ในรูปแบบของผลงานดนตรีที่พัฒนาและสมบูรณ์เรียกว่า "บทประพันธ์" ซึ่งตรงกันข้ามกับความแปรปรวนของกระบวนการศิลปะพื้นบ้านตั้งแต่การแสดงด้นสด (ในสมัยโบราณ ตะวันออก ดนตรีพื้นบ้าน ดนตรีแจ๊ส ดนตรีบางประเภทแห่งศตวรรษที่ 20) .

องค์ประกอบสันนิษฐาน: การปรากฏตัวของผู้แต่งในฐานะบุคคล (นักแต่งเพลง); กิจกรรมสร้างสรรค์ที่มีจุดมุ่งหมายของเขา งานที่มีอยู่ซึ่งแยกออกจากผู้สร้างและเป็นอิสระจากเขา ศูนย์รวมของเนื้อหาในโครงสร้างเสียงที่ถูกสร้างอย่างแม่นยำ เครื่องมือทางเทคนิคที่ซับซ้อนจัดระบบโดยทฤษฎีดนตรีและนำเสนอในสาขาความรู้พิเศษ (ในหลักสูตรการเรียบเรียง) การเขียนเรียงความต้องใช้โน้ตดนตรีที่สมบูรณ์แบบ การรวมหมวดหมู่ของการเรียบเรียงและสถานะของนักแต่งเพลงมีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของแนวคิดเรื่องบุคลิกภาพของมนุษย์ที่เป็นอิสระ - ผู้สร้างผู้สร้าง (ระบุชื่อของนักแต่งเพลงกลายเป็นบรรทัดฐานตั้งแต่ศตวรรษที่ 14; จุดสุดยอดของหลักการส่วนบุคคลและเผด็จการในการเรียบเรียง - ในศตวรรษที่ 19)

องค์ประกอบทั้งทางดนตรีและศิลปะมีเสถียรภาพ มันเอาชนะความลื่นไหลอย่างต่อเนื่องของเวลา และสร้างเอกลักษณ์เฉพาะที่สามารถทำซ้ำได้เท่าเทียมกันขององค์ประกอบหลักของดนตรี - ระดับเสียง จังหวะ การจัดเรียงของวัสดุ ฯลฯ ด้วยความเสถียรของการแต่งเพลง คุณจึงสามารถสร้างเสียงดนตรีที่ ช่วงเวลาขนาดใหญ่ตามอำเภอใจใด ๆ หลังจากการสร้างมันขึ้นมา ในเวลาเดียวกัน องค์ประกอบได้รับการออกแบบมาเสมอสำหรับสภาวะการทำงานบางอย่าง เมื่อเปรียบเทียบกับรูปแบบคติชนประยุกต์ (เพลง การเต้นรำ) และการกระทำ (พิธีกรรม ศาสนา ทุกวัน) ซึ่งรวมอยู่ในกระบวนการชีวิตโดยตรง การเรียบเรียงถือเป็นงานศิลปะมากกว่า

ตั้งแต่สมัยโบราณ แนวคิดเกี่ยวกับดนตรีที่รวมเป็นหนึ่งเดียวนั้นมีความเกี่ยวข้องกับพื้นฐานที่เป็นข้อความ (หรือการเต้นรำแบบเมตริก) แนวคิดการเรียบเรียงภาษาละตินมีมาก่อนในอดีตด้วยแนวคิดเรื่องโรคเมโลเปียในสมัยโบราณ กริยา ประกอบและอนุพันธ์ของมัน (รวมถึง ผู้แต่ง) พบได้ในบทความยุคกลางหลายฉบับ เริ่มตั้งแต่ฮุคบัลด์แห่งแซ็ง-อามงต์และโรงเรียนของเขา (ศตวรรษที่ IX-X) ในศตวรรษที่ 11 Guido Aretinsky ใน "Micrologue" (c.) ของเขาเข้าใจว่าการแต่งเพลง (componenda) ส่วนใหญ่เป็นองค์ประกอบที่มีทักษะของการร้องเพลงประสานเสียง John de Groqueio (“On Music”, ca.) ถือว่าแนวคิดนี้มาจากดนตรีโพลีโฟนิก (“musica composita” ซึ่งก็คือดนตรีประกอบที่ซับซ้อน) และใช้คำว่า “compositor” ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา John Tinctoris (“ คำจำกัดความของคำศัพท์ทางดนตรี”) แยกแยะช่วงเวลาที่สร้างสรรค์ในระยะสุดท้าย (ผู้แต่ง -“ ผู้ที่เขียนบทเพลงใหม่”); ใน "หนังสือเกี่ยวกับศิลปะแห่งความแตกต่าง" () เขาแยกแยะจุดแตกต่างที่มีเครื่องหมายไว้อย่างชัดเจน - "res facta" (เทียบเท่ากับ "cantus compositus" ใน "ปัจจัยกำหนด") และกลอนสด ("super librum cantare" ตัวอักษรร้องเพลงทับหนังสือ)

กำลังเรียน วิธีการจัดองค์ประกอบใหม่ในดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 ในช่วง 15 ปีที่ผ่านมามันได้กลายเป็นวินัยทางวิทยาศาสตร์และการศึกษาอิสระ - ทฤษฎีองค์ประกอบสมัยใหม่ซึ่งรวมถึงการศึกษาวิธีการประพันธ์และปรากฏการณ์ทางดนตรีแบบใหม่เช่น

การประพันธ์ดนตรี (Latin compositio - การเรียบเรียง, การเรียบเรียง) เป็นหมวดหมู่ของดนตรีวิทยาและสุนทรียภาพทางดนตรีที่กำหนดลักษณะวัตถุประสงค์ของดนตรีในรูปแบบของงานดนตรีที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งตรงกันข้ามกับความแปรปรวนของศิลปะพื้นบ้านและธรรมชาติของการแสดงด้นสดบางประเภท ดนตรี.

