ยูจีนเกี่ยวกับละคร Eugene O'Neill: บิดาแห่งละครอเมริกัน ธีมของการเสียสละและความหายนะ: "จักรพรรดิโจนส์", "ปีกมอบให้กับลูก ๆ ของพระเจ้าทุกคน", "ดวงจันทร์สำหรับลูกเลี้ยงแห่งโชคชะตา"

16.07.2019

โอนีล ยูจีน โอนีล ยูจีน

พจนานุกรมสารานุกรม. 2009 .

ดูว่า "O'NEAL Eugene" ในพจนานุกรมอื่น ๆ คืออะไร:

วิกิพีเดียมีบทความเกี่ยวกับบุคคลที่มีนามสกุลนี้ ดูที่ O'Neill ยูจีน โอนีล ยูจีน แกลดสโตน โอ นีล ... Wikipedia

- (O Neill, Eugene) EUGENE O NEILL (1888-1953) นักเขียนบทละครชาวอเมริกัน ผู้ได้รับรางวัลโนเบลสาขาวรรณกรรม พ.ศ. 2479 เกิดเมื่อวันที่ 16 ตุลาคม พ.ศ. 2431 ในนิวยอร์ก ตั้งแต่วัยเด็ก เขาเดินทางร่วมกับพ่อแม่ของนักแสดง และเปลี่ยนโรงเรียนเอกชนหลายแห่ง… … สารานุกรมถ่านหิน

โอนีล (2431-2496) นักเขียนบทละคร นักปฏิรูปเวทีอเมริกัน การเปิดเผยของการชนกันอันน่าเศร้าและก้นบึ้งของชีวิตมนุษย์เป็นตัวกำหนดความน่าสมเพชของบทละครที่ผสมผสานการแสดงออกและความเฉพาะเจาะจงที่เข้มงวด สัญลักษณ์และความแปลกประหลาด ตำนานและ "กระแสแห่งจิตสำนึก"... พจนานุกรมสารานุกรม

Eugene O'Neill Eugene Gladstone O Neill นักเขียนบทละครชาวอเมริกันที่โดดเด่น วันเดือนปีเกิด: 16 ตุลาคม พ.ศ. 2431 สถานที่เกิด: นิวยอร์กสหรัฐอเมริกาวันที่เสียชีวิต: 27 พฤศจิกายน พ.ศ. 2496 ... Wikipedia

โอนีล ยูจีน- ONeill (ONeill) Eugene (18881953) นักเขียนบทละครชาวอเมริกัน ไอริชโดยกำเนิด เปิดตัววันเสาร์ “ความกระหายและบทละครเดี่ยวอื่น ๆ” (1914) ละคร "ทะเล" (“ สู่ตะวันออกสู่คาร์ดิฟฟ์” โพสต์ พ.ศ. 2459 ฯลฯ ) ละคร : ละคร “เพื่อ... ... พจนานุกรมสารานุกรมวรรณกรรม

O Neill (O Neill) Eugene (1888-1953) นักเขียนบทละครชาวอเมริกัน นักปฏิรูปเวทีอเมริกัน การเผชิญหน้ากันของโศกนาฏกรรมและก้นบึ้งของชีวิตมนุษย์เป็นตัวกำหนดความน่าสมเพชของละคร ซึ่งผสมผสานการแสดงออกและความเฉพาะเจาะจงที่รุนแรง สัญลักษณ์ และ... พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่

O▓Neill Eugene (10/16/1888, New York - 27/11/1953, Boston), นักเขียนบทละครชาวอเมริกัน เขาศึกษาที่โรงเรียนและวิทยาลัยคาทอลิกและในปี 1906 เข้ามหาวิทยาลัยพรินซ์ตัน (ยังไม่สำเร็จการศึกษา) เขาทำงานเป็นกะลาสี เป็นนักข่าวประจำจังหวัด... ... สารานุกรมผู้ยิ่งใหญ่แห่งสหภาพโซเวียต

โอนีล, ยูจีน- (โอ นีล, ยูจีน), 16/10/1888, นิวยอร์ก 11/27 1953, บอสตัน) นักเขียนบทละครชาวอเมริกัน ผู้ชนะรางวัลโนเบล (1936) และรางวัลพูลิตเซอร์ 4 รางวัล ลูกชายของนักแสดง หลังจากเรียนที่โรงเรียนประจำคาทอลิก เขาก็เข้า... ... พจนานุกรมสารานุกรมแห่งการแสดงออก

หนังสือ

ซีรีส์ "Library of US Literature" (ชุดหนังสือ 33 เล่ม) ผลงานของนักเขียนชาวอเมริกันที่สำคัญที่สุดแสดงโดยซีรีส์ "Library of US Literature" เล่มที่ 1: Robert Penn Warren เล่มที่ 2: William Styron เล่มที่ 3: Bret Harte; ทุมเฮนรี่ เล่มที่ 4:... หมวดหมู่: คอลเลกชันร้อยแก้วและกวีนิพนธ์ระดับโลก ซีรี่ส์: ห้องสมุดวรรณกรรมสหรัฐฯ สำนักพิมพ์: ความคืบหน้า,
การไว้ทุกข์คือชะตากรรมของ Electra, Eugene O'Neill, ฉบับปี 1975 การเก็บรักษาเสื้อกันฝุ่นเป็นที่น่าพอใจ ไตรภาคเป็นหนึ่งในบทละครที่ดีที่สุดโดยนักเขียนบทละครชาวอเมริกันผู้ใช้ตำนานโบราณของ Atreus เล่าเกี่ยวกับ ... หมวดหมู่: ร้อยแก้วคลาสสิกและสมัยใหม่สำนักพิมพ์:

ซม. ปินาเยฟ

ผลงานของ Y. O'Neill มีความขัดแย้งที่แปลกประหลาด ในด้านหนึ่ง บทละครของเขาเป็นจุดสุดยอดที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปในการพัฒนาโรงละครอเมริกันแห่งศตวรรษที่ 20 ร่องรอยของอิทธิพลของเขาถูกพบในนักเขียนบทละครที่โดดเด่นทุกคนของ ในทางกลับกัน สหรัฐอเมริกา "บิดาแห่งละครอเมริกัน" ในช่วงชีวิตของเขาดูเหมือนล้าสมัยสำหรับหลาย ๆ คน โดยไม่ก้าวทันจิตวิญญาณแห่งกาลเวลา - ด้วยความหลงใหลในการสรุปผลทางปรัชญาระดับโลก ความน่าสมเพชอันน่าเศร้าของ การปฏิเสธอารยธรรมอเมริกันที่ "เป็นรูปธรรม" ซึ่งเขาเรียกว่า "ความล้มเหลวที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก" รูปแบบที่ครุ่นคิด ขาดอารมณ์ขัน และความสามารถในการยัดเยียด "ความไร้สาระ" ให้กับการเยาะเย้ยที่น่าขัน โลกสมัยใหม่ โศกนาฏกรรมของโลกทัศน์ซึ่งปรากฏในผลงานที่ดีที่สุดของวรรณคดีอเมริกันในยุค 20 และ 30 ในช่วงหลังสงครามได้หลีกทางให้การปฏิเสธแบบเสียดสีมากขึ้นเรื่อย ๆ "อารมณ์ขันสีดำ" มุมทางสังคมที่ราบรื่นและแนวโน้มที่จะตัดสินมากที่สุด เรื่องจริงจังเบาๆ โดยไม่แตะต้องขอบเขตของความรู้สึก “เราได้ปกปิดความรู้สึกอันรุนแรงของตัวเองอย่างชำนาญ ความอ่อนแอในหัวใจของเรา ซึ่งเล่นในประเพณีอันน่าเศร้าเริ่มดูเหมือนเป็นเท็จสำหรับเรา” ที. วิลเลียมส์ ผู้ร่วมสมัยรุ่นน้องของโอนีลกล่าว

การเฟื่องฟูของผลงานของ O'Neill เกิดขึ้นพร้อมกับความสำเร็จสูงสุดของวรรณกรรมอเมริกันในยุค 20 และนั่นก็บอกอะไรได้มากมาย เป็นมุมมองที่น่าสลดใจที่มอบพลังที่แท้จริงให้กับละครของเขา การพรรณนาถึงชีวิตของสังคมอเมริกันว่าเป็น "โศกนาฏกรรม สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดในบรรดาสิ่งที่เขียนและไม่ได้เขียน" ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักวิจารณ์ชาวเยอรมัน J. Bab เข้ามาแล้ว ต้นทศวรรษที่ 30 เห็นความคล้ายคลึงกันระหว่าง "Emperor Jones" ของ O'Neill และ "Macbeth", R.D. สกินเนอร์ไล่ตาม "Desire under the Elms" ไปจนถึง "Medea" ของ Euripides และ B. Gascoigne ถึง "Phaedra" ของ Racine; L. Trilling ในปี 1936 (ปีที่ O'Neill ได้รับรางวัลโนเบลจากผลงานละครที่มีแนวคิดดั้งเดิมของโศกนาฏกรรม) เขียนว่าศิลปินแก้ปัญหาความชั่วร้ายโดยแสดงแก่นแท้ของประเภทนี้ - การยืนยันอย่างกล้าหาญของชีวิตใน การเผชิญหน้ากับความพ่ายแพ้ของแต่ละคน

อย่างไรก็ตาม ตามกฎแล้ว เราไม่พบความเข้าใจที่แท้จริงเกี่ยวกับธรรมชาติที่ขัดแย้งกันของโศกนาฏกรรมซึ่งเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในมุมมองของโอนีลในผลงานของนักวิจัยชาวตะวันตก บ่อยครั้งที่พวกเขาไปสุดขั้วโดยเชื่อว่าโศกนาฏกรรมในละครของโอนีลนั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าการแสดงออกของโศกนาฏกรรมและความไม่เป็นระเบียบของโลกภายในของเขาซึ่งแยกจากความเป็นจริงโดยรอบ (เอฟ. คาร์เพนเตอร์) ซึ่งเป็นผลมาจากการเลิกรากับ ศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกและความพยายามที่ไร้ประโยชน์ที่จะขจัดช่องว่างนี้ (R .D. Skinner, L. Trilling), การเปลี่ยนแปลงทางศิลปะของ Nietzschean (D. Alexander, L. Chabrow) หรือแนวคิดของ Freudian-Jungian (D. Falk, K. Bowen) ในทางกลับกัน นักวิจารณ์วรรณกรรมชาวรัสเซียบางคนมีลักษณะเฉพาะคือ "สังคมวิทยา" ที่มากเกินไปของวิธีการทางศิลปะของนักเขียนบทละคร การยืดตรงบางอย่าง และทำให้หลักการทางสุนทรีย์ของเขาง่ายขึ้น

“นิมิตอันน่าสลดใจ” ของผู้เขียนมีที่มาอย่างไร? เป็นที่ทราบกันดีว่าโอนีลได้กล่าวถึงอิทธิพลสำคัญที่นักเขียนบทละครชาวกรีกโบราณมีต่องานของเขาซ้ำแล้วซ้ำอีก เขามองเห็นหน้าที่ของเขาในฐานะศิลปินในการฟื้นฟูจิตวิญญาณแห่งโศกนาฏกรรมสมัยโบราณในชีวิตสมัยใหม่และรวบรวมไว้ในความคิดสร้างสรรค์ ผู้เขียนเชื่อว่าอเมริกาสูญเสียจิตวิญญาณของตนเองและติดหล่มอยู่ใน “ความโลภเล็กๆ น้อยๆ ของการดำรงอยู่ทุกวัน” ความเป็นไปได้ของ "การรับรู้ทางจิตวิญญาณของสิ่งต่าง ๆ" อย่างลึกซึ้งนั้นเกิดขึ้นได้จากโศกนาฏกรรมศิลปะและความฝันโบราณที่ทำให้ "ดิ้นรนอยากมีชีวิตอยู่" เท่านั้น แต่ความเป็นจริงของสหรัฐอเมริกาไม่ได้ทำให้บุคคลมีโอกาสใด ๆ ในขณะที่พรรณนาถึงความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรง (อย่างแม่นยำยิ่งขึ้นคือผลกระทบทางจิตใจของพวกเขา) นักเขียนบทละครไม่สามารถเข้าใจแก่นแท้ของปรากฏการณ์ที่เขาอธิบายหรือมองเห็นตรรกะของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ได้อย่างสมบูรณ์ ดังนั้นความรู้สึกของ Fatum ชะตากรรม (ซึ่งส่วนใหญ่มาจากความหลงใหลในโศกนาฏกรรมโบราณ) ที่มีอิทธิพลต่อเหตุการณ์และชีวิตของผู้คน - "โชคชะตาพระเจ้าอดีตทางชีววิทยาของเรา - ไม่ว่าคุณจะเรียกมันว่าในกรณีใด - ความลึกลับ." ในบทละครเช่น "Thirst", "The Fountain", "Lazarus Laughed", "Days Without End" เน้นย้ำทัศนคติของบุคคลต่อนามธรรมบางอย่างแม้กระทั่งหลักการลึกลับที่เป็นอิสระจากเขา “ฉันเป็นคนลึกลับ” นักเขียนบทละครเขียนในปี 1925 “เพราะฉันพยายามมาตลอดและพยายามแสดงชีวิตผ่านชีวิตของผู้คน ไม่ใช่แค่ชีวิตของผู้คนผ่านตัวละคร” แต่ในทางกลับกัน “Desire Under the Elms”, “Wings Are Give to All God’s Children”, “Long Day’s Journey into Night” สร้างขึ้นจากความสัมพันธ์เฉพาะของมนุษย์ที่สะท้อนถึงกระบวนการทางสังคมที่สำคัญ ในงานจำนวนหนึ่ง (“The Hairy Ape”, “The Great God Brown”, “Dynamo”) สถานการณ์ทางสังคมเฉพาะที่คนสมัยใหม่รู้สึกว่าตัวเองถูกรับรู้ในระดับปรัชญาระดับโลกเกี่ยวกับ "สมัยโบราณ" สีดอกกุหลาบและความสิ้นหวังที่มืดมน “ความทันสมัย”; โอนีลรวบรวมความคิดโบราณเกี่ยวกับเวลาไว้ที่นี่ซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับแนวคิดเรื่องโชคชะตาเมื่อ "โชคชะตา โชคชะตาไม่มีอะไรมากไปกว่าความสมบูรณ์ของเวลาในที่สุด แยกออกจากการกระทำของเวลา" ตามกฎ เป็นศัตรูกับมนุษย์

การผสมผสานที่น่าทึ่งระหว่างลัทธิความตายและการยกย่องความไม่ย่อท้อของจิตวิญญาณมนุษย์ทำให้บทละครของโอนีลเข้าใกล้โศกนาฏกรรมโบราณมากขึ้น ตัวละครของเขาตระหนักดีว่าพวกเขาจมดิ่งลงสู่ "เว็บแห่งสถานการณ์" ที่ไม่อาจเข้าใจได้ แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่มีใครลาออกเลย “ชายคนหนึ่งที่ต้องต่อสู้กับโชคชะตาของตัวเอง” ตามที่ผู้เขียนกล่าว “จะยังคงเป็นธีมเดียวของละครเรื่องนี้ตลอดไป” ยิ่งไปกว่านั้น ในการต่อสู้ครั้งนี้ “ผู้กล้าหาญย่อมชนะเสมอ” เนื่องจาก “โชคชะตาไม่เคยทำลาย... จิตวิญญาณของเขาได้” ในการปะทะกันครั้งนี้ ในวลี "ความหวังที่สิ้นหวัง" ซึ่งศิลปินใช้เกี่ยวข้องกับโศกนาฏกรรมของชาวกรีก เป็นหนึ่งในกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจละครของโอนีล

การปะทะกันอันน่าสลดใจในละครของนักเขียนเรื่องนี้เกิดจากการปะทะกันของบุคคลกับสิ่งที่ขัดขวางการแสดงออกตามธรรมชาติของชีวิตของเขา ในยุคแรกๆ ของการแสดงแบบย่อส่วน “สภาวะของโลก” ที่เป็นปฏิปักษ์ต่อมนุษย์ยังคงไร้ซึ่งโครงร่างที่เป็นรูปธรรม ความขัดแย้งมีลักษณะเป็นปรัชญาเชิงนามธรรม ชะตากรรมที่ไม่เอื้ออำนวยต่อมนุษย์ปรากฏที่นี่ภายใต้หน้ากากของ "พลังชีวิตที่ไม่อาจหยั่งรู้ได้" ฮีโร่ของโอนีลเผชิญหน้ากับจักรวาล ซึ่งเป็นธรรมชาติที่เฉื่อยชาและไม่เป็นมิตร แต่ธรรมชาติไม่ได้ปรากฏอยู่ในนักเขียนชาวอเมริกันว่าเป็นพระเจ้าเสมอไป โดยในตอนแรกเป็นศัตรูกับมนุษย์ เช่น ใน "ความกระหาย", "น้ำมันปลาวาฬ" หรือ "แอนนา คริสตี้" ในหลายกรณี มันแสดงถึง "พลังที่ซ่อนอยู่" ของ "ชีวิต" ลงโทษผู้ที่ละเมิดกฎพื้นฐานที่ไม่ได้เขียนไว้และทรยศต่อชะตากรรมของพวกเขา ("ที่ซึ่งถูกทำเครื่องหมายด้วยไม้กางเขน", "ทองคำ") ใน "Moon over the Caribbean Sea" เช่นเดียวกับละครเรื่องอื่น ๆ จากซีรีส์เกี่ยวกับลูกเรือ Glencairn ผู้เขียนเองก็เรียกตัวละครหลักว่า "วิญญาณแห่งท้องทะเล" “ความจริงนิรันดร์แห่งท้องทะเล” ที่นี่เป็นจุดเริ่มต้นที่ช่วยสร้างความจริงเกี่ยวกับ “ผลที่ตามมา” ของมนุษย์จากชีวิต จากธรรมชาติ ความไม่ลงรอยกันอันน่าเศร้าของการดำรงอยู่ ในการเชื่อมโยงเดียวกัน ทะเลเป็นที่จดจำในละครเรื่อง "Beyond the Horizon", "Wings are Give to All God's Children", "Mourning Befits Electra" สัญลักษณ์ของโอนีล - ต้นเอล์ม, ทะเล, พระอาทิตย์ - เป็นผู้มีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ในละครของเขา ซึ่งได้รับอนุญาตให้ "ลงโทษ" หรือ "สนับสนุน" ตัวละคร ในบทละครต่อมา ผู้เขียนได้ถอดรหัสแนวคิดเรื่องโชคชะตา “ โศกนาฏกรรมพัฒนาเหมือนละครกรีกคลาสสิก” เอส. ฟินเกลสไตน์เขียนเกี่ยวกับละครเรื่อง "Long Day's Journey into Night" แทนที่จะเป็น "โชคชะตา" และ "เทพเจ้า" เท่านั้นที่มีระบบสังคมที่มีชีวิตซึ่งเงินมีบทบาทเป็น สิ่งมีชีวิตที่มีอำนาจทุกอย่าง”

ในโศกนาฏกรรมโบราณ เธอเน้นย้ำถึงความแตกต่างระหว่างความหวัง ความตั้งใจของตัวละคร และผลลัพธ์ของการกระทำของพวกเขา เหตุผลที่เป็นการแทรกแซงของโชคชะตาในชีวิตของผู้คน แต่ผลงานของ O'Neill ล่ะ?

กัปตันบาร์ตเล็ต (“โกลด์”) หวังที่จะพบสมบัติและร่ำรวย แต่ผลที่ตามมาคือเขามีส่วนในการฆาตกรรม กลายเป็นคนบ้าคลั่ง สูญเสียความรู้สึกต่อความเป็นจริง และวางยาพิษในจิตใจของลูกชายของเขาเอง คริสตินา แมนนอน (“Mourning Befits Electra”) ฆ่าสามีของเธอ โดยหวังว่าจะมีความสุขกับคู่รักของเธอ แต่เมื่อรู้ว่าเขาเสียชีวิตด้วยน้ำมือของลูกชาย เธอก็ฆ่าตัวตาย คอน เมโลดี้ (“The Poet’s Seal”) ตั้งใจที่จะปกป้องเกียรติยศของเขา ถูกทุบตีอย่างน่าอับอายในบ้านของฮาร์ฟอร์ด

ที่มาของความรู้สึกผิดอันน่าสลดใจของฮีโร่ของโอนีลก็คือความงุนงงของเขาในโลกที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์ บทกวี และความงาม เขาคิดว่าตัวเองจะประสบหายนะเมื่อเขาทำผิดต่อตัวเอง เริ่มดำเนินชีวิตตามกฎของโลกนี้ เล่นบทบาทของคนอื่น ทรยศต่อชะตากรรมตามธรรมชาติของเขาหรือกฎศีลธรรมสูงสุด ใน "The Hairy Ape" เป็นกรง วัตถุที่ทำจากเหล็ก ใน "ทอง" เป็นแผนที่ ใน "The Seal of the Poet" เป็นม้าของเมโลดี้ การแก้ไขข้อขัดแย้งภายนอกมีผลกระทบต่อวัตถุประเภทนี้ กัปตันบาร์ตเล็ตฉีกแผนที่ แยงก์ปล่อยกอริลลาออกจากกรง เมโลดี้ฆ่าม้า การกระทำเชิงสัญลักษณ์เหล่านี้บ่งชี้ว่าบุคคลนั้นได้กลับมาสู่ตัวเอง แต่ในความสามารถใหม่ เกิดใหม่ในความทุกข์ทรมาน นี่เป็นลักษณะเฉพาะของบทละครในยุคแรกของนักเขียนซึ่งเป็นฮีโร่ที่ "กลับมาหาตัวเอง" ในช่วงก่อนตายเท่านั้น

ละครเรื่อง "East to Cardiff" จำลองนาทีสุดท้ายของชีวิตของกะลาสีเรือ Yank ธรรมดาๆ ที่พลัดตกระหว่างเกิดพายุและได้รับบาดเจ็บสาหัส นักเขียนบทละครที่อยู่ในฉากแล้วพยายามแสดงความไม่ลงรอยกันระหว่างชีวิตในปัจจุบัน ความยากลำบาก กับสิ่งที่มีอยู่เฉพาะในความฝันของผู้กำลังจะตาย เขาสร้างแบบจำลองของพื้นที่ปิด ภายในที่กักขังผู้ทุกข์ทรมานและโดดเดี่ยว หายไปในโลกมนุษย์ต่างดาวและเป็นศัตรู เพื่อแสดงความทุกข์ทรมานทางร่างกายและจิตวิญญาณของฮีโร่อย่างเห็นได้ชัดเพื่อสร้างความรู้สึกเหมือนถูกจำคุกในกรงชีวิตศิลปินจึงวางแยงค์ไว้ในส่วนที่แคบที่สุดของห้องสามเหลี่ยมโดยแยกออกจากสถานที่ที่สหายของเขานอนหลับ ดูเหมือนว่าเขาจะรู้สึกเจ็บหลังถึงความหายนะในพื้นที่อยู่อาศัยของเขา ซึ่งเป็นทางตัน ความปิดของห้องตัดกันอย่างชัดเจนกับความเปิดกว้างของท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดวงดาว

การประชดที่น่าเศร้าพบการแสดงออกที่นี่ในสัญลักษณ์ที่น่าทึ่งมากมาย สำหรับกะลาสีเรือ Driscoll การเล่นหีบเพลงที่ผิดทำนองทำให้เขานึกถึงเสียงหอนของแบนชี ซึ่งเป็นวิญญาณแห่งความตายในตำนานเทพเจ้าไอริช เขาต้องการที่จะหยุดเกม แต่ในความเงียบที่ตามมา เสียงไซเรนก็ยิ่งได้ยินมากขึ้น โดยเตือนถึงอันตรายจากการชนกันในสายหมอก ซึ่งเป็นคำพูดที่น่าขันว่าวิญญาณแห่งความตายยังคงหลอกหลอนฮีโร่ของโอนีล การเล่นทั้งหมดตื้นตันใจกับการเชื่อมต่อที่น่าขันที่คล้ายกัน ดริสคอลแนะนำแยงค์ว่าอย่าคิดถึงความตาย แต่ในเวลานี้ เสียงกริ่งของเรือดังขึ้น และทหารยามก็ตะโกน: "สบายดีแล้ว" (ทุกอย่างเรียบร้อยดี) การที่คำพูดให้กำลังใจของ Driscoll ปะทะกันกับเสียงระฆังงานศพดูเหมือนจะดำเนินต่อไปในคำอุปมาที่เป็นเสียง: "ทุกอย่างสบายดี" เป็นวลีที่แจ้งเกี่ยวกับความเป็นอยู่ที่ดี “Aaall’s welll” เป็นการผสมผสานเสียงที่ชวนให้นึกถึงระฆังแห่งความโศกเศร้า ภาพความหมายและสัทศาสตร์แบบองค์รวมช่วยสร้างอารมณ์ที่น่าเศร้าของละคร

ในงานยุคแรกๆ ของโอนีล ความชั่วร้ายที่หลอกหลอนเหล่าฮีโร่ ตามกฎแล้ว ยังคงปราศจากความเป็นรูปธรรมทางสังคม ฮีโร่ของพวกเขาก็เหมือนกับชาวกรีกโบราณที่รู้สึกเหมือนของเล่นอยู่ในมือของโชคชะตาที่ไร้ความปราณี “หมอก หมอก หมอก แม้ว่าคุณจะมองออกไปก็มีแต่หมอก... และคุณไม่รู้ว่ามันพาคุณไปที่ไหน... มีเพียงปีศาจเฒ่าเท่านั้นที่รู้ ทะเล” คำเหล่านี้ช่วยเติมเต็มบทละคร “แอนนา คริสตี้” บุคคลไม่สามารถรู้อะไรเกี่ยวกับชะตากรรมของเขาเกี่ยวกับอนาคตของเขาเองได้ ทะเล ธรรมชาติ ชีวิต รู้เรื่องนี้ แต่ถึงอย่างนั้น ในการทดลองที่น่าทึ่งครั้งแรก บางครั้งศิลปินก็สามารถเชื่อมโยงแนวคิดเรื่องโชคชะตากับข้อเท็จจริงเฉพาะของประวัติศาสตร์ได้ เหตุการณ์ในละคร "In the Zone" เกิดขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ท่ามกลางบรรยากาศแห่งความสงสัยและหวาดกลัว กะลาสีเรือจึงคว้าและมัดเพื่อนของตน โดยเข้าใจผิดว่ากองจดหมายรักที่อยู่ใต้หมอนของเขาเป็นระเบิดของเยอรมัน ความน่าสมเพชต่อต้านสงครามของละครเรื่อง "Sniper" มีรายละเอียดที่น่าทึ่ง: ความงามที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของธรรมชาติถูกรับรู้ผ่านช่องว่างที่เหลือจากกระสุนปืนใหญ่ การทำลายล้างและความตายนั้น “แปลกแยก” โดยความจริงอันเป็นนิรันดร์ของธรรมชาติ อาชญากรรม ความชั่วร้าย สงครามไม่สามารถทำลายความหวังในการฟื้นฟูได้

หัวข้อที่ชื่นชอบของวรรณกรรมและศิลปะอเมริกันในยุค 20 คือการสูญเสียจิตวิญญาณของบุคคลการปฏิเสธจากตัวเองอันเป็นผลมาจากความสัมพันธ์ที่เป็นเจ้าของในสังคมและเป็นผลมาจาก "การทำให้เป็นเครื่องจักร" ของสังคม นักเขียนหลายคนมองว่าศาสนาใหม่ทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีเป็นมนุษย์ที่อยู่ใต้บังคับบัญชาและกดขี่ และในเครื่องจักร - "เครื่องรางที่เรียกร้องและไม่หยุดยั้ง" การบูชานั้นดูคล้ายกับการบูชาอย่างแท้จริง” นักเขียนบทละครชาวเยอรมัน G. Kaiser มีความสัมพันธ์กับพระเจ้าในละครเรื่อง “Gas” ของเขา และเอส. ลูอิส นักเขียนชาวอเมริกันผู้โด่งดังที่สุดกล่าวในปี 1927 ว่าแนวโน้มที่จะยกย่องเครื่องจักรนั้นเป็น “หายนะต่อชีวิต” ในเรื่องนี้ คำพูดของโอนีลเกี่ยวกับ "การสิ้นพระชนม์ของพระเจ้าองค์เก่า และการไร้ความสามารถของวิทยาศาสตร์และลัทธิวัตถุนิยมที่จะเสนอสิ่งใหม่ซึ่งสนองสัญชาตญาณทางศาสนาดึกดำบรรพ์ในการค้นหาความหมายของชีวิต..." มีความสำคัญ ในละครเรื่อง “The Hairy Ape” เหล็กทำหน้าที่เป็นสัญลักษณ์ของ “วิทยาศาสตร์และวัตถุนิยม” ซึ่งเป็นการแสดงออกถึง “พระเจ้าองค์ใหม่” ตลอดทั้งฉากพระเอกต้องต่อสู้กับ "อนุพันธ์" ของโลหะนี้ กับสังคมแห่งความเจริญรุ่งเรืองและ "วัตถุนิยม" ที่โอนีลเกลียดชัง ซึ่งจริงๆ แล้วกลับกลายเป็นว่าแยงก์ต่อสู้กับตัวเองซึ่งเป็นการปะทะกันภายใน ของบุคคล “ด้วยพรหมลิขิต”

ในฉากที่ 1 พระเอกหลงกลเกี่ยวกับพลังของเขาเรียกตัวเองว่าเหล็ก:“ ใช่แล้ว ฉันคือเหล็ก เหล็กกล้า เหล็กกล้า! ฉันคือกล้ามเนื้อเหล็ก! ฉันคือพลังแห่งเหล็ก! ในเวลาเดียวกัน เขาก็ฟาดลูกกรงเหล็กด้วยกำปั้น จนเสียงของเขาถูกกลบด้วยเสียงของโลหะ ด้วยการทำให้เสียงของมนุษย์และเสียงโลหะแยกจากกันไม่ได้ โอนีลเน้นตั้งแต่แรกเริ่มว่าองค์ประกอบที่โดดเด่นของความสามัคคีนี้คือเหล็กกล้า ไม่ใช่มนุษย์ เสียงของ Yank อู้อี้ด้วยเสียงคำรามของโลหะเปรียบได้กับเสียงร้องของสัตว์ และตัวละครเองก็มีความสัมพันธ์กับสัตว์ในกรง (อีกครั้งที่เป็นรูปของกรง ซึ่งเป็นธีมของการเป็นทาสที่น่าเศร้าของมนุษย์โดยชีวิต) ความเกี่ยวข้องนี้จะชัดเจนขึ้นในภายหลัง เมื่อแยงค์เขย่าลูกกรงในห้องขังของเขา

ความขัดแย้งระหว่างบุคคลที่รู้สึกเหมือนเป็นตัวเชื่อมโยงหลักในสังคม "ยานยนต์" จึงเปรียบเทียบตัวเองกับเหล็กกล้า และสังคมนี้เองซึ่งสัญลักษณ์ที่เป็นเหล็กกล้า ก็ปรากฏโครงร่างที่ชัดเจนในฉากที่ 3 ในภาพเสียงทั่วไป เราจะได้ยินเสียงบดของ "เหล็กบนเหล็ก" ก่อนการปะทะกันระหว่างแยงค์และมิลเดรด แยงก์ขว้างพลั่วตามเธอไปโดยถูกดูหมิ่นโดยลูกสาวของ "ราชาเหล็ก" ซึ่ง "เสียงดังกระทบกำแพงกั้นเหล็ก" และล้มลงกับพื้นด้วยเสียงคำราม ซึ่งถือเป็นการปะทะกันครั้งสุดท้ายของเหล็กกับเหล็กในการเล่น เมื่อพิจารณาตัวเองว่าเป็นศูนย์กลางของจักรวาลแล้ว Yank หลังจากพบกับ Mildred ก็ถูกโยนลงมาจากฐานในจินตนาการของเขา แต่นางเอกไม่ใช่ผู้ปกครองและไม่ใช่ตัวตนของพลังเหล็ก แต่ในคำพูดของเธอ "เสียเปล่าจากการแข็งตัวและผลนับล้านที่เกิดขึ้นจากมัน" โอนีลสรุป: "เทพเจ้าแห่งเครื่องจักร" แห่งความทันสมัยที่ตกเป็นทาสแยงก์มิลเดรดที่ถูกปราบปรามและควบคุมร่างกายซึ่งเป็นตัวแทนของชนชั้นล่างและชนชั้นสูงของสังคม ฮีโร่ในละครกลับกลายเป็นว่าไม่ใช่ผู้ต่อต้านมากนักในฐานะเหยื่อของสังคม ไม่ใช่การปะทะกันระหว่างตัวแทนของชนชั้นทางสังคมที่แตกต่างกันที่ทำให้เกิดการปะทะกันที่น่าเศร้า แต่เป็นการต่อต้านในใจของ Yank ระหว่าง "สมัยโบราณ" เมื่อบุคคล "อยู่ในสถานที่" และ "ความทันสมัย" เมื่อเขารู้สึกว่าตัวเองอยู่ในกรง . มีเพียงกอริลลาเท่านั้นที่สามารถ "เป็น" ของ "ป่า" ที่ไร้วิญญาณสมัยใหม่ได้และเฉพาะในอดีตอันไกลโพ้นเท่านั้นที่บุคคลจะรู้สึกสอดคล้องกับชีวิต

ในละครเรื่อง "Wings Are Give to All God's Children" ผู้ที่ดูเหมือนจะต่อสู้กันไม่มากนักเหมือนกับศัตรูทั่วไป: เศษทางสังคมที่ลึกล้ำจดจ่ออยู่ในจิตสำนึกของพวกเขา นิโกร จิม แฮร์ริส และเด็กสาวผิวขาว เอลล่า ดาวนีย์ พบว่าตัวเองเป็นคนนอกรีตในสังคมสมัยใหม่: มิกกี้ นักมวยมิกกี้ ล่อลวงและทอดทิ้ง เอลล่ากลายเป็นผู้หญิงที่มีคุณธรรมง่ายๆ จิมใฝ่ฝันที่จะเป็นทนายความเพื่อเป็นประโยชน์ต่อประชาชนของเขา แต่อเมริกาผิวขาวซึ่งไม่สนใจเรื่องนี้ กลับสร้างอุปสรรคขวางทางเขา

เช่นเดียวกับใน "Desire Under the Elms" โอนีลแสดงให้เห็นด้วยความถูกต้องทางจิตวิทยาที่น่าทึ่งว่าความรู้สึกที่แท้จริงของมนุษย์ต้องต่อสู้กับความคิดที่บิดเบือนของโลกด้วยระบบคุณค่าแบบดั้งเดิมอย่างไร การปะทะกันภายในของมนุษย์อย่างแท้จริงกับทัศนคติของโลกทัศน์สาธารณะทำให้เกิดความเจ็บป่วยทางจิตในนางเอกและนำไปสู่บุคลิกภาพที่แตกแยก เอลลาตระหนักว่าสามีของเธอเป็นคนที่ "ขาวที่สุด" ที่เธอรู้จัก แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ไม่สามารถยอมให้เขาเป็นทนายความได้ "ระดับความสูง" ของเขา - หลังจากนั้นเขาซึ่งเป็นชายผิวดำจะ "อยู่เหนือ" เธอซึ่งเป็น "ผู้ล้มลง" ที่ประสบความล้มเหลวในชีวิต รายละเอียดอันน่าทึ่งที่สำคัญคือหน้ากากคองโกที่แขวนอยู่ในบ้านแฮร์ริส สำหรับจิมและเฮตตีน้องสาวของเขา นี่คืองานศิลปะ การแสดงออกถึงเอกลักษณ์ประจำชาติ และสำหรับเอลล่า มันเป็นเครื่องเตือนใจถึงความอัปยศอดสูที่สังคมมองว่าเธอต้องถึงวาระ ด้วยมีดแทงหน้ากาก เธอฆ่า “ปีศาจ” จิตสำนึกที่ป่วยของเธอ และกลับสู่สภาพเดิมที่ “บริสุทธิ์”

หากใน “The Hairy Ape” ภาพของกรงขังปรากฏขึ้นตั้งแต่เริ่มต้นและต่อมามีเพียงรูปแบบที่เปลี่ยนไป ดังนั้นในละครเรื่องนี้ การเคลื่อนไหวทั้งหมดของสภาพแวดล้อมบนเวทีที่เป็นวัตถุจะค่อยๆ สร้างภาพขึ้นมา ผนังในบ้านที่จิมและเอลล่าอาศัยอยู่กำลังทรุดโทรม เพดานตกต่ำ ในขณะที่เฟอร์นิเจอร์ดูเทอะทะมากขึ้นสำหรับห้องที่ค่อยๆ กลายเป็นกรงขัง สังคมทำลายมนุษย์อย่างสิ้นเชิง จิมหมดความหวังที่จะเป็นทนายความ และเอลล่าตกอยู่ในความบ้าคลั่งจนสุดขีด - เธอพยายามในชีวิตของสามี

เอฟเฟกต์แสงมีบทบาทสำคัญในการแก้ไขข้อขัดแย้งที่นี่ ในฉากแรก พลบค่ำตกในช่วงเวลาที่ชายผิวสี จิม และเอลล่า สาวผิวขาวสารภาพรักต่อกัน เด็ก ๆ มีความรู้สึกเท่าเทียมกันเช่นกัน ความสัมพันธ์ของพวกเขากลมกลืนกันราวกับกลางวันและกลางคืน (ขาวและดำ) ที่ผสานกันท่ามกลางแสงพลบค่ำ ต่อจากนั้น เหตุการณ์ต่างๆ ส่วนใหญ่จะเกิดขึ้นในแสงที่ "ซีด" และ "ไร้ความปรานี" ของโคมไฟถนน และเฉพาะในฉากสุดท้ายเท่านั้น เมื่อเอลล่าแห่งความบ้าคลั่ง ดูเหมือนจะกลับคืนสู่วัยเด็กอีกครั้ง และตัวละครต่างๆ ก็ฟื้นคืนความสามัคคีที่หายไปเป็นครั้งที่สอง สีขาวและสีดำ - สีสันของกลางวันและกลางคืน - รวมเข้าด้วยกันอีกครั้งในแสงสนธยา ยุคนั้นช่างเลวร้ายอย่างที่นักเขียนบทละครพูดซึ่งผู้คนสามารถรวมตัวกันและสงบสติอารมณ์ได้โดยการบ้าคลั่งเท่านั้น

ใน "Desire Under the Elms" การปะทะกันอันน่าสลดใจแสดงออกอย่างเข้มข้นที่สุด เพราะที่นี่ธรรมชาติของความสัมพันธ์ของมนุษย์ถูกระงับโดยสัญชาตญาณการเป็นเจ้าของ ความซับซ้อนทางจิตวิทยาที่ซับซ้อน เช่นเดียวกับคุณธรรมที่เคร่งครัดซึ่งปฏิเสธชีวิตในการแสดงออกทางธรรมชาติ ความปรารถนาที่ไม่เป็นธรรมชาติจากมุมมองของศีลธรรมอันสูงส่ง (ครอบครอง, มี) บิดเบือนและบิดเบือนความรู้สึกตามธรรมชาติ: ความรักอยู่ร่วมกับความเกลียดชัง การทรยศหักหลัง ด้วยความเสียสละอย่างสูง ในโลกที่มีค่านิยมที่บิดเบือนนี้ แม้แต่การฆาตกรรมเด็กก็ยังเป็นเครื่องยืนยันถึงความรักและความซื่อสัตย์ เราสังเกตเห็นกระบวนการโต้ตอบสองกระบวนการ: การต่อสู้ของตัวละครเพื่อเป็นเจ้าของฟาร์มและการเกิดขึ้นของความรู้สึกรักในหมู่คนหนุ่มสาว สุกงอมอย่างแฝงเร้น และสุดท้ายก็ระเบิดออกมาด้วยความรุนแรง พื้นฐานของโศกนาฏกรรมในกรณีนี้คือสภาวะของความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ ซึ่ง "ปรากฏการณ์ที่สวยงามทุกอย่างในชีวิตจะต้องตกเป็นเหยื่อของศักดิ์ศรีของตัวเอง" เช่นเดียวกับละครเรื่อง “Wings are Give to All God’s Children”

การปะทะกันของสององค์ประกอบที่ขัดแย้งกันในบทละครเกิดขึ้นในรูปแบบการแสดงออกเชิงสัญลักษณ์ ด้วยความต้องการที่จะยังคงเป็นคู่แข่งเพียงคนเดียวของฟาร์ม Ebin จึง "จ่าย" พี่น้องของเขา หลังจากได้รับเงินและรู้สึกเป็นอิสระในที่สุด Simeon และ Peter "เริ่มเต้นรำแบบอินเดียอย่างดุเดือดรอบ ๆ Cabot ... " ในองก์สุดท้าย Cabot เองได้จัดงานฉลองเนื่องในโอกาสที่ลูก "ของเขา" กำเนิดก็ขว้าง " การเต้นรำอันน่าทึ่ง" "ในการเต้นรำแบบอินเดียอันดุเดือด" ในด้านหนึ่งถูกลงโทษโดย Ebin, Cabot, การเต้นรำ, มีลักษณะคล้ายคลึงกับผู้คนที่พ่ายแพ้โดยเขา (ชาวอินเดียที่เขาสังหารในวัยหนุ่ม) และอีกด้านหนึ่งลูกชายที่ถูกกดขี่โดยเขามาเป็นเวลานาน การสังหารชาวอินเดียนแดงของ Cabot สามารถเห็นได้จากประเด็นหลักซึ่งเป็นหนึ่งในความพยายามของเขาที่จะปราบปรามหลักการนอกรีตและยืนยันชีวิต แต่หลักการนี้ก็มีอยู่ในตัวเขาเช่นกัน เมื่อแน่ใจว่าเนื้อของเขามีส่วนทำให้เกิดใหม่ ชาวนาเก่าก็ปลดปล่อยตัวเอง กระแสชีวิตของเขาที่ถูกระงับมานานก็ถูกปลดปล่อย และเขาเมาด้วยความยินดีก็วนเวียนอยู่ใน เต้นรำอย่างบ้าคลั่งเหมือนกับลูกชายของเขาที่ได้รับโอกาสให้ไปเหมืองทองคำแห่งแคลิฟอร์เนีย ทิวทัศน์ในการเล่นเป็นอาการของบ้านที่มืดมนและต้นเอล์มสีเขียว กำแพงหิน และประตูไม้ กำแพงเป็นแท่นบูชาที่สร้างขึ้นโดย Cabot เพื่อบูชาเทพเจ้าผู้ซึ่งตามคำพูดของเขาคือ "ในก้อนหิน" ซึ่งเป็นศูนย์รวมของความแข็งแกร่งและความไร้ความปรานี ใกล้กับประตูไม้ (ไม้คือชีวิต) เอบินและพี่น้องหยุดชื่นชมสีสันของท้องฟ้า (ท้องฟ้าเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับฟาร์ม) ดูเหมือนว่าจะเตรียมตอนสุดท้ายของละครโศกนาฏกรรม - บทกวีเมื่อในที่สุด Ebin และ Abby ได้พบรักกันแยกจากทุกสิ่งทางโลกและเห็นแก่ตัวหยุดที่ประตู "มองด้วยความเคารพและชื่นชมท้องฟ้า"

เช่นเดียวกับในโศกนาฏกรรมของยุคเรอเนซองส์และลัทธิคลาสสิก Ebin Cabot ตกเป็นเหยื่อของข้อผิดพลาด "การจดจำที่ล่าช้า" พฤติกรรมของเขาถูกกำหนดไม่มากนักจากความขัดแย้งภายในระหว่างความรักกับจิตวิญญาณแห่งความใฝ่ฝันที่ไม่อาจต้านทานได้ แต่ (เช่นในโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์) ด้วยความผิดหวังในสิ่งที่ได้มาใหม่และดูเหมือนว่าเขาจะสูญเสียอุดมคติของมนุษย์ไป นี่ไม่ใช่แค่ความผิดหวังของผู้สมัครที่ละโมบซึ่งถูกคู่แข่งที่ประสบความสำเร็จมากกว่าแซงหน้าอย่างชาญฉลาด แต่เป็นโศกนาฏกรรมของอีกลำดับที่สูงกว่า ตัวละครอายุน้อยถูกพาตัวไปสู่ความตาย แต่อารมณ์ของตอนจบไม่อาจเรียกได้ว่าสิ้นหวัง เอบินเกิดใหม่ ได้รับศรัทธาในความรักกลับคืนมา และสิ่งเดียวที่มีอยู่จริงที่ค้นพบแอ๊บบี้ก็ค้นพบตัวเอง นี่คือผลการชำระล้างของโศกนาฏกรรม แต่การเล่นยังไม่จบ โอนีลนำนายอำเภอมาปฏิบัติ โดยพูดประโยคเดียวว่า "ฟาร์มมหัศจรรย์... ฉันจะไม่ยอมแพ้" ตอนนี้วงจรโศกนาฏกรรมครั้งใหม่กำลังจะเริ่มต้นขึ้น ซึ่งมนุษยชาติจะต้องเสียสละอีกครั้ง

ฝันถึงการฟื้นฟูโศกนาฏกรรมในสภาพสมัยใหม่พยายามทำให้โรงละครกลับสู่ "จุดประสงค์สูงสุด ... - เพื่อทำหน้าที่เป็นวัดที่ศาสนาแห่งการตีความบทกวีและการเชิดชูสัญลักษณ์แห่งชีวิตจะถูกส่งไปยังทุกคนในปัจจุบัน" O 'นีลล์หันไปดูผลงานของเอฟ. นีทเชอ เรื่อง The Birth of Tragedy from the soul of music' เขาถูกดึงดูดด้วยแนวคิดเรื่องการมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างหลักการ "ไดโอนีเซียน" และ "อะพอลโลเนียน" ซึ่งเป็นลัทธิของไดโอนีซัสในฐานะเทพที่กำลังจะตายและเกิดใหม่ แนวคิดนี้หักเหผ่านปริซึมของโลกทัศน์ดั้งเดิมของโอนีล ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในบทละครเรื่อง "The Great God Brown" และ "Lazarus Laughed" ตัวละครหลักของคนแรกได้รับชื่อเชิงสัญลักษณ์ - ดิออนแอนโทนี่และสิ่งนี้เน้นย้ำว่ากองกำลังทั้งสองปะทะกันในจิตวิญญาณของเขา: "การรับรู้ชีวิตนอกรีตที่สร้างสรรค์" (หลักการไดโอนีเซียน) และ "วิญญาณร้ายที่ปฏิเสธชีวิต ของคริสต์ศาสนา อุปมาโดยนักบุญอันตน” แต่ตามที่ผู้เขียนกล่าวไว้ ไม่มีพลังใดที่สามารถเอาชนะได้ เนื่องจากในสังคมสมัยใหม่ มนุษย์ได้สูญเสียทั้งความรู้สึกสนุกสนานและความสามัคคีของชีวิตและศรัทธาของคริสเตียนในพระเจ้า พวกเขาถูกแทนที่ด้วย "เทวดาครึ่งเทพที่มองไม่เห็นของตำนานวัตถุนิยมใหม่ของเรา" ซึ่งเป็นความสำเร็จที่ Billy Brown โฆษกของละครเรื่องนี้ ศิลปินที่แท้จริงดูเหมือนเป็นสิ่งผิดปกติในสังคมนี้และสามารถดำรงอยู่ในสังคมนี้ได้ก็ต่อเมื่อนำงานศิลปะของเขาไปเป็นโสเภณีเท่านั้น ดังนั้นความขัดแย้งอันเจ็บปวดของเขากับตัวเองและความรู้สึกของชีวิตที่ไม่สงบที่น่าเศร้า อย่างไรก็ตาม โอนีลใช้วิธีทำซ้ำที่นี่ ผู้เขียนเติมเต็มโศกนาฏกรรมที่แท้จริง - อันเป็นผลมาจากความไม่ลงรอยกันของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์กับสังคมชนชั้นกลาง - ด้วยโศกนาฏกรรมในจินตนาการที่เกิดขึ้นจากธรรมชาติของธรรมชาติทางศิลปะเช่นนี้ หน้ากากของแพนซึ่งดิออนสวมเมื่อตอนเป็นเด็ก ไม่เพียงแต่ทำหน้าที่เป็นเครื่องมือในการปกป้องจากสังคม "สำหรับศิลปิน-กวีที่ไวต่อความรู้สึก" เท่านั้น แต่ยังตามที่ผู้เขียนระบุอีกด้วย ยังเป็น "ส่วนสำคัญของธรรมชาติทางศิลปะของเขาอีกด้วย ” ความเป็นคู่ภายในของ Dion ความขัดแย้งระหว่างใบหน้าและหน้ากากที่ทำให้เขากลายเป็นศิลปินที่ "มีชีวิต" อย่างแท้จริง ในขณะที่ความสมดุลภายในของ Brown บ่งบอกถึงความด้อยกว่าทางจิตวิญญาณ ความแห้งแล้งอย่างสร้างสรรค์ของ "คนอเมริกันโดยทั่วไป"

