ศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ความลับของการวาดภาพที่ “สมจริง” ของจิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวอิตาลียุคเรอเนซองส์

ผู้ค้นพบศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากลุ่มแรกปรากฏในอิตาลีในศตวรรษที่ 14 ศิลปินในยุคนี้ Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) และ (ที่โดดเด่นที่สุด) จอตโต้ (ค.ศ. 1267-1337) เมื่อสร้างภาพวาดเกี่ยวกับธีมทางศาสนาแบบดั้งเดิม พวกเขาเริ่มใช้เทคนิคทางศิลปะใหม่: การสร้างองค์ประกอบสามมิติโดยใช้ทิวทัศน์ในพื้นหลังซึ่งทำให้ภาพดูสมจริงและมีชีวิตชีวามากขึ้น สิ่งนี้ทำให้งานของพวกเขาแตกต่างอย่างมากจากประเพณีการยึดถือแบบดั้งเดิมก่อนหน้านี้ ซึ่งประกอบไปด้วยแบบแผนในภาพ
คำที่ใช้แสดงถึงความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา โปรโต-เรอเนซองส์ (ค.ศ. 1300 - "Trecento") .

จิออตโต ดิ บอนโดเน่ (ประมาณ ค.ศ. 1267-1337) - ศิลปินและสถาปนิกชาวอิตาลีในยุคโปรโต-เรอเนซองส์ หนึ่งในบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะตะวันตก หลังจากเอาชนะประเพณีการวาดภาพไอคอนไบแซนไทน์แล้ว เขาได้กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนวาดภาพแห่งอิตาลีอย่างแท้จริง และพัฒนาแนวทางใหม่ในการวาดภาพอวกาศ ผลงานของ Giotto ได้รับแรงบันดาลใจจาก Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo


ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ค.ศ. 1400 - Quattrocento)

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 15 ฟิลิปโป บรูเนลเลสกี (1377-1446) นักวิทยาศาสตร์และสถาปนิกชาวฟลอเรนซ์
บรูเนลเลสกีต้องการสร้างการรับรู้ถึงห้องอาบน้ำและโรงละครที่เขาสร้างขึ้นใหม่ให้มีภาพมากขึ้น และพยายามสร้างภาพวาดที่มีมุมมองทางเรขาคณิตจากแผนของเขาสำหรับมุมมองที่เฉพาะเจาะจง ในการค้นหาครั้งนี้ก็ถูกค้นพบ มุมมองโดยตรง.

สิ่งนี้ทำให้ศิลปินได้ภาพที่สมบูรณ์แบบของพื้นที่สามมิติบนผืนผ้าใบวาดภาพแบบเรียบ

_________

อีกก้าวที่สำคัญบนเส้นทางสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการเกิดขึ้นของศิลปะที่ไม่เกี่ยวกับศาสนาและทางโลก ภาพบุคคลและภูมิทัศน์เป็นที่ยอมรับว่าเป็นแนวเพลงอิสระ แม้แต่วิชาศาสนาก็ยังได้รับการตีความที่แตกต่างกัน - ศิลปินยุคเรอเนซองส์เริ่มมองว่าตัวละครของพวกเขาเป็นวีรบุรุษที่มีลักษณะเฉพาะที่เด่นชัดและมีแรงจูงใจในการกระทำของมนุษย์

ศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนี้คือ มาซาชโช (1401-1428), มาโซลิโน (1383-1440), เบนอซโซ กอซโซลี (1420-1497), ปิเอโร เดลลา ฟรานเชสโก (1420-1492), อันเดรีย มานเทญ่า (1431-1506), จิโอวานนี่ เบลลินี (1430-1516), อันโตเนลโล ดา เมสซินา (1430-1479), โดเมนิโก เกอร์ลันดาโย (1449-1494), ซานโดร บอตติเชลลี (1447-1515).

มาซาชโช (ค.ศ. 1401-1428) - จิตรกรชาวอิตาลีชื่อดัง ปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนฟลอเรนซ์ นักปฏิรูปการวาดภาพในยุค Quattrocento

ปูนเปียก ปาฏิหาริย์กับ stair

จิตรกรรม. การตรึงกางเขน.

ปิเอโร เดลลา ฟรานเชสโก (1420-1492) ผลงานของอาจารย์มีความโดดเด่นด้วยความเคร่งขรึมสง่างามความสูงส่งและความกลมกลืนของภาพ รูปแบบทั่วไป ความสมดุลขององค์ประกอบ สัดส่วน ความแม่นยำของการสร้างเปอร์สเปคทีฟ และจานสีอ่อนที่เต็มไปด้วยแสง

ปูนเปียก เรื่องราวของราชินีแห่งเชบา โบสถ์ซานฟรานเชสโกในอาเรซโซ

ซานโดร บอตติเชลลี(1445-1510) - จิตรกรชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมฟลอเรนซ์

ฤดูใบไม้ผลิ.

การกำเนิดของดาวศุกร์

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ("Cinquecento")
การออกดอกของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงสุดเกิดขึ้น สำหรับไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16.
ได้ผล ซานโซวิโน (1486-1570), เลโอนาร์โด ดา วินชี (1452-1519), ราฟาเอล สันติ (1483-1520), มิเกลันเจโล บูโอนารอตติ (1475-1564), จอร์โจเน (1476-1510), ทิเชียน (1477-1576), อันโตนิโอ คอร์เรจโจ (ค.ศ. 1489-1534) ถือเป็นกองทุนทองคำของศิลปะยุโรป

เลโอนาร์โด ดิ เซอร์ ปิเอโร ดา วินชี (ฟลอเรนซ์) (1452-1519) - ศิลปินชาวอิตาลี (จิตรกร, ประติมากร, สถาปนิก) และนักวิทยาศาสตร์ (นักกายวิภาคศาสตร์, นักธรรมชาติวิทยา), นักประดิษฐ์, นักเขียน

ภาพเหมือน

เลดี้กับแมร์มีน พ.ศ. 1490 พิพิธภัณฑ์ Czartoryski คราคูฟ

โมนาลิซ่า (1503-1505/1506)

เลโอนาร์โด ดาวินชีได้รับทักษะที่ยอดเยี่ยมในการถ่ายทอดการแสดงออกทางสีหน้าของใบหน้าและร่างกายของมนุษย์ วิธีการถ่ายทอดพื้นที่ และการสร้างองค์ประกอบภาพ ในขณะเดียวกันผลงานของเขาก็สร้างภาพลักษณ์ที่กลมกลืนของบุคคลที่ตรงตามอุดมคติแบบเห็นอกเห็นใจ

มาดอนน่า ลิตต้า. 1490-1491. พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ

มาดอนน่า เบอนัวส์ (มาดอนน่ากับดอกไม้) พ.ศ. 1478-1480

มาดอนน่ากับดอกคาร์เนชั่น 1478

ในช่วงชีวิตของเขา Leonardo da Vinci ได้จดบันทึกและภาพวาดเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์หลายพันรายการ แต่ไม่ได้ตีพิมพ์ผลงานของเขา ในขณะที่ทำการผ่าศพของคนและสัตว์ เขาได้ถ่ายทอดโครงสร้างของโครงกระดูกและอวัยวะภายในอย่างแม่นยำ รวมถึงรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ตามที่ศาสตราจารย์กายวิภาคศาสตร์คลินิก Peter Abrams กล่าว งานทางวิทยาศาสตร์ของดาวินชีนั้นล้ำหน้าไป 300 ปีและเหนือกว่างาน Grey's Anatomy อันโด่งดังในหลาย ๆ ด้าน

รายการสิ่งประดิษฐ์ ทั้งของจริงและที่ประดิษฐ์ขึ้น:

ร่มชูชีพถึงปราสาท Olestsovo ในจักรยานตอังก์, แอลสะพานพกพาน้ำหนักเบาสำหรับกองทัพบก, หน้าโปรเจ็กเตอร์ถึงอาทาพัลต์, รทั้งสอง งกล้องโทรทรรศน์วูห์เลนส์

นวัตกรรมเหล่านี้จึงได้รับการพัฒนาในเวลาต่อมา ราฟาเอล สันติ (1483-1520) - จิตรกร ศิลปินกราฟิก และสถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่ เป็นตัวแทนของโรงเรียน Umbrian

ภาพเหมือน. 1483

มิเกลันเจโล ดิ โลโดวิโก ดิ เลโอนาร์โด ดิ บูนาโรติ ซิโมนี(1475-1564) - ประติมากร, ศิลปิน, สถาปนิก, กวี, นักคิดชาวอิตาลี

ภาพวาดและประติมากรรมของ Michelangelo Buonarotti เต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่กล้าหาญและในขณะเดียวกันก็ให้ความรู้สึกที่น่าเศร้าของวิกฤตมนุษยนิยม ภาพวาดของเขาเชิดชูความแข็งแกร่งและพลังของมนุษย์ ความงามของร่างกายของเขา ขณะเดียวกันก็เน้นย้ำถึงความเหงาของเขาในโลกนี้

อัจฉริยะของ Michelangelo ทิ้งร่องรอยไว้ไม่เพียง แต่ในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมโลกที่ตามมาทั้งหมดด้วย กิจกรรมของเขาส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับสองเมืองในอิตาลี ได้แก่ ฟลอเรนซ์และโรม

อย่างไรก็ตาม ศิลปินสามารถตระหนักถึงแผนการที่ทะเยอทะยานที่สุดของเขาในการวาดภาพได้อย่างแม่นยำ ซึ่งเขาทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มด้านสีและรูปทรงอย่างแท้จริง
โดยได้รับมอบหมายจากสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 พระองค์ทรงทาสีเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน (ค.ศ. 1508-1512) ซึ่งแสดงถึงเรื่องราวในพระคัมภีร์ตั้งแต่การสร้างโลกจนถึงน้ำท่วม และรวมถึงบุคคลมากกว่า 300 คน ในปี ค.ศ. 1534-1541 ในโบสถ์น้อยซิสทีนแห่งเดียวกัน เขาได้วาดภาพปูนเปียกอันน่าทึ่งเรื่อง "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" สำหรับสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3
โบสถ์ซิสทีน 3 มิติ

ผลงานของ Giorgione และ Titian มีความโดดเด่นด้วยความสนใจในภูมิทัศน์และการเขียนบทกวีของโครงเรื่อง ศิลปินทั้งสองได้รับความเชี่ยวชาญอย่างมากในศิลปะการวาดภาพบุคคลด้วยความช่วยเหลือในการถ่ายทอดตัวละครและโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของตัวละครของพวกเขา

จอร์โจ บาร์บาเรลลี ดา กาสเตลฟรานโก ( จอร์จิโอเน) (1476/147-1510) - ศิลปินชาวอิตาลี ตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมเวนิส

นอนดาวศุกร์. 1510

จูดิธ. 1504ก

ทิเชียน เวเชลลิโอ (1488/1490-1576) - จิตรกรชาวอิตาลีซึ่งเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนเวนิสแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงและปลาย

ทิเชียนวาดภาพเขียนเกี่ยวกับเรื่องในพระคัมภีร์ไบเบิลและเทพนิยาย นอกจากนี้ เขายังมีชื่อเสียงในฐานะจิตรกรภาพบุคคลอีกด้วย เขาได้รับคำสั่งจากกษัตริย์ พระสันตะปาปา พระคาร์ดินัล ดยุค และเจ้าชาย ทิเชียนอายุไม่ถึงสามสิบปีด้วยซ้ำเมื่อเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นจิตรกรที่เก่งที่สุดของเวนิส

ภาพเหมือน. 1567

วีนัสแห่งเออร์บิโน 1538

ภาพเหมือนของทอมมาโซ มอสตี 1520

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย
หลังจากการยึดกรุงโรมโดยกองกำลังจักรวรรดิในปี ค.ศ. 1527 ยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีก็เข้าสู่ช่วงเวลาแห่งวิกฤติ ในงานของราฟาเอลผู้ล่วงลับไปแล้วได้มีการร่างแนวศิลปะใหม่ที่เรียกว่า มารยาท.
ยุคนี้มีลักษณะเป็นเส้นที่พองและขาด ร่างที่ยาวหรือผิดรูป มักเปลือยเปล่า ตึงเครียดและไม่เป็นธรรมชาติ เอฟเฟกต์ที่ผิดปกติหรือแปลกประหลาดที่เกี่ยวข้องกับขนาด แสงหรือเปอร์สเปคทีฟ การใช้ช่วงสีกัดกร่อน องค์ประกอบที่มากเกินไป ฯลฯ มารยาทของปรมาจารย์คนแรก ปาร์มิจานิโน , ปอนตอร์โม , บรอนซิโน- อาศัยและทำงานที่ราชสำนักของดยุคแห่งบ้านเมดิชิในฟลอเรนซ์ ต่อมาแฟชั่นแนวแมนเนอริสต์ได้แพร่กระจายไปทั่วอิตาลีและที่อื่นๆ

จิโรลาโม ฟรานเชสโก้ มาเรีย มาซโซลา (ปาร์มิจานิโน - "ถิ่นที่อยู่ของปาร์มา") (1503-1540) ศิลปินและช่างแกะสลักชาวอิตาลีซึ่งเป็นตัวแทนของกิริยาท่าทาง

ภาพเหมือน. 1540

รูปโฉมของผู้หญิงคนหนึ่ง 1530.

ปอนตอร์โม (ค.ศ. 1494-1557) - จิตรกรชาวอิตาลี ตัวแทนของโรงเรียน Florentine หนึ่งในผู้ก่อตั้งมารยาท


ในทศวรรษที่ 1590 ศิลปะเข้ามาแทนที่กิริยาท่าทาง พิสดาร (ตัวเลขเปลี่ยนผ่าน - ตินโตเรตโต และ เอล เกรโก ).

จาโคโป โรบัสตี หรือที่รู้จักกันในนาม ตินโตเรตโต (1518 หรือ 1519-1594) - จิตรกรของโรงเรียนเวนิสแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

พระกระยาหารมื้อสุดท้าย. พ.ศ. 1592-1594. โบสถ์ San Giorgio Maggiore เมืองเวนิส

เอล เกรโก ("กรีก" โดเมนิกอส ธีโอโตโคปูลอส ) (1541-1614) - ศิลปินชาวสเปน โดยกำเนิด - กรีก ชาวเกาะครีต
El Greco ไม่มีผู้ติดตามร่วมสมัย และอัจฉริยะของเขาถูกค้นพบอีกครั้งเกือบ 300 ปีหลังจากการเสียชีวิตของเขา
El Greco ศึกษาในสตูดิโอของ Titian แต่อย่างไรก็ตาม เทคนิคการวาดภาพของเขาแตกต่างอย่างมากจากเทคนิคของอาจารย์ของเขา ผลงานของ El Greco โดดเด่นด้วยความรวดเร็วและการแสดงออกซึ่งทำให้พวกเขาใกล้ชิดกับภาพวาดสมัยใหม่มากขึ้น

พระคริสต์บนไม้กางเขน ตกลง. พ.ศ. 2120 ของสะสมส่วนตัว

ทรินิตี้. 1579 ปราโด

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นขึ้นในอิตาลี ได้ชื่อมาเนื่องจากการออกดอกทางปัญญาและศิลปะที่น่าทึ่งซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 และมีอิทธิพลอย่างมากต่อสังคมและวัฒนธรรมของยุโรป ยุคเรอเนซองส์ไม่ได้แสดงออกมาแค่ในภาพวาดเท่านั้น แต่ยังแสดงออกมาในสถาปัตยกรรม ประติมากรรม และวรรณกรรมด้วย ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ได้แก่ Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo และ Raphael

ในช่วงเวลานี้ เป้าหมายหลักของจิตรกรคือการพรรณนาร่างกายมนุษย์ตามความเป็นจริง ดังนั้นพวกเขาจึงวาดภาพคนเป็นหลักและพรรณนาหัวข้อทางศาสนาต่างๆ หลักการของเปอร์สเปคทีฟก็ถูกคิดค้นขึ้น ซึ่งเปิดโอกาสใหม่ๆ ให้กับศิลปิน

ฟลอเรนซ์กลายเป็นศูนย์กลางของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เวนิสได้อันดับที่สอง และต่อมาเมื่อใกล้กับศตวรรษที่ 16 โรม

เลโอนาร์โดเป็นที่รู้จักสำหรับเราในฐานะจิตรกร ประติมากร นักวิทยาศาสตร์ วิศวกร และสถาปนิกแห่งยุคเรอเนซองส์ที่มีพรสวรรค์ เลโอนาร์โดทำงานเกือบทั้งชีวิตในฟลอเรนซ์ซึ่งเขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกมากมายที่เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ในหมู่พวกเขา: "Mona Lisa" (หรือที่เรียกว่า "La Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Benois Madonna", "John the Baptist" และ "St. แอนนากับแมรี่และพระกุมารคริสต์”

ศิลปินคนนี้เป็นที่รู้จักด้วยสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ที่เขาพัฒนาขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมา นอกจากนี้เขายังทาสีผนังโบสถ์น้อยซิสทีนตามคำร้องขอส่วนตัวของสมเด็จพระสันตะปาปา Sixtus IV บอตติเชลลีเขียนภาพวาดที่มีชื่อเสียงในหัวข้อเกี่ยวกับตำนาน ภาพวาดดังกล่าว ได้แก่ "Spring", "Pallas and the Centaur", "Birth of Venus"

ทิเชียนเป็นหัวหน้าโรงเรียนศิลปินแห่งฟลอเรนซ์ หลังจากการตายของอาจารย์เบลลินี ทิเชียนก็กลายเป็นศิลปินอย่างเป็นทางการและเป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปของสาธารณรัฐเวนิส จิตรกรคนนี้มีชื่อเสียงจากภาพวาดบุคคลในหัวข้อทางศาสนา: "การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระแม่มารีย์", "ดาเน่", "ความรักทางโลกและความรักบนสวรรค์"

กวี ประติมากร สถาปนิก และศิลปินชาวอิตาลีวาดภาพผลงานชิ้นเอกมากมาย รวมถึงรูปปั้น "เดวิด" อันโด่งดังที่ทำจากหินอ่อน รูปปั้นนี้กลายเป็นแหล่งท่องเที่ยวสำคัญในฟลอเรนซ์ ไมเคิลแองเจโลวาดภาพห้องนิรภัยของโบสถ์ซิสทีนในนครวาติกัน ซึ่งเป็นคณะกรรมาธิการหลักจากสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ในช่วงที่เขาสร้างสรรค์ เขาให้ความสำคัญกับสถาปัตยกรรมมากขึ้น แต่ให้ "การตรึงกางเขนของนักบุญเปโตร" "การฝังศพ" "การสร้างอาดัม" "ฟอร์เทลเลอร์" แก่เรา

งานของเขาก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของ Leonardo da Vinci และ Michelangelo ซึ่งต้องขอบคุณผู้ที่เขาได้รับประสบการณ์และทักษะอันล้ำค่า เขาวาดภาพห้องต่างๆ ของนครวาติกัน ซึ่งแสดงถึงกิจกรรมของมนุษย์และบรรยายฉากต่างๆ จากพระคัมภีร์ ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงของราฟาเอล ได้แก่ "The Sistine Madonna", "The Three Graces", "St. Michael and the Devil"

อีวาน เซอร์เกวิช เซเรโกรอดต์เซฟ

ลักษณะเฉพาะในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ทัศนคติ.เพื่อเพิ่มความลึกและพื้นที่สามมิติให้กับงาน ศิลปินยุคเรอเนซองส์ได้ยืมและขยายแนวคิดเกี่ยวกับเปอร์สเป็คทีฟเชิงเส้น เส้นขอบฟ้า และจุดที่หายไปอย่างมาก

§ มุมมองเชิงเส้น การวาดภาพเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้นก็เหมือนกับการมองออกไปนอกหน้าต่างและวาดภาพสิ่งที่คุณเห็นบนกระจกหน้าต่างให้ตรงตามความเป็นจริง วัตถุในภาพเริ่มมีขนาดของตัวเองขึ้นอยู่กับระยะห่าง สิ่งที่อยู่ไกลจากผู้ชมก็เล็กลงและในทางกลับกัน

§ สกายไลน์ นี่คือเส้นตรงระยะทางที่วัตถุลดขนาดลงจนถึงจุดที่หนาเท่ากับเส้นนั้น

§ จุดที่หายไป. นี่คือจุดที่เส้นขนานดูเหมือนจะมาบรรจบกันในระยะไกล โดยมักจะอยู่บนเส้นขอบฟ้า ผลกระทบนี้สามารถสังเกตได้หากคุณยืนอยู่บนรางรถไฟและมองดูรางที่ทอดไปไกลๆล.

เงาและแสงศิลปินเล่นด้วยความสนใจว่าแสงตกกระทบวัตถุและสร้างเงาได้อย่างไร สามารถใช้เงาและแสงเพื่อดึงดูดความสนใจไปยังจุดใดจุดหนึ่งในภาพวาดได้

อารมณ์.ศิลปินยุคเรอเนซองส์ต้องการให้ผู้ชมดูผลงาน รู้สึกอะไรบางอย่าง ได้สัมผัสประสบการณ์ทางอารมณ์ มันเป็นรูปแบบหนึ่งของวาทศาสตร์เชิงภาพซึ่งผู้ชมรู้สึกได้รับแรงบันดาลใจให้พัฒนาบางสิ่งบางอย่างให้ดีขึ้น

ความสมจริงและความเป็นธรรมชาตินอกเหนือจากเปอร์สเป็คทีฟแล้ว ศิลปินยังพยายามสร้างวัตถุ โดยเฉพาะผู้คน ให้ดูเหมือนจริงมากขึ้น พวกเขาศึกษากายวิภาคศาสตร์ของมนุษย์ วัดสัดส่วน และค้นหารูปร่างของมนุษย์ในอุดมคติ ผู้คนดูสมจริงและแสดงอารมณ์ที่แท้จริง ทำให้ผู้ชมสามารถอนุมานได้ว่าผู้คนในภาพกำลังคิดและรู้สึกอย่างไร

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบ่งออกเป็น 4 ระยะ:

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 - ศตวรรษที่ 14)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 15 - ปลายคริสต์ศตวรรษที่ 15)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (ปลายศตวรรษที่ 15 - 20 ปีแรกของศตวรรษที่ 16)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย (กลางคริสต์ศตวรรษที่ 16 - ค.ศ. 1590)

โปรโต-เรอเนซองส์

ยุคโปรโต-เรอเนซองส์มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับยุคกลาง อันที่จริง มันปรากฏในยุคกลางตอนปลาย โดยมีประเพณีไบแซนไทน์ โรมาเนสก์ และกอทิก ยุคนี้เป็นบรรพบุรุษของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แบ่งออกเป็นสองช่วงย่อย: ก่อนการเสียชีวิตของ Giotto di Bondone และหลัง (1337) ศิลปินและสถาปนิกชาวอิตาลี ผู้ก่อตั้ง Proto-Renaissance หนึ่งในบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะตะวันตก หลังจากเอาชนะประเพณีการวาดภาพไอคอนไบแซนไทน์แล้ว เขาได้กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนวาดภาพแห่งอิตาลีอย่างแท้จริง และพัฒนาแนวทางใหม่ในการวาดภาพอวกาศ ผลงานของ Giotto ได้รับแรงบันดาลใจจาก Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo Giotto กลายเป็นบุคคลสำคัญของการวาดภาพ ศิลปินยุคเรอเนซองส์ถือว่าเขาเป็นนักปฏิรูปการวาดภาพ Giotto สรุปเส้นทางที่การพัฒนาเกิดขึ้น: การเติมรูปแบบทางศาสนาด้วยเนื้อหาทางโลก, การเปลี่ยนอย่างค่อยเป็นค่อยไปจากภาพแบนเป็นสามมิติและภาพนูน, การเพิ่มความสมจริง, นำปริมาตรพลาสติกของตัวเลขมาสู่การวาดภาพ และบรรยายภาพภายใน ในการวาดภาพ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 13 อาคารวัดหลักได้ถูกสร้างขึ้นในฟลอเรนซ์ - มหาวิหารซานตามาเรียเดลฟิโอเร ผู้เขียนคือ Arnolfo di Cambio จากนั้นจิออตโตก็ทำงานต่อ

การค้นพบที่สำคัญที่สุด ปรมาจารย์ที่ฉลาดที่สุดอาศัยและทำงานในช่วงแรก ส่วนที่สองเกี่ยวข้องกับโรคระบาดที่ระบาดในอิตาลี

ศิลปะยุคแรกสุดของยุคเรอเนสซองส์ก่อนปรากฏในงานประติมากรรม (Niccolò และ Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano) การวาดภาพมีโรงเรียนศิลปะสองแห่งเป็นตัวแทน: ฟลอเรนซ์และเซียนา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น

ช่วงเวลาที่เรียกว่า "Early Renaissance" ครอบคลุมช่วงปี 1420 ถึง 1500 ในอิตาลี ในช่วงแปดสิบปีนี้ ศิลปะยังไม่ได้ละทิ้งประเพณีในอดีตที่ผ่านมา (ยุคกลาง) อย่างสิ้นเชิง แต่ได้พยายามที่จะผสมผสานองค์ประกอบที่ยืมมาจากสมัยโบราณคลาสสิกเข้าไป หลังจากนั้นภายใต้อิทธิพลของสภาพชีวิตและวัฒนธรรมที่เปลี่ยนแปลงมากขึ้นศิลปินก็ละทิ้งรากฐานในยุคกลางโดยสิ้นเชิงและใช้ตัวอย่างศิลปะโบราณอย่างกล้าหาญทั้งในแนวคิดทั่วไปของผลงานและในรายละเอียด

แม้ว่าศิลปะในอิตาลีจะดำเนินตามแนวทางการเลียนแบบสมัยโบราณอย่างเด็ดเดี่ยวอยู่แล้ว แต่ในประเทศอื่นๆ ศิลปะก็ยึดถือประเพณีสไตล์กอทิกมายาวนาน ทางตอนเหนือของเทือกเขาแอลป์และในสเปน ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้เริ่มต้นจนกระทั่งปลายศตวรรษที่ 15 และช่วงแรกนั้นคงอยู่จนถึงประมาณกลางศตวรรษหน้า

ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น

หนึ่งในตัวแทนคนแรกและยอดเยี่ยมที่สุดในยุคนี้ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่า Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai) จิตรกรชาวอิตาลีผู้โด่งดังปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียน Florentine นักปฏิรูปการวาดภาพในยุค Quattrocento

ด้วยผลงานของเขา เขามีส่วนในการเปลี่ยนแปลงจากโกธิคไปสู่งานศิลปะใหม่ โดยเชิดชูความยิ่งใหญ่ของมนุษย์และโลกของเขา การมีส่วนร่วมทางศิลปะของ Masaccio ได้รับการต่ออายุในปี 1988 เมื่อ การสร้างหลักของเขา - จิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์ Brancacci ในโบสถ์ Santa Maria del Carmine ในฟลอเรนซ์- กลับคืนสู่สภาพเดิมแล้ว

- การฟื้นคืนชีพของบุตรชายของ Theophilus, Masaccio และ Filippino Lippi

- การบูชาของพระเมไจ

- ปาฏิหาริย์ด้วยสเตเทียร์

ตัวแทนสำคัญคนอื่นๆ ในยุคนี้คือซานโดร บอตติเชลลี จิตรกรชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมฟลอเรนซ์