ปัจจุบันคำว่า "องค์ประกอบ" มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในกิจกรรมของมนุษย์ในด้านต่างๆ: ในศิลปกรรม (ประติมากรรมและกราฟิก) และวรรณกรรม (การจัดเรียงส่วนประกอบของงานที่มีแรงจูงใจ) การก่อสร้าง (วัสดุคอมโพสิต) ฯลฯ ในงานศิลปะ คำนี้มักถูกระบุทั้งกับโครงเรื่องและระบบของภาพ และกับโครงสร้างของงานศิลปะ เพื่อจุดประสงค์นี้มีการใช้คำศัพท์ที่อธิบาย - สถาปัตยกรรมการก่อสร้างการก่อสร้าง สุดท้ายนี้ คำนี้หมายถึงผลงานที่มีงานศิลปะประเภทต่างๆ (การประพันธ์วรรณกรรมและดนตรี) หรือประกอบด้วยชิ้นส่วนของผลงานประเภทต่างๆ

การประพันธ์ดนตรีถือว่า:

• ผู้แต่งและผู้แต่งและกิจกรรมสร้างสรรค์ที่มีจุดมุ่งหมาย
• งานที่สามารถแยกออกจากผู้สร้างและมีอยู่อย่างเป็นอิสระจากเขา
• การรวมตัวของเนื้อหาในโครงสร้างเสียงที่เป็นรูปธรรม
• เครื่องมือที่ซับซ้อนของวิธีการทางเทคนิคที่จัดระบบโดยทฤษฎีดนตรี

ศิลปะแต่ละประเภทมีลักษณะเฉพาะด้วยเทคนิคทางเทคนิคบางชุดซึ่งความเชี่ยวชาญนั้นจำเป็นสำหรับงานสร้างสรรค์ ดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะที่ต้องใช้แรงงานมากที่สุดรูปแบบหนึ่ง ดังนั้นผู้สร้างดนตรี - ผู้แต่ง - จึงมีความต้องการอุปกรณ์ทางเทคนิคเป็นพิเศษ “ หากปราศจากความเชี่ยวชาญด้านศิลปะ” D. Kabalevsky กล่าว “ คุณจะไม่สามารถก้าวไปอีกขั้นได้” นอกจากนี้เขาเชื่อว่าในงานของนักแต่งเพลงความคิดสร้างสรรค์นั้นใช้ไม่เกินสิบเปอร์เซ็นต์และที่เหลือคือเทคนิค - ความรู้และความสามารถในการประยุกต์เทคนิคทางเทคนิค

เพื่อระบุลักษณะวิธีการแต่งเพลงของนักแต่งเพลงโดยเฉพาะจะใช้คำว่า "วิธีการสร้างสรรค์" นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นทุกคนที่แต่งเพลงออเคสตรามีหูเสียงภายในที่พัฒนาขึ้นเช่น แนวคิดภายในเกี่ยวกับเสียงจริง “ความคิดทางดนตรีไม่ปรากฏแก่ฉันยกเว้นในรูปแบบภายนอกที่สอดคล้องกัน ... ฉันคิดค้นแนวคิดทางดนตรีมากที่สุดพร้อมกับเครื่องดนตรี” P.I. เขียนเกี่ยวกับวิธีการสร้างสรรค์ของเขา ไชคอฟสกี้. แนวคิดภายในเกี่ยวกับเสียงที่แท้จริงทำให้ W. A. ​​​​Mozart สามารถขัดเกลาโน้ตเพลงของงานออเคสตราได้มากจนเหลือเพียงการเขียนข้อความดนตรี

การเรียบเรียงจึงเป็นการศึกษาปฏิสัมพันธ์ของการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบในรูปแบบดนตรี (โครงสร้างการเรียบเรียง) เช่นเดียวกับพื้นผิวซึ่งทำหน้าที่เป็นหลักการจัดระเบียบของพื้นที่ทางศิลปะ โครงร่างรูปแบบกลายเป็นลักษณะของดนตรีทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับกฎของการพัฒนาชั่วคราวของงาน

แน่นอนว่าวิธีการสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงนั้นเกิดขึ้นจากการทำงานหนักของเขาเอง ผู้แต่งสามารถสร้างและปรับปรุงองค์ประกอบของเขาโดยใช้แนวคิดภายในเกี่ยวกับเสียงจริง โดยใช้สมุดงาน (สมุดสเก็ตช์ภาพ) เช่นเดียวกับเปียโนหรือคอมพิวเตอร์
จุดเริ่มต้นของการเขียนเรียงความควรถือเป็นการจัดทำแผนทั่วไปซึ่งสามารถแยกแยะได้สามขั้นตอน:

• กำหนดแนวดนตรีและทำความเข้าใจจินตภาพ (โครงเรื่อง)
• เหตุผลของรูปแบบคลาสสิก
• การเลือกวิธีการสร้างสรรค์: การแต่งเพลง (โดยใช้การเตรียมการเบื้องต้นหรือค่อย ๆ "สร้าง") ทำนองที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งสอดคล้องกับภาพของความกลมกลืนพื้นผิวและเสียงเพิ่มเติมที่พัฒนาแบบโพลีโฟนิก