ปรัชญาของละครเรื่องนี้นอกเหนือไปจาก “เกมสวมหน้ากาก” และลงมาอยู่ที่แนวคิดหลักสองประการ The Great God Brown เช่นเดียวกับ The Hairy Ape เป็น "ภาพยนตร์ตลกของสมัยโบราณและความทันสมัย" ซึ่งความรู้สึกของความทันสมัยเป็นการถดถอย ซึ่งเป็นทางตันในเส้นทางของมนุษยชาติ โดยเน้นด้วยภาพแห่งความมืดมิดที่ลึกซึ้ง ความมืดและความหนาวเย็นเป็นสิ่งที่คนสมัยใหม่รู้สึกเป็นหลัก แต่ความน่าสมเพชหลักของละครไม่ได้ลดลงเหลือเพียงแนวคิดในแง่ร้ายนี้ ความมืดมิดที่สิ้นหวังแห่งความทันสมัยเป็นเพียงก้าวหนึ่งในการฟื้นคืนชีวิต ธรรมชาติ และโลกชั่วนิรันดร์ ผู้เขียนนำแนวคิดของ Nietzschean เกี่ยวกับการทำซ้ำชั่วนิรันดร์การเกิดใหม่ของชีวิตตามวัฏจักรไว้ในปากของ Cybel ซึ่งในแง่ปรัชญาและเชิงเปรียบเทียบถูกมองว่าเป็น Cybele ซึ่งเป็น "แม่นอกรีตของโลก" แนวคิดเดียวกันของการทำซ้ำชั่วนิรันดร์นั้นแสดงออกมาในองค์ประกอบของงานเมื่อบทส่งท้ายทำซ้ำบทนำในเวลาสถานที่ดำเนินการและประเด็นสำคัญของเนื้อหา

ความปรารถนาของ O'Neill ที่จะรื้อฟื้นจิตวิญญาณแห่งโศกนาฏกรรมนั้นเชื่อมโยงกับความสนใจของเขาในตำนานในฐานะมุมมองพิเศษเหนือกาลเวลาเกี่ยวกับการรับรู้ความเป็นจริง สิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้คือไตรภาค "Mourning Befits Electra" ซึ่งสะท้อนถึง "Oresteia" ของ Aeschylus นักเขียนบทละครซึ่งคิดอยู่ตลอดเวลาว่าตอนนี้เทียบเท่ากับหินโบราณได้อย่างไร ค้นพบมันในยีน ในทางชีววิทยา และการเชื่อมโยงทางบรรพบุรุษ แหล่งที่มาของความขัดแย้งอันน่าทึ่งถูกบรรจุไว้อีกครั้งในการปะทะกันขององค์ประกอบของความรัก ความปรารถนาที่จะมีชีวิตกับโลกแห่งการไม่ยอมรับความรู้สึกที่เคร่งครัดซึ่งความตายและการฆาตกรรมเป็นเรื่องปกติ

แอ็กชันใน "Electra..." เกิดขึ้นในช่วงสิ้นสุดสงครามกลางเมืองอเมริกา (คล้ายคลึงกับสงครามเมืองทรอยในเวอร์ชันโบราณ) แต่ตัวละครของ O'Neill ดูเหมือนจะถูกแย่งชิงไปจากประวัติศาสตร์ ในเรื่องราวของ Atridae ศิลปินชาวอเมริกันถูกดึงดูดด้วยแนวคิดเรื่องคำสาปทางพันธุกรรม ความสัมพันธ์อันยุ่งเหยิงอันน่าเศร้าเริ่มคลี่คลายตั้งแต่ช่วงเวลาที่บรรพบุรุษของตัวละคร อาเบะ แมนนอน ก่ออาชญากรรมต่อต้านความรักเป็นครั้งแรก และสร้าง "วิหารแห่งความเกลียดชัง" ขึ้นมา ตั้งแต่นั้นมาลูกหลานแต่ละคนของเขาพยายามไม่ทางใดก็ทางหนึ่งเพื่อปลดปล่อยตัวเองจากคำสาปที่หนักใจเขา แต่ไม่สามารถทำได้ - ชะตากรรม ("ชะตากรรมทางจิตวิทยาภายใน") ส่งผลกระทบต่อบุคคลจากภายใน หากนักเขียนชาวกรีกโบราณไม่ละทิ้งความหวังว่าลำดับของสิ่งต่าง ๆ ในตอนแรกจะได้รับการฟื้นฟู และการกระทำของผู้คนจะประสานกับเจตจำนงอันชาญฉลาดของเทพเจ้า นักเขียนบทละครชาวอเมริกันก็ไม่เห็นความเป็นไปได้ที่คนสมัยใหม่จะบรรลุผลสำเร็จ สอดคล้องกับชีวิต

ในงานนี้ ความขัดแย้งอันน่าสลดใจปรากฏให้เห็นในบทกวีเชิงละครทุกระดับ “หินสีเทาหม่นหมอง” ตัดกันในทิศทางบนเวทีกับ “ความเขียวขจีสดใส” ของสนามหญ้าและพุ่มไม้ ซึ่งสัมพันธ์กับชุดสีเขียวของคริสตินา ซึ่งเน้นย้ำถึงการผสมผสานของเธอกับจิตวิญญาณแห่งธรรมชาติ ลำต้นของต้นสน “คล้ายเสาสีดำ” เกี่ยวข้องกับชุดสีดำของลูกสาวของเธอ ลาวิเนีย ต้นสนที่เขียวขจีซึ่งตรงกันข้ามกับพืชที่อยู่รอบๆ ที่ผ่านช่วงชีวิตปกติ ลำต้นสีดำที่โศกเศร้าบ่งบอกถึงความโดดเดี่ยวและความเสื่อมโทรมของแมนโนเนียน ระเบียงสไตล์กรีกสีขาวไม่สอดคล้องกับผนังสีเทาหม่นของบ้าน ชุดนี้ประกอบด้วยข้อความย่อยที่น่าขัน ประวัติศาสตร์ของ Mannons ถูกมองว่าเป็นการปราบปราม "กรีก" ซึ่งเป็นหลักการนอกรีตในความสัมพันธ์ของพวกเขา การผสมผสานระหว่างระเบียงกรีกกับสถาปัตยกรรมทั่วไปของบ้านอย่างน่าอึดอัดใจถือเป็นการเยาะเย้ยความพยายามอันไร้ประโยชน์ของคริสตินาและลาวิเนียในเวลาต่อมาเพื่อเอาชนะคำสาปที่ชั่งน้ำหนักพวกเขาและปกป้องสิทธิที่จะรักของพวกเขา การเล่นในตอนเดียวเกิดขึ้นนอกบ้านแมนนอน คฤหาสน์เช่นเดียวกับฟาร์ม Cabot มีความเกี่ยวข้องกับโชคชะตาที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ตัวละครหลักทั้งหมดของไตรภาคนี้ตายภายในกำแพง เป็นลักษณะเฉพาะที่การกระทำของผลงานล่าสุดของ O'Neill ยังพัฒนาภายในฉากหัวเรื่องเดียวกัน (ห้องนั่งเล่นของ Harry Hope, โรงเตี๊ยมของ Melody, ห้องนั่งเล่นของ Tyrone, ฟาร์มของ Phil Haugen) ซึ่งช่วยเพิ่มความเข้มข้นของละครภายในทำให้รุนแรงขึ้นทางอ้อมของโศกนาฏกรรม ความสิ้นหวังในสถานการณ์ของตัวละคร ความเป็นไปไม่ได้สำหรับพวกเขาที่จะออกจาก "คุกแห่งจิตวิญญาณของตัวเอง"

หากความรู้สึกผิดอันน่าสลดใจของตัวละครเอกในยุคแรก ๆ ของ O'Neill อยู่ที่การถอยห่างจากธรรมชาติ จุดประสงค์ สิ่งแวดล้อม ความสัมพันธ์ตามธรรมชาติของมนุษย์ และเพื่อชดใช้ความผิด พวกเขามักจะสละชีวิตของตนเอง ในตอนนี้ผู้เขียนเปลี่ยนจุดเน้นของเขา โศกนาฏกรรมอยู่ที่ความเข้าใจในตนเอง เมื่อติดต่อกับจิตสำนึกที่ป่วย มีความรู้สึกผิดของตัวเอง กับความเป็นจริงที่แท้จริง ซึ่งในคำพูดของ Edmund Tyrone "กอร์กอนทั้งสามมารวมกัน คุณมองหน้าพวกเขาแล้วคุณก็กลายเป็นหิน” แต่นักเขียนบทละครยังปฏิเสธความตายว่าเป็นวิธีการชดใช้ความผิดและความสำเร็จของความสามัคคีที่สูงขึ้นภายนอกชีวิตกับตัวละครในเวลาต่อมาของเขา ความขัดแย้งภายในทางจิตวิทยาที่จำเป็นสำหรับโอนีลเกิดขึ้นจากการปะทะกันของการรับรู้อันลวงตาของความเป็นจริงกับความเป็นจริงที่เป็นหายนะ ยิ่งกว่านั้นตามกฎแล้วนักเขียนบทละครไม่ได้หันไปใช้ความละเอียดภายนอกอีกต่อไป - การกระทำที่มีนัยสำคัญอันน่าเศร้าของตัวละคร

ด้วยการโน้มน้าวชาวห้องนั่งเล่นด้วย "ยา" ของเขา ("The Iceman Is Coming") ฮิคกี้กลับทำให้สถานการณ์ที่น่าเศร้าแย่ลงเท่านั้น ตัวละครแต่ละตัวในละครเรื่องนี้ (ยกเว้นดอน แพร์ริตต์) กระทำการที่ไม่นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงใดๆ ในละครเรื่อง “Long Day's Journey into Night” ในที่สุดผู้เขียนก็ปฏิเสธการกระทำของตัวละครของเขา การกระทำภายนอกเป็นรูปแบบของการตรงกันข้ามที่น่าเศร้า การท้าทายโชคชะตาอย่างสิ้นหวัง ทุกอย่างได้เกิดขึ้นแล้ว และวันสุดท้ายคือจุดสุดยอดของเส้นมาบรรจบกัน ช่วงเวลาแห่งการเปิดเผยผลลัพธ์อันน่าเศร้าที่ได้เกิดขึ้นแล้ว การดำเนินการของบทละครพัฒนาเป็นซีรีส์ของการปะทะกันภายในแบบคู่ขนาน โดยอิงจากการเผชิญหน้าในจิตวิญญาณของผู้คนที่มีความรู้สึกผิดและการแก้ตัวให้ตัวเอง ความขุ่นเคืองและความรัก การดูถูกและความสงสาร ทั้งในอดีตและปัจจุบัน

ในงานนี้ เช่นเดียวกับในการเล่น East to Cardiff ก่อนหน้านี้ O'Neill ได้แนะนำไซเรนหมอก แต่ใน "The Long Day" ศิลปินหันไปใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบที่กว้างกว่าและสิ้นหวัง หากในกรณีแรกการกระทำเกิดขึ้นบนเรือที่แล่นผ่านคืนที่มีพายุ ขอบเขตของสถานการณ์ "พิเศษ" จะถูกลบออกไป ใน "คาร์ดิฟฟ์" ไซเรนซึ่งชวนให้นึกถึงเสียงหอนของแบนชีมีความเกี่ยวข้องกับชายที่กำลังจะตาย ในละครเรื่องต่อมาซึ่งตัวละครยังค่อนข้างห่างไกลจากความตาย เธอปรากฏเป็นผู้มีญาณทิพย์ที่ชาญฉลาดและมืดมนมากขึ้น ซึ่งเป็นรายละเอียดที่สะท้อนถึงโลกทัศน์ของนักเขียนในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตได้อย่างมีคารมคมคาย โอนีลยังใช้เทคนิคการทำซ้ำหรือความเท่าเทียมด้วยความช่วยเหลือในการเปิดเผยความหมายเชิงปรัชญาทั่วไปของงาน ตัวละครใน "The Long Day" ดูเหมือนจะพูดถึงเหตุการณ์ที่ไม่เกี่ยวข้องและผู้คน แต่เราอดไม่ได้ที่จะรู้สึกถึงความเชื่อมโยงอย่างต่อเนื่องระหว่างชะตากรรมของกวี ญาติ คนรู้จักที่กล่าวถึงในการสนทนา และตำแหน่งของสมาชิกในครอบครัว Tyrone สิ่งนี้สร้างพื้นหลังที่เป็นเอกลักษณ์สำหรับละคร ผลักดันขอบเขตของลักษณะทั่วไป และช่วยให้เราเห็นโศกนาฏกรรมในขอบเขตที่ใหญ่กว่ามากในละครครอบครัว Tyrone ความคล้ายคลึงกันของสัญลักษณ์ สถานการณ์ และการกระทำของตัวละครสะท้อนถึงการรับรู้ถึงลักษณะชีวิตของนักเขียนบทละครที่ถึงแก่ชีวิต คำพูดของแมรี่ ไทโรนที่ว่า “อดีตคือปัจจุบัน มันเป็นอนาคตด้วย” ไม่เพียงแต่รวมอยู่ในเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในรูปแบบของบทละครของโอนีลด้วย แง่มุมนี้มีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับนักเขียนผู้พยายามแสดงออกถึง "ความรู้สึกแห่งโชคชะตาของชาวกรีกในความหมายสมัยใหม่"

ในงานของ O'Neill เรื่องโศกนาฏกรรมไม่ได้ลดลงเหลือเพียงผลลัพธ์ที่มองโลกในแง่ร้ายหรือสิ้นหวังเท่านั้น ในบทละครส่วนใหญ่ของเขา เหล่าฮีโร่ที่พ่ายแพ้ในการชนกันในชีวิตจริง ไม่บรรลุสิ่งที่พวกเขาพยายามมาตั้งแต่แรกพบบางสิ่งที่ไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของความตั้งใจของพวกเขา แต่โดยพื้นฐานแล้วกลับกลายเป็นว่ามีความสำคัญมากกว่าพวกเขา ความปรารถนาและเป้าหมายดั้งเดิม บรูตัส โจนส์ สูญเสียอำนาจเหนือเผ่าพันธุ์ของเขาเอง แต่กลับต้องเข้าไปพัวพันกับชะตากรรมของผู้คน ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของเขา จิมและเอลลาดูเหมือนจะสูญเสียตำแหน่งสุดท้ายในชีวิต มาที่ "ประตูแห่งอาณาจักรแห่งสวรรค์" เพื่อความสามัคคีทางจิตวิญญาณ เอบินและแอบบี้ลืมเรื่องการอ้างสิทธิ์ในฟาร์มไป และได้พบกันอย่างแท้จริงเมื่อบั้นปลายชีวิต แม้แต่ใน The Iceman บทละครที่มืดมนที่สุดของ O'Neill นักวิจารณ์ E. Parks มองเห็น "ข้อความเชิงลบ" ได้อย่างถูกต้อง ซึ่งหมายถึงความประณีตของบทกวี (แม้ว่าจะไม่ได้ปราศจากการประชด) ของภาพลักษณ์ของ Larry Slade รวมถึงความเห็นอกเห็นใจอันลึกซึ้งของผู้เขียน สำหรับตัวละครของเขา ในเอกสารฉบับหนึ่ง O'Neill ถูกเรียกว่า "กวีที่มีพรสวรรค์" ซึ่งบทกวีไม่ได้แสดงออกด้วยคำพูด แต่ในการรับรู้โดยทั่วไปเกี่ยวกับชีวิต ใน "จิตวิญญาณแห่งการสร้างสรรค์" นั้นซึ่งแสดงถึงงานศิลปะที่แท้จริงทุกประเภท

คำสำคัญ: Eugene O'Neill, Eugene O'Neill, คำวิจารณ์ผลงานของ Eugene O'Neill, คำวิจารณ์บทละครของ Eugene O'Neill, ดาวน์โหลดคำวิจารณ์, ดาวน์โหลดฟรี, วรรณกรรมอเมริกันแห่งศตวรรษที่ 20

ความสำคัญของงานของโอนีลได้รับการชื่นชมจากคนรุ่นเดียวกัน และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักประวัติศาสตร์ของโรงละครอเมริกันเชื่อมโยงการเกิดขึ้นของโรงละครสมัยใหม่ในสหรัฐอเมริกากับปี 1920 ซึ่งเป็นเวลาของการผลิตละครหลายองก์ของโอนีลเป็นครั้งแรก “เหนือขอบฟ้า”

ซินแคลร์ลูอิสนักเขียนชื่อดังพูดถึงความสำคัญของงานของโอนีลในลักษณะดังต่อไปนี้: “ การบริการของเขาต่อโรงละครอเมริกันนั้นแสดงออกมาง่ายๆ ในความจริงที่ว่าในเวลาเพียง 10-12 ปีเขาได้เปลี่ยนละครของเราซึ่งเป็นหนังตลกที่โกหกอย่างเรียบร้อย และเปิดเผยแก่เรา ... โลกที่เลวร้ายและยิ่งใหญ่”

Eugene O'Neill ลูกชายของนักแสดงชาวอเมริกันผู้โด่งดัง James O'Neill คุ้นเคยกับบรรยากาศและระเบียบที่ครองราชย์ในโรงละครแห่งชาติตั้งแต่วัยเด็ก เหตุการณ์นี้ได้กำหนดทัศนคติเชิงลบของเขาต่อโรงละครเชิงพาณิชย์ไว้ล่วงหน้า

ในชีวิตของนักเขียนบทละครชื่อดังไม่ใช่ทุกอย่างจะราบรื่นเสมอไป: หลังจากเรียนที่มหาวิทยาลัยพรินซ์ตันเป็นเวลาหนึ่งปีเขาถูกบังคับให้ไปทำงาน (เขาเป็นเสมียนในบริษัทการค้า นักข่าว นักแสดง กะลาสีเรือและแม้แต่ เป็นคนขุดทอง) แต่ความเจ็บป่วยร้ายแรงทำให้เขาต้องเปลี่ยนอาชีพ ในไม่ช้าโอนีลก็เขียนบทละครบทแรกของเขาซึ่งยังห่างไกลจากความสมบูรณ์แบบ

ในปี 1914 ด้วยความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญความลับทั้งหมดของละครยุโรป ชายหนุ่มจึงเริ่มเข้าร่วมการบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์การละครโดยศาสตราจารย์ J.P. Baker จากมหาวิทยาลัยฮาร์วาร์ด ในปีเดียวกันนั้น O'Neill ได้เปิดตัวคอลเลกชันการเขียนบทละครชุดแรกของเขา Thirst ซึ่งรวมถึงละครเดี่ยวหลายเรื่องที่บรรยายถึงความเป็นจริงของชีวิตสมัยใหม่

อย่างไรก็ตาม ไม่มีโรงละครสักแห่งที่กล้าแสดงผลงานของ O'Neill ซึ่งเป็นที่ต้องการของผู้อ่านอย่างมาก เฉพาะในปีพ. ศ. 2459 เมื่อใกล้ชิดกับโรงละครโพรวินซ์ทาวน์ซึ่งจะกล่าวถึงด้านล่างนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์สามารถแสดงละครเดี่ยวของเขาได้เกือบทั้งหมด

วีรบุรุษในผลงานของ O'Neill ได้แก่ กะลาสีเรือและนักเทียบท่า ชาวประมงและเกษตรกร นักสโตกเกอร์ และนักขุดทอง - ผู้คนที่มีต้นกำเนิดทางสังคมต่างกัน มีสีผิวต่างกัน และต้นแบบของตัวละครเหล่านี้คือคนจริงๆ

ละครที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดเรื่องหนึ่งของโอนีลรุ่นเยาว์คือ Whale Oil (1916) ซึ่งเกิดขึ้นบนเรือล่าวาฬที่สูญหายไปในน้ำแข็ง ลูกเรือไม่พอใจกับการเดินทางข้ามมหาสมุทรอันกว้างใหญ่ที่ไร้ผลเป็นเวลาสองปี จึงขอให้กัปตันส่งเรือกลับบ้าน และภรรยาของเขาก็ขอร้องให้เขาทำเช่นเดียวกัน อย่างไรก็ตาม กัปตันคีนีย์ก็สู้ไม่ถอย มีบางสิ่งที่หนักใจอยู่ในใจสั่งให้เขาก้าวต่อไปเพื่อเอาชนะอุปสรรคทั้งหมด

ด้วยรายละเอียดและจังหวะที่แม่นยำ O'Neill สร้างภาพที่สมจริงของชีวิตบนเรือล่าวาฬ แต่ด้านข้อเท็จจริงสนใจเขาน้อยกว่าลักษณะทางจิตวิทยาของพฤติกรรมของตัวละครและสาระสำคัญทางปรัชญาของพวกเขา จุดสนใจของโอนีลอยู่ที่ความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับโลกรอบตัวเขา อารมณ์ของการคาดหวังอันตึงเครียดของภัยพิบัติแทรกซึมอยู่ในละครเรื่อง “Whale Oil”

นักเขียนบทละครจะค่อยๆ ย้ายจากละครหนึ่งองก์ไปเป็นละครหลายองก์ ทำให้เขามองเห็นภาพชีวิตจริงได้กว้างขึ้น ผลงานหลายองก์เรื่องแรกของโอนีลคือละครเรื่อง Beyond the Horizon (1919) ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ในการทำงานของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ นักเขียนบทละครมักพูดว่า: “โรงละครสำหรับฉันคือชีวิต แก่นแท้และคำอธิบาย ชีวิตคือสิ่งที่ฉันสนใจเป็นอันดับแรก…”

ในช่วงเวลานี้ ยูจีนเขียนบทละครที่สมจริงและแสดงออกหลายเรื่อง (ทั้งสองทิศทางนี้ผสมผสานกันอย่างกลมกลืนในผลงานของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ซึ่งกลายเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของโอนีลในปี ค.ศ. 1920): "The Emperor Jones", " ทองคำ", "แอนนาคริสตี้" ( 2464), "The Shaggy Monkey" (2465), "ปีกมอบให้กับลูกหลานมนุษย์ทุกคน" (2466), "ความรักภายใต้ต้นเอล์ม" ฯลฯ

ละครเรื่อง “Anna Christie” ซึ่งแสดงบนเวทีครั้งแรกในปี 1921 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ เรื่องราวของตัวละครหลักทำให้น้ำตาไหล: หลังจากการตายของภรรยาของเขากัปตันเรือบรรทุกถ่านหินคริสคริสทอฟเฟอร์สันได้ส่งแอนนาลูกสาววัยห้าขวบของเขาไปหาญาติ หลังจากผ่านนรกมาหมดแล้ว (ซ่อง คุก และโรงพยาบาล) หลังจากผ่านไป 15 ปี ในที่สุดเด็กสาวก็ได้พบกับพ่อของเธอ

ความฝันของเธอเกี่ยวกับชีวิตที่สงบและไร้ความกังวลกลายเป็นความจริงเป็นครั้งแรก: บนเรือที่ออกเดินเรือ แอนนาลืมปัญหาทั้งหมดของเธอ และความรักของกะลาสีเรือ Matt Burke ปลุกความรู้สึกที่ลึกซึ้งต่อกันในตัวเธอ แมทชวนหญิงสาวมาเป็นภรรยาของเขา แต่กัปตันคริสกลับคัดค้านเรื่องนี้ แอนนาพูดถึงชะตากรรมที่ยากลำบากของเธอ คำสารภาพของเธอสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับทั้งพ่อและคู่หมั้นของเธอ เมื่อจ้างเรือแล้ว ทั้งสองคนก็ออกทะเล และแอนนาก็ยังคงอยู่บนฝั่งเพื่อรอการกลับมาของพวกเขา

อย่างไรก็ตาม ไม่เพียงแต่ผู้คนเท่านั้นที่เป็นตัวละครหลักของละคร แต่ยังมีบทบาทพิเศษให้กับทะเลและหมอก - สัญลักษณ์เชิงเปรียบเทียบของความตายหรือโชคชะตา

ธีมของทะเลที่ไหลผ่านบทละครทั้งหมด มอบความลึก ความซับซ้อน และบทกวีให้กับแอ็กชั่นทั้งหมด ชะตากรรมของตัวละครทุกตัวมีความเชื่อมโยงกับทะเลและหมอก นักเขียนบทละครให้คำอธิบายทั่วไปเกี่ยวกับชะตากรรมของตัวละครโดยใช้ภาพสัญลักษณ์ของทะเลซึ่งขึ้นอยู่กับสถานการณ์ภายนอกเท่านั้น “เราทุกคนล้วนแต่โชคร้าย ชีวิตจับคุณไว้ที่คอและบิดคุณไปรอบๆ ตามที่มันต้องการ” แอนนากล่าว

บรรยากาศการแต่งเนื้อเพลงที่แทรกซึมอยู่ในบทละครทำให้งานมีความสมจริงมากยิ่งขึ้น แม้ว่าจะค่อนข้างจะดูดั้งเดิม แต่ก็น่าดึงดูดใจสำหรับผู้ชมอยู่เสมอ

โอนีลถือว่า Love Under the Elms เป็นหนึ่งในละครที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งชวนให้นึกถึงโศกนาฏกรรมคลาสสิกในรูปแบบหนึ่ง นักเขียนบทละครเชื่อว่ามีเพียงละครรูปแบบนี้เท่านั้นที่สามารถให้ “การรับรู้ทางจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับสิ่งต่างๆ” และปลดปล่อยจาก “ความโลภเล็กๆ น้อยๆ ของการดำรงอยู่ในชีวิตประจำวัน”

ละครเรื่องนี้เกิดขึ้นในนิวอิงแลนด์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ในฟาร์มเก่าของเอฟราอิม คาบอต ที่ซึ่งเอบิน ลูกชายของชาวนาและเด็กผู้หญิงชื่อแอ๊บบี้มา เช่นเดียวกับพ่อของเธอซึ่งเป็นเจ้าของที่กระตือรือร้น Ebin เปี่ยมไปด้วยความรักที่ไม่เห็นแก่ตัวต่อฟาร์ม Abby ก็กลายเป็นเจ้าของที่กระตือรือร้น ซึ่งเปิดเผยออกมาในทุกคำพูดของเธอ: “ห้องของฉัน” “บ้านของฉัน” “ห้องครัวของฉัน”

อย่างไรก็ตามแรงบันดาลใจในการเป็นเจ้าของของคนหนุ่มสาวค่อยๆถูกแทนที่ด้วยความรู้สึกความรักที่ยอดเยี่ยมในกระบวนการของการต่อสู้ภายในที่รุนแรงจิตวิญญาณของตัวละครหลักเปลี่ยนไปมีเพียงชายชราวัยเจ็ดสิบห้าปีเอฟราอิมคาบ็อตเท่านั้นที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง (สิ่งนี้ เป็นภาพที่สมบูรณ์และมั่นคง)

อย่างไรก็ตาม การแข่งขันระหว่างเจ้าของทั้งสองทำให้ความรักของพวกเขากลายเป็นโศกนาฏกรรมอย่างแท้จริง แอ๊บบี้ตัดสินใจพิสูจน์ว่าความรักที่เธอมีต่อเอบินเหนือสิ่งอื่นใดจึงตัดสินใจฆ่าเด็กคนนั้น ในขณะนี้เองที่พวกเขาเริ่มตระหนักถึงคุณค่าที่แท้จริงของชีวิตอย่างเต็มที่ ในการรู้แจ้งอันน่าเศร้า Ebin และ Abby ค้นพบพลังแห่งความรักและความไร้ประโยชน์ของการครอบครอง

งานนี้ยังมีภาพเชิงเปรียบเทียบ – ทองคำยามพระอาทิตย์ตก ชวนให้นึกถึงความเชื่อมโยงกับความมั่งคั่ง และช่วงเวลาที่สว่างที่สุดในชีวิตของฮีโร่ โอนีลสร้างภาพทั่วไปผ่านการนำเสนอชีวิตเกษตรกรในนิวอิงแลนด์อย่างเจาะจงและเป็นจริง ในเวลาเดียวกันความสนใจไม่เพียงจ่ายให้กับการแสดงออกภายนอกของตัวละครของตัวละครเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงโลกภายในของพวกเขาด้วยซึ่งถูกสร้างขึ้นใหม่ในรายละเอียดที่เล็กที่สุด

ในละครแนวแสดงออกของเขา (“The Shaggy Ape”, “Wings Are Give to All Children of Men” ฯลฯ) โอนีลพูดถึงปัญหาสังคมเฉียบพลันของโลกร่วมสมัยของเขา ในขณะที่เขาพยายามเปิดเผยตัวละครอย่างเต็มที่ ตัวอักษร สิ่งสำคัญที่นักเขียนบทละครให้คุณค่าในการแสดงออกคือพลวัตการพัฒนาอย่างรวดเร็วของเหตุการณ์ทำให้ผู้ชมต้องสงสัยอย่างต่อเนื่อง

นวัตกรรมที่น่าสนใจของ O'Neill คือการใช้มาสก์ในการผลิตด้วยความช่วยเหลือซึ่งทำให้บรรลุผลที่จำเป็นและความขัดแย้งระหว่างแก่นแท้ของฮีโร่ (ใบหน้าสำหรับตัวเขาเอง) และหน้ากากภายนอกของเขา (หน้ากากสำหรับผู้อื่น ) ได้รับการสาธิต

การแนะนำสุนทรพจน์บนเวทีรูปแบบใหม่ที่เรียกว่าบทพูดแห่งความคิดซึ่งแทนที่แบบจำลองแบบดั้งเดิมช่วยให้ผู้เขียนได้เปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ลึกซึ้งของฮีโร่ในละครหลายองก์เช่น "Strange Interlude" (1928) และ "การไว้ทุกข์ - ชะตากรรมของอีเลคตร้า" (1931) ราวกับจะเปิดเผยกระบวนการทั้งหมดของชีวิตจิตของพวกเขา ผู้เขียนให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการศึกษาจิตใต้สำนึกของตัวละครของเขาซึ่งอธิบายโดยอิทธิพลของการวิจัยทางจิตวิเคราะห์โดย S. Freud

ในช่วงปี 1934 ถึง 1946 ไม่มีผลงานของ O'Neill ใดที่จัดแสดงในโรงภาพยนตร์ของอเมริกาอย่างไรก็ตามนักเขียนบทละครทำงานมากและประสบผลสำเร็จ ในเวลานี้เขาเขียนคำอุปมาเชิงปรัชญาและเชิงสัญลักษณ์เรื่อง "The Ice Seller Is Coming" (1938) บทละครอัตชีวประวัติ "Long Journey in the Night" และ "The Moon for the Stepchildren of Fate" ซึ่งเป็นวงจรของผลงานเชิงปรัชญา " เรื่องราวของเจ้าของที่ปล้นตัวเอง" ซึ่งมีละครเพียงสองเรื่องเท่านั้นที่รอดชีวิต - "วิญญาณของกวี" (พ.ศ. 2478-2482) และงานที่ยังสร้างไม่เสร็จ "อาคารมาเจสติก" วัฏจักรนี้กลายเป็นศูนย์รวมของธีมหลักของนักเขียนบทละครซึ่งปรากฏอยู่ในมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขา - การครอบครองเงินและทรัพย์สินซึ่งเป็นผลมาจากการสูญเสียความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณและคุณค่าทางศีลธรรม

ผลงานของ Eugene O'Neill มีอิทธิพลอย่างมากต่อละครอเมริกันและละครโลกเรื่องใหม่ ในปี 1936 O'Neill ได้รับรางวัลโนเบลจากผลงานละครของเขาที่เต็มไปด้วยพลังที่สำคัญ ความรู้สึกอันเข้มข้น และโดดเด่นด้วยแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับโศกนาฏกรรม ด้วยเหตุนี้จึงตระหนักถึงความสำเร็จของเขาในสาขาศิลปะการแสดง

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ชื่อใหม่ปรากฏในศิลปะการแสดงละครของสหรัฐอเมริกา ในหมู่พวกเขา ได้แก่ E. Rice, M. Anderson, L. Stallings, D. G. Lawson, P. Green, D. Kelly, S. Howard, S. Berman, K. Odets และคนอื่น ๆ ผลงานของนักเขียนบทละครเหล่านี้ไม่เพียงจัดแสดงเล็ก ๆ เท่านั้น โรงละคร แต่ยังรวมถึงละครบรอดเวย์ด้วย

แก่นหลักของละครหลายเรื่องยังคงเป็นโศกนาฏกรรมแบบเดียวกับ "ชายร่างเล็ก" ในสังคมสมัยใหม่ แก่นเรื่องของผู้คนผู้สร้างประวัติศาสตร์ก็มาอยู่เบื้องหน้าเช่นกัน ("Street Scene" (1929) และ "We the People" โดย E. Rice, “Scottsboro” (1932 ) Hughes, “Waiting for Lefty” โดย K. Odets ฯลฯ)

นอกจากนี้ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เนื้อหาหลักของผลงานละครหลายเรื่อง ได้แก่ การต่อสู้กับสงคราม การปกป้องชีวิตและความสุขบนโลก (“Until Death” โดย K. Odets, “The Fifth Column” โดย E. Hemingway, “Bury the Dead” โดย I. Shaw, “Peace” on Earth” โดย A. Malts และ D. Sklyar ฯลฯ)

นักเขียนบทละครที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคนหนึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1930 คือ Clifford Odets ซึ่งผลงานของเขาแสดงถึงปัญหาสังคมของสังคมร่วมสมัยของเขา ละครเรื่อง "Waiting for Lefty" ที่เขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของเรื่องราวของคนขับรถที่โดดเด่นเกี่ยวกับชะตากรรมอันน่าเศร้าของพวกเขาและซึ่งกลายเป็นเหตุการณ์สำคัญในชีวิตการแสดงละครและชีวิตสาธารณะของสหรัฐอเมริกาเป็นสื่อถึงความรู้สึกที่ครอบงำ ทั้งประเทศ

ในปี 1935 มีการจัดแสดงละคร Odets อีกสามเรื่องที่ Group Theatre - "Awake and Sing", "Paradise Lost" และ "Until Death" แต่บทละคร "Golden Boy" ที่เขียนในปี 1937 ถือเป็นผลงานที่ดีที่สุดของนักเขียนบทละครอย่างถูกต้อง การเข้าถึงโดยทั่วไปและความเรียบง่ายของงานนี้ให้ความรู้สึกถึงลัทธิดั้งเดิม แต่สะท้อนถึงชีวิตจริงของชาวอเมริกันธรรมดา

ความขัดแย้งที่รุนแรงในบทละครเกี่ยวข้องกับปัญหาสองประการ - อาชีพหรือเงิน ดนตรีหรือการชกมวย ตัวละครหลักของงาน Joe Bonaparte ความฝันที่จะก้าวขึ้นสู่ระดับสูงของบันไดสังคม มีชื่อเสียงและร่ำรวย ปฏิเสธสิ่งที่ขัดต่อความประสงค์ของพ่อ อาชีพที่แท้จริงของเขา - ดนตรี ความเชื่อของโจในเรื่องความเป็นไปได้ที่จะมีความสุข การได้รับชื่อเสียงและการยอมรับ ดูเหมือนจะเป็นศูนย์รวมของความฝันของชาวอเมริกันจำนวนมากเกี่ยวกับสังคมที่มีโอกาสเท่าเทียมกัน

อย่างไรก็ตามตัวเลือกของฮีโร่จะกำหนดชะตากรรมที่น่าเศร้าของเขาไว้ล่วงหน้า การชกมวยทำให้โจไม่เพียงแต่มีชื่อเสียงและเงินทองเท่านั้น แต่ยังทำให้เขาตกเป็นทาสของผู้ประกอบการและผู้อุปถัมภ์อย่าง Eddie Fuselli บังคับให้เขาต้องล่าถอยจากดนตรีซึ่งส่งผลให้ศีลธรรมเสื่อมถอย เมื่อตระหนักว่าเขาได้ทำให้ชะตากรรมของเขาพิการ ฮีโร่จึงรีบวิ่งไปสู่ความตายอย่างมีสติ เขาเสียชีวิตในรถยนต์หรูหราซึ่งครั้งหนึ่งเขาเคยคิดว่าเป็นศูนย์รวมแห่งความสุขและความสำเร็จในชีวิต

หลังจาก “Golden Boy” ยุคใหม่ของความคิดสร้างสรรค์ในฮอลลีวูดเริ่มต้นขึ้นในชีวิตของนักเขียนบทละคร โดยมีการเปลี่ยนไปใช้ธีมดั้งเดิมและรูปแบบดราม่าครอบครัวตามปกติ (“Rocket to the Moon” 1938; “Night Music” พ.ศ. 2483; “การชนกันในเวลากลางคืน” พ.ศ. 2484; “มีดขนาดใหญ่” พ.ศ. 2492 ฯลฯ) ในปีสุดท้ายของชีวิต Odets ละทิ้งความคิดสร้างสรรค์และเสียชีวิตโดยทุกคนลืมไป

นักเขียนบทละครชาวอเมริกันที่มีชื่อเสียงไม่แพ้กันในช่วงทศวรรษที่ 1930 คือลิเลียน เฮลล์แมน หลังจากเริ่มต้นกิจกรรมสร้างสรรค์ในวงการภาพยนตร์ ในไม่ช้า เธอก็ก้าวไปสู่การเขียนบทละครเชิงสังคมขั้นสูง

ในปี 1934 ละครเรื่องแรกของแอล. เฮลล์แมนเรื่อง "The Children's Hour" ได้รับการจัดฉาก ทำให้เกิดการวิจารณ์ที่หลากหลาย นักวิจารณ์หลายคนมองเห็นจุดอ่อนหลายประการในงานนี้ ละครเรื่องต่อไป "The Day Will Come" (1936) ประสบความสำเร็จมากขึ้น ความปรารถนาของผู้เขียนที่จะเข้าใจพลังที่ครองโลกและผู้คนแสดงออกมาที่นี่

ในปี 1938 L. Hellman ได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเธอ - ละครครอบครัวเรื่อง "The Foxes" ซึ่งกลายเป็นผลงานคลาสสิกของโรงละครอเมริกัน โดยใช้ตัวอย่างของครอบครัวฮับบาร์ด ผู้เขียนแสดงให้เห็นถึงอำนาจการใช้เงินอย่างสิ้นเปลือง ซึ่งทำลายสิ่งที่ดีที่สุดในตัวผู้คน เผาผลาญความรู้สึก เช่น ความรักและความเมตตาในจิตวิญญาณของพวกเขา และเหยียบย่ำกฎศีลธรรม

ผู้หญิงผิวดำเอ็ดดี้พูดอย่างถูกต้องเกี่ยวกับตัวละครหลักของงาน - เรจิน่า, พี่ชายของเธอเบ็นและออสการ์, หลานชายลีโอ:“ มีคนกลืนกินโลกและสิ่งมีชีวิตทั้งหมดบนนั้นเหมือนตั๊กแตน - นั่นคือสิ่งที่กล่าวไว้ใน คัมภีร์ไบเบิล. และคนอื่นก็ดูด้วยมือพับ”

ครอบครัว Hubbards ทำลายครอบครัวของพวกเขา พวกเขาไม่ละทิ้งสิ่งใดเลย พ่อผลักลูกชายของเขาให้ขโมย Regina ฆ่าสามีของเธอและปล้นพี่น้องของเธอ พี่น้องปล้นกันเอง ความโลภเผาจิตวิญญาณของคนเหล่านี้ ความกระหายผลกำไรเป็นสิ่งเดียวที่พวกเขามีชีวิตอยู่

จุดไคลแม็กซ์ของละครเรื่องนี้คือฉากฆาตกรรมฮอเรซของเรจิน่า ด้วยความเชื่อมั่นว่าในช่วงชีวิตของสามีเธอจะไม่สามารถครอบครองเงินและเข้าร่วมในบริษัทรับเหมาก่อสร้างโรงงานได้ หญิงสาวจึงตัดสินใจกระทำการที่โหดร้าย โดยรู้ดีว่าฮอเรซต้องกังวลนั้นเป็นอันตราย เรจิน่าจงใจทำให้เขาหัวใจวาย และเมื่อชายที่กำลังจะตายขอให้นำยามาจากห้องของเขาซึ่งตั้งอยู่บนชั้นสอง เธอก็ปฏิเสธเขา เรจิน่ามองดูฮอเรซอย่างใจเย็นขณะที่ฮอเรซพยายามปีนบันไดแล้วล้มลงในที่สุด

เรจิน่าปรากฏต่อผู้ชมว่าเป็นคนฉลาด เข้มแข็ง และผิดศีลธรรม การฆาตกรรมที่เธอทำเพื่อเงินไม่ได้ทำให้เธอเสียใจหรือสำนึกผิดเลย ฮีโร่ที่เหลือ - เบ็นเจ้าเล่ห์และร้ายกาจ, ออสการ์ใจแคบ, ลีโอใจแคบ - ยังแสดงให้เห็นถึงความเสื่อมของทุกสิ่งของมนุษย์ในจิตวิญญาณของผู้ที่อุทิศตนเพื่อแสวงหาเงิน ผู้ที่สนใจตนเองเหล่านี้ถูกต่อต้านโดยบุคคลที่ไม่ต้องการดูสิ่งที่เกิดขึ้นโดยไม่ใช้งาน - นี่คืออเล็กซานดราลูกสาวของเรจิน่าและฮอเรซ เด็กหญิงปฏิเสธที่จะเดินตามรอยเท้าแม่ของเธอ เธอเลือกเส้นทางอื่นสำหรับตัวเองและออกจากบ้าน

ส่วนที่สองของ dilogy “Behind the Forests” (1946) เป็นเบื้องหลังของวีรบุรุษแห่ง “Little Foxes” ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการก่อตัวของตัวละคร อดีตของพวกเขา จากมุมมองที่สามารถเข้าใจในปัจจุบันได้ดีขึ้น

ใน A Gust of Wind (1944) และ Watch on the Rhine ซึ่งเขียนขึ้นก่อนที่สหรัฐอเมริกาจะเข้าสู่สงครามโลกครั้งที่สองและจ่าหน้าถึงชาวอเมริกันที่ยังไม่เข้าใจแก่นแท้อันโหดร้ายของลัทธิฟาสซิสต์ Hellman ก้าวไปไกลกว่าครอบครัวแบบดั้งเดิม ละครที่ผสมผสานรูปแบบและแก่นเรื่องตามปกติเข้ากับพงศาวดารทางประวัติศาสตร์ที่ให้ภาพกว้าง ๆ เกี่ยวกับชีวิตทางการเมืองของประเทศในยุโรปในช่วงทศวรรษที่ 1920 - 1940

ในช่วงหลังสงคราม Lillian Hellman มีส่วนร่วมในการแปลบทละครต่าง ๆ เป็นหลัก เขียนบทภาพยนตร์ และบันทึกความทรงจำเกี่ยวกับอัตชีวประวัติ

Thornton Wilder นักเขียนบทละครชาวอเมริกันผู้โด่งดังนักประวัติศาสตร์จากการฝึกฝนซึ่งคุ้นเคยกับลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมตะวันออกและยุโรปทำงานในทิศทางที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย ในความเห็นของเขาสิ่งที่สำคัญที่สุดคือการปลูกฝังประเพณีอันยิ่งใหญ่ของสมัยโบราณยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวรรณกรรมยุโรปสมัยใหม่ให้กับโรงละครอเมริกันรุ่นเยาว์ ทิศทางนี้เองที่ Wilder เลือกเป็นกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 เขาเขียนบทละครตอนเดียวหลายเรื่อง ซึ่งหลายเรื่องถูกรวมอยู่ในวัฏจักร "บาปมหันต์ทั้งเจ็ด" และ "The Seven Ages of Human Life" ในเวลาต่อมา ผลงานที่ดีที่สุดของ Wilder คือละครเรื่อง Our Town (1938), The Merchant of Yonkers (1938 ในฉบับปรับปรุงเรียกว่า The Matchmaker), On the Balance (1942)

งานของนักเขียนบทละครทั้งหมดเต็มไปด้วยแรงจูงใจทางปรัชญา การสะท้อนปัญหาทางศีลธรรมและสติปัญญาที่ซับซ้อน ศรัทธาในมนุษย์ คุณสมบัติทางศีลธรรมอันสูงส่งของเขา ในความดีและความรัก

Wilder ถือเป็นผู้สร้างละครอเมริกันทางปัญญาผลงานของเขามักถูกเรียกว่าคำอุปมาเพื่อศักดิ์ศรีของมนุษย์ ผลงานของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ไม่ได้รับการยอมรับในช่วงทศวรรษที่ 1930 นักวิจารณ์หลายคนเชื่อว่า Wilder กำลังหลีกหนีจากปัญหาของโลกสมัยใหม่ แต่บทละครของเขามีการตอบสนองต่อสิ่งที่เกิดขึ้นทั้งในสหรัฐอเมริกาและในโลกที่ไม่เหมือนใคร .

ผลงานที่ดีที่สุดของ Wilder ถือเป็นบทละคร "เมืองของเรา" ซึ่งเกิดขึ้นในเมืองเล็ก ๆ ของ "Growner Corners, New Hampshire, USA, ทวีปอเมริกาเหนือ, ซีกโลกตะวันตก, โลก, ระบบสุริยะ, จักรวาล, วิญญาณของพระเจ้า ” บทละครประกอบด้วยสามองก์ (“ชีวิตประจำวัน”, “ความรัก”, “ความตาย”) และบทนำที่ประกาศการเกิดของเด็ก บอกเล่าเรื่องราวของสามสถานะของมนุษย์ ได้แก่ การเกิด ชีวิต และความตาย

ผู้ชมจะได้เป็นสักขีพยานถึงชีวิตของเหล่าฮีโร่ เบื้องหน้าพวกเขาคือภาพในวัยเด็กของ Emily Webb และ George Gibbs เรื่องราวความรักของพวกเขา งานแต่งงาน และสุดท้ายคืองานศพของ Emily

เหตุการณ์ทั้งหมดเกิดขึ้นบนเวทีที่เกือบจะว่างเปล่า (มีเพียงฉากบางส่วนเท่านั้นที่มีอยู่ซึ่งสร้างเงื่อนไขบางประการสำหรับการสร้างฉาก) โดยมีส่วนร่วมของผู้กำกับ - หนึ่งในตัวละครหลักของบทละครผู้บรรยายที่เล่าให้ฟัง เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของเมือง Growner Corners ที่ตั้ง สถานที่ท่องเที่ยว และผู้อยู่อาศัย

ผู้กำกับทำหน้าที่เป็นผู้วิจารณ์: เขาพูดถึงสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีและในขณะเดียวกันก็ตอบคำถาม ด้วยเทคนิคนี้ จินตนาการของผู้ชมจึงถูกกระตุ้น การรับรู้ถึงสิ่งที่คุ้นเคยได้รับการฟื้นฟู แต่ตัวละครไม่ได้กลายเป็นบุคคลที่สดใส แต่เป็นภาพทั่วไป

Wilder พยายามที่จะรวบรวมความเป็นนิรันดร์ผ่านชีวิตประจำวันและทุกๆ วัน โดยให้ความสนใจเป็นพิเศษกับบทกวีในชีวิตประจำวัน

ธรรมชาติอันงดงามของการเล่นบางส่วนถูกรบกวนด้วยโน้ตอันน่าทึ่งที่ฟังในองก์สุดท้าย เอมิลี่ผู้ล่วงลับขอให้ผู้อำนวยการอนุญาตให้เธอกลับมามีชีวิตอีกครั้งอย่างน้อยสักครู่หนึ่งในวันเกิดปีที่สิบสองของเธอ เมื่อเริ่มชื่นชมความงามของวันในฤดูร้อนในรูปแบบใหม่ การบานของดอกทานตะวันหัวเหลือง การเดินของนาฬิกา เอมิลี่ตระหนักดีว่าก่อนที่เธอจะไม่รู้ว่าจะชื่นชมชีวิตอย่างไร และหลังจากความตายเท่านั้นที่ทำให้เกิดความเข้าใจอันดียิ่ง มาหาเธอ ด้วยความปรารถนาดี ผู้หญิงคนนั้นอุทานว่า “โอ้ โลกิ คุณสวยเกินกว่าใครจะเข้าใจคุณ!”

