Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (spagnolo: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 6 giugno 1599, Siviglia – 6 agosto 1660, Madrid) è stato un artista spagnolo, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura spagnola.
Biografia
Velázquez nacque il 6 giugno 1599 a Siviglia, in Spagna. Studiò pittura nella sua città natale con Francisco Herrera il Vecchio e con Francisco Pacheco, di cui sposò la figlia, Juana Miranda, nel 1618.
Nomina a pittore di corte
Il giovane artista ha già acquisito una discreta reputazione a Siviglia. Il suo insegnante Pacheco, così come amici e connazionali hanno cercato di aiutare la sua carriera. Nel 1622 fu inviato per la prima volta a Madrid. Ma, nonostante il fatto che i connazionali rimasti insieme nella capitale cercassero di aiutarlo, non riuscì a comparire davanti agli occhi reali.
Caduto nello sconforto, Velasquez tornò a Siviglia. Ma prima che avesse il tempo di restare a casa per due mesi (1623), lo raggiunse la lettera di un sivigliano che prestava servizio come cappellano reale. Gli scrisse che il pittore di corte Rodrigo de Villandrando era morto e il posto era vacante. Velazquez si precipitò a corte, si fermò a casa del suo amico cappellano e dipinse il suo ritratto. Un altro sivigliano, il cameriere del cardinale Infante Ferdinando (fratello reale), lo portò a palazzo e lo mostrò al proprietario. Il cardinale Infante ne fu felicissimo e ordinò immediatamente a Velasquez il suo ritratto. A quel punto, lo stesso re Filippo IV aveva già visto l'immagine del canonico. Gli piacque così tanto che ordinò a suo fratello, il cardinale Infante, di darsi alla posa. Quindi Velasquez ha finalmente avuto l'opportunità di mostrarsi.
L'immagine fece scalpore ("Il ritratto di Filippo IV con una petizione", 1623, non è stato conservato). A Velasquez fu pagato un compenso, poi gli fu assegnata una rendita e fu anche accettato come pittore di corte. Filippo IV gli ripeté la promessa di Alessandro Magno, indirizzata ad Apelle: "Nessuno tranne te mi scriverà più".
Primo viaggio in Italia
Nel luglio 1629 l'artista, accompagnato dal generale Spinola, appena nominato comandante delle truppe spagnole in Italia, lasciò Madrid. Viaggiare in Italia non poteva dirsi piacevole: la posizione del ciambellano reale, lo status di protetto del conte Olivares e, oltre al fatto che il suo compagno era un generale, tutto ciò irritava gli italiani sospettosi, che consideravano Velazquez quasi uno spagnolo spiare. L'ostilità dell'aristocrazia locale, forse, ha leggermente offeso l'artista, ma niente di più, poiché in precedenza aveva definito l'obiettivo principale del suo viaggio "migliorare le capacità professionali". La conoscenza delle opere di grandi artisti italiani ha influenzato lo stile del pittore: è diventato più libero e brillante, la colorazione era meno scura nell'ombra e trasmetteva la natura in piena luce.
Alla fine di agosto del 1629 Velázquez arrivò a Genova. Da lì si recò a Milano e poi a Venezia. Fu a Venezia che l'artista incontrò il più violento rifiuto degli spagnoli in quanto tali da parte degli italiani, e nell'ottobre del 1629 lasciò frettolosamente la città e si precipitò a Roma, dove, in tal caso, si poteva contare sull'intercessione del Papa. . L'artista rimase nella Città Eterna fino alla fine del prossimo anno.
Ritorno a Madrid (periodo maturo)
Nel 1634, il famoso artista ricevette il titolo onorifico di maestro del guardaroba reale, nel 1643 - cameriere, nel 1642-1644. accompagnò il re nella sua campagna contro l'Aragona.
Secondo viaggio in Italia
Alla fine del 1648, Velasquez fece un secondo viaggio in Italia: l'opera di maggior successo scritta in questo viaggio fu il ritratto di papa Innocenzo X. In Italia, l'artista ebbe un successo clamoroso, fu eletto membro dell'Accademia Romana.
Ritorno a Madrid (periodo tardivo)
Nel 1651 Velázquez tornò a Madrid. I critici d'arte fanno risalire a questo evento l'inizio del periodo tardo della sua opera.
Creazione
Periodo di Siviglia
Le prime tele del periodo sivigliano furono realizzate principalmente nel genere bodegon (spagnolo: bodegon - taverna). Fondamentalmente si trattava di nature morte, scene di cucina, schizzi di taverne. (“Colazione”, 1617-1618 circa; “Il vecchio cuoco”, 1620 circa; “Colazione di due giovani”, “Portatore d'acqua”, 1621 circa). Diversi dipinti religiosi dello stesso periodo furono dipinti in uno stile simile: "L'Adorazione dei pastori", "L'Adorazione dei Magi" (1619); "Cristo nella casa di Marta e Maria" (1620 circa).
Innanzitutto, sono avvertiti dallo studio attento del giovane Velasquez dell'arte caravaggista, di cui molti esempi erano disponibili a Siviglia. Così come una lunga permanenza nel laboratorio di Pacheco: il lavoro dal vero, la completezza del disegno, l'accuratezza della somiglianza con il modello.
pittore di corte
Durante il periodo madrileno l'abilità dell'artista migliorò. Si rivolge a scene antiche rare per la pittura spagnola ("Il trionfo di Bacco o ubriaconi", 1628-1629, "La fucina di Vulcano", 1630), così come a quelle storiche - "Resa di Breda" (1634).
I ritratti realizzati da Velazquez nel 1630-1640 gli procurarono la meritata fama di maestro di questo genere. Sebbene i ritratti di Velazquez di solito manchino di gesto e movimento, sono insolitamente realistici e naturali. Lo sfondo è selezionato in modo tale da ombreggiare il più possibile la figura, la combinazione di colori è rigorosa, ma ravvivata da accostamenti di colori accuratamente selezionati. Velazquez è riuscito a trasmettere il carattere di una persona in un ritratto, per mostrare l'incoerenza dei suoi tratti caratteriali.
I più famosi sono i ritratti di Don Juan Mateos (1632), del generale Olivares (1633), il ritratto equestre del re Filippo III (1635), di papa Innocenzo X (1648), nonché una serie di ritratti di nani e giullari ( Los truhanes).
I ritratti dell'ultimo periodo dell'opera di Velázquez sono in larga misura caratterizzati da abilità artistica e completezza psicologica (Infanta Maria Teresa, 1651; Filippo IV, 1655-1656; Infanta Margherita d'Austria, intorno al 1660).
Discepoli e seguaci
L'immediato successore ed erede della sua posizione a corte fu il suo allievo e marito di sua figlia Francisca - Juan Batista del Maso (inglese) russo.. Ma non aveva il talento del suo predecessore, ed era in grado di riprodurre solo alcune forme esterne . Un altro allievo di Velasquez è Juan de Pareja, un moro che era servitore nella sua bottega. (Velasquez raffigurò questo africano in uno dei suoi migliori ritratti). Parekha dipinse ritratti e dipinti religiosi.
Dopo Velasquez, Claudio Coelho e Juan Carreno de Miranda lavorarono alla corte madrilena del re Carlo II. Con il cambio della dinastia regnante (i Borboni spagnoli), il barocco e il rococò francesi soppiantarono negli strati superiori il realismo e il naturalismo così meravigliosamente creati da Velazquez.
Successivamente, romantici e impressionisti si sono rivolti all'eredità di Velasquez.
Un cratere su Mercurio prende il nome da Velazquez.
"Un uomo ottimamente educato e ben educato, che possiede il senso della propria dignità"
Marco Boschini
Un audace pittore spagnolo, che si distingueva da tutti per il fatto che, come nessun altro, poteva penetrare il carattere del modello, pur possedendo un accresciuto senso di armonia, sottigliezza e ricchezza di colori. Secondo i primi biografi, afferrò tutto letteralmente al volo, imparò a leggere molto presto e già durante l'infanzia iniziò a collezionare una biblioteca, che alla fine della vita dell'artista divenne una collezione che colpì i suoi contemporanei con le sue dimensioni e versatilità . A giudicare dalla composizione di questa biblioteca, Velazquez era seriamente interessato alla letteratura, all'architettura, all'astronomia, alla storia, alla matematica e alla filosofia. Ma soprattutto era attratto dalla pittura...
Velazquez nacque a Siviglia nel 1599, in una povera famiglia nobile di immigrati dal Portogallo. La data esatta della sua nascita è sconosciuta, ma il giorno del battesimo è fisso: 6 giugno (e a quei tempi si cercava di battezzare i bambini subito dopo la nascita).