- การกำเนิดของดาวศุกร์

- ดาวศุกร์และดาวอังคาร

- ฤดูใบไม้ผลิ

- การบูชาพระเมไจ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

ช่วงที่สามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ช่วงเวลาแห่งการพัฒนาสไตล์ของเขาที่งดงามที่สุด - มักเรียกว่า "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง" ครอบคลุมในอิตาลีตั้งแต่ประมาณ ค.ศ. 1500 ถึง ค.ศ. 1527 ในเวลานี้ศูนย์กลางของอิทธิพลของศิลปะอิตาลีจากฟลอเรนซ์ได้ย้ายไปที่โรมด้วยการขึ้นครองบัลลังก์ของสมเด็จพระสันตะปาปาของจูเลียสที่ 2 ซึ่งเป็นชายที่มีความทะเยอทะยานกล้าหาญและกล้าได้กล้าเสียซึ่งดึงดูดศิลปินที่ดีที่สุดของอิตาลีมาที่ราชสำนักของเขา ผลงานที่สำคัญมากมายและเป็นตัวอย่างความรักในงานศิลปะแก่ผู้อื่น ภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปาองค์นี้และภายใต้ผู้สืบทอดทันที โรมกลายเป็นเอเธนส์แห่งใหม่ในยุค Pericles: อาคารที่มีอนุสาวรีย์หลายแห่งถูกสร้างขึ้นในนั้น มีการสร้างงานประติมากรรมอันงดงาม จิตรกรรมฝาผนังและภาพวาดถูกทาสี ซึ่งยังถือว่าเป็น ไข่มุกแห่งการวาดภาพ ในขณะเดียวกันศิลปะทั้งสามแขนงก็จับมือกันอย่างกลมกลืนช่วยเหลือซึ่งกันและกันและมีอิทธิพลต่อกันและกัน ขณะนี้โบราณวัตถุได้รับการศึกษาอย่างละเอียดถี่ถ้วนมากขึ้น โดยทำซ้ำด้วยความเข้มงวดและความสม่ำเสมอที่มากขึ้น ความสงบและศักดิ์ศรีเข้ามาแทนที่ความงามอันขี้เล่นซึ่งเป็นความปรารถนาของสมัยก่อน ความทรงจำในยุคกลางหายไปอย่างสิ้นเชิง และรอยประทับคลาสสิกก็ตกอยู่กับการสร้างสรรค์งานศิลปะทั้งหมด แต่การเลียนแบบคนสมัยก่อนไม่ได้ทำให้ความเป็นอิสระในศิลปินหมดไป และด้วยความมีไหวพริบและความมีชีวิตชีวาของจินตนาการ พวกเขาจึงนำผลงานกลับมาใช้ใหม่อย่างอิสระและประยุกต์ใช้กับงานของพวกเขาในสิ่งที่พวกเขาเห็นว่าเหมาะสมที่จะยืมมาจากงานศิลปะกรีก-โรมันโบราณเพื่อตนเอง

ผลงานของปรมาจารย์ชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่สามคนถือเป็นจุดสุดยอดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา นี่คือ Leonardo da Vinci (1452-1519) เลโอนาร์โด ดิ เซอร์ ปิเอโร ดา วินชีจิตรกรชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนจิตรกรรมฟลอเรนซ์ ศิลปินชาวอิตาลี (จิตรกร ประติมากร สถาปนิก) และนักวิทยาศาสตร์ (นักกายวิภาคศาสตร์ นักธรรมชาติวิทยา) นักประดิษฐ์ นักเขียน นักดนตรี หนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ซึ่งเป็นตัวอย่างที่ส่องประกายของ "มนุษย์สากล"

พระกระยาหารมื้อสุดท้าย,

Mona Lisa,

-วิทรูเวียนแมน ,

- มาดอนน่า ลิตต้า

- มาดอนน่าแห่งเดอะร็อคส์

-มาดอนน่ากับแกนหมุน

มีเกลันเจโล บูโอนาร์โรติ (1475-1564) มิเกลันเจโล ดิ โลโดวิโก ดิ เลโอนาร์โด ดิ บูนาโรติ ซิโมนีประติมากรชาวอิตาลี ศิลปิน สถาปนิก [⇨] กวี [⇨] นักคิด [⇨] . หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา [ ⇨ ] และยุคบาโรกตอนต้น ผลงานของเขาถือเป็นความสำเร็จสูงสุดของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในช่วงชีวิตของปรมาจารย์เอง ไมเคิลแองเจโลมีชีวิตอยู่เกือบ 89 ปีตลอดทั้งยุคตั้งแต่สมัยเรอเนซองส์สูงจนถึงต้นกำเนิดของการต่อต้านการปฏิรูป ในช่วงเวลานี้มีพระสันตปาปาสิบสามองค์ - พระองค์ทรงรับสั่งสำหรับเก้าองค์

การสร้างอาดัม

คำพิพากษาครั้งสุดท้าย

และราฟาเอล สันติ (ค.ศ. 1483-1520) จิตรกรชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินกราฟิก และสถาปนิก ตัวแทนของโรงเรียนอัมเบรียน

- โรงเรียนเอเธนส์

-ซิสติน มาดอนน่า

- การแปลงร่าง

- คนสวนที่ยอดเยี่ยม

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายในอิตาลีครอบคลุมช่วงตั้งแต่คริสต์ทศวรรษที่ 1530 ถึงคริสต์ทศวรรษ 1590 ถึงคริสต์ทศวรรษ 1620 การต่อต้านการปฏิรูปได้รับชัยชนะในยุโรปตอนใต้ ( การต่อต้านการปฏิรูป(ละติน การจัดรูปแบบที่ตรงกันข้าม; จาก ตรงกันข้าม- ต่อต้านและ การจัดรูปแบบใหม่- การเปลี่ยนแปลง การปฏิรูป) - การเคลื่อนไหวทางการเมืองของคริสตจักรคาทอลิกในยุโรปในช่วงกลางศตวรรษที่ 16-17 ซึ่งมุ่งต่อต้านการปฏิรูปและมุ่งเป้าไปที่การฟื้นฟูตำแหน่งและศักดิ์ศรีของคริสตจักรนิกายโรมันคาทอลิก) ซึ่งมองอย่างระมัดระวังต่อเสรีภาพใด ๆ ความคิดรวมถึงการเชิดชูร่างกายมนุษย์และการฟื้นคืนชีพของอุดมคติในสมัยโบราณอันเป็นรากฐานสำคัญของอุดมการณ์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความขัดแย้งของโลกทัศน์และความรู้สึกทั่วไปของวิกฤตส่งผลให้ฟลอเรนซ์กลายเป็นศิลปะ "ประสาท" ที่เต็มไปด้วยสีสันและเส้นที่แตกหัก - กิริยาท่าทาง ลัทธิมารยาทนิยมไปถึงปาร์มา ซึ่งคอร์เรจจิโอทำงานอยู่ หลังจากที่ศิลปินเสียชีวิตในปี 1534 เท่านั้น ประเพณีทางศิลปะของเวนิสมีตรรกะในการพัฒนาของตนเอง ปัลลาดิโอ (ชื่อจริง) ทำงานที่นั่นจนถึงปลายทศวรรษที่ 1570 อันเดรีย ดิ ปิเอโตร)สถาปนิกชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคเรอเนสซองส์และลัทธินิยมนิยมตอนปลาย ( มารยาท(จากภาษาอิตาลี มาเนียรา, มารยาท) - รูปแบบวรรณกรรมและศิลปะยุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ 16 - สามแรกของศตวรรษที่ 17 โดดเด่นด้วยการสูญเสียความกลมกลืนระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาระหว่างร่างกายและจิตวิญญาณ ธรรมชาติ และมนุษย์) ผู้ก่อตั้งลัทธิพัลลาเดียน ( ลัทธิพัลลาเดียนหรือ สถาปัตยกรรมแพลเลเดียม- รูปแบบคลาสสิกในยุคแรก ๆ ที่เติบโตจากแนวคิดของสถาปนิกชาวอิตาลี Andrea Palladio (1508-1580) รูปแบบนี้มีพื้นฐานมาจากการยึดมั่นในความสมมาตรอย่างเคร่งครัด การพิจารณามุมมอง และการยืมหลักการของสถาปัตยกรรมวัดคลาสสิกของกรีกโบราณและโรม) และลัทธิคลาสสิก อาจเป็นสถาปนิกที่ทรงอิทธิพลที่สุดในประวัติศาสตร์

ผลงานอิสระชิ้นแรกของ Andrea Palladio ในฐานะนักออกแบบที่มีพรสวรรค์และสถาปนิกที่มีพรสวรรค์คือมหาวิหารในวิเชนซาซึ่งมีการเปิดเผยความสามารถดั้งเดิมที่เลียนแบบไม่ได้ของเขา

ในบรรดาบ้านในชนบท ผลงานการสร้างสรรค์ที่โดดเด่นที่สุดของปรมาจารย์คือ Villa Rotunda Andrea Palladio สร้างขึ้นในเมืองวิเชนซาสำหรับเจ้าหน้าที่วาติกันที่เกษียณอายุแล้ว มีความโดดเด่นจากการเป็นอาคารฆราวาสในประเทศแห่งแรกของยุคเรอเนซองส์ที่สร้างขึ้นในรูปแบบของวัดโบราณ

อีกตัวอย่างหนึ่งคือ Palazzo Chiericati ซึ่งมีความผิดปกติซึ่งแสดงออกมาในความจริงที่ว่าชั้นแรกของอาคารถูกมอบให้สาธารณะประโยชน์เกือบทั้งหมดซึ่งเป็นไปตามข้อกำหนดของหน่วยงานเมืองในสมัยนั้น

ในบรรดาอาคารในเมืองที่มีชื่อเสียงของ Palladio จำเป็นต้องพูดถึง Teatro Olimpico ซึ่งออกแบบในสไตล์อัฒจันทร์

ทิเชียน ( ทิเชียน เวเชลลิโอ) จิตรกรชาวอิตาลี ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนเวนิสแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการระดับสูงและปลาย ชื่อของทิเชียนอยู่ในอันดับเดียวกับศิลปินยุคเรอเนซองส์เช่น Michelangelo, Leonardo da Vinci และ Raphael ทิเชียนวาดภาพเขียนเกี่ยวกับเรื่องในพระคัมภีร์ไบเบิลและเทพนิยาย นอกจากนี้ เขายังมีชื่อเสียงในฐานะจิตรกรภาพบุคคลอีกด้วย เขาได้รับคำสั่งจากกษัตริย์ พระสันตะปาปา พระคาร์ดินัล ดยุค และเจ้าชาย ทิเชียนอายุไม่ถึงสามสิบปีด้วยซ้ำเมื่อเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นจิตรกรที่เก่งที่สุดของเวนิส

จากสถานที่เกิดของเขา (ปิเอเว ดิ กาโดเร ในจังหวัดเบลลูโน สาธารณรัฐเวนิส) บางครั้งเขาก็ถูกเรียกว่า ใช่ คาโดเร่; หรือที่รู้จักในชื่อทิเชียนผู้ศักดิ์สิทธิ์

- การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระแม่มารี

- แบคคัสและเอเรียดเน

- ไดอาน่าและแอคแทออน

- วีนัส เออร์บิโน

- การลักพาตัวยุโรป

ซึ่งงานของเขาไม่ค่อยมีอะไรเหมือนกันกับวิกฤติในงานศิลปะของฟลอเรนซ์และโรม

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง (ปลายศตวรรษที่ 15 - ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16) เป็นช่วงเวลาแห่งความสมบูรณ์แบบและอิสรภาพ เช่นเดียวกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ ในยุคนี้ การวาดภาพโดดเด่นด้วยศรัทธาอันลึกซึ้งในตัวมนุษย์ ในพลังสร้างสรรค์ และพลังแห่งจิตใจ ภาพวาดของปรมาจารย์แห่งยุคเรอเนซองส์สูงถูกครอบงำโดยอุดมคติแห่งความงาม มนุษยนิยม และความกลมกลืน โดยในนั้น มนุษย์เป็นพื้นฐานของจักรวาล

จิตรกรในยุคนี้ใช้วิธีการนำเสนอทุกรูปแบบได้อย่างง่ายดาย: สีที่เสริมด้วยอากาศ แสงและเงา และการวาดภาพ อิสระและคมชัด พวกเขามีมุมมองและปริมาณที่ยอดเยี่ยม ผู้คนหายใจและเคลื่อนไหวบนผืนผ้าใบของศิลปิน ความรู้สึกและประสบการณ์ของพวกเขาดูลึกซึ้งถึงอารมณ์

ยุคนี้ทำให้โลกมีอัจฉริยะสี่คน - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian ในภาพวาดของพวกเขาคุณลักษณะของยุคเรอเนซองส์สูง - อุดมคติและความกลมกลืนรวมกับความลึกและความมีชีวิตชีวาของภาพ - แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด

เลโอนาร์โด ดา วินชี

เมื่อวันที่ 15 เมษายน ค.ศ. 1452 ในเมืองวินชีเล็กๆ ของอิตาลี ตั้งอยู่ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ บุตรนอกกฎหมายคนหนึ่งเกิดในนามทนายความปิเอโร ดา วินชี พวกเขาตั้งชื่อเขาว่า Leonardo di ser Piero d'Antonio Katerina แม่ของเด็กชายคนหนึ่งแต่งงานกับชาวนาในภายหลังเล็กน้อย พ่อไม่ละทิ้งลูกนอกกฎหมาย รับเลี้ยงลูก และให้การศึกษาที่ดีแก่เขา หนึ่งปีหลังจากการเสียชีวิตของปู่ของเลโอนาร์โด อันโตนิโอ ในปี 1469 ทนายความก็จากครอบครัวของเขาไปที่ฟลอเรนซ์

ตั้งแต่อายุยังน้อย Leonardo ได้พัฒนาความหลงใหลในการวาดภาพตั้งแต่อายุยังน้อย เมื่อสังเกตเห็นสิ่งนี้ พ่อจึงส่งเด็กชายไปเรียนกับ Andrea Verrocchio (1435-1488) ปรมาจารย์ด้านประติมากรรม จิตรกรรม และเครื่องประดับที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในขณะนั้น ชื่อเสียงของเวิร์คช็อปของ Verrocchio นั้นยอดเยี่ยมมากเป็นพิเศษ คำสั่งซื้อภาพวาดและประติมากรรมจำนวนมากได้รับอย่างต่อเนื่องจากผู้อยู่อาศัยในเมืองผู้สูงศักดิ์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Andrea Verrocchio มีอำนาจอย่างมากในหมู่นักเรียนของเขา ผู้ร่วมสมัยถือว่าเขาเป็นผู้สืบทอดที่มีความสามารถมากที่สุดของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฟลอเรนซ์ในการวาดภาพและประติมากรรม

นวัตกรรมของ Verrocchio ในฐานะศิลปินนั้นเกี่ยวข้องกับการคิดใหม่เกี่ยวกับภาพเป็นหลัก ซึ่งได้คุณลักษณะที่เป็นธรรมชาติจากจิตรกร มีผลงานน้อยมากจากเวิร์คช็อปของ Verrocchio ที่รอดมาได้จนถึงทุกวันนี้ นักวิจัยเชื่อว่ามีการสร้าง "พิธีบัพติศมาของพระคริสต์" อันโด่งดังในเวิร์คช็อปนี้ นอกจากนี้ยังเป็นที่ยอมรับว่าภูมิทัศน์ในพื้นหลังของภาพวาดและเทวดาทางด้านซ้ายเป็นของพู่กันของเลโอนาร์โด

ในงานแรกนี้ความคิดสร้างสรรค์และความเป็นผู้ใหญ่ของศิลปินชื่อดังในอนาคตได้ปรากฏชัดแล้ว ภูมิทัศน์ที่วาดด้วยมือของเลโอนาร์โดแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากภาพวาดธรรมชาติของ Verrocchio เอง ดูเหมือนว่าศิลปินรุ่นเยาว์จะปกคลุมไปด้วยหมอกควันเบาบางและเป็นสัญลักษณ์ของความไร้ขอบเขตและความไม่มีที่สิ้นสุดของอวกาศ

รูปภาพที่สร้างโดย Leonardo ก็เป็นต้นฉบับเช่นกัน ความรู้เชิงลึกเกี่ยวกับกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ตลอดจนจิตวิญญาณทำให้ศิลปินสามารถสร้างภาพเทวดาที่แสดงออกอย่างผิดปกติได้ ความเชี่ยวชาญในการเล่นแสงและเงาอย่างเชี่ยวชาญช่วยให้ศิลปินถ่ายทอดภาพบุคคลที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวาได้ ดูเหมือนว่าเหล่านางฟ้าจะแข็งตัวเพียงชั่วระยะเวลาหนึ่งเท่านั้น อีกไม่กี่นาทีจะผ่านไป - และพวกเขาจะมีชีวิตขึ้นมา เคลื่อนไหว พูด...

นักประวัติศาสตร์ศิลป์และนักเขียนชีวประวัติของดาวินชีอ้างว่าภายในปี 1472 Leonardo ออกจากเวิร์คช็อปของ Verrocchio และกลายเป็นผู้เชี่ยวชาญในเวิร์คช็อปของจิตรกร ตั้งแต่ปี 1480 เขาหันไปหาประติมากรรมซึ่งตามที่ Leonardo กล่าวไว้เป็นวิธีที่ง่ายที่สุดในการแสดงพลวัตของการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ ตั้งแต่นั้นมาเขาทำงานที่ Academy of Arts ซึ่งเป็นชื่อของเวิร์คช็อปที่ตั้งอยู่ในสวนใน Piazza San Marco ซึ่งสร้างขึ้นตามความคิดริเริ่มของ Lorenzo the Magnificent

ในปี ค.ศ. 1480 เลโอนาร์โดได้รับคำสั่งจากโบสถ์ซานโดนาโตสโคปโตให้แต่งเพลง "Adoration of the Magi"

เลโอนาร์โดอาศัยอยู่ในฟลอเรนซ์ได้ไม่นาน ในปี ค.ศ. 1482 เขาเดินทางไปมิลาน การตัดสินใจครั้งนี้อาจได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการที่ศิลปินไม่ได้รับเชิญไปโรมเพื่อทำงานวาดภาพโบสถ์ซิสทีน ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งปรมาจารย์ก็ปรากฏตัวต่อหน้าดยุคแห่งเมืองลูโดวิโกสฟอร์ซาอันโด่งดังของอิตาลี ชาวมิลานต้อนรับเลโอนาร์โดอย่างอบอุ่น เขาตั้งรกรากและอาศัยอยู่เป็นเวลานานในย่าน Porta Ticinese และในปีถัดมา ในปี ค.ศ. 1483 เขาได้วาดภาพแท่นบูชาซึ่งได้รับมอบหมายให้สร้างให้กับโบสถ์ Immacolata ในโบสถ์ San Francesco Grande ผลงานชิ้นเอกนี้ต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อ Madonna of the Rocks

ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น เลโอนาร์โดก็กำลังสร้างอนุสาวรีย์ทองสัมฤทธิ์สำหรับฟรานเชสโก สฟอร์ซา อย่างไรก็ตาม ทั้งภาพร่างหรือภาพร่างทดลองและการหล่อไม่สามารถแสดงความตั้งใจของศิลปินได้ งานยังคงไม่เสร็จ

ในช่วงระหว่างปี 1489 ถึง 1490 Leonardo da Vinci วาดภาพปราสาท Sforzesco ในวันแต่งงานของ Gian Galeazzo Sforza

Leonardo da Vinci อุทิศเกือบตลอดทั้งปี 1494 ให้กับกิจกรรมใหม่สำหรับตัวเขาเอง - ระบบไฮดรอลิกส์ จากความคิดริเริ่มของ Sforza เดียวกัน Leonardo พัฒนาและดำเนินโครงการเพื่อระบายอาณาเขตของที่ราบลอมบาร์ดี อย่างไรก็ตามในปี 1495 ปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดได้กลับมาวาดภาพอีกครั้ง ปีนี้เองที่กลายเป็นเวทีเริ่มแรกในประวัติศาสตร์ของการสร้างจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียง "The Last Supper" ซึ่งตกแต่งผนังห้องห้องโถงของอารามซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ซานตามาเรียเดลเลกราซีเอ

ในปี ค.ศ. 1496 เนื่องจากการรุกรานของดัชชีแห่งมิลานโดยกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่ 12 เลโอนาร์โดจึงออกจากเมือง เขาย้ายไปที่มันตัวก่อนแล้วจึงตั้งรกรากที่เวนิส

ตั้งแต่ปี 1503 ศิลปินอาศัยอยู่ในฟลอเรนซ์และร่วมกับ Michelangelo ทำงานเกี่ยวกับภาพวาดของ Great Council Hall ใน Palazzo Signoria เลโอนาร์โดควรจะพรรณนาถึง "การต่อสู้ของแองกีอารี" อย่างไรก็ตาม ปรมาจารย์ที่ค้นหาความคิดสร้างสรรค์อยู่ตลอดเวลามักจะละทิ้งงานที่เขาเริ่มไว้ สิ่งนี้เกิดขึ้นกับ "Battle of Anghiari" - ภาพปูนเปียกยังคงไม่เสร็จ นักประวัติศาสตร์ศิลปะแนะนำว่าในตอนนั้นเองที่ "La Gioconda" อันโด่งดังได้ถูกสร้างขึ้น

จากปี 1506 ถึงปี 1507 Leonardo อาศัยอยู่ที่มิลานอีกครั้ง ตั้งแต่ปี 1512 Duke Maximilian Sforza ได้ปกครองที่นั่น เมื่อวันที่ 24 กันยายน ค.ศ. 1512 เลโอนาร์โดตัดสินใจออกจากมิลานและตั้งถิ่นฐานกับนักเรียนของเขาในโรม ที่นี่เขาไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังหันมาศึกษาวิชาคณิตศาสตร์และวิทยาศาสตร์อื่นๆ อีกด้วย

หลังจากได้รับคำเชิญจากกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ในเดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1513 เลโอนาร์โด ดาวินชีก็ย้ายไปที่แอมบอยซี ที่นี่เขาอาศัยอยู่จนตาย: เขาวาดภาพมีส่วนร่วมในการตกแต่งศิลปะในช่วงวันหยุดและทำงานเกี่ยวกับการประยุกต์ใช้โครงการที่มุ่งเป้าไปที่การใช้แม่น้ำของฝรั่งเศสในทางปฏิบัติ

วันที่ 2 พฤษภาคม พ.ศ. 2062 ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ถึงแก่กรรม Leonardo da Vinci ถูกฝังอยู่ในโบสถ์ Amboise แห่ง San Fiorentino อย่างไรก็ตาม ในช่วงที่สงครามศาสนาพุ่งสูงขึ้น (ศตวรรษที่ 16) หลุมศพของศิลปินถูกทำลายและถูกทำลายอย่างสิ้นเชิง ผลงานชิ้นเอกของเขาซึ่งถือเป็นจุดสุดยอดของวิจิตรศิลป์ในศตวรรษที่ 15-16 ยังคงเป็นเช่นนั้นจนถึงทุกวันนี้

ในบรรดาภาพวาดของดาวินชี ภาพปูนเปียก "The Last Supper" ตรงบริเวณสถานที่พิเศษ ประวัติความเป็นมาของจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงนั้นน่าสนใจและน่าประหลาดใจ สร้างขึ้นตั้งแต่ปี 1495-1497 มันถูกวาดตามคำสั่งของพระสงฆ์ในคณะโดมินิกันที่ต้องการตกแต่งผนังโรงอาหารในอารามของพวกเขาซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับโบสถ์ซานตามาเรียเดลเลกราซีเอในมิลาน ภาพปูนเปียกบรรยายเรื่องราวพระกิตติคุณที่ค่อนข้างเป็นที่รู้จัก: อาหารมื้อสุดท้ายของพระเยซูคริสต์กับอัครสาวกทั้งสิบสองคนของเขา

ผลงานชิ้นเอกนี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นจุดสุดยอดของผลงานทั้งหมดของศิลปิน ภาพของพระคริสต์และอัครสาวกที่อาจารย์สร้างขึ้นนั้นสดใส แสดงออก และมีชีวิตชีวาเป็นพิเศษ แม้จะมีความเป็นรูปธรรมและความเป็นจริงของสถานการณ์ที่ปรากฎ แต่เนื้อหาของจิตรกรรมฝาผนังก็เต็มไปด้วยความหมายเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้ง ที่นี่ธีมนิรันดร์ของความขัดแย้งระหว่างความดีและความชั่ว ความพึงพอใจและความใจแข็งทางจิตวิญญาณ ความจริงและการโกหกถูกรวบรวมไว้ที่นี่ ภาพที่ได้ไม่เพียงแต่เป็นชุดของลักษณะนิสัยของแต่ละบุคคล (แต่ละคนมีความหลากหลายของอารมณ์) แต่ยังเป็นลักษณะทั่วไปทางจิตวิทยาอีกด้วย

ภาพมีความไดนามิกมาก ผู้ฟังรู้สึกตื่นเต้นมากที่ดึงดูดทุกคนที่อยู่ในมื้ออาหารหลังจากที่พระคริสต์ตรัสคำพยากรณ์เกี่ยวกับการทรยศที่อัครสาวกคนหนึ่งจะต้องกระทำที่จะเกิดขึ้น ผืนผ้าใบกลายเป็นสารานุกรมประเภทหนึ่งเกี่ยวกับเฉดสีอารมณ์และอารมณ์ของมนุษย์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

Leonardo da Vinci ทำงานเสร็จอย่างรวดเร็วอย่างน่าประหลาดใจ หลังจากนั้นเพียงสองปีภาพวาดก็เสร็จสมบูรณ์ อย่างไรก็ตามพระภิกษุไม่ชอบวิธีนี้: ลักษณะการประหารชีวิตนั้นแตกต่างไปจากรูปแบบการเขียนภาพที่เป็นที่ยอมรับก่อนหน้านี้มากเกินไป นวัตกรรมของอาจารย์ไม่เพียงแต่ประกอบด้วยการใช้สีขององค์ประกอบใหม่เท่านั้นและไม่มากนัก มีการดึงความสนใจเป็นพิเศษไปที่วิธีการแสดงเปอร์สเป็คทีฟในภาพวาด ปูนเปียกดูเหมือนจะขยายและขยายพื้นที่จริงโดยใช้เทคนิคพิเศษ ดูเหมือนว่าผนังห้องที่ปรากฎในภาพนี้เป็นผนังต่อเนื่องของผนังโรงอาหารของอาราม

พระภิกษุไม่เห็นคุณค่าหรือเข้าใจเจตนารมณ์ในการสร้างสรรค์และความสำเร็จของศิลปิน จึงไม่สนใจที่จะอนุรักษ์ภาพวาดมากเกินไป สองปีหลังจากการทาสีปูนเปียก สีของมันเริ่มเสื่อมสภาพและจางลง พื้นผิวของผนังที่มีภาพที่ทาอยู่นั้นดูเหมือนจะถูกปกคลุมไปด้วยผ้าที่ดีที่สุด ในด้านหนึ่งสิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากสีใหม่มีคุณภาพไม่ดีและอีกด้านหนึ่งเนื่องจากการสัมผัสกับความชื้น อากาศเย็น และไอน้ำที่ทะลุผ่านจากห้องครัวของอารามอย่างต่อเนื่อง การปรากฏตัวของภาพวาดถูกทำลายอย่างสิ้นเชิงเมื่อพระภิกษุตัดสินใจตัดทางเข้าโรงอาหารเพิ่มเติมในผนังด้วยปูนเปียก ส่งผลให้ภาพถูกตัดออกไปที่ด้านล่างสุด

ความพยายามที่จะฟื้นฟูผลงานชิ้นเอกได้ดำเนินการมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 อย่างไรก็ตามทั้งหมดกลับกลายเป็นว่าไร้ประโยชน์สียังคงเสื่อมสภาพต่อไป เหตุผลก็คือในปัจจุบันสถานการณ์สิ่งแวดล้อมเสื่อมโทรมลง คุณภาพของปูนเปียกได้รับผลกระทบจากความเข้มข้นที่เพิ่มขึ้นของก๊าซไอเสียในอากาศรวมถึงสารระเหยที่ปล่อยออกมาสู่ชั้นบรรยากาศโดยโรงงานและโรงงาน

ตอนนี้เราสามารถพูดได้ว่างานบูรณะภาพวาดในช่วงแรกนั้นไม่เพียงแต่ไม่จำเป็นและไร้ความหมายเท่านั้น แต่ยังมีด้านลบอีกด้วย ในระหว่างกระบวนการบูรณะ ศิลปินมักจะเพิ่มจิตรกรรมฝาผนังเพื่อเปลี่ยนรูปลักษณ์ของตัวละครที่ปรากฏบนผืนผ้าใบและภาพภายใน ด้วย​เหตุ​นี้ จึง​รู้​กัน​เมื่อ​ไม่​นาน​มา​นี้​ว่า​ใน​ตอน​แรก​อัครสาวก​คน​หนึ่ง​ไม่​มี​เครา​ที่​ยาว​และ​โค้ง. นอกจากนี้ผืนผ้าใบสีดำที่ปรากฎบนผนังโรงอาหารก็กลายเป็นเพียงพรมผืนเล็ก เท่านั้น
ในศตวรรษที่ 20 เราจัดการเพื่อค้นหาสิ่งนี้และฟื้นฟูเครื่องประดับบางส่วน

นักบูรณะสมัยใหม่ซึ่งกลุ่มที่ทำงานภายใต้การนำของ Carlo Berteli มีความโดดเด่นได้ตัดสินใจฟื้นฟูรูปลักษณ์ดั้งเดิมของปูนเปียกโดยปราศจากองค์ประกอบที่ใช้ในภายหลัง