ผลงานของ Wilder หลายชิ้นมีลักษณะเฉพาะด้วยการสอนเชิงการสอนและการสร้างเป็นตอน ๆ สิ่งเดียวที่ดึงดูดความสนใจมาคืออารมณ์ขันที่ละเอียดอ่อนซึ่งช่วยให้เราสามารถแสดงความรู้สึกของมนุษย์ที่แท้จริงและปลูกฝังศรัทธาในชัยชนะแห่งความดี

ปีแรกของศตวรรษที่ 20 ได้มีการถือกำเนิดของประเภทที่มีเอกลักษณ์เฉพาะในศิลปะการแสดงละครอเมริกัน - ละครเพลง ก่อนหน้านี้ รูปแบบการแสดงดนตรีที่พบบ่อยที่สุดคือการแสดงดนตรี (Ziegfeld Follies โดย Florenz Ziegfeld) ซึ่งเป็นการแสดงบนเวทีที่ให้ความบันเทิงซึ่งห่างไกลจากปัญหาของชีวิต

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 มีโรงละคร 14 โรงเปิดดำเนินการในนิวยอร์ก ซึ่งละครที่ได้รับความนิยมมากที่สุดแสดงโดย F. Ziegfeld เมื่อได้ซึมซับตัวอย่างภาษาอังกฤษและฝรั่งเศสที่ดีที่สุด เขาจึงสามารถผสมผสานสิ่งนี้เข้ากับประเพณีที่ดีที่สุดของศิลปะอเมริกันอย่าง "การแสดงรัฐมนตรี" และการล้อเลียนได้อย่างกลมกลืน ผลที่ตามมาก็คือการเกิดขึ้นของประเภทศิลปะที่สำคัญ นวัตกรรมที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของ Ziegfeld คือการเปิดตัว "เด็กผู้หญิง" (สิ่งที่คล้ายกับคณะบัลเล่ต์)

การแสดงละครเพลงกลายเป็นเทพนิยายสำหรับผู้ใหญ่ หรูหรา เต็มไปด้วยการเต้นรำ บทเพลง และเรื่องตลก โดยมีสาวสวยมาร่วมแสดง ทิวทัศน์อันน่าทึ่ง "เด็กผู้หญิง" หลายสิบคน เปลี่ยนเครื่องแต่งกายทุกๆ 15 นาที การผสมผสานระหว่างตัวเลขอย่างมีทักษะ - การเต้นรำ เพลง บทพูดคนเดียว บทสนทนา และการแสดงดนตรีสลับฉาก รวมถึงการมีส่วนร่วมของดาราชื่อดังในการผลิต - ทั้งหมดนี้ไม่ได้ช่วยอะไร การแสดงละครเพลงให้อยู่ในอันดับหนึ่ง แนวเพลงอีกแนวหนึ่งได้รับความนิยมมากที่สุดทีละน้อย

ตามประวัติศาสตร์ของโรงละครอเมริกัน ละครเพลงอเมริกันเรื่องแรก Clorindy: Cake Walk Country จัดแสดงในปี 1896 และถูกเรียกว่า "ตลกที่มีเพลงและการเต้นรำ" เป็นที่น่าสังเกตว่าการผลิตดำเนินการโดยศิลปินผิวดำเท่านั้น: ดนตรีเขียนโดย M. Cook บทโดยกวีผิวดำชื่อดัง P. Denbar และกำกับโดย B. Williams และ D. Walker ในการแสดงครั้งนี้มีการฝ่าฝืนประเพณีการแสดงของรัฐมนตรีซึ่งแสดงออกมาในการแนะนำพล็อตเรื่องเดียว

ในปี 1927 ละครเพลงเรื่อง The Floating Theatre ซึ่งเขียนโดยนักแต่งเพลง J. Kern และผู้เขียนบท O. Hammerstein ได้จัดแสดงบนเวทีของโรงละครแห่งหนึ่งในอเมริกา ด้วยความสามัคคีของโครงเรื่อง การปรากฏตัวของทิวทัศน์ที่น่าเชื่อ ตัวละครที่ฟุ่มเฟือย และการแทนที่ความงามของคณะบัลเล่ต์เดอบัลเล่ต์ด้วยวีรบุรุษที่เป็นธรรมชาติ งานนี้แตกต่างอย่างมากจากการแสดงละครเพลงในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

การก่อตัวของละครเพลงในช่วงทศวรรษที่ 1930 เป็นไปตามเส้นทางของการผสมผสานพล็อตเรื่องเข้ากับตัวเลข ดนตรี ละคร และการเต้นรำ แอล. เบิร์นสไตน์ หนึ่งในบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในศิลปะการแสดงละครอเมริกัน เรียกว่าบูรณาการหนึ่งในแง่มุมที่แข็งแกร่งที่สุดของละครเพลง นั่นคือความปรารถนาที่จะเปลี่ยนองค์ประกอบทั้งหมดของการแสดงออกบนเวที (ดนตรี การออกแบบท่าเต้น และละคร) ให้เป็นหนึ่งเดียว

บทบาทของการเต้นรำในศิลปะการแสดงได้รับการแสดงเป็นครั้งแรกด้วยการแสดงออกเป็นพิเศษในละครเพลงเรื่อง On Pointe ซึ่งเขียนในปี 1936 โดย R. Rogers และ M. Hart นักออกแบบท่าเต้น J. Balanchine สามารถนำเสนอการเต้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของการแสดง ไม่ใช่องค์ประกอบรอง

การผสมผสานครั้งสุดท้ายขององค์ประกอบที่สำคัญที่สุดทั้งสามของละครเพลงเกิดขึ้นได้ในโอคลาโฮมา (พ.ศ. 2485) โดยร็อดเจอร์สและแฮมเมอร์สเตนเท่านั้น ลักษณะเด่นของงานนี้คือการใช้ท่าเต้นเพื่อกำหนดลักษณะของภาพ

ละครเพลงในช่วงทศวรรษที่ 1930 ทำให้ผู้ชมและโลกการแสดงละครเห็นได้อย่างชัดเจนว่าแนวเพลงประเภทนี้ไม่เพียงแต่จะเบาและสนุกสนานเท่านั้น แต่ยังมีความหมายอย่างลึกซึ้ง โดยกระทบต่อประเด็นทางศีลธรรมและการเมืองต่างๆ ในฐานะประเภทดนตรี ในที่สุดละครเพลงก็ได้ก่อตั้งขึ้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 ซึ่งกำหนดไว้ล่วงหน้าว่าจะมีความเจริญรุ่งเรืองในช่วงปีหลังสงครามแรก ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 ละครเพลงได้ก้าวข้ามพรมแดนของประเทศไปอย่างได้รับชัยชนะผ่านประเทศต่างๆ ทั่วโลก

นักแสดงที่มีพรสวรรค์ Edwin Boots และ Joseph Jefferson มีส่วนสนับสนุนพิเศษในการพัฒนาศิลปะการแสดงของสหรัฐอเมริกา ความสมจริงของเรื่องแรกมีพื้นฐานมาจากผลงานของวิลเลียม เชกสเปียร์ ผู้เป็นอมตะและผลงานละครโลกที่ดีที่สุด ในงานชิ้นที่สอง ประเพณีที่สมจริงของวัฒนธรรมประจำชาติพบว่ามีการแสดงออก

อย่างไรก็ตาม ระบบการค้ายังคงเป็นอุปสรรคต่อการพัฒนางานศิลปะที่สมจริง และการเลือกนักแสดงสำหรับบทบาทเฉพาะตามบทบาทและประเภทก็ฟื้นขึ้นมาอีกครั้ง บทบาทบางอย่างกลายเป็นอุปสรรคต่อการพัฒนาความสามารถในการแสดงในด้านต่างๆ และยังสะท้อนให้เห็นในทักษะทางวิชาชีพของนักแสดงบนเวทีด้วย

ดังที่ได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ ด้วยการถือกำเนิดของโรงละครขนาดเล็ก เวทีใหม่ในชีวิตการแสดงละครของสหรัฐอเมริกาก็เริ่มขึ้น บนเวทีของ "โรงละครเล็ก" มือสมัครเล่นกึ่งมืออาชีพและมืออาชีพบทละครของ G. Ibsen และ I. Shaw, A. P. Chekhov และ L. N. Tolstoy เริ่มจัดแสดงและดำเนินการอย่างแข็งขันเพื่อพัฒนาละครระดับชาติและศิลปะการแสดงใน ทั่วไป.

แบบจำลองสำหรับโรงละครขนาดเล็กในสหรัฐอเมริกาคือโรงละครศิลปะที่เปิดให้เข้าชมฟรีของยุโรป ซึ่งสร้างขึ้นจากการรวมกลุ่มโดยการขายการสมัครสมาชิกและชำระค่าธรรมเนียมสมาชิก

ในปี 1912 โรงละครเล็กแห่งแรกปรากฏตัวในสหรัฐอเมริกาและไม่กี่ปีต่อมาก็มีประมาณ 200 โรงละคร ชีวิตของกลุ่มเหล่านี้ส่วนใหญ่มีอายุสั้นมีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถบรรลุความมั่นคงสัมพัทธ์ กิจกรรมของพวกเขามีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาศิลปะการแสดงละครอเมริกัน

ผู้บุกเบิกการเคลื่อนไหวคือ Chicago Small Theatre ซึ่งจัดขึ้นโดยการมีส่วนร่วมของกวีหนุ่ม Maurice Brown ในโกดังขนาดเล็ก ความจุของห้องโถงมีเพียง 90 คน

สมาชิกของคณะละครไม่ใช่มืออาชีพ การแสดงละครเวทีตามปกติทำให้พวกเขามีทัศนคติเชิงลบ G. Ibsen, I. Shaw นักแสดงและผู้กำกับละครที่ทำงานในประเภทละครบทกวี ผลงานการแสดงละครของ Euripides พยายามค้นหาวิธีการแสดงออกแบบใหม่ที่ทำให้พวกเขาสามารถสร้างภาพบนเวทีที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาได้

โรงละครเล็กชิคาโกก่อตั้งมาประมาณห้าปีแล้ว แต่งานเริ่มยังคงดำเนินต่อไปในผลงานของกลุ่มโรงละครเช่นโพรวินซ์ทาวน์ วอชิงตันสแควร์เพลเยอร์ส และอื่นๆ

ในฤดูร้อนปี 1915 นักเขียนที่มีพรสวรรค์ John Cram Cook, John Reed และ Theodore Dreiser ซึ่งกำลังพักผ่อนบนชายฝั่งมหาสมุทรแอตแลนติกท่ามกลางเยาวชนที่ก้าวหน้าในนิวยอร์กคนอื่นๆ ได้ริเริ่มการสร้างโรงละครโพรวินซ์ทาวน์ ซึ่งมีหน้าที่หลักคือการโฆษณาชวนเชื่อและการพัฒนา ละครอเมริกันเรื่องใหม่

โปรแกรมขององค์กรระบุเป้าหมายหลักของกลุ่มนี้: "การสร้างเวทีที่นักเขียนบทละครที่ตั้งเป้าหมายด้านบทกวีวรรณกรรมและละครสามารถสังเกตการผลิตบทละครของเขาโดยไม่ต้องยอมทำตามความต้องการของผู้ประกอบการเชิงพาณิชย์" ตามที่ D. C. Cook กล่าว โพรวินซ์ทาวน์ยังจำเป็นต้อง "ส่งเสริมการเขียนบทละครอเมริกันที่ดีที่สุดและผลิตบทละครแต่ละบทในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้"

ละครเรื่องเดียวซึ่งเขียนและจัดฉากในช่วงเวลาสั้นๆ ประสบความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน และในฤดูหนาว คณะโพรวินซ์ทาวน์ได้ไปแสดงที่นิวยอร์ก ในเมืองใหญ่ ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่รอเธออยู่อีกครั้ง เป็นที่น่าสังเกตว่า Liberal Club ได้จัดเตรียมสถานที่ให้กับผู้ชมละครรุ่นเยาว์ราวกับว่าตระหนักถึงกิจกรรมของพวกเขาตามความจำเป็นสำหรับสังคมอเมริกันสมัยใหม่

ในฤดูร้อนถัดมา โรงละครกลับมาแสดงต่อในเมืองชายทะเลเล็กๆ ของโพรวินซ์ทาวน์ ซึ่งเมื่อถึงเวลานั้นคณะละครมีจำนวนคนแล้ว 30 คน จำนวนผู้ถือตั๋วปีเพิ่มขึ้นเป็น 87 คน

ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2459 Yu. O'Neill นักเขียนบทละครชาวอเมริกันผู้มีความสามารถเริ่มร่วมงานกับโพรวินซ์ทาวน์ ในโรงละครแห่งนี้มีการจัดแสดงผลงานชิ้นแรกและผลงานต่อๆ มาของเขาในช่วงทศวรรษปี 1920

ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2459 โพรวินซ์ทาวน์ได้เปลี่ยนเป็นโรงละครนักเขียนบทละคร และกิจกรรมของกลุ่มสมัครเล่นได้ย้ายไปอยู่ในระดับมืออาชีพ จำนวนผู้ถือตั๋วปีค่อยๆ เพิ่มขึ้น ภายในปี 1917 มี 450 คนแล้ว

นักประวัติศาสตร์โรงละครอเมริกันหลายคนเรียกโพรวินซ์ทาวน์ว่าเป็นแหล่งกำเนิดของละครเรื่องใหม่ ในช่วงหกปีแรกของการดำรงอยู่ มีการแสดงละคร 93 เรื่องบนเวที และผู้แต่ง 47 เรื่องเป็นนักเขียนชาวอเมริกัน Y. O'Neill (16 บทละคร), S. Glaspell (10 บทละคร), John Reed และคนอื่น ๆ

ผลงานละครของ O'Neill กลายเป็นความสำเร็จทางศิลปะสูงสุดของโพรวินซ์ทาวน์ โปรดทราบว่าการคัดเลือกนักแสดงการพัฒนาฉากสำหรับการแสดงและการซ้อมเกิดขึ้นโดยมีส่วนร่วมโดยตรงของนักเขียนบทละครและในการแสดงครั้งหนึ่งเขายังมีบทบาทเล็ก ๆ น้อย ๆ ด้วยซ้ำ

นวัตกรรมที่สำคัญเกี่ยวกับการออกแบบเวทีได้รับการทดสอบในโรงละคร ตามเส้นทางของการออกแบบตกแต่งที่เรียบง่ายและมีสไตล์ ผู้กำกับและศิลปินมองหาเทคนิคใหม่ๆ เพื่อขยายขีดความสามารถด้านพลาสติกของเวที และสร้างเอฟเฟกต์แสงใหม่ๆ

เมื่อแสดงละคร "The Emperor Jones" นวัตกรรมทางเทคนิคดังกล่าวถูกนำมาใช้เป็นไซโคลรามาที่มีความแข็งแกร่งพร้อมโดมที่ทำจากคอนกรีตเสริมเหล็ก โดมดังกล่าวสะท้อนแสงได้อย่างสมบูรณ์แบบและไม่ยับหรือขยับเมื่อสัมผัส นอกจากนี้ ด้วยรายละเอียดนี้ จึงทำให้เกิดความลึกซึ่งจำเป็นในทุกฉากของละคร การตอบรับต่อการผลิต The Emperor Jones เป็นไปอย่างดุเดือด โดยเอฟเฟกต์ทางเทคนิคสร้างความประทับใจทั้งผู้ชมและนักวิจารณ์ละคร

เป็นเวลาหลายปีที่โรงละครโพรวินซ์ทาวน์ตกเป็นเป้าความสนใจของรัฐบาลอย่างใกล้ชิด ปิดหลายครั้ง เปลี่ยนชื่อ แต่วัตถุประสงค์ของกิจกรรมยังคงเหมือนเดิม

ความเสียหายอย่างหนักต่อคณะละครคือการจากไปของ D.K. Cook จากตำแหน่งผู้นำ เป็นเวลาสามปีเริ่มตั้งแต่ปี 1923 โรงละครนำโดยผู้มีชัยชนะ - K. McGowan, Y. O'Neill และ R. E. Jones

การขยายตัวของละครของโรงละครและการเอาชนะด้านเดียวของโรงละครย้อนกลับไปในเวลานี้ ด้วยความช่วยเหลือของ O'Neill ผลงานของศิลปินคลาสสิกชาวยุโรปและผู้สร้างละครยุโรปเรื่องใหม่ (Georges Dandin โดย Moliere, Love for Love โดย Congreve, On the Other Side โดย Hasenclever, Sonnets of Ghosts โดย Strindberg) ได้รับการจัดแสดงบนเวทีของ Provincetown .

ประวัติศาสตร์อันรุ่งโรจน์ของโพรวินซ์ทาวน์สิ้นสุดลงในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2472: ฝ่ายบริหารไม่สามารถรับมือกับปัญหาทางการเงินที่รุมเร้าได้ ซึ่งนำไปสู่การล่มสลายของคณะละครและการปิด "โรงละครจริงจังแห่งแรก" ในสหรัฐอเมริกา

บทบาทที่สำคัญเท่าเทียมกันในการต่ออายุและพัฒนาศิลปะการแสดงละครในสหรัฐอเมริกาเล่นโดย Guild Theatre ซึ่งสร้างขึ้นบนพื้นฐานของคณะผู้เล่น Washington Square Players ซึ่งได้รับความนิยมในปี พ.ศ. 2458-2461

เป้าหมายหลักสำหรับผู้จัดงาน "กิลดา" คือการสร้างโรงละครศิลปะในอเมริกาโดยปราศจากการพิจารณาทางการค้า ความสนใจหลักที่นี่คือการพัฒนาวิธีการแสดงใหม่ๆ และการพัฒนาเทคนิคการผลิต โดยยึดตามประเพณีที่ดีที่สุดของศิลปะประจำชาติและความสำเร็จของละครยุโรปสมัยใหม่

เอกสารรายการของโรงละครระบุว่า "บทละครที่ได้รับการยอมรับให้ผลิตจะต้องมีคุณค่าทางศิลปะ โดยจะให้ความสำคัญกับบทละครของอเมริกามากกว่า แต่เราจะรวมไว้ในผลงานละครของเราของนักเขียนชาวยุโรปที่มีชื่อเสียงซึ่งถูกละเลยจากโรงละครเชิงพาณิชย์"

ในขั้นต้น การผลิตผลงานละครของยุโรปมีอิทธิพลเหนือเวทีกิลดา เนื่องจากละครอเมริกันมีค่อนข้างน้อย แต่จำนวนละครระดับชาติก็ค่อยๆ เพิ่มขึ้น

อย่างไรก็ตาม แม้ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โรงละครก็ยังไม่มีละครที่เฉพาะเจาะจง ตั้งแต่ผลงานของ B. Shaw พวกเขาได้ย้ายไปแสดงละครของ F. Werfel จาก A. P. Chekhov ถึง L. Andreev จาก G. Kaiser ถึง F . โมลนาร์ . ในบรรดานักเขียนบทละครชาวอเมริกัน คนที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในกิลดา ได้แก่ Y. O'Neill, S. Howard, D. G. Lawson และ E. Rice

ในโปรดักชั่นแรกของตัวอย่างละครยุโรปได้มีการเปิดเผยความไม่พร้อมทางศิลปะของทีมรุ่นเยาว์และผลงานใน "The Seagull" แสดงให้เห็นอย่างเต็มที่ถึงการขาดทักษะบนเวทีของนักแสดงและผู้กำกับ

การผลิต "The Seagull" ของ Chekhov ในปี 1916 มาพร้อมกับการประเมินเชิงลบของนักวิจารณ์ละครหลายคนอธิบายการเลือกละครเรื่องนี้ด้วยความปรารถนาของ "Gilda" ที่จะเป็นเหมือน "พี่ใหญ่" ในทุก ๆ ด้าน - มอสโก โรงละครศิลปะในขณะที่ความสามารถที่แท้จริงของคณะไม่ได้ถูกนำมาพิจารณา

ความปรารถนาที่จะปรับปรุงระดับทักษะทำให้ทีม Gilda หันไปหาประสบการณ์ของโรงละครอื่น ผู้กำกับและนักแสดงมากความสามารถ ดัดลีย์ ดิกส์ได้รับเชิญจากแอบบีย์เธียเตอร์ Emmanuel Reicher ปรมาจารย์ด้านละครเวทีชาวเยอรมันผู้มีชื่อเสียงกลายเป็นนักเทศน์เกี่ยวกับประเพณีศิลปะสมจริงของเยอรมันในโรงละครแห่งนี้ และทีม Gilda ได้รับข้อมูลแรกเกี่ยวกับผลงานของ K. S. Stanislavsky และนักแสดงของ Moscow Art Theatre จาก F. F. Komissarzhevsky และอาร์. มิลตัน

บทบาทพิเศษในชีวิตของโรงละครแสดงโดย Emmanuel Reicher ซึ่งเป็นผู้นำกิจกรรมของคณะมาหลายปี ชายคนนี้เป็นผู้แนะนำหลักการของความสมจริงทางจิตวิทยาที่เป็นผู้ใหญ่ในการกำกับและการแสดง ตามความคิดริเริ่มของ Reicher ในปี 1920 "พลังแห่งความมืด" ของ L. N. Tolstoy ได้จัดแสดงบนเวทีของ Guild Theatre ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นโรงเรียนแห่งการแสดงมาหลายปี

เมื่อเวลาผ่านไป ทีมงานได้เสนอชื่อผู้กำกับที่มีพรสวรรค์ เช่น O. Duncan, F. Möller และคนอื่นๆ

Augustine Duncan ทำงานที่ Guild Theatre เพียงสองปี (ตั้งแต่ปี 1918 ถึง 1920) แต่ในช่วงเวลานี้เขาสามารถทำอะไรได้มากมายเพื่อสร้างประเพณีของศิลปะสมจริงในโรงละครแห่งชาติอเมริกัน ดันแคนเป็นผู้กำกับที่เรียกร้องมาก และบางครั้งก็โหดร้ายด้วยซ้ำ โดยรู้อยู่เสมอว่าเขาต้องการอะไร แต่นักแสดงก็พูดด้วยความเคารพต่องานของเขา การกำหนดงานบางอย่างให้กับคณะ Duncan ประสบความสำเร็จในโซลูชันที่เหมาะสมเสมอ

ผลงานละครของเซนต์ เออร์ไวน์เรื่อง จอห์น เฟอร์กุสสัน ในปี 1919 สร้างชื่อเสียงให้กับผู้กำกับเรื่องนี้อย่างกว้างขวาง นี่เป็นความสำเร็จครั้งแรกของโรงละครซึ่งมีส่วนทำให้อำนาจของโรงละครเพิ่มขึ้นในหมู่ผู้ชม

อย่างไรก็ตาม ละครที่หลากหลายเกินไปของโรงละครไม่เป็นไปตามข้อกำหนดของผู้กำกับ และในปี 1920 เขาก็ออกจากกำแพงกิลดา นี่เป็นการสูญเสียครั้งใหญ่ทั้งสำหรับกลุ่มละครและสำหรับดันแคนเองซึ่งนักวิจารณ์หลายคนทำนายอนาคตที่ดี: “ เขาทำมากกว่าใคร ๆ เพื่อสร้างบทละครที่สมจริง... ด้วยคณะถาวรและโอกาสสำหรับงานสร้างสรรค์ในระยะยาว เขาสามารถให้ทีมอเมริกาเทียบได้กับทีมมอสโกอย่าง Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko”

นักแสดงละครเวทีที่มีพรสวรรค์ไม่แพ้กันคือ Philip Möller ซึ่งกลายเป็นผู้อำนวยการ Guild Theatre หลังจากการตายของ E. Reicher ผู้ชายคนนี้ไม่เพียง แต่เป็นผู้กำกับและนักแสดงที่มีพรสวรรค์เท่านั้น แต่ยังเป็นศิลปินตกแต่งที่มีพรสวรรค์ซึ่งเป็นผู้เขียนผลงานละครหลายชิ้นอีกด้วย Möller รักศิลปะของโรงละครพื้นเมืองของเขา ปฏิเสธที่จะแสดงละครที่อื่นนอกจากเวทีกิลดา

แตกต่างจากผู้กำกับคนอื่นๆ ที่เชื่อว่าการแสดงเป็นผลมาจากการทำงานหนัก Möller เชื่อในงานศิลปะตามสัญชาตญาณ สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับเขาคือหลักการหมดสติซึ่งไม่เป็นไปตามตรรกะและการคำนวณที่สุขุมและเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักแสดงที่มีพรสวรรค์

ตามที่ Möller กล่าวไว้ เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดีที่สุดในระหว่างการซ้อมละครบทใดเรื่องหนึ่ง จำเป็นต้องรักษาการรับรู้ที่สดใหม่ของผลงานเอาไว้ ในเวลาเดียวกัน ผู้กำกับไม่ได้อธิบายอะไรให้นักแสดงฟังเลย ผู้กำกับต้องการความรู้สึกถึงบรรยากาศและอารมณ์ของสิ่งที่เกิดขึ้นจากพวกเขา ผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของโมลเลอร์คือผลงานที่มีนักแสดงมากประสบการณ์เข้ามามีส่วนร่วม เขาไม่รู้วิธีทำงานร่วมกับนักแสดงรุ่นเยาว์

ผู้ร่วมสมัยหลายคนเรียกฟิลิป โมลเลอร์ว่าเป็น "ศิลปินเจ้าอารมณ์ที่มีจินตนาการไม่สิ้นสุด" นอกจากนี้ เขาเป็นนักจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อน สามารถอ่านใจผู้คนได้ และไวต่อเฉดสีและฮาล์ฟโทนทั้งหมด ซึ่งช่วยเขาได้มากในการแสดงผลงานของ Eugene O'Neill

ภายใต้การนำของโมลเลอร์ โรงละครกิลด์ได้จัดแสดงผลงานของไรซ์ เรื่อง The Adding Machine, เรื่อง Saint Joan and Androcles and the Lion ของชอว์, เรื่อง The Hymn Singers ของลอว์สัน, เรื่อง Strange Interlude และเรื่อง Mourning ของ O, เรื่อง Fate Nila ของ Electra พวกเขาทั้งหมดได้รับการยอมรับว่าเป็นความสำเร็จทางศิลปะที่ดีที่สุดของคณะกิลดา

“ Strange Interlude” กลายเป็นหนึ่งในผลงานที่ยากที่สุดสำหรับผู้กำกับ: ละครเก้าองก์ที่ออกแบบมาสำหรับสองเย็นจะต้องแสดงพร้อมกันโดยใช้เวลาตั้งแต่ห้าโมงครึ่งในตอนเย็นจนถึงเที่ยงคืนเป็นเวลาหนึ่งชั่วโมง และพักครึ่ง

ด้วยความพยายามที่จะแก้ปัญหาในการถ่ายทอด "บทพูดของความคิด" ที่โอนีลใช้เพื่อเปิดเผยประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ลึกซึ้งและแก่นแท้ของตัวละครในละคร Möller เสนอทางเลือกหลายทาง ประการแรก การกำหนดโซนพิเศษบนเวที เกาะแห่งความเหงาอันแปลกประหลาดสำหรับการออกเสียงบทพูดคนเดียว ในขณะที่ควรเน้นคำด้วยการเปลี่ยนโทนเสียงหรือโดยการเปลี่ยนแสง แต่ด้วยความมั่นใจว่าทั้งหมดนี้จะทำให้ผู้ชมเสียสมาธิจากการกระทำหลักและทำให้น่าเบื่ออย่างรวดเร็วผู้กำกับจึงละทิ้งเทคนิคนี้

วิธีแก้ปัญหาประการที่สองคือวิธีการหยุดการเคลื่อนไหว ซึ่งเกี่ยวข้องกับการหยุดการกระทำทางกายภาพและการสนทนาใด ๆ ในระหว่างการพูด "บทพูดคนเดียวของความคิด" ผลที่ตามมาคือพื้นที่แห่งความสงบนิ่งทางกายภาพเกิดขึ้น และ "กระแสความคิดที่ไม่ได้ยิน" ก็เข้าถึงได้สำหรับผู้ฟัง การค้นพบการกำกับครั้งนี้ประสบความสำเร็จอย่างมาก และสะท้อนถึงสไตล์ละครของโอนีลได้อย่างแม่นยำจนการผลิต "Strange Interlude" ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม

ช่วงครึ่งหลังของคริสต์ทศวรรษ 1920 เป็นช่วงรุ่งเรืองของ Guild Theatre ซึ่งเป็นช่วงที่ความสำเร็จทางศิลปะและเชิงพาณิชย์มาถึงจุดสูงสุด

ในปี 1925 คณะละครได้ย้ายไปที่อาคารใหม่ที่สร้างขึ้นตามการออกแบบพิเศษ ซึ่งเป็นหอประชุมที่ออกแบบมาสำหรับคน 1,000 คน นอกจากนี้จำนวนผู้ถือตั๋วปีก็เพิ่มขึ้น: ในนิวยอร์กมีประมาณ 20,000 คนและในสิบเมืองที่ใหญ่ที่สุดในอเมริกาที่คณะนักแสดงไปเที่ยวมี 30,000 คน

โรงเรียนการแสดงแห่งใหม่ค่อยๆก่อตั้งขึ้นในกิลดา ผู้อำนวยการโรงละครตระหนักดีว่าจำเป็นต้องมีคณะถาวรเพื่อดำเนินการผลิตให้ประสบความสำเร็จ เธอต้องทำงานภายใต้การแนะนำของผู้กำกับถาวร และละครของโรงละครก็ต้องทำให้มีปริมาณมาก

ดังนั้นทีม Gilda จึงพยายามทำทุกอย่างเพื่อทำตามคำแนะนำของ K. S. Stanislavsky ที่ได้รับระหว่างการทัวร์โรงละครศิลปะมอสโกในสหรัฐอเมริกา

ในฤดูกาล 2469/2470 นักแสดงรับเชิญ 10 คนเริ่มทำงานในโรงละครซึ่งเป็นแกนหลักของคณะ: E. Westley, D. Diggs, Eva Le Gallienne, L. Fontannes, A. Lunt, M. Karnovsky และคนอื่น ๆ .

Eva Le Gallienne หลังจากรับบท Julia ใน Lilioma ของ Molnar และได้รับการยอมรับจากผู้ชม ออกจาก Gilda ไปที่โรงละครบรอดเวย์แห่งหนึ่ง มันคือ "กิลด์" ที่ทำให้เธอได้รับความสำเร็จ "ดารา"

คู่สมรส Lynn Fontanne และ Alfred Lunt ทำงานที่ Gilda's ตั้งแต่ปี 1924 ถึง 1929 ตลอดหลายปีที่ผ่านมานักแสดงเป็นส่วนหนึ่งของคณะถาวรพวกเขามีบทบาทหลักมากมายรวมถึงใน "Pygmalion" และ "Weapons of Man" โดย B. Shaw, "The Brothers Karamazov" โดย M. F. Dostoevsky, "Strange Interlude” O'Neill และคอเมดีมากมาย

เวที "กิลดา" ช่วยให้คนเหล่านี้ได้เปิดเผยความสามารถในการแสดงที่หลากหลายของตนอย่างเต็มที่และเพิ่มระดับทักษะของพวกเขา แม้จะออกจากบรอดเวย์แล้ว แอล. ฟอนแทนน์และเอ. ลันต์ก็มีส่วนร่วมในผลงานสำคัญหลายเรื่องของ Guild Theatre เช่น ใน "The Taming of the Shrew" โดย W. Shakespeare, "The Seagull" โดย A. P. Chekhov เป็นต้น

เมื่อถึงฤดูกาล 1928/1929 คณะละครมีจำนวนคน 35 คน โดยนักแสดงทั้งหมดแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม ซึ่งแต่ละคนได้รับมอบหมายให้แสดงละครสองเรื่องจากละคร Gilda ในนิวยอร์กและสองเมืองใหญ่ ๆ ในสหรัฐอเมริกา ผลงานของ Guild Theatre เริ่มได้รับการพิจารณาว่าเป็นมาตรฐานของความเป็นเลิศทางศิลปะระดับสูงทีละน้อย และโรงละครขนาดเล็กหลายแห่งในสหรัฐอเมริกาก็พยายามที่จะไปถึงระดับของพวกเขา

อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนทำให้เกิดโรงละครขึ้นมาใหม่ ในช่วงกลางทศวรรษ 1930 นักธุรกิจที่ใส่ใจแต่ผลกำไรมหาศาลเริ่มเข้ามามีบทบาทหลักในหมู่ผู้กำกับของ Gilda สถานการณ์เหล่านี้นำไปสู่การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในละครของโรงละคร: เริ่มให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการแสดงในบ็อกซ์ออฟฟิศและการผลิตละครที่ทำกำไรได้น้อยต้องเผชิญกับอุปสรรคร้ายแรงจากฝ่ายบริหาร ดังนั้นในช่วงต้นทศวรรษ 1940 กิลด์จึงสูญเสียความสำคัญทางศิลปะและสังคมในอดีตไป และกลายเป็นโรงละครเชิงพาณิชย์ธรรมดาๆ เฉพาะในช่วงปีแรกของสงครามโลกครั้งที่สองเท่านั้นที่ Guild Theatre กลับมามีความสำคัญอีกครั้ง เมื่อ The Fifth Column ของ Hemingway, Russian People ของ Simonov, Three Sisters ของ Chekhov และ Othello โดยมี Paul Robeson เข้าร่วมด้วย ได้จัดแสดงบนเวที

เป็นเวลาเจ็ดฤดูกาลติดต่อกันตั้งแต่ปีพ. ศ. 2469 ถึง พ.ศ. 2475 Civic Repertory Theatre ซึ่งก่อตั้งโดยนักแสดงหญิงยอดนิยมอย่าง Eva Le Gallienne ทำงานในนิวยอร์ก มีไว้สำหรับสาธารณชนชาวอเมริกันที่ถือว่าวรรณกรรมและศิลปะเป็นส่วนสำคัญของชีวิต เป็นความต้องการทางจิตวิญญาณที่สำคัญ และไม่ใช่ความบันเทิง

โรงละคร Civil Repertory ถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นโรงละครถาวรซึ่งมีคณะละครเป็นของตัวเองและมีละครที่หลากหลายและเปลี่ยนแปลงเป็นระยะ E. Le Gallienne เชื่อว่าการเปลี่ยนแปลงละครเป็นกุญแจสำคัญสู่ความเจริญรุ่งเรืองของโรงละคร ระบบดังกล่าวมีความสำคัญอย่างยิ่งต่องานศิลปะ เนื่องจากการแสดงเดียวกันบนเวทีเป็นเวลานานจะลดความสำคัญที่แท้จริงของโรงละคร ทำให้เกิดความประทับใจ " สายลำเลียงที่ทำลายล้างทุกสิ่ง” "

บทละครที่รวมอยู่ในละครของ Civil Theatre จะต้องมีความโดดเด่นไม่เพียง แต่มีคุณธรรมทางศิลปะสูงเท่านั้น แต่ยังมีความหมายที่ดีอีกด้วย ผู้ร่วมสมัยหลายคนเรียกโรงละครแห่งนี้ว่าห้องสมุดแห่งการแสดงละครมีชีวิตซึ่งผลงานชิ้นเอกของละครโลก (ผลงานของเชกสเปียร์, โมลิแยร์, โกลโดนีและผลงานคลาสสิกอื่น ๆ ให้ความสนใจหลัก) รวมถึงความสำเร็จทางวรรณกรรมของยุคใหม่และร่วมสมัย (ผลงานของ Ibsen, Chekhov ฯลฯ )

เป็นที่น่าสังเกตว่าในระหว่างการดำรงอยู่ของโรงละครมีการแสดงละคร 34 เรื่องบนเวทีและการประพันธ์ของทั้งสามเรื่องเป็นของ Ibsen และสี่เรื่องเป็นของ Chekhov ดังนั้นความฝันของ Eva Le Gallienne ที่จะได้เล่นบทละครโดยนักเขียนบทละครคนโปรดของเธอจึงกลายเป็นความจริง

ในวันเปิดงาน "Saturday Night" โดย H. Benavente จัดแสดงบนเวทีของ Civil Repertory Theatre และในวันรุ่งขึ้นมีการฉายรอบปฐมทัศน์ของ "Three Sisters" ของ Chekhov หนึ่งในบทบาทหลักในละครเรื่องนี้คือผู้ก่อตั้งโรงละครเอง

ความหลงใหลในผลงานของ A.P. Chekhov ของ Le Gallienne นั้นยอดเยี่ยมมากเธอยังเรียนภาษารัสเซียเพื่อแปลผลงานของนักเขียนบทละครคนโปรดของเธออย่างอิสระเพราะตามที่นักแสดงเชื่อเพียงความคุ้นเคยกับแหล่งที่มาดั้งเดิมเท่านั้นจึงเป็นความเข้าใจที่แท้จริงของภาพที่มีลักษณะเฉพาะ เป็นไปได้.

Le Gallienne ไม่เพียง แต่เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้กำกับที่มีความสามารถด้วยดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่บทละครของ Chekhov ซึ่งจัดแสดงบนเวที Civil Repertory Theatre ประสบความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนและกลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตศิลปะของสหรัฐอเมริกา .

นอกจาก Three Sisters แล้ว โรงละคร Eva Le Gallienne ยังแสดง The Cherry Orchard, Uncle Vanya และ The Seagull ซึ่งเป็นผลงานชุดแรกจัดขึ้นที่ Guild Theatre แต่ก็ไม่ประสบความสำเร็จมากนัก นักแสดงหญิงที่ยอดเยี่ยมสร้างขึ้นในการแสดงเหล่านี้ ภาพลักษณ์ที่น่าจดจำของนางเอกของ Chekhov - Ranevskaya และ Mashas ทั้งสอง ("Three Sisters" และ "The Seagull")

ผลงานเกือบทั้งหมดของ Le Gallienne แสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของประเพณีโรงละครศิลปะมอสโก และนักวิจารณ์หลายคนที่ประเมินผลงานละครของเชคอฟบนเวทีละครของเธอได้หันมาใช้มาตรฐานการแสดงละครเวทีของรัสเซียในการแสดงละครของเชคอฟ ผู้ตรวจสอบได้สังเกตทักษะของผู้กำกับและความสามารถของนักแสดงในการสร้างบรรยากาศที่แท้จริงบนเวทีซ้ำแล้วซ้ำเล่าความสามารถในการทำให้ผู้ชมเชื่อในความเป็นจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น

การยกย่องสูงสุดมอบให้กับการผลิตละครเรื่อง The Cherry Orchard ที่ Civil Repertory Theatre นักวิจารณ์หลายคนแสดงความพอใจที่ในที่สุดชาวอเมริกันก็ไม่เห็นตัวแทน แต่เป็น Chekhov ตัวจริงในภาษาอังกฤษ

ผลงานของ Ibsen ของโรงละครได้รับการวิจารณ์อย่างกระตือรือร้นจากสาธารณชนและนักวิจารณ์ไม่น้อย สำหรับบทบาทของเธอในฐานะ Ella Rentheim ในละครเรื่อง "Juna Gabriela Borkman" นั้น Eva Le Gallienne ยังได้รับรางวัลตำแหน่งนักแสดงหลักของ Ibsen ในสหรัฐอเมริกาด้วยซ้ำ

อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ของ Civil Repertory Theatre ก็ไม่เท่ากัน ถัดจากนักแสดงนำที่ประสบความสำเร็จในการรับมือกับงานที่เผชิญหน้าพวกเขายังมีผู้แพ้ซึ่งเป็นนักแสดงรองตลอดชีวิตซึ่งแม้แต่ตอนเล็ก ๆ ในบทละครของ Chekhov หรือ Ibsen ก็กลายเป็นเรื่องยากเกินไป คนดังกล่าวไม่สามารถรับมือกับงานที่นำเสนอโดยละครเรื่องใหม่และคลาสสิกได้

ความจำเป็นในการจัดตั้งโรงเรียนการแสดงบางแห่งและการพัฒนาวิธีการแสดงแบบเดียวกันสำหรับทุกคนดูเหมือนจะชัดเจน แต่ Le Gallienne ไม่ได้ให้ความสำคัญกับปัญหานี้เนื่องจากเชื่อว่าลักษณะการแสดงนั้นไม่สำคัญนักสิ่งสำคัญคือ คือว่ามีผลในเชิงบวก

ในปี 1932 โรงละคร Civic Repertory ของ Eva Le Gallienne ได้ยุติลง เหตุผลของเรื่องนี้คือปัญหาทางการเงินและการขาดการเมือง (เจ้าหน้าที่โรงละครในขณะที่ยังคงเป็นโรงละครวรรณกรรมที่มีศิลปะล้วนๆ ก็ไม่ได้สัมผัสกับปัญหาสังคมและการเมืองที่เร่งด่วนในยุคของเรา) โรงละครแห่งนี้ถูกแทนที่ด้วยกลุ่มอื่น - โรงละครกลุ่มและโรงละครคนงาน

ผู้สร้าง "กลุ่ม" เป็นนักแสดงรุ่นเยาว์ - ผู้เข้าร่วมในสตูดิโอของ Guild Theatre และผู้สำเร็จการศึกษาจาก American Laboratory Theatre ซึ่งเป็นโรงเรียนในสตูดิโอที่ศิลปินได้รับการฝึกฝนตามระบบของ K. S. Stanislavsky โรงละครแห่งนี้เกิดในปี พ.ศ. 2474 และเปิดดำเนินการมาเป็นเวลา 10 ปี ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ที่เห็นได้ชัดเจนในชีวิตการแสดงละครของสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1930

ไม่พอใจกับการค้าของ Guild Theatre คนหนุ่มสาวในช่วงปลายทศวรรษ 1920 เริ่มคิดเกี่ยวกับการสร้างกลุ่มที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยมุมมองร่วมกันเกี่ยวกับงานสร้างสรรค์ทางศิลปะและการมีส่วนร่วมในชีวิตสาธารณะ ในไม่ช้าผู้ชมละครรุ่นเยาว์ที่มีความก้าวหน้าได้ก่อตั้งคณะขึ้นโดยมีสามคน ได้แก่ Lee Strasberg, Harold Clurman และ Cheryl Crawford

การแสดงละครครั้งแรกบนเวที Group Theatre ได้รับการสนับสนุนจากบุคคลสำคัญในโรงละคร ซึ่งรวมถึง Yu. O'Neill นักเขียนบทละครชื่อดัง และนักแสดง Gilda บางคน

ปีแห่งวิกฤตเศรษฐกิจและการเติบโตของการตระหนักรู้ในตนเองของสาธารณชนซึ่งรวมถึงการจัดตั้งทีมใหม่ได้กำหนดเป้าหมายและวัตถุประสงค์ของโรงละคร "กลุ่ม" ไว้ล่วงหน้าซึ่งหลักการสำคัญคือการสะท้อนชีวิตสมัยใหม่ในสังคมในงานศิลปะ ที่มีความเชื่อมโยงกับประชาชนอย่างใกล้ชิด ดังนั้น ทีมงานรุ่นเยาว์จึงพยายาม "สร้างอิทธิพลต่อชีวิตผ่านละคร"

ผู้ชมละครรุ่นเยาว์มองหานักเขียนบทละครที่มีใจเดียวกันและคัดเลือกนักแสดงเข้ามาในคณะซึ่งมีรูปแบบการแสดงที่แน่นอนซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปกลายเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริง ความสนใจเป็นพิเศษใน "กลุ่ม" จ่ายให้กับการศึกษาหลักจริยธรรมของคำสอนของ K. S. Stanislavsky และความเชี่ยวชาญของระบบการแสดงของเขา

นักแสดงรุ่นเยาว์ได้รับการฝึกฝนโดย Lee Strasberg ซึ่งเรียนรู้พื้นฐานของคำสอนของ Stanislavsky จากอดีตศิลปินของ Moscow Art Theatre R. Boleslavsky และ M. Uspenskaya Strasberg ผสมผสานชั้นเรียนกับนักแสดงเข้ากับงานกำกับ บ่อยครั้งเพื่อตอบสนองต่อคำตำหนิจากนักเรียนที่เชื่อว่าครูพูดมากเกินไปและไม่ได้ใส่ใจในทางปฏิบัติมากพอ Strasberg ตอบว่า: “ใช่ เราพูดเยอะมาก แต่นั่นเป็นเพราะเราไม่ได้แค่ซ้อม เล่น - เรากำลังวางรากฐานของโรงละคร”

เกือบทุกฤดูร้อน ศิลปินของกลุ่มจะเดินทางออกนอกเมือง เพื่อใช้เวลาในการซ้อมอย่างเข้มข้นและฟังการบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์การละครและการละคร นอกจากนี้ ยังมีชั้นเรียนการเคลื่อนไหวบนเวที การแสดงละครใบ้ และการเต้นรำอีกด้วย

ดังนั้นตามบันทึกความทรงจำของศิลปิน M. Karnovsky ในโรงละคร "กลุ่ม" "นักแสดงประเภทใหม่ได้ถูกสร้างขึ้นไม่ว่าเราจะเรียกเขาว่านักแสดง - นักปรัชญาหรือนักแสดง - พลเมืองหรือนักแสดงที่ใส่ใจต่อสังคม เรียกเขาว่า "นักแสดง" จะดีกว่า

แนวโน้มประชาธิปไตยในการจัดการโรงละครให้ผลลัพธ์ที่ดี สภานักแสดงมีความสำคัญอย่างยิ่ง โดยกรรมการมีหน้าที่ต้องรายงานต่อสภานักแสดงและสมาชิกคณะนักแสดงทุกคน ทำให้ฝ่ายบริหารหมดโอกาสที่จะจัดสรรผลกำไรส่วนใหญ่ สมาชิกทุกคนในกลุ่มโรงละครโดยไม่คำนึงถึงตำแหน่งได้รับเงินเดือนเท่ากัน

ผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของกลุ่มคือการผลิตละครของพี. กรีนเรื่อง “The House of Connelly” การฝึกซ้อมการแสดงนี้ดำเนินต่อไปเป็นเวลาสามเดือน ซึ่งให้ผลลัพธ์ที่แน่นอน ความสำเร็จดังกึกก้องของการแสดงรอบปฐมทัศน์ทำให้นักวิจารณ์สามารถพูดคุยเกี่ยวกับการเกิดขึ้นของโรงละครแห่งใหม่ในอเมริกาที่มีหน้าตาบนเวทีเป็นของตัวเอง หนังสือพิมพ์ฉบับหนึ่งถึงกับตีพิมพ์ข้อความที่มีเนื้อหาดังต่อไปนี้: “ดูเหมือนว่าละครบรอดเวย์ที่เหนื่อยล้าของเราได้ค้นพบเลือดรุ่นเยาว์และแนวคิดใหม่ ๆ ที่พวกเราหลายคนใฝ่ฝันมานานแล้ว…”

ในปีพ. ศ. 2477 Group Theatre เริ่มทำงานตามโครงการใหม่โดยได้รับจาก Stanislavsky โดยศิลปินที่มีพรสวรรค์ Stella Adler ซึ่งศึกษาเป็นเวลาสองเดือนกับปรมาจารย์ชาวรัสเซียผู้โด่งดัง ประสบการณ์ศิลปะบนเวทีรัสเซียได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบโดยนักแสดงของ Group Theatre สำหรับพวกเขาแล้วผลงานหลักของ K. S. Stanislavsky, E. Vakhtangov บทความและบันทึกส่วนตัวของ M. Chekhov และ P. Markov ได้รับการแปลเป็นภาษาอังกฤษ

ฤดูกาลละครปี 1933/1934 ถือเป็นเหตุการณ์สำคัญที่สร้างสรรค์ในผลงานของกลุ่ม "กลุ่ม" เมื่อถึงเวลานี้ ระยะเวลาของการฝึกงานซึ่งกินเวลาสี่ปีเต็มได้สิ้นสุดลงแล้ว กาแล็กซีของนักแสดงที่ยอดเยี่ยมได้ปรากฏขึ้นภายในกำแพงของโรงละคร และวงดนตรีศิลปะที่สมบูรณ์ได้ก่อตัวขึ้น

การทดสอบความเป็นผู้ใหญ่ของกลุ่มละครคือความสำเร็จในการผลิตละครเรื่อง Men in White โดย S. Kingsley เป็นที่น่าสังเกตว่าการแสดงละครที่ยอดเยี่ยมของงานนี้ทำให้ผู้เขียนได้รับรางวัลพูลิตเซอร์กิตติมศักดิ์

