ป๊อปอาร์ตจากภาษาอังกฤษ ศิลปะยอดนิยม - ที่เปิดเผยต่อสาธารณะ ศิลปะยอดนิยม - ความเคลื่อนไหวทางศิลปะตั้งแต่ทศวรรษ 1950 จนถึงปัจจุบัน ทศวรรษ 1970 มันเกิดขึ้นจากการต่อต้านลัทธินามธรรมที่ไม่มีวัตถุประสงค์และเป็นการดึงดูดแนวคิดของเปรี้ยวจี๊ดใหม่
ตัวแทนของศิลปะป๊อปประกาศเป้าหมายของพวกเขา - "การกลับคืนสู่ความเป็นจริง" อย่างไรก็ตามความเป็นจริงที่สื่อมวลชนเป็นสื่อกลางอยู่แล้ว
แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ ได้แก่ โฆษณา นิตยสารเคลือบเงา โทรทัศน์ ภาพถ่าย และบรรจุภัณฑ์ ขบวนการศิลปะป๊อปนำเรื่องนี้กลับมาสู่งานศิลปะ อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่หัวข้อที่ได้รับการแต่งบทกวีด้วยวิสัยทัศน์ทางศิลปะ แต่เป็นหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมอุตสาหกรรมสมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับรูปแบบข้อมูลสมัยใหม่ (ภาพยนตร์ โทรทัศน์ สิ่งพิมพ์)
เทคนิคทางเทคนิคล่าสุดซึ่งยืมมาจากการโฆษณาและการออกแบบทางอุตสาหกรรม: การพิมพ์ภาพถ่าย การรวมวัตถุจริง การใช้เครื่องฉายเหนือศีรษะ มีส่วนทำให้ "การลดความเป็นตัวตน" ของสไตล์สร้างสรรค์ส่วนตัวของศิลปิน และ "การเปิดเผยคุณค่าทางสุนทรียภาพ ” ของสำเนาการผลิตจำนวนมาก
ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในอังกฤษ
ศิลปินชาวฝรั่งเศสและอเมริกันได้รับชื่อเสียงสูงสุด ในเยอรมนี อิตาลี และแม้แต่ในสหภาพโซเวียต ซึ่งในเวลานั้นถูกแยกออกจากส่วนอื่นๆ ของโลกด้วย "ม่านเหล็ก" แนวโน้มที่คล้ายกันก็ปรากฏขึ้น
ศิลปินป๊อปอาร์ต
การกำเนิดของศิลปะป๊อป
ศิลปิน นักวิจารณ์ และสถาปนิกหลายคนที่สถาบันศิลปะสมัยใหม่ในลอนดอนได้ก่อตั้ง "กลุ่มอิสระ" ขึ้นในปี พ.ศ. 2495 ซึ่งศึกษาวัฒนธรรมพื้นบ้านในเมืองและเทคโนโลยีสมัยใหม่
ศิลปิน Edward Paolozzi และ Richard Hamilton เริ่มศึกษา "ภาพ" ของศิลปะมวลชน ปรากฏการณ์ของ “วัฒนธรรมมวลชน” ใช้วิธีการวิจัยที่หลากหลาย ตั้งแต่ด้านภาษาไปจนถึงจิตวิทยา
การวิจัยดำเนินการบนพื้นฐานของวัฒนธรรมอเมริกัน สมาชิกในกลุ่มรู้สึกทั้งชื่นชมและประชดประชัน Edward Paolozzi และ Richard Hamilton สร้างสรรค์ผลงานภาพต่อกันตามธีมยอดนิยมในการโฆษณาและการพิมพ์ผลิตภัณฑ์อุตสาหกรรมล่าสุด
นักวิจารณ์ Lawrence Alloway ซึ่งเป็นสมาชิกของกลุ่มนี้ เป็นผู้บัญญัติศัพท์คำว่า "ศิลปะป๊อป" เพื่อแสดงปรากฏการณ์ใหม่ของการวาดภาพ
ในลอนดอนในปี 1956 นิทรรศการ "This is Tomorrow" จัดขึ้น ซึ่งมีรูปถ่ายของดาราภาพยนตร์ฮอลลีวูดและภาพนิ่งภาพยนตร์ที่ขยายใหญ่ให้พอดีกับขนาดของจอภาพยนตร์
ในตอนท้ายของนิทรรศการ ผู้สำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยวิจิตรศิลป์ ได้แก่ Ronald China, Peter Blake, David Hockney และคนอื่นๆ เข้าร่วมกลุ่มด้วย
ศิลปินได้เปลี่ยนจากนักวิจัยทางปัญญามาเป็นผู้ขอโทษวัฒนธรรมมวลชน นักเทศน์เกี่ยวกับสุนทรียภาพใหม่และวิถีชีวิตใหม่ ซึ่งมีพื้นฐานบนอุดมคติแห่งเสรีภาพแบบอนาธิปไตย หลักการใหม่แห่งศีลธรรมและดนตรีร็อค: P. Blake ออกแบบ The Beatles' อัลบั้มปี 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club และปกอัลบั้ม White Album (1968) สร้างโดย R. Hamilton
ศิลปะป๊อปในอเมริกา
อุดมการณ์ของโอกาสที่เท่าเทียมกันและลัทธิเครื่องรางสินค้าโภคภัณฑ์ในสหรัฐอเมริกานำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปะป๊อปอาร์ตได้รับการส่งเสริมอย่างกว้างขวางในศิลปะอเมริกันในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ชื่อเสียงระดับนานาชาติของศิลปะป๊อปอาร์ตมาจากศิลปินเช่น Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Andy Warhol และ Claes Oldenburg