แก่นเรื่องของความเป็นแม่ ภาพของแม่ยังสาวชื่นชมลูกของเธอ ยังคงเป็นกุญแจสำคัญในการทำงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่มาเป็นเวลานาน ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงคือภาพวาดของเขา "Madonna Litta" และ "Madonna with a Flower" ("Benois Madonna") ปัจจุบัน "Madonna Litta" ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ State Hermitage ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพวาดนี้ซื้อโดยจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 2 แห่งรัสเซียในปี พ.ศ. 2408 จากครอบครัวของดยุคอันโตนิโอ ลิตตา ชาวอิตาลี ซึ่งก่อนหน้านี้เคยได้รับมอบเป็นของขวัญจากดุ๊กวิสคอนติ ตามคำสั่งของซาร์แห่งรัสเซีย ภาพวาดดังกล่าวถูกย้ายจากไม้สู่ผืนผ้าใบและแขวนไว้ในห้องโถงแห่งหนึ่งของพิพิธภัณฑ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียง

นักวิชาการด้านศิลปะเชื่อ (และการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ได้พิสูจน์เรื่องนี้แล้ว) ว่างานสร้างภาพวาดนั้นผู้เขียนเองยังไม่เสร็จสมบูรณ์ สร้างเสร็จโดย Boltraffio นักเรียนคนหนึ่งของ Leonardo

ผืนผ้าใบเป็นการแสดงออกที่โดดเด่นที่สุดของธีมความเป็นแม่ในการวาดภาพยุคเรอเนซองส์ ภาพลักษณ์ของพระแม่มาดอนน่าสดใสและมีจิตวิญญาณ การมองไปยังทารกนั้นดูอ่อนโยนผิดปกติ แต่ก็แสดงออกไปพร้อม ๆ กัน
ความโศกเศร้า ความสงบ และความสงบภายใน แม่และเด็กที่นี่ดูเหมือนจะสร้างโลกที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของตัวเองขึ้นมา ก่อให้เกิดเป็นหนึ่งเดียวที่กลมกลืนกัน แนวคิดโดยรวมของภาพสามารถแสดงออกมาเป็นคำต่อไปนี้: สิ่งมีชีวิตสองตัว แม่และเด็ก มีพื้นฐานและความหมายของชีวิต

ภาพของมาดอนน่าอุ้มเด็กนั้นยิ่งใหญ่มาก ความสมบูรณ์และความซับซ้อนได้มาจากการเปลี่ยนแสงและเงาที่นุ่มนวลเป็นพิเศษ ความอ่อนโยนและความเปราะบางของร่างนั้นเน้นย้ำด้วยเสื้อคลุมที่พาดอยู่บนไหล่ของผู้หญิง หน้าต่างที่แสดงเป็นพื้นหลังของภาพวาดมีความสมดุลและองค์ประกอบที่สมบูรณ์ โดยเน้นการแยกคนใกล้ชิดสองคนออกจากส่วนอื่นๆ ของโลก

ภาพวาด "Madonna with a Flower" ("Benois Madonna") ประมาณปี 1478 ถูกซื้อมาจากเจ้าของชาวรัสเซียคนสุดท้ายโดยซาร์นิโคลัสที่ 2 ในปี 1914 โดยเฉพาะสำหรับอาศรม เจ้าของในยุคแรกยังไม่ทราบแน่ชัด มีเพียงตำนานที่บอกว่าภาพวาดนี้ถูกนำไปยังรัสเซียโดยนักแสดงนักเดินทางชาวอิตาลี หลังจากนั้นพ่อค้า Sapozhnikov ก็ซื้อใน Samara ในปี 1824 ต่อมาผืนผ้าใบได้รับการสืบทอดจากพ่อถึงลูกสาว M. A. Sapozhnikova (โดยสามีของเธอ - เบอนัวต์) ซึ่งจักรพรรดิซื้อมา ตั้งแต่นั้นมา ภาพวาดนี้มีชื่อสองชื่อ: “Madonna with a Flower” (ของผู้เขียน) และ “Benois Madonna” (ตามชื่อเจ้าของคนสุดท้าย)

ภาพวาดของพระแม่มารีและพระกุมารสะท้อนถึงความรู้สึกธรรมดาของโลกของแม่ที่เล่นกับลูกของเธอ ฉากทั้งหมดสร้างขึ้นจากความแตกต่าง: แม่หัวเราะและเด็กกำลังศึกษาดอกไม้ด้วยความจริงจัง ศิลปินที่มุ่งเน้นไปที่การต่อต้านนี้อย่างแม่นยำแสดงให้เห็นถึงความปรารถนาของบุคคลในความรู้ซึ่งเป็นก้าวแรกของเขาบนเส้นทางสู่ความจริง นี่คือแนวคิดหลักของผืนผ้าใบ

การเล่นแสงและเงาทำให้เกิดโทนสีที่พิเศษและใกล้ชิดสำหรับองค์ประกอบทั้งหมด แม่และลูกอยู่ในโลกของตัวเอง ตัดขาดจากความวุ่นวายของโลก แม้จะมีมุมฉากและความแข็งแกร่งของผ้าม่านที่ปรากฎ แต่แปรงของ Leonardo da Vinci ก็ค่อนข้างที่จะจดจำได้ง่ายด้วยการเปลี่ยนสีที่นุ่มนวลและนุ่มนวลของสีที่ใช้และการผสมแสงและเงา ผืนผ้าใบถูกทาสีด้วยสีที่นุ่มนวลและสงบ โดยคงไว้ด้วยโทนสีเดียว ทำให้ภาพวาดมีลักษณะที่นุ่มนวล และกระตุ้นความรู้สึกที่แปลกประหลาด ความกลมกลืนของจักรวาล และความเงียบสงบ

Leonardo da Vinci เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพบุคคลที่ได้รับการยอมรับ ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ได้แก่ Lady with an Ermine (ประมาณปี 1483-1484) และ Portrait of a Musician

นักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์แนะนำว่าภาพวาด "Lady with an Ermine" แสดงถึง Cecilia Gallerani ซึ่งเป็นที่โปรดปรานของ Louis Moreau ดยุคแห่งมิลานก่อนการแต่งงานของเขา มีข้อมูลว่าเซซิเลียเป็นผู้หญิงที่มีการศึกษาสูงซึ่งหาได้ยากมากในสมัยนั้น นอกจากนี้นักประวัติศาสตร์และนักเขียนชีวประวัติของศิลปินชื่อดังยังเชื่อว่าเธอคุ้นเคยอย่างใกล้ชิดกับ Leonardo da Vinci ซึ่งวันหนึ่งตัดสินใจวาดภาพเหมือนของเธอ

ภาพวาดนี้มาถึงเราในเวอร์ชันที่เขียนใหม่เท่านั้นดังนั้นนักวิทยาศาสตร์จึงสงสัยในผลงานของ Leonardo มานานแล้ว อย่างไรก็ตาม ชิ้นส่วนของภาพวาดที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นอย่างดีซึ่งแสดงถึงสัตว์จำพวกแมร์มีนและใบหน้าของหญิงสาวทำให้เราสามารถพูดด้วยความมั่นใจเกี่ยวกับสไตล์ของปรมาจารย์ดาวินชีผู้ยิ่งใหญ่ ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจอีกประการหนึ่งคือพื้นหลังสีเข้มที่หนาแน่น รวมถึงรายละเอียดบางส่วนของทรงผมนั้นเป็นภาพวาดเพิ่มเติมในภายหลัง

“ Lady with an Ermine” เป็นหนึ่งในภาพวาดแนวจิตวิทยาที่สว่างที่สุดในแกลเลอรี่ภาพเหมือนของศิลปิน ร่างทั้งหมดของหญิงสาวแสดงออกถึงความมีชีวิตชีวา ความมุ่งมั่นไปข้างหน้า และเป็นพยานถึงตัวละครมนุษย์ที่เข้มแข็งและเอาแต่ใจอย่างผิดปกติ ลักษณะใบหน้าที่ถูกต้องจะเน้นย้ำถึงสิ่งนี้เท่านั้น

ภาพบุคคลนั้นซับซ้อนและมีหลายแง่มุมอย่างแท้จริง ความกลมกลืนและความสมบูรณ์ของภาพเกิดขึ้นได้จากการผสมผสานองค์ประกอบหลายอย่างเข้าด้วยกัน: การแสดงออกทางสีหน้า การหันศีรษะ ตำแหน่งมือ ดวงตาของผู้หญิงสะท้อนถึงความฉลาด พลังงาน และความเข้าใจที่ไม่ธรรมดา ริมฝีปากที่บีบแน่น จมูกตรง คางแหลม ทุกอย่างเน้นถึงความตั้งใจ ความมุ่งมั่น และความเป็นอิสระ การหันศีรษะอย่างสง่างาม คอที่เปิดกว้าง และมือที่มีนิ้วยาวลูบสัตว์ที่สง่างาม เน้นความเปราะบางและความเรียวของร่างทั้งหมด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้หญิงคนนั้นกำลังถือสัตว์จำพวกแมร์มีนไว้ในอ้อมแขนของเธอ ขนสีขาวของสัตว์ซึ่งคล้ายกับหิมะแรกที่นี่เป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์ทางวิญญาณของหญิงสาว

ภาพบุคคลมีความไดนามิกอย่างน่าประหลาดใจ ปรมาจารย์สามารถจับภาพช่วงเวลาที่การเคลื่อนไหวหนึ่งเปลี่ยนไปได้อย่างราบรื่น และดูเหมือนว่าหญิงสาวกำลังจะมีชีวิตขึ้นมา หันศีรษะ แล้วมือของเธอจะเลื่อนไปตามขนนุ่ม ๆ ของสัตว์...

การแสดงออกที่ไม่ธรรมดาของการจัดองค์ประกอบนั้นได้มาจากความชัดเจนของเส้นที่สร้างรูปร่างตลอดจนการใช้และการใช้เทคนิคการเปลี่ยนแสงเป็นเงาอย่างเชี่ยวชาญด้วยความช่วยเหลือในการสร้างแบบฟอร์มบนผืนผ้าใบ

“ภาพเหมือนของนักดนตรี” เป็นภาพเหมือนของผู้ชายเพียงภาพเดียวในบรรดาผลงานชิ้นเอกของเลโอนาร์โด ดา วินชี นักวิจัยหลายคนระบุแบบจำลองนี้กับผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ของมหาวิหารมิลาน Franchino Gaffurio อย่างไรก็ตามนักวิทยาศาสตร์จำนวนหนึ่งหักล้างความคิดเห็นนี้โดยกล่าวว่าไม่ใช่ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ที่ปรากฎที่นี่ แต่เป็นชายหนุ่มธรรมดาซึ่งเป็นนักดนตรี แม้จะมีรายละเอียดบางอย่างเกี่ยวกับเทคนิคการเขียนของดาวินชี แต่นักประวัติศาสตร์ศิลปะยังคงสงสัยในผลงานของเลโอนาร์โด ข้อสงสัยเหล่านี้อาจเกี่ยวข้องกับการใช้องค์ประกอบขององค์ประกอบตามประเพณีทางศิลปะของจิตรกรภาพเหมือนลอมบาร์ดบนผืนผ้าใบ

เทคนิคในการถ่ายภาพบุคคลนั้นชวนให้นึกถึงงานของ Antonello da Messina ในหลาย ๆ ด้าน เมื่อเทียบกับพื้นหลังของผมหยิกเขียวชอุ่ม เส้นใบหน้าที่ชัดเจนและเข้มงวดโดดเด่นค่อนข้างชัดเจน ชายผู้ชาญฉลาดที่มีบุคลิกเข้มแข็งปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมแม้ว่าในขณะเดียวกันก็สามารถมองเห็นบางสิ่งที่แปลกประหลาดและจิตวิญญาณได้ในการจ้องมองของเขา บางทีอาจเป็นในขณะนี้ที่ทำนองใหม่อันศักดิ์สิทธิ์ถือกำเนิดขึ้นในจิตวิญญาณของนักดนตรีซึ่งหลังจากนั้นไม่นานก็จะชนะใจคนจำนวนมาก

อย่างไรก็ตามไม่มีใครสามารถพูดได้ว่าศิลปินกำลังพยายามยกย่องบุคคลแบบเทียม อาจารย์ถ่ายทอดความร่ำรวยและความกว้างของจิตวิญญาณมนุษย์อย่างละเอียดและชำนาญโดยไม่ต้องใช้คำพูดเกินจริงและความน่าสมเพช

ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของดาวินชีคือ "Madonna of the Rocks" อันโด่งดัง (1483-1493) สร้างขึ้นโดย Leonardo ตามคำร้องขอของพระสงฆ์แห่งโบสถ์ San Francesco Grande ในมิลาน องค์ประกอบนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อตกแต่งแท่นบูชาในโบสถ์ Immacolata

ภาพวาดมีอยู่ 2 เวอร์ชัน เวอร์ชันหนึ่งเก็บไว้ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส และอีกเวอร์ชันเก็บอยู่ในหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน

มันคือพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "มาดอนน่าแห่งก้อนหิน" ที่ประดับแท่นบูชาของโบสถ์ นักวิทยาศาสตร์แนะนำว่าศิลปินเองก็มอบมันให้กับกษัตริย์ฝรั่งเศสหลุยส์ที่ 12 ตามที่นักประวัติศาสตร์กล่าวว่าเขาทำเช่นนี้เพื่อเป็นการแสดงความขอบคุณสำหรับการมีส่วนร่วมของกษัตริย์ในการแก้ไขความขัดแย้งที่เกิดขึ้นระหว่างลูกค้าของภาพวาดและศิลปินที่แสดง

เวอร์ชันที่ได้รับบริจาคถูกแทนที่ด้วยภาพวาดอื่น ซึ่งปัจจุบันอยู่ในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอน ในปี ค.ศ. 1785 แฮมิลตันคนหนึ่งซื้อและนำเข้ามายังประเทศอังกฤษ

ลักษณะเด่นของ "มาดอนน่าออฟเดอะร็อคส์" คือการหลอมรวมร่างมนุษย์เข้ากับภูมิทัศน์ นี่เป็นภาพวาดชิ้นแรกของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ที่ภาพของนักบุญผสมผสานอย่างกลมกลืนกับธรรมชาติที่ได้รับแรงบันดาลใจจากการมีอยู่ของพวกเขา เป็นครั้งแรกในงานของปรมาจารย์ที่มีการแสดงภาพร่างโดยไม่ได้ตัดกับพื้นหลังขององค์ประกอบใดๆ ของอาคารทางสถาปัตยกรรม แต่ราวกับถูกล้อมรอบอยู่ในภูมิประเทศที่เต็มไปด้วยหินที่รุนแรง ความรู้สึกนี้ยังเกิดขึ้นในการจัดองค์ประกอบภาพเนื่องจากมีแสงและเงาตกกระทบเป็นพิเศษ

ภาพของมาดอนน่าถูกนำเสนอที่นี่ว่ามีจิตวิญญาณและแปลกประหลาดผิดปกติ แสงอ่อนๆ ตกกระทบหน้าเทวดา ศิลปินได้สเก็ตช์และสเก็ตช์ภาพมากมายก่อนที่ตัวละครของเขาจะมีชีวิตขึ้นมาและภาพของพวกเขาก็สดใสและแสดงออก ภาพร่างหนึ่งแสดงให้เห็นศีรษะของเทวดา เราไม่รู้ว่านี่ผู้หญิงหรือผู้ชาย แต่สิ่งหนึ่งที่สามารถพูดได้อย่างมั่นใจ: นี่เป็นสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาด เต็มไปด้วยความอ่อนโยน ความเมตตา และความบริสุทธิ์ ภาพรวมตื้นตันไปด้วยความรู้สึกสงบ สันติ และความเงียบ

เวอร์ชันที่ปรมาจารย์วาดในภายหลังแตกต่างจากครั้งแรกในรายละเอียดหลายประการ: รัศมีปรากฏเหนือศีรษะของนักบุญ, ยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อยถือไม้กางเขน, ตำแหน่งของทูตสวรรค์เปลี่ยนไป และเทคนิคในการดำเนินการเองก็กลายเป็นหนึ่งในเหตุผลที่ทำให้นักเรียนของ Leonardo เชื่อว่าการประพันธ์ภาพวาดนั้น ที่นี่ตัวเลขทั้งหมดจะถูกนำเสนอให้ใกล้ขึ้น มีขนาดใหญ่ขึ้น และนอกจากนี้ เส้นที่ประกอบขึ้นจะมองเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้น หนักและแหลมมากขึ้น เอฟเฟ็กต์นี้สร้างขึ้นโดยการเพิ่มเงาให้หนาขึ้นและเน้นแต่ละจุดในองค์ประกอบภาพ

นักวิจารณ์ศิลปะกล่าวว่าภาพวาดเวอร์ชันที่สองนั้นดูธรรมดาและติดดินมากกว่า บางทีสาเหตุอาจเป็นเพราะนักเรียนของเลโอนาร์โดวาดภาพเสร็จ อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ทำให้คุณค่าของผืนผ้าใบลดลง ความตั้งใจของศิลปินปรากฏชัดเจนในนั้น และประเพณีของปรมาจารย์ในการสร้างและแสดงภาพก็มองเห็นได้ชัดเจน

สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยคือประวัติศาสตร์ของภาพวาดชื่อดังของ Leonardo da Vinci "The Annunciation" (1470) การสร้างภาพวาดมีอายุย้อนไปถึงช่วงแรกๆ ในงานของศิลปิน ในระหว่างที่เขาศึกษาและทำงานในเวิร์คช็อปของ Andrea Verrocchio

องค์ประกอบหลายประการของเทคนิคการเขียนช่วยให้เราประกาศได้อย่างมั่นใจว่าผู้แต่งผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงคือ Leonardo da Vinci และไม่รวมการมีส่วนร่วมของ Verrocchio หรือนักเรียนคนอื่น ๆ ของเขาในการเขียน อย่างไรก็ตาม รายละเอียดบางอย่างในการจัดองค์ประกอบเป็นลักษณะเฉพาะของประเพณีทางศิลปะของโรงเรียน Verrocchio สิ่งนี้ชี้ให้เห็นว่าจิตรกรหนุ่มแม้จะมีความคิดริเริ่มและความสามารถของเขาที่เห็นได้ชัดในเวลานั้น แต่ก็ยังอยู่ภายใต้อิทธิพลของครูของเขาอยู่บ้าง

องค์ประกอบของภาพวาดค่อนข้างง่าย: ภูมิทัศน์, บ้านพักในชนบท, ร่างสองร่าง - แมรี่และนางฟ้า บนพื้นหลัง
เราเห็นเรือ อาคารบางแห่ง ท่าเรือ การปรากฏตัวของรายละเอียดดังกล่าวไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับงานของ Leonardo โดยสิ้นเชิงและไม่ใช่สิ่งสำคัญที่นี่ สำหรับศิลปิน การแสดงภูเขาที่ซ่อนอยู่ในระยะไกล ที่ถูกบดบังด้วยหมอกหนา และท้องฟ้าที่สว่างเกือบโปร่งใสนั้นสำคัญกว่า ภาพที่ได้รับการดลใจของหญิงสาวกำลังรอข่าวดีและทูตสวรรค์มีความสวยงามและอ่อนโยนเป็นพิเศษ เส้นของรูปแบบได้รับการออกแบบในลักษณะของดาวินชีซึ่งทำให้สามารถกำหนดผ้าใบเป็นผลงานชิ้นเอกที่เป็นของพู่กันของเลโอนาร์โดในยุคแรกได้ในคราวเดียว

เทคนิคของการดำเนินการรายละเอียดเล็ก ๆ น้อย ๆ ยังเป็นลักษณะของประเพณีของปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง: ม้านั่งขัดเงา, เชิงเทินหิน, ชั้นวางหนังสือที่ตกแต่งด้วยกิ่งไม้ในเทพนิยายที่บิดเบี้ยวอย่างประณีต ต้นแบบของอย่างหลังนั้นถือเป็นโลงศพของหลุมฝังศพของจิโอวานนีและปิเอโรเดเมดิซีซึ่งติดตั้งในโบสถ์ซานลอเรนโซ องค์ประกอบเหล่านี้ซึ่งมีอยู่ในสำนักของ Verrocchio และลักษณะเฉพาะของงานชิ้นหลังนี้ ได้รับการคิดใหม่โดย Da Vinci พวกมันมีชีวิตชีวา มีขนาดใหญ่โต และถักทออย่างกลมกลืนเป็นองค์ประกอบโดยรวม ดูเหมือนว่าผู้เขียนได้ตั้งเป้าหมายให้กับตัวเองโดยยึดเอาผลงานของอาจารย์เป็นพื้นฐานในการเปิดเผยโลกแห่งพรสวรรค์ของเขาโดยใช้เทคนิคและวิธีแสดงออกทางศิลปะของเขาเอง

ปัจจุบันภาพวาดเวอร์ชันหนึ่งอยู่ในหอศิลป์ Uffizi ในเมืองฟลอเรนซ์ การเรียบเรียงเวอร์ชันที่สองถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีส

ภาพวาดของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ถูกสร้างขึ้นค่อนข้างซับซ้อนกว่าภาพเขียนรุ่นก่อนๆ ที่นี่คุณสามารถเห็นเส้นเรขาคณิตที่ถูกต้องของผนังเชิงเทินหินได้อย่างชัดเจนซึ่งมีลวดลายซ้ำโดยม้านั่งที่อยู่ด้านหลังร่างของแมรี่ ภาพที่นำมาไว้ด้านหน้าจะถูกจัดวางในการจัดองค์ประกอบอย่างเหมาะสมและมีเหตุผล เมื่อเปรียบเทียบกับตัวเลือกแรกเสื้อผ้าของมารีย์และทูตสวรรค์นั้นเขียนออกมาอย่างชัดเจนและสม่ำเสมอมากขึ้น มาเรียก้มศีรษะต่ำ แต่งกายด้วยชุดสีน้ำเงินเข้มพร้อมเสื้อคลุมสีฟ้าพาดไหล่ ดูเหมือนสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาด สีเข้มของชุดเน้นและเน้นความขาวของใบหน้าให้ชัดเจนยิ่งขึ้น ภาพลักษณ์ของทูตสวรรค์ที่นำข่าวดีมาสู่มาดอนน่านั้นแสดงออกได้ไม่น้อย กำมะหยี่สีเหลืองเสื้อคลุมสีแดงเข้มพร้อมผ้าม่านที่ไหลลงมาอย่างนุ่มนวลช่วยเติมเต็มภาพนางฟ้าที่ดี

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในองค์ประกอบตอนท้ายคือภูมิทัศน์ที่ปรมาจารย์วาดอย่างประณีต: ต้นไม้ที่เติบโตในระยะไกล, ไร้รูปแบบใด ๆ, มองเห็นได้เกือบจะสมจริง, สีฟ้าอ่อน, ท้องฟ้าโปร่งใส, ภูเขาที่ซ่อนอยู่ด้วยหมอกบาง ๆ, ดอกไม้ที่มีชีวิตอยู่ใต้ฝ่าเท้า ของนางฟ้า

ภาพวาด "นักบุญเจอโรม" ย้อนกลับไปในสมัยของผลงานของ Leonardo da Vinci ในเวิร์คช็อปของ Andrea Verrocchio (ผลงานของศิลปินที่เรียกว่ายุคฟลอเรนซ์) ผืนผ้าใบยังคงสร้างไม่เสร็จ ธีมหลักของการเรียบเรียงคือฮีโร่ผู้โดดเดี่ยวคนบาปที่กลับใจ ร่างกายของเขาแห้งเหือดจากความหิว อย่างไรก็ตาม การจ้องมองของเขาซึ่งเต็มไปด้วยความมุ่งมั่นและความตั้งใจ เป็นการแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความอุตสาหะและความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของบุคคล ในภาพเดียวที่สร้างโดย Leonardo เราจะพบความเป็นคู่หรือความคลุมเครือในมุมมอง

ตัวละครในภาพวาดของเขามักจะแสดงถึงความหลงใหลและความรู้สึกอันลึกซึ้งที่เฉพาะเจาะจงในระดับสูงสุดเสมอ

การประพันธ์ของเลโอนาร์โดยังเห็นได้จากศีรษะของฤาษีที่วาดอย่างเชี่ยวชาญ การแพร่กระจายที่ผิดปกติของมันพูดถึงความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคการวาดภาพที่ยอดเยี่ยมของปรมาจารย์และความรู้เกี่ยวกับความซับซ้อนของกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ แม้ว่าจะจำเป็นต้องทำการจองเล็กน้อย แต่ในหลาย ๆ ด้านศิลปินได้ติดตามประเพณีของ Andrea del Castagno และ Domenico Veneziano ซึ่งในทางกลับกันมาจาก Antonio Pollaiuolo

ร่างของเจอโรมแสดงออกอย่างผิดปกติ ดูเหมือนว่าฤาษีคุกเข่ามุ่งไปข้างหน้าทั้งหมด ทางขวา
เขาถือหินในมืออีกครู่หนึ่ง - และเขาจะเอามันเข้าที่หน้าอกตัวเอง เฆี่ยนตีร่างกาย และสาปแช่งวิญญาณของเขาสำหรับบาปที่เขาได้ทำ...

