ทำไมเช็คสเปียร์ถึงเป็นผู้ชายในโรงละคร ทำไมเช็คสเปียร์ไม่ตีพิมพ์บทละครของเขา? เช็คสเปียร์ไม่ได้ตีพิมพ์ในเชิงพาณิชย์

เชกสเปียร์ เมื่อฉันเขียนเกี่ยวกับ “ละครในชีวิตของฉัน” ฉันต้องเขียนถึงความหมายของเชคสเปียร์ที่มีต่อฉัน สำหรับฉัน ดูเหมือนว่าในชีวิตของคนๆ หนึ่ง นอกจากความรักต่อใครสักคนแล้ว อาจมีความรักในบางสิ่งบางอย่างด้วย กล่าวคือ รัก. ไม่ใช่รส ไม่ใช่ความโน้มเอียง แต่เป็นรักแท้ ลึกซึ้ง

วิลเลียม เชคสเปียร์ 23 เมษายนเป็นวันที่มีความสุขที่สุดและในเวลาเดียวกันก็เศร้าในประวัติศาสตร์วรรณกรรม วันนี้เมื่อปี 1564 วิลเลียม เชกสเปียร์ ประสูติ (สมมติว่าคุณยอมรับข้อสันนิษฐานที่สมเหตุสมผลว่าการบัพติศมาของเขาเกิดขึ้นและลงทะเบียนไว้สามวันต่อมา

เช็คสเปียร์ภายใต้ Globe England จะแตกต่างออกไปหากไม่มีนักแสดง กวี และนักเขียนบทละคร นักปฏิรูปละคร ชายผู้กระตุ้นรสนิยมและความคิดของผู้คน เช็คสเปียร์เป็นอัจฉริยะ แต่เราอาจไม่รู้เกี่ยวกับเขาเลย ถ้าไม่ใช่เพราะขุนนางผู้สูงศักดิ์ในสมัยทิวดอร์และสจ๊วต ยอดเยี่ยม

นอกจากการพัฒนาบทกวีละครในอังกฤษแล้ว การผลิตละครเวทียังได้รับการปรับปรุงอีกด้วย คุ้มค่ามาก ละครของเช็คสเปียร์กระตุ้นความสนใจในโครงสร้างของโรงละครในสมัยของเขา ความรู้เกี่ยวกับฉากเวทีเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการทำความเข้าใจละครของเช็คสเปียร์ เช่นเดียวกับละครของโซโฟคลีสและยูริพิดีสที่จะเข้าใจได้ก็ต่อเมื่อมีความรู้เกี่ยวกับโครงสร้างของโรงละครกรีกเท่านั้น ละครอังกฤษก็เหมือนกับละครกรีกที่มีต้นกำเนิดมาจากละครทางศาสนา คริสตจักรคาทอลิกอนุญาตให้มีองค์ประกอบที่ตลกขบขันในความลึกลับและศีลธรรม การปฏิรูปไม่ยอมให้เขา อังกฤษยอมรับลัทธิคาลวินในรูปแบบที่นุ่มนวลที่รัฐบาลมอบให้ กษัตริย์และขุนนางตามแนวคิดในการก่อตั้งสถาบันของนิกายเชิร์ชออฟอิงแลนด์ ไม่มีอะไรต่อต้านโรงละครเลย แม้แต่อุปถัมภ์โรงละครด้วยซ้ำ ต้องขอบคุณความเต็มใจที่จะใช้เงินในการแสดง อดีตคณะนักแสดงสมัครเล่นจึงถูกแทนที่ด้วยซากศพของศิลปินมืออาชีพ คณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์หลวงแสดงการแสดงที่ราชสำนักของเอลิซาเบธ ภายใต้การอุปถัมภ์ของขุนนางมีการจัดตั้งคณะนักแสดงอื่น ๆ ขึ้นเพื่อการแสดงในเมืองใหญ่และในพระราชวังในชนบทของขุนนาง คณะละครบางคณะได้รับสิทธิเรียกว่าราชวงศ์ พวกเขาแสดงในโรงแรมโดยอ้างว่าสิ่งนี้ได้รับอนุญาตตามสิทธิพิเศษของชื่อของพวกเขา รอบๆ นักแสดง ผู้คนที่มีชีวิตวุ่นวายรวมตัวกันอยู่ในโรงแรม พวกเขาเป็นส่วนสำคัญของผู้ชม โดยเฉพาะในโรงละครในลอนดอน แม้ว่าลอนดอนจะแซงหน้าเมืองต่างๆ ของยุโรปทั้งในด้านจำนวนประชากรและความมั่งคั่ง มีคนโสดหลายพันคนที่ไม่เคยขาดแคลนเวลาว่างหรือเงินเพื่อความบันเทิง ช่างฝีมือ อู่ต่อเรือ และคนงานในโรงงานเต็มลานภายในซึ่งเป็นเวทีของโรงละครอังกฤษในยุคนั้น ผู้ชมในชั้นเรียนที่ยากจนกว่านั้นเข้ามาอยู่ในแกลเลอรี เหล่านี้เป็นกะลาสีเรือ คนรับใช้ และสตรีข้างถนน

โรงละครแห่งนี้เป็นสถานที่พบปะของสังคมอังกฤษทุกชนชั้น สำหรับคนทั่วไป มีโรงละครแย่ๆ มากมายในลอนดอน แต่นอกจากพวกเขาแล้ว ยังมีชนชั้นสูงอีกหลายคน ที่นั่นในแถวแรกของแผงขายของ ต่อหน้านักแสดง เป็นอิสระจากการแสดงในเย็นวันนั้น กวีและนักวิจารณ์ นั่งผู้อุปถัมภ์ศิลปะการละครผู้สูงศักดิ์ ส่วนใหญ่เป็นขุนนางที่ยังไม่แต่งงาน ที่มาดูบนเวทีว่าสิ่งที่พวกเขาครอบครองในชีวิต: การหาประโยชน์ทางทหาร, การผจญภัยแห่งความรัก, การวางอุบายในศาล ขุนนางหนุ่มเหล่านี้ไม่สนใจละครจากประวัติศาสตร์การปฏิรูปซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของชนชั้นกลาง พวกเขาเป็นเพื่อนกับนักแสดงโดยไม่ลืมว่าในแวดวงของพวกเขามีความเหนือกว่าพวกเขาในด้านสถานะทางสังคม เช็คสเปียร์ก็มีผู้อุปถัมภ์เช่นนี้เช่นกัน พวกเขาประพฤติตัวไม่สุภาพไม่เพียง แต่กับนักแสดงที่พวกเขาให้เกียรติด้วยมิตรภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ชมละครด้วย สำหรับหลายๆ คน เก้าอี้ถูกวางไว้บนเวทีและระหว่างฉาก บางคนไม่ได้นั่งบนเก้าอี้ แต่นอนบนพรมที่ปูไว้สำหรับพวกเขา ผู้ชมสูบบุหรี่ ดื่มเบียร์ กินแอปเปิ้ล แทะถั่ว และในระหว่างช่วงพักครึ่ง พวกเขาเล่นไพ่และสนุกสนานกับเทปสีแดง ที่ด้านล่างของแกลเลอรี่ทั้งสองแห่งของ Globus Theatre มีสตรีผู้มีคุณธรรมง่าย ๆ ที่ได้รับค่าตอบแทนจากคนรวยและมีเกียรติ ผู้หญิงเหล่านี้ประพฤติตนไม่สุภาพมาก ภรรยาของผู้ผลิตและพ่อค้าบางคนนั่งอยู่ข้างหลังพวกเขา แต่ปกปิดใบหน้าด้วยหน้ากากอนามัย โดยทั่วไปแล้วการเยี่ยมชมโรงละครถือว่าไม่เหมาะสมสำหรับผู้หญิงที่ซื่อสัตย์ ไม่มีนักแสดง บทบาทของผู้หญิงเล่นโดยเด็กวัยรุ่น คุณต้องรู้สิ่งนี้เพื่อที่จะเข้าใจว่าทำไมแม้แต่นางเอกในละครของเช็คสเปียร์ก็มักใช้สำนวนที่ไม่เหมาะสม และเนื้อหาหลายประการในละครของเขาอธิบายได้จากการไม่มีผู้หญิงที่ถ่อมตัว สำหรับผู้ชมที่มีเกียรติ เขาจะเชิญกษัตริย์ จักรพรรดินี สุภาพบุรุษผู้สูงศักดิ์ และสุภาพสตรีที่พูดภาษาสละสลวยขึ้นสู่เวที และสำหรับคนทั่วไป ฉากการ์ตูนหยาบคายก็ถูกแทรกเข้าไปในละครของเขา ผู้คนในชนชั้นกลาง - ชาวเมือง, ครู, นักวิทยาศาสตร์, นักบวช, แพทย์ - มักจะปรากฎในเช็คสเปียร์ในฉากการ์ตูนเท่านั้นซึ่งทำหน้าที่เป็นเรื่องตลกสำหรับตัวละครผู้สูงศักดิ์

วิลเลี่ยมเชคสเปียร์

ชนชั้นกลางจึงถูกแยกออกจากโรงละคร แม้กระทั่งเป็นปฏิปักษ์ต่อโรงละครก็ตาม ชาวเมืองผู้มั่งคั่งที่น่านับถือเหล่านี้ อุทิศตนให้กับการปฏิรูป มีใจแข็งกระด้าง เคร่งครัดมุมมองชีวิตบิดาของวีรบุรุษแห่งรัฐสภายาวและ รีพับลิกันไม่ได้ไปชมโรงละครและถูกเช็คสเปียร์เพิกเฉย ในขณะเดียวกัน สังคมชนชั้นนี้มีความสำคัญที่สุดในชีวิตทางการเมืองของอังกฤษและเป็นสังคมที่น่านับถือมากที่สุด พลังงานของเขาเตรียมอนาคตอันยิ่งใหญ่ของชาติอังกฤษ ประกอบด้วยพ่อค้าและนักอุตสาหกรรม นักบวช ผู้ดำรงตำแหน่งรองในฝ่ายบริหารและตุลาการ เจ้าของที่ดินที่ไม่ได้อยู่ในชนชั้นสูง และเกษตรกรผู้มั่งคั่ง เขาเริ่มมีอำนาจเหนือในกิจการสาธารณะแล้ว ในช่วงทศวรรษที่ 1580 ประชาชนที่นับถือนิกายเคร่งครัดได้สถาปนาเสียงข้างมากในสภาแล้ว การบริหารงานเมืองเป็นของพวกเขาแล้ว ในบรรดาตัวละครในละครสมัยนั้น แทบไม่มีคนเหล่านี้เลย และโดยทั่วไปแล้วมีคนไม่กี่คนที่มีศีลธรรมอันไร้ที่ติ

