ศิลปะสมัยใหม่มักเรียกว่าการเคลื่อนไหวทางศิลปะทุกประเภทที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลังสงคราม มันเป็นช่องทางที่สอนผู้คนให้ฝันและสร้างสรรค์ความเป็นจริงใหม่ของชีวิตอีกครั้ง
เบื่อหน่ายกับพันธนาการของกฎเกณฑ์อันโหดร้ายในอดีต ศิลปินรุ่นเยาว์จึงตัดสินใจทำลายบรรทัดฐานทางศิลปะแบบเก่า พวกเขาพยายามสร้างแนวทางปฏิบัติใหม่ๆ ที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อน ตรงกันข้ามกับความทันสมัย พวกเขาหันไปใช้วิธีใหม่ในการเปิดเผยเรื่องราวของตน ศิลปินและแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ของเขามีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ของกิจกรรมสร้างสรรค์นั่นเอง ความปรารถนาที่จะย้ายออกจากกรอบการทำงานที่กำหนดไว้นำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่
ความขัดแย้งเริ่มเกิดขึ้นในหมู่ศิลปินเกี่ยวกับความหมายของศิลปะและวิธีการแสดงออก ศิลปะคืออะไร? เราสามารถบรรลุงานศิลปะที่แท้จริงได้โดยวิธีใด? นักแนวคิดและนักมินิมอลลิสต์พบคำตอบสำหรับตัวเองในวลีที่ว่า “ถ้าศิลปะเป็นได้ทุกอย่าง มันก็จะเป็นอะไรก็ได้ไม่ได้” สำหรับพวกเขา การละทิ้งวิถีทางการมองเห็นตามปกติส่งผลให้เกิดเหตุการณ์ เหตุการณ์ และการแสดงต่างๆ ลักษณะเฉพาะของศิลปะร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21 คืออะไร? นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงในบทความ
กราฟิกสามมิติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21
ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 มีชื่อเสียงในด้านกราฟิก 3 มิติ ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ ศิลปินสามารถเข้าถึงวิธีการใหม่ในการสร้างงานศิลปะของตนเอง สาระสำคัญของกราฟิกสามมิติคือการสร้างภาพโดยการสร้างแบบจำลองวัตถุในพื้นที่สามมิติ หากคุณพิจารณารูปแบบศิลปะร่วมสมัยส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 21 การสร้างภาพ 3 มิติดูเหมือนจะเป็นแบบดั้งเดิมที่สุด กราฟิก 3 มิติมีหลายด้านตามความหมายที่แท้จริงของคำนี้ ใช้เพื่อสร้างโปรแกรม เกม รูปภาพ และวิดีโอบนคอมพิวเตอร์ แต่ยังสามารถมองเห็นได้ใต้ฝ่าเท้าของคุณ - บนยางมะตอย
กราฟิก 3 มิติเคลื่อนตัวไปตามท้องถนนเมื่อหลายสิบปีก่อน และยังคงเป็นหนึ่งในรูปแบบสตรีทอาร์ตที่สำคัญที่สุดนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ศิลปินหลายคนวาดภาพสามมิติใน “ภาพวาด” ของตนที่สามารถทำให้ตื่นตาตื่นใจกับความสมจริงได้ ปัจจุบัน Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner และศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ มากมายสร้างสรรค์งานศิลปะที่สามารถทำให้ทุกคนประหลาดใจได้
ศิลปะบนท้องถนนในศตวรรษที่ 21
สมัยก่อนอาชีพคนรวยเยอะมาก เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มันถูกปกคลุมไปด้วยกำแพงของสถาบันพิเศษซึ่งการเข้าถึงของผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัดถูกปฏิเสธ เห็นได้ชัดว่าพลังอันมหาศาลของเขาไม่สามารถอ่อนระทวยไปตลอดกาลภายในอาคารที่อับชื้นได้ ตอนนั้นเองที่มันออกไปสู่ถนนสีเทาที่มืดมน เลือกที่จะเปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของเราไปตลอดกาล แม้ว่าในตอนแรกทุกอย่างจะไม่ง่ายนัก
ไม่ใช่ทุกคนที่พอใจกับการเกิดของเขา หลายคนคิดว่ามันเป็นผลมาจากประสบการณ์ที่เลวร้าย บางคนถึงกับปฏิเสธที่จะใส่ใจกับการมีอยู่ของมัน ในขณะเดียวกันผลิตผลยังคงเติบโตและพัฒนาต่อไป
ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับความยากลำบากตลอดเส้นทาง เนื่องจากมีรูปแบบที่หลากหลาย บางครั้งสตรีทอาร์ตจึงแยกแยะได้ยากจากการก่อกวน
ทุกอย่างเริ่มต้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมาในนิวยอร์ก ในเวลานี้ ศิลปะบนท้องถนนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้น และชีวิตของเขาได้รับการสนับสนุนจาก Julio 204 และ Taki 183 พวกเขาทิ้งจารึกไว้ในที่ต่าง ๆ ในพื้นที่ของตน จากนั้นจึงขยายพื้นที่จำหน่าย คนอื่นๆ ตัดสินใจแข่งขันกับพวกเขา นี่คือจุดเริ่มต้นของความสนุก ความกระตือรือร้นและความปรารถนาที่จะแสดงออกส่งผลให้เกิดการต่อสู้แห่งความคิดสร้างสรรค์ ทุกคนกระตือรือร้นที่จะค้นพบวิธีการดั้งเดิมเพื่อสร้างชื่อเสียงให้กับตนเองและผู้อื่น
ในปี 1981 ศิลปะบนท้องถนนสามารถข้ามมหาสมุทรได้ ศิลปินข้างถนนจากฝรั่งเศส BlekleRat ช่วยเขาในเรื่องนี้ เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินกราฟฟิตี้กลุ่มแรกๆ ในปารีส เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นบิดาแห่งกราฟฟิตีลายฉลุ สัมผัสอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาคือภาพวาดของหนูซึ่งหมายถึงชื่อของผู้สร้าง ผู้เขียนสังเกตว่าหลังจากจัดเรียงตัวอักษรคำว่า หนู (rat) ใหม่แล้ว ผลลัพธ์ที่ได้คือศิลปะ (art) Blek เคยกล่าวไว้ว่า "หนูเป็นสัตว์อิสระเพียงชนิดเดียวในปารีสที่แพร่กระจายไปทุกที่ เช่นเดียวกับสตรีทอาร์ต"
ศิลปินข้างถนนที่โด่งดังที่สุดคือ Banksy ซึ่งเรียก BlekleRat ว่าเป็นอาจารย์หลักของเขา ผลงานเฉพาะของชาวอังกฤษที่มีพรสวรรค์นี้สามารถเงียบทุกคนได้ ในภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้ลายฉลุ เขาเผยให้เห็นสังคมยุคใหม่ด้วยความชั่วร้าย แบงก์ซี่มีสไตล์ดั้งเดิมที่ช่วยให้เขาสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมมากยิ่งขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือตัวตนของ Banksy ยังคงปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ยังไม่มีใครสามารถไขปริศนาเกี่ยวกับตัวตนของศิลปินได้
ในขณะเดียวกัน Street Art ก็ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมื่อถูกผลักไสให้เคลื่อนไหวตามขอบถนน ศิลปะบนท้องถนนได้ขึ้นสู่เวทีการประมูลแล้ว ผลงานของศิลปินถูกขายไปในราคามหาศาลโดยผู้ที่ครั้งหนึ่งเคยปฏิเสธที่จะพูดถึงเขา นี่คืออะไร พลังแห่งชีวิตแห่งศิลปะหรือกระแสหลัก?