โครงสร้างการจัดองค์ประกอบของภาพเขียนก็น่าสนใจเช่นกัน ดูเหมือนทั้งหมดจะถูกปิดล้อมเป็นเกลียว โดยเริ่มด้วยก้อนหิน ต่อด้วยรูปสิงโตซึ่งอยู่ที่เท้าของผู้สำนึกผิด และปิดท้ายด้วยร่างของฤาษี

บางทีผลงานศิลปะชิ้นเอกของโลกที่ได้รับความนิยมมากที่สุดก็คือ La Gioconda ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือเมื่อทำงานเกี่ยวกับภาพเหมือนเสร็จแล้วศิลปินไม่ได้แยกจากกันจนกระทั่งเขาเสียชีวิต ต่อมาภาพวาดนี้ตกไปอยู่ในมือของกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ผู้ซึ่งวางไว้ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

นักวิชาการด้านศิลปะทุกคนเห็นพ้องกันว่าภาพเขียนนี้ถูกวาดในปี 1503 อย่างไรก็ตาม ยังคงมีข้อโต้แย้งเกี่ยวกับต้นแบบของเด็กสาวที่ปรากฎในภาพเหมือน เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป (ประเพณีมาจากนักเขียนชีวประวัติชื่อดัง Giorgio Vasari) ว่าภาพเหมือนแสดงให้เห็นภรรยาของพลเมืองชาวฟลอเรนซ์ Francesco di Giocondo, Mona Lisa

เมื่อพิจารณาจากภาพเราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าศิลปินได้รับความสมบูรณ์แบบในการสร้างภาพลักษณ์ของมนุษย์ ที่นี่ปรมาจารย์ออกจากรูปแบบการวาดภาพเหมือนที่ได้รับการยอมรับและแพร่หลายก่อนหน้านี้ โมนาลิซ่าถูกวาดบนพื้นหลังสีอ่อนและยิ่งไปกว่านั้นถูกหมุนไปสามในสี่ของเทิร์นการจ้องมองของเธอมุ่งตรงไปที่ผู้ชมโดยตรง - นี่เป็นสิ่งใหม่ในงานศิลปะภาพเหมือนในยุคนั้น ต้องขอบคุณภูมิประเทศที่เปิดโล่งด้านหลังหญิงสาว ร่างของฝ่ายหลังจึงดูเหมือนเป็นส่วนหนึ่งของทิวทัศน์และผสมผสานเข้ากับมันได้อย่างกลมกลืน สิ่งนี้สามารถทำได้ด้วยเทคนิคทางศิลปะและภาพพิเศษที่สร้างโดย Leonardo และใช้ในงานของเขา - sfumato สาระสำคัญอยู่ที่ความจริงที่ว่าเส้นขอบนั้นถูกร่างไว้ไม่ชัดเจนเบลอและสิ่งนี้สร้างความรู้สึกของการหลอมรวมการแทรกซึมของแต่ละส่วนในการจัดองค์ประกอบ

ในการถ่ายภาพบุคคล เทคนิคดังกล่าว (การรวมร่างมนุษย์เข้ากับภูมิทัศน์ธรรมชาติขนาดใหญ่) กลายเป็นวิธีในการแสดงแนวคิดเชิงปรัชญา: โลกมนุษย์นั้นใหญ่โต ใหญ่โต และมีความหลากหลายพอๆ กับโลกแห่งธรรมชาติที่ล้อมรอบ เรา. แต่ในทางกลับกัน ธีมหลักขององค์ประกอบยังสามารถนำเสนอได้ว่าจิตใจของมนุษย์เป็นไปไม่ได้ที่จะมีความรู้ที่สมบูรณ์เกี่ยวกับโลกธรรมชาติ ด้วยความคิดนี้เองที่นักวิจารณ์ศิลปะหลายคนเชื่อมโยงรอยยิ้มแดกดันที่แข็งบนริมฝีปากของโมนาลิซ่า ดูเหมือนเธอจะพูดว่า: “ความพยายามทั้งหมดของมนุษย์ในการทำความเข้าใจโลกนั้นไร้ประโยชน์และไร้ประโยชน์อย่างยิ่ง”

นักประวัติศาสตร์ศิลปะกล่าวว่าภาพเหมือนของโมนาลิซ่าเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของเลโอนาร์โด ดา วินชี ในนั้นศิลปินสามารถรวบรวมและแสดงออกถึงความคิดเรื่องความสามัคคีและความใหญ่โตของโลกได้อย่างเต็มที่แนวคิดเรื่องลำดับความสำคัญของเหตุผลและศิลปะ

มิเกลันเจโล บูโอนาร์โรติ

Michelangelo Buonarroti จิตรกร ประติมากร สถาปนิก และกวีชาวอิตาลี เกิดที่เมือง Caprese ใกล้กับเมืองฟลอเรนซ์เมื่อวันที่ 6 มีนาคม ค.ศ. 1475 Lodovico Buonarroti พ่อของ Michelangelo เป็นนายกเทศมนตรีของเมือง Caprese เขาฝันว่าในไม่ช้าลูกชายของเขาจะมารับตำแหน่งอย่างเป็นทางการแทนเขา อย่างไรก็ตาม มิเกลันเจโลตัดสินใจอุทิศชีวิตให้กับการวาดภาพโดยขัดกับความปรารถนาของพ่อของเขา

ในปี ค.ศ. 1488 มิเกลันเจโลไปที่ฟลอเรนซ์และเข้าเรียนในโรงเรียนศิลปะที่นั่น ซึ่งในขณะนั้นนำโดยปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ชื่อดัง โดเมนิโก เกอร์ลันไดโอ หนึ่งปีต่อมาในปี 1489 ศิลปินหนุ่มได้ทำงานในเวิร์กช็อปที่ก่อตั้งโดย Lorenzo Medici แล้ว ที่นี่ชายหนุ่มเรียนรู้การวาดภาพจากศิลปินและประติมากรชื่อดังอีกคนในสมัยของเขา Bertoldo di Giovanni ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Donatello ในเวิร์กช็อปนี้ Michelangelo ทำงานร่วมกับ Angelo Poliziano และ Pico della Mirandola ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวิธีการทางศิลปะของจิตรกรรุ่นเยาว์ อย่างไรก็ตาม งานของ Michelangelo ไม่ได้จำกัดอยู่แค่ในแวดวงของ Lorenzo de' Medici เท่านั้น พรสวรรค์ของเขาพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ความสนใจของศิลปินถูกดึงดูดมากขึ้นไปที่ภาพที่กล้าหาญขนาดใหญ่ของผลงานของ Giotto และ Masaccio ผู้ยิ่งใหญ่

ในช่วงครึ่งแรกของยุค 90 ในศตวรรษที่ 15 ประติมากรรมชิ้นแรกที่ทำโดย Michelangelo ปรากฏขึ้น: "Madonna of the Stairs" และ "Battle of the Centaurs"

ใน “มาดอนน่า” เราสามารถมองเห็นอิทธิพลของรูปแบบการนำเสนอทางศิลปะที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปในศิลปะสมัยนั้น ในงานของ Michelangelo มีรายละเอียดเหมือนกันในเรื่องความเป็นพลาสติกของตัวเลข อย่างไรก็ตาม เทคนิคเฉพาะตัวของประติมากรรุ่นเยาว์มีให้เห็นที่นี่แล้ว ซึ่งแสดงออกมาในการสร้างสรรค์ภาพที่กล้าหาญและสูงส่ง

ไม่มีร่องรอยของอิทธิพลภายนอกในการบรรเทาทุกข์ "Battle of the Centaurs" อีกต่อไป งานนี้เป็นผลงานอิสระชิ้นแรกของปรมาจารย์ผู้มีความสามารถซึ่งแสดงลายมือของเขาเอง ภาพโล่งอกในตำนานของการต่อสู้ของ Lapiths กับเซนทอร์ปรากฏต่อหน้าผู้ชมในเนื้อหาทั้งหมด ฉากนี้โดดเด่นด้วยดราม่าและความสมจริงที่ไม่ธรรมดา ซึ่งแสดงออกผ่านความเป็นพลาสติกที่ถ่ายทอดออกมาได้อย่างแม่นยำของภาพที่ปรากฎ ประติมากรรมชิ้นนี้ถือได้ว่าเป็นเพลงสรรเสริญวีรบุรุษ ความแข็งแกร่ง และความงามของมนุษย์ แม้ว่าเนื้อเรื่องจะดูดราม่า แต่องค์ประกอบโดยรวมก็มีความกลมกลืนภายในอย่างลึกซึ้ง

นักวิชาการด้านศิลปะถือว่า "The Battle of the Centaurs" เป็นจุดเริ่มต้นของงานของ Michelangelo ว่ากันว่าอัจฉริยะของศิลปินมีต้นกำเนิดมาจากงานนี้ ความโล่งใจที่ย้อนกลับไปถึงผลงานในยุคแรกๆ ของปรมาจารย์ เป็นภาพสะท้อนที่มีเอกลักษณ์ของความสมบูรณ์ของสไตล์ศิลปะของ Michelangelo

ตั้งแต่ปี 1495 ถึง 1496 Michelangelo Buonarroti อยู่ที่เมืองโบโลญญา ที่นี่เขาคุ้นเคยกับภาพวาดของ Jacopo della Quercia ซึ่งดึงดูดความสนใจของศิลปินหนุ่มด้วยความยิ่งใหญ่ของภาพที่สร้างขึ้น

ในปี 1496 ปรมาจารย์ตั้งรกรากในกรุงโรม ซึ่งเขาศึกษาศิลปะพลาสติกและลักษณะการปฏิบัติงานของประติมากรรมโบราณที่เพิ่งค้นพบเมื่อเร็ว ๆ นี้ รวมถึง "Laocoon" และ "Belvedere Torso" รูปแบบทางศิลปะของประติมากรชาวกรีกโบราณสะท้อนให้เห็นโดย Michelangelo ใน Bacchus

ตั้งแต่ปี 1498 ถึง 1501 ศิลปินได้ทำงานเกี่ยวกับการสร้างกลุ่มหินอ่อนที่เรียกว่า "Pieta" และทำให้ Michelangelo มีชื่อเสียงจากหนึ่งในปรมาจารย์คนแรกของอิตาลี ฉากทั้งหมดที่แสดงให้เห็นแม่ยังสาวร้องไห้บนร่างของลูกชายที่ถูกฆ่าของเธอนั้นเต็มไปด้วยความรู้สึกถึงความเป็นมนุษย์และความอ่อนโยนที่ไม่ธรรมดา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปินเลือกเด็กสาวเป็นนางแบบ - ภาพที่แสดงถึงความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณ

ผลงานของปรมาจารย์หนุ่มที่แสดงวีรบุรุษในอุดมคตินี้แตกต่างอย่างมากจากงานประติมากรรมที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ภาพของไมเคิลแองเจโลลึกซึ้งและลึกซึ้งยิ่งขึ้น ความรู้สึกเศร้าโศกและความเศร้าถูกถ่ายทอดออกมาอย่างละเอียดอ่อนผ่านการแสดงออกพิเศษของใบหน้าของผู้เป็นแม่ ตำแหน่งมือของเธอ และร่างกายของเธอ ซึ่งเน้นเส้นโค้งที่เน้นด้วยผ้าผืนนุ่มของเสื้อผ้าของเธอ อย่างไรก็ตามการพรรณนาถึงสิ่งหลังถือได้ว่าเป็นการย้อนกลับไปในงานของอาจารย์: รายละเอียดโดยละเอียดขององค์ประกอบขององค์ประกอบ (ในกรณีนี้คือรอยพับของชุดและหมวกคลุมศีรษะ) เป็นคุณลักษณะเฉพาะของ ศิลปะแห่งยุคก่อนเรอเนซองส์ องค์ประกอบโดยรวมแสดงออกอย่างผิดปกติและน่าสมเพช ซึ่งเป็นลักษณะเด่นของผลงานของประติมากรรุ่นเยาว์

ในปี 1501 Michelangelo ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านประติมากรรมที่มีชื่อเสียงในอิตาลีได้เดินทางไปฟลอเรนซ์อีกครั้ง นี่คือที่ตั้งหินอ่อนของเขา “เดวิด” ซึ่งแตกต่างจากรุ่นก่อนของเขา (Donatello และ Verrocchio) Michelangelo พรรณนาถึงฮีโร่หนุ่มที่เพิ่งเตรียมพร้อมสำหรับการต่อสู้ รูปปั้นขนาดใหญ่ (ความสูง 5.5 ม.) แสดงถึงเจตจำนงที่แข็งแกร่งผิดปกติของบุคคลความแข็งแกร่งทางร่างกายและความงามของร่างกายของเขา ภาพลักษณ์ของมนุษย์ในความคิดของไมเคิลแองเจโลนั้นคล้ายคลึงกับร่างของไททันยักษ์ในตำนาน เดวิดปรากฏที่นี่เป็นศูนย์รวมของความคิดของคนที่สมบูรณ์แบบ เข้มแข็ง และเป็นอิสระ พร้อมที่จะเอาชนะอุปสรรคใดๆ ที่ขวางหน้า ความหลงใหลทั้งหมดที่เดือดพล่านในจิตวิญญาณของฮีโร่ถูกถ่ายทอดผ่านการพลิกผันของร่างกายและการแสดงออกทางสีหน้าของเดวิด ซึ่งพูดถึงบุคลิกที่เด็ดเดี่ยวและเอาแต่ใจอันแรงกล้าของเขา

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูปปั้นของเดวิดประดับทางเข้า Palazzo Vecchio (อาคารของรัฐบาลเมืองฟลอเรนซ์) เพื่อเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจ ความแข็งแกร่งที่ไม่ธรรมดา และความเป็นอิสระของนครรัฐ องค์ประกอบทั้งหมดแสดงถึงความสามัคคีของจิตวิญญาณมนุษย์ที่แข็งแกร่งและร่างกายที่แข็งแกร่งไม่แพ้กัน

ในปี 1501 ผลงานจิตรกรรมชิ้นแรก (“Battle of Cascina”) และภาพวาดขาตั้ง (“Madonna Doni” ในรูปแบบทรงกลม) ปรากฏขึ้นพร้อมกับรูปปั้นของเดวิด ปัจจุบันผลงานหลังนี้ถูกเก็บไว้ในแกลเลอรี Uffizi ในเมืองฟลอเรนซ์

ในปี ค.ศ. 1505 มิเกลันเจโลเดินทางกลับกรุงโรม ที่นี่เขาทำงานเกี่ยวกับการสร้างหลุมฝังศพของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ตามแผน สุสานนี้ควรจะเป็นโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่ยิ่งใหญ่ โดยจะมีรูปปั้น 40 รูปที่แกะสลักจากหินอ่อนและภาพนูนต่ำนูนทองสัมฤทธิ์ตั้งอยู่ อย่างไรก็ตาม หลังจากนั้นไม่นาน สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ก็ละทิ้งคำสั่งของเขา และแผนการอันยิ่งใหญ่ของมีเกลันเจโลก็ไม่ถูกกำหนดให้เป็นจริง แหล่งข่าวระบุว่าลูกค้าปฏิบัติต่ออาจารย์อย่างหยาบคายอันเป็นผลมาจากการที่เขารู้สึกขุ่นเคืองถึงแก่นจึงตัดสินใจออกจากเมืองหลวงและกลับไปที่ฟลอเรนซ์อีกครั้ง

อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ชาวฟลอเรนซ์ได้ชักชวนประติมากรผู้มีชื่อเสียงให้สร้างสันติภาพกับสมเด็จพระสันตะปาปา ในไม่ช้าเขาก็หันไปหา Michelangelo พร้อมข้อเสนอใหม่ - เพื่อตกแต่งเพดานของโบสถ์ Sistine ปรมาจารย์ซึ่งคิดว่าตัวเองเป็นประติมากรเป็นหลักก็ยอมรับคำสั่งนี้อย่างไม่เต็มใจ อย่างไรก็ตาม เขาได้สร้างสรรค์ภาพวาดที่ยังคงเป็นผลงานศิลปะชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับและทิ้งความทรงจำของจิตรกรมาหลายชั่วอายุคน

ควรสังเกตว่า Michelangelo ทำงานทาสีเพดานซึ่งมีพื้นที่มากกว่า 600 ตารางเมตร ม. m อยู่คนเดียวโดยสิ้นเชิงโดยไม่มีผู้ช่วย อย่างไรก็ตามสี่ปีต่อมาจิตรกรรมฝาผนังก็เสร็จสมบูรณ์

พื้นผิวทั้งหมดของเพดานสำหรับการทาสีแบ่งออกเป็นหลายส่วน สถานที่กลางถูกครอบครองโดยเก้าฉากที่แสดงถึงการสร้างโลกตลอดจนชีวิตของคนแรก ตามมุมของแต่ละฉากจะมีร่างของชายหนุ่มเปลือยอยู่ ทางด้านซ้ายและขวาขององค์ประกอบนี้คือจิตรกรรมฝาผนังที่มีรูปศาสดาพยากรณ์เจ็ดคนและผู้ทำนายห้าคน เพดาน ห้องใต้ดินโค้ง และแบบหล่อได้รับการตกแต่งด้วยฉากในพระคัมภีร์แต่ละฉาก ควรสังเกตว่าร่างของ Michelangelo ที่นี่มีขนาดต่างกัน เทคนิคพิเศษทางเทคนิคนี้ทำให้ผู้เขียนสามารถมุ่งความสนใจของผู้ชมไปที่ตอนและรูปภาพที่สำคัญที่สุดได้

จนถึงขณะนี้นักวิชาการด้านศิลปะยังสับสนกับปัญหาแนวคิดทางอุดมการณ์ของจิตรกรรมฝาผนัง ความจริงก็คือแผนการทั้งหมดที่ประกอบขึ้นเป็นการเขียนโดยละเมิดลำดับตรรกะของการพัฒนาพล็อตเรื่องพระคัมภีร์ ตัวอย่างเช่น ภาพวาด "The Drunkenness of Noah" นำหน้าองค์ประกอบ "The Separation of Light from Darkness" แม้ว่าจะควรจะเป็นอย่างอื่นก็ตาม อย่างไรก็ตาม การกระจายตัวแบบเช่นนี้ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อทักษะทางศิลปะของจิตรกรแต่อย่างใด เห็นได้ชัดว่าเป็นเรื่องสำคัญกว่าที่ศิลปินจะต้องไม่เปิดเผยเนื้อหาของเรื่องราว แต่อีกครั้ง (เช่นในรูปปั้นของ "เดวิด") เพื่อแสดงให้เห็นถึงความกลมกลืนของจิตวิญญาณที่สวยงามและประเสริฐของบุคคลกับร่างกายที่ทรงพลังและแข็งแกร่งของเขา
สิ่งนี้ได้รับการยืนยันจากภาพของ Sabaoth ผู้เฒ่าที่มีลักษณะคล้ายไทเทเนียม (จิตรกรรมฝาผนัง "การสร้างดวงอาทิตย์และดวงจันทร์") ที่สร้างผู้ทรงคุณวุฒิ

ในจิตรกรรมฝาผนังเกือบทั้งหมดที่เล่าเกี่ยวกับการสร้างโลกผู้ชมจะได้พบกับชายร่างใหญ่ที่ชีวิตความมุ่งมั่นความแข็งแกร่งและความตั้งใจจะถูกปลุกให้ตื่นขึ้นตามความปรารถนาของผู้สร้าง แนวคิดเรื่องอิสรภาพดำเนินผ่านภาพวาด "The Fall" ซึ่งอีฟเอื้อมมือไปหาผลไม้ต้องห้ามดูเหมือนจะท้าทายโชคชะตาและแสดงความปรารถนาอย่างเด็ดขาดเพื่ออิสรภาพ ภาพปูนเปียก "น้ำท่วม" ยังเต็มไปด้วยความไม่ยืดหยุ่นและความกระหายชีวิตเช่นเดียวกันซึ่งเหล่าฮีโร่เชื่อในความต่อเนื่องของชีวิตและเผ่าพันธุ์

รูปภาพของพี่น้องและผู้เผยพระวจนะแสดงด้วยร่างของคนที่แสดงถึงความรู้สึกที่แข็งแกร่งและบุคลิกลักษณะที่สดใส โจเอลผู้ชาญฉลาดอยู่ที่นี่ตรงข้ามกับเอเสเคียลผู้สิ้นหวัง ผู้ชมรู้สึกทึ่งกับภาพของอิสยาห์ผู้มีจิตวิญญาณและเดลฟิค ซิบิลผู้งดงามด้วยดวงตากลมโตที่ชัดเจน ซึ่งแสดงให้เห็นในขณะที่ทำนาย

ความน่าสมเพชและความยิ่งใหญ่ของภาพที่สร้างโดย Michelangelo ได้รับการกล่าวถึงข้างต้นมากกว่าหนึ่งครั้ง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือแม้กระทั่งสิ่งที่เรียกว่า ตัวเลขเสริมนั้นได้รับการมอบให้โดยอาจารย์ที่มีลักษณะเหมือนกับตัวละครหลัก รูปภาพของชายหนุ่มที่อยู่ในมุมของภาพวาดแต่ละภาพเป็นศูนย์รวมของความสุขของชีวิตที่บุคคลหนึ่งประสบและจิตสำนึกถึงความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณและร่างกายของเขาเอง

นักประวัติศาสตร์ศิลป์พิจารณาอย่างถูกต้องว่าภาพวาดของโบสถ์ซิสทีนเป็นงานที่เสร็จสิ้นช่วงการพัฒนาเชิงสร้างสรรค์ของมีเกลันเจโล ที่นี่อาจารย์ประสบความสำเร็จในการแบ่งเพดานซึ่งแม้จะมีวัตถุที่หลากหลาย แต่จิตรกรรมฝาผนังโดยรวมก็สร้างความประทับใจในความสามัคคีและความสามัคคีของภาพที่ศิลปินสร้างขึ้น

ตลอดการทำงานจิตรกรรมฝาผนังของ Michelangelo วิธีการทางศิลปะของปรมาจารย์ค่อยๆเปลี่ยนไป ตัวละครต่อมาจะถูกนำเสนอให้ใหญ่ขึ้น - สิ่งนี้ช่วยเพิ่มความยิ่งใหญ่ได้อย่างมาก นอกจากนี้ภาพขนาดใหญ่ดังกล่าวยังนำไปสู่ความจริงที่ว่าความเป็นพลาสติกของตัวเลขมีความซับซ้อนมากขึ้น อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลกระทบต่ออารมณ์ความรู้สึกของภาพแต่อย่างใด บางทีที่นี่มากกว่าที่อื่นพรสวรรค์ของประติมากรก็ถูกเปิดเผยซึ่งสามารถถ่ายทอดทุกการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ได้อย่างละเอียด ดูเหมือนว่าภาพวาดไม่ได้ทาสีด้วยสี แต่ได้รับการแกะสลักภาพนูนต่ำนูนสูงอย่างเชี่ยวชาญ

ลักษณะของจิตรกรรมฝาผนังในส่วนต่าง ๆ ของเพดานจะแตกต่างกัน หากส่วนกลางแสดงอารมณ์ในแง่ดีมากที่สุด ในห้องใต้ดินโค้งจะมีภาพที่รวบรวมความรู้สึกเศร้าหมองทุกเฉดสี: ความสงบ ความเศร้า และความวิตกกังวลจะถูกแทนที่ด้วยความสับสนและชา

การตีความภาพของบรรพบุรุษของพระคริสต์ของ Michelangelo ก็น่าสนใจเช่นกัน บางคนแสดงความรู้สึกถึงความสามัคคีในครอบครัว ในทางกลับกัน คนอื่นๆ เต็มไปด้วยความโกรธและความเกลียดชังต่อกัน ซึ่งไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับวีรบุรุษในพระคัมภีร์ที่ถูกเรียกให้นำแสงสว่างและความดีมาสู่โลก นักประวัติศาสตร์ศิลป์ถือว่าการเพิ่มเติมในโบสถ์ในเวลาต่อมาเป็นการแสดงให้เห็นถึงวิธีการทางศิลปะแบบใหม่ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของช่วงเวลาใหม่ในเชิงคุณภาพในผลงานของจิตรกรระดับปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง

ในยุค 20 ในศตวรรษที่ 16 มีผลงานของ Michelangelo ปรากฏขึ้นซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อตกแต่งหลุมฝังศพของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 คำสั่งให้ก่อสร้างหลังนี้ได้รับจากประติมากรชื่อดังจากทายาทของสมเด็จพระสันตะปาปา ในเวอร์ชันนี้ สุสานควรมีขนาดเล็กกว่าเล็กน้อยโดยมีจำนวนรูปปั้นขั้นต่ำ ในไม่ช้านายท่านก็ทำงานประติมากรรมสามชิ้นเสร็จ: รูปปั้นทาสสองคนและโมเสส

มีเกลันเจโลทำงานเกี่ยวกับภาพเชลยมาตั้งแต่ปี 1513 ธีมหลักของงานนี้คือชายคนหนึ่งกำลังต่อสู้กับกองกำลังที่เป็นศัตรูกับเขา ที่นี่ร่างอันยิ่งใหญ่ของวีรบุรุษที่ได้รับชัยชนะถูกแทนที่ด้วยตัวละครที่ตายในการต่อสู้กับความชั่วร้ายที่ไม่เท่าเทียมกัน ยิ่งไปกว่านั้น ภาพเหล่านี้กลับกลายเป็นว่าไม่ได้อยู่ภายใต้เป้าหมายและงานใดของศิลปิน แต่เป็นตัวแทนของอารมณ์และความรู้สึกที่ผสมผสานกัน

ความเก่งกาจของภาพแสดงออกมาโดยใช้วิธีทางศิลปะและภาพอันเป็นเอกลักษณ์ที่ปรมาจารย์ใช้ หากก่อนหน้านี้ Michelangelo พยายามแสดงรูปปั้นหรือกลุ่มประติมากรรมจากด้านหนึ่ง ตอนนี้ภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นจะกลายเป็นพลาสติกและเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับด้านใดของรูปปั้นที่ผู้ชมอยู่ รูปร่างบางอย่างจะเปลี่ยนไป และปัญหานี้จะรุนแรงมากขึ้น

สามารถดูภาพประกอบข้างต้นได้ใน “The Bound Prisoner” ดังนั้น หากผู้ชมเดินไปรอบๆ ประติมากรรมในทิศทางตามเข็มนาฬิกา เขาจะมองเห็นสิ่งต่อไปนี้ได้อย่างง่ายดาย ประการแรก ร่างของนักโทษที่ถูกมัดพร้อมกับศีรษะของเขาถูกโยนกลับไป และร่างกายที่ทำอะไรไม่ถูกแสดงออกถึงความทุกข์ทรมานที่ไร้มนุษยธรรมจากจิตสำนึกแห่งความไร้พลังของเขาเอง ความอ่อนแอของจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม เมื่อเราเคลื่อนไปรอบๆ ประติมากรรมมากขึ้น ภาพจะเปลี่ยนไปอย่างมาก ความอ่อนแอก่อนหน้านี้ของนักโทษหายไป กล้ามเนื้อของเขาเต็มไปด้วยความแข็งแกร่ง หัวของเขาลุกขึ้นอย่างภาคภูมิใจ และตอนนี้ก่อนที่ผู้ชมจะไม่ใช่ผู้พลีชีพที่เหนื่อยล้าอีกต่อไป แต่เป็นร่างที่ทรงพลังของฮีโร่ไททานิคซึ่งพบว่าตัวเองถูกใส่กุญแจมือโดยอุบัติเหตุที่ไร้สาระ ดูเหมือนว่าเพียงชั่วครู่หนึ่งความผูกพันก็จะถูกทำลาย อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้จะไม่เกิดขึ้น เมื่อมองไกลออกไป ผู้ชมจะเห็นว่าร่างกายของชายคนนั้นอ่อนแอลงอีกครั้ง ศีรษะของเขาก้มลง และที่นี่อีกครั้งที่เรามีนักโทษผู้น่าสงสารคนหนึ่งซึ่งลาออกจากชะตากรรมของเขา

ความแปรปรวนเดียวกันนี้สามารถติดตามได้ในรูปปั้น “The Dying Prisoner” เมื่อผู้ชมก้าวไปข้างหน้า เขาเห็นว่าร่างกายที่เต้นด้วยความเจ็บปวดค่อยๆ สงบลงและชา กระตุ้นให้เกิดความคิดเรื่องความเงียบและสันติสุขชั่วนิรันดร์

ประติมากรรมของเชลยมีการแสดงออกที่ไม่ธรรมดาซึ่งสร้างขึ้นโดยการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของตัวเลขอย่างสมจริง พวกเขามีชีวิตขึ้นมาต่อหน้าต่อตาผู้ชมอย่างแท้จริง ในแง่ของความแข็งแกร่งของการประหารชีวิต รูปปั้นของเชลยสามารถเปรียบเทียบได้กับประติมากรรมที่เก่าแก่ที่สุดของศิลปิน "The Battle of the Centaurs" เท่านั้น

รูปปั้น "โมเสส" ซึ่งแตกต่างจาก "นักโทษ" ค่อนข้างมีบุคลิกที่ยับยั้งชั่งใจมากกว่า แต่ก็ไม่ได้แสดงออกน้อยลง ที่นี่ Michelangelo หันมาสร้างภาพลักษณ์ของฮีโร่ผู้ยิ่งใหญ่อีกครั้ง ร่างของโมเสสเป็นศูนย์รวมของผู้นำ ผู้นำ ชายผู้มีเจตจำนงที่แข็งแกร่งเป็นพิเศษ แก่นแท้ของเขาได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดเมื่อเปรียบเทียบกับเดวิด หากอย่างหลังเป็นสัญลักษณ์ของความมั่นใจในความแข็งแกร่งและการอยู่ยงคงกระพันของคนๆ หนึ่ง โมเสสก็เป็นตัวอย่างของแนวคิดที่ว่าชัยชนะต้องใช้ความพยายามอย่างมาก ความตึงเครียดทางจิตวิญญาณของฮีโร่นี้ถูกถ่ายทอดโดยอาจารย์ไม่เพียง แต่ผ่านการแสดงออกที่น่ากลัวของใบหน้าของเขาเท่านั้น แต่ยังด้วยความช่วยเหลือของรูปร่างพลาสติก: เส้นพับของเสื้อผ้าที่หักเหอย่างรวดเร็ว, เคราของโมเสสที่หงายขึ้น .

ตั้งแต่ปี 1519 เป็นต้นมา Michelangelo ได้สร้างรูปปั้นนักโทษอีกสี่รูป อย่างไรก็ตาม พวกเขายังคงสร้างไม่เสร็จ ต่อจากนั้นพวกเขาตกแต่งถ้ำในสวน Boboli ซึ่งตั้งอยู่ในฟลอเรนซ์ ปัจจุบันรูปปั้นเหล่านี้ถูกเก็บไว้ใน Florence Academy ในงานเหล่านี้ ธีมใหม่สำหรับไมเคิลแองเจโลปรากฏขึ้น: ความเชื่อมโยงระหว่างรูปแกะสลักและก้อนหินที่นำมาเป็นวัตถุดิบ ประติมากรที่นี่นำเสนอแนวคิดเกี่ยวกับจุดประสงค์หลักของศิลปิน: เพื่อปลดปล่อยภาพจากโซ่ตรวนหิน เนื่องจากข้อเท็จจริงที่ว่าประติมากรรมกลายเป็นงานที่ยังไม่เสร็จและชิ้นส่วนหินที่ยังไม่ผ่านกระบวนการจึงมองเห็นได้ชัดเจนในส่วนล่าง ผู้ชมจึงสามารถเห็นกระบวนการทั้งหมดในการสร้างภาพได้ ความขัดแย้งทางศิลปะครั้งใหม่แสดงอยู่ที่นี่: มนุษย์และโลกรอบตัวเขา นอกจากนี้ความขัดแย้งนี้ไม่ได้รับการแก้ไขเพื่อประโยชน์ของบุคคลนั้น ความรู้สึกและความหลงใหลทั้งหมดของเขาถูกระงับโดยสิ่งแวดล้อม

ผลงานที่แสดงถึงความสมบูรณ์ของเวทียุคเรอเนซองส์ขั้นสูงและในขณะเดียวกันก็แสดงถึงขั้นตอนใหม่ในงานของไมเคิลแองเจโลคือภาพวาดของโบสถ์เมดิซีในฟลอเรนซ์ งานนี้ใช้เวลากว่า 15 ปี ตั้งแต่ปี 1520 ถึง 1534 บางครั้งศิลปินถูกบังคับให้ระงับงานชั่วคราวเนื่องจากเหตุการณ์ทางการเมืองที่เกิดขึ้นในอิตาลี ในปี ค.ศ. 1527 ฟลอเรนซ์จึงประกาศตัวเป็นสาธารณรัฐเพื่อตอบสนองต่อความพ่ายแพ้ของโรม

Michelangelo ในฐานะผู้สนับสนุนรัฐบาลสาธารณรัฐได้รับเลือกให้ดำรงตำแหน่งหัวหน้าฝ่ายงานป้อมปราการและมีส่วนช่วยอย่างมากในการป้องกันเมือง เมื่อฟลอเรนซ์ล่มสลายและเมดิชิขึ้นสู่อำนาจอีกครั้ง ภัยคุกคามร้ายแรงต่อการเสียชีวิตก็ครอบงำศิลปินผู้โด่งดัง และตอนนี้ก็เป็นนักการเมืองด้วย ความรอดมาโดยไม่คาดคิดโดยสิ้นเชิง สมเด็จพระสันตะปาปาเคลมองต์ที่ 7 เด เมดิชี ทรงเป็นคนหยิ่งยโสและไร้เหตุผล ทรงแสดงความปรารถนาที่จะฝากความทรงจำเกี่ยวกับตนเองและญาติๆ ไว้กับลูกหลานของเขา มีใครอีกบ้างนอกจาก Michelangelo ที่มีชื่อเสียงในด้านศิลปะการวาดภาพเขียนที่ยอดเยี่ยมและการสร้างรูปปั้นที่ยอดเยี่ยมที่สามารถทำเช่นนี้ได้?