พวกเขาไม่เป็นมิตรต่อโรงละครและเรียกร้องข้อจำกัดเสรีภาพของโรงละคร แม้กระทั่งการห้ามการแสดงโดยสิ้นเชิง ในสมัยรัชกาลที่ 1 สจวร์ตผู้ที่รักโรงละครเกือบมากกว่า ทิวดอร์มันเป็นเรื่องที่ถกเถียงกันอยู่ตลอดเวลาระหว่างกษัตริย์กับชนชั้นกลาง การทะเลาะวิวาทเรื่องเขาดูเหมือนจะเป็นการเตรียมพร้อมสำหรับการต่อสู้ทางการเมือง ในสมัยของเอลิซาเบ ธ ความเป็นปรปักษ์ของกลุ่มคนชนชั้นกลางที่มีเกียรติต่อโรงละครนั้นยิ่งใหญ่มากจนแม้จะได้รับการอุปถัมภ์จากราชินีเลสเตอร์เซาแธมป์ตันเพมโบรกโรตแลนด์นักแสดงชาวอังกฤษในชั้นเรียนก็ถูกละเลย: ซื่อสัตย์ สังคมแยกมันออกจากตัวเองด้วยอุปสรรคที่ผ่านไม่ได้ สิ่งนี้ได้รับการยืนยันในหลาย ๆ ที่ โคลงของเช็คสเปียร์. กฎเกณฑ์ในสมัยนั้นกำหนดให้นักแสดงอยู่ในระดับเดียวกับนักมายากล นักเต้นรำเชือก และคนจรจัด สิทธิเหล่านั้นที่รัฐบาลต้องการให้พวกเขาซื้อให้พวกเขาผ่านการต่อสู้ที่ยากลำบากกับผู้มีอำนาจเหนือกว่าและอคติ ในตอนต้นรัชสมัยของเธอเอลิซาเบธสั่งห้ามการแสดงต่อสาธารณะ ต่อมา เมื่อเธอตกหลุมรักการแสดงเชิงเปรียบเทียบ และละครของเช็คสเปียร์ตามบางเรื่อง เธอยังถูกบังคับให้กำหนดให้โรงละครใช้มาตรการที่เข้มงวดเพื่อเอาใจเสียงพึมพำต่อโรงละคร พวกบาทหลวงคอยสนองความหลงใหลของราชินี แต่นักบวชประจำประเทศก็เทศนาต่อต้านความรักอันเลวร้ายของโรงละครอยู่ตลอดเวลา นายกเทศมนตรีและเทศมนตรีแห่งเมืองลอนดอนก่อกบฏต่อต้านโรงละครอย่างดื้อรั้นมากยิ่งขึ้น โดยไม่ได้กระทำการตามความปรารถนาส่วนตัว แต่เป็นไปตามคำร้องขอของประชาชนที่ส่งคำขอและที่อยู่ถึงพวกเขา พวกเขาปิดโรงหนังที่กำลังผุดขึ้นมาในเมือง คณะนักแสดงถูกบังคับให้ย้ายการแสดงไปที่ชานเมือง ห้ามมิให้เล่นที่นั่นในวันอาทิตย์เช่นกันโดยสั่งให้เริ่มแสดงตอนบ่ายสามโมง ดังนั้นเฉพาะคนที่ไม่มีอาชีพเท่านั้นที่สามารถเยี่ยมชมโรงละครได้และประชากรที่ทำงานก็ขาดโอกาสที่จะดื่มด่ำกับความบันเทิงที่ไร้สาระและวันอาทิตย์ก็รอดพ้นจากการดูหมิ่นความสุขอันบาป มาตรการที่เข้มงวดเหล่านี้แสดงให้เห็นถึงมุมมองชีวิตที่เคร่งครัดซึ่งแพร่กระจายอย่างต่อเนื่องในหมู่ชนชั้นกลางและภายใต้ชาร์ลส์ที่ 1 มีจุดแข็งถึงขนาดที่ห้ามการแสดงโดยสิ้นเชิง

สภาเทศบาลเมืองลอนดอนไม่เพียงแต่กบฏต่อสิ่งที่ไม่ดีในละครและคอเมดี้ในยุคนั้นเท่านั้น แต่ยังต่อต้านตัวโรงละครด้วย โดยเรียกการแสดงที่รับใช้ปีศาจ เมื่อโรงละครถาวรเริ่มถูกสร้างขึ้นในลอนดอน สภาเทศบาลเมืองได้ลงโทษนักแสดงที่ไม่ได้ทำหน้าที่คนรอบข้างให้รับโทษที่กำหนดไว้สำหรับคนเร่ร่อน ในปี ค.ศ. 1572 เขาปฏิเสธการอนุญาตจากเอิร์ลแห่งซัสเซ็กซ์ในการสร้างโรงละคร และในปี ค.ศ. 1573 เขาได้บังคับให้คณะละครของเอิร์ลแห่งเลสเตอร์ออกจากเมือง เธอเริ่มแสดงนอกเมือง ก่อตั้งโรงละครในอดีตอารามของชาวโดมินิกัน หรือตามที่พวกเขาเรียกในอังกฤษว่า ภราดาแบล็ก (หลังจากการล่มสลายของพระสงฆ์ในช่วงการปฏิรูป โรงละครแห่งนี้ใช้เป็นโกดังสำหรับรถยนต์) Richard Burbage เล่นในโรงละครแห่งนี้ เช็คสเปียร์ก็เล่นด้วยในตอนแรก ธุรกิจของโรงละคร Blackfriar ดำเนินไปด้วยดีแม้จะมีความเกลียดชังจากพวกพิวริตันก็ตาม ในปี ค.ศ. 1589 คณะที่เล่นในนั้นได้รับอนุญาตให้เรียกว่าราชวงศ์ ในปี 1594 เธอได้สร้างโรงละครอีกแห่งคือ The Globe (ทางใต้ของสะพานลอนดอน) นอกจากคณะนี้ ซึ่งอยู่ภายใต้การอุปถัมภ์ของเลสเตอร์ ยังมีคณะของลอร์ดพลเรือเอก; การแสดงของเธอกำกับโดย Philipp Henslowe และ Eduard Alleyn การแสดงของพวกเขาในโรงละครที่เปิดให้ประชาชนทั่วไปถือเป็นการซ้อมการแสดงในวังของราชินี และภายใต้ข้ออ้างนี้ พวกเขาได้รับการยกเว้นจากการห้าม เนื่องจากการจลาจลที่เกิดจากคณะของลอร์ดพลเรือเอกในปี ค.ศ. 1579 องคมนตรีจึงสั่งให้รื้อถอนโรงละคร แต่คำสั่งนี้ทำขึ้นเพื่อรูปแบบเท่านั้นและยังคงไม่บรรลุผล สภาองคมนตรีปกป้องโรงละครจากความเป็นปรปักษ์ของสภาเทศบาลเมือง

เราได้พูดคุยเกี่ยวกับโครงสร้างของโรงละครในลอนดอนในขณะนั้นแล้ว คำอธิบายของเรานำไปใช้โดยเฉพาะกับ Globus Theatre ซึ่งเป็นหนึ่งในดีที่สุด จนถึงต้นทศวรรษ 1570 ไม่มีโรงละครถาวรในลอนดอน สำหรับการแสดงจะมีการจัดเตรียมเวทีอย่างรวดเร็วในที่โล่งหรือในห้องโถงของโรงแรม ในตอนท้ายของการแสดงหลายชุด อาคารหลังนี้ซึ่งทำจากไม้กระดานก็พังยับเยิน ลานของโรงแรมใหญ่ๆ ในเมืองลอนดอนเป็นโรงละครแห่งแรกๆ ด้านหน้าของโรงแรมซึ่งหันหน้าไปทางลานภายในมีห้องแสดงภาพซึ่งทำหน้าที่เป็นสถานที่สำหรับสาธารณะ เหมือนกับชั้นของกล่องในปัจจุบัน เมื่อโรงละครถาวรเริ่มสร้าง อาคารเหล่านี้จึงถูกเรียกว่า "ม่าน" พวกเขาเรียกอีกอย่างว่าโรงละคร แน่นอนว่าโรงละครแต่ละแห่งมีชื่อพิเศษเป็นของตัวเอง: "Swan", "Rose", "Fortune"... ภายใต้เอลิซาเบ ธ จำนวนโรงละครถึงสิบเอ็ดแห่งและภายใต้เจมส์ที่ 1 ถึงสิบเจ็ด กิจการทางการเงินของพวกเขาไปได้ดี ผู้ประกอบการและนักแสดงเพียงไม่กี่รายสร้างโชคลาภ แม้กระทั่งความมั่งคั่งให้กับตนเอง เช่น เอ็ดเวิร์ด อัลเลน (เสียชีวิตในปี 1626) ริชาร์ด เบอร์เบจ (เสียชีวิตในปีเดียวกัน) และตัวเช็คสเปียร์เอง สิ่งนี้เป็นไปได้เฉพาะในเมืองอย่างลอนดอนซึ่งมีประชากรและความมั่งคั่งมากกว่าเมืองหลวงอื่นๆ ของยุโรป และมีเศรษฐีหลายพันคนที่รักความบันเทิง วงอิทธิพลของการแสดงในอังกฤษถูกจำกัดอยู่แค่ในลอนดอน และในความเป็นจริง เฉพาะประชากรบางชนชั้นในลอนดอนเท่านั้น

โรงละคร Globe ของเช็คสเปียร์ ในปี ค.ศ. 1642 นักปฏิวัติผู้เคร่งครัดก็ปิดโบสถ์แห่งนี้ สร้างขึ้นใหม่ในรูปแบบดั้งเดิมในปี 1997

เวลาเริ่มต้นของการแสดงถูกระบุ เช่นเดียวกับในโรงละครยุติธรรม โดยการแขวนป้ายและนักดนตรีเป่าแตร เมื่อผู้ฟังมารวมตัวกัน นักดนตรีที่นั่งอยู่บนระเบียงด้านบนก็เล่นอีกครั้งโดยประกาศว่าการแสดงกำลังจะเริ่มต้นแล้ว หลังจากริทอร์เนลโลครั้งที่สาม นักแสดงในชุดกำมะหยี่สีดำได้แสดงและส่งอารัมภบท; ระหว่างพักการแสดงและเมื่อจบการแสดง พวกตัวตลกก็เล่นตลกและร้องเพลงเล็กน้อย แต่จุดจบของการแสดงจริงๆ คือการที่นักแสดงอธิษฐานเพื่อราชินี ซึ่งถือเป็นข้อพิสูจน์ถึงความกตัญญูและความรู้สึกภักดีของพวกเขา เครื่องแต่งกายค่อนข้างหรูหรา นักแสดงก็ไร้ประโยชน์จากทรัพย์สมบัติของพวกเขา แต่สภาพแวดล้อมบนเวทีก็เบาบางมาก กระดานที่มีข้อความระบุว่าการกระทำเกิดขึ้นที่ใด จินตนาการของสาธารณชนถูกปล่อยให้วาดภาพทิวทัศน์นี้หรือจัตุรัสนี้ห้องโถงนี้ เมื่อการกระทำถูกย้ายไปยังสถานที่อื่น กระดานที่มีคำจารึกอื่นก็ถูกตั้งขึ้น ดังนั้นโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงรูปลักษณ์ของเวทีการแสดงละครจึงถูกย้ายจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง สิ่งนี้อธิบายถึงการเคลื่อนไหวบ่อยครั้งในละครของเช็คสเปียร์: มันไม่ได้ต้องการปัญหาใดๆ การยื่นออกมาตรงกลางผนังด้านหลังของเวทีหมายถึงหน้าต่างหรือหอคอย ระเบียง กำแพง เรือ ขึ้นอยู่กับความต้องการ พรมสีฟ้าอ่อนที่ห้อยลงมาจากเพดานเวทีหมายความว่ามีการดำเนินการเกิดขึ้นในตอนกลางวัน และพรมสีเข้มก็ถูกลดระดับลงเพื่อแสดงถึงกลางคืน เฉพาะบนเวทีศาลเท่านั้นที่สถานการณ์เบาบางลง ภายใต้พระเจ้าเจมส์ที่ 1 มีเครื่องราชอิสริยาภรณ์แบบเคลื่อนย้ายได้อยู่แล้ว