ในการแสดงละคร “Men in White” ผู้กำกับลี สตราสเบิร์กแก้ปัญหางานขั้นสุดท้ายของละครเรื่องนี้ได้อย่างยอดเยี่ยม โดยแสดงให้เห็นการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกันของแพทย์ผู้ซื่อสัตย์และมีทัศนคติทางการค้าต่อการแพทย์ ตัวอย่างเช่นในฉากในห้องผ่าตัดซึ่งกลายเป็นไคลแม็กซ์ของละครดูเหมือนว่าแนวคิดหลักของงานจะถูกรวบรวมไว้

ฉากปฏิบัติการที่เงียบเชียบและมีความหมายชวนให้นึกถึงพิธีอันศักดิ์สิทธิ์ แทรกซึมเข้าสู่ฉากแอ็คชั่นในช่วงเวลาที่เหตุการณ์ปั่นป่วนในชีวิตของฮีโร่ดึงดูดความสนใจของผู้ชม ในตอนนี้เองที่วิทยาศาสตร์ที่แท้จริงมีชัยชนะเหนือเป้าหมายทางการค้าของ "ผู้รับใช้ของฮิปโปเครติส" ตัวปลอม

ความแตกต่างระหว่างความเร็วของชีวิตและความเงียบอันน่านับถือของห้องผ่าตัดทำให้ผู้ชมต้องคิดถึงปัญหาทางปรัชญาของชีวิตและความตาย

ความปรารถนาของผู้กำกับในการตระหนักถึงศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของนักแสดงอย่างเต็มที่ นำไปสู่ภาพที่ขยายใหญ่ขึ้น จังหวะที่เข้มข้น และความเข้าใจที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับจิตวิทยาของตัวละคร ในกรณีนี้ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการแสดงออกของพลาสติก

การแสดงเกิดขึ้นในจังหวะที่ตึงเครียด การหยุดเงียบเป็นเวลานานเพียงแต่ทำให้เหตุการณ์ที่กำลังคลี่คลายมีความสำคัญและแข็งแกร่งเป็นพิเศษเท่านั้น

มีการใช้ฉากขั้นต่ำในการผลิต การออกแบบเวทีที่สร้างขึ้นโดยศิลปิน M. Gorelik ค่อนข้างถ่ายทอดแนวคิดของฉากแอ็คชั่นแทนที่จะสร้างรายละเอียดทั้งหมดของสภาพแวดล้อมในโรงพยาบาลอย่างแม่นยำ

การใช้สีขาวและดำสร้างอารมณ์บางอย่างและสอดคล้องกับความตั้งใจของผู้กำกับและการตัดสินใจในการผลิตทั้งหมดมากที่สุด ซึ่งโดดเด่นด้วยสไตล์บางอย่าง

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 Group Theatre มีนักเขียนบทละครของตัวเอง Clifford Odets เขาเริ่มปฏิบัติตามประเพณีของโรงละครดังนั้นผลงานของเขาจึงตรงตามข้อกำหนดของกลุ่มโรงละครสำหรับบทละครที่มีไว้สำหรับการผลิตอย่างเต็มที่

เมื่อต้นปี พ.ศ. 2478 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของละครเรื่องแรกของ K. Odets เรื่อง "Waiting for Lefty" เกิดขึ้นบนเวทีของ Group Theatre ในปีต่อๆ มา บทละครของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์อย่าง "Until I Die" "Awake and Sing" "Rocket to the Moon" "Golden Boy" และ "Night Music" ก็จัดแสดงที่นี่

ทีมงานของโรงละครแห่งนี้จัดแสดงผลงานเรื่อง “Good People” โดย I. Shaw, “Casey Jones” โดย R. Ordry, “My Heart is in the Mountains” โดย W. Saroyan นอกจากนี้ การมีอยู่ของ Group Theatre กลายเป็นเหตุผลในการเขียนบทละครหลายเรื่องที่อาจไม่ได้รับการตีพิมพ์ภายใต้เงื่อนไขอื่น

ในปี 1937 แอล. สตราสเบิร์ก ซึ่งกลุ่มบริษัทเป็นหนี้ผลงานที่ประสบความสำเร็จและเป็นที่ยอมรับในหมู่ผู้ชม ได้ย้ายไปที่บรอดเวย์ ผู้อำนวยการโรงละครคนใหม่คือ Harold Clurman ซึ่งกิจกรรมบนเวทีเริ่มที่ Greenwich Village Theatre (ชื่อเก่าของ Provincetown) เขาได้เรียนรู้เคล็ดลับมากมายในการแสดงและการกำกับจาก Yu. O'Neill, R. E. Jones และ K. McGowan

แม้กระทั่งก่อนที่จะเข้าสู่หมู่บ้านกรีนิช Klerman เคยศึกษาที่ซอร์บอนน์ ซึ่งเขาเข้าร่วมการบรรยายโดยเจ. โคโปเกี่ยวกับประวัติศาสตร์การละคร นอกจากนี้ในระหว่างที่เขาอยู่ในเมืองหลวงของฝรั่งเศส แฮโรลด์ได้เข้าร่วมการแสดงที่โรงละครศิลปะมอสโกหลายครั้ง จากนั้นเริ่มศึกษาหลายปีที่ American Laboratory Theatre กับ K. Boleslavsky ในโรงเรียนสตูดิโอแห่งนี้ Klerman เริ่มคุ้นเคยกับระบบ Stanislavsky ที่มีชื่อเสียง

หนึ่งในการแสดงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่ผู้กำกับแสดงบนเวที Group Theatre คือ "Golden Boy" โดย K. Odets การผลิตในปี 1937 ประสบความสำเร็จอย่างมากจนคณะละครไม่เพียงได้รับการยอมรับจากผู้ชมเท่านั้น แต่ยังมีรายได้มากมายอีกด้วย มีการสร้างคณะทัวร์ที่เดินทางไปรอบเมืองต่างๆ ในอเมริกาเพื่อแสดงละครเรื่องนี้ด้วยซ้ำ ภาพยนตร์ชื่อเดียวกันนี้สร้างจากละครเรื่องนี้ในฮอลลีวูดด้วยซ้ำ

ใน “Golden Boy” ลักษณะเฉพาะตัวของผู้กำกับอย่างแฮโรลด์ คลูร์แมนนั้นมองเห็นได้ชัดเจน ในขณะที่เขาพยายามรวบรวมแนวคิดทางอุดมการณ์ของบทละครอย่างถูกต้องแม่นยำในการผลิต นอกจากนี้ เขาพยายามกำหนดเป้าหมายสูงสุดของการแสดงผ่านการดำเนินการที่มีโครงสร้างชัดเจน

เมื่อเข้าใจบทละครในแบบของเขาเอง ผู้กำกับจึงพยายามนำเสนอละครเวทีเป็นเรื่องราวเกี่ยวกับความยากลำบากในการก่อตัวของมนุษย์ในโลกที่เงินทอง ความสำเร็จทางการค้า และสถานะทางสังคมมีอิทธิพลเหนือทัศนคติทางศีลธรรมและคุณสมบัติทางจิตวิญญาณของแต่ละบุคคล

ความขัดแย้งหลักของบทละครนำเสนอในการแสดงว่าเป็นการต่อสู้ระหว่างไวโอลินกับกำปั้น เมื่อตระหนักว่าความแตกต่างดังกล่าวอาจดูซาบซึ้งและไร้เดียงสาเกินไปสำหรับบางคน Klerman จึงพยายามระบายสีความขัดแย้งหลักไม่เพียงแต่ด้วยความรู้สึกที่เป็นโคลงสั้น ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงประสบการณ์ที่เจ็บปวดด้วย ผลของเทคนิคนี้น่าประทับใจ: ความไร้เดียงสาและความรู้สึกนึกคิดทำให้เกิดการไตร่ตรองถึงความหมายของชีวิต

Klerman ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการเลือกนักแสดงนำ ตามที่ผู้กำกับระบุว่านักแสดงที่สมัครรับบทบาทนี้จะต้องเป็นศิลปินที่มีปัญญาทั้งภายในและภายนอก Klerman ต้องการเห็นนักดนตรีของ Joe บนเวทีราวกับว่ามีความแข็งแกร่งมหาศาลและร่างกายที่ยอดเยี่ยมโดยบังเอิญไม่ใช่นักมวย Joe , ผู้ที่หลงใหลในดนตรีเป็นอย่างมาก

ในระดับสูงสุด นักแสดงแอล. แอดเลอร์สอดคล้องกับภาพลักษณ์ของโจ โบนาปาร์ตที่พัฒนาขึ้นในใจของผู้กำกับ เขาคือผู้ที่ได้รับมอบหมายให้แสดงบทบาทหลักในละครเรื่อง Golden Boy

บทบาทของสมเด็จพระสันตะปาปาโบนาปาร์ตเขียนโดย K. Odets ซึ่งรู้ดีถึงความสามารถในการสร้างสรรค์ของนักแสดง "กลุ่ม" โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับ M. Karnovsky ชายคนนี้สามารถทำให้แผนของนักเขียนบทละครมีชีวิตขึ้นมาได้ โดยสร้างภาพลักษณ์ที่แสดงออกและสมจริงอย่างน่าประหลาดใจของบุคคลที่น่าสงสารและตลกขบขันภายนอก แต่ภายในเข้มแข็งและไม่ย่อท้อ

นักแสดงและผู้กำกับชื่อดัง เอวา เลอ กัลเลียน กล่าวถึงผลงานสร้างของเคลร์แมนเรื่อง The Golden Boy ว่า “สไตล์การทำลายล้างที่อัดแน่นของเธอมีพลังอย่างน่าทึ่ง ฉันชอบการผลิตฉันชอบมันมาก และพวกเขาเล่นได้อย่างยอดเยี่ยม ด้วยความมั่นใจ และความหลงใหลอันมืดมน”

อย่างไรก็ตาม ทั้งความสำเร็จทางศิลปะของกลุ่ม "กลุ่ม" หรือการทัวร์ที่ประสบความสำเร็จในอเมริกาและเมืองที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปก็ไม่สามารถทำให้โรงละครล่มสลายได้ ไม่สามารถต้านทานโรงละครเชิงพาณิชย์จำนวนมากในบรอดเวย์ได้

ในปีพ.ศ. 2484 โรงละครกลุ่มได้ยุติลง นักแสดงเกือบทั้งหมดที่มีชื่อเสียงจากการแสดง "กลุ่ม" ที่ประสบความสำเร็จได้รับคำเชิญและไปที่สตูดิโอฮอลลีวูดหลายแห่ง

Group Theatre ไม่เพียงแต่มีศิลปะที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังมีความสำคัญทางสังคมที่สำคัญในชีวิตการแสดงละครของสหรัฐอเมริกาอีกด้วย ด้วยการตั้งเป้าหมายที่ชัดเจน - เพื่อทำให้ศิลปะการแสดงเป็น "การแสดงออกที่แท้จริงของชีวิตชาวอเมริกันในเวลานั้น" "เพื่อเปลี่ยนนักแสดงให้เป็นศิลปินที่มีสติและเพื่อช่วยเหลือนักเขียนบทละครหน้าใหม่" ทีมงานก็ประสบความสำเร็จในการดำเนินการเหล่านั้น

นักแสดง ผู้กำกับ นักเขียนบทละคร และครูสอนละครหลายคนที่ทำงานในบรอดเวย์มาจาก Group Theatre ในช่วงทศวรรษที่ 1930 นอกจากนี้เกือบทุกคนบนเวทีอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1940 ยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากประเพณีของกลุ่มนี้

หลังจากวางรากฐานของโรงเรียนการแสดงที่สมจริงระดับชาติและผสมผสานการเคลื่อนไหวของโรงละครขนาดเล็กเข้ากับประสบการณ์ของศิลปะที่สมจริงแบบผู้ใหญ่ Group Theatre มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครอเมริกันในช่วงต้นปีหลังสงคราม (ครึ่งหลังของ ทศวรรษที่ 1940 - 1950)

นอกจากกลุ่มโรงละครยอดนิยมอย่างโพรวินซ์ทาวน์ กิลด์ และกลุ่มแล้ว ยังมีโรงละครสำหรับคนทำงานที่ไม่เป็นมืออาชีพอีกด้วย โดยแห่งแรกปรากฏในช่วงปลายทศวรรษปี ค.ศ. 1920

ดังนั้นในนิวยอร์กในปี พ.ศ. 2469 ปัญญาชนหัวรุนแรง ในจำนวนนี้ ได้แก่ ดี. จี. ลอว์สัน และเอ็ม. โกลด์ ได้ริเริ่มการก่อตั้งสมาคมละครคนงาน ซึ่งรวมถึงกลุ่มสมัครเล่นหลายกลุ่ม ตามความหมายที่แท้จริงของคำนี้ ไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นโรงละคร การแสดงของกลุ่มเหล่านี้มาพร้อมกับการอ่านบทกวีประสานเสียงและการละเล่นทางสังคมสั้นๆ

ในปี 1932 องค์กรใหม่ปรากฏขึ้น เรียกว่า League of Workers' Theatres สามปีต่อมาได้เปลี่ยนเป็น League of New Theatres เอกสารโปรแกรมสรุปเป้าหมายหลักของลีก: การพัฒนาโรงละครคนงานชาวอเมริกัน และการยกระดับศิลปะและสังคม

ในบรรดากลุ่มละครคนงานที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Workers' Laboratory Theatre สร้างขึ้นในปี 1930 ซึ่งต่อมาได้เปลี่ยนเป็น Theatre of Action และ Union Collective (1933-1937) ซึ่งจัดเป็นโรงละครชนชั้นกรรมาชีพบนพื้นฐานวิชาชีพ ตั๋วสำหรับใบสุดท้ายราคาถูกมาก และที่นั่งว่างก็แจกฟรีให้กับผู้ว่างงาน

นักแสดงกึ่งมืออาชีพกลุ่มหนึ่งทำงานที่ Union Theatre มีการแสดงผลงานศิลปะบนเวทีในขณะที่ละครเป็นผลงานของนักเขียนบทละครชาวอเมริกัน "สังคม" แต่บทละครของนักเขียนชาวยุโรปยอดนิยมก็ถูกจัดแสดงเช่นกัน

ในความพยายามที่จะปรับปรุงระดับทักษะของนักแสดงฝ่ายบริหารโรงละครได้เชิญนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ K. Odets มาเป็นครู จากผลการศึกษาเหล่านี้ ผลงานของ Union มีการแสดงออกมากขึ้นและได้รับจิตวิทยาเชิงลึกมากขึ้น

ผลงานที่ดีที่สุดของ Union Theatre เราควรสังเกต "Peace on Earth" โดย A. Malts และ D. Sklyar, "Mine" โดย A. Malts, "The Loader" โดย R. Peters และ D. Sklyar, "Waiting for Lefty ” โดย K. Odets, “ Mother” โดย B. Brecht, “ Sailors from Cattaro” โดย F. Wolf เป็นต้น

เมื่อจัดแสดงผลงานเหล่านี้มีการใช้เทคนิคใหม่ของศิลปะบนเวทีซึ่งพิสูจน์ให้ทุกคนเห็นว่าวิธีดั้งเดิมของการแสดงในยุคแรก ๆ ได้เอาชนะไปแล้ว: หน้ากากสังคมซึ่งมีบทบาทสำคัญในขั้นตอนแรกของการทำงานของนักแสดงสหภาพคือ แทนที่ด้วยภาพลักษณะที่มีการเคลื่อนไหวภายในและการพัฒนาทางจิตวิทยา เป็นผลให้บทละครมีจุดเริ่มต้นที่มีชีวิตชีวาและสะเทือนอารมณ์

ปรากฏการณ์ที่น่าสนใจในชีวิตบนเวทีของสหรัฐอเมริกาคือโรงละครโครงการของรัฐบาลกลางซึ่งเป็นเครือข่ายโรงละครของรัฐที่สร้างขึ้นตามความคิดริเริ่มของรัฐบาลแฟรงคลินเดลาโนรูสเวลต์ในช่วงปีที่ยากลำบากของวิกฤตเศรษฐกิจ โครงการนี้บรรลุเป้าหมายอันสูงส่ง - เพื่อจัดหางานให้กับนักแสดง ผู้กำกับ ผู้ออกแบบฉาก และผู้ปฏิบัติงานละครเวทีคนอื่นๆ

ในปี 1935 ศูนย์โครงการของรัฐบาลกลางปรากฏตัวในนิวยอร์กและเมืองที่ใหญ่ที่สุดบางแห่งในสหรัฐอเมริกา กิจกรรมต่างๆ ได้รับการดูแลโดยฝ่ายบริหารส่วนกลางที่นำโดยเอช. ฟลานาแกน

โรงละครของรัฐบาลกลางที่จัดขึ้นใน 40 รัฐจัดให้มีงานสำหรับคนประมาณ 10,000 คน เป็นที่น่าสังเกตว่าการผลิตไม่เพียงดำเนินการในภาษาอังกฤษเท่านั้น แต่ยังดำเนินการในภาษาเยอรมัน ฝรั่งเศส อิตาลี สเปน และแม้แต่ภาษาฮิบรูด้วย

โรงละคร People's Negro ก่อตั้งขึ้นในนิวยอร์กซึ่งมีการแสดงที่ดึงดูดผู้ชมจำนวนมาก นักวิจารณ์ยอมรับว่าละครเรื่อง "Macbeth" เป็นผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของกลุ่มโรงละครนี้

สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือการเกิดขึ้นของโรงละครหุ่นกระบอกในสหรัฐอเมริกาซึ่งมีการแสดงละครสำหรับเด็กเป็นครั้งแรก จึงเริ่มต้นการสื่อสารของคนรุ่นใหม่กับโลกแห่งศิลปะการแสดงที่สวยงาม

ละครของโรงละครของรัฐบาลกลางประกอบด้วยละครคลาสสิกและผลงานละครโลกสมัยใหม่หลายเรื่อง การแสดงคลาสสิกที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่รวมอยู่ในวงจรการผลิต “From Euripides to Ibsen” ถือเป็น “Doctor Faustus” โดย C. Marlowe รับบทโดย C. Goldoni และ B. Shaw บทละครของนักเขียนบทละครชาวอเมริกันสมัยใหม่ - Yu. O'Neill, P. Green, E. Rice และ S. Lewis - ได้รับความนิยมอย่างมาก

โรงละครของรัฐบาลกลางเป็นหนี้ความสำเร็จทางศิลปะของพวกเขาจากผลงานของนักแสดงและผู้กำกับที่มีพรสวรรค์ Orson Welles ซึ่งได้รับความนิยมจากการแสดงที่ประสบความสำเร็จของเขาในคณะของ K. Cornell ในบทบาทของ Mercutio ใน Romeo and Juliet และ Marchbanks ใน Candide โดย B. ชอว์.

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1930 O. Wells ได้รับข้อเสนอจากฝ่ายบริหารส่วนกลางของโครงการของรัฐบาลกลางให้เป็นผู้อำนวยการโรงละคร People's Negro เมื่อเข้ารับตำแหน่งที่เสนอแล้ว ออร์สันก็เริ่มทำงานด้วยความกระตือรือร้น ในไม่ช้าศิลปินผิวดำก็นำเสนอละครเรื่อง "Macbeth" แก่ผู้ชมซึ่งกลายเป็นหนึ่งในผลงานศิลปะที่ดีที่สุดของโรงละครและเป็นความสำเร็จของผู้กำกับของ O. Wells

หลังจากนั้นไม่นานชายคนนี้ก็กลายเป็นหัวหน้าโรงละครของรัฐบาลกลางทั้งหมดในนิวยอร์ก บนเวทีเหล่านี้และจากนั้นในโรงละคร Mercury ของเขาเอง O. Wells ได้แสดงผลงานที่ดีที่สุดและแสดงบทบาทที่ดีที่สุดของเขา: "Doctor Faustus" โดย C. Marlowe (ผู้กำกับและนักแสดงนำ), "Julius Caesar" โดย W. Shakespeare ( ผู้กำกับและนักแสดงในบทบาทของ Brutus), “The Heartbreak House” โดย I. Shaw (ผู้กำกับและนักแสดงในบทบาทของ Shotover), “The Death of Danton” โดย G. Buchner (ผู้กำกับและนักแสดงในบทบาทของ Saint- แค่).

นักวิจารณ์เรียกการผลิต "Julius Caesar" อย่างถูกต้องว่าเป็นความสำเร็จสูงสุดของ Orson Welles บทละครที่บอกเล่าเหตุการณ์ในอดีตอันไกลโพ้นจัดฉากโดยไม่มีฉาก นักแสดงแสดงในชุดสมัยใหม่ ในขณะที่พื้นฐานทางอุดมการณ์และอารมณ์ (ความน่าสมเพชการต่อสู้แบบเผด็จการ) ของโศกนาฏกรรมของเชคสเปียร์มุ่งต่อต้านการดำรงอยู่ของลัทธิฟาสซิสต์เช่นนี้ .

ทุมเวลส์ยังคงทำงานอย่างมีประสิทธิผลหลังจากการปิดโรงละครของรัฐบาลกลาง เขาเล่นหลายบทบาท รวมถึงฟอลสตัฟในการเรียบเรียงจากพงศาวดารของเช็คสเปียร์เรื่อง "Five Kings" ต่อมาเขากลายเป็นนักแสดงภาพยนตร์และหันไปสนใจศิลปะการแสดงเป็นครั้งคราวเท่านั้น ไม่ใช่ในสหรัฐอเมริกา แต่ในอังกฤษ

ในปีพ.ศ. 2482 หลังจากการหารือกันอย่างยาวนานในสภาคองเกรส โรงละครของรัฐบาลกลางซึ่งถูกกล่าวหาว่าทำกิจกรรมที่ไม่ใช่ของชาวอเมริกันก็ถูกปิดลง

การเกิดขึ้นของละครอเมริกันเรื่องใหม่และโรงละครขนาดเล็กไม่สามารถส่งผลกระทบต่อชีวิตการแสดงละครของบรอดเวย์ได้ โรงละครเชิงพาณิชย์ค่อยๆ เต็มไปด้วยแนวคิดและงานศิลปะการแสดงใหม่ๆ

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 บุคคลสำคัญของบรอดเวย์คือนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์อย่าง David Belasco ตอนอายุสิบสองปีเขาเขียนละครเรื่องแรกของเขาซึ่งการผลิตบนเวทีของโรงละครเชิงพาณิชย์แห่งหนึ่งสร้างชื่อเสียงให้กับชายหนุ่ม

ตอนอายุสิบสี่ D. Belasco ได้กลายเป็นนักแสดงมืออาชีพแล้ว เขาทำงานในคณะละครแคลิฟอร์เนียซึ่งเดินทางท่องเที่ยวในรัฐต่างๆ ของอเมริกาเป็นเวลาหลายปี จนกระทั่งในปี 1922 เขาได้พบกับซี. โฟรมาน และย้ายไปนิวยอร์ก มาถึงตอนนี้ เขาเล่นไปแล้ว 175 บทบาท แสดงมากกว่า 300 ครั้ง จัดแจงใหม่ แปลและเขียนบทละครมากกว่า 100 เรื่องโดยอิงจากผลงานของผู้อื่น

การทำงานร่วมกับ C. Froman มีอายุสั้น ในไม่ช้า David Belasco ก็กลายเป็นโปรดิวเซอร์อิสระและทะเลาะกับนายจ้างเก่าของเขาอย่างเปิดเผย นักประวัติศาสตร์โรงละครอเมริกันหลายคนเรียกเบลาสโกว่าเป็นผู้ชนะในการต่อสู้กับโรงละครเชิงพาณิชย์ แต่ชัยชนะไม่ได้มาโดยไม่สูญเสีย - ที่บรอดเวย์ ผู้ริเริ่มชาวแคลิฟอร์เนียค่อยๆ กลายเป็นคนอนุรักษ์นิยม

จากบทละครหลายเรื่องที่เขียนโดย D. Belasco โดยส่วนใหญ่ร่วมมือกับนักเขียนบทละครคนอื่น Madama Butterfly (1900) และ The Girl from the Golden West (1905) ซึ่งสร้างจากบทละครโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกันโดย G. Puccini ยังคงได้รับความนิยมจนถึงทุกวันนี้

D. Belasco มีส่วนสนับสนุนเป็นพิเศษในการพัฒนาศิลปะการแสดงของอเมริกา โดยดำรงตำแหน่งผู้กำกับและผู้อำนวยการโรงละคร ชายผู้นี้วางรากฐานของความสมจริงในด้านการออกแบบเวที ก่อนที่เบลาสโกจะตกแต่งเวที ส่วนใหญ่จะมีการใช้ทิวทัศน์ที่วาดด้วยเปอร์สเปคทีฟ แต่พวกเขาก็ค่อยๆ ได้รับความสมจริงมากขึ้น และหลักการของความจงรักภักดีต่อประวัติศาสตร์และวิถีชีวิตก็มีความโดดเด่น

ในการแสดงของ David Belasco ทุกอย่างตั้งแต่ทิวทัศน์และการตกแต่งไปจนถึงอุปกรณ์ประกอบฉาก ได้รับการเก็บรักษาไว้ในจิตวิญญาณแห่งยุคประวัติศาสตร์ สถานการณ์ถูกสร้างขึ้นใหม่ด้วยความระมัดระวังเป็นพิเศษ

ความปรารถนาของผู้กำกับต่อความจริงและความมีชีวิตชีวาในการออกแบบเวทีมักจะกลายเป็นเรื่องสุดขั้วตามธรรมชาติ เช่น สำเนาของห้องโถงร้านอาหารหรือบ้านญี่ปุ่น ฟาร์มของอเมริกา หรือถนนในปารีสสามารถปรากฏบนเวทีได้ จากหน้าต่างบ้านสามารถมองเห็นวิวทิวทัศน์ที่สวยงามหรือลานภายในที่สร้างขึ้นใหม่ในทุกรายละเอียด และผ่านประตูซึ่งแง้มไว้เพียงนาทีเดียวก็มีห้องอื่นที่ตกแต่งครบครัน

ความสำเร็จของผู้กำกับในสาขาการจัดแสงนั้นยอดเยี่ยมมาก: ความรู้อันยอดเยี่ยมของเขาเกี่ยวกับความเป็นไปได้ของแสงทำให้สามารถสร้างแสงอันเจิดจ้าของดวงอาทิตย์และแสงจันทร์สีฟ้าบนเวทีขึ้นมาใหม่ได้ เพื่อถ่ายทอดพระอาทิตย์ตกสีแดงเข้มและพระอาทิตย์ขึ้นสีชมพู

D. Belasco เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการสร้างฉากฝูงชน ด้วยความเชื่อในระบบดาราละคร เขาจึงชอบที่จะทำงานร่วมกับคณะนักแสดงมืออาชีพที่เตรียมตัวมาอย่างดีและมีการแสดงดี

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 เทคนิคการแสดงละครที่พัฒนาโดย D. Belasco ถูกนำมาใช้ในโรงละครบรอดเวย์หลายแห่ง ปรมาจารย์แห่งโรงละครรัสเซีย K. S. Stanislavsky ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขาถึงที่บ้านระบุถึงสถานะของโรงละครในนิวยอร์กดังนี้: “ นักแสดงคนหนึ่งมีความสามารถและที่เหลือเป็นคนธรรมดา บวกกับการผลิตที่หรูหราที่สุดที่เราไม่รู้ แถมแสงอันน่าทึ่งที่เราไม่รู้ด้วย บวกกับเทคโนโลยีเวทีที่เราไม่เคยฝันถึง”

อย่างไรก็ตาม งานของ D. Belasco ไม่ได้ไร้ข้อบกพร่อง สิ่งสำคัญคือละครเวที ผู้กำกับไม่สนใจละครวรรณกรรมโดยสิ้นเชิงให้ความสนใจเฉพาะฉากที่ชนะของละครสำหรับนักแสดง เขาสนใจความเป็นไปได้ในการแสดงละครของงานเฉพาะมากกว่าการวางแนวอุดมการณ์และอารมณ์ของการเล่นหรือลักษณะทางจิตวิทยาของตัวละคร ' พฤติกรรม. มันเป็นข้อจำกัดนี้เองที่ทำให้คณะนักแสดงมืออาชีพที่มีผลงานดีของเขาไม่สามารถติดอันดับโรงละครศิลปะที่ดีที่สุดในยุโรปได้

เฉพาะในระหว่างการแสดงละครคลาสสิกเท่านั้นที่ทีมนักแสดงของ Belasco แสดงให้เห็นถึงความสามารถที่แท้จริงของพวกเขา หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของคณะนี้คือ "The Merchant of Venice" โดย W. Shakespeare ซึ่งนักแสดงสามารถแสดงสิ่งที่พวกเขาสามารถทำได้

K. S. Stanislavsky ผู้มาเยี่ยมชมการแสดงนี้ระหว่างทัวร์โรงละครศิลปะมอสโกในสหรัฐอเมริกายกย่องอย่างสูง:“ ผลงานการผลิต Shylock ของ Belasco เหนือกว่าทุกสิ่งที่เห็นในความหรูหราและความร่ำรวยและโรงละคร Maly ก็สามารถอิจฉาเขาได้ในแง่ของ ความสำเร็จของการกำกับ” .

Stanislavsky ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากนักแสดงนำ ซึ่งเป็น "ดารา" ของคณะ David Warfield ของ Belasco: "เราไม่มีศิลปินอย่าง Warfield ที่เล่น Shylock... เขาเป็น Shylock ที่ดีที่สุดที่ฉันเคยเห็นมา เขาเป็นนักแสดงชาวรัสเซียตัวจริง พระองค์ทรงชีวิต ไม่ใช่การกระทำ และในกรณีนี้ เรามองเห็นแก่นแท้ของการแสดงทางศิลปะ

วอร์ฟิลด์ดูเหมือนจะควบคุมอุปกรณ์ทางจิตฟิสิกส์ที่เรียกว่าร่างกายมนุษย์ได้อย่างดีเยี่ยม ซึ่งอยู่ในมือของนักแสดงเพื่อแสดงความรู้สึกและอารมณ์ของเขา Warfield กระโจนเข้าสู่ส่วนลึกของความหลงใหลของตัวละครและเผยให้เห็นจิตวิญญาณของเขา

ยากที่จะบอกว่าฉากไหนที่ฉันชอบที่สุด แต่ฉันรู้สึกประทับใจเป็นพิเศษกับช่วงเวลาที่ไชล็อคออกตามหาลูกสาวของเขา ฉันลืมไปว่ามันเป็นเกม”

อย่างไรก็ตามแม้จะประสบความสำเร็จมากมายในด้านศิลปะการแสดง แต่คณะของ Belasco ก็ไม่สามารถรักษาตำแหน่งที่โดดเด่นในบรอดเวย์ได้ ผลงานในจิตวิญญาณของประเพณีที่ดีที่สุดของโรงละครอเมริกันเริ่มล้าหลังความต้องการของเวลา

โรงละคร Belasco ถูกแทนที่ด้วยโรงละครใหม่ นำโดย Arthur Hopkins ผู้กำกับที่มีพรสวรรค์ ต่างจากตัวแทนของผู้กำกับรุ่นเก่าที่ไม่ได้เรียนการกำกับและเรียนรู้ศิลปะนี้ผ่านการฝึกฝนเท่านั้น A. Hopkins ใช้เวลาหลายปีในการศึกษาการกำกับ

แม้กระทั่งก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่งเริ่มต้นขึ้น เขาได้ไปเยี่ยมชมโรงละครที่ดีที่สุดในยุโรป ซึ่งเป็นศิลปะที่สร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับเขา เป้าหมายของ A. Hopkins คือโรงละครอเมริกันที่สมจริง เขาใฝ่ฝันที่จะจัดแสดงผลงานคลาสสิกที่ยอดเยี่ยมและบทละครสมัยใหม่ที่ดีที่สุดบนถนนบรอดเวย์

ความฝันของเขากลายเป็นจริงในช่วงหลังสงครามเท่านั้น ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เขาได้แสดงเช่น "The Wild Duck", "A Doll's House" และ "Hedda Gabler" โดย Ibsen, "The Dinner of Joke" โดย S. Benelli, “The Living Corpse” L. Tolstoy และ “At the Lower Depths” โดย M. Gorky Arthur Hopkins อยู่ในเกณฑ์ของโรงละครอเมริกันแห่งใหม่แล้ว

ละครเรื่อง “The Shaggy Ape” ของโอนีล ซึ่งแสดงโดยเขาบนเวทีโพรวินซ์ทาวน์ ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม ตามมาด้วยผลงานละครบรอดเวย์: “Anna Christie”, “The Price of Glory” โดย M. Anderson และ L. Stallings, “Machinal” โดย S. Treadwell การแสดงเหล่านี้ก็ได้รับความยินดีจากผู้ชมเช่นกัน

ผลงานของเช็คสเปียร์โดย A. Hopkins ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ นักประวัติศาสตร์ละครอเมริกันหลายคนจัดอันดับให้พวกเขาเป็นหนึ่งในความสำเร็จทางศิลปะสูงสุดของผู้กำกับ: Macbeth, Richard III และ Hamlet ซึ่งฉากนี้ได้รับการออกแบบโดย R. E. Jones และบทบาทนำแสดงโดยนักแสดง John และ Lionel Barrymore

พี่น้อง Barrymore และ Ethel น้องสาวของพวกเขาถือเป็นศิลปินที่เก่งที่สุดบนเวทีอเมริกาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ทางฝั่งแม่พวกเขาอยู่ในราชวงศ์ละคร Drew ที่มีชื่อเสียง และมอริซ แบร์รีมอร์ พ่อของพวกเขาเป็นนักแสดงที่มีชื่อเสียง

หลายปีที่อยู่ในบรรยากาศของโรงละครบรอดเวย์ได้กำหนดชะตากรรมในอนาคตของคนหนุ่มสาวที่มีความสามารถ Ethel Barrymore ฉายบนเวทีประมาณ 50 ปีและตลอดหลายปีที่ผ่านมาเธอยังคงเป็นนักแสดงคนโปรดของผู้ชมชาวอเมริกัน ไลโอเนล แบร์รีมอร์ได้รับการยกย่องจากผู้ชมในฐานะนักแสดงตัวละครและยังประสบความสำเร็จตลอดหลายปีที่ผ่านมา

อย่างไรก็ตามบทบาทนำในทั้งสามคนนี้รับบทโดยลูกชายคนเล็กของตระกูล Barrymore นั่นคือ John โศกนาฏกรรมชาวอเมริกันที่โด่งดังที่สุดในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

นักเขียนบทละคร Yu. O'Neill ชื่นชมผลงานละครเวทีของพี่น้อง Barrymore เป็นอย่างมาก เขาต้องการแสดงละครเรื่อง Beyond the Horizon ในโรงละครบรอดเวย์ร่วมกับนักแสดงเหล่านี้ อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นจริง: ในช่วงที่ชื่อเสียงบนเวทีสูงสุดของพวกเขา Barrymores ก็ออกจากโรงละครเพื่อไปดูหนัง

อาชีพการแสดงบนเวทีของจอห์น แบร์รีมอร์เริ่มต้นด้วยบทบาทการ์ตูนที่ประสบความสำเร็จพอสมควรในละครเชิงพาณิชย์ในคณะของโฟรแมน อย่างไรก็ตาม ความสามารถในการแสดงที่แท้จริงของเขาปรากฏให้เห็นในเวลาต่อมา ในขณะที่มีบทบาทสำคัญในผลงานละครระดับโลก - โฟลเดอร์ใน "Justice" ของ D. Galsworthy, Fyodor Protasov ใน "The Living Corpse" ของ L. Tolstoy ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวละครหลัก ใน "Peter Ibbetson" » J. Moriera ในการแสดงเหล่านี้ John Barrymore พิสูจน์ตัวเองว่าเป็นนักแสดงโศกนาฏกรรมที่ยอดเยี่ยมซึ่งทำให้เขามีสิทธิ์เล่นบทบาทในโศกนาฏกรรมอมตะของ William Shakespeare

การผลิต "Richard III" กลายเป็น "การสาธิตความสามารถ" ของผู้สร้างหลัก - ผู้กำกับ A. Hopkins ศิลปิน R. E. Jones และนักแสดง D. Barrymore ตามความทรงจำของผู้ร่วมสมัย การแสดงสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมด้วยการออกแบบเวทีที่สมบูรณ์แบบ การตีความเชิงลึกของสิ่งที่เกิดขึ้น และทักษะของนักแสดงนำที่สามารถสร้างภาพลักษณ์ที่มีลักษณะเฉพาะได้

ทักษะของโศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งสามารถจัดการผู้ใต้บังคับบัญชาของเขาตั้งแต่เริ่มต้นตัวละครที่สร้างขึ้นบนเวทีนั้นเห็นได้ชัดในบทบาทของโฟลเดอร์ใน "ความยุติธรรม" แต่การทำงานกับภาพลักษณ์ของตัวแทนคนสุดท้ายของราชวงศ์อังกฤษแห่งยอร์ก , จอห์น แบร์รี่มอร์ ก้าวไปไกลกว่านั้นอีก

ต่อมาศิลปินเล่าถึงผลงานของ Richard III ในภายหลังว่า “ฉันไม่รู้ว่าตัวเองอยู่ใน Richard ได้ดีหรือไม่ดีแค่ไหน สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าตอนนั้นฉันสามารถบรรลุสิ่งที่ฉันคิดว่าเป็นการแสดงที่แท้จริงได้เป็นครั้งแรกและบางทีนี่อาจเป็นความสำเร็จสูงสุดของฉัน ตอนนั้นเป็นครั้งแรกที่ฉันได้เข้าถึงตัวละครที่ฉันเล่นจริงๆ ฉันมุ่งมั่นที่จะเป็นคนนี้ และในจิตวิญญาณของฉัน ฉันรู้อย่างแน่วแน่ว่าฉันได้กลายมาเป็นเขาแล้ว”

บทบาทที่ดีที่สุดของ John Barrymore ถือเป็น Hamlet ในการผลิตละครเช็คสเปียร์ที่มีชื่อเดียวกัน ละครเรื่องนี้จัดแสดงร่วมกันในปี พ.ศ. 2465 โดย A. Hopkins และ R. E. Jones (ซึ่งเป็นเรื่องหลังที่สามารถกำหนดการตีความงานได้อย่างถูกต้อง) ถือเป็นความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน

การออกแบบที่เหมือนจริงโดยละเอียดซึ่งเป็นลักษณะของผลงานเกือบทั้งหมดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาถูกแทนที่ด้วย Hamlet ด้วยการออกแบบทั่วไปและด้วยเหตุนี้หลักการใหม่ของการจัดฉากจึงได้รับรูปลักษณ์ที่แท้จริง

สถานที่จัดวางถาวรรูปครึ่งวงกลมมีเวทีสูงโดยมีส่วนโค้งขนาดใหญ่ที่ด้านหลังและมีขั้นบันไดทอดขึ้นไป ม่านซึ่งถูกลดลงในบางฉาก ปิดกั้นฉากแอ็กชั่น โดยซ่อนสิ่งที่ไม่สำคัญในขณะนั้นไม่ให้ผู้ชมเห็น

ความเข้มงวด ความยิ่งใหญ่ และความเรียบง่าย นั่นคือสิ่งที่มัณฑนากรโจนส์พยายามอย่างหนัก แทนที่จะให้รายละเอียดมากมายในชีวิตประจำวัน รายละเอียดเล็กน้อยและเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ผู้ชมกลับถูกเปิดเผยถึงความยิ่งใหญ่ของรูปแบบสถาปัตยกรรมและจังหวะที่สม่ำเสมอของภาพ การแสดงแสงและเงาอันน่าทึ่ง รวมถึงโทนสีที่เลือกอย่างถูกต้อง มีเป้าหมายเดียวคือการถ่ายทอดความหมายและสร้างบรรยากาศของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที

ความเรียบง่ายและความรอบคอบของเทคนิคยังเป็นลักษณะเฉพาะของงานของผู้กำกับที่พยายามจับภาพเฉพาะสิ่งที่เกิดขึ้นจากความจำเป็นภายในในฉากเดียวหรืออีกฉากหนึ่งเพื่อพรรณนาถึงความเป็นจริงของชีวิตบนเวที

หลักการของความเรียบง่ายและความเข้มงวดที่สง่างามสะท้อนให้เห็นในการแสดงของ John Barrymore นักวิจารณ์กล่าวว่าเขาได้รวมหมู่บ้านเล็ก ๆ ในยุคของเขาเข้าด้วยกันทำให้แนวคิดทุกประเภทสำหรับบทบาทนี้เรียบง่ายและเข้าใจได้

แฮมเล็ต ซึ่งสร้างโดยดี. แบร์รีมอร์ เป็นการตีความตัวละครตามจิตวิทยาอย่างลึกซึ้งและเป็นส่วนตัวมาก หลังจากละทิ้งประเพณีตามปกติ แต่ล้าสมัยไปมาก และลอกเลียนแบบเทคนิคของนักแสดงคนอื่น ๆ อย่างสุ่มสี่สุ่มห้า แบร์รี่มอร์จึงเลือกเส้นทางที่แตกต่างออกไปสำหรับตัวเขาเอง สำหรับเขา เกมนี้มีความสำคัญ และไม่ใช่การแสดงให้เห็นถึงความมีคุณธรรมทางวิชาชีพและการสำแดงการแสดงความไร้สาระ

ฉลาดและซับซ้อน ซับซ้อนและค่อนข้างประหม่า หมู่บ้านเล็กๆ ของแบร์รีมอร์เต็มไปด้วยความวุ่นวายภายใน นักแสดงสามารถถ่ายทอดความละเอียดอ่อนทางปัญญาของฮีโร่ของเขาได้อย่างเชี่ยวชาญถ่ายทอดให้ผู้ชมเห็นถึงการสะท้อนปรัชญาและคำพูดที่เต็มไปด้วยการประชด

นักวิจารณ์หลายคนเรียกการแสดงของแบร์รีมอร์เรื่อง "To be or not to be" ของแฮมเล็ตว่าเป็น "คำเทศนา" ที่เต็มไปด้วยความจริงใจและ "ลัทธิธรรมชาตินิยมดั้งเดิมและน่าดึงดูด" การไตร่ตรองเชิงปรัชญาอย่างลึกซึ้งและความไม่แน่ใจถูกแทนที่ด้วยการกระทำที่กระตือรือร้นในช่วงเวลาที่เข้มข้นที่สุด ความเข้มข้นของตัณหาถึงระดับสูงสุดและดูเหมือนว่าจะไปถึงความปีติยินดี John Barrymore ค่อยๆ หมดศักยภาพทางประสาทของเขาจนหมด ส่งผลให้ความสามารถในการแสดงของเขาหมดลง

เป็นเวลาหลายปีที่ Katherine Cornell ดำรงตำแหน่งกิตติมศักดิ์ของสุภาพสตรีหมายเลขหนึ่งของ American Theatre อาชีพการแสดงของเธอเริ่มต้นในปี 1916 ที่ Washington Square Players Theatre ซึ่งเป็นเวลาหลายเดือนที่เธอเล่นบทบาทเล็ก ๆ ในการผลิตบทละครโดยนักเขียนบทละครชาวอเมริกันร่วมสมัย

ในไม่ช้าแคทเธอรีนก็ไปบรอดเวย์เพื่อไปโรงละครเชิงพาณิชย์แห่งหนึ่ง การทำงานในคณะทัวร์ทำให้เธอได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วผู้ประกอบการเชิญคนหนุ่มสาวที่มีความสามารถซึ่งมีบุคลิกที่สดใสและเทคนิคการแสดงที่ยอดเยี่ยมมาที่โรงละครด้วยความเต็มใจ อย่างไรก็ตามในหลาย ๆ บทบาทความสามารถที่สดใสของนักแสดงไม่สามารถแสดงออกมาได้เต็มศักยภาพเนื่องจากผลงานมุ่งเป้าไปที่ความสำเร็จในเชิงพาณิชย์

บางครั้งมีบทบาทที่น่าสนใจในละครบรอดเวย์จากผลงานของผู้กำกับรายใหญ่ ดังนั้นในปี 1924 Katherine Cornell ได้รับข้อเสนอจาก D. Belasco ให้รับบทหลักในละครเรื่อง Tiger Cats ของ K. Bramson นักแสดงเล่นได้อย่างสวยงามอย่างไรก็ตามการผลิตไม่ประสบความสำเร็จและหลังจากการแสดงหลายครั้งบทละครก็ถูกแยกออกจากละครของโรงละคร D. Belasco

สองเดือนหลังจากความล้มเหลวนี้ แคทเธอรีน คอร์เนลได้เปิดตัวในคณะใหม่ที่จัดโดยนักแสดงบรอดเวย์แล้ว ไม่มีค่าตอบแทนทางการเงินสำหรับนักแสดงที่นี่ แต่นักแสดงหญิงนึกถึงเวลาที่ใช้ในโรงละครด้วยความขอบคุณซึ่งเธอได้รู้จักกับการแสดงละครของบี. ชอว์เป็นครั้งแรก

การผลิตละครเรื่อง Candida ของบี. ชอว์ร่วมกับเค. คอร์เนลในบทบาทนำบนเวทีของโรงละครนักแสดงได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นจากผู้ชม

ผู้วิจารณ์ตั้งข้อสังเกตถึงความสามารถพิเศษและทักษะความสามารถพิเศษของนักแสดง: “ เป็นการยากที่จะจินตนาการถึง Candida ที่ซื่อสัตย์และน่าเชื่อถือกว่านี้... ในการตีความของนักแสดง บทบาทนี้ฟังดูเหมือนเป็นการเปิดเผย เปราะบาง สง่างาม มีเสน่ห์ เธอตื่นตาตื่นใจกับความสามารถที่หาได้ยากในความรู้สึกและเข้าใจ..."

แคทเธอรีน คอร์เนลแสดงการแสดงครั้งสุดท้ายอย่างละเอียดถี่ถ้วนจนคุณอดไม่ได้ที่จะถามตัวเองว่า “ใครเป็นผู้สร้างแคนดิดาคนนี้? Candida ของ Shaw อ่อนโยนและฉลาดมากเหรอ?”

บทบาทในการแสดงครั้งนี้กลายเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดสำหรับนักแสดงที่มีพรสวรรค์ ในช่วงชีวิตสร้างสรรค์ของเธอ การผลิตได้กลับมาดำเนินการต่อหลายครั้งซึ่งกลายเป็นสาเหตุของความซับซ้อนของภาพลักษณ์ของ Candida เค. คอร์เนลพยายามสร้างภาพลักษณ์ที่มีลักษณะเฉพาะทางจิตวิทยาเชิงลึกของนางเอกและเธอก็ประสบความสำเร็จเป็นอย่างดี

การผลิต "The Green Hat" ที่สร้างจากนวนิยายของ M. Arlen ซึ่งได้รับความนิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ทำให้ Katherine Cornell ไม่เพียงเป็น "ดารา" บรอดเวย์เท่านั้น แต่ยังเป็นที่โปรดปรานของสากลอีกด้วย

นักวิจารณ์ละครชื่อดังของสหรัฐอเมริกา เจ. นาธาน ให้การประเมินนวนิยายและบทละครในแง่ลบอย่างมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งกล่าวถึงงานของแคทเธอรีนว่า “บทบาทหลักในตัวอย่างรสนิยมที่ไม่ดีนี้แสดงได้อย่างยอดเยี่ยมโดย... นักแสดงสาวที่ยืนหยัดและ ไหล่เหนือนักแสดงคนอื่น ๆ ของโรงละครอเมริกัน”

แม้จะมีการประเมินเชิงลบจากนักวิจารณ์ แต่การแสดงก็ประสบความสำเร็จ "หมวกสีเขียว" เป็นส่วนสำคัญของละครของโรงละครมาหลายปี: ในปี พ.ศ. 2468-2470 ละครเรื่องนี้ฉายในนิวยอร์ก และจากนั้นในเมืองอื่น ๆ ในสหรัฐอเมริกา รายได้จากบ็อกซ์ออฟฟิศจากการแสดงนี้คือ ใหญ่.