กระป๋องซุปของ Andy Campbell, Andy Warhol Marilyn Monroe, Andy Warhol
ศิลปะป๊อป
ทิศทาง
ศิลปะป๊อป (ศิลปะป๊อปภาษาอังกฤษ ย่อมาจากศิลปะยอดนิยม - ศิลปะยอดนิยมหรือศิลปะธรรมชาติ) เป็นการเคลื่อนไหวในวิจิตรศิลป์ของยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษ 1950-1960 ซึ่งเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาของการปฏิเสธต่อการแสดงออกเชิงนามธรรม ศิลปะป๊อปใช้รูปภาพสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นหัวข้อและรูปภาพหลัก ในความเป็นจริง ทิศทางในงานศิลปะนี้ได้เข้ามาแทนที่วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ด้วยการสาธิตวัตถุบางอย่างของวัฒนธรรมมวลชนหรือโลกวัตถุ
ภาพที่ยืมมาจากวัฒนธรรมสมัยนิยมถูกจัดวางไว้ในบริบทที่ต่างออกไป:
คำว่า "ศิลปะป๊อป" ปรากฏครั้งแรกในสื่อในบทความโดยนักวิจารณ์ชาวอังกฤษ Lawrence Alloway; ในปี 1966 Alloway ยอมรับอย่างเปิดเผยว่า: "แล้วฉันไม่ได้ใส่แนวคิดนี้ถึงความหมายที่มีอยู่ในปัจจุบัน ฉันใช้คำนี้ควบคู่ไปกับคำว่า "วัฒนธรรมป๊อป" เพื่ออธิบายลักษณะของผลิตภัณฑ์สื่อ แทนที่จะใช้งานศิลปะ ซึ่งองค์ประกอบของ "วัฒนธรรมพื้นบ้าน" นี้ถูกนำมาใช้ อย่างไรก็ตาม แนวคิดนี้เริ่มนำมาใช้ในช่วงระหว่างฤดูหนาวปี 2497/55 ถึง 2500”
ผลงาน "ป๊อปอาร์ต" ชิ้นแรกถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินสามคนที่เรียนที่ Royal College of Art ในลอนดอน - Peter Blake, Joe Tilson และ Richard Smith แต่งานแรกที่ได้รับสถานะไอคอนป๊อปอาร์ตคือภาพตัดปะของ Richard Hamilton อะไรทำให้บ้านของเราในปัจจุบันแตกต่างและน่าดึงดูดมาก? (1956)
ศิลปะป๊อปได้รับการวิพากษ์วิจารณ์จากศิลปินและนักวิจารณ์ศิลปะหลายครั้ง เมื่อวันที่ 13 กันยายน พ.ศ. 2505 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งนิวยอร์กได้จัดสัมมนาเรื่องศิลปะป๊อป ในระหว่างการอภิปรายที่ตามมา ฮิลตัน เครเมอร์ นักวิจารณ์แนวอนุรักษ์นิยมผู้มีอิทธิพลแห่งเดอะนิวยอร์กไทมส์ แสดงความเห็นว่า โดยแก่นแท้แล้ว ศิลปะป๊อปอาร์ตนั้น "ไม่แตกต่างจากศิลปะการโฆษณา" ตามคำกล่าวของ Kramer ปรากฏการณ์ทั้งสองนี้มีเป้าหมายในการ "ทำให้เราคืนดีกับโลกแห่งสินค้าอุปโภคบริโภค ความซ้ำซากจำเจ และความหยาบคาย" นักวิจารณ์ยืนกรานถึงความจำเป็นในการต่อต้านป๊อปอาร์ตอย่างเด็ดขาด
กวี นักวิจารณ์ และผู้ชนะรางวัลพูลิตเซอร์ Stanley Kunitz ผู้เข้าร่วมการประชุมสัมมนา ยังได้พูดถึงศิลปะป๊อปอาร์ตอย่างไม่เห็นด้วยกับ โดยตำหนิตัวแทนของขบวนการทางศิลปะนี้ที่พยายามทำให้ชนชั้นทางสังคมที่โดดเด่นพอใจ ตามคำกล่าวของกวี พวกเขาแสดง "จิตวิญญาณแห่งความสอดคล้องและ ชนชั้นกระฎุมพี” นอกจากนี้ Kunitz ยังแสดงแนวคิดที่ว่าป๊อปอาร์ต "ป้าย สโลแกน และเทคนิคต่างๆ มาจากป้อมปราการของสังคมชนชั้นกลางโดยตรง จากป้อมปราการที่ซึ่งภาพลักษณ์และความต้องการของมวลชนถูกสร้างขึ้น"
มาริโอ อมายา (อังกฤษ)
นี่เป็นส่วนหนึ่งของบทความ Wikipedia ที่ใช้ภายใต้ใบอนุญาต CC-BY-SA ข้อความเต็มของบทความที่นี่ →
วิกิพีเดีย:ศิลปะป๊อปเป็นขบวนการศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากวัตถุของวัฒนธรรมมวลชน และมุ่งเป้าไปที่ความบันเทิง การพาณิชย์ ไม่ใช่การค้นหาความหมายที่ลึกซึ้ง ปรัชญา และจิตวิญญาณ บทบาทนำในการพัฒนาทิศทางนั้นเล่นโดย: การโฆษณา, แฟชั่น, เทรนด์, ไอคอนสไตล์, วิธีการต่าง ๆ ของการเผยแพร่และการส่งเสริมเชิงพาณิชย์ ศิลปะป๊อปเป็นการตอบสนองต่อความจริงจังของศิลปะนามธรรมและรูปแบบศิลปะอื่นๆ ของศตวรรษที่ 20 สไตล์นี้เรียกว่าหนึ่งในสาขาของศิลปะแนวหน้า
ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาสไตล์
นี่เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่สำคัญและมีอิทธิพลมากที่สุดในการวาดภาพและรูปแบบศิลปะอื่นๆ ของศตวรรษที่ 20 โดยมีจุดเด่นอยู่ที่การเลือกหัวข้อและเทคนิคเฉพาะที่ดึงมาจากวัฒนธรรมสมัยนิยมของมวลชน สไตล์นี้มุ่งเป้าไปที่ผู้ชมในวงกว้างเนื่องจากใช้รูปภาพยอดนิยม ด้วยการเข้าถึงและความเรียบง่าย ศิลปะป๊อปอาร์ตจึงเป็นที่นิยม
สัญลักษณ์เป็นสไตล์ในการวาดภาพ
การเคลื่อนไหวนี้ก่อตั้งขึ้นในทศวรรษ 1950 และได้รับความนิยมสูงสุดในทศวรรษ 1960 แหล่งกำเนิดของศิลปะป๊อปอาร์ตคือบริเตนใหญ่ แต่การเคลื่อนไหวดังกล่าวมีการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา ซึ่งนิวยอร์กกลายเป็นเมืองหลวงของการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมนี้ ผู้ก่อตั้งและผู้สร้างสไตล์ป๊อปอาร์ตที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Andy Warhol และ Jasper Johns
กลุ่มอิสระ
ขั้นตอนแรกของการวาดภาพรูปแบบใหม่มีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ "กลุ่มอิสระ" ของศิลปินและสถาปนิกซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2495 ในลอนดอน พวกเขาเป็นคนแรกที่ใช้เทคโนโลยีสมัยใหม่เพื่อสร้างผืนผ้าใบที่มีลวดลายชั้นนำของมวลชนและวัฒนธรรมพื้นบ้านในเมือง พื้นฐานสำหรับการศึกษาคือวัฒนธรรมอเมริกัน ผู้บุกเบิกรูปแบบนี้ อี. เพาโลซซี และ อาร์. แฮมิลตัน ศึกษาอิทธิพลทางจิตวิทยาของวัฒนธรรมมวลชน ความหมาย และเนื้อหาทางภาษา ก่อนอื่นเลย ฉันสนใจวิธีการโฆษณาเชิงอุตสาหกรรม เทคโนโลยีการผลิตโฆษณาสมัยใหม่ และเทคนิคในการสร้างภาพต่อกัน
สไตล์การวาดภาพอาร์ตเดโค
พรุ่งนี้แล้วนะ
ในปี พ.ศ. 2499 มีการจัดนิทรรศการ “This is Tomorrow” จิตรกรนำเสนอภาพวาดสาธารณะในรูปแบบป๊อปอาร์ตซึ่งแสดงภาพดาราฮอลลีวูดและภาพนิ่งขยายใหญ่จากภาพยนตร์ชื่อดัง หลังจบนิทรรศการ ผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะจำนวนมากได้เข้าร่วมขบวนการโดยได้รับแรงบันดาลใจจากรูปแบบใหม่ 
สหรัฐอเมริกา
ในสหรัฐอเมริกา สไตล์ดังกล่าวได้รับการพัฒนาและแพร่หลาย ที่นี่ให้ความสนใจอย่างมากกับความสวยงามของบรรจุภัณฑ์สินค้าอุปโภคบริโภค แก่นแท้ของศิลปะป๊อปอาร์ตอเมริกัน: สิ่งของที่ผู้คนบริโภคทำให้ตัวแทนของชนชั้นทางสังคมที่แตกต่างกันมีความเท่าเทียมกัน ดังนั้นศิลปะป๊อปอาร์ตจึงเป็นศิลปะแห่งความเท่าเทียมกันทางสังคม 
เป็นคำ
คำที่ใช้กำหนดสไตล์ปรากฏในปี พ.ศ. 2498-2500 ต้องขอบคุณ L. Alloway นักวิจารณ์ชาวอังกฤษ ผู้เขียนแนวคิดนี้เองรู้สึกประหลาดใจกับความจริงที่ว่าคำนี้เริ่มถูกนำมาใช้เพื่อกำหนดขบวนการทางวัฒนธรรมทั้งหมด Alloway เองก็มีผลิตภัณฑ์ที่มีวัตถุประสงค์เชิงพาณิชย์ซึ่งเป็นองค์ประกอบของสื่อมวลชน
นามธรรมเป็นสไตล์ในการวาดภาพ
ศิลปิน
ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของทิศทาง:
คีธ แกริง
ศิลปินจากนิวยอร์กซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานการ์ตูนของเขา ผลงานของเขาได้รับอิทธิพลจากศิลปะกราฟฟิตี้ 
เดวิด ฮ็อคนีย์
ถือเป็นหนึ่งในศิลปินชาวอังกฤษที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 Hockney เป็นหนึ่งในผู้นำในการพัฒนาศิลปะป๊อปในบริเตนใหญ่ 
แจสเปอร์ จอห์น