นี่คือการผลิตละครเวทีของละครของเชคสเปียร์รุ่นก่อนและผู้ร่วมสมัย เบ็น จอนสัน ผู้ซึ่งประณามความผิดปกติของรูปแบบของละครอังกฤษ ต้องการนำเสนอความสามัคคีแบบคลาสสิกของเวลาและสถานที่ในบทกวีละครภาษาอังกฤษ คณะละครในราชสำนักประกอบด้วยนักร้องจากโบสถ์หลวง แสดงละครของเขา ซึ่งเขียนขึ้นตามทฤษฎีคลาสสิก แต่มีเพียงละครที่สอดคล้องกับรสนิยมของชาติเท่านั้นที่มีชีวิตชีวา บทละครใหม่ของรูปแบบระดับชาติยังคงปรากฏที่โรงละคร Blackfrayer, the Globe, the Fortune และโรงละครส่วนตัวอื่น ๆ ; มีจำนวนมาก จริงอยู่เกือบทั้งหมดเป็นงานโรงงาน ผู้เขียนหรือผู้ร่วมมือสองคนมักจะเขียนบทละครอย่างเร่งรีบแม้กระทั่งสามหรือสี่คน ประเด็นหลักคือการพรรณนาถึงเหตุการณ์สมัยใหม่บางเรื่องที่สาธารณชนสนใจ ละครก่อนหน้านี้ถูกจัดแจงใหม่ระหว่างการผลิตใหม่โดยไม่คำนึงถึงสิทธิ์ของผู้แต่ง อย่างไรก็ตาม ผู้เขียนมักไม่มีสิทธิ์โต้แย้ง เพราะพวกเขาขายต้นฉบับเป็นทรัพย์สินของผู้ประกอบการหรือคณะละคร เช็คสเปียร์ก็ทำเช่นเดียวกัน โดยทั่วไปบทละครจะเขียนตามคำสั่ง เฉพาะสำหรับคณะละครที่จัดแสดงเท่านั้น มีละครพิมพ์น้อยมากที่สามารถฉายได้ทุกโรงภาพยนตร์ ละครในแต่ละโรงละครประกอบด้วยต้นฉบับเกือบทั้งหมด; เขาไม่ได้พิมพ์จนโรงหนังอื่นใช้ไม่ได้ ดังนั้น ในโรงละครอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ทุกแห่งในยุคนั้นจึงมีสังคมนักเขียนกลุ่มเล็กๆ ที่ทำงานเพื่อโรงละครแห่งนี้เท่านั้น ภารกิจหลักของพวกเขาคือดูแลให้คณะละครไม่ขาดบทละครใหม่ โทมัส แนช นักเขียนแนวเสียดสีคนหนึ่งในสมัยนั้นกล่าวว่า “ผู้เขียนบทละครประเภทนี้ทำงานได้อย่างง่ายดาย พวกเขาขโมยจากทุกที่ที่พวกเขาพบบางสิ่งที่จะขโมย แปล ดัดแปลง มอบให้บนเวที ท้องฟ้า แผ่นดิน ใน คำพูด - ทุกสิ่งที่มาถึงมือพวกเขา - เหตุการณ์เมื่อวาน, พงศาวดารเก่า, เทพนิยาย, นวนิยาย” การแข่งขันระหว่างโรงละครและนักเขียนบทละครไม่ได้ถูกจำกัดด้วยสิ่งใดสิ่งหนึ่ง คนหนึ่งต้องการเอาชนะอีกคนหนึ่ง ขุนนางรุ่นเยาว์ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของสาธารณชนที่เอาใจใส่และได้รับการศึกษามากที่สุด ยกย่องสิ่งที่ดีและเรียกร้องสิ่งใหม่ ๆ ที่จะดียิ่งขึ้นอยู่เสมอ เป็นที่ชัดเจนว่าการแข่งขันครั้งนี้ก็มีการแข่งขันที่ดีเช่นกัน กวีนิพนธ์ที่น่าทึ่งต้องขอบคุณเธอที่มาถึงการพัฒนาอย่างรวดเร็วซึ่งอัจฉริยะของเช็คสเปียร์ได้รับขอบเขตเต็มที่สำหรับกิจกรรมของเขา เห็นได้ชัดว่าเธอไม่สามารถรักษาความสูงที่เขาเลี้ยงดูเธอได้เพราะอัจฉริยะที่เท่าเทียมกับเขานั้นเกิดมาน้อยมาก ความเสื่อมถอยภายหลังเขาถูกเร่งโดยการเปลี่ยนแปลงวิถีชีวิตสาธารณะ

คุณสังเกตไหมว่าตัวละครหลักของโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ค่อยๆ มีอายุมากขึ้น? เราสามารถตัดสินเรื่องนี้ได้เพราะทราบลำดับเหตุการณ์ของบทละครของเช็คสเปียร์ โรมิโอในวัยเยาว์ (โรมิโอและจูเลียต ประมาณ ค.ศ. 1595) แฮมเล็ตวัย 30 ปี (แฮมเล็ต ประมาณ ค.ศ. 1600) นักรบผู้กล้าหาญและเป็นผู้ใหญ่ โอเธลโล (โอเธลโล ประมาณ ค.ศ. 1603) กษัตริย์เลียร์ผู้เฒ่า (คิงเลียร์ ราว ค.ศ. 1605) และพรอสเพโรอันเป็นนิรันดร์และอมตะ (The Tempest, ca. 1611) สิ่งนี้สามารถอธิบายได้ด้วยเหตุผลทางจิตวิทยาหรือปรัชญาเราสามารถพูดได้ว่าผู้เขียนบทละครเองก็เติบโตขึ้นมาพระเอกโคลงสั้น ๆ ของเขาเริ่มแก่และฉลาดขึ้น แต่มีคำอธิบายที่ง่ายกว่ามาก: บทบาททั้งหมดนี้เขียนขึ้นสำหรับนักแสดงคนหนึ่ง - สำหรับ Richard Burbage ซึ่งเป็นหัวหน้าคณะละครที่เชคสเปียร์เป็นสมาชิกอยู่ เบอร์เบจรับบทเป็นโรมิโอ, แฮมเล็ต, โอเธลโล, แมคเบธ, พรอสเพโร และบทบาทอื่นๆ อีกมากมาย และเมื่อ Burbage อายุมากขึ้น ฮีโร่ของเช็คสเปียร์ก็เช่นกัน

นี่เป็นเพียงตัวอย่างหนึ่งของการเชื่อมโยงข้อความของเช็คสเปียร์กับโรงละครที่เชคสเปียร์เขียนอย่างแยกไม่ออก เขาไม่ได้เขียนถึงผู้อ่าน เขาเหมือนกับคนส่วนใหญ่ในสมัยของเขาที่ไม่ถือว่าบทละครเป็นวรรณกรรมรูปแบบหนึ่ง ละครในสมัยนั้นเพิ่งจะเริ่มกลายเป็นวรรณกรรม ละครถือเป็นวัตถุดิบสำหรับนักแสดง เป็นวัตถุดิบสำหรับโรงละคร ไม่จำเป็นต้องสันนิษฐานว่าเมื่อเขียนบทละครของเชคสเปียร์ กำลังคิดถึงลูกหลานของเขา เกี่ยวกับสิ่งที่คนรุ่นต่อๆ ไปจะพูด เขาไม่เพียงแค่เขียนบทละครเท่านั้นเขายังเขียนการแสดงด้วย เขาเป็นนักเขียนบทละครที่มีจิตใจเป็นผู้กำกับ เขาเขียนแต่ละบทบาทให้กับนักแสดงบางคนในคณะของเขา เขาปรับคุณสมบัติของตัวละครให้เข้ากับคุณสมบัติของนักแสดงเอง ตัวอย่างเช่น เราไม่ควรแปลกใจเมื่อเกอร์ทรูดพูดถึงแฮมเล็ตในตอนท้ายของแฮมเล็ตว่าเขาอ้วนและหายใจไม่ออก เรื่องนี้น่าตกใจ: เป็นไปได้ยังไง? แฮมเล็ต - ศูนย์รวมแห่งความสง่างาม ศูนย์รวมของความซับซ้อนและความเศร้าโศกที่ละเอียดอ่อน - จู่ๆ ก็เป็นโรคอ้วนและหายใจไม่ออกใช่ไหม? สิ่งนี้สามารถอธิบายได้ง่ายๆ: Burbage ที่เล่นเป็น Hamlet ไม่ใช่เด็กผู้ชายอีกต่อไป แต่เป็นคนที่มีรูปร่างค่อนข้างทรงพลังและแข็งแกร่ง

Mandelstam ในบทความเดียว “โรงละครศิลปะและคำพูด” (1923)มีสูตรวิเศษอยู่ว่า “ทิศทางซ่อนอยู่ในพระวจนะ” ในคำพูดของเช็คสเปียร์ ทิศทางนี้ถูกซ่อนไว้ (หรือเปิดเผย) ในลักษณะที่ชัดเจนที่สุด เขาเขียนการแสดง เขาสร้างสรรค์ฉากต่างๆ

มีช่วงเวลาหนึ่งใน "Theatrical Novel" ของ Bulgakov เมื่อตัวละครหลัก Maksudov ที่เพิ่งเขียนเรื่อง "Black Snow" จู่ๆก็เปลี่ยนมันให้เป็นละครสำหรับตัวเขาเองโดยไม่คาดคิด เขานั่งอยู่ที่โต๊ะ ข้างแมวขี้เรื้อน และมีโคมไฟเก่าๆ อยู่เหนือหัว และทันใดนั้นดูเหมือนว่าบนโต๊ะจะมีกล่องอยู่ตรงหน้าเขาซึ่งมีร่างเล็ก ๆ เคลื่อนไหวอยู่ ที่นี่มีคนยิง ที่นี่มีคนล้มตาย ที่นี่มีคนเล่นเปียโน และอื่นๆ ตอนนั้นเองที่เขารู้ว่าเขากำลังเขียนบทละครอยู่