Ben presto il padre di Velasquez si rese conto della capacità artistica di suo figlio e portò il bambino di dieci anni Diego nello studio del famoso artista spagnolo F. Herrera. Il fatto stesso di scegliere una professione del genere era una sfida per l'aristocrazia spagnola, perché la professione di artista era considerata un'occupazione inaccettabile per un nobile.
Diego non ha studiato a lungo con Herrera, non erano d'accordo sui personaggi. Un anno dopo lavorò nello studio di un altro artista, Francisco Pacheco, con il quale rimase fino al 1617, quando ricevette il titolo di maestro. Pacheco si rivelò un ardente ammiratore dell'antichità e un eccellente insegnante. Secondo il principio fissante del maestro “tutta l'arte del pittore è nel disegno”, Diego disegna molto. Secondo lo stesso Pacheco, da giovane Velazquez “ha pagato per un ragazzo contadino che gli è servito da modello. Lo ritrasse in varie forme e pose, piangendo o ridendo, senza fermarsi davanti a nessuna difficoltà.
Su consiglio di un insegnante, Diego affina le sue capacità di disegno, che gli consente di riprodurre fedelmente la natura, nella pittura su argomenti quotidiani, in spagnolo - bodegones. Appaiono i dipinti “Colazione”, “Il vecchio cuoco”, “Il servitore mulatto”, “Musicisti”, “Colazione di due giovani”, “Portatore d'acqua”.
Nel 1622 visitò per la prima volta la capitale spagnola. In senso pratico, questo viaggio non ha avuto molto successo: Velasquez non ha trovato un posto degno per sé. Sperava di incontrare il giovane re Filippo IV, ma questo incontro non ebbe luogo. Tuttavia ha compiuto alcuni passi importanti. In particolare, a Madrid, Velazquez dipinse un ritratto del famoso poeta Luis de Gongora e riuscì ad attirare sulla sua persona l'attenzione di numerosi nobili, che espressero ammirazione per il suo talento. Le voci sul giovane artista arrivarono alla corte e già l'anno successivo, 1623, il primo ministro, il duca de Olivares (anche lui originario di Siviglia), invitò Velasquez a Madrid per dipingere un ritratto del re. Quest'opera, che non è giunta fino a noi, fece un'impressione così piacevole al re che offrì subito a Velázquez l'incarico di pittore di corte. Ha accettato l'offerta senza esitazione.
Ben presto si svilupparono rapporti abbastanza amichevoli tra il re e Velazquez, il che non era molto tipico per l'ordine che regnava alla corte spagnola. Il re, che governava il più grande impero del mondo, era considerato non un uomo, ma una divinità, e l'artista non poteva nemmeno contare su privilegi nobili, poiché si guadagnava da vivere con il lavoro. Nel frattempo, Filippo ordinò che d'ora in poi solo Velasquez dipingesse i suoi ritratti. Pacheco ha osservato che “il grande monarca è stato sorprendentemente generoso e solidale con Velasquez. Lo studio dell'artista si trovava negli appartamenti reali e lì fu installata una sedia per Sua Maestà. Il re, che aveva la chiave della bottega, veniva qui quasi ogni giorno per osservare il lavoro dell'artista.
Non sorprende che Velasquez avesse molti malvagi. Hanno espresso dubbi sul suo talento. Si diceva che il giovane pittore fosse troppo arrogante e arrogante. La prima è ridicola, la seconda è smentita dal parere di testimoni imparziali. Ben presto la popolarità di Velazquez aumentò a tal punto che a corte divenne vergognoso non avere un ritratto della sua opera. Tra i ritratti simili di questo periodo vanno segnalati "Conte di Olivares" (1625) e "Jester Calaba-Sillas" (1626-1627). In questi ritratti, che diventano sempre più “immateriali”, il pennello del pittore ritrova leggerezza, raffigurando temi in un certo senso meno sublimi, ma allo stesso tempo più eleganti e socialmente significativi. Oltre ai ritratti di corte, Velazquez ha creato un'intera galleria di immagini di personaggi della cultura spagnola, il drammaturgo Lope de Vega, Tirso de Molina e Calderon, il poeta Quevedo. Nel 1629, l'artista completa un dipinto insolito per la tradizione spagnola su un soggetto antico: “Bacco” o “Ubriachi” (1628-1629).
Anche l'incontro con Rubens, arrivato a Madrid nel 1628 come diplomatico, portò notevoli benefici nella vita dell'artista. Per nove mesi i grandi pittori comunicarono intensamente. A quanto pare fu Rubens a consigliare a Velázquez di visitare l'Italia. Poco dopo la partenza di Rubens, Velasquez pregò il re di concedergli il permesso per questo viaggio, che durò dall'agosto 1629 al gennaio 1631. Tornato in patria, continuò le sue opere statali ed artistiche. L'artista dipinse instancabilmente ritratti che lo glorificarono, creò una serie di tele di contenuto religioso e mitologico. La resa di Breda (1634-35), che divenne una delle opere più significative della pittura europea di genere storico. Questo dipinto, compreso nell'insieme della Sala dei Regni del Palazzo del Buen Retiro a Madrid, è una delle opere più significative della pittura europea di genere storico, in cui ciascuna delle parti in guerra è caratterizzata da profonda umanità. L'enorme tela, piena della nebbia argentata di una mattina di inizio giugno e che crea l'impressione di profondità spaziale, è risolta in una combinazione di colori discreta e raffinata.
Al ritorno dall'Italia, nelle sue opere si sforza di riempire di vita gli schemi delle immagini cerimoniali. Due piccoli paesaggi di Villa Medici e del Prado furono da lui dipinti all'aperto alla luce naturale, i cosiddetti ritratti equestri (1634-35) e di caccia (1634-36) del re, della sua famiglia, del primo ministro Olivares per i palazzi di Buen Retiro e Torre de la Parade (tutti al Prado). I ritratti di Velazquez di solito mancano di accessori, gesti e movimento. Lo sfondo grigio-marrone sembra arioso, con tratti profondi e sciolti formano lo strato più sottile attraverso il quale traspare la tela a grana grossa. I rigorosi colori scuri sono ravvivati da squisite combinazioni di grigio e rosso-rosa, verdastro e grigio-oliva, nero e oro. Gli effetti dei toni grigi sono sorprendenti, a volte più scuri, più morbidi, vellutati, a volte raggiungono una tonalità perlata pura e fresca. Rappresentando il re, i dignitari, i cortigiani, gli amici, gli studenti, Velazquez raffigura una persona così com'è. Nella fusione dei tratti caratteriali più contraddittori, che si tratti del crudele lavoratore temporaneo Olivares, del cupo nobile Juan Mateos, del cardinale italiano Camilo Astalli, dello sconosciuto caballero pieno di energia interiore, dello scultore J. Martinez Montanes, immerso nel suo lavoro , oppure la “Dama con il ventaglio” sventagliata con nobile grazia.
Durante gli anni Trenta e Quaranta del Seicento, Velázquez creò una serie di ritratti di nani e giullari. Attraverso la maschera del clown, il grande maestro vedeva il mondo spirituale di queste persone, offese dalla natura, ritratte senza ombra di scherno, con semplicità e tatto, ne rivela i caratteri, lo stato d'animo, il mondo delle esperienze, talvolta assurgendo al lugubre tragedia del "Barbarossa", "El. Bobo del Coria", "El Primo", "Sebastiano del Morra", "Il ragazzo di Vallescas", "Giovanni d'Austria". Nei dipinti accoppiati "Menippo" ed "Esopo" (1639-40, Prado), ci sono immagini di persone cadute in povertà e rifiutate dalla società, ma che hanno acquisito la libertà interiore dalle convenzioni che vincolano la personalità. Il contenuto intellettuale del satirico Menippe si esprime nel suo atteggiamento ironico e scortese nei confronti del mondo, nell'immagine del favolista Esopo: la triste indifferenza e saggezza di un uomo che ha conosciuto il vero valore della vita. Allo stesso periodo appartiene, pare, il suo capolavoro Venere allo specchio, la più rara rappresentazione di un corpo femminile nudo nella storia della pittura spagnola, soggetto proibito dall'Inquisizione.
Gli anni Cinquanta del Seicento sono il periodo delle più alte conquiste creative di Velasquez. L'arte ispiratrice, il coraggio dei reperti pittoreschi segnarono i successivi ritratti femminili e infantili di persone della casa reale. Una caratteristica psicologica profonda è il ritratto dell'anziano Filippo IV (1655-1656, Prado, ripetizione dell'autore alla National Gallery di Londra).