เป็นที่รู้จักจากภาพวาดธงชาติอเมริกัน ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งคือ “ตัวเลขในสี” 
รอย ลิกเทนสไตน์
หนึ่งในผู้สร้างหนังสือการ์ตูนชื่อดัง 
เวย์น ธิโบลท์
เขามีชื่อเสียงจากภาพวาดเกี่ยวกับเค้ก ขนมอบ และของเล่น 
แอนดี้ วอร์โฮล
ผู้สร้างสไตล์ป๊อปอาร์ตที่มีชื่อเสียงที่สุด เป็นที่รู้จักผ่านการใช้ภาพบุคคลซ้ำๆ และสีสันสดใสในผลงาน
คุณสมบัติของผลงานในสไตล์ป๊อปอาร์ต
มีการใช้รูปภาพและไอคอนที่เป็นที่นิยมในโลกสมัยใหม่ ซึ่งรวมถึงรูปถ่ายของคนดัง ดาราภาพยนตร์และดนตรี สินค้าต่างๆ เช่น น้ำอัดลม หนังสือการ์ตูน และโลโก้และผลิตภัณฑ์อื่นๆ ที่เป็นที่นิยมในโลกการค้า
- ภาพวาดใช้สีสดใสซึ่งเป็นเทคนิคในการสร้างภาพต่อกัน และรวมวัตถุหลายชิ้นที่ไม่เกี่ยวข้องกันไว้ในภาพเดียว
- การตกแต่งภายในเป็นเรื่องยากที่จะพลาดผืนผ้าใบป๊อปอาร์ต - พวกมันจะกลายเป็นสำเนียงที่สดใสในห้องที่ตกแต่งในสไตล์ทันสมัย สไตล์ป๊อปอาร์ตเกี่ยวข้องกับการใช้พื้นผิวที่แตกต่างกัน
- รูปภาพอาจมีคำจารึก สโลแกน คำขวัญ - คล้ายกับโปสเตอร์โฆษณา
- การสร้างสรรค์ผลงานได้ใช้เทคนิคการพิมพ์ภาพถ่าย ผสมผสานกับวัตถุจริง และการออกแบบ
- อุดมคติด้านสุนทรียภาพถูกยืมมาจากวัฒนธรรมสมัยนิยมที่สื่อแพร่หลาย
- ศิลปินยืมเทคนิคจากการโฆษณาเชิงอุตสาหกรรม
Dadaism เป็นสไตล์ในการวาดภาพ
สไตล์นี้ถูกวิพากษ์วิจารณ์หลายครั้ง ในปีพ.ศ. 2505 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์กได้จัดสัมมนาเกี่ยวกับศิลปะป๊อปอาร์ต นักวิจารณ์ชื่อดัง H. Kramer ยืนยันว่าจำเป็นต้องต่อต้านการพัฒนาของศิลปะป๊อปอาร์ตเนื่องจากมันทำให้ความซ้ำซากจำเจหยาบคายและรสนิยมไม่ดีเป็นที่นิยม ตามที่นักวิจารณ์กล่าวไว้ ศิลปะป๊อปอาร์ตเป็นโฆษณาธรรมดาๆ ที่พวกเขาพยายามแต่งกายให้เป็นรูปแบบศิลปะ
ตามที่นักวิจารณ์อีกคน S. Kunitz กล่าวว่าศิลปะป๊อปเป็นผลจากการโฆษณาชวนเชื่อ และมุ่งเป้าไปที่การก่อตัวของสังคมที่สอดคล้องตามเป้าหมายของผู้บริโภคล้วนๆ สัญลักษณ์และสโลแกนทั้งหมดอ้างอิงจาก Kunitz เปลี่ยนโปสเตอร์โฆษณาให้กลายเป็นงานศิลปะหลอก
เป้าหมายของป๊อปอาร์ตที่ศิลปินใส่เข้าไปในผลงานของพวกเขาคือการกลับคืนสู่ความเป็นจริงซึ่งผู้ที่เป็นนามธรรมถอยกลับไป องค์ประกอบหลักของความคิดสร้างสรรค์คือวิชาที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมอุตสาหกรรม ภาพยนตร์ สื่อสิ่งพิมพ์ และโทรทัศน์
โปสเตอร์สีสันสดใส โปสเตอร์ดาราสีสันสดใส การ์ตูน ประติมากรรมขนาดใหญ่ เล่นกับขนาดและพื้นผิว ยุค 60 ที่มีสไตล์ - ทั้งหมดนี้เกี่ยวข้องกับศิลปะป๊อปอาร์ตที่น่าตกใจและร่าเริง ไม่ใช่สำหรับคนธรรมดา แต่สำหรับผู้ที่ชอบสร้างความตกใจและโดดเด่นจากฝูงชนสีเทาศิลปะป๊อปเหมาะสำหรับคนหนุ่มสาวที่ฟุ่มเฟือยและร่าเริง
ประวัติความเป็นมา
ศิลปะป๊อป (จากตัวย่อศิลปะยอดนิยม - ศิลปะยอดนิยม) เป็นสไตล์ที่สดใสเร้าใจที่เข้ามาสู่โลกแห่งการออกแบบจากการวาดภาพ
คำนี้บัญญัติขึ้นโดยนักวิจารณ์ชาวอังกฤษ Lawrence Alloway ในปี 1956ทศวรรษต่อมา เขาบอกทุกคนว่าเขาไม่ได้ใส่ความหมายทางอุดมการณ์มากนักในแนวคิดนี้ ซึ่งแนวคิดนี้ได้มาและเริ่มแสดงออกในภายหลัง “ ฉันใช้คำนี้ร่วมกับแนวคิด "วัฒนธรรมป๊อป" เพื่ออธิบายผลิตภัณฑ์ที่มีการบริโภคจำนวนมากเท่านั้น ไม่ใช่เป็นชื่องานศิลปะ" นักวิจารณ์ให้เหตุผลกับตัวเอง แต่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งแนวคิดนี้ถูกนำมาใช้อย่างรวดเร็วในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 แม้ว่าจะได้รับการวิพากษ์วิจารณ์จากฝ่ายตรงข้ามของสไตล์ก็ตาม