ดังนั้นการก่อสร้างโบสถ์เมดิซีจึงกลับมาดำเนินการต่อ หลังนี้เป็นโครงสร้างขนาดเล็กมีกำแพงสูง มีโดมอยู่ด้านบน โบสถ์แห่งนี้ประกอบด้วยสุสานสองแห่ง ได้แก่ ดยุค Giuliano แห่ง Nemours และ Lorenzo แห่ง Urbino ซึ่งตั้งอยู่ตามผนัง ผนังชั้นที่ 3 ตรงข้ามแท่นบูชามีรูปปั้นพระแม่มารี ทางด้านซ้ายและขวามีรูปปั้นเป็นรูปนักบุญคอสมาสและดาเมียน เป็นที่ยอมรับแล้วว่าสร้างขึ้นโดยลูกศิษย์ของอาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ นักวิจัยแนะนำว่าสำหรับสุสานเมดิซีก็มีการสร้างรูปปั้น "อพอลโล" (อีกชื่อหนึ่งคือ "เดวิด") และ "เด็กหมอบ" ด้วยเช่นกัน

ถัดจากรูปปั้นของดุ๊กซึ่งไม่มีความคล้ายคลึงภายนอกกับต้นแบบของพวกเขา ตัวเลขเชิงเปรียบเทียบถูกวาง: "เช้า", "กลางวัน", "เย็น" และ "กลางคืน" สิ่งเหล่านี้ถูกนำเสนอที่นี่เพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความไม่ยั่งยืนของเวลาโลกและชีวิตมนุษย์ รูปปั้นที่ตั้งอยู่ในซอกแคบๆ ชวนให้นึกถึงภาวะซึมเศร้า การมาถึงของบางสิ่งที่น่ากลัวและน่ากลัวที่กำลังจะเกิดขึ้น ร่างสามมิติของดยุคที่ถูกกำแพงหินบดขยี้ทุกด้าน แสดงถึงความแตกสลายทางจิตวิญญาณและความว่างเปล่าภายในของภาพ

ความกลมกลืนที่สุดในชุดนี้คือภาพลักษณ์ของมาดอนน่า แสดงออกอย่างพิเศษและเต็มไปด้วยการแต่งเนื้อร้อง ทำให้ไม่คลุมเครือและไม่เป็นภาระกับบทเพลงที่เศร้าหมอง

โบสถ์เมดิซีมีความน่าสนใจเป็นพิเศษจากมุมมองของความสามัคคีทางศิลปะของรูปแบบสถาปัตยกรรมและประติมากรรม เส้นสายของอาคารและรูปปั้นต่างเป็นไปตามแนวคิดหนึ่งของศิลปิน โบสถ์แห่งนี้เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของการสังเคราะห์และความกลมกลืนของการมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างศิลปะทั้งสอง - ประติมากรรมและสถาปัตยกรรม โดยที่ชิ้นส่วนของชิ้นหนึ่งเสริมและพัฒนาความหมายขององค์ประกอบของอีกชิ้นหนึ่งอย่างกลมกลืน

ในปี ค.ศ. 1534 ไมเคิลแองเจโลออกจากฟลอเรนซ์และตั้งรกรากอยู่ในโรมซึ่งเขาอาศัยอยู่จนวาระสุดท้ายของชีวิต ยุคโรมันของผลงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ผ่านไปในบริบทของการต่อสู้ของการต่อต้านการปฏิรูปกับแนวคิดที่นักเขียน จิตรกร และประติมากรในยุคเรอเนซองส์ยกย่องยกย่อง ความคิดสร้างสรรค์ในยุคหลังถูกแทนที่ด้วยศิลปะของลัทธิปฏิบัตินิยม

ในกรุงโรม ไมเคิลแองเจโลใกล้ชิดกับผู้คนที่ประกอบกันเป็นแวดวงศาสนาและปรัชญาซึ่งนำโดยกวีชาวอิตาลีผู้โด่งดังในยุคนั้น วิตตอเรีย โคลอนนา อย่างไรก็ตาม ความคิดและแนวคิดของ Michelangelo ในวัยหนุ่มยังห่างไกลจากความคิดและความคิดที่อยู่ในหัวของสมาชิกในแวดวง อันที่จริง อาจารย์อาศัยและทำงานในโรมในสภาพแวดล้อมของความเข้าใจผิดและความเหงาทางจิตวิญญาณ

ในเวลานี้ (ค.ศ. 1535-1541) ภาพปูนเปียก "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" ปรากฏขึ้นเพื่อตกแต่งผนังแท่นบูชาของโบสถ์ซิสทีน

เรื่องราวในพระคัมภีร์ได้รับการตีความใหม่โดยผู้เขียนที่นี่ ผู้ชมมองว่าภาพการพิพากษาครั้งสุดท้ายไม่ใช่จุดเริ่มต้นเชิงบวก ชัยชนะของความยุติธรรมสูงสุด แต่เป็นโศกนาฏกรรมสากลของการเสียชีวิตของเผ่าพันธุ์ทั้งหมด เช่นเดียวกับ Apocalypse หุ่นมนุษย์ขนาดใหญ่ช่วยเสริมอารมณ์ดราม่าขององค์ประกอบนี้

ธรรมชาติของภาพโดยธรรมชาตินั้นสอดคล้องกับงานของศิลปินอย่างสมบูรณ์ - เพื่อแสดงบุคคลที่หลงทางในพิธีมิสซาทั่วไป ด้วยวิธีการแก้ปัญหาภาพศิลปะนี้ ผู้ชมจึงรู้สึกเหงาในโลกนี้และไร้พลังต่อหน้ากองกำลังที่ไม่เป็นมิตรซึ่งไม่มีประโยชน์ที่จะต่อสู้ บันทึกที่น่าเศร้าได้รับเสียงที่เจาะลึกยิ่งขึ้นเนื่องจากปรมาจารย์ไม่มีภาพลักษณ์ที่มั่นคงและเป็นเสาหินของกลุ่มผู้คนที่นี่ (ดังที่จะถูกนำเสนอบนผืนผ้าใบของศิลปินในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย) แต่ละคนใช้ชีวิตของตัวเอง ชีวิต. อย่างไรก็ตามข้อดีที่ไม่ต้องสงสัยของจิตรกรถือได้ว่าเป็นความจริงที่ว่าเขาแสดงให้เห็นแม้ว่าจะยังไม่สอดคล้องกัน แต่ก็ไม่มีตัวตนอีกต่อไปแล้ว

ใน The Last Judgement Michelangelo นำเสนอเทคนิคการใช้สีที่แสดงออกอย่างผิดปกติ ความแตกต่างระหว่างร่างเปลือยเปล่าและท้องฟ้าสีดำ-น้ำเงินที่มืดมิดช่วยเพิ่มความรู้สึกถึงความตึงเครียดที่น่าเศร้าและความหดหู่ในองค์ประกอบภาพ

ไมเคิลแองเจโล คำพิพากษาครั้งสุดท้าย ภาพปูนเปียกของโบสถ์ Sistine ในนครวาติกัน แฟรกเมนต์ 1535-1541

ในช่วงปี 1542 ถึง 1550 Michelangelo ทำงานวาดภาพผนังโบสถ์ Paolina ในนครวาติกัน จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่วาดภาพจิตรกรรมฝาผนังสองภาพ ภาพหนึ่งต่อมาเรียกว่า "การกลับใจใหม่ของเปาโล" และอีกภาพหนึ่ง "การตรึงกางเขนของเปโตร" ในตอนหลังในตัวละครที่สังเกตการประหารชีวิตของปีเตอร์ความคิดของการยินยอมโดยปริยายการไม่ปฏิบัติตามและการยอมจำนนของบุคคลต่อชะตากรรมของเขานั้นถูกนำเสนออย่างเต็มที่ ผู้คนไม่มีกำลังทั้งทางร่างกายและจิตใจที่จะต่อต้านความรุนแรงและความชั่วร้าย

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1530 ประติมากรรมอีกชิ้นหนึ่งของ Michelangelo ปรากฏขึ้น - รูปปั้นครึ่งตัวของ Brutus งานนี้ทำหน้าที่เป็นการตอบสนองที่ไม่เหมือนใครของปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงต่อการฆาตกรรม Duke Alessandro Medici ผู้เผด็จการซึ่งกระทำโดย Lorenzo ญาติของเขา การกระทำของฝ่ายหลังได้รับการต้อนรับอย่างยินดีจากศิลปินซึ่งเป็นผู้สนับสนุนพรรครีพับลิกันโดยไม่คำนึงถึงแรงจูงใจที่แท้จริง ภาพลักษณ์ของบรูตัสเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของพลเมืองซึ่งนำเสนอในฐานะปรมาจารย์ผู้สูงศักดิ์ภูมิใจและเป็นอิสระคนที่มีสติปัญญาดีและมีจิตใจที่อบอุ่น ที่นี่ Michelangelo ดูเหมือนจะกลับคืนสู่ภาพลักษณ์ของบุคคลในอุดมคติที่มีคุณสมบัติทางจิตวิญญาณและสติปัญญาสูง

ปีสุดท้ายของงานของ Michelangelo ผ่านไปท่ามกลางบรรยากาศของการสูญเสียเพื่อนและคนที่รักและปฏิกิริยาของสาธารณชนที่เลวร้ายยิ่งขึ้น นวัตกรรมของนักปฏิรูปต่อต้านไม่สามารถช่วยได้ แต่ส่งผลกระทบต่อผลงานของอาจารย์ซึ่งมีการแสดงความคิดที่ก้าวหน้าที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: มนุษยนิยม, ความรักในอิสรภาพ, การไม่เชื่อฟังต่อโชคชะตา พอจะกล่าวได้ว่าจากการตัดสินใจของ Paul IV Caraffa ซึ่งเป็นผู้ชื่นชมการต่อต้านการปฏิรูปอย่างกระตือรือร้นคนหนึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบของ "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" ของจิตรกรชื่อดัง สมเด็จพระสันตะปาปาพิจารณาร่างเปลือยเปล่าของผู้คนที่ปรากฎในภาพปูนเปียกอนาจาร ตามคำสั่งของเขา Daniele da Volterra นักเรียนของ Michelangelo ได้ซ่อนภาพเปลือยของภาพของ Michelangelo บางส่วนด้วยเสื้อคลุมคลุม

ผลงานชิ้นสุดท้ายของ Michelangelo - ชุดภาพวาดและประติมากรรม - เต็มไปด้วยอารมณ์เศร้าโศกและเจ็บปวดของความเหงาและการล่มสลายของความหวังทั้งหมด ผลงานเหล่านี้สะท้อนถึงความขัดแย้งภายในของปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับอย่างชัดเจนที่สุด

ดังนั้นพระเยซูคริสต์ใน Pietà จาก Palestrina จึงถูกนำเสนอในฐานะวีรบุรุษที่แตกสลายภายใต้แรงกดดันจากกองกำลังภายนอก ภาพเดียวกันใน “Pieta” (“Entombment”) จากอาสนวิหารฟลอเรนซ์นั้นมีความติดดินและมีมนุษยธรรมมากกว่าอยู่แล้ว นี่ไม่ใช่ฮีโร่ไททานิคอีกต่อไป ปรากฎว่าการแสดงความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณ อารมณ์ และประสบการณ์ของตัวละครเป็นสิ่งสำคัญกว่าสำหรับศิลปิน

โครงร่างที่แตกหักของพระวรกายของพระคริสต์ ภาพของแม่ก้มลงเหนือศพของลูกชายของเธอ นิโคเดมัสลดร่างลง
พระเยซูเข้าไปในหลุมฝังศพ - ทุกสิ่งอยู่ภายใต้ภารกิจเดียว: เพื่อพรรณนาถึงความลึกของประสบการณ์ของมนุษย์ ยิ่งกว่านั้นจริงด้วย
ข้อดีของงานเหล่านี้คืออาจารย์สามารถเอาชนะความแตกแยกของภาพได้ คนในภาพมีความรู้สึกเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้งและความขมขื่นของการสูญเสีย เทคนิคของไมเคิลแองเจโลนี้ได้รับการพัฒนาในขั้นตอนต่อไปในการพัฒนางานศิลปะอิตาลีในผลงานของศิลปินและประติมากรแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

จุดสุดยอดของขั้นตอนสุดท้ายของงานของ Michelangelo ถือได้ว่าเป็นประติมากรรมซึ่งต่อมาเรียกว่า "Pieta Rondanini" ภาพที่แสดงนี้ถูกนำเสนอในรูปแบบของความอ่อนโยน จิตวิญญาณ ความโศกเศร้าอย่างสุดซึ้ง และความโศกเศร้า ที่นี่ ธีมแห่งความเหงาของมนุษย์ในโลกที่มีผู้คนมากมายฟังดูรุนแรงกว่าที่เคย

แรงจูงใจเดียวกันนี้สามารถได้ยินได้ในงานกราฟิกชิ้นหลังของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งถือว่าการวาดภาพเป็นพื้นฐานพื้นฐานของงานประติมากรรม จิตรกรรม และสถาปัตยกรรม

รูปภาพของผลงานกราฟิกของ Michelangelo ไม่แตกต่างจากวีรบุรุษในผลงานชิ้นเอกของเขา: มีการนำเสนอวีรบุรุษไททันผู้สง่างามคนเดียวกันนี้ ในช่วงสุดท้ายของการสร้างสรรค์ของเขา Michelangelo หันมาวาดภาพเป็นแนวศิลปะและภาพอิสระ ดังนั้นในช่วงอายุ 30-40 ศตวรรษที่ 16 ได้เห็นการปรากฏตัวขององค์ประกอบที่โดดเด่นและแสดงออกมากที่สุดของปรมาจารย์ เช่น "The Fall of Phaeton" และ "The Resurrection of Christ"

การใช้ตัวอย่างงานกราฟิกสามารถติดตามวิวัฒนาการของวิธีทางศิลปะของอาจารย์ได้อย่างง่ายดาย หากภาพวาดแรกที่ทำด้วยปากกามีภาพร่างที่เฉพาะเจาะจงมากและมีรูปทรงที่ค่อนข้างคมชัด รูปภาพต่อมาจะคลุมเครือและนุ่มนวลมากขึ้น ความเบานี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากการที่ศิลปินใช้ดินสอที่ร่าเริงหรือดินสออิตาลีด้วยความช่วยเหลือในการสร้างเส้นที่บางและละเอียดอ่อนยิ่งขึ้น

อย่างไรก็ตาม งานต่อมาของ Michelangelo ไม่เพียงแต่ถูกทำเครื่องหมายด้วยภาพที่สิ้นหวังอย่างน่าเศร้าเท่านั้น โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่มีอายุย้อนไปถึงเวลานี้ดูเหมือนจะสานต่อประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ของเขาและกลุ่มสถาปัตยกรรมของศาลาว่าการในโรมเป็นศูนย์รวมของแนวคิดยุคเรอเนซองส์เกี่ยวกับมนุษยนิยมระดับสูง

Michelangelo Buonarroti เสียชีวิตในกรุงโรมเมื่อวันที่ 18 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1564 ร่างของเขาถูกนำออกจากเมืองหลวงด้วยความลับที่เข้มงวดที่สุดและส่งไปยังฟลอเรนซ์ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังอยู่ในโบสถ์ซานตาโครเช

ผลงานของปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมและประติมากรรมมีบทบาทสำคัญในการก่อตัวและพัฒนาวิธีการทางศิลปะของผู้ติดตาม Michelangelo หลายคน หนึ่งในนั้นคือราฟาเอล นักปฏิบัตินิยม ซึ่งมักคัดลอกเส้นของภาพที่สร้างโดยจิตรกรชื่อดัง งานศิลปะของ Michelangelo มีความสำคัญไม่น้อยสำหรับศิลปินที่เป็นตัวแทนของยุคบาโรก อย่างไรก็ตามหากจะกล่าวว่าภาพลักษณ์ของยุคบาโรก (บุคคลที่ถูกส่งต่อไม่ใช่โดยแรงกระตุ้นภายใน แต่โดยกองกำลังภายนอก) นั้นคล้ายคลึงกับวีรบุรุษของ Michelangelo ที่ยกย่องมนุษยนิยม ความตั้งใจ และความแข็งแกร่งภายในของมนุษย์ คงเป็นสิ่งที่ผิด

ราฟาเอล สันติ

Rafael Santi เกิดที่เมืองเล็กๆ ชื่อ Urbino ในปี 1483 ไม่สามารถระบุวันเกิดที่แน่นอนของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ได้ แหล่งข่าวบางแห่งระบุว่าเขาเกิดวันที่ 26 หรือ 28 มีนาคม นักวิชาการคนอื่นๆ อ้างว่าวันเกิดของราฟาเอลคือวันที่ 6 เมษายน ค.ศ. 1483

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 เออร์บิโนได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางวัฒนธรรมที่ใหญ่ที่สุดในประเทศ นักเขียนชีวประวัติแนะนำว่าราฟาเอลศึกษากับพ่อของเขาจิโอวานนี่สันติ ตั้งแต่ปี 1495 ชายหนุ่มทำงานในเวิร์คช็อปศิลปะของ Timoteo della Vite ปรมาจารย์ชาวเออร์บิโน

ผลงานแรกสุดของราฟาเอลที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ถือเป็นงานย่อส่วน "The Dream of a Knight" และ "The Three Graces" ในงานเหล่านี้อุดมคติด้านมนุษยนิยมที่ปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสั่งสอนนั้นสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่แล้ว

ใน "ความฝันของอัศวิน" มีการคิดใหม่เกี่ยวกับธีมในตำนานเกี่ยวกับเฮอร์คิวลิสซึ่งต้องเผชิญกับทางเลือก: ความกล้าหาญหรือความสุข?.. ในราฟาเอล เฮอร์คิวลิสถูกบรรยายว่าเป็นอัศวินหนุ่มที่หลับใหล ข้างหน้าเขามีหญิงสาวสองคน คนหนึ่งถือหนังสือและดาบอยู่ในมือ (สัญลักษณ์แห่งความรู้ ความกล้าหาญ และความสามารถด้านอาวุธ) อีกคนหนึ่งมีกิ่งก้านดอกซึ่งแสดงถึงความสุขและความสนุกสนาน องค์ประกอบทั้งหมดถูกจัดวางโดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์ที่สวยงาม

“ The Three Graces” นำเสนอภาพโบราณอีกครั้งซึ่งถ่ายจากจี้กรีกโบราณ (ภาพบนหินมีค่าหรือกึ่งมีค่า) อีกครั้ง

แม้ว่าจะมีการยืมเงินจำนวนมากในผลงานยุคแรก ๆ ของศิลปินหนุ่ม แต่ความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่งก็ชัดเจนอยู่แล้วที่นี่ มันแสดงออกผ่านเนื้อร้องของภาพ การจัดระเบียบจังหวะพิเศษของงาน และความนุ่มนวลของเส้นที่ประกอบเป็นร่าง ในฐานะศิลปินแห่งยุคเรอเนซองส์สูง ความกลมกลืนที่ไม่ธรรมดาของภาพที่ปรากฎตลอดจนความชัดเจนขององค์ประกอบและความชัดเจนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานในยุคแรก ๆ ของราฟาเอลพูดถึงเขา

ในปี 1500 ราฟาเอลออกจากบ้านเกิดและไปที่เมืองเปรูจาซึ่งเป็นเมืองหลักของแคว้นอุมเบรีย ที่นี่เขาศึกษาการวาดภาพในเวิร์คช็อปของ Pietro Perugino ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Umbrian ผู้ร่วมสมัยของราฟาเอลเป็นพยาน: นักเรียนที่มีความสามารถได้นำสไตล์การวาดภาพของครูมาใช้อย่างลึกซึ้งจนไม่สามารถแยกแยะภาพวาดของพวกเขาได้ บ่อยครั้งที่ราฟาเอลและเปรูจิโนปฏิบัติตามคำสั่งโดยทำงานร่วมกันในการวาดภาพ

อย่างไรก็ตาม อาจเป็นการผิดที่จะกล่าวว่าความสามารถดั้งเดิมของศิลปินหนุ่มไม่ได้พัฒนาเลยในช่วงเวลานี้ สิ่งนี้ได้รับการยืนยันโดย "Madonna Conestabile" อันโด่งดังซึ่งสร้างขึ้นเมื่อประมาณปี 1504

ในภาพวาดนี้ภาพของมาดอนน่าปรากฏเป็นครั้งแรกซึ่งต่อมาจะครอบครองหนึ่งในสถานที่ชั้นนำในผลงานของศิลปิน ภาพมาดอนน่าถูกวาดโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์อันงดงามซึ่งประกอบด้วยต้นไม้ เนินเขา และทะเลสาบ ภาพถูกรวมเข้าด้วยกันโดยความจริงที่ว่าการจ้องมองของมาดอนน่าและลูกน้อยนั้นมุ่งไปที่หนังสือเล่มนี้ซึ่งคุณแม่ยังสาวกำลังยุ่งอยู่กับการอ่าน ความสมบูรณ์ของการจัดองค์ประกอบไม่เพียงถ่ายทอดโดยตัวเลขของตัวละครหลักเท่านั้น แต่ยังถ่ายทอดจากรูปร่างของภาพด้วย - tondo (ทรงกลม) ซึ่งไม่ได้จำกัดเสรีภาพของภาพเลย มีขนาดใหญ่และเบา ความประทับใจของความเป็นธรรมชาติและความสมจริงเกิดขึ้นจากการใช้แสง สีเย็น และการผสมผสานพิเศษในองค์ประกอบภาพ: เสื้อคลุมสีน้ำเงินเข้มของมาดอนน่า ท้องฟ้าสีฟ้าใส ต้นไม้สีเขียว และน้ำในทะเลสาบ ภูเขาที่ปกคลุมด้วยหิมะและยอดสีขาว ทั้งหมดนี้เมื่อดูภาพก็สร้างความรู้สึกบริสุทธิ์และอ่อนโยน

ผลงานที่มีชื่อเสียงไม่แพ้กันอีกชิ้นหนึ่งของราฟาเอลซึ่งมีอายุย้อนไปถึงช่วงแรกๆ ของงานของเขาเช่นกัน คือภาพวาดที่สร้างขึ้นในปี 1504 ที่เรียกว่า “การหมั้นหมายของแมรี” ปัจจุบันภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ใน Brera Gallery ในมิลาน สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือโครงสร้างการเรียบเรียง พิธีหมั้นทางศาสนาและพิธีกรรมถูกย้ายโดยจิตรกรจากผนังโบสถ์ซึ่งมองเห็นได้ในระยะไกลไปยังถนน ศีลระลึกเกิดขึ้นภายใต้ท้องฟ้าสีฟ้าใส ตรงกลางของภาพคือนักบวช ด้านซ้ายและด้านขวาของเขาคือแมรี่และโจเซฟ ถัดจากเด็กสาวและเด็กชายยืนอยู่เป็นกลุ่มเล็กๆ คริสตจักรซึ่งวางอยู่ในมุมมองขององค์ประกอบ เป็นพื้นหลังแบบหนึ่งที่การสู้รบเกิดขึ้น เธอเป็นสัญลักษณ์ของความโปรดปรานและความโปรดปรานอันศักดิ์สิทธิ์ต่อมารีย์และโยเซฟ ความสมบูรณ์เชิงตรรกะของภาพนั้นกำหนดโดยกรอบครึ่งวงกลมของผืนผ้าใบในส่วนบนโดยทำซ้ำแนวของโดมโบสถ์

ตัวเลขในภาพมีโคลงสั้น ๆ ที่ผิดปกติและในเวลาเดียวกันก็เป็นธรรมชาติ การเคลื่อนไหวและความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์ได้รับการถ่ายทอดอย่างแม่นยำและละเอียดอ่อนมากที่นี่ ตัวอย่างที่เด่นชัดของเรื่องนี้ก็คือ ร่างของเด็กผู้ชายคนหนึ่ง ซึ่งอยู่เบื้องหน้าขององค์ประกอบภาพ กำลังหักไม้เท้าที่เข่าของเขา แมรี่และโจเซฟดูสง่างามและแทบไม่มีตัวตนต่อผู้ชม ใบหน้าฝ่ายวิญญาณของพวกเขาเต็มไปด้วยความรักและความอ่อนโยน แม้จะมีความสมมาตรบางอย่างในการจัดเรียงตัวเลข แต่ผืนผ้าใบก็ไม่สูญเสียเสียงโคลงสั้น ๆ รูปภาพที่สร้างโดยราฟาเอลไม่ใช่แผนภาพ แต่เป็นผู้คนที่มีชีวิตในทุกความรู้สึก

ในงานนี้เป็นครั้งแรกที่เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานก่อนหน้านี้พรสวรรค์ของนายน้อยในความสามารถในการจัดจังหวะของการเรียบเรียงได้ถูกเปิดเผยอย่างละเอียด ด้วยคุณสมบัตินี้ รูปภาพของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมจึงรวมอยู่ในภาพรวมอย่างกลมกลืน ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นองค์ประกอบของภูมิทัศน์ในราฟาเอลเท่านั้น แต่ยังทัดเทียมกับตัวละครหลักด้วย ซึ่งเผยให้เห็นแก่นแท้และลักษณะนิสัยของพวกเขา

การใช้สีของโทนสีบางอย่างของศิลปินนั้นถูกกำหนดโดยความปรารถนาที่จะสร้างจังหวะพิเศษในงานด้วย ดังนั้นองค์ประกอบ "The Betrothal of Mary" จึงสร้างขึ้นจากสี่สีเท่านั้น

โทนสีเหลืองทอง สีเขียว และสีแดง ผสมผสานกับเสื้อผ้าของตัวละคร ภูมิทัศน์ สถาปัตยกรรม และการกำหนดจังหวะที่จำเป็นขององค์ประกอบโดยรวม สร้างความกลมกลืนกับเฉดสีฟ้าอ่อนของท้องฟ้า

ในไม่ช้าสตูดิโอศิลปะของ Perugino ก็เล็กเกินไปสำหรับการเติบโตของพรสวรรค์ของจิตรกร ในปี ค.ศ. 1504 ราฟาเอลตัดสินใจย้ายไปฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นที่ซึ่งแนวความคิดและสุนทรียศาสตร์ของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงกำลังพัฒนา ที่นี่ราฟาเอลเริ่มคุ้นเคยกับผลงานของ Michelangelo และ Leonardo da Vinci เราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าพวกเขาเป็นครูของจิตรกรรุ่นเยาว์ในขั้นตอนของการสร้างวิธีการสร้างสรรค์ของเขา ในผลงานของอาจารย์เหล่านี้ ศิลปินหนุ่มพบบางสิ่งที่ไม่มีอยู่ในโรงเรียน Umbrian: รูปแบบดั้งเดิมของการสร้างภาพ, ความเป็นพลาสติกที่แสดงออกของภาพที่ปรากฎ, การเป็นตัวแทนของความเป็นจริงที่กว้างขวางมากขึ้น