Le principali creazioni di Velazquez dell'ultimo periodo sono le composizioni su larga scala Meninas, Spinners (1657) - entrambe al Prado. Nel dipinto "Meninah", pieno del movimento dei piani spaziali, dell'aria e della luce, un episodio privato della vita di corte appare come uno dei momenti del flusso generale della vita nella ricchezza delle sue interrelazioni e manifestazioni mutevoli. L'immagine è costruita su un complesso intreccio tra ufficiale e quotidiano, su un gioco sfaccettato di sfumature semantiche e confronti figurativi. Nel dipinto altrettanto sfaccettato "Spinners", la scena nel laboratorio di tappeti reali con figure di filatori in primo piano cattura, per così dire, il mondo intero, agendo nell'unità e nella realtà dei sogni, della vita quotidiana e del mito dei greci l'artigiana Aracne. Velasquez dipinse senza uno schizzo preliminare, direttamente su tela, combinando organicamente impressioni dirette della natura e, per così dire, libera improvvisazione con una rigorosa attenzione alla composizione.
Nel 1652, l'artista fu nominato maresciallo capo reale. La nuova posizione di Velasquez (i suoi compiti includevano la preparazione e l'organizzazione dei festeggiamenti a corte) richiese molto tempo e impegno. Dopo una grande vacanza al confine con la Francia, dedicata al matrimonio dell'Infanta Maria Teresa con il re francese Luigi XIV, l'artista si ammalò gravemente e subito dopo il ritorno a Madrid, il 6 agosto 1660, morì.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez è nato il 6 giugno 1599, nella città di Siviglia (Spagna). La sua famiglia non era ricca, in origine c'erano ebrei portoghesi, che in seguito si convertirono al cristianesimo. Come previsto, Diego ha mostrato abilità nelle arti visive già durante l'infanzia. Ha studiato con i maestri di questo settore F. Herrera e F. Pacheco. Grazie a ciò, il talento di Diego Velazquez si sviluppò rapidamente e, essendo ancora piuttosto giovane, era già diventato un maestro abbastanza noto in città. Ricevette il titolo di maestro nel 1617. Durante questo periodo, il lavoro di Diego è influenzato dal lavoro di Rubens e Tiziano. Inizia a scrivere opere nel genere dei bodegon (dallo spagnolo bodegon - taverna, taverna). Anche in questo si intuisce l'influenza dell'opera di Caravaggio: il realismo delle immagini, lo sfondo oscurato e le figure frontali illuminate.
Nel 1618, Diego Velazquez sposa la figlia di F. Pacheco, Juan Miranda.
Nel 1922 Velasquez si trasferì a lavorare a Madrid. Lì, nel 1623, il re Filippo IV lo invitò a lavorare nel palazzo. Con Diego sono riuscito a lavorare con Rubens per diversi mesi mentre era a Madrid. In generale, il rapporto tra il re e Velazquez era molto amichevole. Filippo voleva che solo Diego dipingesse i suoi ritratti. Quindi è apparso un gran numero di persone invidiose. Sostenevano che Velasquez non avesse talento. Durante questo periodo compaiono opere come "Jester Calaba-Sillas", "Conte Olivares", "Bacco", "Forgia di Vulcano". Negli ultimi due, Diego Velazquez combina divinità mitologiche con un'immagine cruda delle persone. Le immagini sono intrise di un grande significato psicologico.
Dopo la partenza di Rubens, Velasquez chiese al re il permesso di visitare l'Italia. Nel 1629 intraprese un viaggio che terminò nel gennaio 1931. Dopo il ritorno appare un'opera molto forte "Surrender of Breda". Poi dipinge paesaggi delle ville dei Medici e del Prado, e lavora in stile plein air, dipinge ritratti della famiglia del re.
Una caratteristica dei ritratti di Velasquez è l'assenza di accessori e gesti non necessari. I dipinti sono pieni di ariosità e vellutato.
Gli anni Trenta e Quaranta del Seicento sono contrassegnati come un periodo di ritratti fruttuoso per l'artista con la raffigurazione di giullari e nani. Nei loro ritratti, non mette in ridicolo né la loro professione né se stessi. I dipinti sono anche segnati da una certa ombra di tragedia, poiché riflettono il carattere dei giullari, il modo di vivere e il mondo interiore delle esperienze. Esempi di opere: "El Primo", "Menipp", "Barbarossa". Il dipinto "Venere allo specchio" è diventato una delle più grandi opere della pittura spagnola.
Nel 1649 Velázquez fece il suo secondo viaggio in Italia. Ha avuto molto successo. Lì fu eletto membro dell'Accademia Romana di S. Archi e società di virtuosi del Pantheon. A Roma crea un capolavoro: un ritratto di papa Innocenzo X. Anche il Papa stesso è rimasto sorpreso nel constatarne il realismo.
Gli anni Cinquanta del Seicento possono essere considerati il periodo più fruttuoso dell'opera di Velázquez. Dipinge anche ritratti. Questi sono membri della famiglia reale (la regina Marianna d'Austria, l'infanta Margherita, l'infante Filippo Prospero). Da notare in particolare il ritratto del già anziano Filippo IV.
Nel 1657 apparve una delle creazioni più importanti di Velasquez: i dipinti "Las Meninas" e "Spins". Nel "Menins" è raffigurato un episodio di vita di corte. Questo è un lavoro piuttosto sfaccettato in termini di significato semantico. Entrambi i dipinti sono stati dipinti senza schizzi, Velazquez ha lavorato direttamente su tela. La ricchezza è rappresentata in tutte le manifestazioni.
Nel 1652 Velasquez fu nominato maresciallo capo reale. Il lavoro era piuttosto laborioso: era necessario organizzare tutte le celebrazioni a palazzo. Durante una di queste feste (il matrimonio dell'Infanta Maria Teresa con il re francese Luigi XIV), Velazquez si ammalò gravemente. E il 6 agosto 1660, tornando a Madrid, Diego Velasquez morì.
Velázquez era considerato un rappresentante della pittura barocca. Ha dato un enorme contributo non solo agli spagnoli, ma anche alla storia mondiale della pittura.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez nacque il 6 giugno 1599 nella città spagnola di Siviglia da una famiglia nobile ma povera. Suo padre era originario del Portogallo e questa circostanza determinò in gran parte il destino di Diego. Come molti altri ragazzi, fu mandato in una scuola monastica latina. Tuttavia, alcuni anni dopo, quando la sua capacità artistica divenne evidente, suo padre portò il bambino di dieci anni Diego nel laboratorio del famoso artista spagnolo F. Herrera. Il fatto stesso di scegliere una professione del genere era una sfida per l'aristocrazia spagnola, perché la professione di artista era considerata un'occupazione inaccettabile per un nobile. A Herrera Diego studiò poco, non erano d'accordo sui personaggi. Un anno dopo lavorò nello studio di un altro artista, Francisco Pacheco, con il quale rimase fino al 1617, quando ricevette il titolo di maestro. Pacheco si rivelò un ardente ammiratore dell'antichità e un eccellente insegnante. Secondo il principio impostato dall'insegnante, tutta l'arte del pittore è nel disegno, Diego disegna molto. Secondo lo stesso Pacheco, da giovane Velasquez pagò un ragazzo contadino che gli servì da modello. Lo ritrasse in varie forme e pose, piangendo o ridendo, senza fermarsi davanti a nessuna difficoltà. Su consiglio di un insegnante, Diego affina le sue capacità di disegno, che gli consente di riprodurre fedelmente la natura, nella pittura su argomenti quotidiani, in spagnolo - bodegones. Ci sono immagini di La Colazione, Il Vecchio Cuoco, Il Servo Mulatto, I Musici, La Colazione di Due Giovani, L'Acquario. A casa dell'insegnante, Diego ha incontrato la sua futura moglie. "Dopo cinque anni di studio e di educazione, gli ho dato in sposa mia figlia, spinto dalla sua virtù, purezza e altre buone qualità, e anche nella speranza del suo naturale e grande genio", scrive Pacheco nel suo libro L'Arte di Pittura. L'unica figlia di Pacheco, Juana Miranda, aveva quasi sedici anni all'epoca. Nel 1619 e nel 1621 nacquero due figlie alla coppia Velázquez. Nel 1620 Diego aprì la propria bottega.
Il sedicenne re Filippo IV, salito al trono, sostituì quasi tutto l'entourage di corte di suo padre.
Avendo saputo di un artista di talento di Siviglia, lo chiama a sé. Nell'autunno del 1623 Velasquez arrivò a Madrid con suo suocero. Qui è patrocinato dal primo ministro Olivares. L'artista dipinse un ritratto del giovane re Filippo IV, che ebbe un grande successo e presto ricevette il titolo di pittore di corte. Gli fu assegnato un appartamento signorile in una delle ali del palazzo reale e un laboratorio altrettanto spazioso in uno dei castelli suburbani. Ora Velasquez non dipendeva più da lavoretti, ma allo stesso tempo doveva dedicare la maggior parte del suo tempo al cerimoniale di corte. Anche il tema dei dipinti dell'artista era fortemente limitato e il ritratto divenne per molti anni il genere principale. Velázquez scrisse molte volte al re Filippo e ai suoi figli. Soprattutto spesso la figlia di Filippo l'Infanta Margherita. Sono stati conservati diversi ritratti, che mostrano quanto gradualmente sia cresciuta e come sia cambiato il suo viso.
