ศิลปะนามธรรม (lat. นามธรรม– การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) หรือ ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง- ทิศทางของศิลปะที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในจิตรกรรมและประติมากรรม เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" โดยการวาดภาพการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่าง ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงความสมบูรณ์และความสมบูรณ์ขององค์ประกอบภาพ บุคคลสำคัญ: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova และ Mikhail Larionov, Piet Mondrian
เรื่องราว
ลัทธินามธรรม(ศิลปะภายใต้สัญลักษณ์ของ "รูปแบบศูนย์" ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์) เป็นทิศทางศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 โดยละทิ้งการสร้างรูปแบบของโลกที่มองเห็นได้จริงโดยสิ้นเชิง ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมถือเป็น V. Kandinsky , พี. มอนเดรียน และเค. มาเลวิช.
V. Kandinsky สร้างสรรค์ภาพวาดนามธรรมประเภทของเขาเอง โดยขจัดคราบอิมเพรสชั่นนิสต์และคราบ "ป่า" ออกจากสัญญาณของความเป็นกลาง Piet Mondrian เข้าถึงความไม่เที่ยงธรรมของเขาผ่านรูปแบบทางเรขาคณิตของธรรมชาติที่ริเริ่มโดย Cézanne และ Cubists ขบวนการสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 มุ่งเน้นไปที่นามธรรมนิยม แยกตัวออกจากหลักการดั้งเดิมโดยสิ้นเชิง ปฏิเสธความสมจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงอยู่ในกรอบของศิลปะ ประวัติศาสตร์ศิลปะประสบกับการปฏิวัติด้วยการถือกำเนิดของศิลปะนามธรรม แต่การปฏิวัติครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ และถูกทำนายโดยเพลโต! ในงานล่าสุดของเขา Philebus เขาเขียนเกี่ยวกับความงามของเส้น พื้นผิว และรูปแบบเชิงพื้นที่ในตัวเอง โดยไม่ขึ้นอยู่กับการเลียนแบบวัตถุที่มองเห็นได้จากการเลียนแบบใดๆ ความงามทางเรขาคณิตประเภทนี้ไม่เหมือนกับความงามของรูปแบบ "ผิดปกติ" ตามธรรมชาติตามที่เพลโตกล่าวไว้ว่าไม่สัมพันธ์กัน แต่ไม่มีเงื่อนไขและสัมบูรณ์
ศตวรรษที่ 20 และยุคปัจจุบัน
หลังสงครามโลกครั้งที่ 1 พ.ศ. 2457-2461 กระแสศิลปะนามธรรมมักปรากฏให้เห็นในผลงานแต่ละชิ้นโดยตัวแทนของดาดาและสถิตยศาสตร์ ในเวลาเดียวกัน มีความปรารถนาที่จะประยุกต์ใช้รูปแบบที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างในสถาปัตยกรรม มัณฑนศิลป์ และการออกแบบ (การทดลองของกลุ่มสไตล์และเบาเฮาส์) ศิลปะนามธรรมหลายกลุ่ม ("ศิลปะคอนกรีต", 1930; "วงกลมและสี่เหลี่ยม", 1930; "นามธรรมและความคิดสร้างสรรค์", 1931) ซึ่งรวมศิลปินจากหลากหลายเชื้อชาติและการเคลื่อนไหวเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 ส่วนใหญ่ในฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม ศิลปะนามธรรมยังไม่แพร่หลายในเวลานั้นและในช่วงกลางทศวรรษที่ 30 กลุ่มแตกสลาย ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง พ.ศ. 2482-2488 สำนักที่เรียกว่าลัทธิการแสดงออกทางนามธรรมเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา (จิตรกร เจ. พอลล็อค, เอ็ม. โทบีฯลฯ ) ซึ่งพัฒนาขึ้นหลังสงครามในหลายประเทศ (ภายใต้ชื่อ tachisme หรือ "ศิลปะไร้รูปแบบ") และประกาศว่าเป็นวิธีการ "ระบบอัตโนมัติทางจิตบริสุทธิ์" และการกระตุ้นความคิดสร้างสรรค์โดยจิตใต้สำนึกส่วนตัวลัทธิการผสมสีและพื้นผิวที่ไม่คาดคิด .
ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 50 ศิลปะการจัดวางและศิลปะป๊อปอาร์ตเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกา ซึ่งต่อมาได้ยกย่อง Andy Warhol ด้วยการหมุนเวียนภาพเหมือนของมาริลีน มอนโร และอาหารสุนัขกระป๋องอย่างไม่สิ้นสุด - ภาพปะติดที่เป็นนามธรรม ในศิลปกรรมแห่งทศวรรษที่ 60 รูปแบบนามธรรมแบบเรียบง่ายที่ก้าวร้าวน้อยที่สุดและคงที่ได้รับความนิยม ในเวลาเดียวกัน บาร์เน็ตต์ นิวแมนผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมเชิงเรขาคณิตของอเมริกาพร้อมด้วย A. Liberman, A. จัดขึ้นและ เค.โนแลนด์ประสบความสำเร็จในการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับ neoplasticism ของเนเธอร์แลนด์และ Suprematism ของรัสเซีย
การเคลื่อนไหวอีกประการหนึ่งของการวาดภาพอเมริกันเรียกว่านามธรรมแบบ "รงค์" หรือ "หลังจิตรกร" ตัวแทนของมันได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิโฟวิสม์และลัทธิหลังอิมเพรสชันนิสม์ในระดับหนึ่ง สไตล์ที่เฉียบคม เน้นโครงร่างของงานอย่างคมชัด อี. เคลลี่, เจ. ยุงเกอร์แมน, เอฟ. สเตลลาค่อยๆ หลีกทางให้กับภาพวาดที่มีลักษณะเศร้าโศกครุ่นคิด ในยุค 70 และ 80 ภาพวาดของอเมริกากลับมาเป็นรูปเป็นร่างอีกครั้ง ยิ่งกว่านั้น ปรากฏการณ์สุดโต่งอย่างความสมจริงด้วยแสงก็เริ่มแพร่หลายมากขึ้น นักประวัติศาสตร์ศิลปะส่วนใหญ่เห็นพ้องกันว่ายุค 70 เป็นช่วงเวลาแห่งความจริงสำหรับศิลปะอเมริกัน เนื่องจากในช่วงเวลานี้ในที่สุดมันก็หลุดพ้นจากอิทธิพลของยุโรปและกลายเป็นอเมริกันล้วนๆ อย่างไรก็ตาม แม้ว่าการกลับมาของรูปแบบและแนวเพลงแบบดั้งเดิม ตั้งแต่การวาดภาพบุคคลไปจนถึงการวาดภาพประวัติศาสตร์ แต่ลัทธินามธรรมก็ไม่ได้หายไป
ภาพวาดและผลงานศิลปะที่ "ไม่เป็นตัวแทน" ถูกสร้างขึ้นเหมือนเมื่อก่อน เนื่องจากการกลับคืนสู่ความสมจริงในสหรัฐอเมริกาไม่ได้ถูกเอาชนะโดยนามธรรมนิยมเช่นนี้ แต่โดยการบัญญัติให้เป็นนักบุญ การห้ามงานศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งระบุโดยหลักคือความสมจริงแบบสังคมนิยมของเรา และดังนั้นจึงอดไม่ได้ที่จะได้รับการพิจารณาว่าน่ารังเกียจในสังคม "ประชาธิปไตยเสรี" ซึ่งเป็นการห้ามประเภท "ต่ำ" เกี่ยวกับหน้าที่ทางสังคมของศิลปะ ในเวลาเดียวกันสไตล์ของการวาดภาพนามธรรมได้รับความนุ่มนวลบางอย่างที่มันขาดไปก่อนหน้านี้ - ปริมาตรที่เพรียวบาง, รูปทรงที่เบลอ, ความสมบูรณ์ของฮาล์ฟโทน, โทนสีที่ละเอียดอ่อน ( อี. เมอร์เรย์, จี. สเตฟาน, แอล. ริเวอร์ส, เอ็ม. มอร์ลีย์, แอล. เชส, เอ. เบียลบรอด).
แนวโน้มทั้งหมดนี้วางรากฐานสำหรับการพัฒนานามธรรมสมัยใหม่ ไม่มีอะไรที่หยุดนิ่งหรือสิ้นสุดในความคิดสร้างสรรค์ได้ เพราะนั่นจะทำให้มันตายได้ แต่ไม่ว่านามธรรมนิยมจะใช้เส้นทางใดก็ตาม ไม่ว่ามันจะผ่านการเปลี่ยนแปลงใดก็ตาม แก่นแท้ของมันยังคงไม่เปลี่ยนแปลงอยู่เสมอ ลัทธินามธรรมนิยมในวิจิตรศิลป์เป็นวิธีที่เข้าถึงได้และสูงส่งที่สุดในการจับภาพการดำรงอยู่ส่วนบุคคล และในรูปแบบที่เหมาะสมที่สุด เช่น การพิมพ์ทางโทรสาร ในขณะเดียวกัน นามธรรมนิยมคือการสำนึกถึงอิสรภาพโดยตรง
ทิศทาง
ในนามธรรมนิยม สามารถแยกแยะทิศทางที่ชัดเจนได้สองทิศทาง: นามธรรมทางเรขาคณิต โดยพื้นฐานแล้วมีการกำหนดค่าที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน (Malevich, Mondrian) และนามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งองค์ประกอบถูกจัดระเบียบจากรูปแบบที่ไหลอย่างอิสระ (Kandinsky) นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวอิสระขนาดใหญ่อื่นๆ อีกมากมายในงานศิลปะนามธรรม
ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม
การเคลื่อนไหวแนวหน้าในงานศิลปะวิจิตรศิลป์ที่มีต้นกำเนิดเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และโดดเด่นด้วยการใช้รูปทรงเรขาคณิตทั่วไปที่เน้นย้ำ ความปรารถนาที่จะ "แยก" วัตถุจริงออกเป็นสามมิติดั้งเดิม
ภูมิภาคนิยม (Rayism)
การเคลื่อนไหวในศิลปะนามธรรมในช่วงทศวรรษปี 1910 โดยมีพื้นฐานจากการเปลี่ยนแปลงของสเปกตรัมแสงและการส่งผ่านแสง แนวคิดของการเกิดขึ้นของรูปแบบจาก "จุดตัดของรังสีสะท้อนของวัตถุต่าง ๆ" นั้นเป็นลักษณะเฉพาะเนื่องจากสิ่งที่บุคคลรับรู้จริง ๆ ไม่ใช่วัตถุนั้นเอง แต่เป็น "ผลรวมของรังสีที่มาจากแหล่งกำเนิดแสงและสะท้อนจาก วัตถุ."