เช็คสเปียร์มีบางอย่างที่คล้ายกัน เบื้องหน้าเขาไม่ใช่เวทีบ็อกซ์ แต่เป็นพื้นที่เปิดโล่งของโรงละครโกลบเธียเตอร์ ที่เวทีชนเข้ากับหอประชุม ทำให้ผู้ชมล้อมรอบทั้งสามด้าน - ดังนั้นฉากที่ฉากจึงไม่อยู่ในแนวระนาบ แต่เป็นสามมิติ และแฮมเล็ตพูดว่า "จะเป็นหรือไม่เป็น" ก็มองเห็นใบหน้าที่เอาใจใส่ของผู้ฟังที่อยู่รอบๆ ตัวเขา ผู้ชมซึ่งเขียนบทละครทั้งหมดนี้เพื่อใครและเพียงเพื่อใครเท่านั้น เช็คสเปียร์เป็นส่วนหนึ่งของความเป็นจริงในการแสดงละครนี้ เขาใช้ชีวิตทั้งชีวิตร่วมกับนักแสดง ท่ามกลางบทสนทนาของนักแสดง ท่ามกลางอุปกรณ์ประกอบฉากที่น้อยชิ้น เขาเป็นผู้ชายละคร เขาสร้างละครของเขาในพื้นที่เวทีเฉพาะนี้ เขาไม่เพียงแต่เขียนบทบาทให้กับนักแสดงในคณะของเขาเท่านั้น เขายังปรับโครงสร้างบทละครของเขาให้เข้ากับโครงสร้างของเวที Globe หรือโรงละครที่คณะของเขาเล่นอีกด้วย

The Globe มีพื้นที่เวทีสามพื้นที่: มีเวทีหลัก มีเวทีด้านบนที่แขวนอยู่เหนือเวทีหลักเหมือนระเบียง และมีเวทีภายในที่ถูกแยกออกจากเวทีหลักด้วยม่าน ไม่มีม่านอยู่หน้าเวทีหลัก เช็คสเปียร์จัดโครงสร้างการเล่นของเขาเพื่อให้ชัดเจนว่าฉากใดเกิดขึ้นที่ใด การใช้เวทีด้านบน เวทีด้านใน และการใช้กระท่อมที่อยู่ด้านบนสุดของเวทีที่กลไกการยกประกอบมีการเปลี่ยนแปลงอย่างไร นั่นคือเขาเขียนบทละคร และช่างเป็นงานที่น่าสนใจจริงๆ - ซึ่งเราทำกับนักเรียนมาหลายปีแล้ว - เพื่อดึงการแสดงจากบทละคร! จากข้อความของ Hamlet เราได้แยกรอบปฐมทัศน์ของ Hamlet เนื่องจาก Hamlet เล่นที่ Globe ในปี 1601 ซึ่งเป็นตอนที่เขียนบทละครนี้

หากคุณอ่านบทละครของเช็คสเปียร์จากมุมมองนี้ จากหน้าเหล่านี้ จู่ๆ ใบหน้าที่มีชีวิต ละครที่มีชีวิต และคำอุปมาอุปมัยเกี่ยวกับการแสดงละครที่มีชีวิตก็เริ่มปรากฏต่อหน้าคุณ นี่อาจเป็นสิ่งที่น่าทึ่งที่สุด และนี่เป็นข้อพิสูจน์ว่าเช็คสเปียร์เป็นนักแสดงละครโดยแก่นแท้ และโดยพื้นฐานแล้วโรงละครนั้นถือเป็นเครื่องดนตรีหลักที่เชคสเปียร์สื่อสารกับโลกทั้งในปัจจุบันและในปัจจุบัน ไม่ว่าการวิจัยทางปรัชญาและการวิจัยเกี่ยวกับแนวคิดทางปรัชญาของเช็คสเปียร์จะมีความสำคัญเพียงใด โลกของเขาก็คือเวที โรงละคร ประการแรก

การไม่มีม่านกั้นหน้าเวทีหลักจะเป็นตัวกำหนดโครงสร้างของละคร ตัวอย่างเช่น หากมีคนถูกฆ่าตายบนเวที และอย่างที่คุณทราบในเช็คสเปียร์ เหตุการณ์นี้เกิดขึ้นบ่อยครั้ง โดยเฉพาะในละครยุคแรกๆ ใน "Titus Andronicus" บางเรื่องมีเลือดไหลเยอะมาก ละครเริ่มต้นด้วยซากที่เหลืออีกยี่สิบคนในความคิดของฉัน ลูกชายสี่คนของฮีโร่ถูกนำตัวขึ้นเวที “การฆาตกรรม 14 ศพ ศพ 34 ศพ มือที่ถูกตัดขาด 3 มือ ลิ้นที่ถูกตัด 1 อัน นั่นแหละคือรายการแห่งความน่าสะพรึงกลัวที่เติมเต็มโศกนาฏกรรมครั้งนี้” เอ.เอ. อนิกส์ท. ไททัส แอนโดรนิคัส. // วิลเลี่ยมเชคสเปียร์. รวบรวมผลงาน. ต.2 ม.2501. และสิ่งที่ไม่มี - ตัดมือ ตัดลิ้น เช็คสเปียร์ฆ่าคนตลอดเวลา จะทำอย่างไรกับคนตายบนเวที? ฉันควรวางไว้ที่ไหน? ในโรงละครสมัยใหม่ ปิดไฟหรือปิดม่าน นักแสดงที่รับบทเป็นพระเอกที่เพิ่งถูกฆ่าก็ลุกขึ้นและเดินไปหลังเวที จะทำอย่างไรที่นี่? เนื่องจากการแสดงเป็นการแสดงในเวลากลางวัน จึงไม่มีแสงเทียม อย่างไรก็ตามไม่มีการหยุดพักเช่นกัน ผู้ชมส่วนใหญ่ยืน (ลองนึกภาพว่าคุณต้องรักโรงละครมากแค่ไหนเพื่อที่จะได้ยืนใต้ท้องฟ้าลอนดอนที่เปิดกว้างเป็นเวลาสองชั่วโมงครึ่งสามชั่วโมงโดยไม่มีช่วงพัก)

ดังนั้นบนเวทีมีคนถูกฆ่าหรือมีคนเสียชีวิต ตัวอย่างเช่น ในพงศาวดารของเช็คสเปียร์ Henry IV กษัตริย์ Henry IV สิ้นพระชนม์ เขาพูดคำอำลาที่ยาวและลึกซึ้งมากซึ่งจ่าหน้าถึงลูกชายของเขา และทันใดนั้นเขาก็ถามคำถามแปลก ๆ “ห้องถัดไปชื่ออะไร?” ฉันไม่คิดว่านี่เป็นคำถามหลักที่คนที่กำลังจะตายถาม พวกเขาตอบเขาว่า: "Jerusa Lima ครับท่าน" เขาพูดว่า: “พาฉันไปที่ห้องถัดไป เพราะพวกเขาทำนายว่าฉันจะตายในกรุงเยรูซาเล็ม”

มีตัวอย่างที่คล้ายกันมากมาย ตัวอย่างเช่น เหตุใดแฮมเล็ตจึงต้องอุ้มศพโปโลเนียสไป? แล้วจึงปล่อยเวทีให้พ้นจากผู้ตายเพราะม่านปิดไม่ได้ เราสามารถตั้งสมมติฐานได้มากมายว่าทำไมต้องใช้ Fortinbras ในตอนจบของ Hamlet ความหมายเชิงปรัชญา จิตวิทยา ประวัติศาสตร์ของตัวละครลึกลับนี้คืออะไร? สิ่งหนึ่งที่ชัดเจนอย่างยิ่ง: Fortinbras จำเป็นต้องขนศพออกไปซึ่งมีอยู่มากมายบนเวทีในตอนจบ โดยธรรมชาติแล้วความหมายของการดำรงอยู่ของมันไม่เพียงแค่นี้ แต่ยังเป็นหนึ่งในฟังก์ชั่นการแสดงละครล้วนๆ

แน่นอนว่าเช็คสเปียร์ไม่ใช่การแสดงละครหลายเรื่อง มุมมองของเขาเกี่ยวกับละครค่อนข้างลึกซึ้งและมีปรัชญา หนึ่งในผลงานของเชกสเปียร์คือแนวคิดที่ว่าจักรวาลทั้งหมดมีโครงสร้างเหมือนโรงละคร โรงละครคือแบบจำลองของโลก นี่คือของเล่นที่องค์พระผู้เป็นเจ้าทรงประดิษฐ์ขึ้นเพื่อพระองค์เองเพื่อพระองค์จะได้ไม่เบื่อในพื้นที่อันกว้างใหญ่นี้ในความเหงาอันไม่มีที่สิ้นสุดนี้ โรงละครคือโลก ประวัติศาสตร์คือโรงละคร ชีวิตคือโรงละคร ชีวิตคือการแสดงละคร ผู้คนเป็นนักแสดงบนเวทีละครโลก นี่คือหนึ่งในแรงจูงใจหลักของงานของเช็คสเปียร์ ซึ่งนำเราจากขอบเขตของอุปกรณ์การแสดงละครและเทคนิคล้วนๆ ไปสู่ขอบเขตแห่งความเข้าใจโลก

เหนือศีรษะของนักแสดงใน Globe Theatre มีหลังคาที่เรียกว่า "สวรรค์" ใต้ฝ่าเท้าของคุณมีประตูที่เรียกว่า "นรก ยมโลก" นักแสดงเล่นระหว่างสวรรค์และนรก นี่คือแบบจำลองอันมหัศจรรย์ ภาพเหมือนอันมหัศจรรย์ของชายยุคเรอเนซองส์ ยืนยันตัวตนของตนในห้วงอวกาศแห่งความว่างเปล่า เติมเต็มช่องว่างระหว่างสวรรค์และโลกด้วยความหมาย ภาพบทกวี สิ่งของที่ไม่ได้อยู่บนเวที แต่อยู่ใน คำ. ดังนั้นเมื่อเราพูดถึงเช็คสเปียร์ในฐานะคนของโรงละคร เราต้องจำไว้ว่าโรงละครของเขาเป็นแบบอย่างของจักรวาล

การถอดรหัส

มันเป็นในปี 1607 ฉันคิดว่าในเดือนกันยายน เรือค้าขายของอังกฤษสองลำแล่นจากลอนดอนไปยังอินเดียทั่วแอฟริกาตามเส้นทางที่เปิดโดยวาสโกดากามา เนื่องจากการเดินทางยาวนาน เราจึงตัดสินใจแวะใกล้เซียร์ราลีโอนเพื่อพักผ่อนและเติมเสบียง เรือลำหนึ่งเรียกว่า Red Dragon กัปตันคือ William Keeling เขาเขียนไว้ในบันทึกของเรือว่าเขาสั่งให้กะลาสีเล่นละครบนดาดฟ้าเรือ บันทึกนี้ถูกค้นพบเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ก่อนที่จะไม่มีใครค้นพบบางสิ่งที่เช็คสเปียร์ในหอจดหมายเหตุของกระทรวงทหารเรือมาก่อน

การเล่นอะไรที่ถูกเลือกสำหรับกะลาสีเรือที่ไม่รู้หนังสือ? ประการแรก มันจะต้องมีประสิทธิภาพอย่างมาก ประการที่สอง ยิ่งพวกเขาฆ่าในการเล่นมากเท่าไรก็ยิ่งดีเท่านั้น ประการที่สามจะต้องมีความรักอยู่ที่นั่น ประการที่สี่เพลง ประการที่ห้า สำหรับตัวตลกที่จะล้อเล่นและล้อเล่นโดยไม่หยุดชะงัก แน่นอนว่านี่คือสิ่งที่ผู้ชมกะลาสีที่ไม่รู้หนังสือคาดหวังจากการแสดงอย่างแน่นอน