การแสดงที่ประสบความสำเร็จของนักแสดงสาวทำให้เธอสามารถกำหนดเงื่อนไขเมื่อสมัครงานในโรงละครแห่งใดแห่งหนึ่ง ผู้ประกอบการบรอดเวย์หลายคนที่ต้องการได้ "ดารา" ใหม่เสนอสัญญาของเธอตามเงื่อนไขที่ดีที่สุด ในไม่ช้า แคทเธอรีน คอร์เนล ก็กลายเป็นนักแสดงแนวเมโลดราม่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุด โดยรับบทเป็นหญิงร้าย นักวางยาพิษ หรือฆาตกร

เหตุการณ์นี้ทำให้ผู้ชื่นชอบศิลปะการแสดงหลายคนกังวล: พวกเขาแสดงความกลัวว่าเค. คอร์เนลจะละทิ้งละครที่จริงจังและละทิ้งความสามารถพิเศษของเขาที่จะถูกฉีกเป็นชิ้น ๆ โดยผู้ประกอบการที่สนใจตนเอง อย่างไรก็ตามความกลัวทั้งหมดก็ไร้ผล: นักแสดงหญิงเลือกเส้นทางของเธอ

ในปี 1929 เธอได้จัดตั้งคณะของเธอเอง ซึ่งมีหน้าที่แนะนำ “ผู้ชมจำนวนมากให้รู้จักผลงานที่มีความสามารถและน่าสนใจทั้งละครสมัยใหม่และคลาสสิก” มันควรจะใช้รายได้ที่ได้รับจากคณะในการแสดงละครใหม่และการแสดงไม่เพียงแต่ในนิวยอร์กเท่านั้น แต่ยังแสดงในเมืองอื่น ๆ ในอเมริกาด้วย

แกนหลักของคณะใหม่คือทีมงาน 17 คน ผู้กำกับคือ Guthrie McClintic สามีของ K. Cornell คู่สมรสให้ความสำคัญกับวงดนตรีเป็นอย่างมากโดยเชื่ออย่างถูกต้องว่านักแสดงเล่นได้ดีกว่ามากในหมู่หุ้นส่วนที่ดี

แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ของละครเรื่องหนึ่งจะเห็นได้ชัด แต่ Cornell และ McClintic พยายามเพิ่มความหลากหลายให้กับละครของคณะ: ในความเห็นของพวกเขา การเปลี่ยนแปลงบทบาทมีส่วนทำให้การรับรู้และการแสดงมีความสดใหม่

อย่างไรก็ตาม ในชีวิตจริง ทุกอย่างแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง เพื่อที่จะแสดงละครใหม่ จำเป็นต้องแสดงการแสดงที่ได้รับความนิยมจากผู้ชมมาเป็นเวลานาน

ด้วยความพยายามที่จะรักษาบทบาทของเธอให้น่าสนใจและแสดงออกเช่นเคย แคทเธอรีนทำงานอย่างหนักเพื่อพัฒนาทักษะการแสดงของเธอ เธอมักจะพูดซ้ำ ๆ ว่าจูเลียตของเธอในผลงานล่าสุดมีความใกล้ชิดกับเชกสเปียร์มากกว่าที่มีอยู่ตอนเริ่มทำงานกับบทบาทนี้มาก

ธีมหลักของความคิดสร้างสรรค์ของโรงละครแห่งใหม่คือการแสดงบุคคลที่ยืนหยัดซึ่งเผชิญกับปัญหาทั้งหมดอย่างกล้าหาญและต่อต้านความรุนแรงและการกดขี่อย่างกล้าหาญ การโต้ตอบที่ไม่เหมือนใครต่อเหตุการณ์ในชีวิตจริงคือบทบาทของเค. คอร์เนลในจิตวิญญาณที่ไม่ย่อท้อของเอลิซาเบธ บาร์เร็ตต์ใน “The Barrett Family of Wimpole Street” โดยอาร์ เบซิเออร์ส ลูเครเทียที่เข้ากันไม่ได้ใน “The Desecration of Lucretia” โดยเอ Aubey และจูเลียตผู้อ่อนโยนและหลงใหลใน “Romeo and Juliet” W. Shakespeare นางเอกชาวฝรั่งเศสผู้กล้าหาญและไม่ย่อท้อ Joan of Arc ใน “Saint Joan” โดย B. Shaw เจ้าหญิงมาเลย์ผู้เงียบสงบและภาคภูมิใจ Oparr ใน “Wingless Victory” ” โดย M. Anderson ฯลฯ

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง Katherine Cornell เข้ามาติดต่อกับละครของ A.P. Chekhov เป็นครั้งแรกและครั้งสุดท้าย บทบาทของ Masha ใน "Three Sisters" ไม่ใช่สิ่งที่ดีที่สุดสำหรับเธอนักแสดงไม่สามารถเข้าใจตัวละครของนางเอกของเธอได้อย่างเต็มที่ดังนั้นภาพจึงเบลอเกินไป

ในช่วงหลังสงคราม K. Cornell ยังคงแสดงได้อย่างประสบความสำเร็จบนเวที (Antigone ในบทละครที่มีชื่อเดียวกันโดย J. Anouilh, Cleopatra ใน "Antony and Cleopatra" โดย W. Shakespeare) หนึ่งในบทบาทที่ดีที่สุดของผลงานสร้างสรรค์ของ Cornell ในช่วงนี้คือบทบาทของนางแพทริค แคมป์เบลล์ใน “Dear Liar” โดย D. Brushes

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โรงละครบรอดเวย์อดไม่ได้ที่จะตอบสนองต่อกระบวนการที่เกิดขึ้นในชีวิตการแสดงละครของสหรัฐอเมริกา เรื่องราวดราม่าทางสังคมหยั่งรากลึกอยู่ที่นี่อย่างไม่คาดคิดสำหรับนักธุรกิจและผู้ประกอบการ ดังนั้นเป็นเวลาเจ็ดปีที่บทละคร "Tobacco Road" ที่สร้างจากนวนิยายของ E. Caldwell (แสดงโดย A. Kirkland, 1933) ไม่ได้ออกจากละครบรอดเวย์ บทละคร "Collision by Night" โดย K. Odets และ "The Fifth Column” โดย E. Hemingway ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ (จัดแสดงร่วมกับ Guild Theatre)

โดยทั่วไปช่วงทศวรรษที่ 20 - 30 ของศตวรรษที่ 20 กลายเป็นหนึ่งในขั้นตอนการพัฒนาที่สำคัญที่สุดสำหรับโรงละครอเมริกัน ในช่วงเวลานี้ ความล้าหลังจากโรงละครยุโรปก็หมดไป และช่องว่างกับความเป็นจริงของชีวิตสมัยใหม่ก็ถูกเชื่อมเข้าด้วยกัน อุดมคติด้านสุนทรียภาพใหม่ๆ และปัญหาสังคมที่เร่งด่วนเกิดขึ้นบนเวทีอเมริกาอย่างชัดเจน

ในช่วงปีหลังสงครามแรก โรงละครอเมริกันต้องเผชิญกับวิกฤติ โรงละครขนาดเล็กที่ก้าวหน้าที่สุดที่ปรากฏก่อนสงครามล่มสลาย แม้ในช่วงสงคราม การแสดงเพื่อความบันเทิงส่วนใหญ่ (ละครเพลง ตลก) เป็นเรื่องปกติ ละครต่อต้านฟาสซิสต์ปรากฏบนเวทีเป็นครั้งคราวเท่านั้น สถานการณ์ทางการเมืองในช่วงปลายคริสต์ทศวรรษ 1940 ถึงครึ่งแรกของคริสต์ทศวรรษ 1950 ไม่เอื้ออำนวยต่อการพัฒนาศิลปะการแสดงละคร นี่เป็นช่วงเวลาของสงครามเย็นกับสหภาพโซเวียต การต่อสู้ของทางการกับองค์กรก้าวหน้า พรรคการเมือง สหภาพแรงงาน สหภาพคริสตจักรบางแห่ง และบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมที่โดดเด่นที่สุดที่ต่อต้านนโยบายของรัฐบาลที่สนับสนุนการผูกขาดในความปรารถนาที่จะรักษาจำนวนมหาศาลไว้ ผลกำไรในช่วงสงคราม

ความขัดแย้งภายในที่ลึกที่สุดในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 ที่เกี่ยวข้องกับสงครามเวียดนาม ขบวนการคนผิวดำและฝ่ายซ้ายขนาดใหญ่ และความยากลำบากทางเศรษฐกิจก็ไม่ได้มีส่วนช่วยในการพัฒนาวัฒนธรรมและศิลปะของอเมริกา

ในช่วงยุคแม็กคาร์ธีนิยม (ในช่วงหลังสงคราม ประธานคณะกรรมการวุฒิสภาของรัฐสภาคองเกรสแห่งสหรัฐอเมริกา โจเซฟ แม็กคาร์ธี ได้เปิดตัวการรณรงค์เพื่อข่มเหงองค์กรและบุคคลที่ก้าวหน้า) นักเขียนชาวอเมริกันส่วนใหญ่เห็นด้วยกับอุดมการณ์ที่ปลูกฝัง ข้างวงการปกครองหรือเพียงแต่เงียบงัน ในละครและละคร ความหลงใหลในลัทธิฟรอยด์ได้ปรากฏตัวขึ้น ซึ่งต้นกำเนิดของความขัดแย้งไม่ได้มีอยู่จริง แต่อยู่ในขอบเขตของจิตใจ บทละครของฟรอยด์แพร่หลายมากขึ้น โดยนำเสนอมนุษย์เป็นเพียงสิ่งมีชีวิตทางชีวภาพที่ดำเนินชีวิตตามกฎของสัญชาตญาณที่ไม่ลงตัว บนเวทีของโรงละครบรอดเวย์มีการแสดงที่จัดขึ้นตามหลักการของฟรอยด์ ดังนั้นละครหลายเรื่องและแม้แต่บัลเล่ต์หนึ่งเรื่องจึงมีพื้นฐานมาจากคดีอาญาที่แท้จริงของเด็กหญิงอายุสิบเก้าปีที่ฆ่าพ่อแม่ของเธอด้วยขวาน

ทั้งหมดนี้ส่งผลทันทีต่อคุณภาพของศิลปะการแสดงละคร: ไม่เพียงแต่อุดมการณ์เท่านั้น แต่ยังลดระดับทางศิลปะด้วย นักวิจารณ์ จอห์น กัสส์เนอร์ เขียนว่าโรงละครในช่วงทศวรรษปี 1940 และ 1950 ถูกครอบงำด้วยแนวคิดของ "การปราบปราม การปฏิเสธ และการปรับปรุงใหม่" Walter Kerr ให้คำอธิบายที่แม่นยำยิ่งขึ้นเกี่ยวกับโรงละครในยุคนั้น: “ไม่มีความลับใดที่โรงละครอเมริกันได้สูญเสียอิทธิพลที่มีต่อผู้ชมจำนวนมากไปแล้ว ชาวอเมริกันโดยเฉลี่ยรู้ว่ามีโรงละครอยู่แม้ว่าเขาจะไม่ค่อยเข้าใจว่าเหตุใดและเพื่อจุดประสงค์อะไร... การไปเยี่ยมชมโรงละครไม่ได้ทำให้ชีวิตของบุคคลสว่างไสว ไม่ได้จับจินตนาการของเขา ไม่ทำให้จิตวิญญาณของเขาตื่นเต้น ไม่จุดประกาย ความหลงใหลใหม่ๆ ในตัวเขา”

เวทีละครในเมืองต่างๆ ในอเมริกาเต็มไปด้วยละครเพลงเบา ๆ ละครเพื่อความบันเทิง และละครแบบฟรอยด์ นักเขียนบทละครคนสำคัญ Eugene O'Neill เงียบไป และผู้ชมได้เรียนรู้เกี่ยวกับผลงานในเวลาต่อมาของเขาเฉพาะในช่วงครึ่งหลังของปี 1950 หลังจากนักเขียนเสียชีวิต (ยกเว้นละครเรื่อง "The Ice Seller Is Coming" ที่แสดงในช่วง O' ตลอดชีวิตของนีล)

ในทศวรรษที่ 1940 นักเขียนบทละครชาวอเมริกันอีกสองคนหันมาสนใจดราม่าทางสังคม: เทนเนสซี วิลเลียมส์ และอาร์เธอร์ มิลเลอร์ ฮีโร่ของพวกเขากำลังประสบกับโศกนาฏกรรมที่แท้จริงซึ่งต้องทนทุกข์ในสภาพแวดล้อมของมนุษย์ต่างดาวที่ขาดจิตวิญญาณและการคำนวณ

เมื่อสร้างละครของเขา Tennessee Williams (1911-1983) เช่นเดียวกับ Eugene O'Neill ใช้วิธีการทางจิตวิทยา นักเขียนบทละครมีความสนใจในแรงกระตุ้นที่ลึกที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ซึ่งเป็นความรู้สึกและประสบการณ์ที่ขัดแย้งกัน แต่วิลเลียมส์ไม่ได้จำกัดเพียงการถ่ายทอดเรื่องราวดราม่าทางจิตวิญญาณของตัวละครเท่านั้น เขายังพยายามแสดงสถานการณ์ที่มีอิทธิพลต่อชะตากรรมของฮีโร่ด้วย บ่อยครั้งที่สังคมในละครของเขาเป็นพลังที่มุ่งเป้าไปที่บุคคลและนำไปสู่ความตายในที่สุด ตามที่วิลเลียมส์กล่าวไว้ ชะตากรรมถูกกำหนดอันเป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของเหตุผลสองประการ - สังคม (ภายนอก) และจิตวิทยา (ภายใน) ที่นี่ผู้เขียนหันไปหาประเพณีเก่าแก่ของละครสังคมและจิตวิทยาอเมริกัน

นักเขียนบทละครได้สรุปมุมมองของเขาไว้ในคำนำของละครเรื่อง "The Glass Menagerie" (1945) วิลเลียมส์เปรียบเทียบความเป็นธรรมชาติและ "ความสมจริงแบบเรียบๆ" กับ "ความสมจริงเชิงกวี": "ตอนนี้ บางที ทุกคนรู้อยู่แล้วว่าความคล้ายคลึงของภาพถ่ายไม่ได้มีบทบาทสำคัญในงานศิลปะ ความจริง ชีวิต หรือพูดง่ายๆ ก็คือ ความเป็นจริงเป็นสิ่งเดียว และ จินตนาการเชิงกวีสามารถแสดงความเป็นจริงนี้หรือเพื่อจับภาพลักษณะสำคัญของมันโดยการเปลี่ยนรูปลักษณ์ภายนอกของสิ่งต่าง ๆ เท่านั้น”

The Glass Menagerie เป็นการรำลึกถึงอดีตอันงดงามของหนึ่งในตัวละคร ทอม วิงฟิลด์ ละครเรื่องนี้เล่าถึงโศกนาฏกรรมของครอบครัวที่สมาชิกไม่สามารถปรับตัวเข้ากับโลกที่ไม่แยแสและโหดร้ายรอบตัวพวกเขาได้ เรื่องราวในละครเป็นเรื่องของลอร่า ซึ่งมีภาพสัญลักษณ์เป็นโรงเลี้ยงสัตว์ที่ทำจากแก้ว นี่เป็นสัญลักษณ์เช่นเดียวกับดอกกุหลาบสีน้ำเงินที่แสดงถึงความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณของนางเอก ความอ่อนโยนและความอ่อนแอของเธอ การไร้ความสามารถของเธอที่จะอยู่ในสังคมที่ไร้มนุษยธรรม ลอร่าไม่สามารถประนีประนอมได้ และการตายของเธอถือเป็นข้อสรุปที่คาดไม่ถึง เมื่อสัตว์แก้วของลอร่าแตกสลาย ชีวิตเธอก็เช่นกัน ทอมถูกบังคับให้ปฏิบัติตามกฎเกณฑ์ของสังคมจึงทิ้งเธอไป แรงจูงใจทางสังคมในการเล่นปรากฏผ่านประสบการณ์ทางอารมณ์ของตัวละคร นักวิจารณ์เห็นว่าการเล่นโคลงสั้น ๆ และบทกวีนี้มีความใกล้ชิดระหว่างเทนเนสซีวิลเลียมส์กับเชคอฟ

“The Glass Menagerie” ทำให้อเมริกาพูดถึงนักเขียนบทละคร แต่เป็นละครเรื่อง “A Streetcar Named Desire” (1947) ที่ทำให้เขาโด่งดังไปทั่วโลก สานต่อธีมของ "The Glass Menagerie" ในเวลาเดียวกันไม่ใช่ความสง่างาม แต่เป็นโศกนาฏกรรม หากลอร่าเพียงแต่ปฏิเสธโลกที่เธออาศัยอยู่ บลานช์ ดูบัวส์ก็พยายามต่อสู้ที่จะไม่ตาย เธอพยายามค้นหาความสุขและความรัก แต่ความปรารถนาทั้งหมดของเธอจบลงด้วยความล้มเหลว แม้ว่าชีวิตจะไม่ยุติธรรมสำหรับบลานช์ แต่เธอก็ไม่สามารถละทิ้งอุดมคติของเธอและยังคงซื่อสัตย์ต่อสิ่งเหล่านั้นได้ นั่นคือเหตุผลที่ Blanche ไม่ยอมรับ Stanley Kowalski ซึ่งหักล้างทุกสิ่งที่เธอรักเธอ แน่นอนว่านางเอกของละครไม่ใช่แบบอย่างของความบริสุทธิ์เลย เธอมีแนวโน้มที่จะฮิสทีเรีย สำส่อนและติดแอลกอฮอล์มากเกินไป แต่บลานช์มีลักษณะพิเศษคือจิตวิญญาณที่แท้จริง ในขณะที่สแตนลีย์เป็น "สิ่งมีชีวิตที่ยังไม่ถึงระดับที่คนสมัยใหม่ยืนอยู่" บลานช์มีลักษณะโดดเด่นที่สุดคือคำพูดของเธอเอง: “ท้ายที่สุดแล้ว ด้วยปาฏิหาริย์ เช่น ศิลปะ บทกวี ดนตรี แสงสว่างใหม่ๆ ก็เข้ามาสู่โลก ท้ายที่สุดแล้วความรู้สึกที่สูงขึ้นก็เกิดขึ้นในใครบางคน! และเป็นหน้าที่ของเราที่จะต้องเลี้ยงดูพวกเขา อย่าประนีประนอมกับพวกเขา ถือมันไว้เหมือนธง…”

งานใหญ่ในโลกแห่งการแสดงละครของอเมริกาคือการผลิตละครของวิลเลียมส์เรื่อง "Orpheus Descends into Hell" ซึ่งสร้างโดยผู้กำกับ Harold Clurman นักวิจารณ์ที่กล่าวถึงละครในสื่อในรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงมีมติเป็นเอกฉันท์ในเรื่องหนึ่ง: ละครเรื่องนี้ทำให้ผู้คนคิดว่าเป็นเรื่องยากสำหรับคนธรรมดาที่จะอยู่ในโลกแห่งความรุนแรงซึ่งมีการยิงกันบนถนนหรือประชาทัณฑ์ เหตุการณ์ที่พบบ่อยที่สุด

Orpheus, Val Zevier มาถึงเมืองเล็กๆ ทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา หัวใจสำคัญของความขัดแย้งคือการปะทะกันระหว่างคนสองประเภท ประการแรกตามคำจำกัดความของวาล มีความคล้ายคลึงกับนก เนื่องจากพวกมันอาศัยและตายในอากาศโดยไม่ต้องสัมผัสดิน อย่างหลังแบ่งเป็นคนที่ขายและคนที่ซื้อเอง ในโลกอันเลวร้ายแห่งความโหดร้าย ความใจร้าย และผลกำไรที่สกปรกนี้ ความรักของวาลและไลดี้เบ่งบาน แต่เช่นเดียวกับ Orpheus Val Zevier ไม่สามารถนำ Eurydice ของเขาออกจากนรกนี้ได้ คู่ต่อสู้หลักของคู่รักคือ Jabe Torrence สามีของ Leidy นักฆ่าที่มี "รอยยิ้มแบบหมาป่า" และมีผู้คนมากมายเช่น Torrance ในเมืองนี้ พวกเขาปกครองในนรกและทำลายผู้ที่พยายามต่อต้านพวกเขา

นักเขียนบทละครไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการพรรณนาถึงความรุนแรงและความตายเท่านั้น แต่สิ่งสำคัญคือสำหรับเขาที่จะต้องแสดงให้เห็นว่ามีคนในโลกที่ไม่ยอมรับสถานการณ์ของพวกเขาอยู่เสมอ ดังนั้น แครอล วิลเลียมส์จึงหยิบยกคำพูดที่ว่าพวกที่เน่าเปื่อยเข้าปากเธอ และ "พวกหัวรั้นและดุร้ายจะทิ้งผิวที่สะอาด ฟันและกระดูกที่ขาวสะอาดไว้เบื้องหลังเมื่อพวกเขาจากไป และเครื่องรางเหล่านี้ถ่ายทอดจากผู้ถูกเนรเทศไปยังอีกคนหนึ่งเพื่อเป็นสัญญาณว่าเจ้าของเครื่องรางกำลังเดินไปในเส้นทางที่กบฏของเขาเอง” ในตอนจบ วาล ซึ่งกำลังถูกรุมประชาทัณฑ์ ตาย และแครอล สวมแจ็กเก็ตงู ออกจากเมือง โดยไม่สนใจคำขู่ของนายอำเภอ

บทละครของวิลเลียมส์เรื่อง The Night of the Iguana (1962) ยังคงเป็นธีมเดียวกัน แม้ว่าตัวละครหลักของเธอจะทนการต่อสู้ไม่ไหว แต่ฮันนาห์ เจลส์ก็ไม่ยอมแพ้และไม่ก้มหัวเพื่อเก็บความอบอุ่นไว้ในใจ ชีวิตเป็นสิ่งที่โหดร้ายสำหรับเธอ แต่เธอยังคงเชื่อมั่นในผู้คนและช่วยเหลือพวกเขา

บทละครที่วิลเลียมส์สร้างขึ้นในทศวรรษ 1960 ไม่ประสบความสำเร็จเท่ากับละครก่อนหน้านี้ของเขา นักเขียนบทละครเริ่มสนใจการทดลองโดยพยายามสร้างสิ่งใหม่ทั้งหมด นี่คือลักษณะที่ปรากฏของละครเดี่ยวหลายเรื่องซึ่งลัทธิธรรมชาตินิยมเปิดทางให้กับอิมเพรสชั่นนิสต์

ละคร “In the Bar of a Tokyo Hotel” (1969), “The Red Devil's Battery Brand” (1975), “The Old Quarter” (1977) และ “Wardrobe for a Summer Hotel” (1980) ฉายในบรอดเวย์ โรงภาพยนตร์ก็พบกับความเย็นชาของประชาชน หลังจากนั้น วิลเลียมส์ก็เริ่มนำเสนอผลงานใหม่ของเขาให้กับโรงละครนอกบรอดเวย์และโรงละครระดับภูมิภาค ละครเรื่อง “Kingdom of the Earth” (1968), “Scream” (1971), “Warning to Small Craft” (1972) จัดแสดงนอกบรอดเวย์, “A Play for Two” (1971) จัดแสดงในโรงละครชิคาโก และ “Tiger's Tail” จัดแสดงในแอตแลนตา "(1978) ในปี 1981 ผู้กำกับอีฟ อดัมสันได้แสดงละครของวิลเลียมส์เรื่อง "Something Vague, Something Clear" ที่โรงละคร Cocteau Repertory

โดยรวมแล้วนักเขียนบทละครสร้างละครมากกว่า 30 เรื่อง ละครของเขาได้เข้าฉายในโรงภาพยนตร์ในหลายประเทศทั่วโลก ซึ่งหลายเรื่องกำลังถ่ายทำอยู่ และปัจจุบันผลงานที่ดีที่สุดของวิลเลียมส์ไม่ได้ออกจากละคร นักวิจารณ์ละครและภาพยนตร์ชื่อดัง อี. เทปลิทซ์ เขียนว่าผู้กำกับและนักแสดงชาวอเมริกันเรียนรู้จากบทละครของวิลเลียมส์ “ศิลปะแห่งการสร้างสรรค์เชิงตรรกะ แม้ว่าจะมีความซับซ้อนทางจิตใจ และเมื่อมองแวบแรก ก็เป็นภาพที่ขัดแย้งกัน”

ในช่วงหลังสงคราม Arthur Miller ผู้กำกับชาวอเมริกันผู้โด่งดังอีกคน (เกิดในปี 1915) ก็เริ่มอาชีพของเขาเช่นกัน ผลงานของเขายังแสดงให้เห็นถึงธีมของบุคคลและสังคมที่เป็นศัตรูกับเขา

ในปีพ.ศ. 2487 ละครของมิลเลอร์เรื่อง The Man Who Was So Luck กำกับโดยเอเลีย คาซาน ออกฉายรอบปฐมทัศน์ทางบรอดเวย์ การแสดงไม่ก่อให้เกิดความสนใจในหมู่ประชาชน และหลังจากการแสดงสี่ครั้งก็ถูกถอดออกจากเวที ในปี 1947 คาซานได้จัดแสดงผลงานอีกชิ้นของ Miller, All My Sons น่าแปลกที่ผู้ชมบรอดเวย์ซึ่งคุ้นเคยกับละครเพลงและคอมเมดี้เบา ๆ ยอมรับบทละครที่จริงจังนี้ซึ่งทำให้ผู้เขียนได้รับรางวัลจาก New York Theatre Critics Society รางวัลนี้มอบให้กับเขา "สำหรับการนำเสนอหัวข้อเฉพาะและที่สำคัญอย่างตรงไปตรงมาและไม่ประนีประนอม สำหรับความจริงใจของงานเขียนและความแข็งแกร่งโดยรวมของฉาก สำหรับความจริงที่ว่ามันแสดงให้เห็นถึงความรู้สึกที่แท้จริงของการละครที่มีอยู่ในความฉลาดและ นักเขียนบทละครผู้รอบคอบ”

แม้ว่าธีมการทหารจะไม่เป็นที่สนใจของผู้ชมบรอดเวย์ แต่มิลเลอร์ก็กล้าเขียนเกี่ยวกับสงครามและความรับผิดชอบของบุคคลต่อผู้อื่นและคนทั้งโลกโดยเฉพาะ

นักเขียนบทละครพยายามที่จะเข้าใจว่าอะไรในชะตากรรมของบุคคลใดบุคคลหนึ่งนั้นขึ้นอยู่กับเจตจำนงและการกระทำของเขาและสิ่งที่ขึ้นอยู่กับสถานการณ์เท่านั้น คำถามเหล่านี้มีอยู่ในละคร "Death of a Salesman", "The Crucible", "A View from the Bridge", "The Price", "After the Fall", "An Incident at Vichy"

บทละครของมิลเลอร์ยังคงสืบสานประเพณีละครทางสังคมในช่วงทศวรรษที่ 1930 แม้ว่านักเขียนบทละครจะเชื่อว่าผลงานในยุคนั้นแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปไม่ได้ที่บุคคลจะต้องต่อสู้กับกฎอันโหดร้ายของสังคม และด้วยเหตุนี้จึงถึงวาระที่เขาจะต้องตายล่วงหน้า โดยไม่รวมถึงความเป็นไปได้ในการต่อสู้และ ชัยชนะ. มิลเลอร์ถือว่าอิบเซน เบรชท์ และเชคอฟเป็นครูของเขา เขากล่าวว่าอย่างหลังมีคุณค่าอย่างยิ่ง เนื่องจาก "ต้องขอบคุณสิ่งนี้ที่ทำให้สามารถเข้าใจความเป็นจริงจากมุมมองของชีวิตมากกว่าจากมุมมองของละคร"

ละครเรื่องชื่อดังของมิลเลอร์เรื่อง Death of a Salesman (1949) ซึ่งเล่าถึงชะตากรรมอันน่าสลดใจของพนักงานขายที่เดินทาง Willy Loman ซึ่งไม่สามารถเอาชีวิตรอดในโลกแห่งการแข่งขันที่โหดร้ายได้รับการตอบรับอย่างกว้างขวางจากผู้ชม โครงเรื่องมีพื้นฐานมาจากการสังเกตชีวิตตลอดจนความทรงจำส่วนตัวของผู้แต่ง มิลเลอร์เชื่อว่าพระเอกของเขาต้องตายเมื่อเริ่มดูละครเรื่องนี้: “ฉันไม่รู้ว่าเขาจะมาถึงจุดนี้ได้อย่างไร และฉันไม่ได้พยายามที่จะค้นหาคำตอบ ฉันมั่นใจว่าถ้าฉันทำให้เขาจำได้มากพอ เขาจะฆ่าตัวตาย และองค์ประกอบของบทละครก็ถูกกำหนดโดยสิ่งที่จำเป็นในการปลุกความทรงจำของเขา”

เพื่อให้ผู้ชมสามารถเจาะลึกเข้าไปในโลกภายในของฮีโร่ได้ นักเขียนบทละครจึงใช้เทคนิคที่ไม่ธรรมดาสำหรับโรงละครในยุคนั้นอย่างสิ้นเชิง ซึ่งประกอบด้วยความจริงที่ว่าฉากแอ็กชั่นจะดำเนินไปพร้อมๆ กันในแผนเวลาที่แตกต่างกันสองแผน และการเปลี่ยนผ่านจาก อดีตถึงปัจจุบันและในทางกลับกันก็เกิดขึ้นแทบจะในทันที ขอบเขตของการเปลี่ยนแปลงคือดนตรี เอฟเฟกต์แสง หรือตัวชี้นำที่เชื่อมต่อ

การปรากฏตัวของภาพลักษณ์ของเบ็นพี่ชายผู้ล่วงลับของเขาในละครยังช่วยให้เข้าใจตัวละครของวิลลี่โลแมนอีกด้วย พี่น้องดำเนินบทสนทนาซึ่งชัดเจนว่าแต่ละคนใช้เส้นทางไหน เบ็นไม่ได้คำนึงถึงอนุสัญญาใด ๆ จึงสามารถสร้างรายได้เป็นล้านได้ วิลลี่ซึ่งคิดเกี่ยวกับผู้คนและไม่สามารถฝืนมโนธรรมของเขาได้ จะต้องพบกับความล้มเหลวและความตาย ในเวลาเดียวกันวิลลี่ไม่หยุดหวังความสำเร็จจนกว่าจะถึงจุดสิ้นสุดและยังไม่เข้าใจว่าอะไรกำลังฆ่าเขา แต่เป็นที่ชัดเจนสำหรับผู้ชมว่าสาเหตุของการเสียชีวิตของคนทั่วไปคืออะไร: เขาถูกทำลายโดยสังคมที่โหดร้ายและไม่แยแส ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หนังสือพิมพ์ปฏิกิริยาฉบับหนึ่งเรียกละครเรื่อง "Death of a Salesman" ว่าเป็น "ระเบิดเวลาที่ปลูกไว้ใต้สิ่งปลูกสร้างของลัทธิอเมริกันนิยม"

ในปี 1952 ละครเรื่อง The Crucible ของมิลเลอร์ปรากฏตัว (ชื่อที่สองคือ The Witches of Salem) แม้ว่าบทละครจะเล่าถึงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในซาเลมเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 แต่อเมริกาสมัยใหม่ในยุคแม็กคาร์ธีก็มองเห็นได้ง่ายเบื้องหลังภาพประวัติศาสตร์

“The Crucible” เขียนขึ้นในรูปแบบของฮีโร่ดราม่า ซึ่งเป็นเรื่องใหม่สำหรับมิลเลอร์ ผู้เขียนแสดงให้เห็นว่าในช่วงเวลาแห่งการพิจารณาคดี ความกล้าหาญของผู้คนที่มีอุปนิสัยที่แตกต่างกันมากแสดงออกได้อย่างไร โดยเลือกที่จะตายมากกว่าที่จะเลือกเส้นทางแห่งความอับอาย ในนามของหน้าที่ จอห์น พรอคเตอร์ถึงแก่กรรมในนาทีสุดท้ายของชีวิตเพื่อสะท้อนถึงชะตากรรมของลูกๆ และผู้คนของเขา วีรบุรุษในละครเสียชีวิต แต่การตายของพวกเขาทำให้ผู้ชมมีความหวังว่าช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาทางการเมืองจะจบลง เช่นเดียวกับความมืดมนของความคลั่งไคล้ทางศาสนาที่ตัวละครใน The Crucible ต่อสู้ได้สลายไป

แรงจูงใจของโชคชะตาของมนุษย์และความรับผิดชอบต่อสังคมปรากฏให้เห็นในละครของมิลเลอร์เรื่อง “A View from the Bridge” (1955), “After the Fall” (1964) และ “An Incident at Vichy” (1965) ประเด็นต่อต้านฟาสซิสต์ที่เปิดเผยในละครเรื่อง “An Incident in Vichy” ได้รับการสะท้อนที่พิเศษ

ในปี 1965 นักเขียนบทละครได้สร้างละครเรื่อง “The Price” ซึ่งทำให้นึกถึงเรื่อง “Death of a Salesman” ผู้เขียนเล่าเรื่องราวของพี่ชายสองคนคือวิกเตอร์และวอลเตอร์ที่พบกันหลังจากแยกทางกันมานานหลายปีในบ้านหลังเก่าหลังจากพ่อของพวกเขาเสียชีวิต เมื่อหลายปีก่อน วิกเตอร์ น้องชายคนสุดท้องได้ละทิ้งความฝันที่จะเป็นนักวิทยาศาสตร์เพื่อดูแลพ่อของเขา เขาลาออกจากมหาวิทยาลัยและกลายเป็นตำรวจธรรมดาๆ วอลเตอร์คนโตซึ่งคิดแต่เรื่องความเป็นอยู่ของตัวเองเท่านั้น ปัจจุบันเป็นศัลยแพทย์ที่ประสบความสำเร็จและเป็นเจ้าของคลินิกและสถานรับเลี้ยงเด็กเอกชนหลายแห่ง แต่เมื่อบรรลุทุกสิ่งที่ต้องการแล้ว เขาก็ตระหนักว่าไม่มีทรัพย์สมบัติจำนวนเท่าใดก็ไม่สามารถให้ความสุขได้ และชีวิตของเขาสูญเปล่า ตัวอย่างความไม่เห็นแก่ตัวของพี่ชายทำให้วอลเตอร์ต้องเลิกกับอดีตและกลับไปสู่อาชีพแพทย์เพื่อช่วยเหลือผู้ที่ต้องการเขา

แต่มิลเลอร์ไม่ได้พยายามที่จะวางวิกเตอร์ไว้บนแท่นเนื่องจากการเสียสละของเขาดูมากเกินไป: พ่อมีเงินและเขาไม่ต้องการให้ลูกชายออกจากมหาวิทยาลัยเลยและละทิ้งอาชีพที่เขาเลือก นักเขียนบทละครไม่ตอบคำถามว่าพี่ชายคนไหนถูกเขาบังคับให้ผู้ชมตัดสินใจด้วยตัวเอง ทั้งคู่อาจเลือกเส้นทางที่ผิด แต่มิลเลอร์ไม่ได้รับหน้าที่เป็นผู้ตัดสิน ชีวิตมนุษย์มีความซับซ้อนอย่างไม่น่าเชื่อ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องยากที่จะเห็นเส้นแบ่งระหว่างความจริงและความเท็จ ความดีและความชั่ว

บทละครล่าสุดของนักเขียนบทละครไม่ได้ให้คำตอบสำหรับคำถามที่เกิดขึ้น: “The Creation of the World and Other Matters” (1972) และ “The American Clock” (1976) ภาพยนตร์ตลกเกี่ยวกับอาดัมและเอวา (“การสร้างโลกและเรื่องอื่นๆ”) พัฒนาไปสู่การสะท้อนถึงความยุติธรรมของโลกที่พระเจ้าสร้างขึ้น “American Hours” เป็นบทละครที่รวบรวมความทรงจำของผู้แต่งเกี่ยวกับช่วงวัยเยาว์ของเขา

ทศวรรษที่ 50 และ 60 ของศตวรรษที่ 20 นำเสนอชื่อใหม่ในละคร ผลงานของ William Inge (พ.ศ. 2456-2516) มีชื่อเสียงมาก บทละครของเขา Come Back, Little Sheba (1950), Picnic (1953), Bus Stop (1955) และ Darkness Above the Stairs (1957) ประสบความสำเร็จไม่น้อยไปกว่าละครของ Williams และ Miller

ละครของ Inj เผยให้เห็นปัญหาในชีวิตประจำวันที่แสนจะธรรมดาและซาบซึ้งและดั้งเดิมเกินไป ในขณะเดียวกัน แต่ละคนก็มีแรงจูงใจที่สำคัญต่อสังคม ตัวละครของ Inj นั้นปานกลางและไม่โดดเด่นด้วยการพัฒนาทางปัญญาระดับสูง (แม่บ้าน, คนขับรถ, พนักงานขายที่เดินทาง) ไม่แสดงการกระทำที่กล้าหาญและอย่าพูดบทพูดที่ชาญฉลาด อย่างไรก็ตาม เรื่องราวที่น่าเศร้าของพวกเขาช่างซาบซึ้งพอๆ กับชะตากรรมของวิลลี่ โลแมนแห่งมิลเลอร์จาก Death of a Salesman ความพินาศโดยสิ้นเชิงคุกคามพนักงานขายที่เดินทางอย่าง Reuben Flood จากเมืองต่างจังหวัดในมิดเวสต์ (“ความมืดเหนือบันได”) ในชีวิตแม่บ้านเสื่อมโทรมไม่มีอะไรสดใส (“กลับมาเถอะ ชีบาน้อย”) ผู้หญิงประเภทนี้จำนวนมาก แต่อ่อนแอและเอาแต่ใจโดยสิ้นเชิงคือความเศร้าโศกและความเหงาที่สิ้นหวัง

Inge ดึงดูดฮีโร่รุ่นเยาว์ด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างจริงใจ โดยให้เหตุผลที่พวกเขากบฏต่อความเฉื่อยและกิจวัตรที่ครอบงำในครอบครัวและสังคม

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 นักเขียนบทละครซึ่งเหนื่อยหน่ายกับตัวเองได้เริ่มสร้างสรรค์ผลงานอันล้ำลึกโดยปราศจากการโน้มน้าวใจที่สำคัญ ไม่สามารถเอาชนะวิกฤติได้เขาจึงฆ่าตัวตาย

บทละครที่มีเนื้อหาลึกซึ้งของ Inge เปี่ยมไปด้วยมนุษยนิยมยังคงจัดแสดงในโรงภาพยนตร์ในสหรัฐอเมริกาและประเทศอื่นๆ ค่อนข้างถูกต้อง G. Klerman พูดเกี่ยวกับงานของนักเขียนบทละคร: “ สามารถโต้แย้งได้มากทั้งในด้านวิธีการและเนื้อหาของภาพที่วาดโดย Inge - การขาดขอบเขตทางจิตวิทยา, ความน่าเบื่อ, การไร้ความสามารถของฮีโร่ที่จะอยู่เหนือ ความหดหู่ของตัวเอง การหลีกเลี่ยงตอนจบแบบตลกขบขันเล็กน้อย - แต่ในนั้นยังมีความซื่อสัตย์ที่ดื้อรั้นอยู่ด้วย ความมุ่งมั่นที่จะบอกความจริงที่ไม่ปรุงแต่ง ... "

นักเขียนบทละครชาวอเมริกันที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งที่ทำงานในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 และต้นทศวรรษ 1960 คือ Edward Albee (เกิดปี 1928) งานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงการประท้วงทางจิตวิญญาณที่เติบโตเต็มที่ในสังคมหลังจากการประนีประนอมหลายปีและการปิดบังปัญหาที่สำคัญที่สุดในยุคของเรา

แม้ว่า Albee จะใช้ธีมเดียวกันกับ Williams และ Miller แต่บทละครของเขาก็ไม่เหมือนกับผลงานในยุคหลัง นักเขียนบทละครไม่ จำกัด เพียงแสดงความชั่วร้ายของสังคมเท่านั้น แต่เขาพยายามถ่ายทอดแนวคิดเรื่องการประท้วงให้ผู้อ่านทราบ

ละครของ Albee มีสไตล์ที่หลากหลายอย่างไม่น่าเชื่อ ดังนั้นนักวิจารณ์บางคนจึงพยายามจัดประเภทเขาว่าเป็นคนไร้สาระ ส่วนคนอื่นๆ เป็นพวกสัจนิยม แม้ว่าตัวผู้เขียนเองจะเรียกตัวเองว่าเป็นคนผสมผสาน โดยกล่าวว่าลักษณะของละครแต่ละเรื่องขึ้นอยู่กับเนื้อหาของละคร ในงานของเขาเราสามารถเห็นทั้งลักษณะของละครสังคมและจิตวิทยาและองค์ประกอบของ "โรงละครแห่งความไร้สาระ" ("Little Alice", 1964)

บทละครเรื่องแรกของ Albee ซึ่งแตกต่างจากละครที่สร้างโดยนักเขียนบทละครคนก่อนๆ อย่างมาก ถูกผู้กำกับของแม้แต่โรงละครนอกบรอดเวย์ที่ก้าวหน้าที่สุดก็ปฏิเสธ และหลังจากที่ชื่อของ Albee เป็นที่รู้จักนอกอเมริกาเท่านั้น ผลงานของเขาก็เริ่มถูกจัดแสดงบนเวทีของอเมริกา

ในบทนำของละครเรื่อง "The American Ideal" นักเขียนบทละครได้แสดงความคิดที่ว่าศิลปะการแสดงละครก็เหมือนกับกระจกเงาชนิดหนึ่งที่สะท้อนสภาพของสังคม: "ฉันวิเคราะห์ความเป็นจริงของอเมริกาโดยโจมตีการแทนที่คุณค่าที่แท้จริงใน สังคมของเรากับสิ่งเทียม ๆ เผยให้เห็นความโหดร้าย ความว่างเปล่า และการละทิ้งมวลมนุษยชาติ”

บทละครของ Albee จัดการกับประเด็นที่สำคัญที่สุด ดังนั้น “An Incident in the Menagerie” (1958) เผยให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับสังคม “The Death of Bessie Smith” (1959) เผยให้เห็นถึงความไม่ยอมรับทางเชื้อชาติและความโหดร้าย ฮีโร่ของ Albee ที่ถูกวางยาพิษด้วยความไร้มนุษยธรรมและความชั่วร้ายของโลกรอบตัวพวกเขาทำให้เสื่อมโทรมฝ่ายวิญญาณและหยุดเป็นคนปกติ ความสามารถของนักเขียนบทละครในการสำรวจจิตวิทยามนุษย์เป็นที่อิจฉาของเทนเนสซี วิลเลียมส์ ผู้เขียนเกี่ยวกับความสามารถของนักเขียนในการ "ถ่ายทอดความสิ้นหวังของคนสมัยใหม่อย่างแท้จริง ซึ่งถูกผลักดันให้เข้าสู่การกักขังโดดเดี่ยวในผิวหนังของเขาเองตลอดไป"

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Albee คือละครเรื่อง Who's Afraid of Virginia Woolf (1962) ต้องขอบคุณงานนี้นักเขียนบทละครจึงได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ละครเรื่องนี้ได้รับแรงบันดาลใจจาก Danse Macabre ของนักเขียนชาวสวีเดน August Johan Strindberg เกิดขึ้นหนึ่งคืนในบ้านของอาจารย์มหาวิทยาลัยประจำจังหวัด จอร์จและมาร์ธาภรรยาของเขาเปิดเผยความลับทั้งหมดของการแต่งงานของพวกเขา เริ่มต้นด้วยการทะเลาะกันธรรมดาๆ พวกเขาก้าวไปสู่การเปิดเผย ทำการค้นพบที่ไม่คาดคิด เปิดเผยความชั่วร้ายและภาพลวงตา ในทางกลับกันคู่สมรสทำหน้าที่เป็นผู้โจมตีในเกมสงครามซึ่งผู้เขียนแบ่งออกเป็นสามขั้นตอน: "เกมและความสนุกสนาน", "คืน Walpurgis" พร้อม "ตามล่าหาเจ้าของ" และ "ตามล่าหาแขก" และ "การขับไล่วิญญาณ" ” รวมถึง “เกมเกี่ยวกับลูกชาย” และการลงโทษของมาร์ธา

ด้วยความสมจริงที่ไร้ความปราณี Albee เจาะเข้าไปในโลกลับของคู่สามีภรรยาที่แต่งงานแล้ว ในวีรบุรุษของเขา ชาวอเมริกันจำตัวเองได้ นักวิจารณ์คนหนึ่งเรียกละครเรื่องนี้อย่างถูกต้องว่าเป็น "การเต้นรำแห่งความตายบนหลุมศพของวัฒนธรรมตะวันตก"

นักเขียนบทละครยังกล่าวถึงธีมเดียวกันของ "สงครามในห้องนั่งเล่น" เมื่อสร้างผลงานอื่นๆ (“A Precarious Balance”, 1966; “It’s All Over”, 1971; “The Lady from Dubuque”, 1980) ผู้เขียนสนใจปัญหาหน้าที่ครอบครัว ความเข้าใจร่วมกัน ความรับผิดชอบ และความเห็นแก่ตัวของมนุษย์

สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือละครเรื่อง "Seascape" (1975) ซึ่งความจริงเกี่ยวพันกับสิ่งมหัศจรรย์ แนนซี่และชาร์ลี สามีภรรยาสูงอายุคู่หนึ่งนั่งลงที่ชายหาด พวกเขาแยกแยะสิ่งต่าง ๆ และทันใดนั้นสัตว์ประหลาดคู่หนึ่งก็ว่ายขึ้นมาจากส่วนลึกของทะเล - ซาราห์และเลสลี่ แม้ว่าพวกเขาจะไม่เหมือนผู้คน แต่พวกเขาก็ถูกทรมานด้วยปัญหาเดียวกัน: ความเข้าใจผิดซึ่งกันและกัน ความเหงา ความรัก และความเกลียดชัง ตอนจบของละครเป็นไปด้วยดี แนนซี่และชาร์ลียื่นมือไปหาสัตว์ประหลาดเพื่อจับมือกัน และเปิดทางสู่ความเข้าใจและมิตรภาพซึ่งกันและกัน

ปัญหาความสัมพันธ์ของมนุษย์และการสลายตัวของบุคลิกภาพภายใต้อิทธิพลของสภาพสังคมก็ส่งผลกระทบต่องานตลกของ Albee เช่นกัน บทละครเหน็บแนมของเขาเยาะเย้ยผู้ที่ยอมจำนนต่อระเบียบที่มีอยู่อย่างอดทนและส่งผลให้กลายเป็นหุ่นเชิดที่มีจิตใจอ่อนแอ (The American Ideal, 1960; All in the Garden, 1976)

สิ่งบ่งชี้ที่สำคัญที่สุดในแง่นี้คือภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Everything in the Garden" ซึ่งเขียนจากบทละครที่มีชื่อเดียวกันซึ่งสร้างโดยนักเขียนบทละครชาวอังกฤษเจ. คูเปอร์ แสดงให้เห็นว่าการสูญเสียจิตวิญญาณเกิดขึ้นในบุคคลที่ค่อยๆ ตกเป็นทาสของทัศนคติแบบเหมารวมที่มีอยู่ในสังคมได้อย่างไร Albee ใช้เทคนิคต่างๆ เช่น พิสดารและเสียดสี เขาให้ลักษณะทางจิตวิทยาที่แม่นยำแก่ตัวละครของเขา การลดระดับบุคลิกภาพทุกขั้นตอนจะแสดงโดยฮีโร่ที่แตกต่างกัน เจนนี่และริชาร์ดยังคงยืนอยู่บนขั้นแรกของบันไดที่นำไปสู่ความหายนะทางวิญญาณ เวทีกลางแสดงโดยเพื่อนบ้านที่ใกล้ที่สุด และเวทีสุดท้ายแสดงโดยนางเอซ

การจลาจลของเยาวชนและขบวนการ New Left มีผลกระทบสำคัญต่อการพัฒนาละครอเมริกันต่อไป บทละครของมิลเลอร์ วิลเลียมส์ และแม้แต่อัลบีที่อายุน้อยกว่าไม่สามารถตอบสนองความต้องการทางจิตวิญญาณของเยาวชนที่กบฏ ซึ่งต้องการศิลปะการแสดงละครที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงที่รวบรวมแนวคิดเรื่องอิสรภาพไร้ขอบเขต