นีโอพลาสติกนิยม
การกำหนดความเคลื่อนไหวของศิลปะนามธรรมที่มีอยู่ในปี พ.ศ. 2460-2471 ในฮอลแลนด์และศิลปินที่รวมกันเป็นกลุ่มรอบนิตยสาร "De Stijl" ("Style") ลักษณะเฉพาะคือรูปทรงสี่เหลี่ยมที่ชัดเจนในสถาปัตยกรรมและการวาดภาพนามธรรมโดยจัดเรียงเป็นระนาบสี่เหลี่ยมขนาดใหญ่ทาสีด้วยสีปฐมภูมิของสเปกตรัม
ลัทธิออร์ฟิสซึม
ทิศทางในการวาดภาพฝรั่งเศสในคริสต์ทศวรรษ 1910 ศิลปิน Orphist พยายามที่จะแสดงพลวัตของการเคลื่อนไหวและดนตรีของจังหวะด้วยความช่วยเหลือของ "ความสม่ำเสมอ" ของการแทรกซึมของสีหลักของสเปกตรัมและจุดตัดกันของพื้นผิวโค้ง
ลัทธิสุพรีมาติสต์
ความเคลื่อนไหวในศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ก่อตั้งขึ้นในทศวรรษ 1910 มาเลวิช. มันถูกแสดงออกมาด้วยการผสมผสานระหว่างระนาบหลากสีของรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด การผสมผสานระหว่างรูปทรงเรขาคณิตหลากสีทำให้เกิดองค์ประกอบซูพรีมาติสต์ที่ไม่สมมาตรที่สมดุลซึ่งแทรกซึมไปด้วยการเคลื่อนไหวภายใน
ทาชิสเมะ
การเคลื่อนไหวในศิลปะนามธรรมของยุโรปตะวันตกในคริสต์ทศวรรษ 1950–60 ซึ่งแพร่หลายมากที่สุดในสหรัฐอเมริกา เป็นการวาดภาพด้วยจุดที่ไม่ได้สร้างภาพแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ แต่แสดงถึงกิจกรรมในจิตใต้สำนึกของศิลปิน ลายเส้น เส้น และจุดในทาชิสเมะถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบด้วยการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของมือโดยไม่ต้องมีการวางแผนล่วงหน้า
การแสดงออกเชิงนามธรรม
การเคลื่อนไหวของศิลปินวาดภาพอย่างรวดเร็วและบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่โดยใช้ลายเส้นที่ไม่ใช่รูปทรงเรขาคณิต แปรงขนาดใหญ่ บางครั้งหยดสีลงบนผืนผ้าใบเพื่อเผยให้เห็นอารมณ์อย่างเต็มที่ วิธีการลงสีที่สื่ออารมณ์ในที่นี้มักมีความสำคัญพอๆ กับการลงสีด้วยตัวเอง
ความเป็นนามธรรมในการตกแต่งภายใน
เมื่อเร็ว ๆ นี้นามธรรมได้เริ่มย้ายจากภาพวาดของศิลปินไปสู่การตกแต่งภายในที่สะดวกสบายของบ้านโดยได้รับการปรับปรุงให้เป็นประโยชน์ สไตล์มินิมอลโดยใช้รูปทรงที่ชัดเจนซึ่งบางครั้งก็ค่อนข้างแปลกทำให้ห้องไม่ธรรมดาและน่าสนใจ แต่มันง่ายมากที่จะหักโหมจนเกินไปด้วยสี พิจารณาการผสมผสานสีส้มในสไตล์การตกแต่งภายในนี้
สีขาวจะทำให้ส้มเข้มข้นเจือจางได้ดีที่สุด และในขณะเดียวกันก็ทำให้ส้มเย็นลงด้วย สีส้มทำให้ห้องรู้สึกร้อนขึ้นนิดหน่อย ไม่ได้ป้องกัน ควรเน้นที่เฟอร์นิเจอร์หรือดีไซน์ เช่น ผ้าคลุมเตียงสีส้ม ในกรณีนี้ผนังสีขาวจะบดบังความสว่างของสี แต่จะทำให้ห้องมีสีสัน ในกรณีนี้ภาพวาดที่มีขนาดเท่ากันจะทำหน้าที่เป็นส่วนเสริมที่ยอดเยี่ยม - สิ่งสำคัญคืออย่าหักโหมจนเกินไปมิฉะนั้นจะเกิดปัญหากับการนอนหลับ
การผสมสีส้มและสีน้ำเงินเป็นผลเสียต่อห้องใดๆ เว้นแต่จะเกี่ยวข้องกับห้องของเด็ก หากคุณเลือกเฉดสีที่ไม่สว่างพวกเขาจะเข้ากันได้ดีเพิ่มอารมณ์และจะไม่ส่งผลเสียแม้แต่กับเด็กซึ่งกระทำมากกว่าปกก็ตาม
สีส้มเข้ากันได้ดีกับสีเขียว โดยให้อารมณ์เหมือนต้นส้มเขียวหวานและสีช็อกโกแลต สีน้ำตาลเป็นสีที่มีตั้งแต่สีอุ่นไปจนถึงสีเย็น ดังนั้นจึงทำให้อุณหภูมิโดยรวมของห้องเป็นปกติได้ดี นอกจากนี้การผสมสีนี้ยังเหมาะสำหรับห้องครัวและห้องนั่งเล่นซึ่งคุณต้องสร้างบรรยากาศโดยไม่ต้องบรรทุกภายในมากเกินไป เมื่อตกแต่งผนังด้วยสีขาวและสีช็อคโกแลตคุณสามารถวางเก้าอี้สีส้มอย่างสงบหรือแขวนภาพที่สดใสด้วยสีส้มเขียวหวาน ในขณะที่คุณอยู่ในห้องนี้ คุณจะมีอารมณ์ดีและอยากทำอะไรหลายๆ อย่างให้ได้มากที่สุด
ภาพวาดโดยศิลปินแนวนามธรรมชื่อดัง
Kandinsky เป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะนามธรรม เขาเริ่มค้นหาแนวอิมเพรสชั่นนิสต์และจากนั้นก็มาถึงรูปแบบของนามธรรมนิยม ในงานของเขา เขาใช้ประโยชน์จากความสัมพันธ์ระหว่างสีและรูปแบบเพื่อสร้างประสบการณ์เชิงสุนทรีย์ที่โอบรับทั้งวิสัยทัศน์และอารมณ์ของผู้ชม เขาเชื่อว่านามธรรมที่สมบูรณ์นั้นให้ขอบเขตสำหรับการแสดงออกที่ล้ำลึกและล้ำลึก และการคัดลอกความเป็นจริงเพียงแต่ขัดขวางกระบวนการนี้เท่านั้น
การวาดภาพถือเป็นจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้งสำหรับคันดินสกี้ เขาพยายามที่จะถ่ายทอดความลึกของอารมณ์ของมนุษย์ผ่านภาษาภาพที่เป็นสากลของรูปทรงและสีนามธรรมที่จะก้าวข้ามขอบเขตทางกายภาพและวัฒนธรรม เขาเห็น ความเป็นนามธรรมเป็นโหมดภาพในอุดมคติที่สามารถแสดงออกถึง "ความจำเป็นภายใน" ของศิลปิน และถ่ายทอดความคิดและอารมณ์ของมนุษย์ เขาถือว่าตัวเองเป็นศาสดาพยากรณ์ที่มีภารกิจในการแบ่งปันอุดมคติเหล่านี้กับโลกเพื่อประโยชน์ของสังคม
ที่ซ่อนอยู่ในสีสดใสและเส้นสีดำที่ชัดเจนแสดงถึงคอสแซคหลายตัวที่มีหอก เช่นเดียวกับเรือ ตัวเลข และปราสาทบนยอดเขา เช่นเดียวกับภาพวาดหลายๆ ภาพในยุคนี้ มันจินตนาการถึงการต่อสู้ที่ล่มสลายที่จะนำไปสู่ความสงบสุขชั่วนิรันดร์
เพื่ออำนวยความสะดวกในการพัฒนารูปแบบการวาดภาพที่ไม่มีวัตถุประสงค์ตามที่อธิบายไว้ในผลงานของเขาเรื่อง On the Spiritual in Art (1912) Kandinsky ลดขนาดวัตถุให้เป็นสัญลักษณ์รูปภาพ ด้วยการลบการอ้างอิงถึงโลกภายนอกส่วนใหญ่ Kandinsky ได้แสดงวิสัยทัศน์ของเขาในรูปแบบที่เป็นสากลมากขึ้น โดยแปลแก่นแท้ทางจิตวิญญาณของเรื่องผ่านรูปแบบทั้งหมดเหล่านี้เป็นภาษาภาพ ตัวเลขเชิงสัญลักษณ์เหล่านี้จำนวนมากถูกทำซ้ำและปรับปรุงในผลงานชิ้นหลังของเขา จนกลายเป็นนามธรรมมากยิ่งขึ้น
คาซิเมียร์ มาเลวิช
แนวคิดของมาเลวิชเกี่ยวกับรูปแบบและความหมายในงานศิลปะนำไปสู่การมุ่งความสนใจไปที่ทฤษฎีรูปแบบศิลปะนามธรรม Malevich ทำงานกับรูปแบบการวาดภาพที่แตกต่างกัน แต่มุ่งเน้นไปที่การศึกษารูปทรงเรขาคณิตล้วนๆ (สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม วงกลม) และความสัมพันธ์ระหว่างกันในพื้นที่ภาพ ด้วยการติดต่อของเขาในตะวันตก Malevich จึงสามารถถ่ายทอดแนวคิดของเขาเกี่ยวกับการวาดภาพให้กับเพื่อนศิลปินในยุโรปและสหรัฐอเมริกาได้ และด้วยเหตุนี้จึงมีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อวิวัฒนาการของศิลปะสมัยใหม่
"แบล็กสแควร์" (2458)
ภาพวาดอันโด่งดัง "Black Square" ถูกแสดงครั้งแรกโดย Malevich ในนิทรรศการที่เมือง Petrograd ในปี 1915 งานนี้รวบรวมหลักการทางทฤษฎีของ Suprematism ที่พัฒนาโดย Malevich ในบทความของเขาเรื่อง "From Cubism and Futurism to Suprematism: New Realism in Painting"
บนผืนผ้าใบด้านหน้าผู้ชมมีรูปแบบนามธรรมในรูปแบบของสี่เหลี่ยมสีดำที่วาดบนพื้นหลังสีขาว - มันเป็นองค์ประกอบเดียวขององค์ประกอบ แม้ว่าภาพวาดจะดูเรียบง่าย แต่ก็มีองค์ประกอบต่างๆ เช่น ลายนิ้วมือและฝีแปรงที่มองเห็นได้ผ่านชั้นสีดำ