สำหรับงานดนตรี การเข้าถึงการรับรู้เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง B. Asafiev เรียกความสามารถของนักแต่งเพลงในการคำนึงถึงรูปแบบของการรับรู้ทางเสียงว่า "จุดเน้นของแบบฟอร์มไปที่ผู้ฟัง" ประกอบด้วยการดึงความสนใจของผู้ฟังไปยังช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดของงาน การพักผ่อนที่หูอย่างทันท่วงทีหลังจากเกิดความเครียดอย่างมาก เพิ่มความคาดหวังบางอย่าง ให้เหตุผลหรือทำลายความเฉื่อยของการรับรู้ทางการได้ยิน กำกับการรับรู้ไปตามเส้นทางที่จำเป็น ฯลฯ

เราเจอคำว่า "องค์ประกอบ" เกือบทุกวัน โดยมากเกี่ยวข้องกับศิลปะแขนงต่างๆ เช่น ดนตรี จิตรกรรม วรรณกรรม ฯลฯ และตอนนี้เราจะเรียนรู้ในรายละเอียดว่าองค์ประกอบใดบ้างในรูปแบบต่างๆ แง่มุมใดที่นิยามองค์ประกอบดังกล่าว และวิธีการสร้างองค์ประกอบดังกล่าว

วรรณกรรม

ความงามสาขานี้ ได้กำหนดองค์ประกอบไว้ดังนี้ นี่คือการสร้าง การจำหน่าย และความสัมพันธ์ระหว่างส่วนต่างๆ ตอนต่างๆ ตัวละคร การกระทำ และวิธีอื่นๆ ในการแสดงออกทางศิลปะภายในกรอบของงานชิ้นเดียว เมื่อเราพูดถึงองค์ประกอบในวรรณคดี สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าองค์ประกอบทั้งหมดเชื่อมโยงกันเป็นหนึ่งเดียว งานวรรณกรรมอาจประกอบด้วยทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ภาพบุคคล บทสนทนาและบทพูด การพูดนอกเรื่องที่เป็นโคลงสั้น ๆ คำอุปมาอุปไมยและอติพจน์ การพูดเกินจริงและการกล่าวเกินจริง และอื่นๆ ทั้งหมดนี้รวมกันเป็นเรื่องราว นวนิยาย บทกวี หรือเพียงบทกวีเล็กๆ

ดนตรี

เมื่อพูดถึงองค์ประกอบในดนตรี คุณสามารถทำงานอะไรก็ได้เป็นตัวอย่างและไม่สำคัญว่าจะเป็นงานเขียนสำหรับชั้นประถมศึกษาปีที่ 3 หรือซิมโฟนีทั้งหมดที่ประกอบด้วยหลายส่วน ในกรณีนี้ องค์ประกอบคือการเปรียบเทียบวัตถุประสงค์ การกระจาย และการแสดงออกด้วยน้ำเสียงที่แน่นอน ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างศิลปะประเภทนี้กับนิทานพื้นบ้านคือการขาดการแสดงด้นสด การเรียบเรียงดนตรี (มักเรียกว่า "บทประพันธ์") เขียนโดยใช้ไม้เท้า ยิ่งไปกว่านั้น โน้ตไม่ได้ระบุเพียงเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเฉดสี จังหวะ ไดนามิก จังหวะ และจังหวะด้วย

ประวัติศาสตร์และความทันสมัย

ดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้น การเรียบเรียงดนตรีมีลักษณะเฉพาะคือความมั่นคงและไม่เปลี่ยนรูปเนื่องจากมีสัญกรณ์ที่แม่นยำอย่างยิ่ง องค์ประกอบที่สำคัญประการที่สองของบทประพันธ์คือผู้เขียน นักแต่งเพลงจะต้องรู้จักไม่เพียง แต่เครื่องดนตรีของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโซลเฟกจิโอรวมถึงหลักการทางดนตรีที่เกี่ยวข้องกับสไตล์ที่เขาสร้างขึ้นด้วย ในสมัยก่อน คำว่า “การเรียบเรียง” ใช้เพื่อหมายถึงเฉพาะผลงานที่คงอยู่ในจังหวะ จังหวะ และโทนเสียงเดียวเท่านั้น มีอายุสั้นแต่สวยงามและไพเราะมาก การประพันธ์ดนตรีชุดแรกที่บันทึกไว้ในทีมงานปรากฏในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในเวลานั้น มาตรฐานการเขียนเพลงเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับทุกคน: การรักษาโหมด จังหวะ และขนาด ด้วยการมาถึงของยุคโรแมนติก การปรับจึงเข้ามาสู่แฟชั่น - การเปลี่ยนจากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง นักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 19 และ 20 เริ่มเปลี่ยนไม่เพียงแต่รูปแบบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงขนาดและจังหวะในระหว่างการทำงานด้วย ดังนั้นการประพันธ์ดนตรีจึงเข้มข้นและมีชีวิตชีวามากขึ้น ปัจจุบันไม่มีกรอบการทำงานที่ชัดเจนสำหรับผู้แต่งเพลง สิ่งสำคัญคือผลงานที่ได้ควรจะน่าฟัง