การเกิดขึ้นของป๊อปอาร์ตซึ่งเป็นทิศทางใหม่ในศิลปะการวาดภาพมีสาเหตุมาจากปฏิกิริยาต่อศิลปะนามธรรมซึ่งครองตำแหน่งที่แข็งแกร่งในกลางศตวรรษที่ 20 ศิลปินที่เข้าร่วมขบวนการนี้ใช้รูปภาพสินค้าอุปโภคบริโภคในผลงานของตน พวกเขาผสมผสานและจับคู่สิ่งของในครัวเรือน ภาพถ่าย การทำสำเนา เศษสิ่งพิมพ์
เป็นที่น่าสังเกตว่าในงานเกือบทั้งหมดมีการประชดเล็กน้อยและแม้แต่การเยาะเย้ยสิ่งที่ผู้คนมองว่าเป็นอุดมคติของความงามทางศิลปะ
ผลงานชิ้นแรกในรูปแบบนี้จัดแสดงโดยศิลปินสามคน ได้แก่ Richard Smith, Joe Tilson และ Peter Black อย่างไรก็ตาม ผลงานสร้างสรรค์ที่แท้จริงซึ่งกลายมาเป็นไอคอนของศิลปะป๊อปอาร์ตถือเป็นภาพต่อกันโดยริชาร์ด แฮมิลตัน ชาวอังกฤษ ซึ่งวาดในปี 1956
ในยุค 60 ศิลปะป๊อปอาร์ตถึงจุดสูงสุดในสหรัฐอเมริกา นักเขียนชาวอเมริกันผู้มีชื่อเสียงสร้างสรรค์ผลงานในรูปแบบที่มีสีสันนี้:
- Robert Rauschenberg – ภาพต่อกันที่สดใส;
- Roy Lichtenstein – ภาพหนังสือการ์ตูนขนาดใหญ่
- Claes Oldenburg - เค้กปูนปลาสเตอร์ขนาดยักษ์
ศิลปินและช่างภาพ Andy Warhol กำลังได้รับความนิยมอย่างมาก เขาใช้การพิมพ์สกรีนและสีที่เป็นกรดที่สว่างสดใสเพื่อสร้างภาพบุคคลอันน่าทึ่งของดาราดังระดับโลก ได้แก่ มาริลิน มอนโร, ไมเคิล แจ็คสัน, เอลวิส เพรสลีย์
ศิลปินบรรยายถึงโลกแห่งความงามอย่างซ้ำซาก ผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขาแสดงให้เห็นถึงความภาคภูมิใจในผู้ผลิตชาวอเมริกันที่สร้างสินค้าราคาถูก เข้าถึงได้ และมีคุณภาพสูง ศิลปะของสาวกป๊อปอาร์ตชาวอเมริกันเป็นอนุสรณ์สถานแห่งความเท่าเทียมกันทางสังคมและสินค้าอุปโภคบริโภค ในขณะเดียวกัน ภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมมวลชนที่นำมาใช้ก็มักจะถูกวางไว้ในบริบทที่แตกต่างกัน โดยเปลี่ยนวัสดุ ขนาด และเผยให้เห็นถึงวิธีการหรือเทคนิคทางเทคนิค ในเวลาเดียวกัน ปรากฎว่าภาพต้นฉบับได้รับการตีความและเปลี่ยนแปลงใหม่อย่างน่าขัน
ศิลปะป๊อปในวิจิตรศิลป์ถ่ายทอดรสนิยมและอารมณ์ของเวลา ความเยาว์วัย ความฝัน ความว่องไว และความไร้เดียงสาเล็กน้อยในภาพวาดสไตล์นี้ถือเป็นภาพสะท้อนของความฝันแบบอเมริกันที่แท้จริง
แนวคิดเกี่ยวกับป๊อปอาร์ตอเมริกันจากการวาดภาพได้อพยพไปสู่ศิลปะการออกแบบตกแต่งภายในและเสื้อผ้าอย่างรวดเร็ว ทำไมต้องตกแต่งบ้านของคุณด้วยภาพวาดราคาแพงหรือราคาแพง ในถ้าคุณสามารถวางกระป๋องลงบนโต๊ะ และแขวนหนังสือพิมพ์เก่าๆ สีสันสดใสขนาดใหญ่ไว้บนผนังได้ นี่เป็นวิธีการกำหนดแนวคิดของศิลปะป๊อปโดยคร่าว ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของบุคคลฟุ่มเฟือยที่ท้าทายสังคม
เมืองซีแอตเทิลในอเมริกากลายเป็นแหล่งกำเนิดของดนตรีและเสื้อผ้าในช่วงปลายทศวรรษ 1980 คำนี้เริ่มแสดงถึงทุกสิ่งที่ไม่พึงประสงค์ รุงรัง และน่ารังเกียจ
ในรัสเซียพวกเขาเริ่มพูดถึงศิลปะป๊อปอาร์ตในช่วงปลายทศวรรษที่ 70 เท่านั้น
ทิศทางที่ทันสมัย
ทุกวันนี้ ศิลปะป๊อปกำลังกลับมาสู่แฟชั่นไม่เพียงแต่ในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะรูปแบบอื่นด้วย ขณะนี้มีปรมาจารย์สมัยใหม่หลายคนกำลังทดลองในทิศทางนี้ เสียงสะท้อนของศิลปะป๊อปแห่งศตวรรษที่ผ่านมาสามารถพบได้ในการพิมพ์หนังสือการ์ตูนและภาพบุคคลของคนดังระดับโลกบนเสื้อผ้าของคนหนุ่มสาว คลับ ร้านกาแฟ และร้านเสริมสวยมักตกแต่งสไตล์นี้ สไตล์ป๊อปอาร์ตแบบพลาสติกที่ไม่น่าเบื่อ แสดงออกถึงอารมณ์ ยังคงครองใจผู้ชื่นชมมาจนถึงทุกวันนี้ สไตล์ก็มีลักษณะคล้ายคลึงกับ