สำหรับ Malevich สี่เหลี่ยมหมายถึงความรู้สึก และสีขาวหมายถึงความว่างเปล่า ความว่างเปล่า เขามองเห็นจัตุรัสสีดำที่มีลักษณะเหมือนพระเจ้า เป็นไอคอน ราวกับว่ามันจะกลายเป็นภาพศักดิ์สิทธิ์ใหม่สำหรับงานศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง แม้แต่ในนิทรรศการ ภาพวาดนี้ก็ยังถูกวางไว้ในตำแหน่งที่มักจะวางไอคอนไว้ในบ้านของรัสเซีย
พีต มอนเดรียน
Piet Mondrian หนึ่งในผู้ก่อตั้งขบวนการ Dutch De Stijl ได้รับการยอมรับในเรื่องความบริสุทธิ์ของนามธรรมและการปฏิบัติตามระเบียบวิธีของเขา เขาทำให้องค์ประกอบของภาพวาดของเขาเรียบง่ายขึ้นอย่างมากเพื่อที่จะนำเสนอสิ่งที่เขาเห็นไม่ใช่โดยตรง แต่เป็นรูปเป็นร่าง และเพื่อสร้างภาษาสุนทรีย์ที่ชัดเจนและเป็นสากลบนผืนผ้าใบของเขา ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 Mondrian ได้ลดรูปทรงของเขาลงเหลือเพียงเส้นและสี่เหลี่ยม และใช้จานสีของเขาให้เรียบง่ายที่สุด การใช้ความสมดุลแบบอสมมาตรกลายเป็นพื้นฐานในการพัฒนางานศิลปะสมัยใหม่ และผลงานนามธรรมอันเป็นเอกลักษณ์ของเขายังคงมีอิทธิพลในการออกแบบและคุ้นเคยกับวัฒนธรรมสมัยนิยมในปัจจุบัน
"The Grey Tree" คือตัวอย่างของการเปลี่ยนแปลงไปสู่สไตล์ในช่วงแรกของ Mondrian ความเป็นนามธรรม- ไม้สามมิติถูกย่อให้เป็นเส้นและระนาบที่ง่ายที่สุด โดยใช้เพียงสีเทาและสีดำ
ภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในผลงานชุดหนึ่งของ Mondrian ที่สร้างขึ้นด้วยแนวทางที่สมจริงมากขึ้น เช่น ต้นไม้ถูกนำเสนอในลักษณะที่เป็นธรรมชาติ ในขณะที่งานต่อมากลายเป็นนามธรรมมากขึ้น เช่น เส้นของต้นไม้ลดลงจนแทบไม่เห็นรูปร่างของต้นไม้และรองจากองค์ประกอบโดยรวมของเส้นแนวตั้งและแนวนอน ที่นี่คุณยังคงเห็นความสนใจของ Mondrian ที่จะละทิ้งการจัดโครงสร้างเส้นสายที่จัดโครงสร้างไว้ ขั้นตอนนี้มีความสำคัญต่อการพัฒนานามธรรมอันบริสุทธิ์ของมอนเดรียน
โรเบิร์ต เดโลเนย์
Delaunay เป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกสุดในสไตล์ศิลปะนามธรรม งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาทิศทางนี้โดยอิงจากความตึงเครียดในการเรียบเรียงที่เกิดจากการขัดแย้งของสี เขาตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของสีสันแบบนีโออิมเพรสชั่นนิสต์อย่างรวดเร็วและติดตามโทนสีของผลงานในรูปแบบนามธรรมอย่างใกล้ชิด เขาถือว่าสีและแสงเป็นเครื่องมือหลักที่สามารถมีอิทธิพลต่อความเป็นจริงของโลกได้
ในปี 1910 Delaunay ได้มีส่วนสนับสนุน Cubism ในรูปแบบของภาพวาดสองชุดที่แสดงถึงมหาวิหารและหอไอเฟล ซึ่งผสมผสานรูปแบบลูกบาศก์ การเคลื่อนไหวแบบไดนามิก และสีสันสดใส วิธีใหม่ในการใช้ความกลมกลืนของสีนี้ช่วยแยกแยะสไตล์นี้จากลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบออร์โธดอกซ์ กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Orphism และมีอิทธิพลต่อศิลปินชาวยุโรปในทันที ภรรยาของ Delaunay ศิลปิน Sonia Turk-Delone ยังคงวาดภาพในสไตล์เดียวกันต่อไป
งานหลักของ Delaunay อุทิศให้กับหอไอเฟล ซึ่งเป็นสัญลักษณ์อันโด่งดังของฝรั่งเศส นี่เป็นหนึ่งในภาพวาดที่น่าประทับใจที่สุดในบรรดาภาพวาดสิบเอ็ดชุดที่อุทิศให้กับหอไอเฟลระหว่างปี 1909 ถึง 1911 ทาสีแดงสด ซึ่งทำให้เห็นความแตกต่างจากสีเทาของเมืองโดยรอบทันที ขนาดผืนผ้าใบที่น่าประทับใจยังช่วยเสริมความยิ่งใหญ่ของอาคารแห่งนี้อีกด้วย เช่นเดียวกับผี หอคอยแห่งนี้ตั้งตระหง่านเหนือบ้านเรือนโดยรอบ สั่นคลอนรากฐานของระเบียบเก่าในเชิงเปรียบเทียบ ภาพวาดของ Delaunay สื่อถึงความรู้สึกของการมองโลกในแง่ดีอย่างไร้ขอบเขต ความไร้เดียงสา และความสดใหม่ของช่วงเวลาที่ยังไม่เคยพบเห็นสงครามโลกครั้งที่สองมาก่อน
ฟรานติเสก กุปก้า
Frantisek Kupka เป็นศิลปินชาวเชโกสโลวาเกียที่วาดภาพในสไตล์นี้ ความเป็นนามธรรมสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะปราก ในฐานะนักเรียน เขาวาดภาพเกี่ยวกับความรักชาติเป็นหลักและเขียนเรียงความทางประวัติศาสตร์ ผลงานในช่วงแรกของเขาเป็นผลงานทางวิชาการมากกว่า อย่างไรก็ตาม สไตล์ของเขาได้พัฒนาไปตลอดหลายปีที่ผ่านมา และในที่สุดก็ได้ขยับเข้าสู่งานศิลปะนามธรรม เขียนขึ้นในลักษณะที่เหมือนจริงมาก แม้แต่ผลงานในยุคแรกๆ ของเขาก็มีธีมและสัญลักษณ์เหนือจริงที่ลึกลับ ซึ่งยังคงดำเนินต่อไปเมื่อเขียนนามธรรม คุปก้าเชื่อว่าศิลปินและผลงานของเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง ซึ่งธรรมชาตินั้นไม่มีขีดจำกัด เหมือนกับความสัมบูรณ์
“อมอร์ฟา. ความทรงจำในสองสี" (1907-1908)
เริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2450-2451 Kupka เริ่มวาดภาพเหมือนของเด็กผู้หญิงที่ถือลูกบอลอยู่ในมือราวกับว่าเธอกำลังจะเล่นหรือเต้นรำกับมัน จากนั้นเขาก็พัฒนาภาพแผนผังของมันมากขึ้นเรื่อยๆ และในที่สุดก็ได้รับชุดภาพวาดนามธรรมที่สมบูรณ์ พวกเขาถูกสร้างขึ้นมาในจานสีจำนวนจำกัดซึ่งประกอบด้วยสีแดง น้ำเงิน ดำ และขาว ในปี 1912 ที่ Salon d'Automne ผลงานนามธรรมชิ้นหนึ่งได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะเป็นครั้งแรกในปารีส
ศิลปินนามธรรมสมัยใหม่
ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ศิลปินรวมถึง Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky ได้ทำการทดลองกับรูปทรงของวัตถุและการรับรู้ของพวกเขา และยังตั้งคำถามกับหลักการที่มีอยู่ในงานศิลปะด้วย เราได้เตรียมศิลปินนามธรรมร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดจำนวนหนึ่งซึ่งตัดสินใจก้าวข้ามขอบเขตของความรู้และสร้างความเป็นจริงของตนเอง
ศิลปินชาวเยอรมัน เดวิด ชเนลล์(เดวิด ชเนลล์) ชอบเดินเล่นในสถานที่ซึ่งเมื่อก่อนเต็มไปด้วยธรรมชาติ แต่ปัจจุบันกลับเต็มไปด้วยอาคารของมนุษย์ ตั้งแต่สนามเด็กเล่นไปจนถึงโรงงาน ความทรงจำของการเดินเหล่านี้ให้กำเนิดภูมิทัศน์นามธรรมที่สดใสของเขา David Schnell มอบจินตนาการและความทรงจำของเขาอย่างอิสระ แทนที่จะสร้างภาพถ่ายและวิดีโอ สร้างภาพวาดที่มีลักษณะคล้ายกับความเป็นจริงเสมือนของคอมพิวเตอร์หรือภาพประกอบสำหรับหนังสือนิยายวิทยาศาสตร์
เมื่อสร้างสรรค์ผลงานภาพวาดนามธรรมขนาดใหญ่ของเธอศิลปินชาวอเมริกัน คริสติน เบเกอร์(คริสติน เบเกอร์) ได้รับแรงบันดาลใจจากประวัติศาสตร์ศิลปะและการแข่งรถของ Nascar และ Formula 1 ขั้นแรกเธอให้มิติการทำงานของเธอด้วยการทาสีอะครีลิคหลายชั้นและปิดเงาด้วยเทป จากนั้น คริสตินก็ลอกมันออกอย่างระมัดระวัง โดยเผยให้เห็นชั้นสีที่อยู่ด้านล่าง และทำให้พื้นผิวของภาพวาดของเธอดูเหมือนเป็นภาพต่อกันหลากสีหลายชั้น ในขั้นตอนสุดท้ายของการทำงาน เธอขจัดสิ่งผิดปกติทั้งหมดออก ทำให้ภาพวาดของเธอรู้สึกเหมือนกับการเอ็กซเรย์