แบบฟอร์ม
ปัจจุบันมีการจัดแสดงศิลปะร่วมสมัยที่น่าสนใจหลายประการ ทบทวนรูปแบบศิลปะร่วมสมัยที่แปลกตาที่สุด จะถูกนำเสนอต่อความสนใจของคุณด้านล่าง
สำเร็จรูป
คำว่า readymade มาจากภาษาอังกฤษ แปลว่า "พร้อม" จริงๆ แล้ว เป้าหมายของทิศทางนี้ไม่ใช่การสร้างเนื้อหาใดๆ แนวคิดหลักในที่นี้ก็คือ การรับรู้ของบุคคลต่อวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมของวัตถุ ผู้ก่อตั้งขบวนการคือ Marcel Duchamp ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “น้ำพุ” ซึ่งเป็นโถปัสสาวะพร้อมลายเซ็นและวันที่
อะนามอร์โฟส
Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพในลักษณะที่สามารถมองเห็นได้อย่างเต็มที่จากมุมหนึ่งเท่านั้น หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของเทรนด์นี้คือ Bernard Pras ชาวฝรั่งเศส เขาสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งโดยใช้อะไรก็ตามที่อยู่ในมือ ด้วยทักษะของเขา เขาจึงสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งได้ ซึ่งสามารถมองเห็นได้จากมุมหนึ่งเท่านั้น
ของเหลวชีวภาพในงานศิลปะ
การเคลื่อนไหวที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดอย่างหนึ่งในศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 คือการวาดภาพที่วาดด้วยของเหลวของมนุษย์ ผู้ติดตามรูปแบบศิลปะสมัยใหม่นี้มักจะใช้เลือดและปัสสาวะ สีของภาพวาดในกรณีนี้มักจะดูมืดมนและน่ากลัว ตัวอย่างเช่น แฮร์มันน์ นิตช์ ใช้เลือดและปัสสาวะจากสัตว์ ผู้เขียนอธิบายการใช้วัสดุที่ไม่คาดคิดในวัยเด็กที่ยากลำบากในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง
ภาพวาดแห่งศตวรรษที่ XX-XXI
ประวัติโดยย่อของการวาดภาพประกอบด้วยข้อมูลที่ปลายศตวรรษที่ 20 กลายเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนในยุคของเรา ในช่วงหลังสงครามอันยากลำบาก ทรงกลมแห่งนี้ได้ประสบกับการเกิดใหม่อีกครั้ง ศิลปินพยายามที่จะค้นพบแง่มุมใหม่ๆ ของความสามารถของตน
ลัทธิสุพรีมาติสต์
Kazimir Malevich ถือเป็นผู้สร้าง Suprematism ในฐานะนักทฤษฎีหลัก เขาประกาศว่าลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นวิธีชำระล้างงานศิลปะจากสิ่งที่ไม่จำเป็นทั้งหมด ด้วยการละทิ้งวิธีการถ่ายทอดภาพแบบเดิมๆ ศิลปินจึงแสวงหาที่จะปลดปล่อยงานศิลปะจากศิลปะที่พิเศษกว่านั้น งานที่สำคัญที่สุดในประเภทนี้คือ "Black Square" อันโด่งดังของ Malevich
ศิลปะป๊อป
ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ในช่วงหลังสงคราม สังคมเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงระดับโลก ตอนนี้ผู้คนสามารถซื้อได้มากขึ้น การบริโภคกลายเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของชีวิต ผู้คนเริ่มถูกยกระดับให้เป็นลัทธิ และสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นสัญลักษณ์ Jasper Johns, Andy Warhol และผู้ติดตามขบวนการคนอื่นๆ พยายามใช้สัญลักษณ์เหล่านี้ในภาพวาดของพวกเขา
ลัทธิแห่งอนาคต
ลัทธิแห่งอนาคตถูกค้นพบในปี 1910 แนวคิดหลักของการเคลื่อนไหวนี้คือความปรารถนาที่จะมีสิ่งใหม่การทำลายกรอบของอดีต ศิลปินบรรยายถึงความปรารถนานี้โดยใช้เทคนิคพิเศษ จังหวะที่คมชัด กระแส การเชื่อมต่อ และทางแยกเป็นสัญญาณของลัทธิแห่งอนาคต ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิแห่งอนาคต ได้แก่ Marinetti, Severini, Carra
ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21
ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 21) ไหลลื่นจากศิลปะใต้ดินที่ "ไม่เป็นทางการ" ของสหภาพโซเวียต ศิลปินรุ่นเยาว์ในยุค 90 กำลังมองหาวิธีใหม่ๆ ในการบรรลุความทะเยอทะยานทางศิลปะในประเทศใหม่ ในเวลานี้ ลัทธิแอ็คชั่นนิยมของมอสโกได้ถือกำเนิดขึ้น ผู้ติดตามของเขาท้าทายอดีตและอุดมการณ์ของมัน การทำลายเขตแดน (ตามตัวอักษรและเชิงเปรียบเทียบ) ทำให้สามารถพรรณนาทัศนคติของคนรุ่นใหม่ต่อสถานการณ์ในประเทศได้ ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 กลายเป็นศิลปะที่แสดงออก น่ากลัว และน่าตกใจ แบบที่สังคมปิดตัวเองมานานแล้ว การกระทำของ Anatoly Osmolovsky (“ Mayakovsky - Osmolovsky”, “ ต่อต้านทุกคน”, “ สิ่งกีดขวางบน Bolshaya Nikitskaya”), การเคลื่อนไหว“ ETI” (“ ข้อความ ETI”), Oleg Kulik (“ Piglet แจกของขวัญ”, “ Mad Dog หรือข้อห้ามสุดท้าย” ซึ่งได้รับการปกป้องโดย Cerberus ผู้โดดเดี่ยว”) Avdey Ter-Oganyan (“ศิลปะป๊อป”) ได้เปลี่ยนประวัติศาสตร์ของศิลปะสมัยใหม่ไปตลอดกาล