A poco a poco, la popolarità di Velazquez aumentò così tanto che a corte divenne vergognoso non avere un ritratto della sua opera.
Tra i ritratti simili di questo periodo vanno segnalati il Conte di Olivares (1625) e il Giullare Calaba-Sillas (1626-1627). In questi ritratti sempre più immateriali, il pennello del pittore ritrova leggerezza, raffigurando temi per certi aspetti meno sublimi, ma allo stesso tempo più eleganti e socialmente significativi. Oltre ai ritratti di corte, Velazquez ha creato un'intera galleria di immagini di personaggi della cultura spagnola, il drammaturgo Lope de Vega, Tirso de Molina e Calderon, il poeta Quevedo. Tuttavia, la popolarità di Velasquez suscitò non solo adorazione, ma anche invidia. Il coraggio del giovane sivigliano, che non tenne conto delle tradizioni accademiche, portò al conflitto con gli artisti più autorevoli. Hanno insistito per un concorso. Nel 1627 Velázquez dipinse un grande dipinto storico, L'espulsione dei Moriscos. Raffigurava una delle pagine più tragiche della storia spagnola, l'espulsione dal Paese di tutti coloro che avevano origine araba ed ebraica. Nonostante il fatto che la nitida espressione del dipinto dell'artista contraddicesse il suo scopo formale e ufficiale, il re fu deliziato dal lavoro di Velazquez e ordinò che il dipinto fosse esposto in una delle sale del palazzo per la visione pubblica. Lì il quadro rimase sospeso per diverse settimane, dopo di che il re ordinò che fosse spostato nella Sala degli Specchi, dove erano appesi i suoi dipinti preferiti di Tiziano e Rubens. E l'artista stesso ricevette un premio molto alto per quei tempi: divenne il custode della porta reale, che equivaleva alla posizione di ciambellano.
Nel 1629 l'artista realizza, cosa insolita per la tradizione spagnola, un dipinto basato sull'antica storia “Il trionfo di Bacco”.
Si ritiene che qui sia stato riprodotto il rito di iniziazione alla confraternita di Bacco, scrive L.L. Kagane. La vita della città, i suoi tipi e costumi interessavano ancora a Velasquez. Ma ora la scelta dei tipi è diventata più audace, le caratteristiche dei soggetti raffigurati sono diventate più diverse, la soluzione dell'immagine è diventata più generalizzata e monumentale. Come la letteratura e il teatro moderni, Velázquez introdusse i cittadini comuni nell'immagine, che si diffuse sotto l'influenza dell'opera di Caravaggio. In loro, la manifestazione delle emozioni umane sembrava più naturale. Spesso l'artista esegue l'azione sulla natura, il che rende l'illuminazione più uniforme e i colori brillano più ricchi. È vero, il primo piano sembra ancora un po' pesante, i contrasti di luci e ombre sono esagerati. Velasquez padroneggerà alla perfezione il metodo di rappresentare scene all'aperto, nuovo nella pittura di quel tempo, in seguito.
Nel 1629 il re permise gentilmente all'artista di unirsi al seguito del famoso condottiero Ambrosio Spinola, in partenza per la vicina penisola.
Velasquez visitò Venezia, Ferrara, Roma, Napoli. Ha copiato dipinti di Tintoretto, affreschi di Michelangelo, ha studiato scultura antica, ha conosciuto le opere di artisti italiani contemporanei. Un viaggio in Italia ha contribuito all'espansione dei suoi orizzonti artistici e al miglioramento delle sue capacità. Dopo il ritorno, l'artista ha lavorato molto, gli anni Trenta sono diventati il periodo più fruttuoso del suo lavoro. Per prima viene la Fucina di Vulcano (1630), dove immagini mitologiche si uniscono a scene vicine alla realtà. Nel 1634-1635 Velazquez dipinse la sua unica tela di battaglia, La resa di Breda, dove la sua abilità pittorica appare in tutto il suo splendore. 1625. La fortezza olandese di Breda, assediata dagli spagnoli, cadde. Il comandante di Breda, Giustino di Nassau, consegna le chiavi della fortezza al comandante spagnolo Spinola. Al centro della tela ci sono le figure di due comandanti, Nissau, piegato sotto il peso della sconfitta, in abiti gialli, con una chiave in mano, si precipita verso il vincitore. Vestiti con un'armatura nera, con una sciarpa rosa sulle spalle, gli spagnoli si affollano. L'esile foresta di lance (da cui il secondo nome del dipinto Lancia) dà l'impressione della superiorità numerica e della potenza del distaccamento spagnolo. Per l'epoca, il dipinto dell'artista fu una rivelazione in termini di veridicità della rappresentazione di un evento storico e novità della soluzione compositiva, scrive L.L. Kagane.
I ritratti dominano ancora il lavoro di Velazquez.
Diventano molto più diversificati nella composizione e nella soluzione pittorica. Un esempio sono le opere degli anni Trenta, i ritratti di caccia e equestri di Filippo IV e dei suoi familiari (anni Trenta del Seicento). La classica chiarezza compositiva, la raffinatezza dei rapporti cromatici si uniscono in questi grandi dipinti con eccezionale persuasività per l'epoca e libertà pittorica nell'interpretazione dei paesaggi. Durante gli anni Trenta e Quaranta del Seicento, Velázquez creò una serie di ritratti di nani e giullari. Attraverso la maschera clownesca, il grande maestro ha saputo discernere e mostrare il mondo spirituale delle persone offese dalla natura, raffigurandole senza ombra di scherno, con semplicità e tatto.
Nel 1649 Velasquez viaggiò nuovamente in Italia, questa volta non come un giovane artista oscuro, ma come un rinomato maestro.
I dipinti che l'artista ha realizzato a Roma gli hanno portato una fama ancora maggiore. Tra questi, di eccezionale importanza è il ritratto di papa Innocenzo X, realizzato intorno al 1650. IN E. Razdolskaya scrive: “Velasquez lo raffigurò seduto su una poltrona, in una posa calma, ma piena di tensione nascosta. I toni rossi che dominano il dipinto risultano particolarmente intensi nella luce calda che permea la figura, donandole una vivacità straordinaria. Innocenzo X era brutto e Velasquez non cercava di nobilitare il suo aspetto. Ma una grande forza interiore e un temperamento si leggono nel volto ruvido del papa, in uno sguardo tenace, pesante, come se gli occhi piccoli annoiassero lo spettatore. Davanti a noi c'è piuttosto un sovrano laico intelligente ed energico, e non un sacerdote. La forte caratterizzazione, il profondo psicologismo e la straordinaria abilità di esecuzione ci permettono di considerare quest'opera uno dei più alti risultati della ritrattistica mondiale. Lo stesso Innocenzo X trovò il ritratto troppo veritiero, ma ricompensò generosamente l'artista per questo. Temendo di perdere Velasquez, Filippo IV gli inviò una lettera arrabbiata e nel 1651 l'artista tornò in Spagna. Filippo IV eleva l'artista alla più alta carica di maresciallo dello stato. Ora Velazquez ha finalmente ottenuto la piena indipendenza. Crea l'unica immagine di una donna nuda nella sua opera Venere e Cupido. Uno dei ritratti più complessi del maestro appartiene agli anni Cinquanta: il ritratto di Filippo IV (1654). Nel volto sbiadito del re, nel suo aspetto estinto, Velasquez trasmette brillantemente stanchezza, delusione, amarezza, che una postura orgogliosa e un'espressione abitualmente altezzosa non possono nascondere.
Le tele principali di Velazquez del periodo tardo sono le composizioni su larga scala Las Meninas (giovani dame di compagnia) (1656) e Spinners (1657).
Las Meninas viene spesso definito il dipinto della realizzazione di un dipinto. Non è così facile spiegare l'impatto associato al sentimento di presenza dentro di lei. Al centro ci sono il re e la regina riflessi nello specchio sullo sfondo. Seguendo il loro riflesso, puoi assicurarti che si trovino all'incirca nel punto in cui solitamente siedono gli spettatori durante la visione. Tutti i personaggi raffigurati guardano anche il pubblico che, allo stesso tempo, si sente vicino al re e alla regina, stando al loro posto. L'artista stesso è raffigurato sul lato sinistro dell'immagine. Sta in piedi, sottolineando così il suo status, poiché solo le persone nobili potevano stare alla presenza del re. Un anno prima della sua morte, l'artista ricevette la croce rossa di un nobile e quando tornò al dipinto non fu troppo pigro per scriverselo sul petto.