โซลูชันทางศิลปะและภาพใหม่ๆ สะท้อนให้เห็นแล้วในผลงานที่สร้างโดยราฟาเอลในปี 1505 ภาพเหมือนของผู้ใจบุญที่มีชื่อเสียงในขณะนั้นจากฟลอเรนซ์ แองเจโล โดนีและภรรยาของเขาถูกเก็บไว้ในหอศิลป์ Pitti ปัจจุบัน รูปภาพปราศจากความน่าสมเพชและการไฮเปอร์โบไลซ์ที่กล้าหาญ คนเหล่านี้เป็นคนธรรมดาที่มีคุณสมบัติดีที่สุดของมนุษย์รวมถึงความมุ่งมั่นและความตั้งใจอันแรงกล้า

ที่นี่ในฟลอเรนซ์ ราฟาเอลวาดภาพชุดที่อุทิศให้กับพระแม่มารี ภาพวาดของเขา "Madonna in Greenery", "Madonna with the Goldfinch", "Madonna the Gardener" ปรากฏขึ้น การเรียบเรียงเหล่านี้เป็นผลงานชิ้นเดียว ภาพวาดทั้งหมดพรรณนาถึงพระแม่มารีและพระกุมารพร้อมกับยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อย รูปปั้นเหล่านี้วางอยู่โดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์ที่สวยงามตระการตา ภาพของราฟาเอลมีโคลงสั้น ๆ นุ่มนวลและอ่อนโยนอย่างผิดปกติ พระแม่มารีของพระองค์เป็นศูนย์รวมของความรักอันเงียบสงบของมารดาที่ให้อภัยและให้อภัย ในงานเหล่านี้มีความรู้สึกอ่อนไหวและความชื่นชมต่อความงามภายนอกของฮีโร่มากเกินไป

คุณลักษณะที่โดดเด่นของวิธีการทางศิลปะของจิตรกรในช่วงเวลานี้คือการขาดการมองเห็นสีที่ชัดเจนซึ่งมีอยู่ในปรมาจารย์ทุกคนของโรงเรียนฟลอเรนซ์ ไม่มีสีที่โดดเด่นบนผืนผ้าใบ ภาพถูกนำเสนอด้วยสีพาสเทล สีไม่ใช่สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับศิลปินที่นี่ ปรากฎว่ามันสำคัญกว่าสำหรับเขาที่จะต้องถ่ายทอดเส้นที่สร้างรูปร่างให้แม่นยำที่สุดเท่าที่จะทำได้

ตัวอย่างแรกของภาพวาดอันยิ่งใหญ่ของราฟาเอลถูกสร้างขึ้นในฟลอเรนซ์ สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือพระแม่มารีกับยอห์นผู้ให้บัพติศมาและนักบุญซึ่งสร้างขึ้นระหว่างปี 1506 ถึง 1507 นิโคลัส" (หรือ "มาดอนน่าแห่งอันซิเดอิ") วิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินได้รับอิทธิพลอย่างมากจากภาพวาดของจิตรกรชาวฟลอเรนซ์ ซึ่งส่วนใหญ่เป็น Leonardo da Vinci และ Fra Bartolomeo

ในปี 1507 ต้องการเปรียบเทียบกับอาจารย์ที่ดีที่สุดของโรงเรียนฟลอเรนซ์ พวกเขาคือ Leonardo da Vinci และ Michelangelo ราฟาเอลได้สร้างผืนผ้าใบขนาดใหญ่พอสมควรเรียกว่า "Entombment" องค์ประกอบบางอย่างของภาพองค์ประกอบคือการทำซ้ำของจิตรกรชื่อดัง ดังนั้นศีรษะและพระวรกายของพระคริสต์จึงยืมมาจากประติมากรรม "Pieta" ของ Michelangelo (1498-1501) และรูปของผู้หญิงที่สนับสนุน Mary ก็มาจากภาพวาด "Madonna Doni" โดยปรมาจารย์คนเดียวกัน นักวิจารณ์ศิลปะหลายคนไม่คิดว่าผลงานของราฟาเอลนี้เป็นผลงานต้นฉบับโดยเผยให้เห็นความสามารถดั้งเดิมของเขาและลักษณะเฉพาะของวิธีการทางศิลปะและภาพของเขา

แม้งานสุดท้ายของเขาจะไม่ประสบความสำเร็จ แต่ความสำเร็จทางศิลปะของราฟาเอลก็มีความสำคัญ ในไม่ช้าผู้ร่วมสมัยก็สังเกตเห็นและยอมรับผลงานของศิลปินรุ่นเยาว์และผู้เขียนเองก็เทียบได้กับจิตรกรระดับปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในปี 1508 ภายใต้การอุปถัมภ์ของสถาปนิกชื่อดัง Bramante ซึ่งเป็นเพื่อนร่วมชาติของราฟาเอล จิตรกรเดินทางไปโรมซึ่งเขาเป็นหนึ่งในผู้ที่ได้รับเชิญให้เข้าร่วมศาลของสมเด็จพระสันตะปาปา

จูเลียสที่ 2 ซึ่งอยู่บนบัลลังก์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในขณะนั้น เป็นที่รู้จักในนามชายที่ไร้เหตุผล เด็ดขาด และเข้มแข็ง
ในช่วงรัชสมัยของพระองค์เองที่อำนาจของสมเด็จพระสันตะปาปาได้ขยายออกไปอย่างมากผ่านสงคราม นโยบาย "น่ารังเกียจ" เดียวกันนี้ดำเนินไปโดยเกี่ยวข้องกับการพัฒนาวัฒนธรรมและศิลปะ ดังนั้นศิลปิน ประติมากร และสถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุดจึงได้รับเชิญไปที่ศาลของสมเด็จพระสันตะปาปา โรมซึ่งตกแต่งด้วยอาคารสถาปัตยกรรมจำนวนมากเริ่มมีการเปลี่ยนแปลงอย่างเห็นได้ชัด: Bramante สร้างอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ มีเกลันเจโลหยุดการก่อสร้างหลุมฝังศพของจูเลียสที่ 2 ชั่วคราว จึงเริ่มทาสีเพดานโบสถ์ซิสทีน กลุ่มกวีและนักวิทยาศาสตร์ค่อยๆ ก่อตัวขึ้นรอบๆ พระสันตะปาปา โดยสั่งสอนหลักการและแนวคิดที่มีมนุษยนิยมสูง ราฟาเอล สันติ ซึ่งมาจากฟลอเรนซ์พบว่าตัวเองอยู่ในบรรยากาศเช่นนี้

เมื่อมาถึงกรุงโรม ราฟาเอลเริ่มทำงานทาสีห้องชุดของสมเด็จพระสันตะปาปา (หรือที่เรียกว่าบท) จิตรกรรมฝาผนังถูกสร้างขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1509 ถึงปี ค.ศ. 1517 โดยปรมาจารย์คนอื่น ๆ มีความแตกต่างจากผลงานที่มีลักษณะคล้ายคลึงกันโดยมีคุณสมบัติหลายประการ ก่อนอื่น นี่คือขนาดของภาพวาด หากในผลงานของจิตรกรคนก่อน ๆ มีองค์ประกอบเล็ก ๆ หลายอย่างอยู่บนผนังด้านเดียวดังนั้นในราฟาเอลภาพวาดแต่ละภาพจะได้รับผนังแยกกัน ดังนั้น ภาพที่ปรากฎก็ "เพิ่มขึ้น" เช่นกัน

ถัดไปจำเป็นต้องสังเกตความสมบูรณ์ของจิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลด้วยองค์ประกอบตกแต่งที่หลากหลาย: เพดานที่ตกแต่งด้วยหินอ่อนเทียมและการปิดทององค์ประกอบปูนเปียกและกระเบื้องโมเสคพื้นทาสีด้วยลวดลายที่สลับซับซ้อน อย่างไรก็ตาม ความหลากหลายดังกล่าวไม่ได้สร้างความรู้สึกเกินเหตุและความสับสนวุ่นวาย องค์ประกอบตกแต่งที่วางอยู่ในสถานที่และจัดวางอย่างชำนาญทำให้เกิดความรู้สึกกลมกลืนเป็นระเบียบและจังหวะที่กำหนดโดยอาจารย์ จากนวัตกรรมที่สร้างสรรค์และทางเทคนิคดังกล่าว ผู้ชมจึงมองเห็นภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นในภาพวาดของเขาได้อย่างชัดเจน ดังนั้นจึงได้รับความชัดเจนและความชัดเจนที่จำเป็น

จิตรกรรมฝาผนังทั้งหมดจะต้องอยู่ภายใต้หัวข้อเดียวกัน: การเชิดชูคริสตจักรคาทอลิกและศีรษะ ในเรื่องนี้ ภาพวาดมีพื้นฐานมาจากหัวข้อในพระคัมภีร์ไบเบิลและฉากจากประวัติศาสตร์ของตำแหน่งสันตะปาปา (พร้อมภาพของจูเลียสที่ 2 และผู้สืบทอดตำแหน่งของเขาคือลีโอที่ 10) อย่างไรก็ตามในราฟาเอล ภาพที่เฉพาะเจาะจงดังกล่าวได้รับความหมายเชิงเปรียบเทียบทั่วไป ซึ่งเผยให้เห็นแก่นแท้ของแนวคิดเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษจากมุมมองนี้คือ Stanza della Segnatura (ห้องลายเซ็น) จิตรกรรมฝาผนังขององค์ประกอบแสดงถึงกิจกรรมทางจิตวิญญาณของมนุษย์ทั้งสี่ด้าน ดังนั้นภาพปูนเปียก "การโต้แย้ง" จึงแสดงให้เห็นเทววิทยา "โรงเรียนแห่งเอเธนส์" - ปรัชญา "ปาร์นาสซัส" - กวีนิพนธ์ "ปัญญา ความพอประมาณ และความแข็งแกร่ง" - ความยุติธรรม ส่วนบนของจิตรกรรมฝาผนังแต่ละอันสวมมงกุฎด้วยภาพเชิงเปรียบเทียบของบุคคลที่แสดงถึงกิจกรรมประเภทที่แยกจากกัน ที่มุมห้องใต้ดินมีองค์ประกอบเล็กๆ คล้ายกับจิตรกรรมฝาผนังชิ้นหนึ่ง

องค์ประกอบของภาพวาด Stanza della Segnatura มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างวิชาในพระคัมภีร์ไบเบิลและภาษากรีกโบราณ (ในพระคัมภีร์ไบเบิล - "The Fall", โบราณ - "ชัยชนะของ Apollo over Marsyas") ความจริงที่ว่าการผสมผสานระหว่างธีมในตำนาน นอกรีต และฆราวาสถูกนำมาใช้ในการตกแต่งห้องของสมเด็จพระสันตะปาปาเป็นพยานถึงทัศนคติของผู้คนในยุคนั้นต่อความเชื่อทางศาสนา จิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลแสดงถึงความสำคัญของฆราวาสมากกว่าคริสตจักรและศาสนา

ภาพปูนเปียกที่โดดเด่นและสะท้อนได้อย่างเต็มที่ที่สุดของลัทธิทางศาสนาคือภาพวาด "Disputa" ที่นี่องค์ประกอบดูเหมือนจะแบ่งออกเป็นสองส่วน: สวรรค์และโลก ด้านล่าง บนพื้นมีร่างของบิดาในโบสถ์ ตลอดจนนักบวช ผู้เฒ่า และเยาวชน ภาพของพวกเขาดูเป็นธรรมชาติอย่างผิดปกติ ซึ่งสร้างขึ้นจากการถ่ายโอนความเป็นพลาสติกของร่างกาย การเลี้ยว และการเคลื่อนไหวของร่างอย่างสมจริง ในบรรดาใบหน้าจำนวนมากที่นี่ คุณสามารถจดจำ Dante, Savonarola และจิตรกร Fra Beato Angelico ได้อย่างง่ายดาย

เหนือร่างของผู้คนมีภาพที่เป็นสัญลักษณ์ของพระตรีเอกภาพ: พระเจ้าพระบิดา ด้านล่างคือพระเยซูคริสต์กับพระมารดาของพระเจ้าและยอห์นผู้ให้บัพติศมา ด้านล่างมีนกพิราบ - ตัวตนของพระวิญญาณบริสุทธิ์ ตรงกลางขององค์ประกอบโดยรวมซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการมีส่วนร่วมคือแผ่นเวเฟอร์

ในข้อพิพาท ราฟาเอลปรากฏเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการแต่งเพลงที่ไม่มีใครเทียบได้ แม้จะมีสัญลักษณ์มากมาย แต่ภาพก็มีความโดดเด่นด้วยความชัดเจนเป็นพิเศษของภาพและความชัดเจนในความคิดของผู้เขียน ความสมมาตรของการจัดเรียงตัวเลขในส่วนบนขององค์ประกอบจะลดลงโดยตัวเลขที่วางไว้เกือบจะวุ่นวายในส่วนล่าง ดังนั้นภาพร่างของภาพในอดีตจึงแทบจะมองไม่เห็นเลย องค์ประกอบการจัดวางแบบตัดขวางที่นี่คือครึ่งวงกลม: ครึ่งวงกลมของนักบุญและอัครสาวกที่ตั้งอยู่ในส่วนบนของเมฆ และเมื่อสะท้อนกลับ จะเป็นครึ่งวงกลมของร่างที่เป็นอิสระและเป็นธรรมชาติมากขึ้นของผู้คนในส่วนล่างของภาพ

จิตรกรรมฝาผนังและผลงานที่ดีที่สุดของราฟาเอลในช่วงเวลานี้ถือเป็นภาพวาด "The School of Athens" ภาพปูนเปียกนี้เป็นศูนย์รวมของอุดมคติมนุษยนิยมขั้นสูงที่เกี่ยวข้องกับศิลปะของกรีกโบราณ ศิลปินวาดภาพนักปรัชญาและนักวิทยาศาสตร์โบราณที่มีชื่อเสียง ส่วนกลางขององค์ประกอบประกอบด้วยร่างของเพลโตและอริสโตเติล มือของเพลโตชี้ไปที่พื้นโลก และมือของอริสโตเติลชี้ไปที่ท้องฟ้า ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของคำสอนของนักปรัชญาสมัยโบราณ

ทางด้านซ้ายของเพลโตคือร่างของโสกราตีสกำลังสนทนากับกลุ่มคน ซึ่งใบหน้าของหนุ่มอัลซิเบียเดสซึ่งร่างกายได้รับการปกป้องด้วยเปลือกหอยและศีรษะที่คลุมด้วยหมวกกันน็อคนั้นโดดเด่นอย่างเห็นได้ชัด บนบันไดคือไดโอจีเนสผู้ก่อตั้งโรงเรียนปรัชญา Cynic ที่นี่เขาแสดงเป็นขอทานยืนอยู่ที่ทางเข้าวัดและขอทาน

ที่ด้านล่างขององค์ประกอบมีคนสองกลุ่ม ด้านซ้ายเป็นรูปพีทาโกรัสที่รายล้อมไปด้วยลูกศิษย์ ทางด้านขวาคือ Euclid กำลังวาดภาพอะไรบางอย่างบนกระดานชนวน โดยมีนักเรียนรายล้อมอยู่เช่นกัน ทางด้านขวาของกลุ่มสุดท้ายคือโซโรแอสเตอร์และปโตเลมีที่สวมมงกุฎซึ่งมีทรงกลมอยู่ในมือ ในบริเวณใกล้เคียงผู้เขียนได้วางภาพเหมือนตนเองและร่างของจิตรกรโซโดมา (เขาเป็นผู้เริ่มวาดภาพ Stanza della Segnatura) ทางด้านซ้ายของตรงกลาง ศิลปินได้วาง Heraclitus of Ephesus อันหม่นหมอง

เมื่อเปรียบเทียบกับภาพบนปูนเปียก Dispute แล้ว ร่างของ School of Athens นั้นใหญ่กว่าและยิ่งใหญ่กว่ามาก เหล่านี้เป็นวีรบุรุษที่กอปรด้วยสติปัญญาที่ไม่ธรรมดาและความแข็งแกร่งอันยิ่งใหญ่ ภาพหลักของจิตรกรรมฝาผนัง ได้แก่ เพลโตและอริสโตเติล ความสำคัญของพวกเขาถูกกำหนดไม่เพียงแต่และไม่มากนักตามสถานที่ในองค์ประกอบ (พวกเขาครอบครองสถานที่กลาง) แต่โดยการแสดงออกทางสีหน้าและความเป็นพลาสติกแบบพิเศษของร่างกายของพวกเขา: ตัวเลขเหล่านี้มีท่าทางและการเดินที่สง่างามอย่างแท้จริง ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือต้นแบบของภาพของเพลโตคือ Leonardo da Vinci แบบจำลองในการวาดภาพยุคลิดคือสถาปนิกบรามันเต ต้นแบบของ Heraclitus เป็นร่างที่วาดโดย Michelangelo บนเพดานของโบสถ์ Sistine นักวิทยาศาสตร์บางคนแนะนำว่าอาจารย์คัดลอกภาพของ Heraclitus จาก Michelangelo เอง

ธีมก็เปลี่ยนไปที่นี่เช่นกัน ภาพปูนเปียกฟังดูเหมือนเพลงสวดต่อจิตใจมนุษย์และเจตจำนงของมนุษย์ นั่นคือเหตุผลที่ตัวละครทุกตัวตั้งอยู่โดยมีฉากหลังเป็นอาคารสถาปัตยกรรมอันยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไม่มีที่สิ้นสุดของจิตใจมนุษย์และความคิดสร้างสรรค์ หากวีรบุรุษของ "Disputa" นิ่งเฉย รูปภาพที่นำเสนอใน "School of Athens" ก็ถือเป็นผู้สร้างชีวิตที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้น เป็นผู้เปลี่ยนแปลงระเบียบสังคมโลก

การแก้ปัญหาองค์ประกอบของปูนเปียกก็น่าสนใจเช่นกัน ดังนั้นร่างของเพลโตและอริสโตเติลที่อยู่ในพื้นหลังเนื่องจากความจริงที่ว่าพวกมันถูกแสดงให้เคลื่อนไหวจึงเป็นร่างหลักในภาพ นอกจากนี้ ยังเป็นศูนย์กลางแบบไดนามิกขององค์ประกอบภาพอีกด้วย ดูเหมือนว่าพวกมันจะยื่นออกมาจากส่วนลึกเข้าหาผู้ชม ซึ่งสร้างความประทับใจในไดนามิกและพัฒนาการขององค์ประกอบภาพ ซึ่งล้อมรอบด้วยส่วนโค้งครึ่งวงกลม

งานจิตรกรรมด้านหลังห้องประทับตราของ Stanza d'Eliodoro ดำเนินการโดย Rafal ระหว่างปี ค.ศ. 1511 ถึงปี ค.ศ. 1514 หัวข้อสำหรับจิตรกรรมฝาผนังในห้องนี้เป็นตำนานในพระคัมภีร์ไบเบิลและข้อเท็จจริงจากประวัติศาสตร์ของตำแหน่งสันตะปาปา ซึ่งประดับประดาด้วยเรื่องราวที่ สถานที่หลักมอบให้กับความรอบคอบอันศักดิ์สิทธิ์และปาฏิหาริย์

ห้องนี้ได้รับชื่อหลังจากงานตกแต่งบนปูนเปียก "The Expulsion of Eliodor" เสร็จสิ้นซึ่งมีเนื้อเรื่องอิงจากเรื่องราวของผู้บัญชาการชาวซีเรีย Eliodor ผู้ซึ่งต้องการขโมยความมั่งคั่งที่เก็บไว้ในปราสาทเยรูซาเลม อย่างไรก็ตาม เขาถูกขัดขวางโดยนักขี่ม้าจากสวรรค์ ภาพปูนเปียกทำหน้าที่เป็นเครื่องเตือนใจว่ากองทหารของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เอาชนะและขับไล่กองทัพฝรั่งเศสออกจากรัฐสันตะปาปาได้อย่างไร

อย่างไรก็ตาม ภาพปูนเปียกนี้ไม่โดดเด่นด้วยพลังในการแสดงออกของความตั้งใจสร้างสรรค์ของศิลปิน สิ่งนี้อาจเกิดขึ้นเนื่องจากการที่องค์ประกอบโดยรวมถูกแบ่งออกเป็นสองส่วนแยกกัน ด้านซ้ายเป็นภาพนักขี่ม้าแสนสวยที่พยายามเอาชนะเอลิโอดอร์พร้อมกับทูตสวรรค์สององค์ ทางด้านขวาของจิตรกรรมฝาผนังคือ Julius II นอนอยู่บนเปลหาม ในบรรดาผู้ที่สนับสนุนเปลหาม จิตรกรวาดภาพอัลเบรทช์ ดูเรอร์ จิตรกรชาวเยอรมันผู้โด่งดัง แม้ว่าพล็อตเรื่องจะดูน่าสมเพชอย่างกล้าหาญ แต่ภาพของราฟาเอลก็ปราศจากพลวัตและดราม่าโดยสิ้นเชิง

ปูนเปียกที่เรียกว่า "Mass in Bolsena" มีคุณลักษณะที่ค่อนข้างแข็งแกร่งและสมบูรณ์แบบกว่าในโครงสร้างองค์ประกอบภาพ โครงเรื่องมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวเกี่ยวกับนักบวชผู้ไม่เชื่อซึ่งแผ่นเวเฟอร์เปื้อนเลือดขณะปฏิบัติศีลระลึก พยานถึงปาฏิหาริย์บนผืนผ้าใบของราฟาเอลคือสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 พระคาร์ดินัลที่ประจำการอยู่ด้านหลังเขาและทหารองครักษ์ชาวสวิส

คุณลักษณะที่โดดเด่นของผลงานของศิลปินชื่อดังนี้คือความเป็นธรรมชาติและความถูกต้องในการพรรณนาตัวละครในระดับที่สูงกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับผลงานครั้งก่อน สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ตัวเลขนามธรรมอีกต่อไป โดดเด่นในความงามภายนอก แต่เป็นคนจริงๆ หลักฐานที่โดดเด่นที่สุดคือรูปของชาวสวิสจากผู้พิทักษ์ของสมเด็จพระสันตะปาปา ซึ่งใบหน้าเต็มไปด้วยพลังภายในและแสดงถึงเจตจำนงอันแข็งแกร่งของมนุษย์ อย่างไรก็ตาม ความรู้สึกของพวกเขาไม่ใช่จินตนาการที่สร้างสรรค์ของศิลปิน นี่เป็นอารมณ์ของมนุษย์อย่างแท้จริง

ในงานนี้ผู้เขียนให้ความสำคัญกับสีเนื้อหาสีสันของผืนผ้าใบและรูปภาพเป็นอย่างมาก ตอนนี้จิตรกรไม่เพียงกังวลกับการแสดงเส้นขอบของร่างที่แม่นยำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความอิ่มตัวของสีของภาพ การแสดงโลกภายในของพวกเขาผ่านโทนสีบางอย่าง

การแสดงออกที่เท่าเทียมกันคือจิตรกรรมฝาผนัง "นิทรรศการของเปโตร" ซึ่งแสดงถึงฉากการปลดปล่อยอัครสาวกเปโตรโดยทูตสวรรค์ นักประวัติศาสตร์ศิลป์เชื่อว่าภาพวาดนี้เป็นสัญลักษณ์ของการปลดปล่อยผู้แทนของสมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 10 (ซึ่งต่อมากลายเป็นพระสันตะปาปา) จากการถูกจองจำของชาวฝรั่งเศส

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในภาพปูนเปียกนี้คือองค์ประกอบและวิธีแก้ปัญหาสีที่ผู้เขียนพบ โดยให้แสงตอนกลางคืนซึ่งช่วยเพิ่มธรรมชาติอันน่าทึ่งขององค์ประกอบโดยรวม การเปิดเผยเนื้อหาและความสมบูรณ์ทางอารมณ์ของภาพได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากด้วยพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมที่ได้รับการคัดสรรอย่างแม่นยำ: คุกใต้ดินที่สร้างด้วยอิฐขนาดใหญ่ ห้องนิรภัยโค้งหนัก แท่งขัดแตะหนา

จิตรกรรมฝาผนังที่สี่และสุดท้ายใน Stanza d'Eliodoro ซึ่งต่อมาเรียกว่า "การประชุมของสมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 1 กับอัตติลา" ประหารชีวิตจากภาพร่างของราฟาเอลโดยลูกศิษย์ของเขา จูลิโอ โรมาโน และฟรานเชสโก เพนนี งานนี้ดำเนินการในช่วงปี ค.ศ. 1514 ถึงปี ค.ศ. 1517 ปรมาจารย์เองซึ่งในเวลานั้นได้กลายเป็นศิลปินที่ได้รับความนิยมอย่างมากซึ่งมีชื่อเสียงโด่งดังไปทั่วอิตาลีและผู้ที่ได้รับคำสั่งจำนวนมากไม่สามารถทำงานตกแต่งให้เสร็จได้ ห้องของสมเด็จพระสันตะปาปา นอกจากนี้ ราฟาเอลในเวลานี้ได้รับแต่งตั้งเป็นหัวหน้าสถาปนิกของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ และยังดูแลการขุดค้นทางโบราณคดีในกรุงโรมและบริเวณโดยรอบด้วย

ภาพวาดที่ตกแต่ง Stanza del Incendio มีพื้นฐานมาจากเรื่องราวจากประวัติศาสตร์ของตำแหน่งสันตะปาปา ในบรรดาภาพจิตรกรรมฝาผนังทั้งหมดอาจมีเพียงภาพเดียวเท่านั้นที่สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ - "ไฟในบอร์โก" เป็นเรื่องเกี่ยวกับไฟที่เกิดขึ้นในย่านหนึ่งของโรมันในปี 847 จากนั้นสมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 4 ก็มีส่วนร่วมในการดับไฟ ภาพเฟรสโกนี้โดดเด่นด้วยความน่าสมเพชมากเกินไปและละครเทียมในการพรรณนาถึงผู้คนที่พยายามหลบหนีจากภัยพิบัติ: ลูกชายอุ้มพ่อของเขา, ชายหนุ่มปีนข้ามกำแพง, เด็กผู้หญิงถือเหยือก

จิตรกรรมฝาผนังในบทวาติกันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงวิวัฒนาการของงานของราฟาเอล: ศิลปินค่อยๆ ย้ายจากภาพในอุดมคติของผลงานในยุคแรกของเขาไปสู่ละคร และในขณะเดียวกัน การสร้างสายสัมพันธ์กับชีวิตในผลงานย้อนหลังไปถึงยุคปลาย (การเรียบเรียงหัวเรื่อง และภาพบุคคล)

เกือบจะทันทีเมื่อเขามาถึงกรุงโรมในปี 1509 ราฟาเอลยังคงสานต่อธีมของมาดอนน่าวาดภาพผืนผ้าใบ "มาดอนน่าอัลบา" เมื่อเปรียบเทียบกับฟิกเกอร์ใน Madonna Conestabile แล้ว รูปภาพใน Madonna Alba นั้นซับซ้อนกว่ามาก แมรี่แสดงเป็นหญิงสาวที่มีบุคลิกเข้มแข็ง กระตือรือร้น และมั่นใจ การเคลื่อนไหวของทารกก็แข็งแกร่งเช่นกัน ภาพวาดนี้ทำขึ้นในรูปของทอนโด อย่างไรก็ตาม ตัวเลขเหล่านี้ถูกวาดไว้ที่นี่ทั้งหมด ซึ่งไม่ปกติสำหรับผืนผ้าใบทรงกลม อย่างไรก็ตาม การจัดเรียงตัวเลขดังกล่าวไม่ได้ทำให้เกิดภาพนิ่ง พวกเขารวมถึงองค์ประกอบทั้งหมดโดยรวมจะแสดงเป็นไดนามิก ความรู้สึกนี้ถูกสร้างขึ้นเนื่องจากการที่อาจารย์ถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของพลาสติกของร่างกายมนุษย์อย่างละเอียดและแม่นยำ

สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินคือภาพวาด "มาดอนน่าในเก้าอี้นวม" (หรือ "มาดอนน่าเดลลาเซเดีย") ซึ่งสร้างเสร็จในราวปี 1516 ภาพมาดอนน่าในอุดมคติค่อนข้างมีพื้นฐานอยู่ที่นี่เนื่องจาก การแนะนำองค์ประกอบเฉพาะที่แท้จริงในองค์ประกอบ ตัวอย่างเช่น หน้าอกของแมรี่ถูกคลุมด้วยผ้าพันคอสีสดใสที่มีขอบกว้าง ผ้าพันคอดังกล่าวเป็นชุดโปรดของสตรีชาวนาอิตาลีทุกคนในเวลานั้น