รุ่นใหม่
Slava PTRK เป็นศิลปินร่วมสมัยจาก Yekaterinburg บางคนอาจนึกถึงงานของเขาโดย Banksy อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Slava มีแนวคิดและความรู้สึกที่คุ้นเคยเฉพาะกับพลเมืองรัสเซียเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือแคมเปญ "ดินแดนแห่งโอกาส" ศิลปินสร้างคำจารึกจากไม้ค้ำยันบนอาคารโรงพยาบาลร้างในเยคาเตรินเบิร์ก สลาวาซื้อไม้ค้ำยันจากชาวเมืองที่เคยใช้มัน ศิลปินได้ประกาศการกระทำดังกล่าวบนหน้าโซเชียลเน็ตเวิร์กของเขา ซึ่งเพิ่มความน่าดึงดูดใจให้กับเพื่อนร่วมชาติของเขา
พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย
บางที ครั้งหนึ่ง ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 อาจดูเหมือนเป็นสื่อกลาง แต่ในปัจจุบัน ผู้คนจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ต่างมุ่งมั่นที่จะเข้าร่วมในสาขาศิลปะใหม่ พิพิธภัณฑ์จำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ กำลังเปิดประตูสู่วิธีการแสดงออกแบบใหม่ นิวยอร์กเป็นเจ้าของสถิติในสาขาศิลปะร่วมสมัย นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์สองแห่งที่นี่ซึ่งเป็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดในโลก
ห้องแรกคือ MoMA ซึ่งเป็นที่เก็บภาพวาดของ Matisse, Dali และ Warhol ประการที่สองคือพิพิธภัณฑ์ สถาปัตยกรรมที่แปลกตาของอาคารอยู่ติดกับผลงานของ Picasso, Marc Chagall, Kandinsky และอื่น ๆ อีกมากมาย
ยุโรปยังมีชื่อเสียงในด้านพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอันงดงามแห่งศตวรรษที่ 21 พิพิธภัณฑ์ KIASMA ในเฮลซิงกิช่วยให้คุณสัมผัสวัตถุที่จัดแสดงได้ ศูนย์กลางในเมืองหลวงของฝรั่งเศสสร้างความประหลาดใจด้วยสถาปัตยกรรมที่แปลกตาและผลงานของศิลปินร่วมสมัย พิพิธภัณฑ์ Stedelijkmuseum ในอัมสเตอร์ดัมเป็นที่จัดแสดงคอลเลกชั่นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดของ Malevich เมืองหลวงของบริเตนใหญ่มีวัตถุศิลปะร่วมสมัยจำนวนมาก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เวียนนาจัดแสดงผลงานของ Andy Warhol และศิลปินร่วมสมัยผู้มากความสามารถคนอื่นๆ
ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 (จิตรกรรม) - ลึกลับเข้าใจยากน่าหลงใหลได้เปลี่ยนเวกเตอร์ของการพัฒนาไปตลอดกาลไม่เพียง แต่ในขอบเขตที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติด้วย สะท้อนและสร้างความทันสมัยไปพร้อมๆ กัน ศิลปะแห่งความทันสมัยเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลาทำให้บุคคลที่รีบร้อนอยู่ตลอดเวลาหยุดชั่วขณะหนึ่ง หยุดจดจำความรู้สึกที่อยู่ลึกข้างใน หยุดเร่งฝีเท้าอีกครั้งและเร่งรีบเข้าสู่วังวนของเหตุการณ์และเหตุการณ์ต่างๆ
จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ วิจิตรศิลป์ของรัสเซียได้ผสมผสานวัฒนธรรมศิลปะของชาติเข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติ เมื่อพูดถึงโรงเรียนระดับชาติ เราสามารถบอกคุณสมบัติหลักของโรงเรียนแต่ละแห่งได้ ตัวอย่างเช่น ชี้ให้เห็นถึงจิตวิทยาดั้งเดิมของโรงเรียนรัสเซีย อารมณ์และบทกวี – ภาษายูเครน; ตัวละครที่น่าทึ่งและแม้กระทั่งตามที่นักวิจัยตั้งข้อสังเกตถึงโศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ - เบลารุส; ความรู้สึกสูงของความเป็นอนุสรณ์สถาน - จอร์เจีย; การตกแต่งที่ร่าเริง - โรงเรียนมอลโดวาหรืออาร์เมเนีย ความใกล้ชิดเป็นพิเศษกับต้นกำเนิดพื้นบ้าน - โรงเรียนลิทัวเนีย, คีร์กีซ, อุซเบก; จิตวิญญาณที่มีเหตุผลและสติปัญญา - โรงเรียนเอสโตเนีย ฯลฯ แต่แน่นอนว่าสิ่งเหล่านี้จะมีข้อจำกัดมาก มีด้านเดียว และโดยทั่วไปแล้วจึงมีคุณลักษณะที่ไม่ถูกต้อง โรงเรียนระดับชาติแต่ละแห่งที่มีความเฉพาะเจาะจงเชิงเปรียบเทียบและโวหารที่ซับซ้อนในรูปแบบ เทคนิค และโวหารที่แตกต่างกัน ยังคงซื่อสัตย์ต่ออุดมคติหลักของมนุษย์