จิตรกรรม

วิจิตรศิลป์ช่วยให้เราเข้าใจได้อย่างแม่นยำที่สุดว่าองค์ประกอบคืออะไร ในภาพวาด ศิลปินมักจะถ่ายทอดความคิด อารมณ์ และบรรยากาศที่เฉพาะเจาะจงแก่ผู้ชมเสมอ ทุกคนรู้จักประเภทของการจัดองค์ประกอบภาพ ได้แก่ ทิวทัศน์ ภาพบุคคล และหุ่นนิ่ง ในบรรดาผลงานของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 และผู้ร่วมสมัยของเรา มีภาพวาดแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ เซอร์เรียลลิสต์ และอื่นๆ การวาดภาพไม่ว่าจะเป็นอะไรก็ตาม มักจะถ่ายทอดอารมณ์ให้กับเราผ่านสี แสงและเงา รูปร่าง (เชิงมุมหรือโค้งมน) ตลอดจนผ่านตัวละครหลักหรือบุคคล ตัวอย่างเช่น องค์ประกอบกราฟิกของรูปทรงเรขาคณิตคือชุดของกรวย ปิรามิด ลูกบอล และลูกบาศก์ต่างๆ ที่มีแสงและเงาและจะถูกวาดในปริมาณเสมอ การวาดภาพโดยใช้รูปทรงเรขาคณิตนี้อาจซับซ้อนกว่า เช่น บ้าน รถไฟ โบสถ์ กล่าวอีกนัยหนึ่งคือทุกสิ่งที่เข้าสู่มุมมอง ในการวาดภาพตัวแทนที่โดดเด่นซึ่งวาดภาพองค์ประกอบที่ไม่ได้มาตรฐานคือศิลปิน Salvador Dali, Pablo Picasso, Edvard Munch และคนอื่น ๆ

ของที่ระลึกเป็นส่วนหนึ่งของงานศิลปะ

การแต่งเพลงปีใหม่มีเอกลักษณ์และไม่เหมือนใคร เหล่านี้คือช่อดอกไม้ การจัดเตรียม พวงหรีด ต้นคริสต์มาสขนาดเล็ก และอื่นๆ อีกมากมาย การสร้างสรรค์ดังกล่าวดูพูดตรงไปตรงมาและยอดเยี่ยม ประกอบด้วยกิ่งก้านต้นสน โคน ริบบิ้น พวงโรวัน บ่อยครั้งที่มีการติดเชิงเทียนและเทียนก็ถูกวางไว้ในนั้น นอกจากนี้องค์ประกอบปีใหม่อาจประกอบด้วยของขวัญปลอม (โฟมห่อด้วยกระดาษของขวัญ) ระฆัง ลูกบอล คันธนู ฯลฯ การสร้างสรรค์ดังกล่าวสามารถหาซื้อได้ในร้านค้าหรือทำด้วยมือของคุณเอง สิ่งสำคัญคือต้องคำนึงถึงกฎหลักในการจัดองค์ประกอบ - องค์ประกอบทั้งหมดจะต้องรวมเข้าด้วยกัน สิ่งนี้ใช้กับรูปร่าง สี และขนาด

จัดทำเรียงความปีใหม่ด้วยมือของคุณเอง

งานฝีมือปีใหม่ที่ง่ายที่สุดคือเชิงเทียนพวงหรีด มันมีรูปทรงกลมและประกอบด้วยคุณสมบัติหลักของวันหยุดนี้ - กิ่งสน, กรวย, ฯลฯ ดังนั้นเราจึงต้องมีส่วนประกอบดังต่อไปนี้: ฐาน - วงกลมที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางที่ต้องการซึ่งทำจากกระดาษแข็งหรือพลาสติกหนา กิ่งสนบาง ๆ กรวย; ผลเบอร์รี่โรวันจำนวนมาก (ไม่จำเป็น) ลูกบอลขนาดเล็กสีแดง (หรือของขวัญขนาดเล็กพร้อมธนู) เราเน้นที่สีแดงเพราะมีโรวันอยู่ในองค์ประกอบ วางเทียนไว้ตรงกลางฐานและยึดให้แน่น จากนั้นเราก็ติดองค์ประกอบทั้งหมดตามลำดับที่ไม่เป็นระเบียบ สิ่งสำคัญคือมันดูสวยงาม เอาล่ะ! ช่อดอกไม้ปีใหม่ของเราพร้อมแล้ว!

รับแรงบันดาลใจและสร้างสิ่งที่สวยงาม

คุณสามารถสร้างองค์ประกอบดังกล่าวด้วยมือของคุณเองสำหรับวันหยุดหรือเพื่อให้เหมาะกับอารมณ์ของคุณ ตัวอย่างเช่น ในวันฮาโลวีน สิ่งที่คล้ายกับปีใหม่จะทำจากฟักทองขนาดเล็ก รูปผี หมวกแม่มด และใยแมงมุม เฉพาะเทศกาลฤดูใบไม้ร่วงเท่านั้น คุณสามารถสร้างองค์ประกอบภาพที่น่าทึ่งจากใบไม้ในฤดูใบไม้ร่วง และใช้ไม่เพียงแต่พวงหรีดทรงกลมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระดาษ A4 ธรรมดาๆ อีกด้วย ทำให้เกิดการใช้งานที่น่าสนใจ องค์ประกอบในช่วงฤดูร้อนอาจประกอบด้วยผลไม้ ผลเบอร์รี่ ใบไม้ ริบบิ้นสีแดงและสีเขียว ลวดลายในธีมทะเลถูกสร้างขึ้นได้อย่างง่ายดายด้วยสีเทอร์ควอยซ์ เปลือกหอย และอวนจับปลา