เมื่อปรากฏตัวในภาพวาด ศิลปะป๊อปได้แทรกซึมเข้าไปในชีวิตของชาวอเมริกันกลุ่มแรก จากนั้นชาวยุโรปอย่างรวดเร็ว และได้มาถึงเราแล้ว ศิลปะป๊อปในปัจจุบันมีสัดส่วนมหาศาลองค์ประกอบต่างๆ สามารถพบได้ทุกที่ ไม่ว่าจะเป็นภายใน สิ่งทอ บนเสื้อผ้า โปสเตอร์ และป้ายต่างๆ ในรูปแบบของสติกเกอร์บนรถยนต์
ศิลปะป๊อปปรากฏในภาพวาด ภาพยนตร์ ละคร และอิทธิพลของศิลปะดังกล่าวเห็นได้ชัดเจนในดนตรี ("Velvet Underground", "Fug")
ตลอดระยะเวลา 70 ปีที่ดำรงอยู่ ศิลปะป๊อปอาร์ตมีหลายรูปแบบ:
- ศิลปะสหกรณ์ (เอฟเฟกต์แสงทางศิลปะ การรวมกันของเส้นและจุด);
- ศิลปะสิ่งแวดล้อม (องค์กรศิลปะของสิ่งแวดล้อม);
- e-art ซึ่งส่งผลให้มีทิศทางที่แยกจากกัน - จลนศาสตร์;
- ศิลปะนีโอป๊อปที่เกิดขึ้นในยุค 80
Andy Warhol ผู้มีชื่อเสียงในลัทธิป๊อปอาร์ต ไม่เพียงแต่มีชื่อเสียงจากภาพเหมือนของ Marilyn Monroe ที่โด่งดังของเขาโดยใช้การพิมพ์ซิลค์สกรีนเท่านั้น
นอกจากนี้ศิลปินยังได้นำศิลปะป๊อปอาร์ตมาสู่การออกแบบเสื้อผ้าเพื่อสร้างภาพร่างที่แปลกตา ในปี 1965 เขาเปิดร้าน Parafenalia ซึ่งนักแฟชั่นนิสต้าผู้กล้าหาญสามารถซื้อชุดสุดพิเศษที่ตกแต่งด้วยโลหะ พลาสติก กระดาษ รวมถึงชุดสูทที่มีลวดลายสดใสผิดปกติ รายละเอียดอาหาร ทีวี โฆษณา การ์ตูน ถูกแสดงบนเสื้อผ้าในรูปแบบที่สดใส แปลกตา และติดหู
ในยุค 60 นักออกแบบแฟชั่น Andre Courrèges สร้างสรรค์ชุดสูทสำหรับบุรุษและสตรีที่ไม่แตกต่างกัน ตอนนั้นเองที่แนวคิด "unisex" ได้รับความนิยม
เสื้อผ้าในสไตล์ป๊อปอาร์ตเป็นค็อกเทลที่มีสีสันและรูปทรงที่สะดุดตาตลอดจนผ้าใยสังเคราะห์ ทุกวันนี้นักออกแบบมักหันไปใช้สไตล์ฟุ่มเฟือยนี้ กระโปรงสั้นและเดรสในเฉดสีนีออน แจ็คเก็ตพร้อมไหล่บุนวม เสื้อกล้ามและเสื้อยืดที่มีรูปถ่ายสี กางเกงรัดรูปรูปทรงเรขาคณิต กางเกงเลกกิ้ง ชุดบอดี้สูท และชุดสเวตเตอร์ทรงตรง - ทั้งหมดนี้ถือเป็นเสื้อผ้าแนวป๊อปอาร์ต มักจะมีการใช้งานในรูปแบบของผีเสื้อหลากสีสัน ผลไม้ฉ่ำ ริมฝีปากสีแดงสดและหัวใจ สิ่งสำคัญคือการทำให้ประหลาดใจและสังเกตได้!
รูปลักษณ์เสริมด้วยการตกแต่งที่ทำจากกระดาษแข็ง กระดาษ พลาสติก และลูกแก้ว กระเป๋าสไตล์เรโทรพร้อมรูปภาพจากภาพยนตร์หรือโปสเตอร์เก่าๆ ที่เป็นภาพขาวดำ รองเท้าส้นสูงหรือรองเท้าส้นสูงและการแต่งหน้าที่สดใสจะทำให้ลุคสมบูรณ์ เสื้อผ้าในสไตล์ป๊อปอาร์ตมีไว้สำหรับผู้ที่ไม่สามารถจินตนาการถึงชีวิตได้หากไม่มีการทดลองที่กล้าหาญ
ภายใน
ศิลปะป๊อปในการตกแต่งภายในเป็นปรากฏการณ์ที่สดใสและพิเศษมาก มันเหมือนกับกระแสอารมณ์ที่ถูกออกแบบมาให้น่าตกใจและตะลึงด้วยการออกแบบที่คล้ายคลึงกัน ไม่มีกฎพิเศษที่นี่ แต่สามารถสังเกตรูปแบบพื้นฐานได้หลายประการ:
- สีและความแวววาวที่สดใส สมบูรณ์ และตัดกันเป็นหลักการด้านสุนทรียภาพหลัก
- วัตถุทางศิลปะควรมีราคาไม่แพง ทันสมัย มีสไตล์ตามแนวคิดของศิลปะป๊อปอาร์ต
- อุปกรณ์และเฟอร์นิเจอร์ชิ้นใหญ่ที่แปลกตา
- องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นบนหลักการของการทำซ้ำและวงจร
- การใช้สิ่งของในชีวิตประจำวันในบริบทของงานศิลปะ
การตกแต่งภายในในสไตล์นี้โดดเด่นด้วยการเล่นกับขนาดและเฉดสีที่สดใสส่งผลให้การออกแบบห้องดูแปลกตามาก บางครั้งเขามี "คุณสมบัติเหมือนหุ่นเชิด" บางอย่าง; ดูเหมือนว่าไม่ใช่คนอาศัยอยู่ในนั้น แต่เป็นของเล่น แต่ศิลปะป๊อปอาร์ตไม่ได้ละทิ้งความสะดวกสบายเลย ดังนั้นสไตล์นี้จึงไม่ธรรมดาในความหมายแบบคลาสสิก แต่ก็ยังต้องเก็บสิ่งของไว้ที่ไหนสักแห่ง ท้ายที่สุดคุณต้องอยู่ในนั้น