ต้องบอกว่าแม้จะมีความยากลำบากในการพัฒนาประวัติศาสตร์ของสังคมของเราตั้งแต่สงครามกลางเมืองไปจนถึงมหาสงครามแห่งความรักชาติจากความอดอยากในช่วงปลายทศวรรษ 1920 - ต้นทศวรรษ 1930 ไปจนถึงเศรษฐกิจหลังสงครามที่ถูกทำลาย จากการโกหกและความเท็จของนโยบายของรัฐเผด็จการ - ไปจนถึง "การปฏิวัติ" ของต้นทศวรรษ 1990 ภายใต้กรอบของเสรีภาพที่ จำกัด อย่างเข้มงวดของ "สัจนิยมสังคมนิยม" - ทั้งหมดนี้น่าทึ่งมาก เรายอมรับว่าปรมาจารย์ได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมมากมาย ( และจะมีอีกกี่คนที่ถูกสร้างขึ้นโดยผู้ที่จมดิ่งสู่การลืมเลือนในช่วงหลายปีแห่งการปราบปรามหรือถูกเผาในกองไฟแห่งมหาสงครามแห่งความรักชาติ!) และสิ่งนี้จะต้องถูกจดจำ
ภาพชีวิตทางศิลปะที่นำเสนอที่นี่สะท้อนให้เห็นถึงความล้ำสมัยของศิลปะก่อนช่วงเวลาอันน่าทึ่งของการล่มสลายของสหภาพโซเวียต ผู้สร้างตำราเรียนของผู้เขียนอดไม่ได้ที่จะแสดงจุดยืนของเขาเกี่ยวกับการพัฒนาสถานการณ์ในชีวิตศิลปะของรัสเซียในดินแดนของสาธารณรัฐเดิม เราไม่สามารถปฏิเสธได้ว่าการเพิ่มขึ้นอย่างเหลือเชื่อของศิลปะทั้งหมดในสาธารณรัฐแห่งชาติของสหภาพโซเวียตการเกิดขึ้นของวัฒนธรรมทั้งชั้นตั้งแต่การเขียนไปจนถึงภาพนั้นเป็นไปได้ด้วยบทบาททางวัฒนธรรม "บำรุง" ของวัฒนธรรมรัสเซียด้วยบางครั้ง แม้กระทั่งความพยายามเสียสละของตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนชาวรัสเซีย หลังจากการล่มสลายของสหภาพโซเวียต ชนชั้นสูงระดับชาติบางส่วนของรัฐที่สร้างขึ้นใหม่บนดินแดนเดิมมักแสดงความเห็นแก่ตัวและความเนรคุณ โดยพยายามลบบทบาทของชาวรัสเซียและวัฒนธรรมของพวกเขาในชีวิตของประเทศของตน และในหนังสือบางเล่มและ หนังสือเรียนที่พวกเขาเรียกว่าผู้ยึดครองชาวรัสเซีย เราต้องยอมรับว่าโครงการคอมมิวนิสต์เพื่อสร้างประเทศโซเวียตเดียวไม่ประสบความสำเร็จ อันที่จริง มีเพียงรัสเซียเท่านั้นที่ถูกเลี้ยงดูมาในอุดมคติของมิตรภาพของประชาชน การเสียสละตนเอง และ "หน้าที่ระหว่างประเทศที่เป็นนามธรรม" แต่เราหวังว่า "โรงสีแห่งประวัติศาสตร์" จะบดบังการใส่ร้ายและการปลอมแปลง และเมื่อเวลาผ่านไป บทบาทของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 20 จะได้รับการยกย่อง “ตั้งแต่หินฟินแลนด์ที่เย็นชาไปจนถึง Colchis ที่ลุกเป็นไฟ” การไม่ได้บอกว่าสิ่งนี้จะบิดเบือนกระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะในอนาคต
อันเป็นผลมาจากการหยุดชะงักและการหยุดชะงักของความสัมพันธ์ทางวัฒนธรรมที่จัดตั้งขึ้นระหว่างสาธารณรัฐเราไม่สามารถตัดสินกระบวนการทางศิลปะที่กำลังเกิดขึ้นที่นั่นได้ดังนั้นเราจึงสามารถพูดคุยเกี่ยวกับศิลปะในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 และ – มีเพียงรัสเซียเท่านั้น
ที่เรียกว่า ศิลปะหลังโซเวียต ช่วงเปลี่ยนศตวรรษพอดีกับกรอบเวลาที่น้อยเกินไปสำหรับการเลือกชื่อใดๆ สำหรับวัตถุประสงค์ (ถ้าเป็นไปได้) ภาพประวัติศาสตร์ มีเพียงอนาคตเท่านั้นที่จะวางทุกสิ่งเข้าที่และอนุญาตให้นักประวัติศาสตร์ศิลป์สรุปข้อสรุปที่ถูกต้องและทำการประเมินที่ถูกต้อง แต่สามารถสรุปปัญหาหลักได้แล้ว
และหนึ่งในปัญหาเหล่านี้ก็กังวล จิตรกรรมทางศาสนา ซึ่งเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์สมัยใหม่ของรัฐของเราที่ประกาศตัวเองในทศวรรษ 1990 ในช่วงเวลาหลายปีที่ระดับศีลธรรมของสังคมเสื่อมถอยลงอย่างรวดเร็ว คนรุ่นเก่าไม่เพียงแต่เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่มีชื่อเสียงสูงสุดด้วย หันมาสนใจหัวข้อคริสเตียนมากขึ้นในภาพวาดขาตั้ง (ธีมของ Golgotha โดย E. Moiseenko และ A. Mylnikov, Eternal memory..." V. Ivanova, "The Annunciation" (ดูสีแทรก) และ "Judas" โดย G. Korzhev, "The Last Supper" และ "Carrying the Cross" โดย จิตรกรของคนรุ่นใหม่ N. Nesterova แม้แต่ "โบสถ์ภาคเหนือ" ก่อนหน้านี้ V. Popkova ก็สามารถกล่าวถึงได้ในซีรีส์นี้) แต่คำหลักที่นี่ปรากฎว่าไม่ใช่ของจิตรกรขาตั้ง แต่เป็นของนักอนุสาวรีย์