คีลิงเลือกละครให้กะลาสีมาเล่นให้กะลาสีเรือ มันถูกเรียกว่า "แฮมเล็ต" และกะลาสีเรือก็ชอบมันมาก - จากนั้นพวกเขาก็เล่นมันอีกครั้งโดยล่องเรือไปตามมหาสมุทรอินเดีย พวกเขาไม่เห็นความลึกลับใดๆ ในละครเรื่องนี้ต่างจากพวกเรา สำหรับพวกเขา นี่เป็นหนึ่งในโศกนาฏกรรมการแก้แค้นที่ได้รับความนิยมในเวลานั้น หนึ่งในโศกนาฏกรรมนองเลือดที่ Thomas Kyd บรรพบุรุษของเช็คสเปียร์เขียนไว้ (โดยวิธีการส่วนใหญ่น่าจะเป็นผู้เขียนหมู่บ้านเล็ก ๆ ก่อนเช็คสเปียร์)

ละครนองเลือดประเภทนี้มีเนื้อหาที่ต่อเนื่องกันทั้งหมด ประการแรก นี่เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการฆาตกรรมที่เป็นความลับ ประการที่สอง ผีจะต้องปรากฏตัวในนั้น โดยแจ้งว่าใครถูกฆ่าและใครถูกฆ่า ประการที่สาม ละครต้องมีการแสดงละคร และอื่นๆ นี่คือวิธีการจัดโครงสร้างละคร Kid เรื่อง "The Spanish Tragedy" ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในขณะนั้น ในสายตาของกะลาสีเรือ Hamlet ของเช็คสเปียร์ค่อนข้างเข้ากับแนวเพลงที่ได้รับความนิยม เป็นที่รัก และโดยพื้นฐานแล้วเป็นแนวที่เรียบง่ายโดยธรรมชาติ

ผู้ชายที่ไม่รู้หนังสือเหล่านี้ (ซึ่งจริงๆ แล้วไม่ต่างจากผู้ชม Globe Theatre ของเช็คสเปียร์ - ช่างฝีมือกึ่งผู้รู้หนังสือ) ที่สามารถเห็นสิ่งที่คนรุ่นหลังเห็นในแฮมเล็ต สิ่งที่เราเห็นในแฮมเล็ตหรือไม่ คำตอบนั้นชัดเจน: ไม่แน่นอน พวกเขารับรู้บทละครนี้โดยไม่ได้แยกความแตกต่างจากบทละครนักสืบเรื่องอื่นที่คล้ายคลึงกัน เมื่อเชกสเปียร์เขียนแฮมเล็ต นับเวลาที่มนุษยชาติในอนาคตจะค้นพบความจริงอันยิ่งใหญ่ทั้งหมดที่เขาใส่ไว้ในละครเรื่องนี้หรือไม่? คำตอบก็ชัดเจนเช่นกัน: ไม่ ผู้ชายที่ต้องการรักษาบทละครของเขาไว้จะดูแลสิ่งพิมพ์ของพวกเขา ลองเถียงเรื่องนี้ดูครับ เช็คสเปียร์ไม่เพียงแต่ไม่สนใจเรื่องการตีพิมพ์บทละครของเขาเท่านั้น เขามักจะขัดขวางไม่ให้ตีพิมพ์อีกด้วย ในเวลานั้นละครถือเป็นเรื่องละครล้วนๆ และบทละครของเช็คสเปียร์และผู้ร่วมสมัยของเขาได้รับการตีพิมพ์ด้วยเหตุผลหลายประการซึ่งมักสุ่มตัวอย่าง

ตัวอย่างเช่น เรื่องราวดังกล่าวเกิดขึ้นกับแฮมเล็ต ในปี 1603 Hamlet ฉบับพิมพ์ครั้งแรกได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งเรียกว่าฉบับละเมิดลิขสิทธิ์ โดยมีข้อความย่อ บิดเบี้ยว บิดเบี้ยว ซึ่งไม่คล้ายกับข้อความที่เรารู้จักมากนัก ข้อความดังกล่าวถูกขโมยและตีพิมพ์โดยขัดต่อความประสงค์ของคณะและผู้แต่ง แม้ว่าเจตจำนงของผู้เขียนจะมีความหมายเพียงเล็กน้อยในสมัยนั้นก็ตาม ละครเป็นของคณะทั้งหมด หากโรงภาพยนตร์ปิดกะทันหันในลอนดอน (เช่น เนื่องจากโรคระบาด) คณะละครจึงถูกบังคับให้นำบทละครไปให้ผู้จัดพิมพ์ขายเพื่อเงินเล็กน้อย เพื่อรักษาข้อความไว้

“Hamlet” เป็นละครที่ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่กะลาสีเรือ ช่างฝีมือ และในหมู่ปัญญาชนด้านมนุษยนิยม ทุกคนชอบแฮมเล็ต ดังที่วรรณกรรมร่วมสมัยของเช็คสเปียร์เขียนไว้

เมื่อมองย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 20 พวกเขาเริ่มพบว่าไอ้สารเลวคนไหนขายข้อความของเช็คสเปียร์? เนื่องจากหนึ่งปีหลังจากการตีพิมพ์ฉบับละเมิดลิขสิทธิ์ คณะละครเช็คสเปียร์จึงได้เผยแพร่ข้อความต้นฉบับ ความจริงก็คือคณะเองก็ระมัดระวังอย่างมากว่าการเล่นจะไม่ถูกขโมย และผู้จัดพิมพ์ต้องการได้รับเนื้อหาของบทละครไม่ว่าด้วยวิธีใดก็ตามหากประสบความสำเร็จ บางครั้งพวกเขาส่งนักชวเลขและจดบันทึกด้วยหูแม้ว่าสภาพการณ์จะแย่มาก - การแสดงดำเนินการในเวลากลางวันและไม่มีที่ไหนให้ซ่อน นักแสดงเมื่อค้นพบคนที่เขียนข้อความในการแสดงสามารถทุบตีเขาจนเกือบตายได้

และบางครั้งผู้จัดพิมพ์ก็ติดสินบนนักแสดงเพื่อทำซ้ำข้อความจากความทรงจำ เพื่อเป็นของที่ระลึก - เนื่องจากไม่ใช่นักแสดงคนเดียวที่ได้รับข้อความของบทละครทั้งหมด จึงมีเพียงรายการบทบาทของพวกเขาเท่านั้น

และตอนนี้กว่าสามศตวรรษหลังจากเขียนบทละคร นักประวัติศาสตร์ตัดสินใจที่จะเปิดโปงคนโกง พวกเขาเริ่มต้นจากสมมติฐานง่ายๆ โดยธรรมชาติแล้วนักแสดงคนนี้รู้ดีที่สุดถึงเนื้อหาเกี่ยวกับบทบาทของเขาและเนื้อหาของฉากที่ตัวละครของเขาถูกครอบครอง นักวิจัยเปรียบเทียบบทละครสองเรื่อง ทั้งที่ละเมิดลิขสิทธิ์และของแท้ ปรากฎว่าตำราของบทบาทเล็ก ๆ เพียงสามบทบาทนั้นเหมือนกันทุกประการ ความจริงก็คือคณะของเช็คสเปียร์ก็เหมือนกับคณะอื่น ๆ ในยุคนั้นประกอบด้วยผู้ถือหุ้น - นักแสดงที่รับส่วนแบ่งและรับเงินเดือนขึ้นอยู่กับรายได้ของโรงละคร และสำหรับบทบาทเล็กๆ ในฉากฝูงชน พวกเขาจ้างนักแสดงภายนอก เห็นได้ชัดว่าโจรสลัด (นั่นคือช่วงเวลานั้น) ที่ขายข้อความนั้นมีบทบาทเล็กๆ น้อยๆ ทั้งสามนี้ในฉากที่แตกต่างกันสามฉาก - และด้วยเหตุนี้ พวกเขาจึงถูกถ่ายทอดด้วยความถูกต้องสมบูรณ์ หนึ่งในนั้นคือผู้พิทักษ์มาร์เซลลัสจากองก์แรกซึ่งพูดคำอันโด่งดังว่า "มีบางอย่างเน่าเสียในรัฐเดนมาร์ก" เห็นได้ชัดว่าสิ่งที่ยากที่สุดสำหรับโจรสลัดคือบทพูดเชิงปรัชญา พยายามจำไว้ว่า “จะเป็นหรือไม่เป็น” ดังนั้นในฉบับนี้ บทพูดของแฮมเล็ตจึงถูกทำซ้ำด้วยวิธีที่น่าสมเพชที่สุด โจรสลัดได้เพิ่มบางสิ่งด้วยตัวเขาเอง โปรดจำไว้ว่าแฮมเล็ตแสดงรายการความโชคร้ายที่เกิดขึ้นในหัวของผู้คนและถามว่าใครจะทนต่อ "การกดขี่ของผู้แข็งแกร่ง... ความช้าของผู้พิพากษา"? ในรายการความโชคร้ายนี้ โจรสลัดได้เพิ่ม "ความทุกข์ทรมานของเด็กกำพร้าและความหิวโหยอย่างรุนแรง" เห็นได้ชัดว่าสิ่งนี้ออกมาจากจิตวิญญาณของเขา

หลังจากเหตุการณ์นี้ไม่มีการโจรกรรมเกิดขึ้นอีก บางทีคณะเช็คสเปียร์เองก็จับมือของคนโกงผู้โชคร้ายคนนี้ - และใคร ๆ ก็สามารถจินตนาการได้ว่าพวกเขาทำอะไรกับเขา

ทำไมฉันถึงจำเรื่องราวนี้ได้? นี่เป็นหนึ่งในพันตัวอย่างที่ชะตากรรมของตำราของเช็คสเปียร์เชื่อมโยงกับชะตากรรมของโรงละครในยุคของเช็คสเปียร์กับชีวิตของคณะละครและผู้ชมซึ่งเป็นผู้แต่งบทละครที่ยอดเยี่ยมเหล่านี้

เป็นเรื่องง่ายที่จะหัวเราะเยาะการไม่รู้หนังสือของสาธารณชน ว่าพวกเขาเป็นคนมืดมนและไร้ศีลธรรมขนาดไหน แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นผู้ชมในอุดมคติ เป็นผู้ชมที่สวยงามราวกับสวรรค์พร้อมที่จะเชื่อทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที นี่คือผู้ชมที่ถูกเลี้ยงดูมาในโบสถ์เพื่อฟังเทศน์ โดยยังคงจดจำประสบการณ์การแสดงลึกลับในยุคกลางได้ เป็นผู้ชมที่มีความเรียบง่ายอันศักดิ์สิทธิ์ ในกลุ่มผู้ชมกลุ่มนี้ ซึ่งเช็คสเปียร์เขียนและพึ่งพาอาศัยโดยตรง มีคุณสมบัติอันน่าอัศจรรย์และน่าอิจฉาของความศรัทธาที่สมบูรณ์ซึ่งได้หายไปในโรงละครสมัยใหม่ ศรัทธา หากปราศจากศรัทธาแล้ว ก็ไม่มีโรงละครที่ยิ่งใหญ่