ในการตกแต่งควรเลือกห้องที่ใหญ่ที่สุดในบริเวณนี้ อย่างไรก็ตาม แม้แต่ห้องเล็กๆ ก็สามารถตกแต่งให้เป็นศิลปะป๊อปอาร์ตได้ จริงอยู่ที่นี่คุณจะต้องเน้นไปที่รายละเอียดเป็นหลัก
สเปกตรัมสี
สีหลักของการตกแต่งภายในสไตล์ป๊อปอาร์ตคือสีขาว เมื่อเทียบกับพื้นหลังของผนังสีอ่อน เพดาน และแม้แต่พื้น เฟอร์นิเจอร์สี อุปกรณ์เสริม ภาพต่อกัน และภาพวาดจะโดดเด่นอย่างสดใส พื้นผิวโครเมียมแวววาวก็ใช้ได้เช่นกัน เนื่องจากพื้นผิวโครเมียมแพร่หลายไปพร้อมกับสไตล์ สำเนียงในการตกแต่งภายในไม่เพียงแต่สดใส แต่ยังอุดมไปด้วย การผสมผสานสีกรดที่แปลกตาที่สุดได้รับการต้อนรับในศิลปะป๊อปอาร์ต
วัสดุ
ศิลปะป๊อปอาร์ตเรียกว่าสไตล์ราคาไม่แพง เนื่องจากมีพื้นฐานมาจากแก้ว โลหะ พลาสติก ผ้าสังเคราะห์ และกระดาษ บ่อยครั้งที่นักออกแบบใช้หนังเทียมในการตกแต่ง
พื้น ผนัง เพดาน
เพดานมีน้ำหนักเบาและเป็นมันเงา โครงสร้างสามารถแขวนหรือรับแรงตึงได้ และมีหลายระดับ ช่องในเพดานสว่างไสวด้วยโคมไฟนีออนหลากสี โคมไฟระย้าที่มีรูปร่างแปลกตาสามารถกลายเป็นจุดเด่นได้
ศิลปะป๊อปนำเสนอการตกแต่งผนังสองรูปแบบ:
- สีขาวล้วนมีจุดสว่าง: แผง ภาพวาด ภาพถ่าย
- ลงสีตกแต่งด้วยสีตัดกัน เข้มข้น สีเข้ากันไม่ได้ ในกรณีนี้ผนังเองก็มีภาระโวหาร
การตกแต่งผนังมีความหลากหลายมาก พวกเขาสามารถทาสีปิดด้วยวอลล์เปเปอร์หรือปิดด้วยปูนปลาสเตอร์ตกแต่ง บนผนังด้านหนึ่งมักใช้หลักการขององค์ประกอบแบบวัฏจักร: เครื่องประดับเดียวกันซ้ำหลายครั้งครอบคลุมทั้งผนัง บางครั้งมีการใช้วอลเปเปอร์โดยมีภาพลวงตาซึ่งมุมมองของการออกแบบจะเปลี่ยนไปในแต่ละมุม
พื้นสามารถเป็นกลางปูด้วยลามิเนตหรือพรม ในกรณีนี้พรมที่มีรูปร่างผิดปกติหรือพื้นผิวที่ผิดปกติเช่นผิวหนังของเสือจากัวร์หรือม้าลายจะทำหน้าที่เป็นสำเนียงที่สดใส ตัวเลือกที่สองคือพื้นฉูดฉาดปูด้วยกระเบื้องเซรามิกในลักษณะที่ไม่เป็นระเบียบ
เฟอร์นิเจอร์
เฟอร์นิเจอร์หรูหราราคาแพงไม่ได้รับการต้อนรับจากศิลปะป๊อปอาร์ต
ความถูกเป็นหนึ่งในหลักการสำคัญของสไตล์นี้
ตู้และตู้ไซด์บอร์ดหนักๆ ทำให้มีพื้นที่มากเกินไป ดังนั้นจึงไม่เหมาะสมเช่นกัน เฟอร์นิเจอร์บิวท์อิน ซอกเตียง เตียงแบบดึงออกได้ โซฟาแบบปรับได้ - นี่คือสิ่งที่จะดูเป็นธรรมชาติที่นี่โซฟาสีสดใส เบาะทรงกลมหลากสีที่ทำจากวัสดุสังเคราะห์จะสร้างบรรยากาศแห่งความสบายและความสุข
เฟอร์นิเจอร์พลาสติกเป็นที่นิยม โดดเด่นด้วยสีและรูปทรง พื้นผิวมันเงาเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ของเฟอร์นิเจอร์
อุปกรณ์ตกแต่งและอุปกรณ์เสริม
ในการตกแต่งการมีสิ่งทอฉูดฉาดพร้อมภาพพิมพ์ต้นฉบับเป็นสิ่งสำคัญมาก รูปแบบการมองเห็นและภาพวาดจากหนังสือการ์ตูนภาพตัวการ์ตูนจะเน้นแนวคิดของป๊อปอาร์ตยังสามารถนำไปใช้กับผ้าที่ใช้ทำผ้าม่านได้อีกด้วย
อุปกรณ์เสริมมีความสำคัญสูงสุดที่นี่ พวกเขากำหนดสไตล์ได้หลายวิธี
ภาพเหมือนของมาริลิน มอนโรในจิตวิญญาณของ Andy Warhol เป็นองค์ประกอบตกแต่งที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในการตกแต่งภายในแบบป๊อปอาร์ต
ประติมากรรมดั้งเดิม, ผลิตภัณฑ์พลาสติก, โคมไฟที่แสดงถึงตัวละครในภาพยนตร์ฮอลลีวูด, โปสเตอร์บนผนัง, ภาพถ่ายของดวงดาวในกรอบที่น่าสนใจ, แจกันที่สลับซับซ้อน - รายละเอียดทั้งหมดเหล่านี้เป็นลักษณะของสไตล์ป๊อปอาร์ต การสร้างสรรค์ที่ต้องทำด้วยตัวเองมีคุณค่ามากสำหรับการตกแต่งภายในแนะนำให้ใช้ผลิตภัณฑ์ที่ทำจากพลาสติก แก้ว และกระดาษ คุณสามารถใช้ภาพวาดที่ทำให้เกิดสภาวะลึกลับ (ภาพหลอน) แต่แน่นอนว่ามีไว้สำหรับแฟน ๆ พิเศษ
การตกแต่งภายในในสไตล์ป๊อปอาร์ต: วิดีโอ
ข้อสรุป