ภาพวาดของโบสถ์ออร์โธดอกซ์รัสเซียซึ่งออกดอกมากที่สุดในยุคกลาง ยังคงพัฒนาต่อไปภายใต้กรอบของศิลปะเชิงวิชาการ และพบว่านักวิจัยที่จริงจังในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 หยุดมีอยู่ในปี พ.ศ. 2460 นโยบายของรัฐเรื่องลัทธิต่ำช้า เมื่อจัดการกับออร์โธดอกซ์อย่างรุนแรงจึงขัดขวางทั้งการพัฒนาภาพวาดไอคอนและการก่อสร้างวัด อย่างไรก็ตามนักประวัติศาสตร์ศิลป์ชาวรัสเซียคนสำคัญ (Olsufyev, Grabar, Lazarev, Alpatov ฯลฯ ) มีส่วนร่วมในการค้นหาไอคอนเก่า ๆ (นี่คือวิธีการค้นพบไอคอน Rublev จากสัญลักษณ์ของวิหาร Vladimir Assumption ในปี 1922) และ การฟื้นฟูของพวกเขา
ไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 21 – หน้าใหม่ในการพัฒนาการวาดภาพออร์โธดอกซ์ในรัสเซีย ในปี 1989 มูลนิธิอิสระเพื่อการฟื้นฟูศิลปะคริสตจักรได้ก่อตั้งขึ้นในกรุงมอสโก ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับการเฉลิมฉลองสหัสวรรษแห่งการล้างบาปแห่งมาตุภูมินิทรรศการ "ไอคอนสมัยใหม่" จัดขึ้นในกรุงมอสโก ในปี 1997 ซึ่งเกี่ยวข้องกับวันครบรอบ 850 ปีของกรุงมอสโกนิทรรศการ "ไอคอนรัสเซีย" ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ” ได้รับการจัดระเบียบโดยนำเสนอทิศทางที่แตกต่างกันในการพัฒนาไอคอนโดยเริ่มจาก Byzantium ความสนใจเป็นพิเศษถูกดึงไปที่กลุ่มไอคอนของ "ขบวนการพื้นบ้าน" ซึ่งมาจากรูปภาพพื้นบ้านภาพพิมพ์ยอดนิยม จิตรกรไอคอนคนสำคัญที่มีโรงเรียนของตนเองปรากฏตัวขึ้น และประสบความสำเร็จในต่างประเทศ (ตัวอย่างเช่น พ่อของ Archimandrite Father Zinon ที่กล่าวถึงก่อนหน้านี้) ภายในปี 2000 มีเวิร์กช็อปการวาดภาพไอคอนมากกว่า 30 แห่งในมอสโก ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โรงเรียนหลักคือเวิร์กช็อปการวาดภาพไอคอนที่สถาบันศาสนศาสตร์และเซมินารี (นำโดยเจ้าอาวาสอเล็กซานเดอร์) และเวิร์กช็อปการวาดภาพไอคอนและการฟื้นฟูที่ Alexander Nevsky Lavra (นำโดย D. Mironenko) ไม่นับรวม การประชุมเชิงปฏิบัติการมากมายที่วัดวาอารามและไร่นา แกลเลอรีภาพวาดไอคอนสมัยใหม่แห่งแรกในรัสเซีย "Russian Icon" (2003) ปรากฏในเมืองหลวงทางตอนเหนือรวบรวมผลงานของศิลปินจากมอสโก, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, ยาโรสลาฟล์, โนฟโกรอด, ปัสคอฟ, ตเวียร์ ฯลฯ โดยทั่วไปโรงเรียนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มโวหารที่หลากหลาย นิทรรศการ 2537, 2542, 2543, 2544 รวบรวมศิลปินไม่เพียง แต่จากรุ่นที่แตกต่างกันและแนวโน้มโวหารที่แตกต่างกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเภทและประเภทของศิลปะที่แตกต่างกันด้วย: นักอนุสาวรีย์ ศิลปินของศิลปะประยุกต์ประเภทต่าง ๆ เช่นนักเคลือบฟันและตามกฎแล้วจะมีระดับมืออาชีพในระดับสูงเสมอ แสดงร่วมกับจิตรกรไอคอน
ในปี 2002 นอกเหนือจากไอคอนจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มอสโก ทางตะวันตกเฉียงเหนือ ฯลฯ ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะประยุกต์ของสถาบันศิลปะแห่งรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งตั้งชื่อตามบารอน A. L. Stieglitz เป็นครั้งแรก ไอคอนจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก . นำเสนอปีเตอร์สเบิร์ก มอสโก ทางตะวันตกเฉียงเหนือ ฯลฯ จิตรกรรมฝาผนัง โมเสก สำเนาของปรมาจารย์เก่าและผลงานของตนเอง นิทรรศการแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความเข้าใจอย่างลึกซึ้งของศิลปินเกี่ยวกับสัญลักษณ์นี้ การศึกษาเกี่ยวกับหลักการ และความหมายของพื้นที่วัด แต่ที่สำคัญที่สุดคือได้เปิดเผยทิศทางชั้นนำสองประการในศิลปะทางศาสนา: หนึ่ง - จากต้นกำเนิด, ไบแซนเทียมและมาตุภูมิโบราณ, อีกอย่าง - จากศิลปะของสิ่งที่เรียกว่า ระยะเวลาซินโนดัล ทิศทางในการวาดภาพของโบสถ์นี้มีความโดดเด่นด้วยการอุทธรณ์ต่อประเพณีของศิลปะยุโรปตะวันตก ("โรงเรียนโบโลญญา") และประเพณีทางวิชาการในประเทศ (ตัวอย่างคือสัญลักษณ์ของ Borovikovsky ในอาสนวิหาร Mogilev หรือไอคอนของเขาในอาสนวิหารคาซานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก . ปีเตอร์สเบิร์ก) สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในหมู่ศิลปินของเทรนด์นี้ควรสังเกตไว้ในผลงานของ V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov ในศูนย์กลางของการวาดภาพไอคอนเช่น Palekh และ Mstera เพราะพวกเขาเชื่อมโยงประเพณีเหล่านี้ในแบบของตัวเอง (V. Lebedev. “ยอห์นผู้เผยแพร่ศาสนา” ไอคอนของ Mstera ต้นศตวรรษที่ 21; ดูการแทรกสี) วิธีไหนถูกต้องกว่ากัน? ไม่มีคำตอบที่ชัดเจนสำหรับคำถามนี้ จิตรกรไอคอนกำลังมองหาการแสดงออกที่ทันสมัยของตนเองในทั้งสองกรณี: เมื่อพวกเขาหันไปหาแหล่งที่มาของรัสเซียโบราณ และเมื่อพวกเขามองหารากฐานในด้านวิชาการ หลังจากทำงานในวิหารเคียฟวลาดิมีร์ V. M. Vasnetsov เขียนว่าเขารู้สึกไม่พอใจและ "ห่างไกล" จากของแท้ดังนั้นจิตรกรไอคอนสมัยใหม่จึงยังคงมีปัญหามากมายที่ต้องแก้ไข
จิตรกรและผู้บูรณะไอคอนสมัยใหม่เริ่มมีชื่อเสียงในต่างประเทศ (เช่น E. Bolshakov, Yu. Bobrov ทำงานกับ Mount Athos, A. Chashkin, E. Maksimov - ในสหรัฐอเมริกา, N. Mukhin - ในเซอร์เบีย) ศิลปินที่ทำงานด้านจิตรกรรมทางศาสนาในปัจจุบันมีลักษณะพิเศษดังที่กล่าวไปแล้วด้วยความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับศิลปะทางศาสนา ทั้งในรูปแบบขาตั้งและแบบอนุสาวรีย์ เครดิตมากมายมอบให้กับปรมาจารย์ยุคใหม่ในการสร้างสัญลักษณ์ใหม่ของเซเนียแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1988); นักบุญยอห์นแห่งโครนสตัดท์ รูปภาพของการบัพติศมาของมาตุภูมิ (ไอคอนของคุณพ่อซีนอน, 1988 หรือนาตาเลียและนิโคไล บ็อกดานอฟ, 2000; ดูสีแทรก) รวมถึงนักบุญเซราฟิมแห่งไวริตสกี้, เวเนียมินแห่งเปโตรกราด และคนอื่น ๆ เพิ่งถูกถอดถอนในสภาปี 2000 มีการทำงานมากมายเพื่อสร้างสัญลักษณ์ของ "ผู้พลีชีพในราชวงศ์" แต่ยังไม่เสร็จสมบูรณ์จนถึงทุกวันนี้ อย่างไรก็ตาม แม้ในรูปแบบสัญลักษณ์แบบดั้งเดิมที่มีมายาวนาน จิตรกรหลายคนก็ยังแสดงความคิดสร้างสรรค์ที่แข็งแกร่ง การตั้งชื่อเช่นศิลปินเช่น G. Tonkov ก็เพียงพอแล้ว ในตัวเขา "พระตรีเอกภาพ" เราสามารถเห็นตราประทับของประเพณีรัสเซียโบราณที่แข็งแกร่งและลายมือภาพที่แสดงออกของอาจารย์นั้นคล้ายกับจิตรกรรมฝาผนังของ Novgorod และโดยตรงของ Volotovo (โบสถ์อัสสัมชัญบนสนาม Volotovo) แต่มันถูกเขียนโดยศิลปินสมัยใหม่ด้วยความเข้าใจสมัยใหม่เกี่ยวกับสิ่งที่ เป็นภาพ
การบูรณะและการก่อสร้างโบสถ์ใหม่แพร่หลายในช่วง 15-20 ปีที่ผ่านมา ดังนั้นคำถามเกี่ยวกับการออกแบบตกแต่งจึงกลายเป็นเรื่องรุนแรง ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเพียงแห่งเดียวตั้งแต่กลางทศวรรษ 1990 วัดและโบสถ์มากกว่า 100 แห่งได้รับการบูรณะและสร้าง ตัวอย่างของการทำงานร่วมกันที่ประสบความสำเร็จของสถาปัตยกรรมและภาพวาดไอคอนใหม่ทั้งหมด จิตรกรรมฝาผนังและกระเบื้องโมเสคแสดงให้เราเห็นโดยคอนแวนต์ Novodevichy Resurrection แห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบน Moskovsky Prospekt และในเรื่องนี้ก็ควรสังเกตไว้ตรง ๆ ว่า โมเสก ได้กลายเป็นที่ต้องการอย่างมากในการก่อสร้างวัดใหม่
ศิลปะที่มาจาก Rus' จาก Byzantium และประสบกับการกำเนิดใหม่ในศตวรรษที่ 18 ความพยายามและพรสวรรค์ของ M.V. Lomonosov และการเพิ่มขึ้นครั้งใหม่ในศตวรรษที่ 19 ประการแรก ภายในกำแพงของ Imperial Academy of Arts โมเสกไม่ได้ถูกลืมเลือนในช่วงปีแห่งอำนาจของสหภาพโซเวียต เราได้เล่าไปแล้วว่าในช่วงทศวรรษที่ 1930 ในการเชื่อมต่อกับการก่อสร้างสถานีรถไฟใต้ดินและอาคารสาธารณะอื่น ๆ ความสามารถในการตกแต่งและที่สำคัญที่สุดคือลักษณะการโฆษณาชวนเชื่อถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย ในช่วงหลังสงครามและหลังจากนั้น โรงเรียนอนุบาลและสถานพยาบาล โรงพยาบาล สถานประกอบการ ผนังโรงเรียน ฯลฯ ได้รับการตกแต่งด้วยกระเบื้องโมเสก ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นอกเหนือจากการประชุมเชิงปฏิบัติการโมเสกของ Academy of Arts แล้ว ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Higher Art School ซึ่งตั้งชื่อตาม V.I. Mukhina (SPbVHPA ซึ่งได้รับการส่งคืนชื่อผู้ก่อตั้ง Baron A.L. Stieglitz อย่างถูกต้อง) ได้ทำงานและยังคงทำงานอยู่ ดีมาก.