การถอดรหัส

คอเมดี้ของเช็คสเปียร์ไม่สอดคล้องกับแนวความคิดของแนวตลกที่เราถูกเลี้ยงดูมา เราคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าการหัวเราะเป็นการเยาะเย้ย เราคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าการแสดงตลกและการเสียดสีเป็นสิ่งเดียวกัน คอเมดีของเช็คสเปียร์เป็นผลงานที่ลึกลับ เวทมนตร์ และแปลกประหลาด (“ฉันเกิดภายใต้ดาราเต้นรำ” นางเอกของคอเมดีเรื่อง “Much Ado About Nothing” บอกกับเบียทริซ) นี่เป็นตัวอย่างที่เป็นเอกลักษณ์ของการแสดงตลกยุคเรอเนซองส์ ซึ่งนอกเหนือไปจากเส้นทางการพัฒนาของการแสดงตลกระดับโลกแบบดั้งเดิม ซึ่งพัฒนาขึ้นในลักษณะเสียดสี พร้อมเสียงหัวเราะที่ทำลายล้าง โกรธเคือง และประชดประชัน (ประเภท Moliere)

เช็คสเปียร์หัวเราะแตกต่างออกไป นี่คือเสียงหัวเราะอันน่ายินดีของชาวโลก นี่คือเสียงหัวเราะในบทกวีซึ่งพลังสำคัญที่เดือดดาลของยุคเรอเนซองส์ก็ทะลักออกมา เสียงหัวเราะนี้กลายเป็นการประกาศความรักต่อโลก ต่อหญ้า ต่อป่า ต่อท้องฟ้า และต่อผู้คน

หนังตลกแบบดั้งเดิม ประเภท Molière เป็นหนังตลกที่เยาะเย้ย คอเมดี้ของเช็คสเปียร์เป็นคอเมดี้ที่ชวนหัวเราะ วีรบุรุษประเภท Moliere-Gogol นั้นเป็นตัวละครล้อเลียนเสียดสีซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นคนเฒ่า วีรบุรุษของเช็คสเปียร์คือคู่รักหนุ่มสาวที่เดินทางรอบโลกเพื่อค้นหาความสุข ผู้คนค้นพบโลกด้วยตนเอง พวกเขาตกหลุมรักครั้งแรก อิจฉา ขุ่นเคือง - ทุกอย่างเป็นครั้งแรก และประเด็นไม่เพียงแต่ตัววีรบุรุษของเช็คสเปียร์ยังอายุน้อยเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจิตวิญญาณแห่งยุคหนุ่มซึ่งเป็นยุคแห่งการค้นพบโลกอยู่ในตัวพวกเขาเองด้วย ด้วยเหตุนี้จึงเกิดความรู้สึกริเริ่มอันเย้ายวนใจซึ่งประกอบขึ้นเป็นเสน่ห์อันน่าอัศจรรย์ของบทละครของเช็คสเปียร์ สำหรับคนสมัยใหม่ - แดกดัน, เสียดสี, ไม่ค่อยเชื่ออะไรเลย - บางครั้งคอเมดีของเชกสเปียร์ก็กลายเป็นเรื่องลึกลับซึ่งเป็นความลับที่ปิดผนึกด้วยผนึกเจ็ดดวง

อย่างไรก็ตาม นี่คือเหตุผลว่าทำไมใครๆ ก็สามารถตั้งชื่อผลงานโศกนาฏกรรมที่ยอดเยี่ยมหลายสิบรายการในโรงละครแห่งศตวรรษที่ 20 และนับรวมผลงานตลกที่ยอดเยี่ยมอย่างแท้จริง เป็นเรื่องง่ายที่จะจินตนาการถึงผู้กำกับที่ใช้เวลาทั้งชีวิตพยายามแสดงแฮมเล็ต แต่ฉันอยากเห็นผู้กำกับที่ใช้เวลาทั้งชีวิตในการเตรียมการแสดง The Taming of the Shrew นี่ไม่น่าเป็นไปได้ ศตวรรษที่ 20 และ 21 เปิดกว้างต่อโศกนาฏกรรมมากขึ้น อาจเป็นเพราะคอเมดีของเช็คสเปียร์เต็มไปด้วยความรู้สึกมีความสุข เต็มไปด้วยความสดใส เบิกบานเวียนหัว ความสุขของการดำรงอยู่ ความสุขของการที่คนๆ หนึ่งเกิดมา ความสุขในการค้นพบโลก มนุษย์ และความรัก

คอเมดี้ของเช็คสเปียร์แตกต่างออกไปมาก มีระยะห่างอย่างมากระหว่าง The Taming of the Shrew หรือ The Comedy of Errors ในด้านหนึ่งกับ A Midsummer Night's Dream หรือ Twelfth Night ในอีกด้านหนึ่ง และยังมีแนวคิดเรื่องคอเมดีของเช็คสเปียร์ในฐานะประเภทที่บูรณาการเป็นพิเศษ จุดเด่นอย่างหนึ่งของประเภทนี้ก็คือคอเมดี้หลายเรื่องบอกเล่าเรื่องราวเดียวกัน - เรื่องราวของคู่รักหนุ่มสาวจากโลกดราม่าที่ไม่เป็นมิตร โลกแห่งกฎหมายอันโหดร้าย โลกที่ถูกข่มเหงและทำลายความรัก หนีเข้าไปในป่า และป่าก็ปกป้องและปกป้องพวกเขา ความทรมานและละครที่ทำให้พวกเขาทนทุกข์ก็สลายไปในป่า ป่าที่เป็นภาพลักษณ์ของธรรมชาติถือเป็นภาพสำคัญประการหนึ่งของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาเหมือนกับดนตรีที่ทำให้ผู้คนกลับคืนสู่ธรรมชาติของตนเอง (สำหรับผู้ชายยุคเรอเนซองส์ ดนตรีเป็นสัญลักษณ์ของการดำรงอยู่ ภาพลักษณ์ของโครงสร้างของจักรวาล นี่คือสิ่งที่ผู้คนในยุคเรอเนซองส์ยืมมาจากพีทาโกรัสโบราณ: ดนตรีในฐานะกฎแห่งการดำรงอยู่ของจักรวาล คอเมดีของเช็คสเปียร์คือ เต็มไปด้วยเสียงเพลงเช่นนั้น)

ในละครเรื่อง As You Like It โรซาลินด์และออร์แลนโด้คนรักของเธอหนีออกจากปราสาทของเฟรดเดอริกผู้เผด็จการเข้าไปในป่าและที่นั่นพวกเขาพบความสามัคคี ความสงบสุข และความสุข โรซาลินด์เป็นหนึ่งในวีรบุรุษที่เก่งกาจ สมบูรณ์แบบ และมีแนวโน้มที่จะเล่นและเปลี่ยนแปลงได้ง่ายที่สุด เป็นฮีโร่ผู้มีศิลปะแห่งเช็คสเปียร์ โดยทั่วไปแล้วฮีโร่ของเขา - ศิลปินนักแสดง - มักจะพบกับความสุขที่แท้จริงในเกม

แต่ไม่เหมือนที่เกิดขึ้นในอภิบาล อภิบาล- แนวศิลปะที่กวีนิพนธ์ชีวิตชนบทอันเงียบสงบและเรียบง่ายที่ซึ่งเหล่าฮีโร่ได้หลีกหนีจากความกังวลในชีวิตประจำวันสู่ธรรมชาติ เหล่าฮีโร่จากละครตลกของเชกสเปียร์ก็กลับมาสู่โลกทุกครั้ง - แต่สู่โลกที่ได้รับการช่วยเหลือและฟื้นฟูจากป่าไม้แล้ว การเผชิญหน้าครั้งนี้เรียกได้ว่าเป็นโครงเรื่องหลักของคอเมดีของเช็คสเปียร์ - การเผชิญหน้าระหว่างโลกที่โหดร้าย ดั้งเดิม โง่เขลา อนุรักษ์นิยม โหดร้าย และโลกแห่งอิสรภาพที่ผู้คนพบในป่า

นี่คือป่านางฟ้า ในหนังตลกเรื่อง As You Like It มีต้นปาล์มและสิงโต แม้ว่าเหตุการณ์จะเกิดขึ้นที่ไหนสักแห่งระหว่างฝรั่งเศสและเบลเยียมก็ตาม ในละครเรื่อง A Midsummer Night's Dream เอลฟ์และสิ่งมีชีวิตวิเศษอาศัยอยู่ในป่า นี่คือโลกแห่งอาณาจักรอันห่างไกล ความฝันที่เป็นจริง - ในด้านหนึ่ง ในทางกลับกันนี่คือป่าอังกฤษ Sherwood Forest แบบเดียวกันจากเพลงบัลลาดเกี่ยวกับ Robin Hood (เช่นเดียวกับใน "The Two Gentlemen of Verona" ที่โจรที่อาศัยอยู่ระหว่างมิลานและเวโรนาสาบานต่อศีรษะล้านของพระเฒ่าจากวงดนตรีที่กล้าหาญของ Robin Hood) หรือ Forest of Arden เดียวกันในละครเรื่อง "As You Like It" - นี่คือป่าใกล้ Stratford ที่ซึ่ง Shakespeare ใช้ชีวิตในวัยเด็กของเขาและที่ซึ่งตามความเชื่อที่ได้รับความนิยมเอลฟ์อาศัยอยู่ - สิ่งมีชีวิตที่บินได้ซึ่งลอยอยู่ในอากาศของป่าแห่งนี้ . นี่คือประเทศที่มีมนต์ขลัง แต่ในขณะเดียวกันก็คืออังกฤษอลิซาเบธ ภาพยนตร์ตลกเรื่อง As You Like It พูดถึงผู้คนที่อาศัยอยู่ในป่าแห่งนี้ในฐานะผู้ถูกเนรเทศ เช่นเดียวกับในสมัยของโรบินฮู้ด ภาพลักษณ์ของละครตลกของเช็คสเปียร์ยังเป็นภาพลักษณ์ของอังกฤษยุคเก่าอีกด้วย โรบินฮู้ดเก่าอังกฤษ

ในพงศาวดารของ Henry V ผู้หญิงคนหนึ่งยืนอยู่ใกล้เตียงมรณะของ Falstaff ซึ่งเป็นฮีโร่ในการ์ตูนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเช็คสเปียร์กล่าวว่าก่อนที่เขาจะเสียชีวิตเขาพึมพำเกี่ยวกับทุ่งหญ้าสีเขียวบางแห่ง นี่คือทุ่งหญ้าเขียวขจีของอังกฤษยุคเก่า สนามของโรบินฮูดอังกฤษยุคเก่า อังกฤษซึ่งกำลังจะจากไปตลอดกาล ซึ่งบทละครของเช็คสเปียร์กล่าวคำอำลา พวกเขาบอกลาและรู้สึกคิดถึงโลกที่เรียบง่ายและสวยงามใบนี้ ซึ่งถูกถ่ายทอดออกมาด้วยความลึกซึ้ง มีเสน่ห์ และความเรียบง่ายในภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์