ร่างของมาดอนน่า พระเยซูคริสต์ และยอห์นผู้ให้บัพติศมาตัวน้อยตั้งอยู่ใกล้กัน ดูเหมือนภาพจะไหลเข้าหากันได้อย่างราบรื่น ภาพรวมตื้นตันไปด้วยความรู้สึกโคลงสั้น ๆ ที่สดใสผิดปกติ ธีมความรักของมารดาที่คงอยู่ตลอดไปได้รับการถ่ายทอดที่นี่ไม่เพียงแต่ในสายตาของแมรี่เท่านั้น แต่ยังถ่ายทอดอยู่ในรูปร่างของเธอด้วย รูปร่างโทนโดทำให้องค์ประกอบทั้งหมดมีความสมบูรณ์ตามตรรกะ ร่างของแมรี่และลูกน้อยที่วางบนผืนผ้าใบทรงกลมเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของคนใกล้ชิดสองคนที่สุด: แม่และเด็ก นี้
ภาพวาดของราฟาเอลได้รับการยอมรับจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันว่าเป็นจุดสูงสุดของการวาดภาพขาตั้ง ไม่เพียงแต่จากมุมมองของโครงสร้างการจัดองค์ประกอบเท่านั้น แต่ยังเนื่องมาจากการแสดงเส้นพลาสติกของภาพอย่างละเอียดอ่อนอีกด้วย

ตั้งแต่ยุค 10 ศตวรรษที่สิบหก ราฟาเอลกำลังแต่งเพลงสำหรับแท่นบูชา ดังนั้นในปี ค.ศ. 1511 “มาดอนน่าแห่งโฟลิกโน” จึงปรากฏขึ้น และในปี ค.ศ. 1515 ศิลปินชื่อดังได้เริ่มสร้างผืนผ้าใบซึ่งต่อมาจะนำความรุ่งโรจน์ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่มาสู่จิตรกรและชนะใจผู้คนมากกว่าหนึ่งรุ่น ซิสทีนมาดอนน่าเป็นภาพวาดที่ถือเป็นขั้นตอนสุดท้ายในการพัฒนาวิธีการทางศิลปะของราฟาเอล แก่นเรื่องของการเป็นแม่ที่ได้รับที่นี่เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานก่อน ๆ การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและศูนย์รวมที่สมบูรณ์ที่สุด

เมื่อเข้าไปในอาสนวิหาร ผู้ชมจะจ้องมองไปที่ร่างอันสง่างามของพระแม่มารีอุ้มพระกุมารเยซูคริสต์ในอ้อมแขนของเธอทันที เอฟเฟกต์นี้เกิดขึ้นได้จากการจัดเรียงตัวละครแบบพิเศษ ม่านที่เปิดออกเล็กน้อยการเหลือบมองของ Saints Sixtus และ Barbara หันไปหา Mary - ทั้งหมดนี้มีวัตถุประสงค์เพื่อเน้นและทำให้คุณแม่ยังสาวเป็นศูนย์กลางขององค์ประกอบ

ในการเปิดเผยภาพของมาดอนน่า ราฟาเอลได้ห่างไกลจากศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มาดอนน่ากล่าวถึงผู้ชมโดยตรงที่นี่ เธอไม่ยุ่งกับเด็ก (เช่นมาดอนน่าของ Leonardo da Vinci) และไม่หมกมุ่นอยู่กับตัวเอง (เช่นวีรสตรีในผลงานยุคแรก ๆ ของอาจารย์) มาเรียคนนี้เคลื่อนตัวไปตามเมฆสีขาวเหมือนหิมะเข้าหาผู้ชมและสนทนากับเขา ในดวงตาที่เบิกกว้างของเธอ เราสามารถมองเห็นความรักของแม่ ความสับสน ความสิ้นหวัง ความอ่อนน้อมถ่อมตน และความห่วงใยอย่างลึกซึ้งต่อชะตากรรมในอนาคตของลูกชายของเธอ เธอเหมือนผู้ทำนายรู้ทุกสิ่งที่จะเกิดขึ้นกับลูกของเธอ อย่างไรก็ตาม เพื่อช่วยชีวิตผู้คน แม่ของเขาจึงพร้อมที่จะเสียสละเขา ภาพลักษณ์ของพระกุมารของพระคริสต์นั้นมีความจริงจังเช่นเดียวกัน ดูเหมือนว่าโลกทั้งใบจะอยู่ในสายตาของเขาเขาเหมือนผู้เผยพระวจนะบอกเราถึงชะตากรรมของมนุษยชาติและของเขาเอง

ราฟาเอล. ซิสติน มาดอนน่า. พ.ศ. 1515-1519

ภาพลักษณ์ของแมรี่เต็มไปด้วยดราม่าและแสดงออกอย่างไม่ธรรมดา อย่างไรก็ตามเขาปราศจากอุดมคติและไม่ได้มีคุณสมบัติเกินความจริง ความรู้สึกถึงความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ของภาพถูกสร้างขึ้นที่นี่เนื่องจากไดนามิกขององค์ประกอบภาพ ซึ่งแสดงออกมาโดยการถ่ายทอดความเป็นพลาสติกของตัวละครและเสื้อผ้าของตัวละครที่แม่นยำและเที่ยงตรง ตัวเลขทั้งหมดถูกนำเสนอ มีชีวิตชีวา เคลื่อนที่ได้ สดใส ใบหน้าของมารีย์เช่นเดียวกับพระเยซูคริสต์ที่มีดวงตาเศร้าโศกอย่างไร้เดียงสาแสดงออกถึงความรู้สึกที่หลากหลายเปลี่ยนแปลงไปต่อหน้าต่อตาผู้ชม: ความเศร้าความวิตกกังวลความอ่อนน้อมถ่อมตนและสุดท้ายคือความมุ่งมั่น

ในบรรดานักประวัติศาสตร์ศิลป์ คำถามเกี่ยวกับต้นแบบของ Sistine Madonna ยังคงเปิดอยู่ นักวิชาการบางคนระบุภาพนี้ด้วยภาพของหญิงสาวที่ปรากฎในภาพเหมือน “The Veiled Lady” (1514) อย่างไรก็ตาม ตามคำให้การของผู้ร่วมสมัยของศิลปิน แมรี่ในภาพวาด "The Sistine Madonna" แสดงถึงผู้หญิงประเภททั่วไปมากกว่า ซึ่งเป็นอุดมคติของราฟาเอล มากกว่าที่จะเป็นภาพลักษณ์เฉพาะของใครก็ตาม

ในบรรดาผลงานภาพเหมือนของราฟาเอลภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ซึ่งวาดในปี 1511 นั้นเป็นที่สนใจอย่างมาก มีการแสดงบุคคลจริงๆ ที่นี่ว่าเป็นอุดมคติซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการสร้างสรรค์ของจิตรกร

ภาพเหมือนของ Count Baldassare Castiglione สร้างขึ้นในปี 1515 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษโดยพรรณนาถึงชายที่สงบสมดุลและพัฒนาอย่างกลมกลืน ราฟาเอลปรากฏตัวที่นี่ในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านสีที่ยอดเยี่ยม เขาใช้การผสมสีที่ซับซ้อนและการเปลี่ยนสี ความเชี่ยวชาญด้านเฉดสีแบบเดียวกันนั้นยังโดดเด่นด้วยผลงานของจิตรกรอีกชิ้นหนึ่ง: ภาพเหมือนของผู้หญิง "เลดี้ในม่าน" ("La donna velata", 1514) โดยที่สีที่โดดเด่นคือสีขาว (ชุดสีขาวเหมือนหิมะของผู้หญิงออกเดินทาง ม่านแสง)

ส่วนสำคัญของงานของราฟาเอลนั้นถูกครอบครองโดยงานอนุสรณ์สถาน ในบรรดาผลงานที่คล้ายกันในเวลาต่อมาของเขา สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือจิตรกรรมฝาผนัง "The Triumph of Galatea" ซึ่งประดับอยู่บนผนังของ Villa Farnesina (เดิมเป็นทรัพย์สินของเศรษฐี Chigi) ในปี 1515 ภาพนี้โดดเด่นด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานผิดปกติ ภาพก็เต็มไปด้วยความสุขอย่างแท้จริง โทนสีที่คล้ายกันถูกสร้างขึ้นโดยการใช้การผสมผสานพิเศษของสีที่สดใสและอิ่มตัว: ตัวสีขาวเปลือยถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืนที่นี่กับท้องฟ้าสีฟ้าใสและคลื่นสีฟ้าของทะเล

งานชิ้นสำคัญชิ้นสุดท้ายของราฟาเอลคือการตกแต่งผนังของแกลเลอรีโค้งซึ่งตั้งอยู่บนชั้นสองของพระราชวังวาติกัน การตกแต่งห้องโถงตกแต่งด้วยภาพวาดและกระเบื้องโมเสคที่ทำจากหินอ่อนเทียม ศิลปินวาดภาพจิตรกรรมฝาผนังจากตำนานในพระคัมภีร์และสิ่งที่เรียกว่า พิสดาร (ภาพวาดที่ค้นพบบนสุสานกรีกโบราณ - ถ้ำ) มีทั้งหมด 52 ภาพ ต่อมาได้รวมกันเป็นวัฏจักรภายใต้ชื่อทั่วไปว่า “พระคัมภีร์ของราฟาเอล” เป็นที่น่าสนใจที่ศิลปินชื่อดังได้ทำงานตกแต่งห้องโถงในวังวาติกันร่วมกับนักเรียนของเขาซึ่ง Giulio Romano, Francesco Penni, Perino del Vaga, Giovanni da Udine ครอบครองสถานที่สำคัญ

ภาพวาดขาตั้งในเวลาต่อมาของราฟาเอลเป็นการสะท้อนและการแสดงออกของวิกฤตทางความคิดสร้างสรรค์ที่ค่อยๆ เติบโตของปรมาจารย์ ตามเส้นทางของการแสดงภาพที่สร้างขึ้นโดยปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงที่เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงยึดมั่นในวิธีการถ่ายทอดทางศิลปะของเขาที่กำหนดไว้แล้ว ราฟาเอลก็พบกับความขัดแย้งของสไตล์ วิธีการและวิธีการแสดงความคิดของเขามีน้อยเกินไปที่จะสร้างภาพใหม่ที่มีคุณภาพและสมบูรณ์แบบยิ่งขึ้นจากมุมมองของการถ่ายทอดโลกภายในและความงามภายนอก ตัวอย่างที่ชัดเจนซึ่งแสดงให้เห็นงานของราฟาเอลในช่วงนี้คือ “การแบกไม้กางเขน” (1517) วัฏจักร “ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์” (ประมาณปี 1518) และองค์ประกอบแท่นบูชา “การเปลี่ยนแปลงพระกาย”

ค่อนข้างเป็นไปได้ที่จิตรกรที่มีพรสวรรค์เช่นราฟาเอลจะพบหนทางออกจากทางตันที่สร้างสรรค์เช่นนี้หากไม่ใช่เพราะการเสียชีวิตอย่างกะทันหันซึ่งทำให้ผู้ร่วมสมัยของอาจารย์ทุกคนตกตะลึง ราฟาเอล สันติ เสียชีวิตเมื่อวันที่ 6 เมษายน พ.ศ. 2063 ขณะอายุ 37 ปี ได้มีการจัดงานศพอันงดงาม อัฐิของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ถูกฝังอยู่ในวิหารแพนธีออนในกรุงโรม

ผลงานของราฟาเอลยังคงเป็นผลงานศิลปะชิ้นเอกของโลกมาจนถึงทุกวันนี้ ภาพวาดเหล่านี้เป็นตัวอย่างของศิลปะคลาสสิก ได้รับการออกแบบมาเพื่อแสดงถึงความงามอันสมบูรณ์แบบและแปลกประหลาดของมนุษยชาติ พวกเขานำเสนอผู้ชมด้วยโลกที่ผู้คนถูกครอบงำด้วยความรู้สึกและความคิดอันสูงส่ง งานของราฟาเอลเป็นเพลงสวดสำหรับงานศิลปะซึ่งเปลี่ยนบุคคลทำให้เขาสะอาดขึ้นสดใสและสวยงามยิ่งขึ้น

ทิเชียน (ติเซียโน่ เวเชลลิโอ)

Tiziano Vecellio เกิดในครอบครัวทหารในเมืองเล็กๆ ชื่อ Pieve di Cadore ซึ่งตั้งอยู่บนภูเขาและเป็นส่วนหนึ่งของอาณาเขตเมืองเวนิส นักวิทยาศาสตร์ไม่สามารถระบุวันและปีเกิดของทิเชียนได้อย่างแม่นยำ บางคนเชื่อว่านี่คือปี 1476-1477 และบางคนเชื่อว่านี่คือปี 1485-1490

นักวิทยาศาสตร์แนะนำว่าตระกูล Vecellio นั้นเก่าแก่และค่อนข้างมีอิทธิพลในเมือง เมื่อทราบถึงความสามารถในช่วงต้นของเด็กชายในการวาดภาพ พ่อแม่ของเขาจึงตัดสินใจส่ง Tiziano ไปที่เวิร์คช็อปศิลปะของปรมาจารย์ด้านกระเบื้องโมเสคชาวเมืองเวนิส หลังจากนั้นไม่นาน เวเซลลิโอรุ่นเยาว์ก็ได้รับมอบหมายให้ศึกษาในเวิร์คช็อปของคนต่างชาติคนแรก และจากนั้นก็จิโอวานนี เบลลินี ในเวลานี้ ศิลปินหนุ่มได้พบกับจอร์โจเน ซึ่งอิทธิพลของเขาสะท้อนให้เห็นในผลงานยุคแรกของเขา

ผลงานทั้งหมดของศิลปินสามารถแบ่งออกเป็นสองช่วง: ช่วงแรก - ช่วงที่เรียกว่า Djordzhonevsky - จนถึงปี 1515-1516 (เมื่ออิทธิพลของ Giorgione แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของจิตรกร); ที่สอง - จากยุค 40 ศตวรรษที่ 16 (ในเวลานี้ ทิเชียนเป็นปรมาจารย์ด้านศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายอยู่แล้ว)

หลังจากการพัฒนาวิธีการทางศิลปะในช่วงแรกๆ ของจอร์โจเนและจิตรกรยุคเรอเนซองส์ ทิเชียนคิดใหม่เกี่ยวกับวิธีการแก้ไขปัญหาทางศิลปะ จากใต้พู่กันของศิลปิน มีภาพใหม่ๆ ออกมาซึ่งแตกต่างอย่างมากจากร่างที่สง่างามและซับซ้อน เช่น ราฟาเอล และเลโอนาร์โด ดา วินชี วีรบุรุษของทิเชียนเป็นคนติดดิน มีรูปร่างสมบูรณ์ ราคะ และมีองค์ประกอบนอกรีตในระดับสูง ภาพวาดยุคแรกของศิลปินมีความโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่ค่อนข้างเรียบง่ายซึ่งเต็มไปด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานผิดปกติและจิตสำนึกถึงความสุขที่ไร้เมฆความสมบูรณ์และอนันต์ของชีวิตบนโลก

ในบรรดาผลงานในยุคนี้ซึ่งแสดงออกถึงวิธีการสร้างสรรค์ของศิลปินได้อย่างเต็มที่ ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งคือผืนผ้าใบ "Earthly and Heavenly Love" ที่มีอายุตั้งแต่ทศวรรษที่ 10 ศตวรรษที่ 16. เป็นสิ่งสำคัญสำหรับผู้เขียนไม่เพียง แต่จะต้องถ่ายทอดโครงเรื่องเท่านั้น แต่ยังต้องแสดงภูมิทัศน์ที่สวยงามที่กระตุ้นความคิดเกี่ยวกับความสงบและความสุขของชีวิตและความงามที่ตระการตาของผู้หญิง

ร่างของผู้หญิงมีความประเสริฐอย่างไม่ต้องสงสัย แต่พวกเขาไม่ได้ถูกแยกออกจากชีวิตและผู้เขียนไม่ได้ทำให้อุดมคติในอุดมคติ ภูมิทัศน์ที่วาดด้วยสีอ่อนและวางไว้ในพื้นหลังทำหน้าที่เป็นฉากหลังที่ยอดเยี่ยมสำหรับความสง่างามและสง่างาม แต่ในขณะเดียวกันภาพผู้หญิงที่เจาะจงและเป็นจริงมาก: ความรักทางโลกและความรักจากสวรรค์ องค์ประกอบที่แต่งขึ้นอย่างชำนาญและความรู้สึกของสีที่ละเอียดอ่อนช่วยให้ศิลปินสร้างผลงานที่กลมกลืนกันอย่างผิดปกติซึ่งแต่ละองค์ประกอบอยู่ภายใต้ความปรารถนาของผู้เขียนที่จะแสดงความงามตามธรรมชาติของธรรมชาติทางโลกและมนุษย์

ในงานต่อมาของทิเชียนซึ่งย้อนกลับไปในปี 1518 เรื่อง "Assunta" (หรือ "The Ascension of Mary") ไม่มีการไตร่ตรองอย่างสงบและความเงียบสงบเหมือนในงาน "Earthly and Heavenly Love" ที่นี่มีความไดนามิก ความแข็งแกร่ง และพลังงานมากขึ้น บุคคลสำคัญขององค์ประกอบคือแมรี่ ซึ่งแสดงให้เห็นเป็นหญิงสาวที่เต็มไปด้วยความงามและความแข็งแกร่งของโลก การจ้องมองของอัครสาวกมุ่งตรงไปที่เธอซึ่งมีภาพแสดงถึงพลังและพลังงานภายในที่เหมือนกัน เพลงสรรเสริญความงามของมนุษย์และความรู้สึกที่แข็งแกร่งของมนุษย์คือเพลง "Bacchus and Ariadne" (จากวัฏจักร "Bacchanalia", 1523)

การเชิดชูความงามของผู้หญิงบนโลกกลายเป็นประเด็นสำคัญของงานอีกชิ้นหนึ่งของทิเชียนที่เรียกว่า "วีนัสแห่งเออร์บิโน" มันถูกสร้างขึ้นในปี 1538 แม้ว่าภาพจะไม่มีความละเอียดอ่อนและจิตวิญญาณอย่างแน่นอน แต่ภาพหลังก็ยังไม่ได้ลดคุณค่าทางสุนทรียะของผืนผ้าใบ ดาวศุกร์ที่นี่สวยจริงๆ อย่างไรก็ตาม ความงามของเธอติดดินและเป็นธรรมชาติ ซึ่งทำให้ภาพที่ทิเชียนสร้างขึ้นจากภาพวีนัสของบอตติเชลลีแตกต่างออกไป

อย่างไรก็ตาม เป็นการผิดที่จะกล่าวว่าภาพจากช่วงแรกของการพัฒนาผลงานของศิลปินนั้นยกย่องเพียงความงามภายนอกของบุคคลเท่านั้น รูปร่างหน้าตาทั้งหมดของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงบุคคลที่กลมกลืนกันซึ่งมีความงามภายนอกที่บรรจุไว้กับความงามทางจิตวิญญาณและเป็นอีกด้านของจิตวิญญาณที่สวยงามไม่แพ้กัน

จากมุมมองนี้ สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือภาพของพระเยซูคริสต์บนผืนผ้าใบ "Denarius of Caesar" ที่สร้างขึ้นในช่วงปี 1515 ถึง 1520 พระเยซูของทิเชียนไม่ได้แสดงให้เห็นว่าเป็นพระเจ้าผู้สูงส่งและเป็นสวรรค์เลย การแสดงออกที่ได้รับการดลใจบนใบหน้าของเขาบ่งบอกว่าต่อหน้าผู้ชมคือชายผู้สูงศักดิ์ที่มีองค์กรทางจิตที่สมบูรณ์แบบ

จิตวิญญาณแบบเดียวกันนี้เต็มไปด้วยภาพที่สร้างขึ้นในองค์ประกอบแท่นบูชา "Madonna of Pesaro" ซึ่งเขียนขึ้นระหว่างปี 1519 ถึง 1526 วีรบุรุษเหล่านี้ไม่ใช่แผนภาพหรือนามธรรม การสร้างภาพที่มีชีวิตจริงได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากโดยการใช้สีที่หลากหลายของอาจารย์: ผ้าคลุมเตียงสีขาวเหมือนหิมะของ Mary, สีฟ้า, สีแดงเข้ม, สีแดงสด, เสื้อผ้าสีทองของวีรบุรุษ, พรมสีเขียวที่อุดมสมบูรณ์ โทนสีที่หลากหลายดังกล่าวไม่ได้ทำให้เกิดความสับสนวุ่นวายในการจัดองค์ประกอบ แต่ในทางกลับกันช่วยให้จิตรกรสร้างระบบภาพที่กลมกลืนและกลมกลืนกัน

ในช่วงทศวรรษที่ 1520 ทิเชียนสร้างสรรค์ผลงานชิ้นแรกที่มีลักษณะอันน่าทึ่ง นี่คือภาพวาดอันโด่งดังเรื่อง "Entombment" ภาพของพระคริสต์ที่นี่ถูกตีความในลักษณะเดียวกับในภาพวาด "Denarius of Caesar" พระเยซูไม่ได้ถูกนำเสนอในฐานะสิ่งมีชีวิตที่ลงมาจากสวรรค์เพื่อช่วยมนุษยชาติ แต่เป็นวีรบุรุษทางโลกโดยสมบูรณ์ที่ล้มลงในการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกัน แม้จะมีโศกนาฏกรรมและดราม่าในเนื้อเรื่อง แต่ผืนผ้าใบก็ไม่ทำให้เกิดอารมณ์สิ้นหวังในตัวผู้ชม ในทางตรงกันข้ามภาพที่ทิเชียนสร้างขึ้นนั้นเป็นสัญลักษณ์ของการมองโลกในแง่ดีและความกล้าหาญที่แสดงถึงความงามภายในของมนุษย์ความสูงส่งและความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณของเขา

ตัวละครนี้ทำให้ผลงานของศิลปินแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากผลงานในภายหลังของเขาในชื่อเดียวกันลงวันที่ 1559 ซึ่งอารมณ์ในแง่ดีถูกแทนที่ด้วยโศกนาฏกรรมที่สิ้นหวัง ที่นี่เช่นเดียวกับภาพวาดอีกชิ้นของทิเชียน - "การฆาตกรรมของนักบุญ" Peter the Martyr” การสร้างซึ่งมีอายุย้อนไปถึงช่วงปี 1528 ถึง 1530 ปรมาจารย์ใช้วิธีการพรรณนาทางศิลปะแบบใหม่ ภาพธรรมชาติที่ปรากฏบนผืนผ้าใบ (ภาพพระอาทิตย์ตกถ่ายทอดด้วยสีมืดหม่นใน “The Entombment” และต้นไม้ที่โค้งงอภายใต้ลมกระโชกแรงใน “The Assassination of St. Peter the Martyr”) กลายเป็นภาพที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของ ความรู้สึกและความหลงใหลของมนุษย์ พระแม่ผู้ยิ่งใหญ่มอบไว้ที่นี่ต่อองค์อธิปไตย ในองค์ประกอบที่กล่าวข้างต้น ทิเชียนดูเหมือนจะยืนยันแนวคิดนี้: ทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในธรรมชาติล้วนเกิดจากการกระทำของมนุษย์ พระองค์ทรงเป็นเจ้าและผู้ปกครองโลก (รวมถึงธรรมชาติด้วย)

ขั้นตอนใหม่ในการพัฒนาทักษะของศิลปินในการสร้างสรรค์องค์ประกอบหลายร่างคือผืนผ้าใบชื่อ "บทนำสู่วิหาร" ลงวันที่ 1534-1538 แม้ว่าทิเชียนจะวาดภาพหลายภาพที่นี่ แต่ภาพเหล่านั้นกลับกลายเป็นหนึ่งเดียวโดยสนใจในเหตุการณ์สำคัญที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาพวกเขา - การนำแมรี่เข้ามาในพระวิหาร ร่างของตัวละครหลักถูกแยกออกจากตัวละครรอง (แต่มีความสำคัญไม่น้อย) โดยการหยุดชั่วคราว: เธอถูกแยกออกจากฝูงชนที่อยากรู้อยากเห็นและนักบวชโดยขั้นบันได อารมณ์รื่นเริงความรู้สึกถึงความสำคัญของสิ่งที่เกิดขึ้นนั้นถูกสร้างขึ้นในองค์ประกอบโดยท่าทางและความเป็นพลาสติกของตัวเลข อย่างไรก็ตาม ด้วยการรวมไว้ในรูปภาพของร่างของผู้ขายไข่ที่วางอยู่เบื้องหน้า ความน่าสมเพชที่มากเกินไปของงานจึงลดลง และความประทับใจของความสมจริงและความเป็นธรรมชาติของสถานการณ์ที่ศิลปินบรรยายก็ได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น

การนำภาพพื้นบ้านมาจัดองค์ประกอบถือเป็นลักษณะเฉพาะของวิธีการทางศิลปะและการมองเห็นของทิเชียนในช่วงทศวรรษที่ 30 ศตวรรษที่สิบหก มันเป็นภาพที่ช่วยให้อาจารย์สร้างภาพที่แท้จริงในชีวิต

ความคิดสร้างสรรค์อย่างเต็มที่ที่สุดในการแสดงบุคคลที่กลมกลืนสวยงามทั้งจิตวิญญาณและร่างกายได้รวมอยู่ในผลงานภาพเหมือนของทิเชียน ผลงานชิ้นแรกในลักษณะนี้คือ “ภาพเหมือนของชายหนุ่มสวมถุงมือ” การสร้างผืนผ้าใบมีอายุย้อนไปถึงช่วงปี 1515 ถึง 1520 ภาพลักษณ์ของชายหนุ่มเป็นตัวแทนของคนรุ่นเดียวกันในยุคนั้น - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพเหมือนรวบรวมแนวคิดเรื่องความสามัคคีของจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ ไหล่กว้าง, ความเป็นพลาสติกที่เป็นอิสระของร่างกาย, คอเสื้อเชิ้ตที่ปลดกระดุมอย่างไม่เป็นทางการ, ความมั่นใจอันสงบที่แสดงออกมาจากการจ้องมองของชายหนุ่ม - ทุกอย่างมีจุดมุ่งหมายเพื่อถ่ายทอดแนวคิดหลักของผู้เขียนเกี่ยวกับความสุขในการดำรงอยู่ของมนุษย์และความสุขของคนธรรมดาที่ไม่ รู้ทุกข์และไม่ขาดความขัดแย้งภายใน

คนที่มีความสุขที่จัดเรียงอย่างกลมกลืนประเภทเดียวกันสามารถเห็นได้บนผืนผ้าใบ "Violante" และ "ภาพเหมือนของ Tommaso Mosti" (ทั้งปี 1515-1520)

ในการถ่ายภาพบุคคลที่สร้างขึ้นในเวลาต่อมา ผู้ชมจะไม่พบความตรงไปตรงมาและความชัดเจนของลักษณะของภาพซึ่งเป็นเรื่องปกติของผลงานดังกล่าวในช่วงปี 1515-1520 อีกต่อไป แก่นแท้ของตัวละครรุ่นหลังของทิเชียนเมื่อเปรียบเทียบกับตัวละครในยุคแรกนั้นมีความซับซ้อนและหลากหลายกว่ามาก ตัวอย่างที่เด่นชัดของการเปลี่ยนแปลงวิธีการทางศิลปะของผู้เขียนคือภาพวาด "Portrait of Ippolito Riminaldi" ที่สร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1540 ภาพนี้แสดงให้เห็นชายหนุ่มคนหนึ่งซึ่งมีใบหน้ามีหนวดเคราเล็ก ๆ ล้อมรอบเป็นการแสดงออกถึงการต่อสู้ทางความรู้สึกและอารมณ์ภายในอย่างลึกซึ้ง

ภาพที่สร้างขึ้นโดยทิเชียนในช่วงเวลานี้ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับศิลปะในยุคเรอเนซองส์สูง เนื่องจากมีความซับซ้อน ขัดแย้งและน่าทึ่งเป็นส่วนใหญ่ เหล่านี้คือวีรบุรุษของการแต่งเพลงที่เรียกว่า "ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับอเลสซานโดรและออตตาวิโอฟาร์เนเซ" ภาพวาดนี้สร้างขึ้นระหว่างปี 1545 ถึง 1546 สมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 ได้รับการยกย่องว่าเป็นบุคคลที่เจ้าเล่ห์และไม่ไว้วางใจ เขาเฝ้าดูออตตาวิโอ หลานชายของเขา ซึ่งเป็นคนประจบประแจงและหน้าซื่อใจคดที่ศาล ด้วยความห่วงใยและโกรธเคือง