ในผลงานของเธอ ศิลปินชาวกรีกจากบรูคลิน นิวยอร์ก เอเลอันนา อันนาญอส(เอเลนนา อานาญอส) สำรวจแง่มุมต่างๆ ในชีวิตประจำวันที่มักจะหลีกหนีจากมุมมองของผู้คน ในระหว่าง "การสนทนากับผืนผ้าใบ" แนวคิดธรรมดาได้รับความหมายและแง่มุมใหม่: พื้นที่เชิงลบกลายเป็นเชิงบวก และรูปแบบขนาดเล็กจะมีขนาดเพิ่มขึ้น ด้วยความพยายามที่จะเติม "ชีวิตชีวาให้กับภาพวาดของเธอ" ด้วยวิธีนี้ เอเลนน่าพยายามปลุกจิตใจมนุษย์ ซึ่งหยุดถามคำถามและเปิดรับสิ่งใหม่ๆ
ก่อให้เกิดการกระเด็นและรอยเปื้อนสีสดใสบนผืนผ้าใบโดยศิลปินชาวอเมริกัน ซาราห์ สปิตเลอร์(ซาราห์ สปิตเลอร์) มุ่งมั่นที่จะสะท้อนถึงความโกลาหล หายนะ ความไม่สมดุล และความยุ่งเหยิงในงานของเธอ เธอสนใจแนวคิดเหล่านี้เพราะอยู่นอกเหนือการควบคุมของมนุษย์ ดังนั้นพลังทำลายล้างของพวกเขาจึงทำให้ผลงานนามธรรมของ Sarah Spitler มีพลัง มีพลัง และน่าตื่นเต้น นอกจาก. ภาพผลลัพธ์บนผืนผ้าใบที่ทำจากหมึก สีอะครีลิค ดินสอกราไฟท์ และเคลือบฟัน เน้นย้ำถึงความชั่วคราวและสัมพัทธภาพของสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัว
แรงบันดาลใจจากสถาปัตยกรรม ศิลปินจากเมืองแวนคูเวอร์ ประเทศแคนาดา เจฟฟ์ แดปเนอร์(เจฟฟ์ เดปเนอร์) สร้างสรรค์ภาพวาดนามธรรมหลายชั้นที่ประกอบด้วยรูปทรงเรขาคณิต ใน "ความโกลาหล" ทางศิลปะที่เขาสร้างขึ้น เจฟฟ์แสวงหาความกลมกลืนของสี รูปแบบ และองค์ประกอบ องค์ประกอบแต่ละอย่างในภาพวาดของเขาเชื่อมโยงถึงกันและนำไปสู่องค์ประกอบถัดไป: “ผลงานของฉันสำรวจโครงสร้างการจัดองค์ประกอบ [ของภาพวาด] ผ่านความสัมพันธ์ของสีในจานสีที่เลือก...” ตามที่ศิลปินกล่าวไว้ ภาพวาดของเขาคือ "สัญญาณนามธรรม" ที่ควรพาผู้ชมไปสู่ระดับใหม่ที่หมดสติ
นามธรรมในงานศิลปะ!
ลัทธินามธรรม!
ลัทธินามธรรม- นี่คือทิศทางในการวาดภาพซึ่งเน้นในรูปแบบพิเศษ
จิตรกรรมนามธรรม ศิลปะนามธรรม หรือประเภทนามธรรม หมายถึง การปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงสิ่งและรูปแบบที่แท้จริง
นามธรรมมีจุดมุ่งหมายเพื่อกระตุ้นอารมณ์และความเชื่อมโยงบางอย่างในตัวบุคคล เพื่อจุดประสงค์เหล่านี้ ภาพวาดในรูปแบบนามธรรมจะพยายามแสดงความกลมกลืนของสี รูปร่าง เส้น จุด และอื่นๆ รูปร่างและการผสมสีทั้งหมดที่อยู่ในขอบเขตของภาพจะมีแนวคิด การแสดงออก และความหมายในตัวเอง ไม่ว่าผู้ชมจะดูเป็นอย่างไร เมื่อดูภาพที่ไม่มีสิ่งใดเลยนอกจากเส้นและรอยจุด ทุกอย่างที่เป็นนามธรรมจะต้องอยู่ภายใต้กฎการแสดงออกบางประการ ที่เรียกว่า "องค์ประกอบทางนามธรรม"
นามธรรมในงานศิลปะ!
Abstractionism ในฐานะการเคลื่อนไหวในการวาดภาพ เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 พร้อมๆ กันในหลายประเทศในยุโรป
เชื่อกันว่าภาพวาดนามธรรมถูกคิดค้นและพัฒนาโดย Wassily Kandinsky ศิลปินชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่
ผู้ก่อตั้งและผู้สร้างแรงบันดาลใจของลัทธินามธรรมที่ได้รับการยอมรับคือศิลปิน Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka และ Robert Delaunay ซึ่งในงานทางทฤษฎีของพวกเขาได้กำหนดแนวทางของคำจำกัดความของ "Abstractionism" เป้าหมายและวัตถุประสงค์ที่แตกต่างกัน การวิจัยของพวกเขาได้รวมเป็นหนึ่งเดียว: นามธรรมนิยมซึ่งเป็นขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ด้านภาพ สร้างสรรค์รูปแบบที่มีอยู่ในงานศิลปะเท่านั้น ศิลปิน "อิสระ" จากการคัดลอกความเป็นจริงคิดในภาพพิเศษของหลักการทางจิตวิญญาณที่เข้าใจไม่ได้ของจักรวาล "แก่นแท้ของจิตวิญญาณ" ชั่วนิรันดร์ "พลังของจักรวาล"
ภาพวาดนามธรรมซึ่งทำให้โลกศิลปะระเบิดอย่างแท้จริงกลายเป็นสัญลักษณ์ของการเริ่มต้นยุคใหม่ในการวาดภาพ ยุคนี้หมายถึงการเปลี่ยนแปลงอย่างสิ้นเชิงจากกรอบการทำงานและข้อจำกัดต่างๆ ไปสู่เสรีภาพในการแสดงออกโดยสมบูรณ์ ศิลปินไม่ได้ผูกพันกับสิ่งใดอีกต่อไป เขาสามารถวาดภาพได้ไม่เพียงแต่ผู้คน ฉากในชีวิตประจำวันและแนวเพลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิด อารมณ์ ความรู้สึก และใช้การแสดงออกในรูปแบบใดก็ได้สำหรับสิ่งนี้
ปัจจุบัน นามธรรมในงานศิลปะมีความกว้างและหลากหลายมากจนถูกแบ่งออกเป็นหลายประเภท สไตล์ และประเภทต่างๆ ศิลปินหรือกลุ่มศิลปินแต่ละคนพยายามที่จะสร้างสรรค์บางสิ่งบางอย่างของตนเอง ซึ่งเป็นสิ่งพิเศษที่สามารถเข้าถึงความรู้สึกและความรู้สึกของบุคคลได้ดีที่สุด การบรรลุสิ่งนี้โดยไม่ใช้ตัวเลขและวัตถุที่จดจำได้นั้นเป็นเรื่องยากมาก ด้วยเหตุนี้ผืนผ้าใบของศิลปินนามธรรมซึ่งทำให้เกิดความรู้สึกพิเศษอย่างแท้จริงและสร้างความประหลาดใจให้กับความงามและการแสดงออกขององค์ประกอบนามธรรมจึงสมควรได้รับความเคารพอย่างสูงและตัวศิลปินเองก็ถือเป็นอัจฉริยะด้านการวาดภาพอย่างแท้จริง
จิตรกรรมนามธรรม!
นับตั้งแต่การถือกำเนิดของศิลปะนามธรรม มีสองบรรทัดหลักได้ปรากฏอยู่ในนั้น
ประการแรกคือนามธรรมทางเรขาคณิตหรือเชิงตรรกะ การสร้างพื้นที่โดยการรวมรูปทรงเรขาคณิต ระนาบสี เส้นตรงและเส้นขาด มันถูกรวมไว้ใน Suprematism ของ K. Malevich, neoplasticism ของ P. Mondrian, orphism ของ R. Delaunay ในผลงานของปรมาจารย์ด้านนามธรรมหลังจิตรกรและศิลปะสหกรณ์
ประการที่สองคือนามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ - อารมณ์ซึ่งมีการจัดองค์ประกอบจากรูปแบบและจังหวะที่ไหลอย่างอิสระแสดงโดยผลงานของ V. Kandinsky ผลงานของปรมาจารย์ด้านการแสดงออกเชิงนามธรรม tachisme และศิลปะนอกระบบ
จิตรกรรมนามธรรม!
ศิลปะนามธรรมซึ่งเป็นภาพวาดที่แสดงออกถึงความเป็นบุคคลเป็นพิเศษนั้นเริ่มแรกอยู่ในใต้ดินมาเป็นเวลานาน ศิลปะนามธรรมก็เหมือนกับศิลปะแนวอื่นๆ มากมายในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ ถูกเยาะเย้ย แม้กระทั่งประณามและเซ็นเซอร์ว่าเป็นศิลปะที่ไม่มีความหมายใดๆ อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป ตำแหน่งของนามธรรมก็เปลี่ยนไป และตอนนี้มันก็มีอยู่เทียบเท่ากับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ทั้งหมด
ในฐานะที่เป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะ Abstractionism มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวและการพัฒนารูปแบบสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ การออกแบบ อุตสาหกรรม ศิลปะประยุกต์และการตกแต่ง
ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะนามธรรมที่ได้รับการยอมรับ:วาซิลี คันดินสกี้, คาซิเมียร์ มาเลวิช, ฟรานติเซค คุปก้า พอล คลี, พีต มอนเดรียน, ธีโอ ฟาน โดสเบิร์ก, ร็อบเบอร์ เดเลาเนย์, มิคาอิล ลาริโอนอฟ, ลิวบอฟ โปโปวา, แจ็คสัน พอลลอค, โจเซฟ อัลเบอร์ส
นามธรรมสมัยใหม่ในการวาดภาพ!