"Spinning" è uno dei risultati più alti dell'abilità dell'artista.
L'immagine illustra il mito di Aracne, che era un'abile tessitrice che sfidò in una gara la dea della tessitura, Atena. Il concorso, secondo la trama, si è concluso con un pareggio, quindi Velasquez traccia un parallelo tra l'arte dell'artista e l'appartenenza divina. Ci sono due piani nella foto. La prima mostra il laboratorio dove si svolge il lavoro. Il secondo mostra lo studio dell'artista. Raffigura l'artista, i suoi assistenti e la dea Atena, arrabbiati perché una donna mortale ha deciso di paragonarsi agli dei. Secondo il mito, Atena trasformò Aracne in un ragno, sotto le cui sembianze continuò a tessere. La versatilità dell'immagine, così come lo sguardo di una delle donne verso lo spettatore, sottolinea anche l'effetto della presenza, qui combinato con l'invito visivo dell'artista a penetrare nel mondo dell'arte dalla vita di tutti i giorni.
La carriera giudiziaria di Velasquez a quel tempo raggiunse l'apice.
Ricevere la Croce di Santiago dall'ordine più alto del Re di Spagna fu la prima volta nella storia che una persona del mondo dell'arte divenne titolare di uno degli ordini cavallereschi più antichi d'Europa. Ma l'artista in quel momento era già gravemente malato. Doveva fare sempre più sforzi per lavorare al cavalletto. Presto, dopo la presenza della figlia reale e del re francese Luigi XIV alla cerimonia nuziale, Velasquez morì. Ciò accadde il 6 agosto 1660.
Velazquez è stato uno dei primi maestri del ritratto psicologico.
A causa dei doveri dell'artista principale presso la corte reale, la maggior parte delle sue opere divennero note molto più tardi rispetto al momento della loro creazione. L'opera del maestro, che contiene molti non detti, combinando sorprendente abilità tecnica, integrità ed espressività, spesso con sfumature filosofiche, religiose o allegoriche, è stata una tappa eccezionalmente importante nella storia della pittura. In una forma o nell'altra, gli artisti inglesi del XVIII secolo, F. Goya, gli impressionisti francesi (a cominciare), gli artisti russi e molti altri sperimentarono la sua influenza. Ancora oggi rimane un peculiare effetto ammaliante durante la visione delle opere del maestro. Più della metà dei dipinti di Velazquez (circa 50) si trovano al Museo del Prado di Madrid.
In questo mondo gli furono concessi sei decenni, quasi due terzi dei quali fu pittore di corte di Filippo IV. La posizione, onorevole e desiderabile, ma comunque dannosa per il talento a causa delle rigide norme, non ha impedito a Velasquez di realizzare dipinti in una maniera pittorica molto speciale. Le persone viventi guardano lo spettatore dai ritratti cerimoniali della famiglia reale e dei cortigiani. Il pittore svela spesso i segreti che le persone che raffigura preferirebbero nascondere, le coinvolge nelle loro esperienze, mostra la versatilità delle esperienze e la complessità delle inquietudini degli animi dei potenti di questo mondo.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez nacque il 6 giugno 1599 a Siviglia, in una famiglia di marrani (ebrei convertiti al cristianesimo). Deog era il maggiore di otto figli della famiglia. Il ragazzo scoprì il suo talento pittoresco nella prima infanzia, all'età di 10 anni fu mandato a studiare prima con l'artista sivigliano Francisco Herrera il Vecchio, e poi con Francisco Pacheco. All'età di 18 anni Velazquez superò l'esame per il titolo di maestro e fu ammesso alla corporazione dei pittori di Siviglia. La principale fonte di ispirazione per il primo periodo del lavoro di Velasquez era la vita della gente comune. Schizzi della vita quotidiana a Siviglia, l'artista ha scritto con un realismo speciale, tratto da Caravaggio.
L'incarico di pittore di corte del re Filippo IV di Spagna portò a Velasquez un ritratto del famoso poeta, rivale di Lope de Vega, Luis de Gongora y Argota. L'opera piacque così tanto al monarca che ordinò il suo ritratto al pittore - e ancora una volta rimase così colpito dal quadro risultante che promise che nessuno tranne Velazquez l'avrebbe dipinto di nuovo. Così, dal 1623, l'artista ricevette il diritto onorario di dipingere l'intera famiglia reale e di glorificare la dinastia degli Asburgo nelle sue tele.
Diego Velázquez morì il 6 agosto 1660, lasciando dietro di sé un'eredità creativa colossale, che ispirò molte generazioni di pittori, rappresentanti del romanticismo e dell'impressionismo.
"Serata Mosca" ti invita a ricordare i dipinti più famosi di Diego Velazquez.
Las Meninas (1656)
Il dipinto è conservato al Museo del Prado di Madrid. La tela raffigura lo studio dell'artista nel palazzo reale di Madrid. Ora si chiamerebbe "backstage": il dipinto mostra un pittore che lavora su un ritratto del re Filippo IV e della regina Marianna. Sono visibili nello specchio sullo sfondo del dipinto, e questo è l'unico dipinto di Velazquez in cui la coppia incoronata è raffigurata insieme. La ragazza al centro della foto è l'unica figlia di Filippo e Marianne a quel tempo, Margarita di cinque anni. Sotto le spoglie di questo bambino, Velazquez ha cercato di incarnare tutta la grazia, la prosperità e la ricchezza di questa famiglia. L'Infanta si comporta con una calma insolita per la sua età, senza tradire nulla della gioia di stare vicino ai suoi genitori o dell'interesse per l'insolita situazione nello studio dell'artista. Ovviamente, la principessa ereditaria ha già imparato che la moderazione nella sua famiglia è la virtù principale: è noto che il re Filippo IV rise in pubblico solo due volte e visse per 60 anni.
La tela si chiama "Meniny" - questo era il nome delle dame di compagnia, che fin dall'infanzia prestavano servizio con le principesse. Nella scena rappresentata da Velasquez partecipano due dame di compagnia, anche questi personaggi reali, di cui si conoscono i nomi. La signora che dà una brocca all'infanta in un profondo inchino è Doña Maria Sarmiento, dietro il bambino c'è Doña Iabella de Velasco. Sulla tela pittoresca c'era anche un posto per i nani di corte: Maria Barbole e Nicola Petrusato. Il fatto che siano raffigurati nello stesso gruppo compositivo con un cane ricorda lo status di queste persone a corte. Le persone con deformità fisiche erano considerate "utensili", servivano a divertire la nobiltà e aiutavano a sentirsi più belle e sicure di sé. Allo stesso tempo, è ovvio che Velasquez trattava entrambi i nani con grande rispetto: Maria Barbola e l'Infanta non sono accidentalmente sullo stesso parallelo e le loro immagini si intersecano chiaramente. Sì, uno è carino e l'altro è inquietante, ma entrambi hanno facce molto intelligenti. E questa è una tragedia speciale.
L'autoritratto di Velazquez merita un'attenzione particolare: l'artista si è raffigurato al lavoro, con pennelli e tavolozza, in un abito nero. Sul petto porta la croce del Grande Ordine Militare della Spada di San Giacomo di Compostela. "Las Meninas" fu scritto nel 1656 - e Velasquez divenne membro dell'ordine solo nel 1659. La croce fu completata più tardi e, secondo la leggenda, fu aggiunta dallo stesso re Filippo IV.
"Filatori" (1655-1657)
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La tela è conservata al Museo del Prado di Madrid. Velazquez intreccia in modo molto sottile schizzi quotidiani e trame mitologiche, e gioca abilmente anche con la profondità e la versatilità della composizione. La sede è il laboratorio di tappeti reali. Nella foto si leggono chiaramente tre piani: sul davanti, più scuro, lavorano i filatori, sul secondo - nell'arco - le dame di corte esaminano il tappeto tessuto, e il terzo è in realtà il tessuto stesso, che raffigura il mito di la filatrice Arachne, che superò la dea stessa nella sua arte Atena e da lei severamente punita. L'artista organizza lo spazio dell'immagine con l'aiuto di un lavoro speciale con la luce. Un raggio di luce illumina una bellissima filatrice seduta semigirata verso il pubblico - è concentrata sul suo lavoro - la sua mano è tesa verso l'arazzo finito e, per così dire, imposta il vettore del movimento dello sguardo. Gli abiti delle dame di compagnia si fondono a colori con lo spazio del tappeto, come se diventassero parte della trama mitologica. Spinners di Velazquez è un inno al lavoro quotidiano, una poesia che nasce dalle mani della gente comune.