ความรู้สึกเหล่านี้ได้พบกับชมรมละครทดลอง La Mama ซึ่งเปิดในปี 1961 โดย Ellen Stewart ในห้องใต้ดิน ผู้เข้าร่วมทำงานด้วยความกระตือรือร้นเท่านั้นโดยไม่ได้รับค่าตอบแทน ผู้ชมได้รับเชิญโดยตรงจากถนน โรงละครแห่งนี้ซึ่งยังคงมีอยู่จนทุกวันนี้ ถือเป็นเวทีสำหรับนักเขียนบทละครหลายคนมาโดยตลอด แต่บทละครของพวกเขาจะต้องทันสมัยและมีองค์ประกอบของการทดลองด้วย นักเขียนหลายสิบคนซึ่งต่อมาเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางได้เริ่มต้นการเดินทางบนเวทีที่ La Mama หนึ่งในนั้นคือแซม เชพเพิร์ด, จอห์น กัวเร, ฌอง-คล็อด ฟาน อิตาลี, อาเดรียน เคนเนดี้, แลนฟอร์ด วิลสัน, มีเกน เทอร์รี่ ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเกิดขึ้นได้โดย Sam Shepard ซึ่งเปลี่ยนจากบทละครทดลองมาเป็นงานศิลปะที่สมจริง ผลงานหลายชิ้นของผู้เขียนคนนี้ได้รับความสำเร็จอย่างมากบนเวทีละครทั่วโลก ละครเรื่อง Buried Child (1979) ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์จากนักเขียนบทละคร สิ่งที่น่าสนใจอีกอย่างคือละครของ Shepard เรื่อง "Fool for Love" และ "Curse of the Starving Class" ซึ่งนักวิจารณ์เรียกชาวอเมริกันว่า "The Cherry Orchard"

ในช่วงทศวรรษ 1970 นักเขียนรุ่นใหม่เข้ามาสู่วงการละครของอเมริกา ในละครครั้งนี้ มีประเด็นสำคัญอยู่ 2 ประเด็นหลัก ได้แก่ สงครามในเวียดนามและการบอกเลิกสิ่งที่เรียกว่าสังคมผู้บริโภค ละครเรื่อง “The Trial of the Catonsville Nine” (1971) เขียนโดย Daniel Berrigan ซึ่งถูกตัดสินลงโทษในปี 1968 ฐานเผาหมายเรียกทหารเพื่อประท้วงสงครามเวียดนาม ทำให้เกิดเสียงสะท้อนอย่างกว้างขวาง David Rabe ซึ่งครั้งหนึ่งเคยต่อสู้ในเวียดนาม ได้อุทิศละครของเขาเรื่อง “Paul Hummel's Basic Training” (1971), “Sticks and Bones” (1971) และ “Unopened Parachutes” (1976) ให้กับธีมต่อต้านสงคราม ผู้เขียนแสดงให้เห็นว่าสงครามที่ไม่ยุติธรรมและโหดร้ายนำมาสู่ชาวอเมริกันอย่างไร

เราไม่สามารถมองข้ามโรงละครสีดำซึ่งในยุคหลังสงครามได้ผลิตนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์เช่น Lorraine Hansberry, Ed Bullins, Douglas Turner Ward, Charles Gordon รวมถึงนักแสดง Sammy Davis, James Earl Jones, Sidney Poitier ละครเรื่อง “Deep Roots” (1945) โดย James Gow และ Arnaud D'Usso ซึ่งเป็นวีรบุรุษชาวอเมริกันผิวดำที่เข้าร่วมในสงคราม มีวัตถุประสงค์เพื่อเปิดเผยการเหยียดเชื้อชาติ

บทละครของ Lorraine Hansberry (พ.ศ. 2473-2508) อุทิศให้กับการต่อสู้กับการเหยียดเชื้อชาติ เผยให้เห็นความรู้สึกและความคิดของชาวผิวสีในสหรัฐอเมริกา ผลงานของนักเขียนไม่มีความแปลกใหม่หรือแนวความคิดเรื่องชาตินิยมของคนผิวสี

ละครเรื่อง A Raisin in the Sun (1959) ทำให้ Hansberry ได้รับรางวัล New York Critics Circle Award สาขาบทละครยอดเยี่ยมแห่งปี มันแสดงให้เห็นชีวิตของครอบครัวผิวดำธรรมดาที่ฝันถึงความสุข หลังจากสามีของเธอเสียชีวิต Lina Younger ผู้เฒ่าก็ได้รับประกันและซื้อบ้านหลังใหญ่ใหม่ที่ทั้งครอบครัวย้ายไปอยู่ ดูเหมือนความฝันจะเป็นจริงจะขออะไรอีกล่ะ? แต่ไม่นานเราก็เรียนรู้ว่าในบริเวณที่ซื้อบ้าน มีเพียงคนผิวขาวเท่านั้นที่อาศัยอยู่ที่ไม่อยากเห็นคนผิวดำอยู่ข้างๆ พวก Youngers พยายามเอาชีวิตรอดผ่านการคุกคามหรือการติดสินบน แต่ก็สามารถรักษาความรู้สึกมีคุณค่าในตนเองได้ ความฝันแห่งความสุขกลายเป็นลูกเกดเหี่ยวย่นนอนอาบแดด แต่คนเหล่านี้ไม่สามารถเสียสละความรู้สึกผิดชอบชั่วดีและเกียรติยศของตนได้แม้จะเพื่อผลกำไรก็ตาม

ในบทละครของเธอ Hansberry ยึดมั่นในตำแหน่งชีวิตที่กระตือรือร้นอยู่เสมอกระตุ้นให้ผู้คนอย่าอายที่จะเผชิญกับปัญหาที่สำคัญที่สุด ฮีโร่ของละครเรื่อง "Slogan in Sidney Brustein's Window" (1964) แม้จะมีอุปสรรคและความยากลำบาก แต่ก็มุ่งมั่นที่จะ "กอบกู้มนุษยชาติ" เขามีส่วนร่วมในกิจกรรมทางการเมือง ตีพิมพ์หนังสือพิมพ์ และไม่มีอะไรสามารถบังคับให้เขาพับมือและเข้าไปในเงามืดได้

ในทศวรรษ 1960 James Arthur Baldwin นักเขียนผิวดำชื่อดัง (เกิดปี 1924) หันมาสนใจงานดราม่าด้วย โดยเขียนนวนิยายหลายเรื่องเกี่ยวกับความรัก การเอาชนะความเหงา และอัตลักษณ์ประจำชาติ เขาพูดถึงประเด็นเดียวกันในละครของเขา ในปี 1964 เขาได้สร้างดราม่าประท้วงเรื่อง Blues for Mister Charlie โดยอิงจากเหตุการณ์จริงที่เกี่ยวข้องกับการฆาตกรรม Medgar Evers เพื่อนของ Baldwin ที่มีการเหยียดเชื้อชาติ ละครโศกนาฏกรรม "Amen at the Crossroads" (1968) และ "Running Through Heaven" เล่าถึงชีวิตในสลัมสีดำ

นักเขียนบทละครผิวดำคนแรกในสหรัฐอเมริกาที่ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์คือชาร์ลส์ กอร์ดอน ผู้เขียนบทละคร No Place to Become a Man ในปี 1969 นักวิจารณ์ชื่อดัง W. Kerr เรียกเขาว่า "นักเขียนบทละครที่น่าทึ่งที่สุดนับตั้งแต่ Albee ปรากฏตัว"

ดักลาส เทิร์นเนอร์ วอร์ด มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาศิลปะการแสดงละครอเมริกัน ซึ่งตั้งแต่ปี 1967 เป็นหัวหน้าโรงละคร Nigrow Ensemble Company ซึ่งจัดแสดงการแสดงตามบทละครของนักเขียนบทละครทั้งคนผิวขาวและคนผิวดำ

ในทศวรรษที่ 1960 นักเขียนบทละครผิวดำเริ่มกิจกรรมโดยส่งเสริมลัทธิหัวรุนแรงของคนผิวสีในงานของพวกเขา เหล่านี้คือลีรอย โจนส์ (อิมามู อาเมียร์ บารากา) ผู้เขียนบทละครแห่งความเกลียดชัง "Dutchman" (1964), "Slave Ship" (1970), "Slave" (1973) และ Ed Bullins สมาชิกของ Black Panther Party ผู้สร้าง ของละครเดี่ยวซึ่งจัดแสดงบนเวทีของโรงละคร New Lafayette ที่เขาแสดง (“Pig Sty”, “Winter in New England”, “Son, Come Home”)

เวทีโลกของอเมริกาค่อนข้างแตกต่างจากยุโรป ในสหรัฐอเมริกาไม่มีโรงละครของรัฐเหมือนในประเทศอื่นๆ บทบาทหลักในชีวิตการแสดงละครคือการแสดงโดยโรงละครบรอดเวย์ซึ่งเรียกอีกอย่างว่าโรงละครเชิงพาณิชย์ เหล่านี้เป็นองค์กรธุรกิจการแสดงและหน้าที่หลักของพวกเขาคือการทำกำไร

โรงละครบรอดเวย์ไม่มีคณะละครถาวรและละครที่เฉพาะเจาะจง และเป็นเพียงอาคารที่มีหอประชุมและเวที คณะที่เช่าโรงละครแบบนี้ก็แสดงเหมือนเดิมจนกว่าจะหยุดสร้างรายได้ ผลงานบางเรื่องถ่ายทำภายในหนึ่งสัปดาห์ ส่วนเรื่องอื่นๆ ใช้เวลาหลายปี ดังนั้นละครเพลงเรื่อง My Fair Lady จึงไม่ออกจากเวทีละครบรอดเวย์เป็นเวลาเจ็ดปีเต็ม

การแสดงบรอดเวย์ส่วนใหญ่แสดงแนวคิดเกี่ยวกับสิ่งที่เรียกว่าวัฒนธรรมมวลชน โดยมีจุดประสงค์เพื่อทำให้ผู้ชมเชื่อว่าคนอเมริกันเป็นคนที่ร่ำรวยที่สุด มีความสุขที่สุด และเป็นอิสระที่สุดในโลก ผลงานละครบรอดเวย์ส่วนใหญ่ยกระดับอุดมคติของบุคคลมาตรฐาน โดยขึ้นอยู่กับระเบียบที่มีอยู่และไม่โดดเด่นจากฝูงชน การแสดงในโรงภาพยนตร์เชิงพาณิชย์กลายเป็นเรื่องต้องใช้เงินลงทุนจำนวนมาก หากก่อนสงครามค่าใช้จ่ายในการแสดงส่วนใหญ่ไม่เกิน 40,000 ดอลลาร์ในปีหลังสงครามก็สูงถึง 100 (ละคร) และ 500 (ละครเพลง) พัน

สถานที่สำคัญในละครเพลงของโรงละครบรอดเวย์ถูกมอบให้กับละครเพลง จากนั้นก็มีการแสดงดนตรีและการแสดงตลกเบา ๆ ละครไม่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในหมู่ผู้ประกอบการ แต่นี่คือสิ่งที่ทำให้ศิลปะเชิงพาณิชย์เข้าสู่ภาวะวิกฤติ ผู้ชมรู้สึกเบื่อหน่ายกับผลงานที่ไร้ความคิดซึ่งนำไปสู่ความเป็นจริง ผู้ประกอบการบรอดเวย์เริ่มหันมาเล่นละครจริงจังบ่อยขึ้นโดยเลือกผลงานของนักเขียนชื่อดังที่สุด (Williams, Miller, Albee)

แนวดนตรีก็มีการเปลี่ยนแปลงบ้างตามกาลเวลา เป็นเวลาสิบปีที่ Guild Theatre มีการแสดงละครเพลงของ R. Rodgers และ O. Hammerstein "Oklahoma!" (1943) กำกับโดย รูเบน มามูเลียน ละครที่ดูเหมือนไม่ใช่เชิงพาณิชย์โดยสิ้นเชิงเรื่องนี้บอกเล่าเกี่ยวกับชีวิตของคนธรรมดาสามัญและประสบความสำเร็จอย่างมากในหมู่ผู้ชม และเหตุผลนี้ไม่ใช่แค่เครื่องแต่งกายพื้นบ้าน ดนตรีที่ยอดเยี่ยม และการออกแบบท่าเต้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อเรื่องที่อุทิศให้กับ "อเมริกาเก่าที่ดี" ตัวละครในชนบท หยาบคายและเรียบง่าย แต่ด้วยใจที่ซื่อสัตย์และไว้วางใจ

การมีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาแนวดนตรีเกิดขึ้นจากการแสดง "West Side Story" โดย A. Laurents และ L. Bernstein (1975), "My Fair Lady" โดย F. Lowe และ L. Lerner (1956) และ “Man of La Mancha” ซึ่งโด่งดังในหลายประเทศทั่วโลก D. Wasserman, D. Darion และ M. Lee (1965), “Fiddler on the Roof” โดย D. Stein, S. Garnick และ D. Bock (1964) ฯลฯ ทั้งหมดนี้ต่างจากการผลิตเพื่อความบันเทิงที่ไร้ความคิดตรงที่อุทิศให้กับธีม "นิรันดร์" และมีพื้นฐานมาจากวรรณกรรมคลาสสิก

เนื่องจากไม่มีโรงละครหรือคณะละครถาวรในสหรัฐอเมริกา ศิลปะการแสดงของอเมริกาจึงถูกกำหนดโดยการแสดงละครและการสอนการละครเท่านั้น โรงเรียนการละครชั้นนำในช่วงหลังสงครามคือ Actors Studio ก่อตั้งโดย Elia Kazan ผู้ติดตามของ K. S. Stanislavsky รวมถึง Robert Lewis และ Lee Strasberg ต้องขอบคุณ Strasberg ซึ่งเป็นหัวหน้าสตูดิโอ Actors Studio จนกระทั่งเขาเสียชีวิต ทำให้ที่นี่กลายเป็นโรงเรียนอเมริกันที่ใหญ่ที่สุดในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 นักแสดงชื่อดังหลายคนโผล่ออกมาจากกำแพง รวมถึง Marlon Brando, Paul Newman, Maureen Stapleton, Rod Steiger, Jane และ Peter Fonda เป็นต้น นอกเหนือจากแผนกการแสดงแล้ว สตูดิโอยังมีแผนกละครและการกำกับอีกด้วย

บทบาทที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาศิลปะบนเวทีของสหรัฐอเมริกาแสดงโดยผู้กำกับ Elia Kazan (เกิดในปี 1909) ซึ่งเป็นผู้จัดแสดงละครในยุคแรกของวิลเลียมส์และมิลเลอร์เกือบทั้งหมด เขาเริ่มต้นการเดินทางในโลกการแสดงละครในฐานะนักแสดงที่ Group Theatre ซึ่งเขาเข้าร่วมในปี 1932 ที่นั่นคาซานเริ่มคุ้นเคยกับระบบสตานิสลาฟสกี้ และตั้งแต่นั้นมาเขาก็พยายามไม่เบี่ยงเบนไปจากหลักการของมัน

ในปีพ.ศ. 2484 กลุ่มหยุดอยู่และคาซานเริ่มทำงานเป็นผู้กำกับในโรงละครบรอดเวย์แห่งหนึ่ง ผลงานส่วนใหญ่ของเขาอิงจากบทละครที่สมจริงซึ่งก่อให้เกิดปัญหาที่สำคัญที่สุดในชีวิต คาซานสนใจผลงานของวิลเลียมส์และมิลเลอร์เป็นพิเศษ

ละครเรื่องแรกของมิลเลอร์ The Man Who Had It Luck ซึ่งแสดงบนเวทีบรอดเวย์ในปี พ.ศ. 2488 ไม่ประสบความสำเร็จและถูกดึงออกจากเวทีหลังจากการแสดงสี่ครั้ง แต่ครั้งที่สอง (“ All My Sons”) ได้รับการตอบรับจากสาธารณชนด้วยความสนใจอย่างมาก แต่ชื่อเสียงที่แท้จริงของคาซานมาจากความตายของพนักงานขายซึ่งแสดงในปี 1949 ด้วยการผสานความถูกต้องเข้ากับแบบแผน ผู้กำกับไม่เพียงแต่สร้างการแสดงที่จริงใจและจริงใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงที่แสดงออกและบทกวีที่ไม่ธรรมดาอีกด้วย การออกแบบการผลิตที่สร้างโดยศิลปิน Joe Milziner ก็มีบทบาทพิเศษเช่นกัน ตึกระฟ้าขนาดใหญ่ที่แขวนอยู่เหนือบ้านของพนักงานขาย Willy Loman ที่กำลังเดินทางได้กลายเป็นสัญลักษณ์ที่ทำนายการสิ้นสุดอันน่าเศร้าของชายร่างเล็กคนหนึ่งซึ่งสังคมได้กีดกันเขาจากสิทธิ์ไม่เพียงแต่ความสุขเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตด้วย

ด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยม คาซานใช้เทคนิคดังกล่าวในการสลับตอนของความเป็นจริงและความทรงจำ ปัจจุบันและอดีตเกี่ยวพันกันในละคร และภาพที่สมบูรณ์ของชีวิตตัวละครและชะตากรรมอันน่าเศร้าของพวกเขาก็ปรากฏต่อหน้าผู้ชม นักแสดงก็แสดงได้เยี่ยมมาก นักวิจารณ์ละคร เจ.เอ็ม. บราวน์ เขียนว่าพวกเขา “แสดงด้วยทักษะและความเชื่อมั่นจนเส้นแบ่งระหว่างชีวิตกับการแสดงดูเหมือนไม่มีอยู่จริง ความมีมนุษยธรรมของบทละครไหลเข้าสู่การแสดงของพวกเขาและกลายเป็นส่วนที่แยกไม่ออกของการแสดง”

ภาพลักษณ์ของ Willy Loman ในละครเรื่องนี้สร้างโดยนักแสดง Lee Combe ซึ่งเริ่มอาชีพสร้างสรรค์ของเขาที่ Group Theatre เขาสามารถถ่ายทอดประเภทของชาวอเมริกันธรรมดาๆ คนหนึ่งที่ไม่อาจเข้าใจได้อย่างน่าเชื่อถือว่าทำไมผู้ชายที่ซื่อสัตย์และขยันขันแข็งที่ไม่เคยหยุดทำงานมาตลอดชีวิตจึงพบว่าตัวเอง "เกินกำลัง" ด้วยท่าทาง การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อน การแสดงออกทางสีหน้า และเสียง ศิลปินแสดงให้เห็นความลึกของความทุกข์ทรมานของฮีโร่ของเขา

นักวิจารณ์เรียกงานของ Lee Combe ว่า "ชัยชนะในการแสดงตาม Stanislavski" เอริก เบนท์ลีย์เขียนว่า “เราเห็นแล้วว่าเราทุกคนคือวิลลี่ และวิลลี่ก็คือพวกเรา” เราอยู่และตายด้วยกัน แต่เมื่อวิลลี่ล้มลงและไม่มีวันลุกขึ้นอีก เราก็กลับบ้าน ปราศจากความเห็นอกเห็นใจและความสยดสยอง”

การแสดงของคาซานจากบทละครของเทนเนสซี วิลเลียมส์ก็ประสบความสำเร็จไม่แพ้กัน การแสดง A Streetcar Named Desire (1947), The Path of Reality (Camino Real, 1953), Cat on a Hot Tin Roof (1955) และ Sweet Bird of Youth (1958) ได้รับการต้อนรับด้วยความสนใจอย่างมากจากผู้ชม

ในปี 1964 เอเลีย คาซานได้เป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ Repertory Theatre ของ Lincoln Center for the Arts ที่สร้างขึ้นใหม่ โดยเปิดดำเนินการด้วยทุนจากมูลนิธิ Rockefeller ศูนย์นี้มีสิ่งอำนวยความสะดวกมากมาย รวมถึงอาคาร Metropolitan Opera แห่งใหม่ โรงละคร Drama วิเวียน โบมอนต์, โรงละครในห้องฟอรัม, ห้องสมุด-พิพิธภัณฑ์โรงละคร, ห้องแสดงคอนเสิร์ต, โรงเรียนการละคร (โรงเรียน Juilliard) ซึ่งมีห้องโถงโรงละครเป็นของตัวเอง ศูนย์ศิลปะลินคอล์นได้รับมอบหมายบทบาทของโรงละครของรัฐโดยมีคณะและละครถาวร Robert Whitehead ร่วมกับ Kazan กลายเป็นผู้กำกับศิลป์และ Harold Clurman ซึ่งก่อนหน้านี้เคยทำงานเป็นผู้กำกับและผู้อำนวยการ Group Theatre กลายเป็นที่ปรึกษา เช่นเดียวกับคาซาน เขาเป็นผู้สนับสนุนระบบสตานิสลาฟสกี

คณะศิลปิน 26 คนก่อตั้งขึ้นที่โรงละคร Repertory โรงละครเปิดทำการในปี พ.ศ. 2507 การแสดงครั้งแรกบนเวทีคือละครเรื่อง After the Fall ของอาเธอร์ มิลเลอร์ กำกับโดยคาซาน ละครยังรวมถึงละครของมิลเลอร์ “An Incident in Vichy” และ “Marco the Millionaire” ของยูจีน โอ’นีล

แต่บทละครที่เลือกซึ่งมีไว้สำหรับผู้ชมที่จริงจังและมีจิตใจเป็นประชาธิปไตยไม่เหมาะกับเจ้าของศูนย์ซึ่งรายได้ของพวกเขามาก่อน ในไม่ช้าคาซานและไวท์เฮดก็ถูกบังคับให้ออกจากโรงละคร ผู้ที่เข้ามาแทนที่ Herbert Blau และ Julius Irving ซึ่งก่อนหน้านี้เคยบริหารโรงละคร Actors Workshop ยังคงสานต่อสายงานของรุ่นก่อน ในปี 1965 พวกเขาได้จัดแสดง The Death of Danton ของบุชเนอร์ และ The Caucasian Chalk Circle ของเบรชต์ ในปี 1966 มีการจัดแสดง "The Oppenheimer Case" ของ Kipphardt และ "Life of Galileo" ของ Brecht ซึ่งมี R. Steiger รับบทหลัก ได้รับการจัดแสดงบนเวทีของ Repertory Theatre

ผู้อำนวยการฝ่ายการค้าของโรงละครยังคงกดดันผู้กำกับศิลป์ และในไม่ช้า พวกเขาก็ต้องยกเลิกคณะถาวรและละครที่เปลี่ยนแปลงไป ทุก ๆ หกเดือนจะมีการเสนอให้เช่าเวทีให้กับคณะที่มาเยี่ยม ในที่สุด Blau ก็ออกจากโรงละคร ตามด้วยเออร์วิงก์

ในปี 1973 โรงละคร Repertory นำแสดงโดยโจเซฟ แพพพ์ หนึ่งในบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดในโรงละครนอกบรอดเวย์ ซึ่งเคยกำกับเทศกาลเช็คสเปียร์ ซึ่งเป็นโรงละครอิสระที่มีประชาธิปไตยมากที่สุดในอเมริกา ตั้งอยู่ในเซ็นทรัลพาร์คในนิวยอร์ก แพพพ์ยังคงสานต่องานผู้กำกับศิลป์คนก่อน โดยจัดแสดง The Plough and the Stars ของ O'Casey, The Merchant of Venice ของเชคสเปียร์ และ Enemies ของ Gorky บนเวที Repertory Theatre เขายังสนใจผลงานของนักเขียนบทละครคนอื่นด้วย แต่ในไม่ช้าความขัดแย้งก็เริ่มขึ้นระหว่างเขากับผู้อำนวยการฝ่ายการเงินของ Lincoln Center โดยฝ่ายหลังเรียกร้องผลกำไรในขณะที่ Papp พึ่งพาเงินอุดหนุน จบลงด้วยความจริงที่ว่า Repertory Theatre หยุดอยู่และคณะละครต่างๆก็เริ่มเล่นในอาคารที่ตั้งอยู่ (มีแผนที่จะแปลงเป็นโรงภาพยนตร์ แต่ประชาชนที่ขุ่นเคืองไม่อนุญาตให้ทำเช่นนี้)

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 โรงละครนอกบรอดเวย์เริ่มปรากฏตัวในสหรัฐอเมริกา โดยเป้าหมายหลักคือการฟื้นฟูงานศิลปะที่ไม่ใช่เชิงพาณิชย์ ปัจจุบันนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละครชื่อดังหลายคนเริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์จากโรงละครขนาดเล็กเหล่านี้

ผู้กำกับ Jose Quintero (เกิดปี 1924) มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการสร้างและพัฒนาโรงละครนอกบรอดเวย์ ในปี 1950 เขาได้ก่อตั้งโรงละครทดลองชื่อ Circle in the Square เป็นการแสดงละครที่ไม่ประสบความสำเร็จบนบรอดเวย์ (Williams 'Summer and Smoke, 1952; The Iceman Cometh and Long Journey into Night, 1956) ต่อจากนั้น ผู้ชมได้ชมการแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Wilder เรื่อง Our Town (1959) และ “The Seven Ages of Man” (1961) จัดแสดงโดย Quintero

ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และ 1960 โรงละครนอกบรอดเวย์ 4th Street ซึ่งผู้กำกับ David Ross จัดแสดงละครโดย Ibsen และ Chekhov เป็นหลัก และ Phoenix Theatre ของ Norris Houghton ซึ่งเป็นที่จัดแสดงการแสดงคลาสสิกและร่วมสมัยกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง

บนเวทีเหล่านี้ เช่นเดียวกับในโรงละครเล็กๆ ที่น่าสงสารในกรีนิชวิลเลจ ที่เรียกว่ามงต์มาตร์ในนิวยอร์ก จึงมีศิลปะการแสดงละครแบบใหม่เกิดขึ้น มีการแสดงที่จริงจังซึ่งแทบไม่ได้กำไร แต่บังคับให้ผู้ชมคิดถึงประเด็นชีวิตที่สำคัญและปัญหาทางศีลธรรมและจริยธรรม

ไม่เพียงแต่ละครบรอดเวย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโรงละครนอกบรอดเวย์ด้วย ไม่เหมาะกับเยาวชนหัวรุนแรง “ฝ่ายซ้ายใหม่” ซึ่งกลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงละครแห่งที่สามซึ่งมีแนวทางการเมืองและถูกเรียกว่า “นอกบรอดเวย์” (“ปิด” -นอกบรอดเวย์”) เวทีของโรงละครเหล่านี้ได้แก่จัตุรัสและถนนในเมือง หอประชุมนักศึกษา และสโมสรคนงาน นักแสดงรุ่นเยาว์แสดงในทุ่งนาต่อหน้าคนงานเกษตรและมีส่วนร่วมในการรณรงค์การเลือกตั้ง พวกเขาหันไปหาประเพณีการแสดงละครที่หลากหลาย โดยใช้เทคนิคของโรงละคร dell'arte บูธจัดงานแสดงสินค้า วิธีการของ Bertolt Brecht เป็นต้น

โรงละครนอกบรอดเวย์ชั้นนำคือ Living Theatre ก่อตั้งขึ้นในปี 1951 โดยผู้กำกับ Judith Malaina และศิลปิน Julian Beck รวมถึงผู้ติดตามและลูกศิษย์ของ E. Piscator การแสดง “In the Jungle of Cities” ของ Brecht, “Today We Improvise” ของ Pirandello และเรื่องอื่นๆ ได้ถูกจัดแสดงบนเวทีละคร

ตัวอย่างที่โดดเด่นของงานศิลปะนอกบรอดเวย์คือละครเรื่อง “The Messenger” ซึ่งสร้างจากบทละครของนักเขียนบทละครชาวอเมริกันร่วมสมัย เจ. เกลเบอร์ ซึ่งจัดแสดงที่ Living Theatre ในปี 1957 การดำรงอยู่อันน่าสยดสยองของกลุ่มผู้ติดยานั้นแสดงให้เห็นในลักษณะที่เป็นธรรมชาติและเป็นการแสดงละครตามอัตภาพ G. N. Boyadzhiev นักประวัติศาสตร์ศิลปะและนักวิจารณ์ละครชื่อดังของโซเวียตซึ่งให้คำจำกัดความการผลิตนี้ว่า "เป็นชีวิตที่แท้จริงและเป็นการแสดงที่เปลือยเปล่า" เขียนว่า: "การแสดงนี้เป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันเพราะไม่มีอากาศเพียงพอ หรือทำให้คุณหายใจไม่ออก ความแท้จริงของการแสดงนี้ทำให้ฉันโกรธเคืองด้วยกลิ่นควัน ความเหม็นอับ และความเป็นธรรมชาติที่น่ารังเกียจ หรือทำให้ฉันหลงใหลกับธรรมชาติของสารคดีเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น ความจริงที่น่าขนลุกและเจ็บปวดจากประสบการณ์ของฉัน แม้จะดูไม่สวยงาม แต่ก็สามารถได้ยินเสียงอันน่าเศร้าผ่านรูปแบบที่น่าเกลียดเหล่านี้ได้ จากนั้นฉันอยากเห็นคนเหล่านี้ไม่เพียงแต่ทรมานจากยาเสพติด แต่ในความทุกข์ทรมานของมนุษย์ ซึ่งกว้างกว่าความทุกข์ทรมานเหล่านี้อย่างล้นหลาม และอุ้มทั้งบุคคลและเหตุผลที่ทำให้เขาเป็นเช่นนั้นไว้ในตัวพวกเขา เหตุผล - วิถีชีวิตที่ไร้มนุษยธรรม - คือสิ่งที่สร้างรอยประทับอันน่าสยดสยองบนใบหน้าและจิตวิญญาณ”

ในรูปแบบเดียวกัน ละครของเค. บราวน์เรื่อง “Brig” (1963) ผสมผสานสารคดี ความสมจริงตามธรรมชาติเข้ากับรูปแบบการแสดงละคร ซึ่งบอกเล่าเรื่องราวของเรือนจำกองทัพเรืออเมริกันในญี่ปุ่น

ในปี พ.ศ. 2507-2511 Living Theatre ทำงานในยุโรป (ถูกไล่ออกจากสหรัฐอเมริกาเนื่องจากไม่ชำระภาษี) ในช่วงเวลานี้ ในจิตวิญญาณของ "โรงละครแห่งความโหดร้าย" มีการจัด "Mysteries" (1964) "Frankenstein" ที่สร้างจากบทละครของ Mary Shelley และ "Paradise Today" (1967) ซึ่งผู้ชมมีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน การกระทำ

ในปี 1968 Living Theatre กลับสู่สหรัฐอเมริกา แต่ก็ไม่สามารถบรรลุความสนใจในตัวมันเองได้อีกต่อไปและยุบวงในปี 1970

โรงละครหัวรุนแรงเช่น El Teatro Campesino (The Farm Workers 'Theatre) ก่อตั้งในปี 1965 โดย Luis Valdez ก็ได้รับความนิยมในทศวรรษ 1960 เช่นกัน เทศกาลเช็คสเปียร์ที่กล่าวถึงแล้วในเซ็นทรัลพาร์คในนิวยอร์กและโรงละครมือถือ นำโดยโจเซฟ แพพพ์; “Brad and Puppet” (“Bread and Doll”) โดยปีเตอร์ ชูมันน์; The Mime Troupe เปิดในปี 1959 ในซานฟรานซิสโกโดย Robert Davis; "Open Teatr" ("Open Theatre") โดย Joseph Chaykin

เป็นเวลาเกือบ 16 ปีที่ Brad and Puppet Theatre สร้างขึ้นในปี 1961 โดยนักออกแบบท่าเต้นและประติมากร Peter Schumann ไม่ได้เปลี่ยนหลักการทางศิลปะและอุดมการณ์ ชูมันน์อธิบายชื่อที่ผิดปกติดังนี้: “ โรงละครมีความสำคัญพอ ๆ กับขนมปัง... ขนมปังให้ความแข็งแกร่งแก่ร่างกาย ส่วนนิทานและเทพนิยายให้ความแข็งแกร่งแก่จิตวิญญาณของทุกคนที่ขุ่นเคืองและละเลยต่อโชคชะตา... เราต้องการ พูดคุยกับผู้ชมเกี่ยวกับปัญหาที่เกี่ยวข้องกับทุกคนในวันนี้”

ตอนแรกมันเป็นโรงละครท่องเที่ยว แต่ในปี 1963 ได้ตั้งรกรากในนิวยอร์ก ในปี 1968 แบรดและ Pappet เข้าร่วมในเทศกาลละครเยาวชนที่จัดขึ้นที่เมือง Nancy จากนั้นจึงออกทัวร์ในยุโรป ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา เขามีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงในประเทศอื่นๆ ของโลกด้วย ตั้งแต่ปี 1970 โรงละครแห่งนี้ตั้งอยู่ในรัฐเวอร์มอนต์ ที่วิทยาลัยก็อดดาร์ด ซึ่งคณะละครได้สอนชั้นเรียนให้กับนักเรียน จากนั้นแบรดและหุ่นกระบอกก็เดินทางกลับนิวยอร์ก ศิลปินจัดการแสดงฟรีในสวนสาธารณะ จัตุรัส และตามท้องถนน

ในละครของแบรดและหุ่นกระบอก สถานที่หลักถูกครอบครองโดยเรื่องราว เทพนิยาย ตำนาน และนิทานเกี่ยวกับชีวิต การต่อสู้ และสงครามที่คนธรรมดาทั่วไปเข้าใจได้ ผู้ชมละครได้ชมการแสดงต่อต้านสงครามหลายชุด โดยที่ความสนใจมากที่สุดคือ “A Man Says Goodbye to His Mother” “Cantata of a Grey Lady” และ “Flame” โรงละครได้จัดการเดินขบวนต่อต้านสงครามและการประท้วงในวันที่ 1 พฤษภาคม ซึ่งเป็นวันฮิโรชิม่า

เพื่อให้การแสดงเป็นที่เข้าใจสำหรับทุกคน แบรดและหุ่นเชิดใช้รูปภาพสัญลักษณ์และหน้ากาก คำจารึกทุกชนิด ป้ายบอกคะแนน และคำอธิบายด้วยวาจา เมื่อสร้างการแสดงของเขา ชูมันน์หันไปหาประเพณีของโรงละครตะวันออก ละครลึกลับ การแสดงที่ยุติธรรมของอังกฤษด้วยตุ๊กตา Punch และ Judy รวมถึงหลักการของ Bertolt Brecht

ตัวอย่างทั่วไปของผลงานในยุคแรกๆ ของชูมันน์คือละครเรื่อง "Flame" ฉากละครใบ้ที่จัดฉากอย่างมีพรสวรรค์แสดงถึงชีวิตของชาวนาเวียดนาม ซึ่งชีวิตอันสงบสุขของเขาต้องหยุดชะงักลงทันทีเนื่องจากสงคราม การถวายพระเกียรติในการแสดงคือการเผาตัวเองของหญิงชราชาวเวียดนามซึ่งด้วยวิธีนี้ได้แสดงความประท้วงต่อต้านสงคราม ริบบิ้นสีแดงและผ้าห่มเหมือนเปลวไฟเพลิงซ่อนทุกสิ่งบนเวทีซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของไฟที่หมู่บ้านเวียดนามหลายแห่งเผา เช่นเดียวกับความรู้สึกโกรธต่อความโหดร้ายและไร้มนุษยธรรมของสงคราม

สัญลักษณ์ยังเติมเต็ม "Cantata of the Grey Lady" ซึ่งเล่าถึงโศกนาฏกรรมของแม่ที่ลูกชายไปทำสงครามและกลายเป็นฆาตกรพลเรือน แม่เห็นความตายของชาวนา ผู้หญิง เด็ก และตอนทั้งหมดนี้มาพร้อมกับการเคลื่อนไหวของทิวทัศน์ที่วาดบนเทปกรอ และเสียงเพลงที่ได้ยินโน้ตแห่งความสุข ความเศร้า หรือความตาย การแสดงสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับผู้ชมนักวิจารณ์เปรียบเทียบกับ "Guernica" อันโด่งดังของ Pablo Picasso

โรงละครหัวรุนแรงที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้นคือ Open Theatre ซึ่งปรากฏในปี 2506 ผู้กำกับคือโจเซฟ ไชคิน ซึ่งเคยเล่นบทละครของ Brechtian ที่ Living Theatre มาก่อน สมาชิก Open Theatre ทำงานฟรี ผลงานที่ดีที่สุดของโรงละครคือการแสดงเสียดสี หลายๆ รายการถูกสร้างขึ้นระหว่างการแสดงด้นสดทั่วไปของนักแสดง ผู้กำกับ และนักเขียนบทละคร นี่คือละครเพลง "Viet Rock" ของ Meagen Terry ซึ่งบอกเล่าเรื่องราวชีวิตของเยาวชนอเมริกัน 7 คนที่กลายเป็นทหารและเสียชีวิตในเวียดนาม

ละครเสียดสี “America, Hurray!” โดย J.C. van Italie จัดแสดงบนเวที Open Theatre (1966) เขียนในรูปแบบของจุลสารเกี่ยวกับวิถีชีวิตแบบอเมริกัน ประกอบด้วยสามส่วน ("บทสัมภาษณ์", "โทรทัศน์", "โมเทล") ซึ่งแต่ละส่วนแสดงถึงมุมมองพิเศษของอเมริกาสมัยใหม่ ประเทศที่ไร้วิญญาณอันกว้างใหญ่แห่งนี้อาศัยอยู่โดยกลไกต่างๆ ออโตมาตะ และผู้คนที่ดูเหมือนหุ่นเชิดและหุ่นยนต์ การผลิตซึ่งเป็นตัวอย่างหนึ่งของการเล่นทางการเมืองใช้สิ่งแปลกประหลาด หน้ากาก และภาพล้อเลียนเป็นช่องทางหลักในการเปิดเผย แรงจูงใจทางจิตวิทยาขาดหายไปโดยสิ้นเชิง

ในปี 1973 ละครเรื่อง "ชิลีชิลี" ที่กำกับต่อต้านรัฐบาลเผด็จการฟาสซิสต์ถูกจัดแสดงบนเวทีของ Open Theatre ซึ่งมีคณะละครละตินอเมริกาเข้าร่วม และอีกสองปีต่อมา Open Theatre ก็หยุดอยู่

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 และ 1970 โรงละครระดับภูมิภาคได้ถูกสร้างขึ้นอย่างแข็งขันในสหรัฐอเมริกา พวกเขาไม่เพียงแสดงละครเท่านั้น แต่ยังสอนเด็กและเยาวชน จัดวันหยุดนักเรียนและโรงเรียนอีกด้วย

โรงละครท้องถิ่นมีอยู่แล้วในอเมริกา แม้ว่าจะมีน้อยมากก็ตาม หนึ่งในโรงละครที่มีชื่อเสียงที่สุดคือโรงละครคลีฟแลนด์ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2458 ในรูปแบบโรงละครศิลปะมอสโก ซึ่งสามารถรักษาตำแหน่งไว้ได้แม้จะมีสงครามโลก วิกฤตเศรษฐกิจในช่วงทศวรรษที่ 1930 และการพัฒนาอย่างรวดเร็วของภาพยนตร์และโทรทัศน์ ในช่วงทศวรรษที่ 1950 โรงละคร Alley Theatre ของเมืองฮุสตันเปิดขึ้น นำโดย Nina Vance และ Arena Stage ของ Washington ซึ่งนำโดย Zelda Fitchendler ในซานฟรานซิสโก เฮอร์เบิร์ต เบลาและจูเลียส เออร์วิ่งได้สร้างโรงละคร Ector's Workshop

ในทศวรรษที่ 1960 การปรากฏตัวของโรงละครระดับภูมิภาคเริ่มแพร่หลาย โรงละคร Tyrone Guthrie ก่อตั้งขึ้นในมินนิแอโพลิส, Mark Tapper Forum นำโดย Gordon Davidson ในลอสแอนเจลิส และ American Canservatory Theatre นำโดย William Ball ในซานฟรานซิสโก โรงละครบางแห่งได้รับอาคารที่มีอุปกรณ์ครบครันทันที ขณะที่บางแห่งต้องเอาชนะอุปสรรคมากมายเพื่อสร้างตัวเอง เป็นเวลาหลายปีที่โรงละคร Detroit Repertory ไม่มีอาคารเป็นของตัวเอง

โรงละครประจำภูมิภาคมีบทบาทสำคัญในชีวิตการแสดงละครของสหรัฐอเมริกา ละครใหม่ๆ ที่น่าสนใจจะถูกจัดแสดงบนเวที ซึ่งหลายๆ ละครจะย้ายไปแสดงที่โรงละครบรอดเวย์และนอกบรอดเวย์ ผู้กำกับชื่อดังเช่น Mike Nichols, Alan Schneider, Alice Rabb และคนอื่น ๆ เริ่มอาชีพสร้างสรรค์ในโรงละครท้องถิ่น

| |

ยูจีน โอนีล

เล่นในองก์เดียว

ฮิวกี้ โดย ยูจีน โอนีล

แปลโดย I. Bershtein

ตัวละคร

อารี สมิธ, ต้นแบบของนิทาน

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน

ล็อบบี้ของโรงแรมเล็กๆ บนถนนสายหนึ่งของฝั่งตะวันตกของนิวยอร์ก เวลาดำเนินการ - ระหว่างสามถึงสี่โมงเช้าในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2471

นี่เป็นหนึ่งในโรงแรมที่เปิดในปี 1900–1910 ใกล้กับ "Great White Way" และในตอนแรกมีสถานประกอบการราคาไม่แพง แต่ค่อนข้างดี แต่แล้วเพื่อความอยู่รอดพวกเขาจึงถูกบังคับให้สละตำแหน่ง สงครามโลกครั้งที่หนึ่งและการห้ามบังคับให้เจ้าของละทิ้งการเสแสร้งเพื่อความน่าเชื่อถือ และตอนนี้มันเป็น "ฮาซา" ระดับต่ำธรรมดาที่ซึ่งเงินยอมให้ทุกสิ่งและที่ซึ่งใครก็ตามที่สามารถล่อลวงได้จะถูกเสิร์ฟ แต่ถึงกระนั้นก็ยังห่างไกลจากความเจริญรุ่งเรือง “ความเฟื่องฟูอันจอมปลอม” ของยุค 20 ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อมัน “ความอุดมสมบูรณ์ชั่วนิรันดร์” ของกฎหมายเศรษฐกิจใหม่ถูกข้ามไป และทุกวันนี้ โรงแรมมีอยู่เพียงเพราะต้นทุนค่าใช้จ่ายในการบำรุงรักษา ซ่อมแซม และทำความสะอาดสถานที่ทั้งหมดลดลงจนแทบไม่เหลือเลย

เคาน์เตอร์ตั้งอยู่ด้านซ้าย ด้านหน้าเป็นส่วนหนึ่งของล็อบบี้โทรมๆ มีเก้าอี้เท้าแขนโทรมๆ หลายตัว ทางเข้าจากถนนจะอยู่ทางซ้ายหลังเวที ด้านหลังเคาน์เตอร์เป็นแผงสวิตช์โทรศัพท์ ด้านหน้าเป็นเก้าอี้หมุน ทางด้านขวามือคือช่องโพสต์ที่มีหมายเลขตามปกติ โดยมีนาฬิกาอยู่ด้านบน พนักงานยกกระเป๋าตอนกลางคืนนั่งบนเก้าอี้โดยหันหลังให้กับแผงสวิตช์โทรศัพท์ หันหน้าไปทางด้านหน้าเวที เขาไม่มีอะไรจะทำอย่างแน่นอน เขาไม่คิดอะไรเลย ไม่อยากนอน เขาแค่นั่งก้มหน้าและมองดูความว่างเปล่าอย่างใจจดใจจ่อ การดูนาฬิกามีแต่จะทำให้ตัวเองหงุดหงิด เขารู้อยู่แล้วว่าจุดจบของกะยังอีกไกล เขาไม่จำเป็นต้องมีนาฬิกาด้วยซ้ำ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขาทำงานเป็นพนักงานยกกระเป๋ากลางคืนในโรงแรมต่างๆ ในนิวยอร์ก เขาเรียนรู้ที่จะบอกเวลาด้วยเสียงของถนน

เขาเป็นวัยกลางคน - อายุมากกว่า 40 เล็กน้อย - มีรูปร่างผอมเพรียว ผอม มีคอที่ผอมและมีลูกแอปเปิ้ลที่ยื่นออกมาของอดัม ใบหน้าซีดเรียวเรียวยาวเป็นประกายด้วยเหงื่อ จมูกมีขนาดใหญ่ แต่ไม่มีลักษณะใด ๆ เหมือนปากเลย และหู และแม้แต่ผมสีน้ำตาลบาง ๆ ก็เต็มไปด้วยรังแค ดวงตาสีน้ำตาลเยือกแข็งด้านหลังแว่นตาไร้สีหน้าโดยสิ้นเชิง ดูเหมือนพวกเขาจะจำไม่ได้ด้วยซ้ำว่าการรู้สึกเบื่อนั้นเป็นอย่างไร เขาสวมชุดสูทสีน้ำเงิน เสื้อเชิ้ตติดกระดุมสีขาว และเนคไทสีน้ำเงิน สูทมันเก่า แจ็กเก็ตตรงข้อศอกก็แวววาวเหมือนแว็กซ์

เสียงฝีเท้าดังก้องในล็อบบี้ร้าง - มีคนเข้ามาจากถนน NIGHT PORTER ลุกขึ้นยืนอย่างเหนื่อยล้า ดวงตาของเขายังคงว่างเปล่า แต่ริมฝีปากของเขายืดออกอย่างเป็นธรรมชาติจนกลายเป็นรอยยิ้มที่เป็นมิตรตามกฎหมายที่รู้จักกันดี: “ลูกค้าถูกเสมอ” ในเวลาเดียวกันก็มองเห็นฟันผุขนาดใหญ่และไม่สม่ำเสมอของเขา ARIE SMITH ปรากฏตัวและเข้าใกล้เคาน์เตอร์ เขามีอายุพอๆ กับ NIGHT PORTER และมีใบหน้าซีด เปียกชื้น และมีเหงื่อออกเหมือนนกฮูกกลางคืน อย่างไรก็ตาม นี่คือจุดสิ้นสุดของความคล้ายคลึงกัน ERI มีความสูงโดยเฉลี่ย แต่ดูสั้นกว่าเนื่องจากมีลำตัวใหญ่และขาหนาซึ่งสั้นเกินไปเมื่อเทียบกับร่างกาย และมือด้วย หัวรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสฝังลึกอยู่ที่คอ ซึ่งผสานเข้ากับไหล่อันใหญ่โต ใบหน้ากลม จมูกเชิดและกว้างมาก ตาสีฟ้า เปลือกตาบนบวม มีถุงใต้ตาคล้ำ ผมมีสีขาว ผอมลงอย่างเห็นได้ชัด และมีจุดหัวล้านบนศีรษะ เขาเดินไปที่เคาน์เตอร์ด้วยท่าเดินสบายๆ และเซื่องซึม โดยมีอาการโยกเยกเล็กน้อยเนื่องจากขาสั้น ในมือข้างหนึ่ง ERI ถือหมวกปานามา เขาเช็ดหน้าด้วยผ้าเช็ดหน้าผ้าไหมสีแดงและสีน้ำเงิน สวมชุดสูทสีเทาอ่อน แจ็คเก็ตที่มีปกกว้างและเสื้อรัดรูปในแฟชั่นบรอดเวย์ เสื้อเชิ้ตผ้าไหมเก่าที่ซักล้าง แต่มีราคาแพงซึ่งมีสีฟ้าอันไม่พึงประสงค์และน่าขยะแขยง และผ้าพันคอสีแดงน้ำเงินผสมลาย มองเห็นปมมันเยิ้มที่คอเสื้อลึก กางเกงพร้อมเข็มขัดหนังถักและหัวเข็มขัดทองแดง รองเท้าสีเบจและสีขาว ถุงเท้าผ้าไหมสีขาว

เขาประพฤติตนเหมือนคนไปซ่องโสเภณีบ่อยๆ เป็นผู้เชี่ยวชาญที่ไม่สามารถหลอกได้โดยแกลบ และจริงๆ แล้ว เขาเล่นเล็กๆ น้อยๆ เดิมพันบนม้า และโดยทั่วไปจะกินบริเวณขอบของไม้เทนนิสบรอดเวย์ เขาและคนอื่นๆ เหมือนเขาอาศัยอยู่ทุกหนทุกแห่งในมุมมืด ในโถงทางเดิน ในร้านอาหารและบาร์ราคาถูก พวกเขาดูเหมือนเป็นคนพูดจาเหยียดหยามในสนามแข่ง เป็นองคมนตรีในความลับอันเร่าร้อนของบรอดเวย์ ERI มักจะพูดด้วยเสียงต่ำ มองไปรอบๆ อย่างสงสัยจากใต้เปลือกตาที่ปิดลงครึ่งหนึ่งเพื่อดูว่ามีใครอยู่ใกล้ๆ ที่สงสัยหรือไม่ การแสดงออกบนใบหน้าของเขานั้นไม่อาจเข้าใจได้ เหมาะสมกับนักพนันตัวยง ปากเล็กที่ห่อหุ้มขดด้วยรอยยิ้มอันเย่อหยิ่งของนักเลงที่รู้ทุกอย่างและยิ่งกว่านั้นเชื่อถือได้โดยตรงโดยตรงและการมองอย่างรวดเร็วและหวงแหนมองเห็นป้ายราคาในทุกสิ่งอย่างไม่ผิดเพี้ยน แต่มีบางอย่างที่แสร้งทำเป็นในเรื่องนี้ภายใต้หน้ากากของนักธุรกิจที่มีประสบการณ์มีความอ่อนแอทางอารมณ์ที่ไม่สอดคล้องกับภาพลักษณ์ที่ซ่อนอยู่

เอริไม่มองไนท์พอร์ทเตอร์ ราวกับว่าเขามีเรื่องต่อต้านเขา

อีรี่ (จำเป็น). สำคัญ. (แต่เมื่อเห็นว่า NIGHT PORTER พยายามจำเขาอย่างไม่เต็มใจแต่ก็ไม่สำเร็จ)ใช่แล้ว คุณไม่รู้จักฉัน อารี สมิธ ไอ. ผู้อยู่อาศัยเก่าของการระบาดของแมลงนี้ หมายเลขสี่ร้อยเก้าสิบสอง.