ฉันยืมตอนจบของการบรรยายจากนักวิทยาศาสตร์ชาวอเมริกันคนหนึ่ง บรรยายเรื่องตลกของเช็คสเปียร์ให้นักเรียนฟัง เขาจบแบบนี้: "จะนิยามโลกแห่งคอเมดี้ของเชคสเปียร์ได้อย่างไร? บางทีวิธีที่ดีที่สุดในการนิยามโลกแห่งคอเมดี้ของเช็คสเปียร์ก็คือสิ่งนี้ เป็นโลกที่มีนักศึกษาแต่ไม่มีการบรรยาย"

การถอดรหัส

Shakespeare's Chronicles เป็นละครอิงประวัติศาสตร์จากอดีตของอังกฤษ ส่วนใหญ่มาจากศตวรรษที่ 14 และ 15 เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะเข้าใจว่าเหตุใดในอังกฤษของเช็คสเปียร์ ไม่เพียงแต่ในหมู่นักมานุษยวิทยา นักวิทยาศาสตร์ นักประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคนทั่วไปด้วย ความสนใจอย่างมากในประวัติศาสตร์ของชาติจึงเกิดขึ้น ในความคิดของฉัน คำตอบนั้นชัดเจน เมื่อกองเรือ Armada ของสเปนผู้อยู่ยงคงกระพันซึ่งเป็นกองเรือขนาดใหญ่ที่มีทหารหลายหมื่นคนออกเดินทางเพื่อพิชิตอังกฤษในปี 1588 ชะตากรรมของอังกฤษดูเหมือนจะแขวนอยู่บนเส้นด้าย ใครจะจินตนาการได้ว่าพายุจะทำให้เรือสเปนกระจัดกระจาย และผู้บัญชาการกองทัพเรืออังกฤษจะสามารถทำลายกองเรือขนาดใหญ่นี้ได้ มีช่วงหนึ่งที่ดูเหมือนว่าอังกฤษกำลังเผชิญกับภัยพิบัติระดับชาติ และภัยคุกคามนี้ ลางสังหรณ์ของภัยพิบัตินี้รวมประเทศเป็นหนึ่งเดียว รวมทุกชนชั้นเข้าด้วยกัน ชาวอังกฤษรู้สึกเหมือนไม่เคยมีมาก่อนว่าพวกเขาเป็นชาติ และดังที่เกิดขึ้นในช่วงเวลาแห่งอันตรายระดับชาติ ศิลปะ และเพียงแค่จิตสำนึกของผู้คน กลับไปสู่อดีต เพื่อให้ประเทศอังกฤษสามารถรับรู้ถึงต้นกำเนิดของชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของตนที่นั่น และพบความหวังสำหรับชัยชนะที่นั่น จากคลื่นแห่งการรวมชาติ เรื่องราวประวัติศาสตร์เชิงดราม่าที่เฉพาะเจาะจงนี้ก็ได้เกิดขึ้น

อาจกล่าวได้ว่าในบันทึกของเช็คสเปียร์ มุมมองของนักมานุษยวิทยายุคเรอเนซองส์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ได้รับการแสดงออกมาอย่างครบถ้วนที่สุด มีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดที่ว่าแก่นแท้ของประวัติศาสตร์คือแก่นแท้อันศักดิ์สิทธิ์ เบื้องหลังกระบวนการทางประวัติศาสตร์นั้นมีความประสงค์สูงสุด ประสงค์อันศักดิ์สิทธิ์ ความยุติธรรมอันสมบูรณ์ ผู้ที่ฝ่าฝืนกฎแห่งประวัติศาสตร์ ผู้ที่ฝ่าฝืนกฎศีลธรรม จะต้องถึงแก่ความตาย แต่สิ่งสำคัญคือลวดลายและรูปภาพในพงศาวดารของเช็คสเปียร์ที่น่าสนใจและน่าสนใจที่สุดของมนุษย์นั้นอยู่ในเรื่องราวเกี่ยวกับผู้ที่ฝ่าฝืนกฎหมายทุกประเภทอย่างแม่นยำ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือ Richard III สัตว์ร้าย, สัตว์ประหลาด, ผู้ร้าย, ยั่วยวน, ฆาตกร, ใส่ร้าย, ผู้ข่มขืน. แต่เมื่อละครเริ่มแรกที่เขาปรากฏตัวบนเวทีเขาก็หันมาหาเราพร้อมกับสารภาพ ช่างเป็นความคิดที่แปลกที่จะเริ่มละครด้วยคำสารภาพ มันแปลกขนาดไหนที่จัดโครงสร้างการเล่นในลักษณะที่ในฉากแรกที่พระเอกเผยให้เห็นจิตวิญญาณอันน่าสยดสยองของเขา ช่างเป็นการละเมิดกฎโครงสร้างดราม่าทั้งหมดอย่างร้ายแรง! จะพัฒนากิจกรรมต่อไปอย่างไร? แต่เช็คสเปียร์เป็นอัจฉริยะ และเขาอยู่เหนือกฎหมาย และ "Richard III" ก็เป็นข้อพิสูจน์ที่ยอดเยี่ยม

และประเด็นไม่ใช่ว่าการเล่นเริ่มต้นด้วยคำสารภาพ แต่เป็นการที่เราตกอยู่ใต้เสน่ห์เย้ายวนโดยไม่คาดคิด ความน่าดึงดูดใจอันน่าสยดสยองเป็นพิเศษของตัวประหลาด ตัวร้าย ตัววายร้าย ฆาตกร ผู้ยั่วยวน บาปของเขาสามารถระบุได้ไม่รู้จบ แต่นี่คือร่างของอัจฉริยะ ตัวดำ แต่เป็นอัจฉริยะ คนที่เกิดมาเพื่อสั่งการ ข้างๆ เขา นักการเมืองที่มีบาปหรือมีคุณธรรมคนอื่นๆ ดูเหมือนเป็นแค่ลูกชิ้นเล็กๆ ในความเป็นจริง เพื่อให้ได้อำนาจเหนือพวกเขา เขาใช้พลังงานมากเกินไปด้วยซ้ำ เป็นเรื่องง่ายที่จะเอาชนะแกะเงียบๆ และคนขี้ขลาดเงียบๆ เหล่านี้

Richard III เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเป็นคนแรกและสำคัญที่สุด เขาสนุกกับการเล่นหน้าซื่อใจคดโดยเปลี่ยนหน้ากาก ที่นี่กฎทางศีลธรรมทั้งหมด ความคิดดั้งเดิมทั้งหมดเกี่ยวกับการล่มสลายของความดีและความชั่ว พวกเขาพังทลายลงต่อหน้าผู้ที่ถูกเลือกของร่างที่น่ากลัว ชั่วร้าย แต่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง

ชายหลังค่อม ตัวประหลาด และง่อยคนนี้สามารถเอาชนะ Lady Anna ได้อย่างง่ายดาย นี่เป็นฉากที่โด่งดังที่สุดในละคร แม้ว่าจะใช้เวลาประมาณสิบนาทีเท่านั้นก็ตาม ในตอนแรกเลดี้แอนน์เกลียดเขา ถ่มน้ำลายใส่หน้า สาปแช่งเขาเพราะเขาเป็นฆาตกรสามีของเธอและพ่อของสามีเธอ เฮนรีที่ 6 และในตอนท้ายของฉากเธอก็เป็นของเขา - นั่นคือพลังพิเศษซึ่งเป็นมหาอำนาจอันน่ากลัวที่ทำลายความคิดทั้งหมดเกี่ยวกับความดีและความชั่ว และเราตกอยู่ภายใต้มนต์สะกดของเขา เรากำลังรอให้อัจฉริยะแห่งความชั่วร้ายปรากฏตัวบนเวทีในที่สุด นักแสดงตลอดกาลชื่นชอบบทบาทนี้ และ Burbage ซึ่งเป็นนักแสดงคนแรก และ Garrick ในศตวรรษที่ 18 และ Edmund Kean ในศตวรรษที่ 19 และในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 Henry Irving และ Laurence Olivier และถ้าเราพูดถึงโรงละครของเรา บทละครของ Robert Sturua ยังคงเป็นตัวอย่างที่ดี โรเบิร์ต สตูรัว(เกิด พ.ศ. 2481) - ผู้กำกับละคร นักแสดง ครู. Ramaz Chkhikvadze เล่นเป็นครึ่งคนครึ่งสัตว์ประหลาดได้อย่างยอดเยี่ยม

สัตว์ร้ายตัวนี้เกิดมาเพื่อสั่งการ แต่ความตายของเขาเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ เพราะเขากบฏต่อประวัติศาสตร์ ต่อต้านสิ่งที่เช็คสเปียร์รวมเข้าด้วยกันเป็นเพลงสำคัญของพงศาวดาร เขาผู้กบฏ กบฏต่อเวลา ต่อต้านพระเจ้า ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ตอนที่คีนรับบทนี้ การมองครั้งสุดท้ายของริชาร์ดที่กำลังจะตายคือการมองท้องฟ้า และมันเป็นรูปลักษณ์ของศัตรูที่ไม่คืนดีและไม่ยอมให้อภัย "Richard III" เป็นตัวอย่างหนึ่งที่แสดงให้เห็นว่าอัจฉริยะของเช็คสเปียร์เอาชนะกฎทางจริยธรรมได้อย่างไร และเราพบว่าตัวเองตกอยู่ภายใต้ความเมตตาของอัจฉริยะผิวดำคนนี้ สัตว์ประหลาด วายร้าย ผู้หิวโหยพลังตัวนี้ไม่เพียงแต่เอาชนะเลดี้แอนนาเท่านั้น แต่ยังเอาชนะเราอีกด้วย (โดยเฉพาะถ้าริชาร์ดเล่นโดยนักแสดงที่ยอดเยี่ยม เช่น ลอเรนซ์ โอลิเวียร์ นี่เป็นบทบาทที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งเขาเล่นครั้งแรกในโรงละครและจากนั้นในภาพยนตร์ที่เขากำกับ)

พงศาวดารของเช็คสเปียร์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นบทความประวัติศาสตร์ที่ไม่มีอุดมการณ์มานานแล้ว ยกเว้น Richard III ที่นักแสดงแสดงและเป็นที่รักมาโดยตลอด "Henry VI" ที่ไม่มีที่สิ้นสุดเหล่านี้ ตอนที่หนึ่ง ตอนที่สอง ตอนที่สาม "Henry IV" ตอนที่หนึ่ง ตอนที่สอง "King Johns" ทั้งหมดนี้น่าสนใจสำหรับนักประวัติศาสตร์ แต่ไม่ใช่สำหรับโรงละคร