ทิเชียนแสดงตนว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดองค์ประกอบทางศิลปะที่โดดเด่น แก่นแท้ของตัวละครของผู้คนถูกเปิดเผยในงานนี้ผ่านการมีปฏิสัมพันธ์ของตัวละครต่อกัน ผ่านท่าทางและท่าทางของพวกเขา

ภาพเหมือนของชาร์ลส์ที่ 5 (1548) สร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบการตกแต่งอันงดงามและความสมจริง โลกภายในของโมเดลแสดงออกมาอย่างแม่นยำอย่างเชี่ยวชาญ ผู้ชมเข้าใจว่าตรงหน้าเขาเป็นคนที่เฉพาะเจาะจงซึ่งมีบุคลิกที่ซับซ้อนซึ่งมีคุณลักษณะหลักคือความฉลาดและความแข็งแกร่งที่ยอดเยี่ยมตลอดจนไหวพริบความโหดร้ายและความหน้าซื่อใจคด

ในการถ่ายภาพบุคคลที่สร้างโดย Titian ซึ่งเรียบง่ายกว่าในแง่ของการจัดองค์ประกอบภาพ ความสนใจทั้งหมดของผู้ชมจะมุ่งเน้นไปที่โลกภายในของภาพ ตัวอย่างเช่นเราสามารถอ้างอิงภาพวาด "Portrait of Aretino" ลงวันที่ 1545 แบบจำลองของศิลปินคือชายที่มีชื่อเสียงในเมืองเวนิสในเวลานั้น Pietro Aretino ซึ่งมีชื่อเสียงในเรื่องความโลภที่ไม่ธรรมดาเพื่อเงินและความสุขทางโลก อย่างไรก็ตามถึงแม้จะเป็นเช่นนี้ เขาก็ชื่นชมศิลปะอย่างมาก ตัวเขาเองก็เป็นผู้เขียนบทความวารสารศาสตร์หลายบทความ คอเมดี้ เรื่องสั้น และบทกวีจำนวนมาก (แม้ว่าจะไม่เสมอไป)
เนื้อหาที่เหมาะสม)

ทิเชียนตัดสินใจพรรณนาถึงบุคคลเช่นนี้ในผลงานชิ้นหนึ่งของเขา Aretino ของเขาเป็นภาพที่สมจริงที่ซับซ้อนซึ่งมีความรู้สึกและลักษณะนิสัยที่หลากหลายที่สุด บางครั้งก็ขัดแย้งกันด้วยซ้ำ

ความขัดแย้งอันน่าสลดใจของบุคคลที่มีกองกำลังเป็นศัตรูกับเขาแสดงอยู่ในภาพวาด "ดูเถิดผู้ชาย" ที่เขียนในปี 1543 โครงเรื่องได้รับแรงบันดาลใจจากปฏิกิริยาสาธารณะที่ทวีความรุนแรงมากขึ้นของผู้สนับสนุนการต่อต้านการปฏิรูปในอิตาลีในเวลานั้นกำกับ ต่อต้านแนวคิดเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในการจัดองค์ประกอบนั้น ภาพลักษณ์ของพระคริสต์ในฐานะผู้ถืออุดมคติสากลอันสูงส่งนั้นตรงกันข้ามกับปีลาต ซึ่งแสดงให้เห็นว่าเป็นการเหยียดหยาม ชั่วร้าย และน่าเกลียด ในนั้น
เป็นครั้งแรกที่บันทึกของการปฏิเสธความสุขและความสุขทางโลกปรากฏขึ้นในงาน

ทิเชียน. ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับอเลสซานโดรและออตตาวิโอ ฟาร์เนเซ 1545-1546

ความแตกต่างที่โดดเด่นเช่นเดียวกันนี้ทำให้ภาพของผืนผ้าใบ "Danae" ที่วาดเมื่อประมาณปี 1554 งานมีความโดดเด่นด้วยละครระดับสูง ในนั้นผู้เขียนยกย่องความงามและความสุขของมนุษย์เหมือนเมื่อก่อน อย่างไรก็ตาม ความสุขนี้เกิดขึ้นชั่วคราวและชั่วขณะเท่านั้น ในภาพไม่มีอารมณ์และความเงียบสงบของตัวละครที่คงที่ซึ่งแยกแยะภาพที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้ ("ความรักทางโลกและสวรรค์", "วีนัสแห่งเออร์บิโน")

ธีมหลักของงานคือการปะทะกันของความสวยงามและความน่าเกลียดความสูงและความต่ำ และถ้าเด็กสาวแสดงออกถึงทุกสิ่งที่ประเสริฐที่สุดในตัวบุคคล สาวใช้ที่พยายามจับเหรียญอาบน้ำทองคำก็แสดงคุณสมบัติที่ต่ำที่สุดของมนุษย์: ผลประโยชน์ของตนเอง, ความโลภ, การเยาะเย้ยถากถาง

ดราม่าเน้นย้ำในการจัดองค์ประกอบด้วยการผสมผสานระหว่างโทนสีเข้มและสีอ่อน ด้วยความช่วยเหลือของสีที่ศิลปินเน้นความหมายในภาพ ดังนั้นเด็กสาวจึงเป็นสัญลักษณ์ของความงามและความรู้สึกที่สดใส และหญิงชราที่รายล้อมไปด้วยโทนสีเข้มหม่นหมองมีการแสดงออกถึงหลักพื้นฐาน

ผลงานของทิเชียนในช่วงนี้ไม่เพียงโดดเด่นด้วยการสร้างภาพที่ขัดแย้งกันซึ่งเต็มไปด้วยดราม่าเท่านั้น ในเวลาเดียวกันศิลปินได้วาดภาพผลงานจำนวนหนึ่งซึ่งมีธีมคือความงามอันน่าหลงใหลของผู้หญิง อย่างไรก็ตาม ยังคงจำเป็นต้องสังเกตความจริงที่ว่างานเหล่านี้ปราศจากอารมณ์ในแง่ดีและเห็นพ้องต้องชีวิตเช่นใน "Earthly and Heavenly Love" และ "Bacchanalia" สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือ "Diana and Actaeon", "The Shepherd and the Nymph" (1559), "Venus with Adonis"

ผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของทิเชียนคือภาพวาดชื่อ Mary Magdalene Caius ซึ่งสร้างขึ้นในยุค 60 ศตวรรษที่ 16. ศิลปินยุคเรอเนซองส์หลายคนหันมาสนใจเรื่องราวในพระคัมภีร์นี้ อย่างไรก็ตาม ทิเชียนตีความภาพลักษณ์ของแมรี แม็กดาเลนผู้สำนึกผิดใหม่ ร่างของหญิงสาวที่เปี่ยมไปด้วยความสวยงามและสุขภาพ แสดงออกถึงการกลับใจแบบคริสเตียนไม่ใช่ แต่เป็นการแสดงออกถึงความโศกเศร้าและความปรารถนาที่จะมีความสุขที่สูญหายไปตลอดกาล มนุษย์มีความสวยงามในทิเชียนเช่นเคย แต่ความเป็นอยู่ที่ดีความสงบและความอุ่นใจของเขาขึ้นอยู่กับพลังภายนอก พวกเขาคือผู้ที่ทำลายความสามัคคีของวิญญาณโดยการแทรกแซงชะตากรรมของบุคคล ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพของแม็กดาเลนซึ่งเอาชนะด้วยความเศร้าโศกปรากฏให้เห็นโดยมีฉากหลังเป็นภูมิประเทศที่มืดมนซึ่งปกคลุมไปด้วยท้องฟ้าอันมืดมิดและมีเมฆสีดำปรากฏขึ้น - เป็นลางบอกเหตุ
ชื่อเล่นของพายุฝนฟ้าคะนอง

เรื่องราวเดียวกันของความทุกข์ของมนุษย์ได้ยินในผลงานชิ้นหลังของปรมาจารย์ผู้โด่งดัง: "The Crowning with Thorns" (1570) และ "St. เซบาสเตียน" (1570)

ใน "The Crowning of Thorns" ศิลปินนำเสนอพระเยซูในรูปของคนธรรมดาที่มีคุณสมบัติเหนือกว่าทางร่างกายและที่สำคัญที่สุดคือคุณสมบัติทางศีลธรรมสำหรับผู้ทรมานของเขา

อย่างไรก็ตาม เขาอยู่คนเดียวและนั่นคือเหตุผลเดียวที่ทำให้เขาไม่สามารถเป็นผู้ชนะได้ ดราม่าและความตึงเครียดทางอารมณ์ของฉากได้รับการปรับปรุงด้วยการใช้สีที่มืดมนและมืดมน

ธีมของฮีโร่ผู้โดดเดี่ยวที่ขัดแย้งกับโลกรอบตัวยังได้ยินในผลงาน "St. เซบาสเตียน". ตัวละครหลักแสดงอยู่ที่นี่ในฐานะไททันคู่บารมีซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อย่างไรก็ตาม เขายังคงพ่ายแพ้ในที่สุด

ภูมิทัศน์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของกองกำลังที่ไม่เป็นมิตรต่อตัวละคร มีบทบาทอิสระที่นี่ แม้ว่าเนื้อเรื่องจะดูดราม่า แต่องค์ประกอบโดยรวมก็เต็มไปด้วยอารมณ์ที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิต

เพลงสวดต่อจิตใจมนุษย์ ภูมิปัญญา และความภักดีต่ออุดมคติที่ยอมรับคือภาพเหมือนตนเองของอาจารย์ที่สร้างขึ้นในยุค 60 ศตวรรษที่สิบหก

ภาพวาดที่สื่ออารมณ์มากที่สุดชิ้นหนึ่งของทิเชียนคือ “Pieta” (หรือ “การคร่ำครวญของพระคริสต์”) ซึ่งวาดราวปี 1576 มีการแสดงภาพร่างของสตรีที่โศกเศร้าโดยมีฉากหลังเป็นโพรงหินและภูมิทัศน์ที่มืดมน แมรี่เหมือนรูปปั้นที่แข็งทื่อด้วยความโศกเศร้า ภาพของแม็กดาเลนสดใสและมีชีวิตชีวาผิดปกติ: ร่างของผู้หญิงคนหนึ่งชี้ไปข้างหน้า, ยกมือขึ้น, ผมสีแดงเพลิงที่กระจัดกระจาย, ปากที่เปิดออกเล็กน้อยซึ่งเสียงร้องแห่งความสิ้นหวังกำลังจะระเบิดออกมา พระเยซูไม่ได้แสดงให้เห็นว่าเป็นพระเจ้าในสวรรค์ แต่เป็นบุคคลที่มีตัวตนจริง พ่ายแพ้ในการสู้รบที่ไม่เท่าเทียมกับกองกำลังที่เป็นศัตรูกับโลกมนุษย์ โศกนาฏกรรมของภาพแสดงออกมาในภาพด้วยความช่วยเหลือของการเปลี่ยนโทนสีและแสงและเงา ตัวละครหลักพบว่าตัวเองราวกับถูกแย่งชิงโดยแสงจากความมืดมิดในยามค่ำคืน

ผลงานของทิเชียนนี้เชิดชูชายผู้มีความรู้สึกลึกซึ้ง ผืนผ้าใบ "Pieta" เป็นเพลงอำลาที่อุทิศให้กับวีรบุรุษผู้ยิ่งใหญ่ผู้ยิ่งใหญ่และสง่างามที่สร้างขึ้นในยุคเรอเนซองส์

จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ผู้ให้ภาพอันงดงามแก่โลก เสียชีวิตเมื่อวันที่ 27 สิงหาคม พ.ศ. 2119 สันนิษฐานว่าด้วยโรคระบาด เขาทิ้งภาพวาดไว้มากมายที่ยังคงทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยความเชี่ยวชาญในการแสดงและสัมผัสสีสันอันละเอียดอ่อน ทิเชียนยังปรากฏต่อหน้าเราในฐานะนักจิตวิทยาที่ยอดเยี่ยม ผู้เชี่ยวชาญด้านจิตวิญญาณมนุษย์ ในบรรดานักเรียนของเขามีศิลปินเช่น Jacopo Nigreti (Palma the Elder), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma the Younger

ซานโดร บอตติเชลลี(1 มีนาคม ค.ศ. 1445 - 17 พฤษภาคม ค.ศ. 1510) - ชายผู้เคร่งศาสนา ทำงานในโบสถ์ใหญ่ทุกแห่งในฟลอเรนซ์และในโบสถ์น้อยซิสทีนแห่งวาติกัน แต่ยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์ศิลปะเป็นหลักในฐานะผู้เขียนบทกวีรูปแบบขนาดใหญ่ ผืนผ้าใบบนหัวข้อที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสมัยโบราณคลาสสิก - "ฤดูใบไม้ผลิ" และ "กำเนิดของวีนัส" .

บอตติเชลลีอยู่ภายใต้ร่มเงาของยักษ์ใหญ่ในยุคเรอเนซองส์ที่ทำงานตามเขามาเป็นเวลานาน จนกระทั่งเขาถูกค้นพบอีกครั้งในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดยกลุ่มพรีราฟาเอลของอังกฤษ ผู้เคารพความเป็นเส้นตรงที่เปราะบางและความสดชื่นในฤดูใบไม้ผลิของผืนผ้าใบที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาในฐานะ จุดสูงสุดในการพัฒนาศิลปะโลก

เกิดมาในครอบครัวของชาวเมืองผู้มั่งคั่ง มาเรียโน ดิ วานนี ฟิลิเปปี ได้รับการศึกษาที่ดี เขาศึกษาการวาดภาพกับพระภิกษุ Filippo Lippi และรับเอาความหลงใหลในการวาดภาพลวดลายสัมผัสที่ทำให้ภาพวาดทางประวัติศาสตร์ของ Lippi แตกต่างจากเขา จากนั้นเขาก็ทำงานให้กับประติมากรชื่อดัง Verrocchio ในปี 1470 เขาได้จัดเวิร์คช็อปของตัวเอง..

เขานำความละเอียดอ่อนและความแม่นยำของเส้นสายมาจากพี่ชายคนที่สองของเขาซึ่งเป็นช่างทำอัญมณี เขาศึกษากับ Leonardo da Vinci มาระยะหนึ่งแล้วในเวิร์คช็อปของ Verrocchio คุณลักษณะดั้งเดิมของพรสวรรค์ของบอตติเชลลีคือความโน้มเอียงของเขาที่มีต่อความมหัศจรรย์ เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่แนะนำตำนานโบราณและสัญลักษณ์เปรียบเทียบให้กับศิลปะในยุคของเขา และทำงานด้วยความรักเป็นพิเศษในวิชาที่เป็นตำนาน สิ่งที่น่าประทับใจเป็นพิเศษคือดาวศุกร์ของเขาซึ่งลอยอยู่ในทะเลด้วยเปลือกหอยอย่างเปลือยเปล่าและเทพเจ้าแห่งสายลมก็โปรยดอกกุหลาบให้เธอและขับเปลือกหอยไปที่ฝั่ง

จิตรกรรมฝาผนังที่เขาเริ่มในปี 1474 ในโบสถ์น้อยซิสทีนแห่งวาติกันถือเป็นผลงานสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของบอตติเชลลี เขาวาดภาพเขียนหลายชิ้นที่ได้รับมอบหมายจากเมดิชิ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาวาดภาพธงของ Giuliano de 'Medici น้องชายของ Lorenzo the Magnificent ในช่วงทศวรรษที่ 1470-1480 ภาพเหมือนกลายเป็นประเภทอิสระในผลงานของบอตติเชลลี (“Man with a Medal” ประมาณปี 1474; “Young Man” ในยุค 1480) บอตติเชลลีมีชื่อเสียงในด้านรสนิยมทางสุนทรีย์อันละเอียดอ่อนและผลงานเช่น "The Annunciation" (1489-1490), "Abandoned" (1495-1500) ฯลฯ ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต บอตติเชลลีละทิ้งภาพวาดอย่างเห็นได้ชัด..

ซานโดร บอตติเชลลีถูกฝังอยู่ในสุสานของครอบครัวในโบสถ์อองนิซานติ ในเมืองฟลอเรนซ์ ตามความประสงค์ของเขาเขาถูกฝังไว้ใกล้หลุมศพของ Simonetta Vespucci ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับภาพที่สวยงามที่สุดของปรมาจารย์

เลโอนาร์โด ดิ เซอร์ ปิเอโร ดา วินชี(15 เมษายน 1995 หมู่บ้าน Anchiano ใกล้เมือง Vinci ใกล้เมืองฟลอเรนซ์ - 2 พฤษภาคม 1519 - ศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ (จิตรกร ประติมากร สถาปนิก) และนักวิทยาศาสตร์ (นักกายวิภาคศาสตร์ นักธรรมชาติวิทยา) นักประดิษฐ์ นักเขียน หนึ่งใน ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ High Art Renaissance ซึ่งเป็นตัวอย่างที่สดใสของ "มนุษย์สากล"

ผู้ร่วมสมัยของเรารู้จัก Leonardo เป็นหลักในฐานะศิลปิน นอกจากนี้ อาจเป็นไปได้ว่าดาวินชีอาจเป็นประติมากรได้เช่นกัน: นักวิจัยจากมหาวิทยาลัยเปรูจา - Giancarlo Gentilini และ Carlo Sisi - อ้างว่าหัวดินเผาที่พวกเขาพบในปี 1990 เป็นงานประติมากรรมชิ้นเดียวของ Leonardo da Vinci ที่ได้มา ลงมาหาเรา อย่างไรก็ตาม ในช่วงชีวิตที่ต่างกันออกไป ดาวินชีเองก็ถือว่าตัวเองเป็นวิศวกรหรือนักวิทยาศาสตร์เป็นหลัก เขาไม่ได้อุทิศเวลาให้กับงานศิลปะมากนักและทำงานค่อนข้างช้า ดังนั้นมรดกทางศิลปะของเลโอนาร์โดจึงมีปริมาณไม่มาก และผลงานของเขาจำนวนหนึ่งสูญหายหรือได้รับความเสียหายอย่างรุนแรง อย่างไรก็ตาม การมีส่วนร่วมของเขาต่อวัฒนธรรมศิลปะโลกมีความสำคัญอย่างยิ่ง แม้ว่าจะต้องเผชิญกับภูมิหลังของกลุ่มอัจฉริยะที่ยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีสร้างขึ้นก็ตาม ต้องขอบคุณผลงานของเขา ศิลปะการวาดภาพได้ก้าวไปสู่การพัฒนาขั้นใหม่เชิงคุณภาพ ศิลปินยุคเรอเนซองส์ที่นำหน้าเลโอนาร์โดปฏิเสธแบบแผนของศิลปะยุคกลางหลายอย่างอย่างเด็ดขาด นี่เป็นการเคลื่อนไหวไปสู่ความสมจริงและประสบความสำเร็จไปมากแล้วในการศึกษามุมมอง กายวิภาคศาสตร์ และอิสระที่มากขึ้นในการแก้ปัญหาการจัดองค์ประกอบภาพ แต่ในแง่ของการวาดภาพ การทำงานกับสี ศิลปินยังคงค่อนข้างมีแบบแผนและมีข้อจำกัด เส้นในภาพระบุโครงร่างของวัตถุอย่างชัดเจน และรูปภาพก็มีลักษณะเหมือนภาพวาดที่ทาสีไว้ ธรรมดาที่สุดคือภูมิทัศน์ซึ่งมีบทบาทรอง .

เลโอนาร์โดตระหนักและรวบรวมเทคนิคการวาดภาพใหม่ เส้นของเขามีสิทธิ์ที่จะเบลอเพราะนั่นคือสิ่งที่เราเห็น เขาตระหนักถึงปรากฏการณ์ของการกระเจิงของแสงในอากาศและลักษณะของสฟูมาโต ซึ่งเป็นหมอกควันระหว่างผู้ชมกับวัตถุที่ปรากฎ ซึ่งทำให้คอนทราสต์และเส้นของสีอ่อนลง เป็นผลให้ความสมจริงในการวาดภาพได้ก้าวไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพ . จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บอตติเชลลี ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ราฟาเอล สันติ(28 มีนาคม 1483 - 6 เมษายน 1520) - จิตรกร ศิลปินกราฟิก และสถาปนิกชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ เป็นตัวแทนของโรงเรียนอุมเบรีย..

ลูกชายของจิตรกร Giovanni Santi เข้ารับการฝึกอบรมศิลปะเบื้องต้นใน Urbino กับพ่อของเขา Giovanni Santi แต่เมื่ออายุยังน้อยเขาก็ได้เข้าร่วมเวิร์กช็อปของ Pietro Perugino ศิลปินที่โดดเด่น มันเป็นภาษาศิลปะและจินตภาพของภาพวาดของ Perugino ที่มีการดึงดูดต่อองค์ประกอบที่สมมาตรและสมดุล ความชัดเจนของการแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ และความนุ่มนวลของสีและแสง ซึ่งมีอิทธิพลหลักต่อสไตล์ของราฟาเอลรุ่นเยาว์

จำเป็นต้องกำหนดว่าสไตล์สร้างสรรค์ของราฟาเอลรวมถึงการสังเคราะห์เทคนิคและการค้นพบของปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในตอนแรกราฟาเอลอาศัยประสบการณ์ของ Perugino และต่อมาก็อาศัยการค้นพบของ Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo .

ผลงานในยุคแรก (“Madonna Conestabile” 1502-1503) เต็มไปด้วยความสง่างามและการแต่งบทเพลงที่นุ่มนวล เขาเชิดชูการดำรงอยู่ของโลกของมนุษย์ความกลมกลืนของพลังทางจิตวิญญาณและทางกายภาพในภาพวาดของห้องต่างๆในวาติกัน (ค.ศ. 1509-1517) บรรลุถึงความรู้สึกที่ไร้ที่ติของสัดส่วนจังหวะสัดส่วนความไพเราะของสีความสามัคคีของตัวเลขและคู่บารมี ภูมิหลังสถาปัตยกรรม..

ในฟลอเรนซ์เมื่อได้สัมผัสกับผลงานของ Michelangelo และ Leonardo ราฟาเอลได้เรียนรู้จากพวกเขาถึงการพรรณนาที่ถูกต้องทางกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ เมื่ออายุ 25 ปีศิลปินก็ไปอยู่ที่โรมและตั้งแต่นั้นมาช่วงเวลาแห่งการออกดอกสูงสุดของงานของเขาก็เริ่มต้นขึ้น: เขาแสดงภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ในวังวาติกัน (ค.ศ. 1509-1511) รวมถึงผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีปัญหาของอาจารย์ - ภาพปูนเปียก “ The School of Athens” เขียนองค์ประกอบแท่นบูชาและภาพวาดขาตั้งซึ่งโดดเด่นด้วยความกลมกลืนของแนวคิดและการประหารชีวิตทำงานเป็นสถาปนิก (บางครั้งราฟาเอลถึงกับกำกับการก่อสร้างอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์) ในการค้นหาอุดมคติของเขาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยซึ่งรวบรวมไว้เพื่อศิลปินในรูปของพระแม่มารีเขาสร้างผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของเขา - "Sistine Madonna" (1513) ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นแม่และการปฏิเสธตนเอง ภาพวาดและจิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลได้รับการยอมรับจากคนรุ่นเดียวกัน และในไม่ช้า สันติก็กลายเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของกรุงโรม ผู้สูงศักดิ์หลายคนในอิตาลีต้องการเกี่ยวข้องกับศิลปินรายนี้ รวมถึงพระคาร์ดินัลบิบบีนา เพื่อนสนิทของราฟาเอลด้วย ศิลปินเสียชีวิตเมื่ออายุสามสิบเจ็ดจากภาวะหัวใจล้มเหลว ภาพวาดที่ยังไม่เสร็จของ Villa Farnesina, Vatican Loggias และงานอื่น ๆ เสร็จสมบูรณ์โดยนักเรียนของ Raphael ตามภาพร่างและภาพวาดของเขา

หนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของศิลปะยุคเรอเนซองส์สูงซึ่งมีภาพวาดโดดเด่นด้วยความสมดุลและความกลมกลืนที่เน้นย้ำขององค์ประกอบทั้งหมดที่มีความสมดุล จังหวะที่วัดได้ และการใช้ความสามารถด้านสีที่ละเอียดอ่อน คำสั่งที่ไร้ที่ติของบรรทัดและความสามารถในการสรุปและเน้นสิ่งสำคัญทำให้ราฟาเอลเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านการวาดภาพที่โดดเด่นที่สุดตลอดกาล มรดกของราฟาเอลถือเป็นเสาหลักประการหนึ่งในการสร้างนักวิชาการชาวยุโรป ผู้นับถือลัทธิคลาสสิก ได้แก่ พี่น้อง Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov และศิลปินอื่นๆ อีกมากมาย ยกย่องมรดกของ Raphael ว่าเป็นปรากฏการณ์ที่สมบูรณ์แบบที่สุดในงานศิลปะโลก...

ทิเชียน เวเชลลิโอ(1476/1477 หรือ 1480-1576) - จิตรกรยุคเรอเนซองส์ชาวอิตาลี ชื่อของทิเชียนอยู่ในอันดับเดียวกับศิลปินยุคเรอเนซองส์เช่น Michelangelo, Leonardo da Vinci และ Raphael ทิเชียนวาดภาพเขียนเกี่ยวกับเรื่องในพระคัมภีร์ไบเบิลและเทพนิยาย นอกจากนี้ เขายังมีชื่อเสียงในฐานะจิตรกรภาพบุคคลอีกด้วย เขาได้รับคำสั่งจากกษัตริย์ พระสันตะปาปา พระคาร์ดินัล ดยุค และเจ้าชาย ทิเชียนอายุไม่ถึงสามสิบปีด้วยซ้ำเมื่อเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นจิตรกรที่เก่งที่สุดของเวนิส

ตามสถานที่เกิดของเขา (Pieve di Cadore ในจังหวัด Belluno) บางครั้งเขาเรียกว่า da Cadore; มีฉายาว่าทิเชียนเทพ...

ทิเชียนเกิดในครอบครัวของเกรกอริโอ เวเชลลิโอ รัฐบุรุษและผู้นำทางทหาร เมื่ออายุสิบขวบเขาถูกส่งไปเวนิสพร้อมกับน้องชายเพื่อศึกษากับศิลปินโมเสกชื่อดัง Sebastian Zuccato ไม่กี่ปีต่อมาเขาได้เข้าเวิร์คช็อปของ Giovanni Bellini ในฐานะเด็กฝึกงาน เขาศึกษากับ Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) และศิลปินอีกจำนวนหนึ่งซึ่งต่อมามีชื่อเสียง

ในปี ค.ศ. 1518 ทิเชียนวาดภาพ "การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระแม่มารีย์" ในปี ค.ศ. 1515 - ซาโลเมโดยมีศีรษะของยอห์นผู้ให้บัพติศมา ตั้งแต่ปี 1519 ถึง 1526 เขาได้วาดภาพแท่นบูชาจำนวนหนึ่ง รวมถึงแท่นบูชาของตระกูลเปซาโรด้วย

ทิเชียนมีอายุยืนยาว จนกระทั่งวันสุดท้ายของเขาเขาไม่หยุดทำงาน ทิเชียนวาดภาพสุดท้ายของเขา ความคร่ำครวญของพระคริสต์ สำหรับศิลาหลุมศพของเขาเอง ศิลปินเสียชีวิตด้วยโรคระบาดในเมืองเวนิสเมื่อวันที่ 27 สิงหาคม พ.ศ. 2119 โดยติดเชื้อจากลูกชายขณะดูแลเขา

จักรพรรดิชาร์ลส์ที่ 5 เรียกทิเชียนมาที่บ้านของเขาและล้อมรอบเขาด้วยเกียรติและความเคารพและพูดมากกว่าหนึ่งครั้ง: "ฉันสามารถสร้างดยุคได้ แต่ฉันจะหาทิเชียนคนที่สองได้ที่ไหน" วันหนึ่งเมื่อศิลปินทำพู่กันหล่น Charles V ก็หยิบมันขึ้นมาแล้วพูดว่า: "แม้แต่จักรพรรดิก็ยังเป็นเกียรติที่ได้รับใช้ทิเชียน" กษัตริย์ทั้งสเปนและฝรั่งเศสเชิญทิเชียนให้มาอาศัยอยู่ที่ราชสำนัก แต่เมื่อศิลปินทำตามคำสั่งของเขาแล้ว ก็จะกลับไปยังเวนิสบ้านเกิดของเขาเสมอ หลุมอุกกาบาตบนดาวพุธได้รับการตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่ทิเชียน .