นักวิจัยทราบอย่างถูกต้องว่าประสบการณ์ของกระเบื้องโมเสกในยุคโซเวียตซึ่งมีส่วนร่วมทั้งหมดช่วยศิลปินรุ่นเยาว์ได้อย่างมากในขั้นตอนใหม่ของการพัฒนาซึ่งเริ่มขึ้นในปี 1990 ทั้งในด้านวิธีการพิมพ์การทำความเข้าใจความสามารถของวัสดุ และในการใช้เทคโนโลยีใหม่ๆ ไม่ได้อยู่ในมอสโกอีกต่อไป แต่ในรถไฟใต้ดินเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts นักเรียนของ A. A. Mylnikov, A. Bystrov ตกแต่งสถานีรถไฟใต้ดิน Alexander Nevsky ด้วยฉากการต่อสู้ที่มีชื่อเสียง - และนี่คือ งานสุดท้ายที่สร้างขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อนการล่มสลายของสหภาพโซเวียต ลำดับสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 สำหรับการประชุมเชิงปฏิบัติการโมเสกของ Academy of Arts และปรมาจารย์คนเดียวกันได้สร้างแผงโมเสกสำหรับสถานี Sportivnaya (พ.ศ. 2541-2542 ดูการแทรกสี) ใน "ธีมโอลิมปิก" ซึ่งศิลปินแสดงความรู้และแสดงความเข้าใจที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับตำนานโบราณและ ศิลปะโบราณ ต่อมา A. Bystrov (ร่วมกับ E. Bystrov และคนอื่น ๆ ) ตกแต่งภายในของสถานีรถไฟใต้ดิน Volkovskaya, Admiralteyskaya ฯลฯ ทีมนักอนุสาวรีย์ผู้มีชื่อเสียงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอีกทีม: S. Repin, N. Fomin, I. Uralov, V . Sukhov - ผู้เขียนภาพโมเสกของสถานีรถไฟใต้ดิน "Ozerki", "Dostoevskaya", "Krestovsky Island", "Sennaya" ฯลฯ ศิลปินชื่อดังกลุ่มเดียวกันได้แสดงภาพโมเสกในโบสถ์แห่งการประสูติของพระแม่มารีในหมู่บ้าน Aleksandrovskoye, เขตเลนินกราด (สถาปนิก A. Shreter, A. Golovin, G. Uralov)
ตั้งแต่ต้นทศวรรษ 2000 มีการเปลี่ยนแปลงภายในประเทศอย่างเห็นได้ชัด ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ในแง่ที่ว่ารัฐเลิกเป็นลูกค้าเพียงรายเดียว ลูกค้าเอกชนก็ปรากฏตัวขึ้น สำหรับศิลปะขาตั้งในทศวรรษที่ผ่านมา การพัฒนาในช่วงเวลานี้ค่อนข้างหลากหลาย ศิลปินหลายคนที่โด่งดังในช่วงทศวรรษ 1970-1980 ยังคงทำงานต่อไป เช่นเดียวกับ A. Kulinich คนเดียวกัน (ดูภาพพิมพ์หินสีอันน่าทึ่งของเขาที่อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของอาราม Kirillo-Belozersky และ Spaso-Kamenny (ภูมิภาค Vologda) ภาพประกอบของเขาสำหรับ โกกอลยังคงรอตีพิมพ์และภาพวาดสีสันสดใสของเขาเต็มไปด้วยจินตนาการและอารมณ์ขันพื้นบ้าน) และนี่เป็นเพียงตัวอย่างหนึ่งของศิลปินคนหนึ่งที่สร้างชื่อให้กับตัวเองในช่วงทศวรรษ 1970-1980 ในบรรดาผู้ที่ทำงานอย่างมีประสิทธิผลในปัจจุบัน ซีรีส์นี้สามารถดำเนินต่อไปได้ และมีกี่คนที่ยังอายุน้อยเพิ่งเข้าสู่ชีวิตที่สร้างสรรค์อย่างกล้าหาญและอิสระด้วยความคิดที่น่าสนใจ - เราหวังว่าเวลาจะเน้นชื่อของพวกเขาอย่างถูกต้อง
ตอนนี้เราสามารถสรุปได้เพียงข้อเดียวเท่านั้น สำหรับศิลปะสมัยใหม่ในประเทศ (เป็นรูปเป็นร่าง) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 ลักษณะเฉพาะโดยเฉพาะอย่างยิ่งคือการแพร่กระจายของอิทธิพลของแวดวงประเพณีรัสเซีย - ย้ายออกจากเปรี้ยวจี๊ดผ่านศิลปะแห่งช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20-19 ไปจนถึงศิลปะรัสเซียโบราณและวัสดุต่างประเทศ - ตั้งแต่การทดลองของต้นศตวรรษที่ผ่านมาจนถึงโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ - อิมเพรสชั่นนิสต์ - แนวโรแมนติกไปจนถึงศิลปะอันยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา กล่าวอีกนัยหนึ่งพวกเขายังคงรักษาประเพณีหลักที่พัฒนาในศิลปะของศตวรรษที่ 20: วิชาการรัสเซีย, อิมเพรสชั่นนิสต์รัสเซีย, "Cézanneism" ของรัสเซียรวมถึงจินตนาการหลังสมัยใหม่ในธีมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวิชาการร้านเสริมสวยล้วนๆ ศตวรรษที่ 19-20 นิทรรศการจำนวนมากในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาแสดงให้เห็นสิ่งนี้ได้อย่างสมบูรณ์แบบ