ในงานศิลปะสมัยใหม่ นามธรรมนิยมได้กลายเป็นภาษาสำคัญของการสื่อสารทางอารมณ์อย่างลึกซึ้งระหว่างศิลปินและผู้ชม
ในลัทธินามธรรมสมัยใหม่ มีทิศทางใหม่ที่น่าสนใจเกิดขึ้น เช่น การใช้ภาพพิเศษที่มีรูปแบบสีต่างๆ ดังนั้นในงานของ Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh พื้นที่ของสีขาว - ความตึงเครียดสูงสุดของสี - โดยทั่วไปจะเต็มไปด้วยความเป็นไปได้ของตัวแปรที่ไม่มีที่สิ้นสุดทำให้สามารถใช้ทั้งแนวคิดเลื่อนลอยเกี่ยวกับกฎทางจิตวิญญาณและแสงของแสง การสะท้อน.
ในลัทธินามธรรมสมัยใหม่ พื้นที่เริ่มมีบทบาทใหม่และสร้างภาระทางความหมายที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่นมีช่องว่างของเครื่องหมายและสัญลักษณ์ที่เกิดขึ้นจากส่วนลึกของจิตสำนึกที่เก่าแก่
ในลัทธินามธรรมสมัยใหม่ ทิศทางของโครงเรื่องก็กำลังพัฒนาเช่นกัน ในกรณีนี้ ในขณะที่ยังคงรักษาความไม่เที่ยงธรรม ภาพนามธรรมจะถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่กระตุ้นให้เกิดการเชื่อมโยงเฉพาะ - ในระดับที่แตกต่างกันของนามธรรม
นามธรรมสมัยใหม่นั้นไม่มีที่สิ้นสุดในขอบเขต: จากสถานการณ์ที่เป็นวัตถุประสงค์ไปจนถึงระดับปรัชญาของหมวดหมู่นามธรรมที่เป็นรูปเป็นร่าง ในทางกลับกัน ในการวาดภาพนามธรรมสมัยใหม่ รูปภาพอาจดูเหมือนภาพของโลกมหัศจรรย์บางประเภท - ตัวอย่างเช่น สถิตยศาสตร์เชิงนามธรรม
บทความอื่น ๆ ในส่วนนี้:
- ระบบสื่อสารภาษา! ภาษาเป็นปัจจัยหลักในระบบการพัฒนาความรู้!
- ประเพณี ประเพณีคืออะไร? ประเพณีในการพัฒนาวิภาษวิธีของสังคม
- พื้นที่และเวลา กฎแห่งอวกาศ ลาน. ความเคลื่อนไหว. พื้นที่ของโลก
- วิวัฒนาการและวิวัฒนาการร่วมกัน วิวัฒนาการและวิวัฒนาการร่วมกันในระบบความรู้สมัยใหม่ หลักการวิวัฒนาการและวิวัฒนาการร่วม วิวัฒนาการทางชีวภาพและวิวัฒนาการร่วมกันของธรรมชาติที่มีชีวิต
- การทำงานร่วมกันและกฎของธรรมชาติ การทำงานร่วมกันเป็นวิทยาศาสตร์ การทำงานร่วมกันเป็นแนวทางและวิธีการทางวิทยาศาสตร์ ทฤษฎีวิวัฒนาการสากลคือการทำงานร่วมกัน
- เป็นไปได้หรือไม่ใช่! ลานตาของเหตุการณ์และการกระทำผ่านปริซึมเป็นไปไม่ได้และเป็นไปได้!
- โลกแห่งศาสนา! ศาสนาเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกของมนุษย์ในการตระหนักถึงโลกรอบตัว!
- ศิลปะ - ศิลปะ! ศิลปะเป็นทักษะที่สามารถสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความชื่นชมได้!
- ความสมจริง! ความสมจริงในงานศิลปะ! ศิลปะที่สมจริง!
- ศิลปะอย่างไม่เป็นทางการ! ศิลปะอย่างไม่เป็นทางการของสหภาพโซเวียต!
- แธรช - แธรช! ขยะในงานศิลปะ! ขยะในความคิดสร้างสรรค์! ขยะในวรรณคดี! ขยะโรงหนัง! ถังขยะไซเบอร์! แทรชเมทัล! เทเลแทรช!
- จิตรกรรม! การวาดภาพคือศิลปะ! การวาดภาพคือศิลปะของศิลปิน! ศีลของการวาดภาพ ผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพ
- Vernissage - “vernissage” เปิดตัวนิทรรศการศิลปะครั้งยิ่งใหญ่!
- ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบในการวาดภาพ แนวคิดเรื่อง “ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบ” ในการวาดภาพ
- ต้นทุนภาพวาดของศิลปินร่วมสมัย จะซื้อภาพวาดได้อย่างไร?
รูปแบบลำกล้องเดี่ยว วิลเลียม มอร์ริส
"ศิลปะนามธรรม" หรือที่เรียกอีกอย่างว่า "ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง", "ไม่เป็นรูปเป็นร่าง", "ไม่เป็นตัวแทน", "นามธรรมทางเรขาคณิต" หรือ "ศิลปะคอนกรีต" เป็นคำที่คลุมเครือสำหรับชิ้นงานจิตรกรรมหรือประติมากรรมใดๆ ที่ ไม่แสดงถึงวัตถุหรือฉากที่เป็นที่รู้จัก อย่างไรก็ตาม อย่างที่เราเห็น ไม่มีความเห็นพ้องต้องกันที่ชัดเจนเกี่ยวกับคำจำกัดความ ประเภท หรือความหมายเชิงสุนทรีย์ของศิลปะนามธรรม ปิกัสโซคิดว่าไม่มีสิ่งใดเลย ในขณะที่นักประวัติศาสตร์ศิลป์บางคนเชื่อว่างานศิลปะทั้งหมดเป็นนามธรรม เพราะยกตัวอย่าง ไม่มีภาพวาดใดที่สามารถหวังจะเป็นอะไรได้มากไปกว่าการสรุปคร่าวๆ เกี่ยวกับสิ่งที่ศิลปินเห็น นอกจากนี้ยังมีระดับนามธรรมแบบเลื่อนจากกึ่งนามธรรมไปจนถึงนามธรรมทั้งหมด ดังนั้นในขณะที่ทฤษฎีค่อนข้างชัดเจน ศิลปะนามธรรมแยกออกจากความเป็นจริง แต่งานภาคปฏิบัติในการแยกนามธรรมออกจากงานที่ไม่ใช่นามธรรมอาจเป็นปัญหาได้มากกว่ามาก
แนวคิดของศิลปะนามธรรมคืออะไร?