Ritratto di papa Innocenzo X (1650)
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Il dipinto è conservato a Roma, nella Galleria Doria Pamphilj. I critici d'arte definiscono quest'opera di Velasquez uno dei migliori esempi di ritratto realistico. Papa Innocenzo X è raffigurato in abiti cerimoniali completi, seduto su una poltrona riccamente decorata - e allo stesso tempo, questo non è un classico ritratto cerimoniale. Velazquez concepito per trasmettere su tela il mondo interiore del pontefice. Dal vivo, l'artista incontrò due volte Innocenzo X durante la sua visita a Roma nel 1650 - e riuscì a incarnare l'impressione di entrambi gli incontri in un ritratto. Innocenzo X era noto per la sua doppia faccia e avidità: dalla tela una persona ovviamente infida e dura guarda il pubblico in modo scortese. Tuttavia, la depressione si legge nei suoi occhi freddi e luminosi, è ovvio che è profondamente preoccupato per qualcosa - proprio così, un giorno Velasquez ha visto papà per caso, per diventare testimone delle sue esperienze personali, nascoste da occhi indiscreti . Non c'è dubbio che questa sia una persona estremamente intelligente. Quando Innocenzo X vide il suo ritratto esclamò "Troppo veritiero!" Per il suo lavoro, Velázquez ricevette una catena d'oro sul petto con una miniatura del Papa in un medaglione - e la fama del talentuoso pittore spagnolo si diffuse in tutta Italia, dando origine a molti imitatori.
"Venere allo specchio" (1647-1651 ca.)
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La tela è conservata alla National Gallery di Londra ed è l'unica immagine sopravvissuta di un corpo femminile nudo dipinta da Velazquez. Non si conosce la data esatta di realizzazione di questo dipinto, ma è ovvio che l'artista vi lavorò in Italia, perché in Spagna era vietato dipingere un corpo nudo dall'Inquisizione. La trama fu scelta da Velasquez sotto l'influenza delle creazioni dei veneziani del Rinascimento: Giorgione e Tiziano. Tuttavia, a differenza degli italiani, la Venere dello spagnolo è raffigurata castamente di spalle. La profondità dell'immagine è enfatizzata dalla cornice nera dello specchio, in cui Venere si ammira - secondo gli storici dell'arte, anche la cornice "nativa" dell'immagine era nera, giocando sulla prospettiva. A proposito, non c'è tanto divino nella Venere di Velasquez: è piuttosto un inno alla bellezza umana, il lato sensuale dell'amore.
"La resa di Breda" (1634)
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La tela è conservata al Museo del Prado a Roma. Questo è uno dei 12 dipinti di balletto che celebrano le vittorie militari del re Filippo IV. Il ciclo fu commissionato da Velazquez per decorare la Sala dei Regni nel Palazzo del Buen Retiro: il famoso artista spagnolo avrebbe dovuto catturare tutto il potere, la gloria e l'invincibilità della dinastia degli Asburgo. "La resa di Breda" racconta la fine dell'assedio di dieci mesi della città olandese di Breda da parte degli spagnoli. Dal 1568 al 1648 l'Impero spagnolo combatté per mantenere il dominio asburgico sui Paesi Bassi spagnoli (la cosiddetta Guerra degli Ottant'anni) - la battaglia di Breda fu importante dal punto di vista politico, la vittoria avrebbe dovuto risollevare lo spirito i soldati spagnoli e mostrano tutta l'inutilità della resistenza degli olandesi. Velazquez dipinse sulla sua tela la scena del trasferimento delle chiavi della città da parte del governatore Giustino di Nassau al comandante in capo delle truppe spagnole Ambrosio Spinola il 5 giugno 1625. Nonostante il pittore abbia dovuto affrontare il compito di glorificare le armi spagnole, è riuscito a porre gli accenti in modo tale che lo spettatore sia intriso dello stesso rispetto sia per i vincitori che per i vinti. L'artista credeva che entrambe le parti in ogni guerra fossero ugualmente degne di rispetto, motivo per cui non cantava dei suoi compatrioti e non sottovalutava la dignità dei soldati dei Paesi Bassi. Il gioco della luce viene nuovamente utilizzato per porre degli accenti: i volti degli uomini di entrambi gli eserciti, dipinti più chiari degli altri, sono ugualmente nobili. Prova a scambiare mentalmente il giovane rivolto al pubblico dalla parte degli olandesi e il signore con barba e baffi neri dalla parte degli spagnoli: nulla cambierà l'atmosfera nella foto. Il pathos principale dell'immagine è senza dubbio la generosità.
La pittura spagnola raggiunge il suo apice nell'opera di Diego Rodriguez de Silva Velazquez (1599-1660), uno dei più grandi realisti dell'arte europea. Attraverso molti anni di servizio in tribunale, Velasquez portò con sé le idee dell'umanesimo, della lealtà alla tradizione democratica della cultura spagnola e dell'amore per la gente comune. Più direttamente e con audacia rispetto ai suoi predecessori, pittori, l'artista spagnolo si è rivolto alla realtà, ampliando il tema della pittura, contribuendo allo sviluppo di vari generi in essa. La corte e l'aristocrazia spagnola rivivevano nei suoi ritratti con il loro orgoglio, la tristezza, i loro vizi, l'intensa vita di passioni. Nei dipinti mitologici e di genere, Velasquez ha mostrato le immagini nazionali e originali del popolo spagnolo.
La forza della creatività di Velazquez risiede nella profondità dell'analisi psicologica e nella precisa acutezza delle sue caratteristiche. Nei suoi ritratti non adulava i modelli, ma rappresentava ciascuno nella sua unicità individuale, nelle sue caratteristiche nazionali e sociali. La particolarità del metodo di Velazquez si manifestava nella moderazione emotiva con cui cercava di rivelare in un'unità olistica i tratti essenziali del carattere, la composizione spirituale e mentale di una persona nella loro complessità e contraddizioni.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez è uno dei primi maestri della pittura valerese. I toni grigi dei suoi quadri brillano di molteplici sfumature, i neri sono leggeri e trasparenti. I toni caldi e luminosi, i blu freddi, quelli scuri sono quasi sempre illuminati con una luce uniforme e formano armonie discrete e sottili. Il tratto virtuosistico è vario. Valers non solo arricchisce i colori usati da Velasquez, ma modella anche le forme, le avvolge in un ambiente scintillante di luce e aria. Le virtù del colore si combinano nei dipinti di Velasquez con chiarezza e maestosa semplicità compositiva, senso delle proporzioni.
Velasquez è nato a Siviglia, ha studiato con Herrera il Vecchio, pittore realista, creatore di immagini drammatiche drammatiche, poi con il romanziere Francisco Pacheco, umanista, poeta, autore di un trattato di pittura. All'età di diciassette anni, Velasquez ricevette il titolo di maestro d'arte. Nel primo periodo della creatività (1617-1621) era vicino al caravagismo, si rivolse alla pittura di genere diffusa in Spagna - "bodegones", raffigurante scene senza pretese della vita della gente comune nell'ambiente quotidiano di povere taverne buie, nelle cucine , tra utensili modesti e magre colazioni, caratterizzando con parsimonia la dura bellezza della vita popolare. Già nei primi lavori si rivela la sicurezza del disegno, la monumentalità delle forme come se fossero vicine allo spettatore, la severità delle composizioni a grandi figure che conferiscono un significato speciale alle immagini (“Colazione”, 1617 circa, San Pietroburgo , Hermitage; “Portatore d'acqua”, 1620 circa, Inghilterra, Londra, collezione Wellington). Appare l'illuminazione caratteristica di Caravaggio: un raggio di luce che irrompe attraverso una finestra in un interno buio rivela l'espressività plastica delle forme. Rifiutando una narrazione dettagliata, l'artista si è concentrato sul carattere nazionale delle immagini popolari: orgogliosa moderazione, temperamento sfondato, abilità, buona natura. Gli eroi di "bodegones" sono colorati, ma psicologicamente sono ancora statici.