ในเวลาเดียวกันก็อดไม่ได้ที่จะสังเกตเห็นว่าในกรณีที่ไม่มีอุดมการณ์ของรัฐมีแนวโน้มที่ชัดเจนในการสนับสนุนในระดับสูงสุดของการอุปถัมภ์และในการจัดนิทรรศการพิพิธภัณฑ์ด้วยตนเอง เปรี้ยวจี๊ด เนื่องจากการหายไปของแนวปฏิบัติที่ชัดเจนของรัฐบาลในด้านนโยบายวัฒนธรรม กระบวนการทำให้ถูกต้องตามกฎหมายของสมาคมที่ไม่เป็นทางการต่างๆ เกิดขึ้น “Underground” (คำที่ยืมมาจากการถ่ายทำภาพยนตร์ของสหรัฐอเมริกาในช่วงต้นทศวรรษ 1940) ไม่เพียงแต่เข้ามาในชีวิตศิลปะในประเทศเท่านั้น แต่ยังกลายเป็นงานศิลปะชั้นยอดที่เกือบจะเรียกได้ว่า “ด้วยลมหายใจ” แต่ยังต้องมีการประเมินที่จริงจังและเป็นกลาง ตลอดจนกิจกรรมต่างๆ ของหอศิลป์ต่างๆ ที่เพิ่งเปิดใหม่ (ปัจจุบันเรียกว่าด้วยเหตุผลบางประการเท่านั้น) หอศิลป์) และสิ่งพิมพ์ศิลปะใหม่ๆ มากมาย ในปัจจุบันนี้ เมื่อ “จุดอ้างอิงในอดีตจางหายไป และรูปเคารพเก่าๆ ถูกแทนที่ด้วยสิ่งใหม่ เมื่อระบบค่านิยมเชิงจินตนาการใหม่อันเด็ดขาดเกิดขึ้น สะท้อนความคิดหลังเผด็จการในแบบของตัวเอง” เป็นเรื่องยากมากแต่จำเป็น . ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการทำความเข้าใจกระบวนการพัฒนาศิลปะนั้นไม่อาจต้านทานการคำนวณผิด ความผิดพลาด ความขัดแย้งได้ และมันเป็นเรื่องของเวลาและการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเป็นกลางที่จะเข้าใจความหลากหลายและความซับซ้อนทั้งหมดของศิลปะสมัยใหม่ “การแยกข้าวสาลีออกจากแกลบ”
ดูเหมือนว่าปัญหาที่ยากประการหนึ่งก็คือ หลังแนวหน้า ในช่วงปีแห่งอำนาจของสหภาพโซเวียตผลงาน "ความคิดที่น่าสงสารและรูปแบบดั้งเดิม" (V. Vlasov) จำนวนมากถูกสร้างขึ้นด้วยความสมจริงแบบสังคมนิยมซึ่งเมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียในช่วงปี 1920 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสายตาของศิลปินรุ่นเยาว์และ ผู้ชมเริ่มถูกมองว่าเป็นงานศิลปะที่ทันสมัยที่สุด (และสำหรับคนอื่น ๆ เท่านั้นที่เป็นไปได้) ในโลก การฟื้นฟูชื่อของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงเช่น Π N. Filonov และ K. S. Malevich มีส่วนในเรื่องนี้ นักวิจารณ์ศิลปะผู้มีความสามารถคร่ำครวญถึงพัฒนาการที่ถูกขัดจังหวะของเขา (“เปรี้ยวจี๊ดหยุดบิน”) และทุกคนก็ลืมไปว่านี่คือผู้นำโซเวียตแห่งทศวรรษ 1920 เป็นพลังอันทรงพลังที่เริ่มทำลายประเพณีคลาสสิกของศิลปะรัสเซียเป็นครั้งแรกและด้วยพลังอะไร! “กล้าดียังไงมาเรียกตัวเองว่ากวี // แล้วเจ้าตัวเล็กสีเทาก็ร้องเหมือนนกกระทา // วันนี้ // คุณต้อง // ใช้นิ้วทองเหลือง // ตัดเข้ากะโหลกโลก!” (V.V. Mayakovsky “ เมฆในกางเกง”) และพวกเขาก็ "ตัด"! การปฏิวัติเป็นโอกาสอันมั่งคั่งในการเผยแพร่ศิลปะแนวทำลายล้าง โดยไม่มีประวัติศาสตร์ บ้านเกิด และไม่มีรากเหง้า โพสต์เปรี้ยวจี๊ดสมัยใหม่ที่มีความก้าวร้าวความน่าสมเพชของการทำลายล้างที่คุ้นเคยเหมือนกัน แต่ยังขาดวัฒนธรรมอย่างลึกซึ้งบางอย่างก็เป็นเรื่องรองและตึงเครียดเช่นกัน ทั้งหมดนี้ (อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ใช้ได้กับลัทธิหลังสมัยใหม่ของโลกทั้งหมด) ถูกสร้างขึ้นโดยเจตนาโดยใช้คำพูด ไม่ว่าจะเป็นในวรรณคดี ภาพยนตร์ หรือวิจิตรศิลป์ ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลเลยที่ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่มักจะบ่นว่าเราอยู่ในยุคของผู้เผยพระวจนะเท็จ รูปเคารพปลอม รูปเคารพเท็จ และในปัจจุบันมีคนคนหนึ่งถูกประกาศว่า "ยิ่งใหญ่" พรุ่งนี้อีกคนหนึ่ง วันมะรืนนี้อีกคนหนึ่ง และสิ่งที่ดีที่สุดเกี่ยวกับคนหลังเปรี้ยวจี๊ดยังคงเป็นการเยาะเย้ยและการประชดและบางครั้งก็เป็นภาพสะท้อนที่คุ้นเคยกับปัญญาชนชาวรัสเซีย
ในเวลาเดียวกัน สำหรับนักวิจัยด้านศิลปะ เป็นที่ชัดเจนว่าทั้งหมดนี้คือ "ศิลปะแนวความคิด" และ "ศิลปะ" ทางสังคมแบบ op-pop และอื่น ๆ รวมถึงการออกแบบงานศิลปะ ด้วยการออกจากรูปลักษณ์ไปสู่ความโดดเด่น วาจา ท้ายที่สุดแล้ว แต่ สาระสำคัญไม่น้อยไปกว่าการเมืองและความปั่นป่วนกว่าสัจนิยมสังคมนิยม
ในตอนต้นของสหัสวรรษที่ 3 เราต้องยอมรับว่าศิลปะชั้นสูงกลับพ่ายแพ้ต่อศิลปะมวลชนและศิลปที่ไร้ค่าเนื่องจากการแสดงออกที่รุนแรงโดยมีรสนิยมที่ไม่ดีการละเมิดความรู้สึกของสัดส่วนสัดส่วนความสามัคคี: ไม่มีตัวเลข ของชื่อที่นี่ - จากที่มีชื่อเสียงมากไปจนถึงไม่รู้จักเลย และนี่ไม่ใช่แค่รัสเซียเท่านั้น แต่ยังเป็นปรากฏการณ์ทั่วโลกด้วย: ลัทธิหลังสมัยใหม่บ่งบอกถึงการสิ้นสุดของ "ยุคของศิลปะคลาสสิก"; อุดมคติในอดีตก็ถูกเยาะเย้ยไปตามที่กล่าวถูกต้องแล้ว อุดมการณ์ใหม่ๆ ก็ไม่ถูกสร้างขึ้น นั่นคือเหตุผลว่าทำไมจึงมีความชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ ไม่ว่าจะฟังดูน่าเศร้าเพียงใด ศตวรรษที่ 20 ก็เป็นศตวรรษแห่งหายนะทางวัฒนธรรม ซึ่งมีรากฐานมาจากศตวรรษที่แล้ว เมื่อจิตสำนึกทางศาสนาและวิถีชีวิตแบบดั้งเดิมเริ่มต้นขึ้น พังทลายลง และลัทธิกระฎุมพีได้ก่อให้เกิดการประท้วงเพียงในรูปแบบของการกบฏที่ไร้พระเจ้า ความชั่วร้ายและความชั่วร้ายที่สวยงาม
ขอให้เราใช้เสรีภาพในการอ้างคำพูดของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ผ่านมา Georgy Sviridov (1915–1998): “ศิลปะของเรา