เริ่มจากตัวอย่างง่ายๆ กันก่อน มาวาดภาพบางสิ่งที่ไม่ดี (ไม่เป็นธรรมชาติ) กันดีกว่า การแสดงภาพออกมาเป็นที่ต้องการอย่างมาก แต่หากสีสันของภาพสวยงาม การออกแบบก็อาจทำให้เราประหลาดใจได้ สิ่งนี้แสดงให้เห็นว่าคุณภาพที่เป็นทางการ (สี) สามารถแทนที่คุณภาพในการนำเสนอ (ภาพวาด) ได้อย่างไร
ในทางกลับกัน ภาพวาดเหมือนจริงของบ้านอาจแสดงกราฟิกที่ยอดเยี่ยม แต่เนื้อหาเรื่อง โทนสี และองค์ประกอบโดยรวมอาจดูน่าเบื่อโดยสิ้นเชิง
เหตุผลเชิงปรัชญาในการประเมินคุณค่าคุณสมบัติที่เป็นทางการทางศิลปะเกิดจากการยืนยันของเพลโตที่ว่า "เส้นตรงและวงกลม... ไม่เพียงแต่สวยงามเท่านั้น... แต่ยังเป็นนิรันดร์และสวยงามอย่างแท้จริง"
การบรรจบกัน, แจ็คสัน พอลลอค, 1952
โดยพื้นฐานแล้ว คำพูดของเพลโตหมายความว่าภาพที่ไม่เป็นธรรมชาติ (วงกลม สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม ฯลฯ) มีความงามที่สมบูรณ์และไม่เปลี่ยนแปลง ดังนั้น ภาพวาดสามารถชื่นชมได้จากเส้นและสีเท่านั้น โดยไม่จำเป็นต้องพรรณนาถึงวัตถุหรือฉากตามธรรมชาติ ศิลปิน นักพิมพ์หิน และนักทฤษฎีศิลปะชาวฝรั่งเศส มอริซ เดนิส (พ.ศ. 2413-2486) มีความคิดแบบเดียวกันเมื่อเขาเขียนว่า: "โปรดจำไว้ว่าภาพนั้นก่อนที่มันจะกลายเป็นม้าศึกหรือหญิงเปลือย...โดยพื้นฐานแล้วจะมีพื้นผิวเรียบปกคลุมอยู่ ด้วยสีที่รวบรวมมาตามลำดับที่แน่นอน”
แฟรงค์ สเตลล่า
ประเภทของศิลปะนามธรรม
เพื่อให้ทุกอย่างง่ายขึ้น เราสามารถแบ่งศิลปะนามธรรมออกเป็นหกประเภทหลัก:
- เส้นโค้ง
- ขึ้นอยู่กับสีหรือแสง
- เรขาคณิต
- ทางอารมณ์หรือสัญชาตญาณ
- ท่าทาง
- มินิมอลลิสต์
ประเภทเหล่านี้บางประเภทมีความเป็นนามธรรมน้อยกว่าประเภทอื่น ๆ แต่ทั้งหมดเกี่ยวข้องกับการแยกศิลปะออกจากความเป็นจริง
ศิลปะนามธรรมแบบเส้นโค้ง
สายน้ำผึ้ง, วิลเลียม มอร์ริส, 1876
ประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องอย่างมากกับศิลปะเซลติก ซึ่งใช้ลวดลายนามธรรมหลากหลายรูปแบบ รวมถึงปม (แปดประเภทหลัก) รูปแบบการสอดประสาน และเกลียว (รวมถึง Triskele หรือ Triskelion) ลวดลายเหล่านี้ไม่ได้ถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยชาวเคลต์ วัฒนธรรมในยุคแรกๆ อื่นๆ จำนวนมากใช้การออกแบบของชาวเซลติกเหล่านี้ตลอดหลายศตวรรษ อย่างไรก็ตาม เป็นเรื่องที่ยุติธรรมที่จะกล่าวว่านักออกแบบชาวเซลติกได้เติมชีวิตชีวาให้กับรูปแบบเหล่านี้ ทำให้มันซับซ้อนและซับซ้อนมากขึ้น ต่อมาพวกเขากลับมาในช่วงศตวรรษที่ 19 และเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษจากปกหนังสือ ผ้า วอลล์เปเปอร์ และการออกแบบลายลาย เช่นผลงานของ William Morris (1834-96) และ Arthur Maczmurdo (1851-1942) นามธรรมแบบโค้งยังโดดเด่นด้วยแนวคิด "การวาดภาพที่ไม่มีที่สิ้นสุด" ซึ่งเป็นคุณลักษณะที่แพร่หลายของศิลปะอิสลาม
ศิลปะนามธรรมจากสีหรือแสง
วอเตอร์ลิลลี่, โคล้ด โมเนต์
ประเภทนี้เป็นตัวอย่างในผลงานของเทิร์นเนอร์และโมเนต์ ซึ่งใช้สี (หรือแสง) ในลักษณะที่จะแยกงานศิลปะออกจากความเป็นจริงเมื่อวัตถุสลายตัวกลายเป็นเม็ดสีที่หมุนวน ตัวอย่าง ได้แก่ ภาพวาด Water Lily โดย Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musee d’Orsay, Paris), Paul Seruzier (1864-1927) ภาพวาดแนวเอ็กเพรสชั่นนิสต์ของ Kandinsky หลายภาพในช่วงเวลาที่เขาอยู่กับ Der Blaue Reiter นั้นใกล้เคียงกับนามธรรมมาก นามธรรมของสีปรากฏขึ้นอีกครั้งในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และ 50 ในรูปแบบของการวาดภาพสีที่พัฒนาโดย Mark Rothko (1903-70) และ Barnett Newman (1905-70) ในทศวรรษที่ 1950 ในฝรั่งเศส จิตรกรรมนามธรรมหลากหลายรูปแบบคู่ขนานที่เกี่ยวข้องกับสี เรียกว่านามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ก็ได้ถือกำเนิดขึ้น
เครื่องรางของขลัง, พอล เซรูซิเยร์
นามธรรมทางเรขาคณิต
Boogie-Woogie บนเวทีบรอดเวย์, Piet Mondrian, 1942
ศิลปะนามธรรมทางปัญญาประเภทนี้มีมาตั้งแต่ปี 1908 รูปแบบพื้นฐานในยุคแรกคือลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยเฉพาะลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเชิงวิเคราะห์ ซึ่งปฏิเสธมุมมองเชิงเส้นและภาพลวงตาของความลึกเชิงพื้นที่ในการวาดภาพเพื่อมุ่งเน้นไปที่ลักษณะสองมิติ นามธรรมทางเรขาคณิตเรียกอีกอย่างว่าศิลปะคอนกรีตและศิลปะไร้วัตถุ ดังที่ใครๆ คาดคิดไว้ ภาพนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยภาพที่ไม่เป็นธรรมชาติ ซึ่งมักจะเป็นรูปทรงเรขาคณิต เช่น วงกลม สี่เหลี่ยม สามเหลี่ยม สี่เหลี่ยม ฯลฯ ในแง่หนึ่ง ไม่มีการอ้างอิงหรือเชื่อมโยงกับโลกธรรมชาติเลย ลัทธินามธรรมทางเรขาคณิตถือเป็นสิ่งที่บริสุทธิ์ที่สุด รูปแบบของนามธรรม อาจกล่าวได้ว่าศิลปะที่เป็นรูปธรรมคือศิลปะนามธรรม ส่วนการรับประทานวีแกนคือการทานมังสวิรัติ นามธรรมทางเรขาคณิตแสดงโดยวงกลมสีดำ (พ.ศ. 2456, พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) วาดโดย Kazimir Malevich (พ.ศ. 2421-2478) (ผู้ก่อตั้ง Suprematism); Boogie-Woogie บนบรอดเวย์ (1942, MoMA, นิวยอร์ก) Piet Mondrian (1872-1944) (ผู้ก่อตั้ง neo-plasticism); และ Composition VIII (The Cow) (1918, MoMA, New York) โดย Theo Van Doesburg (1883-1931) (ผู้ก่อตั้ง De Stijl และ Elementarism) ตัวอย่างอื่นๆ ได้แก่ผลงาน Address to the Square โดย Josef Albers (พ.ศ. 2431-2519) และ Op-Art โดย Victor Vasarely (พ.ศ. 2449-2540)
วงกลมสีดำ, คาซิเมียร์ มาเลวิช, 1920
องค์ประกอบที่ 8, ธีโอ แวน ดอสเบิร์ก
ศิลปะนามธรรมทางอารมณ์หรือสัญชาตญาณ
ศิลปะประเภทนี้รวบรวมเอาการผสมผสานสไตล์ที่มีธีมร่วมกันคือแนวโน้มที่เป็นธรรมชาติ ความเป็นธรรมชาตินี้เกิดขึ้นในรูปทรงและสีที่ใช้ ซึ่งแตกต่างจากนามธรรมทางเรขาคณิตซึ่งเกือบจะต่อต้านธรรมชาติ นามธรรมตามสัญชาตญาณมักจะแสดงให้เห็นธรรมชาติ แต่ในรูปแบบที่เป็นตัวแทนน้อยกว่า แหล่งที่มาที่สำคัญ 2 แหล่งสำหรับศิลปะนามธรรมประเภทนี้คือ: นามธรรมเชิงอินทรีย์ (หรือที่เรียกว่านามธรรมทางชีวมอร์ฟิก) และสถิตยศาสตร์ บางทีศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดที่เชี่ยวชาญด้านศิลปะรูปแบบนี้คือ Mark Rothko (1938-70) ที่เกิดในรัสเซีย ตัวอย่างอื่นๆ ได้แก่ ภาพวาดของคันดินสกี เช่น Composition No. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) และ Composition VII (1913, Tretyakov Gallery); Woman (1934, Private Collection) โดย Joan Miró (1893-1983) และ Indefinite Divisibility (1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) โดย Yves Tanguy (1900-55)
การหารไม่แน่นอน อีฟ ตองกี
ศิลปะนามธรรมด้วยท่าทาง (ท่าทาง)
ไม่มีชื่อ, ดี. พอลล็อค, 1949
นี่เป็นรูปแบบหนึ่งของการแสดงออกทางนามธรรมซึ่งกระบวนการสร้างสรรค์ผลงานจิตรกรรมมีความสำคัญมากกว่าปกติ ตัวอย่างเช่น การทาสีด้วยวิธีที่ผิดปกติ ลายเส้นมักจะหลวมและรวดเร็วมาก จิตรกรชาวอเมริกันที่มีชื่อเสียงในการวาดภาพด้วยท่าทาง ได้แก่ แจ็กสัน พอลลอค (ค.ศ. 1912-1956) ผู้ประดิษฐ์ภาพวาดแนวแอ็คชั่น และลี คราสเนอร์ ภรรยาของเขา (ค.ศ. 1908-84) ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้เขาประดิษฐ์เทคนิคของตนเอง ที่เรียกว่า "การวาดภาพแบบหยด"; Willem de Kooning (1904-97) เป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาในซีรีส์ Woman; และโรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ (พ.ศ. 2455-56) ในยุโรป แบบฟอร์มนี้แสดงโดยกลุ่มงูเห่า โดยเฉพาะ Karel Appel (พ.ศ. 2464-2549)
ศิลปะนามธรรมที่เรียบง่าย
การเรียนรู้การวาด, Ed Reinhardt, 1939
สิ่งที่เป็นนามธรรมประเภทนี้เป็นศิลปะแนวหน้าซึ่งปราศจากการอ้างอิงและการเชื่อมโยงจากภายนอกทั้งหมด นี่คือสิ่งที่คุณเห็น - และไม่มีอะไรเพิ่มเติม มักจะเป็นรูปทรงเรขาคณิต การเคลื่อนไหวนี้ถูกครอบงำโดยช่างแกะสลัก แม้ว่าจะรวมถึงศิลปินผู้ยิ่งใหญ่บางคนด้วย เช่น Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (เกิดปี 1936) ซึ่งภาพวาดมีขนาดใหญ่และมีกลุ่มรูปแบบและสี; Sean Scully (เกิดปี 1945) ศิลปินชาวอเมริกันเชื้อสายไอริชซึ่งมีสีเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าดูเหมือนเลียนแบบโครงสร้างยุคก่อนประวัติศาสตร์ในรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ Joe Baer (เกิดปี 1929), Ellsworth Kelly (ปี 1923-2015), Robert Mangold (เกิดปี 1937), Brice Marden (เกิดปี 1938), Agnes Martin (ปี 1912-2004) และ Robert Ryman (เกิดปี 1930) 