บทเพลงเป็นผลมาจากการสร้างสรรค์โดยนักแต่งเพลง

แนวคิดเรื่องการจัดองค์ประกอบในฐานะศิลปะโดยรวมไม่ได้พัฒนาขึ้นในทันที การก่อตัวของมันเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับบทบาทที่ลดลงของด้นสดในศิลปะดนตรีและการปรับปรุงโน้ตดนตรีซึ่งในขั้นตอนหนึ่งของการพัฒนาทำให้สามารถบันทึกในการเขียนคุณสมบัติที่สำคัญของผลงานดนตรีได้อย่างแม่นยำ เป็นผลให้การเรียบเรียงได้รับความหมายสมัยใหม่เฉพาะในศตวรรษที่ 13 เมื่อโน้ตดนตรีพัฒนาวิธีการบันทึกไม่เพียง แต่ความสูงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงระยะเวลาของเสียงด้วย องค์ประกอบใด ๆ สะท้อนให้เห็นถึงลักษณะทั่วไปและลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรีในยุคนั้น

ประวัติศาสตร์ดนตรีส่วนใหญ่เป็นประวัติศาสตร์ของการประพันธ์ดนตรีในผลงานที่โดดเด่นของนักดนตรีหลักๆ การจัดองค์ประกอบไม่เคยมีความสมบูรณ์อย่างสมบูรณ์ ไม่ว่าจะอยู่ภายในขอบเขตของงานศิลปะชิ้นเดียว หรือในระดับของการเคลื่อนไหวทางศิลปะ การเคลื่อนไหว หรือสไตล์ องค์ประกอบไม่ใช่สถานะ แต่เป็นกระบวนการ ตามคำจำกัดความของ S. Daniel องค์ประกอบถูกคิด นำไปใช้ และรับรู้ว่าเป็น "กระบวนการที่ตระหนักถึงการพัฒนาความคิด จุดเริ่มต้นในการเรียบเรียงเหมือนลำต้นของต้นไม้ ซึ่งเชื่อมโยงรากและมงกุฎของต้นไม้ กิ่งก้าน ยอดของต้นไม้เข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติ แบบฟอร์มรูปภาพ”

งานศิลปะแต่ละชิ้นเป็นภาพสะท้อนของช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์มากกว่าหนึ่งช่วงเวลา แต่เป็นการผสมผสานระหว่างความเป็นสากลและกระแส ประเพณีดั้งเดิมกับนวัตกรรม สิ่งที่รู้จักและไม่รู้ ความสุขของสิ่งที่จดจำได้ง่าย และความประหลาดใจของสิ่งที่ไม่ธรรมดา ใหม่.

ดนตรี

ความเชี่ยวชาญที่แท้จริงคือความสามารถในการเชี่ยวชาญวิธีแสดงออกของศิลปะบนเวที ขึ้นอยู่กับระดับของวัฒนธรรมดนตรีพร้อมกับปัจจัยอื่นๆ ท้ายที่สุดแล้ว ดนตรีถือเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของการแสดงละครในเกือบทุกแนวเพลง ดนตรีเป็นวิธีศิลปะที่แสดงออก

ไม่มีหนังสือเล่มใดสามารถแทนที่ดนตรีได้ ทำได้เพียงดึงความสนใจ ช่วยให้เข้าใจลักษณะของรูปแบบดนตรี และแนะนำความตั้งใจของผู้แต่ง แต่หากไม่มีการฟังเพลง ความรู้ทั้งหมดที่ได้รับจากหนังสือจะยังคงตายและเป็นวิชาการ ยิ่งคนฟังเพลงสม่ำเสมอและตั้งใจมากเท่าไร เขาก็ยิ่งเริ่มได้ยินเพลงมากขึ้นเท่านั้น แต่การฟังและการได้ยินไม่ใช่สิ่งเดียวกัน มันเกิดขึ้นที่ท่อนเพลงในตอนแรกดูซับซ้อนและไม่สามารถเข้าถึงได้ คุณไม่ควรรีบด่วนสรุป การฟังซ้ำๆ จะเผยให้เห็นเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างอย่างแน่นอน และกลายเป็นแหล่งแห่งสุนทรีย์แห่งความสุข

แต่เพื่อที่จะได้สัมผัสประสบการณ์ดนตรีอย่างมีอารมณ์ คุณต้องรับรู้โครงสร้างเสียงด้วยตัวมันเอง หากบุคคลมีปฏิกิริยาทางอารมณ์ต่อดนตรี แต่ในขณะเดียวกันก็สามารถแยกแยะแยกแยะ "ได้ยิน" ได้น้อยมากเนื้อหาที่แสดงออกเพียงส่วนเล็ก ๆ เท่านั้นที่จะเข้าถึงเขา

ตามวิธีการใช้ดนตรีในการแสดง ดนตรีแบ่งออกเป็นสองประเภทหลัก: โครงเรื่องและแบบทั่วไป

เพลงประกอบละครมีฟังก์ชั่นที่หลากหลาย ในบางกรณี จะให้เฉพาะลักษณะทางอารมณ์หรือความหมายของฉากที่แยกจากกันเท่านั้น โดยไม่รุกรานการแสดงละครโดยตรง ในกรณีอื่นๆ เพลงประกอบเรื่องอาจกลายเป็นปัจจัยสำคัญในการแสดงละคร

เพลงประกอบเรื่องสามารถ:

· กำหนดลักษณะของตัวละคร

· ระบุสถานที่และเวลาดำเนินการ

·สร้างบรรยากาศและอารมณ์ของการแสดงบนเวที

· พูดคุยเกี่ยวกับการกระทำที่ผู้ชมมองไม่เห็น

โดยปกติแล้ว ฟังก์ชั่นที่ระบุไว้จะไม่ทำให้เทคนิคต่างๆ มากมายในการใช้พล็อตเพลงในการแสดงละครหมดไป

การนำดนตรีธรรมดามาใช้ในการแสดงนั้นยากกว่าเพลงพล็อตมาก แบบแผนอาจขัดแย้งกับความเป็นจริงของชีวิตที่แสดงบนเวที ดังนั้น ดนตรีทั่วไปจึงต้องอาศัยเหตุผลภายในที่น่าเชื่อถือเสมอ ในขณะเดียวกัน ความเป็นไปได้ในการแสดงออกของดนตรีดังกล่าวก็กว้างมาก สามารถใช้ดนตรีออเคสตราที่หลากหลาย รวมถึงวิธีการร้องและการร้องประสานเสียงได้

เพลงที่มีเงื่อนไขสามารถ:

· เสริมสร้างอารมณ์บทสนทนาและบทพูดคนเดียว

· กำหนดลักษณะของตัวละคร

· เน้นโครงสร้างที่สร้างสรรค์และองค์ประกอบของการแสดง

· ทำให้ความขัดแย้งรุนแรงขึ้น

หน้าที่ทั่วไปอย่างหนึ่งของดนตรีในการแสดงคือการแสดงภาพประกอบ จากภาพประกอบเราเข้าใจความเชื่อมโยงโดยตรงของดนตรีกับการแสดงบนเวที: ตัวละครได้รับข่าวดี - เขาฮัมเพลงร่าเริงหรือเต้นรำตามเสียงวิทยุ เพลงหลังเวทีแสดงภาพพายุ พายุ; เพลงประกอบละครแสดงสถานการณ์ละครบนเวที ฯลฯ ตัวอย่างการใช้ดนตรีดังกล่าวพบได้ในเกือบทุกการแสดง เนื่องจากอารมณ์ที่เด่นชัด ดนตรีจึงมีอิทธิพลอย่างแข็งขันต่อบรรยากาศทางอารมณ์ของการแสดงเมื่อมีการแสดงละครใดๆ

ดนตรีกลายเป็นหลักการทางอารมณ์ที่กระตือรือร้นมากขึ้นเรื่อยๆ โดยเชื่อมโยงกับฉากแอ็กชั่น บรรยากาศของการแสดง และได้รับการออกแบบมาเพื่อเปิดเผยและเสริมแก่นแท้ของละคร ดังนั้นความสามารถของนักแสดงและผู้กำกับในการรู้สึกถึงโครงสร้างทางอารมณ์และจังหวะของงานดนตรี ความสามารถและความสามารถในการสร้างฉาก การแสดงและการเคลื่อนไหวและเข้ากับดนตรีจึงมีความสำคัญมาก

ทำนองเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี เมื่อนักร้องร้องเพลงคนเดียว เราจะได้ยินทำนอง - “ความคิดทางดนตรีแบบโมโนโฟนิกที่แสดงออก” ทำนองนี้สามารถเป็นงานศิลปะอิสระได้ เพลงสำหรับการแสดงได้รับการคัดเลือกตามอัตภาพเป็นหลักเนื่องจากผู้เขียนบทละครถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าในทิศทางการแสดงบนเวทีของเขา

การเลือกเนื้อหาดนตรีเป็นกระบวนการที่ซับซ้อน การใช้ชิ้นส่วนของผลงานดนตรีของผู้แต่งคนเดียวหรือหลายคนผู้กำกับ "สร้าง" งานองค์รวมใหม่เชิงคุณภาพที่สอดคล้องกับตัวละครและโครงสร้างทั้งหมดของการแสดงบนเวที หากท่วงทำนองเหล่านี้เป็นแนวเพลงและสไตล์เดียวกัน การนำเสนอก็จะมีความเป็นองค์รวมและสมบูรณ์มากขึ้น ดังนั้นจึงแนะนำให้เลือกเพลงจากผลงานของนักแต่งเพลงหนึ่งคนขึ้นไปที่มีบุคลิกสร้างสรรค์คล้ายกัน

โปรดจำไว้ว่าดนตรีเป็นวิธีหนึ่งในการแสดง เราควรจำไว้ว่าศิลปะเข้าใจชีวิตในตรรกะของความประหลาดใจตามธรรมชาติ ดังนั้น ผู้กำกับจะต้องเป็นพวกค้านในการจัดระเบียบแสง เสียง “จังหวะของการแสดง องค์ประกอบทั้งหมดของมัน” เพียงเท่านี้บทละครก็จะมีเสียงเหมือนซิมโฟนีจะแวววาวด้วย “สีมุก”

เมื่อมองแวบแรก การสร้างเพลงอาจดูเหมือนเป็นงานที่ยากอย่างไม่น่าเชื่อ และคำถามแรกที่เกิดขึ้นสำหรับผู้ที่ต้องการสร้างทำนองของตัวเองคือ “จะเริ่มตรงไหน?” แต่ข้อดีของการเรียบเรียงดนตรีคือไม่มีกฎเกณฑ์ที่ชัดเจน ไม่มีข้อจำกัดที่บอกคุณว่าจะเริ่มต้นอย่างไรและจะจบงานอย่างไร แต่แน่นอนว่า มีหลายวิธีที่จะช่วยให้คุณเริ่มต้นกระบวนการสร้างสรรค์ได้อย่างรวดเร็ว

แม้ว่าการจัดองค์ประกอบภาพจะมีหลายวิธี แต่คุณควรคำนึงถึงสามสิ่งต่อไปนี้:

• ความสามัคคี
• เมโลดี้

เหล่านี้เป็นดนตรีพื้นฐานสามประการ คุณสามารถเรียงลำดับตามที่คุณต้องการ ผสมบางส่วนเข้าด้วยกัน หรือไม่สนใจบางส่วนทั้งหมดเลยก็ได้ นักแต่งเพลงหลายคนทดลองโดยไม่คำนึงถึงความกลมกลืน และ/หรือ ทำนอง หรือจังหวะ

คุณสามารถเพิ่มอีกหนึ่งองค์ประกอบ - การแกว่ง แม้ว่าวงสวิงมักจะถูกจัดว่าเป็นดนตรีแจ๊สและดนตรีด้นสด แต่คุณไม่ควรละทิ้งมันหากคุณสร้างดนตรีในสไตล์ที่แตกต่างออกไป

โปรดจำไว้ว่าคุณต้องมีทักษะบางอย่างในการสร้างเพลง:

1.สามารถอ่านเพลงได้

นี่เป็นจุดแรกและสำคัญที่สุด แม้ว่าคุณจะใช้โปรแกรมบางโปรแกรมที่เขียนโน้ตเพลงให้กับคุณ คุณก็ควรจะสามารถอ่านแบบมองเห็นได้ และแน่นอนว่าคุณต้องรู้จักความรู้ด้านดนตรีด้วย นี่เป็นสิ่งพื้นฐานที่สุดที่นักดนตรีควรทำได้ คุณควรรู้ว่าเครื่องหมายหยุดชั่วคราวมีลักษณะอย่างไร สัญลักษณ์ใดบ่งบอกถึงเอฟเฟกต์ต่างๆ (สแตคคาโต เทรโมโล เปียโน ฟอร์เต้ ฯลฯ)

2. คุณต้องรู้จักแนวดนตรีที่แตกต่างกัน

คุณอาจคิดว่ามันไม่มีประโยชน์ที่จะศึกษาดนตรีสไตล์อื่นนอกเหนือจากแนวที่คุณชอบ และนั่นเป็นความผิดพลาดครั้งใหญ่ คุณไม่ควรคิดว่ามันไม่เหมาะสมสำหรับนักดนตรีแนวเมทัลเฮดที่จะฟังเพลงคลาสสิก - ร็อคสตาร์หลายคนพูดซ้ำแล้วซ้ำเล่าว่าพวกเขารักดนตรีคลาสสิกและฟังมัน ผู้ชื่นชอบดนตรีแจ๊สไม่ควรละเลยสไตล์ดนตรีที่เรียบง่าย และผู้ฟังคลาสสิกที่มีความซับซ้อนไม่ควรเมินจมูกเมื่อแร็พและฮิปฮอป และไม่ใช่เพราะว่าดนตรีทั้งหมดมีค่าควรแก่ความสนใจถึงแม้ว่ามันจะเป็นเช่นนั้นก็ตาม ด้วยการฟังสไตล์ที่แตกต่างกัน คุณจะขยายขอบเขตอันไกลโพ้นและเรียนรู้เทคนิคใหม่ๆ ในดนตรี นอกจากนี้ พยายามไม่เพียงแต่ฟังเพลงเพื่อความบันเทิงเท่านั้น แต่ยังพยายาม "แยกส่วน" ในใจของคุณออกเป็นเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นอย่างแท้จริง วิเคราะห์สิ่งที่คุณได้ยิน พยายามทำความเข้าใจวิธีการสร้างเสียงโดยเฉพาะ

3. รู้ว่าเครื่องดนตรีมีเสียงอะไร

พยายามทำความเข้าใจว่าเครื่องดนตรีแต่ละชนิดมีเสียงเป็นอย่างไร (อย่างน้อยก็เสียงที่ใช้บ่อยที่สุด) คุณควรรู้ว่าเอฟเฟกต์บางอย่าง “แกดเจ็ต” และอื่นๆ มีเสียงอย่างไร แน่นอน คุณสามารถพูดได้ว่าคุณจะไม่สร้างดนตรีที่ซับซ้อน แต่ถึงกระนั้น การรู้จักเสียงเครื่องดนตรีจะช่วยให้คุณพัฒนาหูและเปิดโลกทัศน์ให้กว้างขึ้น บางทีในอนาคตคุณอาจต้องการเพิ่มเครื่องมืออื่นเข้าไปในเครื่องมือตัวใดตัวหนึ่งของคุณ

การตระเตรียม

ฟังเพลงโปรดทั้งหมดของคุณแล้วลองดูว่ามีรูปแบบหรืออะไรที่เหมือนกันหรือไม่ มีข้อความที่ตัดกันหรือไม่? มีกี่คน? นานแค่ไหน? มีเทคนิคอะไรซ้ำๆ บ้างไหม? จังหวะของทำนองซ้ำหรือไม่? องค์ประกอบเหล่านี้สร้างอารมณ์อะไร? พวกเขาทำมันได้อย่างไร? พวกเขาทำตามโทนเดียวกันหรือไม่?