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน (ด้วยความโล่งใจเพราะไม่ต้องจำอะไรตอนถอดกุญแจ). ครับท่าน. นี่คือสี่ร้อยเก้าสิบสอง

อีรี่ (หยิบกุญแจและวัด NIGHT PORTER ด้วยสายตาประเมินตามปกติ ท่าทางของเขาค่อนข้างดี แต่เขาก็ยังพูดจาไม่ดี). คุณทำงานนี้มานานแค่ไหนแล้ว? ห้าวัน? แต่ฉันไม่ได้อยู่ที่นั่น เขากำลังดื่มสุราอยู่ ฉันเพิ่งได้สติ ฉันมาถึงความรู้สึกของฉัน เป็นเรื่องดีที่พวกเขาไล่เด็กเหลือขอที่ถูกจ้างมาแทนที่ฮิวอี้ตอนที่เขาป่วย ก็สร้างมันขึ้นมาจากตัวเขาเอง คุณไม่สามารถบอกคนแบบนั้นได้ ยินดีมากที่ได้พบคุณเพื่อน ฉันหวังว่าคุณจะไม่ตกงาน

เอริยื่นมือออกไป THE NIGHT PORTER บีบมันอย่างเชื่อฟัง

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน (ด้วยรอยยิ้มที่เป็นประโยชน์และไม่แยแส). ยินดีที่ได้รู้จัก คุณสมิธ

อีรี่. คุณชื่ออะไร?

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน (ราวกับว่าตัวเขาเองเกือบจะลืมไปแล้ว เพราะพูดโดยทั่วไป ใครสนใจ?). ฮิวจ์. ชาร์ลี ฮิวจ์ส.

อีรี่ (ตัวสั่น). อะไร ฮิวจ์ส? แล้วคุณไม่ล้อเล่นเหรอ?

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน. ชาร์ลี ฮิวจ์ส.

อีรี่. คุณต้อง! แค่คิดเกี่ยวกับมัน (ด้วยความเสน่หา NIGHT PORTER เพิ่มขึ้น)แต่มันเป็นเรื่องจริงถ้าคุณมองใกล้ ๆ แน่นอนว่าคุณดูไม่เหมือนฮิวอี้ แต่คุณยังคงทำให้ฉันนึกถึงเขาในทางใดทางหนึ่ง คุณไม่เกี่ยวข้องกับเขาเหรอ?

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน. ทอม ฮิวจ์ส ซึ่งทำงานที่นี่มาหลายปีและเพิ่งเสียชีวิตไป? ไม่ครับท่าน. ไม่ใช่ญาติ.

อีรี่ (มืดมน). แน่นอน. ฮิวอี้บอกว่าเขาไม่เหลือญาติแล้ว ยกเว้นภรรยาและลูกๆ ของเขาแน่นอน (เขาหยุดชั่วคราวและยิ่งมืดมนมากขึ้น)ใช่แล้ว ชายผู้น่าสงสารเสียชีวิตเมื่อสัปดาห์ที่แล้ว ฉันเริ่มดื่มหลังจากงานศพของเขา (ดิ้นรนราวกับปกป้องตัวเองจากความมืดมิด)ทำให้ท้องฟ้าลุกเป็นไฟ! สิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นกับฉันบ่อยนัก ในธุรกิจของฉัน ความเมาคือความตาย คุณสูญเสียความระมัดระวังและทันใดนั้นคุณก็โพล่งอะไรบางอย่างออกมา แต่คุณรู้สึกตัวและมีคนที่จะสงบลงถ้าคุณไม่อยู่ที่นั่น นี่คือความหมายของการรู้มาก ทำตามคำแนะนำของฉันเพื่อน: ไม่เคยรู้อะไรเลย อยู่กับปากตบและดูแลสุขภาพกันด้วยนะครับ

คำพูดของเขากลายเป็นเรื่องลึกลับและได้ยินเสียงหวือหวาที่เป็นลางร้ายอยู่ในนั้น แต่ NIGHT PORTER ไม่ได้สังเกตเห็นสิ่งนี้ ด้วยประสบการณ์มากมายในการจัดการกับแขกที่แวะที่เคาน์เตอร์กลางดึกเพื่อพูดคุยเกี่ยวกับตัวเอง เขาจึงได้พัฒนาเทคนิคการป้องกันตัวเองเมื่อเกิดเหตุขัดข้อง เขาแสร้งทำเป็นฟังอย่างเชื่อฟัง มีน้ำใจ แม้กระทั่งเห็นอกเห็นใจ แต่ตัวเขาเองกลับปิดเสียงและยังคงหูหนวกต่อทุกสิ่ง ยกเว้นคำถามที่ส่งถึงเขาโดยตรง และบังเอิญเขาไม่ได้ยินคำถามเหล่านั้นเช่นกัน เอริคิดว่าเขาทำให้เขาประทับใจ

ให้ตายเถอะ ลูกบอลของฉันหมุนอยู่เสมอ ไม่ว่าจะเมาหรือเมาก็ไม่สำคัญ ฉันไม่ใช่คนโง่สำหรับพวกเขา แล้วฉันพูดอะไร? ใช่แล้ว เกี่ยวกับการดื่มสุรา ฉันห่อตัวจนท้องฟ้าร้อน คุณควรจะดูสาวผมบลอนด์ที่ฉันคว้ามาเมื่อคืนก่อน เธอเปลื้องผ้าฉันให้แห้ง ผมบลอนด์คือจุดอ่อนของฉัน (เขาเงียบและมอง NIGHT PORTER ด้วยการเยาะเย้ยดูถูก)คุณคงแต่งงานแล้วใช่ไหม?

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน (ซึ่งไม่สนใจมานานแล้วว่าจะถูกถามด้วยกาลกิณีหรือไร้ไหวพริบ). ครับท่าน.

อีรี่. ฉันรู้แล้ว! ฉันพร้อมที่จะเดิมพันสิบต่อหนึ่ง คุณมีลักษณะเช่นนั้นคุณสามารถบอกได้ทันที และฮิวอี้ก็มีอันหนึ่ง บางทีนั่นอาจเป็นความคล้ายคลึงกันทั้งหมดระหว่างคุณ (พูดจาเหยียดหยาม)และเด็ก ๆ ฉันคิดว่า?

พนักงานยกกระเป๋ากลางคืน. ครับท่าน. สาม.

อีรี่. พี่ชาย คุณแย่กว่าฮิวอี้เสียอีก เขามีเพียงสองคนเท่านั้น สามแน่นอน! นั่นคือสิ่งที่ความประมาทนำไปสู่ (หัวเราะ.)

ตามที่คาดไว้ NIGHT PORTER ยิ้มให้กับแขก ตอนแรกเขารู้สึกขุ่นเคืองเล็กน้อยเมื่อได้ยินเรื่องตลกอันน่าเบื่อหน่ายจากแขก ครั้งแรกน่าจะเป็นเมื่อสิบปีที่แล้ว - ใช่แล้ว Eddie คนโตตอนนี้อายุสิบเอ็ด - หรืออาจจะสิบสองปี?

5.2. มรดกแห่งความโรแมนติก

ยวนใจอย่างที่เราทราบมีบทบาทพิเศษในการพัฒนาวัฒนธรรมอเมริกัน อันที่จริงแล้ว โรแมนติกของชาวอเมริกันคือผู้สร้างวรรณกรรมระดับชาติ ในขณะที่ลัทธิโรแมนติกของยุโรปเป็นผลที่ชัดเจนของการพัฒนาวรรณกรรมระดับชาติก่อนหน้านี้ นักโรแมนติกชาวอเมริกันได้วางรากฐานสำหรับนิยายรัสเซียและก่อตั้งประเพณีประจำชาติ แนวโรแมนติกในสหรัฐอเมริกาเริ่มเร็วกว่าในยุโรปอย่างน้อยหนึ่งทศวรรษยังคงมีบทบาทสำคัญมากในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

เช่นเดียวกับในยุโรป ดินแดนที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการเกิดขึ้นของสัจนิยมเชิงวิพากษ์ ลัทธิโรแมนติกในอเมริกาไม่เพียงแต่เตรียมการพัฒนาของขบวนการวรรณกรรมใหม่เท่านั้น แต่จนถึงทุกวันนี้ยังคงเป็นประเพณีของชาติที่ทรงพลัง ซึ่งศิลปินร่วมสมัยหันกลับมาครั้งแล้วครั้งเล่า ดังที่ M. N. Bobrova ตั้งข้อสังเกตไว้อย่างถูกต้องในเรื่องนี้ "ไม่มีนักเขียนแนวสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่ (อเมริกัน - วี.ช.) สักคนเดียวที่จะไม่ยกย่องสุนทรียศาสตร์โรแมนติก"

เราพบการต่อต้านอย่างโรแมนติกของอารยธรรมกระฎุมพีต่อความเรียบง่ายแบบปิตาธิปไตยและชีวิตธรรมชาติในผลงานของเฮมิงเวย์ ฟอล์กเนอร์ และสไตน์เบ็ค แรงจูงใจของการหลบหนีแบบโรแมนติกอยู่ในผลงานของนักสัจนิยมชาวอเมริกันรุ่นใหม่ - Kerouac, Capote, Salinger, Rhodes ในหนังสือของนักเขียนเหล่านี้ ความแตกต่างเกิดขึ้นระหว่างสังคมที่บิดเบือนโดยอารยธรรมกับโลกที่บริสุทธิ์และไร้ศิลปะของเด็กที่ยังคงรักษา "ความเป็นมนุษย์ธรรมดา" ไว้ในตัวเขาเอง

อย่างไรก็ตามทั้งหมดนี้ไม่ได้หมายความว่าเราสามารถพูดถึงการที่นักเขียนชาวอเมริกันยุคใหม่ยึดมั่นในแนวโรแมนติกอย่างไร้เหตุผล เมื่อนึกถึงความต่อเนื่องทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรม เราควรคำนึงถึงปฏิสัมพันธ์ที่ซับซ้อนและแปลกประหลาดซึ่งประเพณีโรแมนติกเข้ามาด้วยแนวคิดทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ใหม่ วิธีการทางศิลปะของนักเขียน ซึ่งหักเหในเงื่อนไขทางสังคมและประวัติศาสตร์ใหม่ ในเรื่องนี้ผลงานของ A. N. Nikolyukin, M. Mendelson, A. Elistratova, M. N. Bobrova ได้รับการพิจารณาถึงแนวโน้มโรแมนติกในวรรณกรรมสหรัฐฯ สมัยใหม่

การพัฒนาละครอเมริกันยังช้ากว่าวรรณกรรมอีกด้วย หากต้นศตวรรษที่ 20 วรรณกรรมในประเทศมีอยู่แล้วในสหรัฐอเมริกา ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นของชาติเท่านั้น แต่ยังเป็นมรดกโลกด้วย ก็ยังไม่มีการสร้างวรรณกรรมที่มีนัยสำคัญเท่าเทียมกันในสาขาการละคร ไม่ต้องพูดถึงการมีอยู่ของ ประเพณีการแสดงละครประจำชาติใดโดยเฉพาะ การก่อตัวและพัฒนาการของละครระดับชาติของอเมริกา ดังที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของยูจีน โอ'นีล

5.2.1. ประเพณียวนใจในละครของยูจีน โอนีล หยู

O'Neill ได้สร้างโรงละครแห่งชาติแห่งใหม่โดยมีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งและนำมรดกทางวรรณกรรมในอดีตกลับมาใช้ใหม่โดยเฉพาะอย่างยิ่งประสบการณ์ของความโรแมนติค A. Anikst พูดถูกซึ่งในเรื่องนี้ตั้งข้อสังเกตว่า: "โลกแห่งจิตวิญญาณและแรงบันดาลใจทางศิลปะของ O' นีลไม่สามารถเข้าใจได้หากใครส่วนลด Edgar Allan Poe ด้วยจินตนาการอันมืดมนของเขาซึ่งพรรณนาถึงสถานที่ซ่อนแห่งความชั่วร้ายในจิตวิญญาณของมนุษย์ Nathaniel Hawthorne ผู้ซึ่งวางปัญหาทางศีลธรรมอย่างรุนแรงให้กับเพื่อนร่วมชาติของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งหัวข้อของความรู้สึกผิดและการไถ่บาป Herman Melville ซึ่งมีภาพลักษณ์ ของชายผู้อุทิศทั้งชีวิตเพื่อค้นหาภูตผีไม่สามารถใกล้ชิดกับนักเขียนบทละครชาวอเมริกันผู้ยิ่งใหญ่ได้"

ทั้งหมดนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าประเพณีโรแมนติกนั้นมองเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ "บิดาแห่งละครอเมริกันที่สมจริง" สถานการณ์ส่วนตัวบางอย่างก็มีส่วนทำให้เกิดสิ่งนี้ในระดับหนึ่ง ดังที่คุณทราบ O'Neill เป็นลูกชายของนักแสดงชื่อดังที่โด่งดังในสหรัฐอเมริกาจากการเล่นบทบาทของ Count of Monte Cristo ในละครโรแมนติกที่สร้างจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย A. Dumas บุคลิกภาพและชะตากรรมของพ่อของเขา ดังที่นักวิจัยส่วนใหญ่ตั้งข้อสังเกตเกี่ยวกับงานของโอนีล มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักเขียนบทละคร ในด้านหนึ่งสิ่งนี้แสดงให้เห็นในความปรารถนาของนักเขียนบทละครผู้ทะเยอทะยานที่จะหลุดพ้นจากโลกแห่งภาพลวงตาที่โรแมนติก และในทางกลับกันเป็นการยกย่องที่ O'Neill จ่ายให้กับแนวโรแมนติกในงานของเขา

Y. O'Neill เป็นหนึ่งในศิลปินที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงมากที่สุดไม่เพียงแต่ในอเมริกาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครโลกด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักวิจัยแทบไม่คนใดให้คำจำกัดความขั้นสุดท้ายเกี่ยวกับวิธีการทางศิลปะของนักเขียนบทละคร ดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้น O' นีลล์เองก็เปรียบเทียบความคิดสร้างสรรค์ของเขาในห้องปฏิบัติการกับหม้อต้มซึ่งเขาผสมและ "ต้ม" วิธีการทางศิลปะที่เป็นที่รู้จักทั้งหมดเพื่อสร้างการผสมผสานของเขาเองซึ่งทำให้โรงละครของโอนีลมีความแปลกใหม่และแตกต่างจากทุกสิ่งที่ถูกสร้างขึ้นโดยคนรุ่นเดียวกันของเขา “ ฉันทำ ไม่ละลายอย่างสมบูรณ์ในวิธีใดวิธีหนึ่งเหล่านี้” เขาเขียนในเรื่องนี้ “ ในแต่ละข้อฉันค้นพบข้อดีที่ฉันสามารถใช้เพื่อจุดประสงค์ของตัวเองโดยละลายมันด้วยวิธีของฉันเอง” องค์ประกอบที่สำคัญของการสังเคราะห์เชิงสร้างสรรค์นี้ใน ความคิดเห็นของเราคือแนวโรแมนติก

เป็นไปได้ที่จะเน้นหลายช่วงเวลาที่สามารถติดตามอิทธิพลของสุนทรียศาสตร์โรแมนติกที่มีต่องานของนักเขียนบทละครได้ ก่อนอื่นนี่คือสิ่งที่น่าสมเพชต่อต้านชนชั้นกลางที่เด่นชัดซึ่งเป็นการปฏิเสธอารยธรรมชนชั้นกลางซึ่งแทรกซึมงานทั้งหมดของ O'Neill ในเวลาเดียวกันเช่นเดียวกับในงานของนักเขียนโรแมนติกการประท้วงครั้งนี้เป็นสิ่งแรกเลย มีลักษณะทางศีลธรรมและจริยธรรม และการแสวงหาอุดมคติยังนำเขาไปสู่การทำให้อุดมคติของปิตาธิปไตยในอดีตและรูปแบบชีวิตดึกดำบรรพ์เป็นกฎ

ตามความโรแมนติก O'Neill นำเสนอคลังแสงทางศิลปะของเขาซึ่งหมายถึงความขัดแย้งที่น่าทึ่งอย่างชัดเจนกับพลังลึกลับและอันตรายถึงชีวิตซึ่งบุคคลไม่สามารถเข้าใจหรือเอาชนะได้ บ่อยครั้งที่สิ่งเหล่านี้คือพลังความมืดในจิตใจของเขาเอง

ฮีโร่ของ O'Neill สามารถแข่งขันกับตัวละครโรแมนติกในเรื่องความหลงใหล ความแข็งแกร่งของความรู้สึก และความสามารถในการท้าทายโชคชะตา

เช่นเดียวกับผลงานของนักเขียนโรแมนติก ละครของ O'Neill เต็มไปด้วยแรงจูงใจส่วนตัว: นี่คือความทรงจำอันเจ็บปวดของเขาเอง การค้นหาความหมายของชีวิต การค้นหาคำตอบสำหรับคำถามอันเจ็บปวดในยุคของเขา รวบรวมไว้ในการค้นหา วีรบุรุษของเขาเหล่านี้ยังมีตอนมากมายจากชีวประวัติของเขาเอง รูปภาพของผู้คนที่ใกล้ชิดกับนักเขียนบทละครที่ถ่ายโอนไปยังหน้าบทละคร

อย่างไรก็ตาม ในย่อหน้านี้ เราอยากจะกล่าวถึงหลักการที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของละครของโอนีล ซึ่งสำหรับเราในหลาย ๆ ด้านแล้วดูเหมือนว่าเป็นตัวกำหนดบทกวีในบทละครของเขา - หลักการของความแตกต่าง ซึ่งดังที่เราทราบ เป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ที่สุดในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะโดยนักเขียน - โรแมนติก โลกทั้งโลกในละครของ O'Neill สร้างขึ้นจากความแตกต่างและความขัดแย้ง: นี่คือการต่อต้านของสภาพแวดล้อมทางภูมิศาสตร์ที่แตกต่างกันชั้นทางสังคมของสังคมตัวแทนของเชื้อชาติที่แตกต่างกันและเพศที่แตกต่างกัน การต่อต้านของกลางวันและกลางคืน พระอาทิตย์ตกและรุ่งเช้า อดีตและปัจจุบัน ชีวิตและอารยธรรมดึกดำบรรพ์ ตำนานและความทันสมัย ความฝันและความเป็นจริง ชีวิตและความตาย

ดูเหมือนว่าเป็นไปได้ที่จะระบุความแตกต่างหลักสามประเภทตามเงื่อนไขซึ่งในขณะเดียวกันไม่ได้แยกออกจากกัน แต่จะเกี่ยวพันและมีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน นี่คือความแตกต่างเชิงพื้นที่ ความแตกต่างภายในหรือทางจิตวิทยา และเชิงปรัชญา ซึ่งส่วนใหญ่กำหนดความเข้าใจของโอนีลเกี่ยวกับชะตากรรมของมนุษย์ ซึ่งเป็นแนวคิดเกี่ยวกับโศกนาฏกรรมของเขา

เรามาดูแต่ละประเด็นโดยย่อกัน

พื้นที่ทั้งหมดในบทละครของโอนีลถูกแบ่งเขตอย่างเคร่งครัดให้เป็นทรงกลมที่ตัดกันและมักจะขัดแย้งกัน เหล่านี้คือเมืองและหมู่บ้าน ("Love Under the Elms") โลกที่ถูกจำกัดด้วยขอบเขตของบ้าน และโลกกว้างรอบ ๆ ("Mourning - ชะตากรรมของ Electra", "การเดินทางอันยาวนาน" ในตอนกลางคืน", "The Iceman is Coming") ในละครบางเรื่องการต่อต้านเชิงพื้นที่ดังกล่าวมีลักษณะทางสังคม: ตัวอย่างเช่นในบทละคร "Wings are Give to All Children of Men" " ถนนที่นำเสนอบนเวทีถูกแบ่งด้วยเส้นออกเป็นสองส่วน - คนผิวขาวอาศัยอยู่ในส่วนหนึ่งส่วนอีกส่วนเป็นสีดำ (ต่อมา D. Baldwin จะใช้เทคนิคนี้ในละครของเขา "Blues for Mister Charlie") ใน "The Shaggy" Ape" ชั้นบนและส่วนยึดนั้นตัดกัน ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของโลกแห่งผู้ที่มีและผู้ถูกเอารัดเอาเปรียบ อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างเชิงพื้นที่ที่เป็นลักษณะเฉพาะที่สุดในบทละครของโอนีลคือการต่อต้านระหว่างทางบกและทางทะเล และการต่อต้านนี้ก็ไม่ได้ชัดเจนในบทละครต่างๆ บทละครของนักเขียนบทละคร ความหมายของมันเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา

ในละครเดี่ยวช่วงแรก ทะเลคือตัวแทนของพลังที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์ โอนีลเองซึ่งแสดงลักษณะของบทละครเหล่านี้เขียนว่าตัวละครหลักของพวกเขาคือ "วิญญาณแห่งท้องทะเล" ทะเลเป็นทั้งฉากแอ็คชั่นและสัญลักษณ์ที่หลากหลาย - "ทะเลปีศาจนั่น" ที่ลูกเรือของ "Glencairn" เรียกมันว่า . , กล่าวโทษปัญหาทั้งหมดเสียงที่น่าตกใจของทะเล, หมอกที่ใกล้เข้ามา, เสียงนกหวีดอันน่าสยดสยองของเรือกลไฟ - ทั้งหมดนี้คือสถานการณ์จริงที่ลูกเรืออาศัยอยู่และวิธีการสร้างเสียงหวือหวาที่น่าเศร้าอารมณ์ของ การลงโทษ

ธีมของทะเลในฐานะกองกำลังที่ไม่เป็นมิตรได้รับเสียงที่ทรงพลังที่สุดในละครหลายองก์เรื่องแรก “Anna Christie” ซึ่งเป็นผลลัพธ์ของละครทะเลเรื่องเดียวก่อนหน้านี้ เป็นทะเลที่ Chris Christophersen ผู้เฒ่าชาวสวีเดนกล่าวโทษสำหรับความจริงที่ว่าชีวิตของเขาไม่ได้ผล: “ทะเลคือปีศาจเฒ่า มันเล่นตลกร้ายกับผู้คน เปลี่ยนพวกเขาให้กลายเป็นคนบ้า”^ 2,268] ผู้ชายทุกคนในครอบครัวของคริสเป็นกะลาสีเรือ และทุกคนก็ตายในทะเล - "ปีศาจเฒ่าแห่งท้องทะเล - ไม่ช้าก็เร็วก็กลืนกินพวกเขาทั้งหมดทีละคน" ในขณะเดียวกัน พื้นที่แห้งแล้งสำหรับกะลาสีเรือ Glencairn ก็เป็นดินแดนแห่งคำสัญญาที่พวกเขาจะพบกับความสงบ (“ทางตะวันออกของคาร์ดิฟฟ์” “พระจันทร์เหนือทะเลแคริบเบียน” “ในโซน” “บ้านทางไกล”) ที่ดินผืนนี้เหมือนกันกับคริสผู้เฒ่าที่ทิ้งลูกสาวไว้บนฝั่งเพื่อที่เธอจะได้ไม่ตกอยู่ภายใต้เงื้อมมือของ “ปีศาจเฒ่า”

ในเวลาเดียวกัน ในละครเรื่องนี้ การเผชิญหน้ากันระหว่างผืนดินและผืนน้ำมีความหมายที่แตกต่างออกไป สำหรับแอนนา ลูกสาวของคริส ดินแดนแห่งนี้รวบรวมทุกสิ่งที่เกลียดชังมากที่สุด ซึ่งทำให้เธอไม่มีความสุข ตรงกันข้าม ทะเลกลับทำให้บริสุทธิ์ ที่นี่เธอฟื้นขึ้นมาใหม่ และพบอิสรภาพ ทะเลมีหน้าที่คล้ายกันในละครอื่นๆ ในเวลาต่อมา นั่นคือ รวบรวมความฝันอันแสนโรแมนติก ซึ่งเป็นอุดมคติที่เจ้าของที่ดินมุ่งมั่น แผ่นดินที่ชุ่มไปด้วยหยาดเหงื่อและเลือด ยึดเอากำลังทั้งหมดและทำให้บุคคลเป็นทาสของมัน ดังนั้นในบทละคร "Beyond the Horizon" ที่เขียนขึ้นไม่นานหลังจากเล่นทะเลฮีโร่ผู้ใฝ่ฝันถึงการเดินทางทางทะเลมาตลอดชีวิตยังคงทำงานในฟาร์มที่เขาหายใจไม่ออกราวกับอยู่ในกรง นี่เป็นลักษณะเฉพาะของบทละคร "Love Under the Elms" ที่ซึ่งโลกดินแห้งกลายเป็นสัญลักษณ์ของพื้นที่ปิดและ จำกัด ซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากรูปฟอสซิล - "ดินแข็ง" "ดินหิน" , “พื้นแข็ง” ซึ่งทำซ้ำซ้ำๆ ตลอดการเล่น ดังนั้น วงกลมจึงปิดลงและข้อสรุปของผู้เขียนก็ค่อนข้างชัดเจน: ในทะเลและบนบก กฎเดียวกันที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์บังคับใช้ทุกที่ ซึ่งเขาไม่สามารถเข้าใจหรือเอาชนะได้ ดังนั้นความแตกต่างเชิงพื้นที่นี้ช่วยให้เข้าใจเจตนาของนักเขียนบทละครได้ชัดเจนยิ่งขึ้น

บทบาทที่สำคัญไม่แพ้กันในบทละครของโอนีลก็คือความแตกต่างภายในที่กำหนดโลกจิตวิทยาของบุคคล

สำหรับโอนีล บุคคลคือโลกทั้งใบที่ดำเนินชีวิตตามกฎเกณฑ์ของมันเอง ในบทละครก่อนหน้านี้ โลกภายในของบุคคลถูกสื่อกลางอย่างชัดเจนจากภายนอก การเปลี่ยนแปลงของวัตถุประสงค์ไปสู่อัตนัย สังคมเข้าสู่ จิตวิทยาแสดงให้เห็นอย่างละเอียดในละครเช่น "ปีกมอบให้กับเด็ก ๆ ทุกคน" ", "ความรักภายใต้ต้นเอล์ม", "ลิงขนปุย" ในละครต่อมาโลกแห่งจิตวิทยาของตัวละครของโอนีลมีมากขึ้นเรื่อย ๆ ถูก จำกัด. เมื่อไม่สามารถเข้าใจประเด็นสำคัญในยุคของเขาได้และไม่เห็นเส้นทางสู่การเปลี่ยนแปลงของชีวิตอีกต่อไป โอนีลจึงกลายเป็นคนโดดเดี่ยว พลังที่กำหนดชะตากรรมของผู้คนถูกถ่ายทอดจากภายนอกสู่ภายใน จุดเปลี่ยนนี้เกิดขึ้นแล้ว ระบุไว้ในบทละคร "The Great God Brown" แม้ว่าจะยังคงมีสถานที่ของกองกำลังเป้าหมายที่สูงขึ้นโดยการเข้าร่วมซึ่งฮีโร่สามารถหาทางออกจากทางตันทางจิตวิทยาได้ โลกภายในของมนุษย์ดูปิดมากขึ้นในการเล่น "Strange Interlude" และในที่สุดในละครเรื่อง "Mourning - the Fate of Electra" ร็อคจากหมวดวัตถุประสงค์ก็ผ่านเข้าสู่อัตนัยอย่างสมบูรณ์ บุคคลนั้นกลายเป็นจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของนักเขียนบทละคร: ตัวเขาเองเป็นทั้งอาชญากร เหยื่อและผู้พิพากษา ในเรื่องนี้ คำกล่าวของ J. G. Lawson ผู้เขียน: "เขา (O" Neil - V. Sh. ) ความสนใจในตัวละครนั้นเลื่อนลอยมากกว่าทางจิตวิทยา เขามุ่งมั่นที่จะถอนตัวออกจากความเป็นจริงโดยสมบูรณ์ เขาพยายามที่จะทำลายชีวิต สร้าง “อาณาจักร” ภายในที่เป็นอิสระทางจิตวิญญาณและอารมณ์” ในเวลาเดียวกันสิ่งนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าโลกภายในของบุคคลนั้นขัดแย้งและแตกแยกกันมากขึ้นเรื่อย ๆ ความคิดเรื่องความเป็นคู่ของบุคลิกภาพของมนุษย์การต่อสู้ของหลักการที่ตรงกันข้ามในจิตวิญญาณของแต่ละบุคคลครอบครองนักเขียนบทละครตลอดอาชีพสร้างสรรค์ของเขา เพียงพอที่จะนึกถึงคำพูดของเขาเกี่ยวกับ "เฟาสท์": "... ฉันจะทำให้แน่ใจว่าหัวหน้าปีศาจจะสวมหน้ากากของเฟาสต์ของพวกหัวหน้าปีศาจ เนื่องจากการเปิดเผยเกือบทั้งหมดของเกอเธ่ก็คือหัวหน้าปีศาจและเฟาสต์เป็นหนึ่งเดียวและเป็นสิ่งเดียวกัน - เฟาสต์เอง ” และนักเขียนบทละครเองก็ใช้หน้ากากในละครของเขาโดยพยายามแสดงการต่อสู้ของหลักการที่ขัดแย้งกันในจิตวิญญาณของฮีโร่ให้ชัดเจนยิ่งขึ้น ในโอกาสนี้เขาเขียนว่า: "... การใช้หน้ากากจะช่วยให้นักเขียนบทละครสมัยใหม่แก้ปัญหาวิธีแสดงการกระทำของความขัดแย้งที่ซ่อนอยู่ในจิตวิญญาณซึ่งนักจิตวิทยายังคงเปิดเผยต่อเราต่อไปได้ดีที่สุด"^, 503] โอนีลในละครหลายเรื่องแสดงให้เห็นถึงความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนและห่างไกลจากความสัมพันธ์ที่ชัดเจนระหว่างบุคคลกับหน้ากากของเขา

ในละครเรื่อง Lazarus Laughed ตัวละครเกือบทั้งหมดสวมหน้ากาก ตัวละครหลักสวมหน้ากากแบบครึ่งหน้า โดยให้ส่วนที่มองเห็นได้ของใบหน้าและหน้ากากมีสีตัดกันอย่างชัดเจน ดังนั้นความขัดแย้งทางจิตวิทยาจึงถูกร่างไว้ในรูปแบบแผนผังซึ่งจะได้รับการพัฒนาโดยละเอียดด้วยความช่วยเหลือของมาสก์ในละครเรื่อง "The Great God Brown" ที่นี่หน้ากากกลายเป็นวิธีการหลักในการเปิดเผยความตั้งใจของนักเขียนบทละคร ตัวละครสวมหน้ากากต่อหน้ากันและไม่รู้จักกันหากไม่มีหน้ากาก โศกนาฏกรรมของตัวละครหลัก ดิออน แอนโธนี คือตลอดชีวิตของเขาเขาถูกบังคับให้ซ่อนตัวตนที่ป่วยและโดดเดี่ยวของเขาไว้ใต้หน้ากาก โดยที่ยังคงเข้าใจผิดแม้กระทั่งกับภรรยาของเขาเอง หน้ากากช่วยให้นักเขียนบทละครเห็นภาพของความขัดแย้งทางจิตวิทยา: เพื่อแสดงให้เห็นถึงการต่อสู้ของหลักการสร้างสรรค์โดยมีจิตวิญญาณที่ปฏิเสธชีวิตของศาสนาคริสต์ในจิตวิญญาณของฮีโร่ การใช้หน้ากากช่วยให้บรรลุผลจากบุคลิกภาพสองบุคลิกของตัวละคร

ในละครเรื่อง "Wings Are Give to All Children of Men" หน้ากากไม่ได้ใช้โดยตรง แต่ยังคงเป็นหน้ากากนิโกรพิธีกรรมที่แขวนอยู่บนผนังและดูเหมือนว่าจะเป็นสัญลักษณ์ของแก่นแท้ที่ซ่อนอยู่ของมนุษย์ ในขณะเดียวกัน หน้าที่ของหน้ากากในที่นี้ก็คือสีผิวซึ่งดูเหมือนว่าจะระงับแก่นแท้ของฮีโร่ ทำให้เกิดความขัดแย้งทางจิตใจ

ต่อจากนั้น O'Neill จะละทิ้งเทคนิคธรรมดา ๆ นี้ อย่างไรก็ตามแนวคิดเรื่องความเป็นคู่ของบุคลิกภาพของมนุษย์จะลึกซึ้งยิ่งขึ้น ใน "Strange Interlude" นักเขียนบทละครใช้คำพูดนอกเหนือจากที่ตัวละครเปิดเผย ตัวตนที่แท้จริงของพวกเขา

ในละครเรื่อง "Days Without End" เพื่อเน้นย้ำการต่อสู้ของแรงกระตุ้นที่ขัดแย้งกันในจิตวิญญาณของฮีโร่จึงมีการแนะนำคู่ของเขาซึ่งเขากำลังต่อสู้อยู่ การตายเชิงสัญลักษณ์ของตัวละครคู่ในตอนท้ายของบทละครบ่งบอกถึงการคืนดีของฮีโร่กับตัวเขาเอง

ในละครเรื่อง "Mourning - the Fate of Electra" โอนีลตั้งใจที่จะใช้หน้ากากเพื่อ "เน้นย้ำถึงแรงกระตุ้นของชีวิตและความตายที่ขับเคลื่อนตัวละครและกำหนดชะตากรรมของพวกเขา" อย่างไรก็ตาม ต่อมานักเขียนบทละครได้ละทิ้งแผนเดิม ในเวลาเดียวกันความไม่สอดคล้องกันและความเป็นคู่ของบุคลิกภาพของมนุษย์ในละครเรื่องนี้ก็ถึงจุดสุดยอด ก่อนอื่นนี่คือที่ประจักษ์ในภาพของตัวละครหลัก - Lavinia Mannon ตลอดการเล่นเธอต่อสู้กับตัวเองอย่างเจ็บปวด ปราบปรามทุกสิ่งที่ถือว่าเป็นบาปตามหลักศีลธรรมที่เคร่งครัด - ตระการตาตามธรรมชาติ ความปรารถนาที่จะรัก สนุกกับชีวิต

ในเวลาเดียวกัน ในละครเรื่องนี้ ความขัดแย้งทางจิตใจภายในก็ได้รับรูปลักษณ์ภายนอกเช่นกัน ลาวิเนียแตกต่างกับภาพลักษณ์ของคริสตินาแม่ของเธอ คริสติน่ารวบรวมทุกสิ่งที่ลาวิเนียพยายามปราบปรามในตัวเธอเอง ข้อสังเกตที่มาพร้อมกับการปรากฏตัวของลาวิเนียในด้านหนึ่งเป็นการเน้นย้ำถึงความคล้ายคลึงที่โดดเด่นของเธอกับแม่ของเธอ ในทางกลับกัน ความปรารถนาของลาวิเนียที่จะผูกมัดตัวเอง ปราบปรามความเป็นผู้หญิงของเธอ และกลายเป็นสิ่งที่แตกต่างจากคริสตินามากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยเหตุนี้เธอจึงสวมชุดสีดำเรียบๆ การเคลื่อนไหวที่เฉียบคม น้ำเสียงแหบแห้ง ท่าทาง “ชวนให้นึกถึงทหารผู้กล้าหาญ” เมื่อการกระทำดำเนินไป เห็นได้ชัดว่าความขัดแย้งระหว่างแม่และลูกสาวนั้นเป็นเพียงภาพสะท้อนการต่อสู้ของนางเอกกับตัวเอง การปะทะกันของผู้เคร่งครัดและหลักการตามธรรมชาติในจิตวิญญาณของเธอเอง ซึ่งเป็นผลมาจากความเป็นคู่ของบุคลิกภาพของเธอ สิ่งนี้ชัดเจนอย่างสมบูรณ์ในการเล่นไตรภาคครั้งสุดท้ายเมื่อหลังจากการตายของแม่ของเธอ Lavinia กลายเป็นสำเนาของ Christina และทำหน้าที่ในบทบาทของเธอ การเปลี่ยนแปลงที่ดูเหมือนจะไม่คาดคิดนี้เป็นการยืนยันความคิดที่ว่าคริสตินารวบรวมทุกสิ่งที่ลาวิเนียพยายามดิ้นรนโดยไม่รู้ตัวอีกครั้ง

เทคนิคทางศิลปะที่น่าสนใจนี้ - การผสมผสานความขัดแย้งภายในผ่านการตีข่าวของตัวละครที่ตัดกัน - เราพบในบทละครอื่นของโอนีล: พี่น้องมาโยในละครเรื่อง "Beyond the Horizon", Edmund และ James ("Long Day's Journey into Night" ), พ่อและลูกชาย ("Love Under the Elms"), Anthony และ Brown ("The Great God Brown") เป็นต้น

การใช้ความแตกต่างภายนอกและภายในสร้างจังหวะพิเศษในละครของ O'Neill ช่วยให้เข้าใจแนวคิดของเขาเกี่ยวกับระเบียบโลก: การปะทะและการเผชิญหน้า การสลับหลักการที่ตรงกันข้ามและตรงกันข้ามทำให้เกิดการเคลื่อนไหวทั้งในชีวิตภายในของแต่ละบุคคลและใน ทั้งจักรวาล ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูเบน ไลท์เป็นฮีโร่ในละครไดนาโมของโอนีล - เพื่อค้นหาเทพที่มาแทนที่เทพเจ้าองค์เก่าในโลกสมัยใหม่หันมาใช้ไดนาโม - ไฟฟ้าโดยมองเห็นในนั้น พลังแห่งชีวิตซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดของชีวิตสำหรับสิ่งที่ถ้าไม่ใช่ไฟฟ้าเป็นศูนย์รวมที่สมบูรณ์ที่สุดของการเผชิญหน้าและความสามัคคีของสองสิ่งที่ตรงกันข้ามเริ่มต้นขึ้น - ประจุลบและบวก

ดูเหมือนว่าเป็นไปได้ที่จะกำหนดเงื่อนไขความเข้าใจเกี่ยวกับความเป็นจริงในแง่ของการต่อสู้ชั่วนิรันดร์ของหลักการที่ขัดแย้งกันซึ่งถือเป็นความแตกต่างทางปรัชญา ความแตกต่างประเภทนี้เป็นการสรุป - มันอยู่ภายใต้บังคับบัญชาและจัดระเบียบความแตกต่างประเภทอื่นใน O'Neill

Eugene O'Neill ไม่เคยสร้างแบบจำลองสากลของจักรวาลในงานของเขาแม้ว่าเขาจะมุ่งมั่นเพื่อสิ่งนี้ก็ตาม ในปีพ. ศ. 2471 เขาวางแผนที่จะเขียนบทละครหลายชุดภายใต้ชื่อทั่วไปว่า "God is Dead! ทรงพระเจริญ...?" แม้ว่าวัฏจักรนี้จะไม่เคยถูกเขียนขึ้นทั้งหมด แต่ชื่อนี้สามารถนำไปใช้กับบทละครทั้งหมดของนักเขียนบทละครได้ เพราะตลอดงานของเขา โอ"นีลค้นหาคำตอบอย่างเจ็บปวดสำหรับคำถามที่ว่าอะไรมาแทนที่พระเจ้าใน โลกสมัยใหม่ สิ่งที่กำหนดและกำหนดชะตากรรมของมนุษย์ ในการค้นหาคำตอบ O'Neill หันไปหาแนวคิดทางปรัชญาต่าง ๆ ซึ่งมีบทบาทที่ยิ่งใหญ่ที่สุดโดยปรัชญาของ Nietzsche และทฤษฎีจิตวิเคราะห์ของ Freud และ Jung ในเวลาเดียวกันนี้ไม่ได้หมายความว่าโอนีล ยอมรับแนวคิดเหล่านี้อย่างสมบูรณ์: ในทฤษฎีเหล่านี้เขายังยืมสิ่งที่สอดคล้องกับโลกทัศน์ของเขามากที่สุด - การปะทะและการต่อสู้ของหลักการที่ขัดแย้งกัน

ภายใต้อิทธิพลของ Nietzsche โอนีลส่วนใหญ่อยู่ในช่วงเริ่มต้นของงานของเขา ก่อนอื่นเขารู้สึกทึ่งกับแนวคิดเรื่องการทำซ้ำชั่วนิรันดร์โดยอาศัยการสลับขั้นตอนและจังหวะชีวิตต่างๆ มันคือ รวบรวมไว้อย่างสมบูรณ์ที่สุดในบทละคร "The Fountain", "Lazarus Laughed", "The Great God Brown" ซึ่งเขียนตั้งแต่ปี 1922 ถึง 1926

ฮีโร่ของละครเรื่อง "The Fountain" - Juan Pons de Leon หนึ่งในสหายของโคลัมบัสพยายามค้นหาน้ำพุแห่งความเยาว์วัยไม่สำเร็จจนกระทั่งในที่สุดเขาก็ได้ข้อสรุปว่าเยาวชนและวัยชราซึ่งเป็นช่วงที่ตรงกันข้ามของชีวิตมนุษย์ ไม่มีอะไรมากไปกว่าจังหวะแห่งชีวิตนิรันดร์ การเผชิญหน้าและการสลับสับเปลี่ยนที่ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหว “วัยชราและความเยาว์วัยเป็นหนึ่งเดียวกัน” ฮวนอุทานอย่างลึกซึ้ง “นี่เป็นเพียงจังหวะแห่งชีวิตนิรันดร์ ความตายไม่มีอีกต่อไป ฉันเข้าใจ: ชีวิตไม่มีที่สิ้นสุด!”

ความต่อเนื่องของความคิดนี้คือคำพูดของนางเอกในละครเรื่อง "The Great God Brown" Sibel จบการแสดงสุดท้ายและสรุปบทละครทั้งหมด: "ฤดูร้อนและฤดูใบไม้ร่วงความตายและความสงบสุข แต่ความรักและการเกิดและความเจ็บปวดเสมอไป และฤดูใบไม้ผลิอีกครั้ง แบกถ้วยแห่งชีวิตที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ !”

และในที่สุด แนวคิดนี้ก็ได้รับการจัดแสดงที่สมบูรณ์แบบที่สุดในบทละคร "Lazarus Laughed" ซึ่งอันที่จริงแล้วทั้งหมดถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นตัวอย่างของแนวคิดนี้ ลาซารัสผู้เป็นวีรบุรุษของละครเทศนาแนวความคิดนี้ซึ่งได้ปลดปล่อยตัวเองจากความกลัวความตายและเรียนรู้ความหมายสูงสุดของการดำรงอยู่: “มีชีวิตนิรันดร์ในการปฏิเสธและชีวิตนิรันดร์อยู่ในการยืนยัน ความตายคือ ความกลัวระหว่างพวกเขา! ” - เขาสอน.