เอลส์เวิร์ธ เคลลี่
แฟรงค์ สเตลล่า
เป็นธรรมชาติของมนุษย์ที่จะจัดเรียงทุกอย่างลงชั้นวาง ค้นหาสถานที่สำหรับทุกสิ่ง และตั้งชื่อให้กับมัน สิ่งนี้อาจเป็นเรื่องยากโดยเฉพาะในงานศิลปะ โดยที่ความสามารถจัดอยู่ในประเภทที่ไม่อนุญาตให้บีบบุคคลหรือการเคลื่อนไหวทั้งหมดลงในเซลล์ของแคตตาล็อกที่เรียงลำดับทั่วไป นามธรรมเป็นเพียงแนวคิดดังกล่าว เป็นที่ถกเถียงกันมานานกว่าศตวรรษ
Abstractio - ความฟุ้งซ่าน, การแยกจากกัน
วิธีการวาดภาพที่แสดงออก ได้แก่ เส้น รูปร่าง สี หากคุณแยกสิ่งเหล่านั้นออกจากค่า การอ้างอิง และการเชื่อมโยงที่ไม่จำเป็น สิ่งเหล่านั้นจะกลายเป็นอุดมคติและสัมบูรณ์ เพลโตยังพูดถึงความงามที่แท้จริงและถูกต้องของเส้นตรงและรูปทรงเรขาคณิตอีกด้วย การไม่มีการเปรียบเทียบระหว่างสิ่งที่ปรากฎกับวัตถุจริงเป็นการเปิดทางให้มีอิทธิพลต่อผู้ดูของบางสิ่งที่ยังไม่มีใครรู้จัก ซึ่งไม่สามารถเข้าถึงได้ด้วยจิตสำนึกธรรมดา ความสำคัญทางศิลปะของภาพวาดนั้นควรสูงกว่าความสำคัญของสิ่งที่แสดงให้เห็น เพราะการวาดภาพที่มีพรสวรรค์ทำให้เกิดโลกแห่งประสาทสัมผัสแบบใหม่
นี่คือวิธีที่นักปฏิรูปศิลปินให้เหตุผล สำหรับพวกเขา ลัทธินามธรรมเป็นวิธีหนึ่งในการค้นหาวิธีการที่มีพลังที่มองไม่เห็นมาก่อน
ศตวรรษใหม่ - ศิลปะใหม่
นักวิจารณ์ศิลปะโต้แย้งว่าศิลปะนามธรรมคืออะไร นักประวัติศาสตร์ศิลปะปกป้องมุมมองของตนเองอย่างกระตือรือร้น โดยเติมเต็มจุดว่างในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพนามธรรม แต่คนส่วนใหญ่เห็นด้วยกับเวลาเกิดของเขา: ในปี 1910 ที่มิวนิก Wassily Kandinsky (1866-1944) จัดแสดงผลงานของเขา "Untitled. (สีน้ำนามธรรมชุดแรก)”
ในไม่ช้า Kandinsky ในหนังสือของเขาเรื่อง "On the Spiritual in Art" ได้ประกาศปรัชญาของขบวนการใหม่
สิ่งสำคัญคือความประทับใจ
เราไม่ควรคิดว่าความเป็นนามธรรมในการวาดภาพเกิดขึ้นจากที่ไหนเลย อิมเพรสชั่นนิสต์แสดงความหมายใหม่ของสีและแสงในการวาดภาพ ในเวลาเดียวกัน บทบาทของเปอร์สเป็คทีฟเชิงเส้น การยึดมั่นในสัดส่วน ฯลฯ มีความสำคัญน้อยลง ปรมาจารย์ชั้นนำในยุคนั้นทั้งหมดอยู่ภายใต้อิทธิพลของสไตล์นี้
ภูมิทัศน์ของ James Whistler (1834-1903) "กลางคืน" และ "ซิมโฟนี" ของเขาชวนให้นึกถึงผลงานชิ้นเอกของศิลปินแนวนามธรรมอย่างน่าประหลาดใจ อย่างไรก็ตาม Whistler และ Kandinsky มีการประสานกัน - ความสามารถในการมอบสีสันพร้อมเสียงของคุณสมบัติบางอย่าง และสีสันในงานของพวกเขาก็ฟังดูเหมือนดนตรี
ในผลงานของ Paul Cézanne (พ.ศ. 2382-2449) โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงปลายงานของเขา รูปร่างของวัตถุเปลี่ยนไปทำให้เกิดการแสดงออกแบบพิเศษ ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ Cezanne ถูกเรียกว่าเป็นผู้บุกเบิกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม
ทั่วไปเคลื่อนไปข้างหน้า
นามธรรมในงานศิลปะก่อตัวขึ้นเป็นการเคลื่อนไหวเดียวในความก้าวหน้าทั่วไปของอารยธรรม ปัญญาชนรู้สึกตื่นเต้นกับทฤษฎีใหม่ในปรัชญาและจิตวิทยา ศิลปินกำลังมองหาความเชื่อมโยงระหว่างโลกแห่งจิตวิญญาณกับวัตถุ ปัจเจกบุคคลและจักรวาล ดังนั้น ในการอ้างเหตุผลของทฤษฎีนามธรรมของ Kandinsky เขาจึงอาศัยแนวคิดที่แสดงออกในหนังสือเชิงปรัชญาของ Helena Blavatsky (1831-1891)
การค้นพบขั้นพื้นฐานในสาขาฟิสิกส์ เคมี และชีววิทยาได้เปลี่ยนแปลงแนวคิดเกี่ยวกับโลกและอิทธิพลของอิทธิพลของมนุษย์ที่มีต่อธรรมชาติ ความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีได้ลดขนาดของโลกซึ่งเป็นขนาดของจักรวาลลง
ด้วยการพัฒนาอย่างรวดเร็วของการถ่ายภาพ ศิลปินหลายคนจึงตัดสินใจให้ฟังก์ชันนี้ทำหน้าที่บันทึกภาพ พวกเขาแย้งว่างานจิตรกรรมไม่ใช่การลอกเลียนแบบ แต่เพื่อสร้างความเป็นจริงใหม่
ศิลปะนามธรรมคือการปฏิวัติ และคนที่มีความสามารถซึ่งมีทัศนคติทางจิตที่ละเอียดอ่อนรู้สึกว่า: ถึงเวลาของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่กำลังจะมาถึง พวกเขาไม่ผิด ศตวรรษที่ 20 เริ่มต้นและดำเนินต่อไปด้วยการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในชีวิตของอารยธรรมทั้งหมดอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน
บิดาผู้ก่อตั้ง
นอกจาก Kandinsky แล้ว Kazimir Malevich (1879-1935) และชาวดัตช์ Piet Mondrian (1872-1944) ก็เป็นจุดกำเนิดของขบวนการใหม่
ใครไม่รู้จัก "Black Square" ของ Malevich? นับตั้งแต่เปิดตัวในปี 1915 ก็สร้างความตื่นเต้นให้กับทั้งมืออาชีพและคนทั่วไป บางคนมองว่ามันเป็นทางตัน ส่วนบางคนมองว่าเป็นเพียงความขุ่นเคือง แต่งานของอาจารย์ทั้งหมดพูดถึงการเปิดโลกทัศน์ใหม่ในงานศิลปะของการก้าวไปข้างหน้า
ทฤษฎีของ Suprematism (lat. supremus - สูงสุด) พัฒนาโดย Malevich ยืนยันความเป็นอันดับหนึ่งของสีท่ามกลางวิธีการวาดภาพอื่น ๆ เปรียบเทียบกระบวนการวาดภาพกับการสร้างสรรค์ "ศิลปะบริสุทธิ์" ในความหมายสูงสุด สัญญาณที่ลึกซึ้งและภายนอกของลัทธิซูพรีมาติสม์สามารถพบได้ในผลงานของศิลปินร่วมสมัย สถาปนิก และนักออกแบบ
ผลงานของ Mondrian มีอิทธิพลแบบเดียวกันกับคนรุ่นต่อๆ ไป เนื้องอกของเขามีพื้นฐานอยู่บนรูปแบบทั่วไปและการใช้สีที่เปิดกว้างและไม่บิดเบี้ยวอย่างระมัดระวัง เส้นแนวนอนและแนวตั้งสีดำตรงบนพื้นหลังสีขาวสร้างตารางที่มีเซลล์ขนาดต่างๆ และเซลล์ต่างๆ จะเต็มไปด้วยสีในท้องถิ่น การแสดงออกของภาพวาดของปรมาจารย์กระตุ้นให้ศิลปินเข้าใจอย่างสร้างสรรค์หรือลอกเลียนแบบโดยสุ่มสี่สุ่มห้า ศิลปินและนักออกแบบใช้นามธรรมเพื่อสร้างวัตถุที่สมจริงมาก ลวดลายมอนเดรียนพบได้ทั่วไปในโครงการสถาปัตยกรรม
เปรี้ยวจี๊ดรัสเซีย - บทกวีของคำศัพท์
ศิลปินชาวรัสเซียเปิดกว้างเป็นพิเศษต่อแนวคิดของเพื่อนร่วมชาติ - Kandinsky และ Malevich แนวคิดเหล่านี้เข้ากันได้อย่างยิ่งกับยุคแห่งการกำเนิดและการก่อตัวของระบบสังคมใหม่อันวุ่นวาย ทฤษฎีลัทธิซูพรีมาติสม์ได้รับการเปลี่ยนแปลงโดย Lyubov Popova (1889-1924) และ (1891-1956) ไปสู่แนวปฏิบัติของคอนสตรัคติวิสต์ ซึ่งมีอิทธิพลเป็นพิเศษต่อสถาปัตยกรรมใหม่ วัตถุที่สร้างขึ้นในยุคนั้นยังคงได้รับการศึกษาโดยสถาปนิกทั่วโลก
มิคาอิล ลาริโอนอฟ (พ.ศ. 2424-2507) และนาตาลียา กอนชาโรวา (พ.ศ. 2424-2505) กลายเป็นผู้ก่อตั้งลัทธิเรยอนหรือลัทธิภูมิภาคนิยม พวกเขาพยายามแสดงการสลับซับซ้อนของรังสีและระนาบแสงที่ปล่อยออกมาจากทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวโลก
Alexandra Esther (2425-2492), (2425-2510), Olga Rozanova (2429-2461), Nadezhda Udaltsova (2429-2504) เข้าร่วมในเวลาที่ต่างกันในขบวนการ Cubo-Futurist ซึ่งทำงานเกี่ยวกับบทกวีด้วย
ลัทธินามธรรมในการวาดภาพเป็นตัวแสดงแนวคิดสุดโต่งมาโดยตลอด แนวคิดเหล่านี้สร้างความรำคาญแก่เจ้าหน้าที่ของรัฐเผด็จการ ในสหภาพโซเวียตและต่อมาในนาซีเยอรมนี นักอุดมการณ์ได้กำหนดอย่างรวดเร็วว่าศิลปะประเภทใดที่สามารถเข้าใจได้และจำเป็นสำหรับผู้คน และในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 ศูนย์กลางของการพัฒนาศิลปะนามธรรมได้ย้ายไปอยู่ที่อเมริกา
ช่องทางหนึ่งสตรีม
ศิลปะนามธรรมเป็นคำจำกัดความที่ค่อนข้างคลุมเครือ เมื่อใดก็ตามที่เป้าหมายของความคิดสร้างสรรค์ไม่มีการเปรียบเทียบที่เป็นรูปธรรมในโลกรอบๆ เราก็พูดถึงสิ่งที่เป็นนามธรรม ในบทกวี ในดนตรี ในบัลเล่ต์ ในสถาปัตยกรรม ในศิลปกรรม รูปแบบและประเภทของทิศทางนี้มีความหลากหลายเป็นพิเศษ
ศิลปะนามธรรมในการวาดภาพประเภทต่อไปนี้สามารถแยกแยะได้:
การจัดองค์ประกอบสี: ในพื้นที่ของผืนผ้าใบสีเป็นสิ่งสำคัญและวัตถุจะละลายไปตามการเล่นสี (Kandinsky, Frank Kupka (2424-2500), Orphist (2428-2484), Mark Rothko (2446-2513) , บาร์เน็ตต์ นิวแมน (1905-1970))
ลัทธินามธรรมเชิงเรขาคณิตเป็นจิตรกรรมแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ชาญฉลาดและมีการวิเคราะห์มากกว่า เขาปฏิเสธมุมมองเชิงเส้นและภาพลวงตาของความลึก แก้ปัญหาความสัมพันธ์ของรูปแบบเรขาคณิต (Malevich, Mondrian, ผู้ธาตุ Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), สาวกของ op art (1906-1997) )).