วิเคราะห์และจดบันทึกซึ่งจะเป็นแหล่งไอเดียสำหรับคุณในภายหลัง

ขั้นตอนที่ 1: สไตล์

ตัดสินใจว่าคุณต้องการสร้างเพลงในรูปแบบใด ฟังการเรียบเรียงสไตล์นี้และวิเคราะห์เทคนิคที่ใช้ ความถี่ที่การเรียบเรียงทั้งหมดเป็นไปตามมิเตอร์เดียวกัน (เช่น 4/4) พิจารณาว่าคุณจะทำสิ่งที่คล้ายกันหรือทดลอง

ขั้นตอนที่ 2: รูปร่าง

ตัดสินใจเลือกรูปร่างขององค์ประกอบของคุณ การเรียบเรียงดนตรีส่วนใหญ่ประกอบด้วยท่อนที่เท่ากัน (ท่อนที่ซ้ำกัน) หรือท่อนที่แยกจากกัน (ท่อนที่ตัดกัน) ตัดสินใจเลือกความยาวขององค์ประกอบและจำนวนส่วนที่ต้องการ โปรดจำไว้ว่าแต่ละสไตล์มีรูปแบบทั่วไปของตัวเอง เช่น รูปแบบ AABA 32 บาร์ในดนตรีแจ๊สหรือยุคบลูส์ ประกอบด้วยสามวลี แต่ละวลีมี 4 แท่ง คุณสามารถใช้อันใดอันหนึ่งที่มีอยู่หรือสร้างขึ้นมาเองได้ แค่พยายามอย่าทำให้มันซับซ้อนเกินไป

ขั้นตอนที่ 3: สร้างความคิดของคุณ

ใช้อุปกรณ์เพื่อบันทึกความคิดของคุณ เล่นเพลงสองสามเพลงที่อยู่ในใจของคุณ หรือร้องเพลงพวกเขา ท่วงทำนองเหล่านี้ไม่จำเป็นต้องสมบูรณ์แบบ ไม่มีใครได้ยินนอกจากคุณ

ขั้นตอนที่ 4: แรงจูงใจทางดนตรีครั้งแรก

ตอนนี้ฟังสิ่งที่คุณบันทึกไว้ มีอะไรที่คุณชอบที่สามารถพัฒนาเป็นทำนองเต็มได้หรือไม่? หากคุณไม่สามารถเลือกสิ่งที่คุณชอบจริงๆ ได้ คุณสามารถหันไปใช้จังหวะและโน้ตที่มีอยู่ได้ตลอดเวลา โปรดจำไว้ว่าภาพร่างที่คุณกำลังสร้างในขั้นตอนนี้ไม่จำเป็นต้องซับซ้อน งานของคุณคือสร้างรากฐานที่คุณสามารถสร้างต่อได้

ขั้นตอนที่ 5: เปลี่ยน Motif ของคุณ

ตอนนี้คุณมีแรงจูงใจแล้ว คุณสามารถทำสิ่งต่อไปนี้: คุณสามารถขยาย ย่อให้สั้นลง เล่นไปข้างหลัง ทำซ้ำได้ คุณสามารถเปลี่ยนได้เล็กน้อยหรือเปลี่ยนจนจำไม่ได้ การทำเช่นนี้ คุณจะสร้างวลีทางดนตรี ซึ่งเป็นความคิดหรือแนวคิดที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ขั้นตอนที่ 6: ส่วนที่ตัดกัน

ดนตรีเกือบทุกสไตล์มีส่วนที่ตัดกันซึ่งช่วยเพิ่มรสชาติให้กับเพลง ฟังก์ชันนี้ดำเนินการโดยบริดจ์ในเพลงป๊อปหรือร็อค ส่วน B ในเพลงแจ๊ส และการพัฒนาในโซนาตาคลาสสิก หากต้องการเขียนส่วนที่ตัดกัน ให้ทำซ้ำขั้นตอนที่ 4 และ 5 พยายามอย่าเล่นประเด็นหลักของคุณ คุณสามารถทำให้มันเป็นจังหวะที่แตกต่าง สร้างอารมณ์ที่แตกต่างออกไป และอื่นๆ

ขั้นตอนที่ 7: รวบรวมทั้งหมดเข้าด้วยกัน

ณ จุดนี้ คุณมีส่วนที่ตัดกันสองสามส่วน ตอนนี้คุณต้องรวมเข้าด้วยกัน ลองนึกถึงรูปแบบที่คุณต้องการสร้างเมโลดี้ของคุณ แล้วสุดท้ายคุณจะลงตัวกับมันไหม? อย่ากลัวที่จะเปลี่ยนแปลงสิ่งต่างๆ ดูว่าทำนองของคุณดูสมบูรณ์แล้วหรือยัง หรือมีอะไรอย่างอื่นที่คุณต้องเพิ่มหรือไม่ คุณคิดว่าจำเป็นต้องเพิ่มอะไรอีกหรือไม่?

ขั้นตอนที่ 8: การจัดเตรียม

เปลี่ยนท่วงทำนองให้เป็นการเรียบเรียงดนตรีที่เต็มเปี่ยมด้วยการเพิ่มการตกแต่งและรองรับด้วยท่วงทำนองทางซ้าย เป็นต้น (หากคุณเล่นเปียโน) พิจารณาว่าคุณจำเป็นต้องเพิ่มเครื่องดนตรีหรือเสียงร้องอื่นๆ หรือไม่ โดยรวมแล้ว ให้ทำทุกอย่างเพื่อให้การเรียบเรียงเสียงเป็นไปตามที่ควรจะเป็น คุณสามารถขอความช่วยเหลือจากนักดนตรีที่คุ้นเคยเพื่อเพิ่มสิ่งที่น่าสนใจให้กับการเรียบเรียงของคุณ