ดังที่เราเห็น ในตอนแรกแนวคิดเรื่องการต่อสู้และการเปลี่ยนแปลงหลักการที่ตรงกันข้ามในวัฏจักรสากลโดยทั่วไปมักเป็นไปในแง่ดีและเป็นการสนับสนุนศรัทธาของนักเขียนบทละครในการต่ออายุมนุษยชาติที่ก้าวหน้าอย่างต่อเนื่อง อย่างไรก็ตาม ในขณะที่การมองโลกในแง่ร้ายของนักเขียนบทละครลึกซึ้งยิ่งขึ้น ประการแรกเกิดจากการไม่สามารถเข้าใจกฎเกณฑ์ของการดำรงอยู่ทางสังคมที่ถูกต้องตามวัตถุประสงค์และความผิดหวังอย่างมากในอารยธรรมกระฎุมพี การปะทะกันของหลักการที่ตรงกันข้ามในบทละครของเขาทำให้เกิดตัวละครที่น่าเศร้าและร้ายแรงมากขึ้นเรื่อยๆ ในเรื่องนี้จิตวิเคราะห์เริ่มมีบทบาทสำคัญมากขึ้นในงานของเขา

ในมุมมองของนักจิตวิเคราะห์นักเขียนบทละครยังได้รับความสนใจมากที่สุดจากการปะทะกันการต่อสู้ของหลักการที่ขัดแย้งกัน - แรงกระตุ้นที่ตรงกันข้ามสัญชาตญาณที่ขัดแย้งกัน โอนีลตีความว่าเป็นนิรันดร์ ไม่ละลายน้ำ และทำให้บุคคลต้องทนทุกข์และเสียชีวิตอย่างน่าเศร้า

ในแง่ของทฤษฎีจิตวิเคราะห์ซึ่งนักเขียนบทละครหันมาสนใจมากขึ้นเรื่อย ๆ โอนีลตีความความขัดแย้งทั้งภายในและภายนอกของบทละครหลายเรื่องของเขา อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้ยังคงเป็นผู้ติดตามคนตาบอดของฟรอยด์และจุงเช่นเดียวกับชาวตะวันตกหลายคน นักวิจัยมักจะพยายามนำเสนอแต่ด้วยวิธีของเขาเองได้ประมวลผลความคิดของตนตามโลกทัศน์ของเขาเองทำให้พวกเขาได้รับเสียงทางปรัชญาทั่วไป ดังนั้น การต่อสู้ระหว่างหลักการของผู้หญิงและผู้ชายจึงเริ่มมีบทบาทอย่างมากในโลกศิลปะของเขา บทละคร ความขัดแย้งนี้ซึ่งปรากฏในละครยุคแรกของโอนีลก็ได้รับเสียงเชิงปรัชญาในยุคต่อมา : ในงานของโอนีลแนวคิดของเทพสององค์ถูกสร้างขึ้น - ชายและหญิงซึ่งอยู่ในสภาวะคงที่ ความเป็นปฏิปักษ์ เพื่อที่จะเข้าใจแก่นแท้ของความขัดแย้งนี้จำเป็นต้องพิจารณาว่าภาพลักษณ์ของแม่อยู่ในงานของโอนีลที่ใด

เป็นเรื่องง่ายที่จะเห็นว่านี่เป็นภาพที่ตัดขวางของบทละครของนักเขียนบทละครหลายเรื่องซึ่งทำให้ผู้สนับสนุนด้านจิตวิเคราะห์ประกาศให้ Oedipus Complex เป็นแนวคิดที่สำคัญที่สุดในงานของ O'Neill ตัวอย่างเช่น D. Falk บันทึกใน ประเด็นนี้: “กลุ่ม Oedipus ในบทละครของ O'Neill นั้นเป็นอุปกรณ์สำคัญในการจูงใจโครงเรื่องแบบเดียวกับ Delphic Oracle ในโศกนาฏกรรมของกรีก…” เธอถือว่าผลงานทั้งหมดของศิลปินไม่มีอะไรมากไปกว่าการแสดงออกถึงตัวเขาเอง เอดิปุสคอมเพล็กซ์ [อ้างแล้ว]. อันที่จริงดูเหมือนว่าบทละครหลายเรื่องจะเป็นพื้นฐานสำหรับข้อสรุปดังกล่าว ชะตากรรมอันน่าเศร้าของแม่ของเขาซึ่งเสียชีวิตก่อนวัยอันควรไม่สามารถให้อภัยได้โดยฮีโร่ในละครเรื่อง Love under the Elms; แม่เหมือนเทพได้รับการบูชาโดย Ruben Light (Dynamo); แม่เป็นเรื่องของความรักอันเร่าร้อนและการแข่งขันของพี่น้องในละครเรื่อง Long Day's Journey into Night; พระเอกละครเรื่อง “The Moon for the Stepsons of Fate” ไม่ทิ้งความรู้สึกผิดต่อหน้าแม่ และนักจิตวิเคราะห์พบว่ามีความอุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษในการวิเคราะห์ตัวแปรทั้งหมดของ Oedipus complex ในละครเรื่อง "Mourning - the Fate of Electra"

เมื่อมองแวบแรก โครงเรื่องดูเหมือนจะให้สิทธิ์เราในการพูดคุยเกี่ยวกับแรงจูงใจของการร่วมประเวณีระหว่างพี่น้องเป็นประเด็นหลักของโศกนาฏกรรม: อดัม แบรนต์ตอนเด็กผูกพันกับแม่อย่างลึกซึ้งและเกลียดพ่อของเขา และต่อมาเขาก็ตกหลุมรัก กับผู้หญิงที่คล้ายกับแม่ของเขา ในทางกลับกัน ลาวิเนีย นางเอกละคร รักพ่อมาก และเป็นศัตรูกับแม่ ในขณะที่พี่ชายของเธอเป็นศัตรูกับพ่อของเขา แต่ผูกพันกับแม่อย่างอ่อนโยน ทั้งหมดนี้ทำให้นักวิจัยชาวตะวันตกบางคนสามารถนำเสนอ "การไว้ทุกข์ - ชะตากรรมของอีเลคตร้า" เป็นรูปแบบตัวอย่างของจิตวิเคราะห์

ในความเห็นของเรา นักวิทยาศาสตร์เหล่านี้ค่อนข้างใช้จิตวิเคราะห์เป็นวิธีการวิจัย โดยนำไปประยุกต์ใช้กับการวิเคราะห์ละครของ O'Neill อย่างไม่มีเงื่อนไข โดยไม่ต้องพยายามทำความเข้าใจตัวศิลปินเอง ประการแรก ความสามัคคีกับแม่ในงานของ O'Neill ความหมายทางปรัชญาที่สำคัญ ไม่ใช่ความหมายแบบฟรอยด์ที่พวกเขาพยายามอ้างถึงเขาอย่างต่อเนื่อง

สัญลักษณ์ของพระแม่ธรณี พระแม่ธรรมชาติเองเป็นการยืมโดยตรงจากตำนานโบราณ เขาปรากฏตัวซ้ำแล้วซ้ำอีกในละครของโอนีล ใน "The Great God Brown" ศูนย์รวมของ Mother Earth คือ Sibel เธอคือผู้ที่นำความสงบสุขและความหวังมาสู่เหล่าฮีโร่ในละครแทนที่แม่ของพวกเขา นีน่าลีดส์ นางเอกของ "Strange Interlude" - กล่าวว่าเทพควรเป็นผู้หญิงและในขณะเดียวกันก็เป็นศูนย์รวมในการเล่น ในบทละคร "ไดนาโม" เทพของมารดาเป็นตัวเป็นตนสำหรับฮีโร่ในเครื่องจักรที่ ผลิตไฟฟ้าพลังแห่งชีวิตซึ่งรูเบนกลับมาในตอนท้ายของละครไม่สามารถหาที่กำบังให้กับตัวเองได้ในโลกสมัยใหม่ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการกลับคืนสู่ครรภ์ของมารดา ในละครเรื่อง "รักใต้ต้นเอล์ม" แม่ และแผ่นดินหลอมรวมเป็นภาพที่แยกกันไม่ออก และสุดท้าย ในไตรภาค "Mourning - the Fate of Electra" ภาพสัญลักษณ์นี้มีความสำคัญเป็นพิเศษ ภาพแม่ผสานเข้ากับธีมเกาะศักดิ์สิทธิ์ที่ตัวละครทุกตัวใน เล่น ฝัน นี่คือโลกแห่งความสามัคคีในยุคดึกดำบรรพ์ซึ่งมนุษย์เป็นสิ่งที่แยกไม่ออกกับธรรมชาติซึ่งเป็นสวรรค์ที่สูญหายซึ่งมนุษย์แปลกแยกยุคใหม่พยายามดิ้นรนที่จะกลับมาในความพยายามที่จะค้นหาสถานที่ของเขาในจักรวาล ดังนั้นแรงจูงใจของการร่วมประเวณีระหว่างพี่น้องจึงใช้ความหมายเชิงสัญลักษณ์: ความสามัคคีกับแม่กลับไปสู่ครรภ์ของแม่ - ค้นหาความสงบสุขความสามัคคี "เป็นส่วนหนึ่ง"

เทพแห่งมารดาถูกต่อต้านโดยพระเจ้าพระบิดาผู้แข็งแกร่ง Old Cabbot บูชาเขา นีน่าลีดส์กลัวเขา เขาเป็นเทพแห่ง Puritan Mannons นี่คือเทพเจ้าแห่งความตาย - โหดร้ายและไม่ยอมให้อภัย เขาลงโทษทุกคนที่อยู่ในโลกของพระมารดาอย่างรุนแรง

ดังนั้นการเผชิญหน้าระหว่างหลักการของบิดาและมารดาจึงพัฒนาในละครของโอนีลไปสู่การเผชิญหน้าระหว่างชีวิตและความตาย แม่เป็นสัญลักษณ์ของชีวิต หลักการให้ชีวิต โลกแห่งความรักที่ให้ความหวัง เป็นสัญลักษณ์ของชีวิต ความสามัคคีที่บุคคลในสังคมยุคใหม่สูญเสียไปตลอดกาล พระเจ้าพระบิดา ทรงเป็นเทพเจ้าแห่งบุคคลที่แปลกแยกในยุคปัจจุบัน จากเทพองค์นี้ ไม่มีใครสามารถคาดหวังการให้อภัยได้ มันกีดกันมนุษย์จากความหวังในการเริ่มต้นใหม่และการเกิดใหม่ การปลอบใจเดียวที่เขาสามารถให้ได้คือความตาย นี่คือการปลอบใจที่ Hickey ("The Iceman Cometh") เสนอซึ่งกลายเป็นอัครสาวกของเทพผู้เข้มงวดนี้ และหากในบทละครของนักเขียนบทละครก่อนหน้านี้เล่นศรัทธาในการต่ออายุครั้งสุดท้ายของมนุษยชาติในวงจรนิรันดร์ของชีวิตก็อ่อนลงแม้กระทั่งความตาย แล้วในบทละครต่อมานี่คือขีดจำกัด เส้นที่เกินกว่าจะไม่มีอะไรตามมา (“การไว้ทุกข์คือชะตากรรมของอีเลคตร้า”, “The Iceman is Coming”) และหากก่อนหน้านี้มีคนต่อต้านเธอ ตอนนี้เขามักจะไปพบเธอครึ่งทาง เป็นการปลอบใจเพียงอย่างเดียว ("The Shaggy Monkey", "Mourning is the Fate of Electra", "The Moon for the Stepsons of Fate")

การเผชิญหน้าระหว่างหลักการของบิดาและมารดาก็แทรกซึมเข้าไปในโลกภายในของบุคคลซึ่งไม่น่าเศร้าไม่น้อย ในท้ายที่สุดใน O'Neill พระเจ้าพระบิดาได้รับชัยชนะซึ่งเป็นผลมาจากการมองโลกในแง่ร้ายทางปรัชญาและสังคมที่ลึกที่สุดของนักเขียนบทละคร: เขาไม่เชื่อในความเป็นไปได้ของความสามัคคีทั้งในโลกภายนอกและภายในของมนุษย์ เป็นเรื่องของอดีตเขามุ่งมั่นอย่างไร้ประโยชน์คนสมัยใหม่

เราพยายามพิจารณาหลักการพื้นฐานข้อหนึ่งของการแสดงละครของ O'Neill - หลักการของความแตกต่างซึ่งในความเห็นของเรานักเขียนบทละครส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลจากสุนทรียภาพโรแมนติก ในขณะเดียวกันหลักการนี้ก็หักเหไปในทางของตัวเอง ในงานของศิลปินผสมผสานกับคุณสมบัติใหม่ ๆ มากมายของวรรณคดีอเมริกันสมัยใหม่กับทฤษฎีปรัชญาต่าง ๆ ที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 20 หลักการนี้กำหนดวิธีการทางศิลปะของยูจีนโอนีลเป็นส่วนใหญ่ดังนั้นจึงให้สิทธิ์เราในการพูดคุยเกี่ยวกับสิ่งสำคัญ บทบาทของประเพณีโรแมนติกในละครของเขา ในเวลาเดียวกันสิ่งนี้ช่วยให้เราสรุปได้ว่าละครอเมริกันที่สมจริงซึ่งผู้ก่อตั้งคือ O'Neill นั้นไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยปราศจากอิทธิพลที่จับต้องได้ของแนวโรแมนติกซึ่งสามารถยืนยันได้จากการศึกษาผลงานของชาวอเมริกันคนสำคัญอื่น ๆ นักเขียนบทละครแห่งศตวรรษที่ 20 โดยเฉพาะผลงานของเทนเนสซี วิลเลียมส์ ผู้ร่วมสมัยรุ่นน้องของเขา

5.2.2. โรงละครโรแมนติกเทนเนสซีวิลเลียมส์

เทนเนสซี วิลเลียมส์อาศัยและทำงานมานานหลายปีท่ามกลางการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองและสังคม: ในวัย 30 ที่เกิดพายุ เมื่อเขากลายเป็นศิลปิน สงครามโลกครั้งที่สอง สงครามเย็น และลัทธิแม็กคาร์ธี แต่โดยพื้นฐานแล้วในฐานะกวีในแก่นแท้ของเขา เขาสนใจชะตากรรมของมนุษย์มากกว่าชะตากรรมของมนุษยชาติ และยืนหยัดเพื่อปกป้องบุคคลที่ถูกกดขี่ มากกว่าชนชั้นที่ถูกกดขี่ ผลงานทั้งหมดของเขาสะท้อนให้เห็นถึงอิทธิพลในการทำลายล้างของสังคมต่อบุคลิกภาพที่อ่อนไหวและไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใด ซึ่งช่วยให้เราสามารถกำหนดจุดยืนของเขาว่าโรแมนติก

เริ่มต้นด้วย The Glass Menagerie ซึ่งเป็นละครที่ประสบความสำเร็จครั้งแรกของเขา เขาพยายามผสมผสานภาพบทกวีที่สร้างขึ้นจากจินตนาการของเขาเองเข้ากับแนวคิดทางสังคม จิตวิทยา ศาสนา และปรัชญา เพื่อสร้างสัญลักษณ์ที่แสดงถึงการดำรงอยู่ของมนุษย์ในโลกสมัยใหม่ ธีมโปรดของเขาคือการปะทะกันระหว่างธรรมชาติที่ละเอียดอ่อนและละเอียดอ่อนกับโลกที่โหดร้าย ในขณะเดียวกันสถานที่และเวลาในการแสดงละครของเขามีความเฉพาะเจาะจงอย่างยิ่ง - นี่คืออเมริกายุคใหม่โดยมีฉากหลังที่ชะตากรรมของคนตัวเล็กที่ติดอยู่ใน "กับดักของสถานการณ์" กำลังพัฒนา ด้วยการใช้วิธีทางศิลปะที่หลากหลาย ผู้เขียนได้สร้างบรรยากาศในช่วงเวลาที่อธิบายไว้อย่างแท้จริง รสชาติที่เป็นเอกลักษณ์ของมุมนี้หรือมุมนั้นของสหรัฐอเมริกา: เหล่านี้คือย่านที่ยากจนในเซนต์หลุยส์ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ซึ่งถูกบีบด้วยอาคารขนาดใหญ่) ชาวอเมริกัน ทางใต้ที่มีลัทธิปิตาธิปไตยและประณีตของหญิงสาวสวยในด้านหนึ่งและการเหยียดเชื้อชาติที่บ้าคลั่ง - อีกด้านหนึ่งชานเมืองขี้เมาของนิวออร์ลีนส์เมืองที่เคร่งครัดและย่านอิตาลี ฯลฯ ก่อนที่เราจะผ่านเรื่องราวทั้งหมด ผู้อยู่อาศัยในอเมริกาสมัยใหม่: "จ้าวแห่งชีวิต" ผู้ทรงพลังและตัวแทนของชาวโบฮีเมียน ผู้อยู่อาศัยชั้นล่างและตัวแทนของชนชั้นกลาง ผู้อพยพ และผู้ที่คิดว่าตนเองเป็นชาวอเมริกัน 100% ลักษณะคำพูดของตัวละครเหล่านี้ก็เป็นต้นฉบับเช่นกัน วิลเลียมส์ใช้ท่วงทำนองและจังหวะที่มีลักษณะเฉพาะของมุมนี้หรือมุมนั้นของอเมริกาอยู่ตลอดเวลา

ในเวลาเดียวกันนักเขียนบทละครมักพูดถึงปัญหาสังคมที่ลุกไหม้ในยุคนั้น - ชะตากรรมของชนชั้นกลางในอเมริกาในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่, สงครามกลางเมืองในสเปน, ปัญหาของผู้อพยพ ฯลฯ นางเอกคนโปรดของเขาคืออแมนดา ( The Glass Menagerie), Blanche (รถรางชื่อ Desire ") Carol ("Orpheus Descends") เป็นตัวแทนของชนชั้นสูงทางใต้ที่กำลังจะเสื่อมถอยและโศกนาฏกรรมของพวกเขาแยกออกจากประวัติศาสตร์ของอเมริกาใต้ตอนใต้ ธีมของการเหยียดเชื้อชาติและความโหดร้ายในชีวิตประจำวันมาถึง ส่วนหน้าในละครเรื่อง "Orpheus Descends" และ " นกที่เปล่งเสียงไพเราะของเยาวชน" วิลเลียมส์เขียนเกี่ยวกับการเหยียดเชื้อชาติในอเมริกาเผยให้เห็นตำนานแห่งความสำเร็จฉาวโฉ่แสดงให้เห็นถึงอำนาจที่ทุจริตของเงิน เป็นการยากที่จะไม่เห็นด้วยกับนักวิจัย E. M. Jackson ผู้เขียน: "ฉันมั่นใจอย่างยิ่งว่าความสำเร็จหลักของเทนเนสซีวิลเลียมส์นั้นเชื่อมโยงกับความจริงที่ว่าละครของเขามีผลโดยตรงกับคำถามอันร้อนแรงในยุคของเรา" การดำเนินต่อไปด้วยจิตวิญญาณนี้ไม่ใช่เรื่องยากที่จะจินตนาการถึงวิลเลียมส์ ในฐานะศิลปินแห่งวิธีการทางสังคม ประวัติศาสตร์ และตามความเป็นจริงโดยทั่วไป แต่สิ่งที่ขัดแย้งกันก็คือ แม้ว่าความเป็นจริงทางสังคมและประวัติศาสตร์จะมีชีวิตอยู่นั้น ถือเป็นชั้นที่สมจริงอันทรงพลังของละครของเขา แต่ไม่มีลัทธิประวัติศาสตร์ที่แท้จริงในงานของเขา M. M. Koreneva พูดถูกซึ่งตั้งข้อสังเกตในเรื่องนี้ว่าสำหรับวิลเลียมส์ "<...>การบรรลุถึงความสุขของมนุษย์ไม่ได้เกี่ยวโยงกับการแก้ปัญหาสังคม แต่อยู่ภายนอก” ซึ่งนำเรากลับไปสู่การเผชิญหน้าอันโรแมนติกระหว่างมนุษย์กับสังคมอีกครั้งในฐานะพลังสองประการที่เข้ากันไม่ได้ นอกจากนี้ นี่ไม่ใช่ระบบสังคมที่เฉพาะเจาะจงมากนัก แต่การดำรงอยู่ทางวัตถุทั้งหมดของมนุษย์ นักเขียนบทละครเองเขียนว่าเขาต้องการแสดงให้เห็นในงานของเขา“ อิทธิพลทำลายล้างของสังคมที่มีต่อบุคลิกภาพที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดที่ละเอียดอ่อน” ในแต่ละกรณี ความชั่วร้ายในวิลเลียมส์นั้นมีความเฉพาะเจาะจงทางสังคม แต่โดยทั่วไปแล้วจะปรากฏ ในระนาบเลื่อนลอยเป็นภาพสภาพแวดล้อมทางวัตถุที่โหดร้ายและไร้ความปรานีซึ่งไม่เปลี่ยนแปลงในการเป็นศัตรูกับมนุษย์ทำให้เกิดภาพและสัญลักษณ์บทกวีมากมายที่รวบรวมไว้ในหลักการของโรงละครพลาสติกพัฒนาโดยนักเขียนบทละครในคำนำของ The Glass Menagerie ซึ่งรวมถึงวิธีการบนเวทีทั้งชุด - จังหวะ การเคลื่อนไหวแบบพลาสติกของนักแสดงบนเวที น้ำเสียงของคำพูด ดนตรีและเสียงประกอบ เครื่องแต่งกายและทิวทัศน์ - ทั้งหมดนี้มีความหมายเชิงสัญลักษณ์ในบทละครของวิลเลียมส์และอยู่ใน ความจริง เป็นศูนย์รวมภาพและเสียงของโลกทัศน์บทกวีของเขา ดังนั้นวัตถุเฟอร์นิเจอร์ที่แท้จริงมักจะกลายเป็นสัญลักษณ์ของสภาพแวดล้อมที่ไม่เป็นมิตรต่อบุคคล ดูเหมือนพวกเขาจะมีชีวิตภายในของตัวเอง ปกปิดภัยคุกคามที่ซ่อนอยู่ และสื่อถึงความชั่วร้าย กองบันไดขัดแตะใน "The Glass Menagerie" ดูเป็นลางไม่ดี ความสะอาดของเสื้อคลุมของพยาบาลที่มาพา Blanche ไปที่โรงพยาบาลบ้าดูเหมือนจะไม่เป็นลางไม่ดี ("A Streetcar Named Desire"); ต้นปาล์มเทียม ออกมาจากอ่างอาบน้ำในร้าน Torrens อย่างเป็นลางไม่ดี (“ Orpheus ... ”) และแม้แต่ในความงามของพุ่มกุหลาบก็มีบางสิ่งที่น่ากลัว (“ อาหารเย็นที่กินไม่ได้”) - น่ากลัว - ฉายานี้ที่นักเขียนบทละครมักใช้ในการกำกับละครเวทีโดยเฉพาะ สำหรับบทละครของเขา หุ่นของช่างตัดเสื้อยื่นออกมาอย่างไร้สติและน่ากลัวในอพาร์ตเมนต์ของ Serafina (“ The Tattooed Rose”) มุ้งแขวนห้อยเหมือนบ่วงยักษ์ที่ซึ่งบุคคลพันกันอย่างถาวรบนระเบียงของโรงแรม Costa Verde ("Night of the Iguana" ) นกโคคาลูนีน่าเกลียดที่น่าเกลียดก็เอาชนะจิตใจที่สูญเสียของ Nest และ Froline ที่เป็นเกย์จากละครชื่อเดียวกันที่น่าขนลุกเหมือนผลจากฝันร้าย

นักเขียนบทละครยังใช้สัญลักษณ์เสียงอย่างเข้มข้น: "ลมหอนอย่างน่าสงสารเหมือนแมว" "บานพับสนิมเอี๊ยด" ("อาหารเย็นกินไม่ได้") เสียงคำรามของหัวรถจักรที่ใกล้เข้ามาในละครเรื่อง "A Streetcar Named Desire" "Orpheus Descends into นรก” กลายเป็นสัญลักษณ์ของภัยพิบัติที่กำลังจะเกิดขึ้น . ฟังก์ชั่นที่คล้ายกันโดยประมาณนั้นดำเนินการโดยเสียงนกหวีดอันแหลมคมของเรือยาวทะเลใน "Gne-diges Froline" ดังนั้นความเฉพาะเจาะจงทางสังคมจึงสลายไปในภาพลักษณ์ทั่วไปของสภาพแวดล้อมที่ไม่เป็นมิตรซึ่งท้ายที่สุดก็ทำลายล้าง ปัจเจกบุคคล ภาพความชั่วร้ายในผลงานของวิลเลียมส์หลายชิ้นเป็นแบบคงที่เช่นเดียวกับตัวละครเชิงลบซึ่งเป็นการยืนยันความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติของโลกที่ไม่เปลี่ยนแปลงซึ่งสิ่งที่ดีที่สุดจะถึงวาระที่จะถูกทำลายและกำหนดความขัดแย้งระหว่างบุคลิกภาพทางจิตวิญญาณ และโลกที่โหดร้ายและไร้จิตวิญญาณที่ซ้ำซากในรูปแบบต่างๆ

โลกแห่งความดีในบทละครของวิลเลียมส์ยังได้รับรูปลักษณ์และสัญลักษณ์อีกด้วย ลอร่า, อแมนดา, บลานช์, อัลมา, ฮันนาห์สวมชุดเดรสสีพาสเทล วาลสวมแจ็กเก็ตหนังงู ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของจิตวิญญาณที่กบฏของเขา ฉากโคลงสั้น ๆ เกิดขึ้นในแสงสลัวพร้อมดนตรีประกอบ ตัวละครหลักมาพร้อมกับภาพที่ประเสริฐ บริสุทธิ์ และสวยงาม สัตว์แก้วใส ยูนิคอร์นในตำนาน ดอกกุหลาบสีน้ำเงินเป็นคุณลักษณะของลอร่า บลานช์มาจาก "ความฝัน" ซึ่งเป็นชื่อของมรดกของครอบครัวเธอ เธอมาที่นิวออร์ลีนส์เพื่อเป็นดาราของเธอ - สเตลล่า นั่นคือชื่อของพี่สาวเธอ เธอถูกนำโดย A Streetcar Named Desire แอลมามาพร้อมกับรูปโกธิค - มหาวิหารรูปปั้นเทวดาสีขาวที่แสดงถึงความเป็นนิรันดร์การร้องเพลงในโบสถ์

นอกจากนี้ ในช่วงเวลาที่เต็มไปด้วยอารมณ์ความรู้สึกมากที่สุด ตัวละครในบทละครของวิลเลียมส์เริ่มพูดในรูปแบบที่ยอดเยี่ยม ชวนให้นึกถึงบทกวีที่ว่างเปล่า พอจะนึกย้อนถึงคำพูดคนเดียวของ Val เกี่ยวกับนกสีฟ้า คำพูดคนเดียวของ Alma เกี่ยวกับอาสนวิหารสไตล์โกธิก

ผู้ถือจิตวิญญาณ เช่นเดียวกับความโรแมนติก กลายเป็นกวี ศิลปินที่มีความรู้สึกอ่อนไหว ดังนั้นวิลเลียมส์จึงเป็น "องค์ประกอบที่เปราะบางที่สุดในสังคมของเรา" กวีนิพนธ์คือคุณสมบัติที่กำหนดลักษณะเฉพาะของวีรบุรุษ พวกเขาทั้งหมดเป็นกวี นักดนตรี ศิลปิน ทอม วิงฟิลด์ (The Glass Menagerie) เป็นกวี เช่นเดียวกับปู่ของฮันนาห์ (The Night of the Iguana) - "กวีที่อายุมากที่สุดที่มีชีวิต"; Blanche (“A Streetcar Named Desire”) เป็นนักดนตรีและครูสอนวรรณกรรมที่ยอดเยี่ยม Hannah (“The Night of the Iguana”) และ Vi Talbot (“Orpheus Descends”) เป็นศิลปิน Alma (“Summer and Smoke”) เป็นนักร้อง ; Val (“ Orpheus Descends to Hell”) - กวีและนักดนตรี; Sebastian Venable ("Suddenly Last Summer") - กวี; ลอร่า, อแมนดา, แครอลไม่มีความสัมพันธ์โดยตรงกับศิลปะมีการรับรู้ทางศิลปะของโลก และ ฮีโร่เหล่านี้ไม่มีพลังเมื่อเผชิญกับโลกแห่งความชั่วร้ายซึ่งพวกเขาพยายามอย่างไร้ประโยชน์ที่จะหลบหนี ดังนั้น หนึ่งในแรงจูงใจสำคัญในงานของวิลเลียมส์จึงกลายเป็นแรงจูงใจของการหลบหนีที่แสนโรแมนติก ในบทกวี "Pulse" Williams เขียนว่า:

และสุนัขจิ้งจอกทุกคนก็เหมือนผู้ชาย

และคนที่ถูกล่าทุกคน

เราทุกคนก็เหมือนสุนัขจิ้งจอก:

ทั้งสำหรับฉันและสำหรับคุณ -

ทุกคนกำลังถูกตามล่า

ต่อจากนั้นศิลปินพบคำจำกัดความที่แม่นยำมากสำหรับฮีโร่ของเขา - ผู้ลี้ภัย - "ผู้ลี้ภัย" ซึ่งพบซ้ำแล้วซ้ำอีกทั้งในบทกวีและร้อยแก้วของวิลเลียมส์ แก่นของการบินและการไล่ตามกลายเป็นหัวข้อหลักในบทกวี "สุนัขจิ้งจอก"

ฉันวิ่ง" - สุนัขจิ้งจอกร้องเป็นวงกลม

แคบลง แคบลงอีก

ข้ามโพรงอันสิ้นหวัง

ล้อมรอบเนินเขาที่บ้าคลั่ง

“และจะจนกว่าพู่กันของฉันจะแขวน

เปลวไฟที่ประตูของนักล่า

ดำเนินการต่อการกลับมาที่ร้ายแรงนี้

ไปยังสถานที่ที่เคยล้มเหลวมาก่อน"

แล้วหัวใจก็แตกสลาย

เปลือกไม้ที่เร่าร้อนโดดเดี่ยว

ของสุนัขจิ้งจอกผู้หลบหนีมีอันดับออกมาอย่างชัดเจน

ดังระฆังในความมืดที่หนาวจัด -

ข้ามโพรงอันสิ้นหวัง

ล้อมรอบเนินเขาที่บ้าคลั่ง,

เรียกแพ็คตามมา

คำอธิษฐานที่ยังรอดพ้นจากพวกเขา

“ฉันกำลังวิ่ง” สุนัขจิ้งจอกตะโกน “เป็นวงกลม”

ล้วนทำให้แคบลง แคบลง

ท่ามกลางความสิ้นหวัง

โกรธมากผ่านเนินเขา

“และฉันจะวิ่งอย่างนี้ไปจนไฟลุก

หางของฉันจะไม่นอนอยู่ที่ประตูของนักล่า

กลับมีผู้เสียชีวิตต่อไป

ว่าพวกเขาทรยศฉันมากกว่าหนึ่งครั้ง!”

หัวใจของผู้หลบหนีเต้นด้วยความปวดร้าว

เห่าหอนความเหงาและความหลงใหล

บริเวณโดยรอบก็ชัดเจนมาก

เหมือนระฆังที่ดังในความมืดที่หนาวจัด -

ท่ามกลางความสิ้นหวัง

โกรธมากผ่านเนินเขา

สุนัขจิ้งจอกเรียกฝูงทั้งหมดที่อยู่ข้างหลังเขา

ในไม่ช้าเขาจะกลายเป็นเหยื่อของใคร?

ในละคร หัวข้อนี้ได้ยินในละครเกือบทุกเรื่อง ความกระหายในความโรแมนติกและไม่เต็มใจที่จะตกลงกับการดำรงอยู่ของชาวฟิลิสเตียผลักดันให้ทอม วิงฟิลด์ (“The Glass Menagerie”) ออกจากบ้านของเขา แต่ในบันทึกความทรงจำของเขา เขาพูดซ้ำแล้วซ้ำอีกว่า “การกลับมาสู่ความตายอย่างร้ายแรงไปยังสถานที่ที่ทรยศเขามากกว่า ครั้งหนึ่ง." อแมนดา แม่ของเขา ลอร่า น้องสาว และบลานช์ ดูบัวส์ พยายามหลบหนีจากความเป็นจริงอันโหดเหี้ยมด้วยการหลบหนีเข้าสู่โลกแห่งภาพลวงตา วีรบุรุษแห่ง "Camino Real" กำลังหนีจากอาณาจักรแห่งความมืดไปสู่ดินแดนที่ไม่ระบุตัวตน ไลดี้และวาลพยายามหลบหนีจากนรกทางใต้ของอเมริกา (ออร์ฟัสลงสู่นรก) วาลก็เหมือนกับสุนัขจิ้งจอกจากบทกวีชื่อเดียวกันที่พยายามรักษาอิสรภาพไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม แต่กลับตกเป็นเหยื่อของการข่มเหงโดยนายอำเภอและฝูงของเขา คำอุปมาเชิงกวีได้รับรูปลักษณ์ที่แท้จริงที่นี่ - การปรากฏตัวบนเวทีนำหน้าด้วยเสียงสุนัขเห่าและเจ้าหน้าที่คนหนึ่งของนายอำเภอเรียกว่าสุนัข

เช่นเดียวกับสุนัขจิ้งจอกที่ถูกล่าและชาน่า เวย์น จาก Sweet Bird of Youth หลังจากเดินทางท่องเที่ยวมานาน เขาก็กลับมายังสถานที่ที่เคยมีความสุข แต่การกลับมาครั้งนี้กลายเป็นอันตรายถึงชีวิตสำหรับเขา: มีผู้ไล่ตามจำนวนหนึ่งรอเขาอยู่ที่นี่พร้อมที่จะฉีกผู้ลี้ภัยเป็นชิ้น ๆ ฮีโร่ของละครเรื่อง "The Night of the Iguana" แชนนอนผู้พยายามซ่อนตัวจากครูผู้โกรธแค้นที่ไล่ตามเขาและเซบาสเตียนเวนาเบิล ("ฤดูร้อนที่แล้วทันใดนั้น") ซึ่งถูกไล่ตามครั้งแรกจากนั้นก็ฉีกเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อยโดยแท้จริง วัยรุ่นที่หิวโหย พบว่าตัวเองอยู่ในสถานะที่คล้ายกัน ดังนั้นฮีโร่ส่วนใหญ่ของวิลเลียมส์จึงเปรียบได้กับสัตว์ที่ถูกล่าซึ่งกำลังถูกล่าและเผชิญกับการตอบโต้ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

เช่นเดียวกับโรแมนติก ประสบการณ์ส่วนตัวสำหรับวิลเลียมส์เป็นวิธีในการคัดค้านและทำให้ประสบการณ์ส่วนตัวเป็นสากล จากประสบการณ์ส่วนตัวของเขา สภาพแวดล้อมที่คุ้นเคย เขาสร้างพิภพเล็ก ๆ ที่ตกผลึกประสบการณ์ของมนุษย์เช่นนี้ ข้อเท็จจริงประการหนึ่งของประวัติศาสตร์ชาติที่เขาคำนึงถึงเป็นการส่วนตัวคือความเสื่อมโทรมของภาคใต้เก่า เขาคร่ำครวญถึงการถ่ายทอดวัฒนธรรมของชนชั้นสูงไปสู่อดีตและแทนที่ด้วยผลประโยชน์ทางวัตถุที่หยาบคาย Amanda, Blanche, Carol, Alma - ตัวแทนคนสุดท้ายของโลกที่กำลังจะตายนี้ - ไม่สามารถต้านทานการขาดจิตวิญญาณและความโหดร้ายได้ดังนั้นจึงถึงวาระที่จะสูญพันธุ์เช่นเดียวกับผีเสื้อกลางคืนที่วิลเลียมเขียนถึงในบทกวีของเขาเรื่อง "Crying for the Moths" ใน “Crying” ศิลปินสร้างภาพผีเสื้อกลางคืนซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของทุกสิ่งที่ประณีตและสวยงาม ซึ่งถึงวาระจะต้องตายในโลกที่ขรุขระ:

โรคระบาดได้โจมตีผีเสื้อกลางคืน

แมลงเม่ากำลังจะตาย

ตัวของมันเป็นสะเก็ดทองสัมฤทธิ์

บนพรมนอนอยู่

ศัตรูของความละเอียดอ่อนทุกที่

ได้สูดไอหมอกพิษร้าย

ให้พวกเขาโอ้แม่ของผีเสื้อกลางคืนและ

ความแข็งแกร่งที่จะเข้าสู่โลกอันหนักหน่วงใบนี้

เพราะผีเสื้อกลางคืนบอบบางและเลวทราม

ที่นี่ในโลกโดยแมมมอธ

ตัวเลขผีสิง

มีแมลงเม่ามาโจมตี

แมลงเม่ากำลังจะตาย

ร่างกายของพวกเขาเป็นสะเก็ดทองสัมฤทธิ์ -

พวกเขาล้มลงบนพรม

ศัตรูของผู้ขัดเกลาอยู่ทุกหนทุกแห่ง

เติมอากาศด้วยความตายของคุณ

การหายใจ

โอ้ มารดาของแมลงเม่าและมารดาของมนุษย์ จงให้พวกเขาเถิด

มันยากที่จะกลับมาสู่โลกนี้อีกครั้ง

เพราะว่าผีเสื้อกลางคืนนั้นบอบบางและจำเป็นมาก

ในโลกที่ปกครองโดยสิ่งมีชีวิตที่มีลักษณะคล้ายแมมมอธ

ภาพของผีเสื้อกลางคืนนั้นมีความหมายในบทละครของวิลเลียมส์หลายเรื่อง นางเอกคนโปรดของเขาทุกคนบอบบางและสง่างาม - ละเอียดอ่อน เขาเขียนเกี่ยวกับบลานช์: “ในความงามอันเปราะบางของเธอ ชุดสูทสีขาวของเธอที่มีรอยจีบบนหน้าอก มีบางอย่างที่ชวนให้นึกถึงผีเสื้อกลางคืน” เกี่ยวกับแอลมา: “เธอมีพระคุณและจิตวิญญาณที่เปราะบางอย่างน่าทึ่ง” เธอสวมชุดสีเหลืองอ่อน และในมือของเธอมีร่มสีเหลือง นักเขียนบทละครเปรียบเทียบไหล่เรียวของลอร่ากับปีก ฮานะดูไม่มีตัวตนและยังแต่งตัวด้วยเสื้อผ้าสีอ่อนอีกด้วย

แก่นเรื่องของการล่มสลายของอุดมคติของความงามที่เปราะบางและไร้ที่พึ่งนั้นฟังดูชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในละครเรื่อง "The Glass Menagerie", "A Streetcar Named Desire", "Summer and Smoke", "Night of the Iguana" เป็นแนวคิดเกี่ยวกับการสูญเสียอุดมคติแห่งความงามและความเป็นมนุษย์ในโลกสมัยใหม่ เกี่ยวกับชัยชนะของความโหดร้ายและความรุนแรง เกี่ยวกับภัยคุกคามต่อคุณค่าทางจิตวิญญาณทั้งหมดซึ่งอยู่ในพลังทางวัตถุที่ดุร้าย เราพบศูนย์รวมที่ชัดเจนที่สุดของ หลักการ "เหมือนแมมมอธ" นี้ใน Stanley Kowalski การเชื่อมโยงที่มั่นคงกับภาพนี้ปรากฏอยู่แล้วในลักษณะที่กำหนดโดย Stanley Blanche: "เขาประพฤติเหมือนสัตว์เขามีนิสัยของสัตว์!.. เขา - สิ่งที่ยังไม่ถึงระดับมนุษย์!.. หลายพันปีผ่านไป และนี่คือ Stanley Kowalski - ชิ้นส่วนที่มีชีวิตของยุคหิน นี่คือที่มาของ "โรคระบาดของแมลงเม่า": แมมมอธ- เช่นเดียวกับคนที่มั่นใจในสิทธิที่จะเข้มแข็ง - Stanley Kowalski, นายอำเภอ Jabe Torrance, Papa Gonzales, Boss Finley, Mrs. Venable - ด้วยความโหดร้ายที่มีระเบียบแบบแผน ทำลายผู้ที่ปฏิเสธที่จะยอมรับมาตรฐานการดำรงอยู่ของพวกเขา . ในการรับรู้เชิงกวีของวิลเลียมส์สังคมยุคใหม่ถูกครอบงำโดยสิ่งมีชีวิต "คล้ายแมมมอ ธ" ซึ่งทำลายล้างด้วยลมหายใจร้ายแรงเช่นเดียวกับโรคระบาดไม่เพียง แต่ผีเสื้อกลางคืนที่เปราะบางเท่านั้น แต่ยังคุกคามความมั่งคั่งทั้งหมดของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของมนุษยชาติ

บทกวีเปรียบเทียบของโลกอันเลวร้ายนี้ที่ซึ่งจิตวิญญาณของผู้คนถูกฝังอยู่ใต้น้ำหนักของทองคำและอัญมณีล้ำค่ามอบให้โดยศิลปินในบทกวี "Orpheus Descends to Hell":

พวกเขาบอกว่าทองคำของ

อาณาจักรใต้นั้นมีน้ำหนักมาก

ซึ่งศีรษะจะยกขึ้นไม่ได้

ภายใต้น้ำหนักมงกุฎของพวกเขา

มือไม่อาจยกขึ้นใต้อัญมณีได้

แขนสร้อยข้อมือไม่มี

ความแข็งแกร่งที่จะกวักมือเรียก

ผู้หญิงได้อย่างไรด้วย

เท้าที่บาดเจ็บเคลื่อนผ่านมันไปหรือ?

ว่าบรรยากาศนั้น

อาณาจักรนั้นหายใจไม่ออก

เต็มไปด้วยฝุ่นทับทิม

ฝุ่นสมัยโบราณที่มาจาก

การถูกันของอัญมณีและ

โลหะ ค่อยเป็นค่อยไป ไม่มีที่สิ้นสุด

น้ำหนักที่ยกไม่ได้...

เปลือกหอยที่มีสั่นได้อย่างไร

ของเชือกทะลุผ่านมันไปเหรอ?

พวกเขาพูดอย่างนั้นในยมโลก

ทองหนักมาก

ที่ศีรษะของพวกเขาลุกขึ้นไม่ได้

จากน้ำหนักของมงกุฎ

มือในกำไล

ไม่มีอำนาจที่จะให้สัญญาณ

เด็กหญิงที่มีผู้บาดเจ็บได้

เดินที่นั่นเหรอ?

ว่าบรรยากาศของอาณาจักรแห่งนี้

เต็มไปด้วยฝุ่นทับทิมหนัก

ฝุ่นผงแห่งศตวรรษ

อะไรออกมา

จากการเสียดสีของอัญมณี

ด้วยโลหะ ความหนักเบา

ซึ่งไม่มีทางหนีรอดไปได้...

อาจเป็นภาชนะที่มีสายสั่นไหว

ทะลุเรื่องนี้เหรอ?

ส่วนที่สองของบทกวีบรรยายถึงพลังแห่งงานศิลปะของ Orpheus ซึ่งสร้างปาฏิหาริย์ “ทำให้ช่องเขาและป่าไม้ตอบสนองต่อเสียง ทำให้กระแสน้ำไหลตรง เหมือนกับที่แขนงอโดยไม่งอข้อศอก” แต่โลกแห่งความสามัคคีนั้นออร์ฟัสสูญเสียไปอย่างไม่อาจแก้ไขได้ซึ่งสืบเชื้อสายมาจากยมโลกและบทกวีจบลงด้วยการรับรู้ถึงความพ่ายแพ้ของเขาอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้:

เพราะคุณจะต้องเรียนรู้ว่า

สิ่งที่เราได้เรียนรู้

ว่าบางสิ่งบางอย่าง

ถูกทำเครื่องหมายโดยธรรมชาติของพวกเขา

ที่จะไม่แล้วเสร็จ

แต่เพียงแต่ปรารถนาและ

แสวงหาอยู่ระยะหนึ่งแล้วละทิ้งไป

ตอนนี้ออร์ฟัสคลาน

เกี่ยวกับผู้ลี้ภัยที่ต้องอับอาย

กลับอยู่ภายใต้การพังทลาย

กำแพงที่พังทลายของตัวคุณเอง

เพราะคุณไม่ใช่ดวงดาว

ท้องฟ้าที่ตั้งเป็นรูปพิณ

แต่เป็นผงคลีของคนที่เคยไป

ถูก Fuaies แยกส่วน!

เพราะคุณต้องเข้าใจ

สิ่งที่เราเข้าใจกันหมดแล้วก็คือมีสิ่งต่างๆ

ซึ่งโดยธรรมชาติของมันเอง

มันไม่ได้มอบให้เพื่อให้ตระหนัก

คุณสามารถต่อสู้เพื่อพวกเขา ปรารถนาพวกเขา

และยอมแพ้ในที่สุด

ดังนั้นคลานออร์ฟัส

โอ้ ผู้หลบหนีผู้โชคร้าย

คลานกลับใต้ซากปรักหักพัง

สาระสำคัญของตัวเอง

เพราะเจ้าไม่ใช่กลุ่มดาวในสวรรค์

เป็นรูปพิณ

แต่มีเพียงขี้เถ้าเหล่านั้นเท่านั้น

ที่ถูกเผ่า Maenad ฉีกเป็นชิ้นๆ

บทกวีทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างภาพของความหนักหน่วงซึ่งแสดงด้วยทองคำและอัญมณีที่นี่การสะสมไฮเปอร์โบลิกซึ่งกลายเป็นลางร้ายป้องกันไม่ให้บุคคลเคลื่อนไหวหายใจและภาพแห่งความเปราะบาง - เด็กผู้หญิงที่ได้รับบาดเจ็บ ขา เป็นภาชนะที่มีสายสั่นสะท้าน ตามที่ศิลปินกล่าวไว้ ความตายของความงามที่เปราะบางเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ และบทละครทั้งหมดของเขายืนยันเรื่องนี้

เห็นได้ชัดว่าบทกวีนี้เกี่ยวข้องโดยตรงกับบทละครที่มีชื่อเดียวกันมากที่สุด ซึ่งภาพลักษณ์บทกวีดังกล่าวถูกทำให้เป็นรูปธรรมและถ่ายโอนไปยังดินแดนที่เฉพาะเจาะจงทางสังคม ในขณะเดียวกันบทกวีนี้ก็สร้างภาพทั่วไปของความชั่วร้าย นรก รูปแบบต่าง ๆ ที่เราเห็นในบทละครอื่นของนักเขียนบทละคร

ในฐานะคนโรแมนติก เทนเนสซีวิลเลียมส์ล้มเหลวในการค้นหาอุดมคติของเขาในชีวิตจริง ดังนั้นดังที่เราได้แสดงไปแล้วข้างต้น เขาจึงเชื่อมโยงมันกับภาพโบราณและในพระคัมภีร์ ลวดลายที่เขาชื่นชอบคือการตรึงกางเขนของพระคริสต์ ศีลมหาสนิท การเสียสละตนเอง การต่อสู้กับเหล่าทูตสวรรค์ ภาพต้นแบบที่ชื่นชอบ - พระคริสต์, เซนต์เซบาสเตียน, พระแม่มารี, ออร์ฟัส, ยูริไดซ์ บางครั้งเขาหันไปหาต้นแบบวรรณกรรม - Don Quixote, Lord Byron, Casanova, Marguerite Gautier แต่สิ่งเหล่านี้ล้วนแสดงถึงมนุษยนิยมและความรัก

นี่คือวิธีสร้างแนวคิดโรแมนติกของโลกเทนเนสซีวิลเลียมส์: มีการปะทะกันระหว่างความดีและความชั่วความรักและความตายและหมวดหมู่เหล่านี้ได้รับเสียงที่เป็นสากล - นี่คือ "การต่อสู้ของเทวดา" ชั่วนิรันดร์เหนือหัวของ ประชากร. ภาพนี้ซึ่งตั้งชื่อให้กับละครเรื่องหนึ่ง (เวอร์ชันแรกของ "Orpheus") พบครั้งแรกในบทกวีในบทกวี "Legend" เริ่มต้นด้วยคำอธิบายของการพบปะของคู่รัก ซึ่งกระตุ้นให้เกิดความสัมพันธ์กับอาดัมและเอวาในสวรรค์อย่างชัดเจน และปิดท้ายด้วยบรรทัดเหล่านี้:

ใบมีดไขว้ขยับ

ลมพัดไปทางทิศใต้ตลอดไป

นกก็ถูกยกขึ้นเหมือนขี้เถ้า

ห่างจากศูนย์กลางอันร้อนแรงนั้น

แต่พวกเขาก็หลงทาง

ไม่สามารถสังเกตลางบอกเหตุได้ -

ลูกศรแห่งความรักอันร้อนแรงและรวดเร็ว

ในขณะที่โลหะปะทะกัน

การต่อสู้ของเหล่าเทวดาที่อยู่เบื้องบน

และฟ้าร้องและพายุ

ใบมีดไขว้ได้ขยับ

ลมพัดไปทางทิศใต้และนกตลอดไป

กุหลาบเหมือนขี้เถ้า

พุ่งออกไปจากความร้อนอันร้อนระอุของใจกลาง

แต่ถึงวาระ

พวกเขาไม่สามารถมองเห็นสัญญาณ -

พวกเขารู้สึกเท่านั้น

ลูกศรแห่งความรักอันร้อนแรงและรวดเร็ว

ในขณะที่ดาบล็อคอยู่:

เหนือพวกเขาคือการต่อสู้ของเหล่าเทวดา

และฟ้าร้องและพายุ

ในขณะเดียวกันก็มีความเสี่ยงที่จะไปสู่อีกขั้วหนึ่ง - นำเสนอเทนเนสซีวิลเลียมส์ว่าเป็นคนโรแมนติกโดยสิ้นเชิงซึ่งจะไม่ถูกต้องเช่นกัน ความจริงก็คือหลักการทางวัตถุซึ่งฮีโร่ของเขาไม่สามารถต้านทานได้นั้นมีอยู่ไม่เพียง แต่ในโลกภายนอกเท่านั้น แต่ยังอยู่ในตัวมันเองด้วย นี่คือสาเหตุที่ Blanche ยอมแพ้อย่างช่วยไม่ได้และหยุดต่อต้าน Stanley เมื่อเขาบอกเธอว่า: "เอาน่า Blanche เราสร้างเดทนี้ให้กันตั้งแต่แรกเริ่ม" - ในขณะนี้เธอตระหนักดีว่าเธอกำลังต่อสู้ไม่เพียงกับ Stanley เท่านั้น แต่ กับตัวเธอเองด้วย ความเป็นคู่ภายในที่คล้ายคลึงกันนั้นมีอยู่ในฮีโร่คนอื่นๆ ของวิลเลียมส์หลายคน ซึ่งบางครั้งก็ขาดระหว่างความจำเป็นของวิญญาณกับการเรียกของเนื้อหนัง ในทางกลับกันสิ่งนี้ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับอิทธิพลที่ค่อนข้างแข็งแกร่งของลัทธิธรรมชาติที่มีต่องานของนักเขียนบทละคร

จากทั้งหมดที่กล่าวมาทำให้สามารถสรุปได้ว่ามรดกทางความโรแมนติกนั้นสัมผัสได้อย่างแข็งแกร่งในผลงานของตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดสองคนของละครอเมริกันแห่งศตวรรษที่ 20 แสดงออกทั้งในรูปแบบและเนื้อหาผลงาน ทั้งในระดับประเด็น ความขัดแย้ง จินตภาพ และทัศนคติทั่วไป ในเวลาเดียวกัน แนวโรแมนติกยังห่างไกลจากวิธีการสร้างสรรค์ของพวกเขาหมดไป การผสมผสานอย่างประณีตกับกระแสความงามและปรัชญาอื่น ๆ และวิสัยทัศน์ของศิลปินเอง มันมีส่วนช่วยในการสร้างสรรค์รูปแบบศิลปะดั้งเดิม

แน่นอนว่า Eugene O'Neill และ Tennessee William ไม่ใช่นักเขียนบทละครชาวอเมริกันเพียงคนเดียวที่ได้รับอิทธิพลจากแนวโรแมนติก ดังที่เราได้กล่าวไปแล้ว แนวโน้มโรแมนติกนั้นมองเห็นได้ชัดเจนในละครประวัติศาสตร์ของ Anderson และ Sherwood; Vitaly Wolf เรียก William Inge ว่า "บรอดเวย์" โรแมนติก”; แนวโรแมนติกก็มีอยู่ในบทละครของ Saroyan และนักเขียนชาวอเมริกันสมัยใหม่คนอื่น ๆ อย่างไรก็ตามในบทละครของ O'Neill และ Williams นั้นกลายเป็นองค์ประกอบที่ทรงพลังของบทกวีในบทละครของพวกเขาตลอดงานของพวกเขา