นามธรรมที่แสดงออก - กระบวนการสร้างภาพมีความสำคัญอย่างยิ่งที่นี่บางครั้งวิธีการลงสีเช่นในหมู่ศิลปินทาชิ (จากทาช - คราบ) (Jackson Pollock (2455-2499) จิตรกรทาชิ Georges Mathieu (1921-2012), วิลเลม เดอ คูนิ่ง (1904-1997), โรเบิร์ต มาเธอร์เวลล์ (1912-1956))
มินิมัลลิสม์เป็นการหวนคืนสู่ต้นกำเนิดของศิลปะแนวหน้า รูปภาพปราศจากการอ้างอิงและการเชื่อมโยงภายนอกโดยสิ้นเชิง (เกิดปี 1936), Sean Scully (เกิดปี 1945), Ellsworth Kelly (เกิดปี 1923))
ศิลปะนามธรรมเป็นเรื่องของอดีตหรือไม่?
แล้วศิลปะนามธรรมตอนนี้คืออะไร? ตอนนี้คุณสามารถอ่านบนอินเทอร์เน็ตได้ว่าการวาดภาพนามธรรมเป็นเรื่องของอดีตแล้ว เปรี้ยวจี๊ดรัสเซีย สี่เหลี่ยมสีดำ - ใครต้องการมัน? ถึงเวลาแล้วสำหรับข้อมูลที่รวดเร็วและชัดเจน
ข้อมูล: หนึ่งในภาพวาดที่แพงที่สุดในปี 2549 ขายได้มากกว่า 140 ล้านดอลลาร์ มันถูกเรียกว่า “หมายเลข 5.1948” ผู้เขียนคือ Jackson Pollock ศิลปินแนวนามธรรมที่แสดงออก
สำหรับฉัน ประการแรก รูปแบบของนามธรรมนิยมคือการต่อต้านตรรกะของอารยธรรม ประวัติศาสตร์อารยธรรมศตวรรษที่ผ่านมาทั้งหมดสร้างขึ้นจากสูตร อัลกอริธึม หลักการ สมการ และกฎเกณฑ์ต่างๆ อย่างไรก็ตาม เป็นธรรมชาติของมนุษย์ที่จะต้องมุ่งมั่นเพื่อความสมดุลและความสามัคคี ในการเชื่อมโยงนี้ ในตอนเช้าของศตวรรษแห่งการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี การเคลื่อนไหวทางศิลปะดังกล่าวปรากฏขึ้น ซึ่งไม่เป็นไปตามหลักการวาดภาพแบบคลาสสิก แต่ในทางกลับกัน ทำหน้าที่เป็นเป้าหมายในการให้เสรีภาพแก่จิตใต้สำนึกและ วุ่นวายเมื่อมองแวบแรกไร้ความหมาย แต่ด้วยเหตุนี้จึงทำให้บุคคลมีโอกาสที่จะปลดปล่อยตัวเองจากอิทธิพลของบรรทัดฐานและหลักปฏิบัติและรักษาความสามัคคีภายใน
ลัทธินามธรรม(จากภาษาละติน abstractus - ระยะไกลนามธรรม) การเคลื่อนไหวที่กว้างขวางมากในงานศิลปะของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1910 ในหลายประเทศในยุโรป ลัทธินามธรรมมีลักษณะพิเศษคือการใช้องค์ประกอบที่เป็นทางการโดยเฉพาะเพื่อแสดงความเป็นจริง โดยที่การเลียนแบบหรือการนำเสนอความเป็นจริงอย่างถูกต้องไม่ใช่จุดสิ้นสุดในตัวมันเอง 
ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม ได้แก่ ศิลปินชาวรัสเซีย Piet Mondrian ชาวดัตช์, Robert Delaunay ชาวฝรั่งเศส และ Frantisek Kupka ชาวเช็ก วิธีการวาดภาพของพวกเขามีพื้นฐานอยู่บนความปรารถนาที่จะ "ประสานกัน" การสร้างการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่างเพื่อทำให้เกิดการเชื่อมโยงต่างๆ ในตัวผู้ดู 
ในนามธรรมนิยม สามารถแยกแยะทิศทางที่ชัดเจนได้สองทิศทาง: นามธรรมทางเรขาคณิต โดยพื้นฐานแล้วมีการกำหนดค่าที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน (Malevich, Mondrian) และนามธรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งองค์ประกอบถูกจัดระเบียบจากรูปแบบที่ไหลอย่างอิสระ (Kandinsky) นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวอิสระขนาดใหญ่อื่นๆ อีกมากมายในงานศิลปะนามธรรม 
ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม- การเคลื่อนไหวแนวหน้าในงานศิลปะที่มีต้นกำเนิดเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และโดดเด่นด้วยการใช้รูปทรงเรขาคณิตทั่วไปที่เน้นย้ำ ความปรารถนาที่จะ "แยก" วัตถุจริงออกเป็นสามมิติดั้งเดิม 
ภูมิภาคนิยม (Rayism)- ทิศทางในศิลปะนามธรรมของคริสต์ทศวรรษ 1910 โดยอาศัยการเปลี่ยนแปลงของสเปกตรัมแสงและการส่งผ่านแสง แนวคิดของการเกิดขึ้นของรูปแบบจาก "จุดตัดของรังสีสะท้อนของวัตถุต่าง ๆ" นั้นเป็นลักษณะเฉพาะเนื่องจากสิ่งที่บุคคลรับรู้จริง ๆ ไม่ใช่วัตถุนั้นเอง แต่เป็น "ผลรวมของรังสีที่มาจากแหล่งกำเนิดแสงและสะท้อนจาก วัตถุ." 
นีโอพลาสติกนิยม- การกำหนดทิศทางของศิลปะนามธรรมที่มีอยู่ในปี พ.ศ. 2460-2471 ในฮอลแลนด์และศิลปินที่รวมกันเป็นกลุ่มรอบนิตยสาร "De Stijl" ("Style") ลักษณะเฉพาะคือรูปทรงสี่เหลี่ยมที่ชัดเจนในสถาปัตยกรรมและการวาดภาพนามธรรมโดยจัดเรียงเป็นระนาบสี่เหลี่ยมขนาดใหญ่ทาสีด้วยสีปฐมภูมิของสเปกตรัม 
ลัทธิออร์ฟิสซึม- ทิศทางในการวาดภาพฝรั่งเศสในช่วงปี 1910 ศิลปิน Orphist พยายามที่จะแสดงพลวัตของการเคลื่อนไหวและดนตรีของจังหวะด้วยความช่วยเหลือของ "ความสม่ำเสมอ" ของการแทรกซึมของสีหลักของสเปกตรัมและจุดตัดกันของพื้นผิวโค้ง 
ลัทธิสุพรีมาติสต์- ขบวนการศิลปะแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ก่อตั้งขึ้นในทศวรรษ 1910 มาเลวิช. มันถูกแสดงออกมาด้วยการผสมผสานระหว่างระนาบหลากสีของรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด การผสมผสานระหว่างรูปทรงเรขาคณิตหลากสีทำให้เกิดองค์ประกอบซูพรีมาติสต์ที่ไม่สมมาตรที่สมดุลซึ่งแทรกซึมไปด้วยการเคลื่อนไหวภายใน 
ทาชิสเมะ- ความเคลื่อนไหวในศิลปะนามธรรมของยุโรปตะวันตกในช่วงทศวรรษ 1950-60 ซึ่งแพร่หลายมากที่สุดในสหรัฐอเมริกา เป็นการวาดภาพด้วยจุดที่ไม่ได้สร้างภาพแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ แต่แสดงถึงกิจกรรมในจิตใต้สำนึกของศิลปิน ลายเส้น เส้น และจุดในทาชิสเมะถูกนำไปใช้กับผืนผ้าใบด้วยการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของมือโดยไม่ต้องมีการวางแผนล่วงหน้า 
การแสดงออกเชิงนามธรรม- การเคลื่อนไหวของศิลปินวาดภาพอย่างรวดเร็วและบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่โดยใช้ลายเส้นที่ไม่ใช่รูปทรงเรขาคณิต แปรงขนาดใหญ่ บางครั้งหยดสีลงบนผืนผ้าใบเพื่อเผยให้เห็นอารมณ์อย่างเต็มที่ วิธีการลงสีที่สื่ออารมณ์ในที่นี้มักมีความสำคัญพอๆ กับการลงสีด้วยตัวเอง 