Nel 1623 Velasquez si trasferì a Madrid dove visse per circa 40 anni; ricevette l'incarico di pittore di corte del re Filippo IV. La carriera di cortigiano presso la corte più primitiva e conservatrice d'Europa ha subordinato la sua vita al duro cerimoniale dello stile di vita di palazzo. Allo stesso tempo, qui, a corte, Velazquez fu liberato dalla necessità di scrivere su ordine della chiesa, il che lo pose in una posizione speciale tra i suoi contemporanei. Il soggiorno nella capitale mondiale dell'Impero asburgico contribuì all'espansione della vita e degli orizzonti artistici. Velazquez si unì alle aspirazioni democratiche del pensiero sociale dell'epoca. Allo stesso tempo, nel tesoro reale dell'arte, che comprende molti capolavori, ha conosciuto le più alte conquiste della pittura europea. Il nuovo periodo delle ricerche di Velazquez ha interessato innanzitutto il ritratto e il genere quotidiano. Raffigurando il re e la nobiltà, procedette dalla tradizione del ritratto cerimoniale spagnolo del XVI secolo, ma le caratteristiche interne dei ritratti di Velázquez sono più sfaccettate. Nel ritratto di Filippo IV (1628, Madrid, Prado), viene trasmesso un volto anemico e freddo con uno sguardo privo di passione e una mascella pesante; ma data la crescita, impressiona una figura snella di proporzioni allungate con un'ampia curva delle spalle e una testa piccola. Occupa il piano di quasi tutta la tela, il mantello nero conferisce generalità e maestosità alla rigorosa sagoma, che risalta come una macchia scura su uno sfondo grigio. La solennità e la postura statica, la moderazione dei movimenti, l'isolamento di un volto orgoglioso esprimono equanimità di spirito, compostezza interiore e arrogante distacco. Velazquez incarnava nell'immagine del re l'ideale di una persona degna, piena di autocontrollo e senso dell'onore, diffuso nella società spagnola. Il ritratto è di colore quasi severo ed è costruito sul contrasto tra un volto esangue, un colletto bianco e un abito scuro. La tovaglia rossa si fonde dolcemente con lo sfondo grigio, ravvivandolo.
Velazquez ha coraggiosamente ampliato i confini del genere quotidiano, saturandolo di contenuti. Nel dipinto "Bacco" ("Ubriachi", 1628-1629, Madrid, Prado), Velazquez si rivolse al tema mitologico, ma lo interpretò nell'aspetto quotidiano. Tra le distese di campi e montagne è raffigurato un gruppo di allegri vagabondi, i cui volti ubriachi portano tracce di una vita inquieta. Con loro l'antico dio del vino Bacco e i fauni. La presenza di Bacco conferiva alla festa il carattere di un'azione, come se introducesse la gente comune alla vita delle forze eterne della natura. Nei vagabondi, alimentati dallo spirito libero dei campi, con la loro abilità e ampiezza di carattere, si nota qualcosa di spontaneo, naturale, significativo: il confine tra il sublime e l'artista vile sembra essere cancellato. Il genere domestico acquisisce un nuovo suono. Dipinto in studio, il paesaggio conserva tracce di convenzionalità; non è associato a figure le cui forme sono scolpite da chiaroscuri contrastanti. Ma la sottigliezza dei toni argento-perlati e lilla del corpo di Bacco, colorato con un mantello rosa-rosso, anticipa lo stile pittorico maturo di Velasquez.
Per la formazione di Velasquez come pittore, di grande importanza fu un viaggio in Italia (1629-1631), la conoscenza delle opere dei grandi maestri del Rinascimento. Di ritorno dall'Italia, l'artista dipinse un grande dipinto su un tema storico moderno: "La resa di Breda" (1634-1635, Madrid, Prado). È dedicato alla conquista della fortezza olandese da parte delle truppe spagnole nel 1625. L'artista abbandonò l'interpretazione cerimoniale e allegorica del tema della battaglia, comune nella pittura del XVII secolo, Velazquez gettò le basi per il realismo nella pittura storica. I drammatici eventi della storia vengono rivelati attraverso le sottili caratteristiche psicologiche dei personaggi principali, raffigurati con autenticità ritrattistica. L'ammiraglio spagnolo Spinola accetta le chiavi simboliche della città dalle mani del comandante olandese sconfitto. Dietro l'apparente moderazione secolare di Spinola si può sentire sia l'orgogliosa consapevolezza della vittoria che la nobiltà della sua natura: incontra educatamente i vinti, rendendo omaggio al coraggio e allo spirito ininterrotto degli olandesi. Il loro capo, il semplice duca Giustino di Nassau, tozzo, in abiti da marcia, senza lucentezza secolare, non perde la sua dignità umana al momento della sconfitta, ottiene condizioni onorevoli per la resa della fortezza. Entrambi gli schieramenti – spagnolo e olandese – si caratterizzano oggettivamente, individuando differenze nelle caratteristiche nazionali e sociali di ciascuno di essi. Fieri grandi spagnoli dai volti raffinati e dal portamento severo formano un gruppo compatto, sopra il quale si erge trionfante una foresta di lance. I soldati olandesi sono persone coraggiose del popolo. E sebbene le loro lance e i loro stendardi si inchinassero davanti al nemico, l'espressione di indipendenza di spirito domina nelle pose libere e nei volti aperti.
Costruita sull'equilibrio dei gruppi, la composizione si dipana su una vasta distesa di pianura, addentrandosi nella distesa della pianura, sullo sfondo della Breda con i suoi possenti avamposti. Il centro della composizione - l'episodio della consegna delle chiavi, che è anche la trama psicologica del film - è circondato da un semicerchio di attori che, per così dire, coinvolgono lo spettatore nell'evento. L'ampiezza dell'idea è enfatizzata dal paesaggio, in cui i riflessi delle fiamme e il fumo del fuoco si fondono con la nebbia argentata di una mattina estiva. Segni della zona, tracce delle recenti battaglie sono accuratamente trasmesse. La ricchezza della tavolozza colorata costruita su valères trasparenti, la soluzione al problema di raffigurare una persona in un ambiente di luce caratterizzano una nuova tappa nel lavoro di Velasquez. Le ombre scure sorde scompaiono, linee nette, luce argentata e aria avvolgono le figure.
Gli anni Trenta e Quaranta del Seicento furono il periodo di massimo splendore della ritrattistica di Velázquez. Il pittore ha creato una galleria di immagini di rappresentanti della società spagnola: aristocratici, dignitari, generali, cardinali, nobili. La struttura tradizionale delle composizioni di ritratti è cambiata. Velasquez dipinse ritratti con uno sfondo paesaggistico che riproduceva una profondità ariosa, la morbida luce argentata che avvolge la figura, conferisce alle pose del ritratto grande eleganza, naturalezza (“Ritratto dell'Infante Ferdinando”, 1632 circa, Madrid, Prado). Insieme ai ritratti di caccia, l'artista ha eseguito ritratti equestri tradizionali, a volte ottenendo in essi l'immediatezza e il fascino dell'immagine (“Ritratto equestre dell'Infante Beltasar Carlos”, 1635 circa, Madrid, Prado). Il suo sguardo sul mondo interiore delle persone raffigurate diventa più vigile.
In un ritratto cerimoniale generazionale di Filippo IV (1644, New York, Frick Museum), afferma nuovi principi di ritrattistica realistica. Il magnifico costume riprodotto brillantemente non fa che esacerbare l'impressione di mediocrità, inerzia spirituale e mancanza di volontà dell'anziano re.
Durante il suo secondo viaggio in Italia, Velasquez dipinse un ritratto di papa Innocenzo X (1650, Roma, Galleria Doria Pamphilj). Per la spietatezza e la versatilità delle caratteristiche, per la brillantezza dell'incarnazione pittoresca, questo è uno dei migliori ritratti realistici dell'arte mondiale. Innokenty guarda scortesemente lo spettatore con uno sguardo pesante da sotto le sopracciglia. Immagine esteriormente poco attraente di molte facce: Innokenty è astuto, crudele, di doppia mentalità, ma allo stesso tempo intelligente, deciso, perspicace, cioè come persona è monolitico, significativo. La colorazione del ritratto è costruita su un potente accordo di sfumature iridescenti rosso scuro, ciliegia, viola, rosa fuoco del mantello, skufi, poltrona e sfondo. Gli occhi azzurri freddi, un colletto bianco come la neve e le pieghe scintillanti di una cotta bianca di pizzo contrastano con i toni del rosso, creano tensione, in consonanza con l'immagine di un uomo dalle passioni forti, ma crudeli, raffigurato nel momento della loro concentrazione. I raggi del sole, addolcendo i contorni, combinano i colori, ombre e riflessi blu trasparenti danno origine a una ricchezza di mezzitoni. Il ritratto di Innocenzo X apre la fase successiva dell'opera di Velasquez, quando dipinse anche una serie di magnifici ritratti di bambini, conservando tutta l'immediatezza e la freschezza delle impressioni della natura vivente, trasformata dal gioco del chiaroscuro ("Infanta Margarita", 1660 circa , Madrid, Prado; Kiev, Museo delle arti occidentali e orientali). L'artista preferisce spesso una forma di busto priva di accessori, dove la persona ritratta è circondata da un arioso sfondo dorato. Con speciale penetrazione, ritrae persone di un magazzino creativo e intellettuale con un mondo interiore complesso e sfaccettato ("Sconosciuto", 1630, Londra, collezione del Duca di Wellington). Il ritratto dello studente e servitore del moro Juan Pareja (1649, Salisbury, collezione Radior) è l'incarnazione della nobiltà, dell'umanità e della forza di un carattere indipendente.
