łączy się w niezwykłej równowadze, w doskonałym pięknie. Głębia i siła projektu, niewymuszona symetria i kompletność kompozycji, niezwykły rozkład światła i cienia, prawdziwość życia i charakteru, piękno koloru, zrozumienie nagiego ciała i draperii - wszystko jest harmonijnie połączone w jego pracy. Ten wieloaspektowy i harmonijny idealizm artysty renesansu, wchłonąwszy niemal wszystkie ruchy, nie poddał się im w swojej twórczej mocy, ale stworzył swój własny oryginał, przyodział go w doskonałe formy, łącząc pobożność chrześcijańską średniowiecza i szerokość wizji nowego człowieka z realizmem i plastycznością świata grecko-rzymskiego. Spośród ogromnej rzeszy jego uczniów niewielu wzniosło się ponad zwykłe naśladownictwo. Giulio Romano, który miał znaczący udział w twórczości Rafaela i ukończył Przemienienie Pańskie, był jego najlepszym uczniem.