ดังนั้น ศิลปะป๊อปอาร์ตจึงเป็นศิลปะสำหรับนักทดลองตัวหนาที่ทำลายแบบเหมารวมและประเพณีที่มีมาหลายศตวรรษ นี่คือสไตล์สำหรับผู้ที่ต้องการโดดเด่นจากฝูงชนและดึงดูดความสนใจเฉพาะบุคคลที่สดใสสร้างสรรค์และฟุ่มเฟือยอย่างแท้จริงซึ่งไม่ชอบเป็นเหมือนคนอื่นเท่านั้นที่จะสามารถอยู่อย่างสะดวกสบายในห้องดังกล่าวได้ ซึ่งตรงกันข้ามกับคนที่รัก
ครั้งหนึ่ง รูปแบบดังกล่าวได้ขยายแนวคิดคลาสสิกในศิลปะและสถาปัตยกรรมออกไป
ศิลปะป๊อป(ภาษาอังกฤษ) ป๊อปอาร์ต, หรือ ศิลปะยอดนิยม) - รูปแบบในวิจิตรศิลป์ที่เยาะเย้ยวัฒนธรรมของสังคมผู้บริโภค ขบวนการทางศิลปะนี้เกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อการแสดงออกเชิงนามธรรมในช่วงทศวรรษปี 1950 และ 1960 มีลักษณะเป็นการประชดเล็กน้อย การเยาะเย้ยสิ่งที่ผู้คนมักมองว่าสวยงามและเป็นศิลปะ ศิลปะป๊อปใช้แบบแผนและสัญลักษณ์อย่างแข็งขัน ตัวอย่างเช่น ผลิตภัณฑ์เช่น กางเกงยีนส์ลีวายส์ และโคคาโคล่า ซึ่งในอเมริกาถือเป็นคุณลักษณะของความสำเร็จและความเจริญรุ่งเรืองในช่วงหลังสงคราม จึงมักแสดงเป็นภาพวาดและภาพต่อกันที่ทำในสไตล์ป๊อปอาร์ต
คำว่า "ศิลปะป๊อป" ถูกใช้ครั้งแรกโดยนักวิจารณ์ Lawrence Alloway ในบทความของเขา ต่อมาในปี พ.ศ. 2509 เขาบอกกับทุกคนว่าเขาไม่ได้ให้ความหมายกับแนวคิดนี้มากเท่ากับที่เริ่มแสดงในภายหลัง “ผมเพียงแต่ใช้คำนี้ควบคู่ไปกับคำว่าวัฒนธรรมป๊อป เพื่ออธิบายผลิตภัณฑ์ของสื่อมวลชน ไม่ใช่เป็นชื่อผลงานศิลปะ” เขากล่าว แต่อาจเป็นไปได้ว่าแนวคิดนี้ถูกนำมาใช้อย่างรวดเร็วระหว่างปี 1955 ถึง 1957 แม้ว่าจะมีการวิพากษ์วิจารณ์จากฝ่ายตรงข้ามของสไตล์นี้ก็ตาม
ผลงานชิ้นแรกในรูปแบบป๊อปอาร์ตถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินหนุ่มสามคนที่กำลังศึกษาอยู่ที่ Royal College of Art ในลอนดอนในขณะนั้น พวกเขาคือ โจ ทิลสัน, ปีเตอร์ แบล็ค และริชาร์ด สมิธ แต่การสร้างสรรค์ที่กลายมาเป็นไอคอนของศิลปะป๊อปอาร์ตก็คือภาพต่อกันของ Richard Hamilton ที่สร้างขึ้นในปี 1956
ศิลปะป๊อปเข้ามาแทนที่การแสดงออกทางนามธรรม โดยอาศัยภาพลักษณ์ใหม่ที่สร้างขึ้นโดยสื่อในขณะนั้น ต้องขอบคุณป๊อปอาร์ตที่ทำให้เกิดทิศทางใหม่เช่นศิลปะจลนศาสตร์และสถานการณ์รวมถึงศิลปะทางเลือก
โดยพื้นฐานแล้ว ศิลปะป๊อปอาร์ตได้สรุปผลลัพธ์และนำรูปแบบวิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิมมาสู่ข้อสรุปเชิงตรรกะ ด้วยเหตุนี้ ช่องทางดังกล่าวจึงเปิดกว้างไปสู่การปฏิบัติทางศิลปะรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิง ตัวอย่างเช่น ศิลปะป๊อปปูทางไปสู่ลัทธิหลังสมัยใหม่และแนวความคิด และในช่วงทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 20 ศิลปะประเภทใหม่ก็เกิดขึ้น - ศิลปะนีโอป๊อป
กระแสศิลปะวิจิตรศิลป์นี้ถ่ายทอดรสนิยมและอารมณ์ในยุคนั้น เพศ ความเยาว์วัย ความหายวับไป ความฝัน และแม้กระทั่งความไร้เดียงสาในภาพวาดป๊อปอาร์ต ถือเป็นภาพสะท้อนของความฝันแบบอเมริกันที่แท้จริง ในรัสเซียพวกเขาเริ่มพูดถึงเรื่องนี้เพียงไม่กี่ทศวรรษหลังจากการปรากฏตัวครั้งแรกของศิลปะป๊อปในอเมริกา
อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบันศิลปะป๊อปอาร์ตกลับมาเป็นที่นิยมอีกครั้งทั้งในด้านการวาดภาพและงานศิลปะในรูปแบบอื่น ๆ และโชคดีที่ขณะนี้มีปรมาจารย์สมัยใหม่จำนวนมากที่ทำงานในทิศทางนี้
ตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะป๊อปอาร์ต ได้แก่ Richard Hamilton, Robert Indiana, Tom Wesselmann, Andy Warhol และคนอื่นๆ...
 |
 |
 |