Particolare attenzione è rivolta alla serie di ritratti di giullari e nani della corte spagnola, persone in piedi in fondo alla scala gerarchica. Riflettevano chiaramente il rispetto dell'artista per la dignità umana, il mondo interiore degli indigenti. Trasmettendo veramente l'inferiorità spirituale e fisica, Velazquez ha rivelato l'umanità nelle loro immagini e si è trasformato in una triste tragedia. Con il corpo debole di El Primo (1644, Madrid, Prado), il suo volto intelligente, concentrato, moderatamente triste, pieno di bellezza e significato spirituale, contrasta. Confuso, El Bobo di Coria (1648 circa, Madrid, Prado) si rannicchia in un angolo. Febbrilmente, impotente, si sfrega le mani tremanti, un movimento spirituale indistinto scivola nei suoi occhi, ma in un sorriso timido e sofferente c'è molto di commoventemente infantile, illuminato. I lineamenti morbidi si dissolvono in un flusso di luce, acuendo l'espressione di eccitazione. Il punto di vista dall'alto verso il basso, scelto dall'artista, lo spazio compresso, come se affollasse il giovane, intensificano la sensazione di solitudine, depressione.
Nell'ultimo periodo della creatività, Velazquez crea notevoli generalizzazioni e composizioni, notevoli in termini di potenza e complessità. Nel contesto dell'inizio della reazione cattolica in Spagna, resuscita un tema antico che preoccupava i maestri del Rinascimento italiano. Nel dipinto “Venere allo specchio” (1657 circa, Londra, National Gallery), sviluppando le tradizioni di Tiziano, Velasquez va oltre avvicinando l'immagine della dea a una donna reale. Pieno di fascino, un giovane spagnolo è catturato su un letto in una posa casual e rilassata. Una vista inaspettata dal retro, scelta dall'artista, sottolinea la tagliente bellezza del corpo flessibile. Il riflesso speculare del volto coglie l'autocontemplazione in cui è immersa la giovane donna.
Nel dipinto "Menins", o "Dame d'onore" (1656, Madrid, Prado), l'artista coglie sottilmente la mobilità interiore e la variabilità della vita, i suoi aspetti contrastanti. Davanti allo spettatore, la scena della vita quotidiana della corte reale è strappata alla vita. Sul lato sinistro della stanza, Velasquez si è raffigurato mentre lavorava a un ritratto cerimoniale della coppia reale. Ma lo spettatore la vede solo in un'immagine speculare dietro l'artista. L'Infanta Margherita, le menine e i nani presenti alla sessione, in pose cerimoniali, si preparano a salutare il popolo reale.
Episodi di genere - un nano dispettoso con un cane addormentato, cortigiani che chiacchierano, una dama di compagnia che offre un bicchiere d'acqua a un infante, un maresciallo cavaliere che spinge una tenda dalla finestra - incidenti della vita quotidiana che violano la staticità del stile di vita del palazzo cerimoniale. La sintesi di due spazi - uno diretto, che penetra in profondità nella finestra, attraverso la quale irrompe la luce del sole, e uno specchio immaginario, che espande lo spazio - distrugge l'isolamento della composizione, la include nel flusso della vita reale. Questo ambiente di spazio dinamico è dominato dall'immagine dell'artista stesso, piena di autoapprofondimento creativo, che si eleva sia dalla porta d'ingresso che dal casual nella vita.
Il dipinto "La Meninas" è scritto con sorprendente coraggio, leggerezza e freschezza. Velazquez usa tratti di colori puri senza mescolarli sulla tavolozza; per lo spettatore, che è lontano dal quadro, si fondono, creando l'impressione di un flusso d'aria trafitto da una luce argentata, ammorbidendo i contorni netti delle figure, unendo i piani frontali e distanti in un unico insieme. I toni generali grigio-verde e grigio-marrone del dipinto ammorbidiscono i colori vivaci, dominano i colori nero, bianco-argento, grigio-perla, grigio-marrone e verde. L'abito rosa dell'infanta, il suo bel viso altezzoso dagli occhi vivaci, incorniciato da capelli dorati, i colori rosso corallo e blu dei nastri sugli abiti e tra i capelli dell'infanta e delle dame di compagnia, i riflessi di luce sul soffitto della la stanza si adattava dolcemente a loro. "Questa non è un'immagine, ma la vita stessa", ha scritto lo scrittore francese Theophile Gautier riguardo a Las Meninas. La composizione del dipinto è perfetta, basata sull'equilibrio delle figure e delle forme architettoniche. Compositivamente, l'immagine è divisa in due parti: quella superiore è libera, quella inferiore è occupata da figure. A sua volta, ciascuna metà ha le proprie divisioni interne. La chiarezza delle proporzioni dà allo spettatore un senso di armonia.
Velazquez è stato uno dei primi artisti dell'Europa occidentale a cantare la bellezza del lavoro umano quotidiano, raffigurando un laboratorio di arazzi con il suo ambiente di lavoro. La monumentale composizione Filatrici (1657, Madrid, Prado) raffigura contemporaneamente scene di lavoro (filatrici spagnole al lavoro - in primo piano), vita sociale (donne vestite che guardano un magnifico arazzo - sullo sfondo) e mito (su Atena e il tessitore Aracne) tessuto su un arazzo appeso su una parete di fondo. In termini di ampiezza della copertura mondiale in Spinners, Velasquez va oltre che in Las Meninas. L'immagine è ben organizzata, i filatori concentrati sul loro lavoro sono pieni di energia, uniti da un unico ritmo di movimento misurato, le loro pose sono aggraziate e libere, i gesti abili sono sicuri. Tra questi spicca la ragazza a destra con il suo fascino femminile. Due fonti luce del sole creare una sensazione di spazio e profondità dell'interno del laboratorio di arazzi. Immerso nella semioscurità di ombre trasparenti, l'ambiente si riempie di scintillante luce dorata. Nell'atmosfera di una pianta lontana, i contorni degli oggetti si dissolvono e le figure mitologiche tessute sui tappeti si fondono in un'unità pittorica con quelle reali raffigurate. La consonanza dei più delicati toni grigio-blu, rosa, azzurro, rosa-lilla, giallo sbiadito, rosso chiaro e bianco-argenteo trasforma lo sfondo in un mondo di pura poesia. La bellezza della scena in primo piano è espressa in toni sobri ma ricchi di rosso-marrone, blu-verde, nero-marrone e rosso intenso. La scoperta compositiva di Velasquez - un confronto tra due scene di diversa natura ha permesso di esprimere in modo veritiero l'idea dell'artista della diversità del mondo reale, della bellezza della vita, combinando entrambe le realtà - poetica, creata dal mani di semplici operai che glorificavano la filatrice Aracne, dotata di potere creativo, e materialmente tangibile, concreto, incarnato nei creatori di bellissimi tappeti. Il dipinto "The Spinners" spiega chiaramente l'essenza del realismo spagnolo e, in particolare, il realismo di Velazquez: il percorso verso la bellezza attraverso la realtà quotidiana.
Le scoperte di Velazquez nel campo del colore e della luce, il suo potente realismo influenzarono la pittura dei secoli XVIII e XIX. Dalla metà del XVII secolo l'arte spagnola perse il suo legame diretto con la vita. Le caratteristiche dell'idealizzazione, la vistosità esterna si intensificarono in esso, furono rivelate tendenze mistiche. L'ultimo grande pittore della scuola di Siviglia, dove la pittura rimase fedele al realismo più a lungo, fu Bartolomeo-Esteban Murillo (1617–1682), un grande pittore le cui opere si distinguevano per i colori armoniosi, riproducevano sottilmente gli effetti della luce, l'ariosità della l'ambiente. Le sue opere migliori includono immagini di ragazzi di strada che giocano a dadi, mangiano, ecc. ("Ragazzo con un cane", 1650, San Pietroburgo, Hermitage). La rigorosa semplicità nell'interpretazione delle scene della vita popolare e delle trame religiose fu successivamente sostituita dalla mancanza di spina dorsale, dal sentimentalismo, dalla bellezza esteriore e dall'aridità della performance.
Il declino economico e politico della Spagna nella seconda metà del XVII secolo ebbe un grave impatto su tutti gli ambiti della vita. L'atmosfera di delusione mi ha fatto cercare una via di fuga dalla realtà. Entro la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo, lo stile barocco si affermò nell'arte spagnola con la sua caratteristica lussureggiante decoratività e teatralità.