นี่เป็นกรณีจนกระทั่งในทศวรรษ 1960 ในเมืองสแตรทฟอร์ด ปีเตอร์ ฮอลล์ ผู้กำกับละครรอยัล เชคสเปียร์ ได้จัดฉากซีรีส์พงศาวดารของเช็คสเปียร์ชื่อ สงครามแห่งดอกกุหลาบ สงครามกุหลาบแดงและกุหลาบขาว, หรือ สงครามดอกกุหลาบ, (1455-1485) - ชุดของความขัดแย้งของราชวงศ์ติดอาวุธระหว่างกลุ่มขุนนางอังกฤษที่ต่อสู้เพื่ออำนาจ. เขากำกับพวกเขาในลักษณะที่ทำให้ความเชื่อมโยงระหว่างละครประวัติศาสตร์ของเช็คสเปียร์และเบรชต์ ละครประวัติศาสตร์ของเชกสเปียร์และสารคดีในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ชัดเจน ความเชื่อมโยงระหว่างพงศาวดารของเช็คสเปียร์กับ "โรงละครแห่งความโหดร้าย" ของ Antonin Artaud อันโตนิน อาร์เตาด์(พ.ศ. 2439-2491) - นักเขียนชาวฝรั่งเศส นักเขียนบทละคร นักแสดงและนักทฤษฎี ผู้ริเริ่มภาษาการละคร พื้นฐานของระบบของ Artaud คือการปฏิเสธการแสดงละครด้วยความเข้าใจตามปกติของปรากฏการณ์นี้ ซึ่งเป็นโรงละครที่สนองความต้องการดั้งเดิมของสาธารณชน เป้าหมายสูงสุดคือการค้นพบความหมายที่แท้จริงของการดำรงอยู่ของมนุษย์ผ่านการทำลายรูปแบบสุ่ม คำว่า "ความโหดร้าย" ในระบบของ Artaud มีความหมายที่แตกต่างจากความหมายในชีวิตประจำวันโดยพื้นฐาน ถ้าตามความเข้าใจทั่วไป ความโหดร้ายเกี่ยวข้องกับการสำแดงความเป็นปัจเจกนิยม ดังนั้นตามความเห็นของ Artaud ความโหดร้ายคือการยอมจำนนต่อความจำเป็นอย่างมีสติ โดยมุ่งเป้าไปที่การทำลายความเป็นปัจเจกบุคคล. ปีเตอร์ ฮอลล์ ละทิ้งความรู้สึกรักชาติแบบดั้งเดิม หรือความพยายามที่จะเชิดชูความยิ่งใหญ่ของจักรวรรดิอังกฤษ เขาแสดงละครเกี่ยวกับสงครามที่โหดร้าย น่าเกลียด และไร้มนุษยธรรม ตามรอยของ Bertolt Brecht และเรียนรู้จากมุมมองของเขาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์

นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ตั้งแต่ปี 1963 เมื่อปีเตอร์ ฮอลล์ จัดแสดงวงจรประวัติศาสตร์ของเขาในเมืองสแตรทฟอร์ด ชะตากรรมทางการแสดงละครของพงศาวดารของเช็คสเปียร์ก็เปลี่ยนไป พวกเขาเข้าสู่โรงละครโลกด้วยความกว้างที่เป็นไปไม่ได้เลยเมื่อก่อน จนถึงทุกวันนี้ พงศาวดารของเชคสเปียร์ได้รับการเก็บรักษาไว้ในละครสมัยใหม่ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษาอังกฤษและของเราเอง

ฉันจำบทละครที่ยอดเยี่ยมเรื่อง Henry IV ซึ่งจัดแสดงในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดย Georgy Tovstonogov ที่โรงละครบอลชอย และช่างเป็นชะตากรรมที่ยอดเยี่ยมของ Richard III บนเวทีรัสเซีย ประเด็นไม่ใช่ว่าในการแสดงละคร Richard III เราจำประวัติศาสตร์ของเราได้ ซึ่งเป็นร่างของสัตว์ประหลาดของเราเอง มันชัดเจน แต่เช็คสเปียร์ไม่ได้เขียนบทละครโดยคำนึงถึงบุคคลสำคัญทางประวัติศาสตร์โดยเฉพาะ Richard III ไม่ใช่บทละครเกี่ยวกับสตาลิน Richard III เป็นบทละครเกี่ยวกับเผด็จการ และไม่ได้เกี่ยวกับเธอมากนัก แต่เกี่ยวกับสิ่งล่อใจที่เธอแบกรับ เกี่ยวกับความกระหายความเป็นทาสซึ่งสร้างระบบเผด็จการทั้งหมด

ดังนั้น พงศาวดารของเช็คสเปียร์จึงไม่ใช่บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ แต่เป็นบทละครที่มีชีวิต เป็นบทละครเกี่ยวกับชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของเราเอง

การถอดรหัส

หลายปีก่อนฉันอยู่ที่เวโรนาและเดินผ่านสถานที่เหล่านั้นซึ่งตามที่ชาวเมืองเวโรนีอ้างว่าเกี่ยวข้องกับเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียต นี่คือระเบียงเก่าที่หนักและปกคลุมไปด้วยตะไคร่น้ำ ซึ่งจูเลียตยืนอยู่และโรมิโอยืนอยู่ใต้นั้น นี่คือวัดที่คุณพ่อลอเรนโซแต่งงานกับคู่รักหนุ่มสาว และนี่คือห้องใต้ดินของจูเลียต ตั้งอยู่นอกกำแพงเมืองเก่าใน Verona Cheryomushki สมัยใหม่ ที่นั่น ในบรรดาอาคารห้าชั้นสมัยครุสชอฟ มีอารามโบราณเล็กๆ ที่มีเสน่ห์ตั้งตระหง่านอยู่ ในห้องใต้ดินมีสิ่งที่เรียกว่าห้องใต้ดินของจูเลียต ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าเป็นเขาหรือไม่ แต่เชื่อกันว่าเป็นเขา

นี่คือสุสานเปิด ฉันเข้าไปในห้องใต้ดิน ดู ทำหน้าที่ของฉันต่อเช็คสเปียร์ให้สำเร็จ และกำลังจะจากไป แต่ในวินาทีสุดท้าย ฉันสังเกตเห็นกองกระดาษวางอยู่บนขอบหินเหนือหลุมฝังศพ ฉันดูจดหมายฉบับหนึ่งแล้วพบว่านี่เป็นจดหมายที่สาวยุคใหม่เขียนถึงจูเลียต และถึงแม้ว่าการอ่านจดหมายของคนอื่นจะไม่เหมาะสม แต่ฉันก็ยังอ่านจดหมายฉบับหนึ่งอยู่ ไร้เดียงสาชะมัดเขียนเป็นภาษาอังกฤษ ไม่ว่าจะเป็นคนอเมริกันเขียนบทนี้ หรือเด็กหญิงชาวอิตาลีที่ตัดสินใจว่าควรเขียนจูเลียตเป็นภาษาอังกฤษ เนื่องจากเป็นบทละครของเช็คสเปียร์ เนื้อหามีลักษณะดังนี้: “ถึงจูเลียต ฉันเพิ่งเรียนรู้เรื่องราวของคุณและร้องไห้หนักมาก ผู้ใหญ่เลวทรามเหล่านี้ทำอะไรกับคุณ”

ฉันคิดว่ามนุษยชาติสมัยใหม่และโรงละครสมัยใหม่กำลังทำสิ่งนี้เท่านั้น พวกเขากำลังเขียนจดหมายถึงผลงานอันยิ่งใหญ่ในอดีต และพวกเขาก็ได้คำตอบ โดยพื้นฐานแล้ว ชะตากรรมทั้งหมดของโรงละครสมัยใหม่ การแสดงละครคลาสสิกโดยทั่วไปและโดยเฉพาะเชคสเปียร์คือประวัติศาสตร์ของการติดต่อนี้ บางครั้งคำตอบก็มาบางครั้งก็ไม่ ทุกอย่างขึ้นอยู่กับคำถามที่เราถามในอดีต โรงละครสมัยใหม่ไม่ได้จัดแสดงเช็คสเปียร์เพื่อค้นหาว่าผู้คนใช้ชีวิตอย่างไรในศตวรรษที่ 16 และไม่ใช่เพื่อที่จะพยายามเจาะทะลุจากโลกรัสเซียของเราเข้าสู่โลกแห่งวัฒนธรรมอังกฤษ นี่เป็นสิ่งสำคัญ แต่เป็นรอง เราหันไปหาเรื่องคลาสสิก เราหันไปหาเช็คสเปียร์ เพื่อทำความเข้าใจตัวเราเองเป็นหลัก

ชะตากรรมของโรมิโอและจูเลียตยืนยันเรื่องนี้ เช็คสเปียร์ไม่ได้เป็นผู้คิดค้นโครงเรื่องของละครเรื่องนี้ ดูเหมือนเขาไม่มีความคิดที่จะประดิษฐ์เรื่องราวขึ้นมาเลย บทละครของเช็คสเปียร์มีเพียงสองบทเท่านั้นที่มีอยู่โดยไม่ทราบแหล่งที่มา ได้แก่ A Midsummer Night's Dream และ The Tempest และนี่อาจเป็นเพราะเราไม่รู้ว่าแหล่งข้อมูลเหล่านั้นมีพื้นฐานมาจากอะไร

เนื้อเรื่องของโรมิโอและจูเลียตเป็นที่รู้จักมาเป็นเวลานานมากแล้ว สมัยโบราณมีโรมิโอและจูเลียตเป็นของตัวเอง - Pyramus และ Thisbe ซึ่งโอวิดบรรยายเรื่องราว เรื่องราวของโรมิโอยังถูกกล่าวถึงโดย Dante - Montague และ Cappelletti ตามที่เขากล่าวไว้ใน The Divine Comedy นับตั้งแต่ยุคกลางตอนปลาย เมืองต่างๆ ในอิตาลีได้ถกเถียงกันว่าเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียตเกิดขึ้นที่ใด สุดท้ายเวโรน่าก็ชนะ จากนั้น Lope de Vega ก็เขียนบทละครเกี่ยวกับโรมิโอและจูเลียต จากนั้นนักประพันธ์ชาวอิตาลีก็เล่าเรื่องราวทีละคน

ในอังกฤษ โครงเรื่องของโรมิโอและจูเลียตเป็นที่รู้จักก่อนเช็คสเปียร์ด้วย อาเธอร์ บรูค กวีชาวอังกฤษคนหนึ่ง เขียนบทกวีเกี่ยวกับความรักของโรเมอุสและจูเลียต นั่นคือบทละครของเช็คสเปียร์นำหน้าด้วยประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ เขาสร้างอาคารของเขาบนฐานรากสำเร็จรูป และการตีความละครเรื่องนี้ที่แตกต่างกันก็เป็นไปได้เพราะพื้นฐานของละครมีความเป็นไปได้ที่แตกต่างกันในการทำความเข้าใจและตีความเรื่องราวนี้

เรื่องราวความรักที่เป็นความลับของ Arthur Brooke ระหว่าง Romeus และ Juliet ยาวนานถึงเก้าเดือน ในเชกสเปียร์ โศกนาฏกรรมครั้งนี้เกิดขึ้นภายในห้าวัน เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเชคสเปียร์ที่จะเริ่มละครในบ่ายวันอาทิตย์และจบลงในอีกห้าวันต่อมาในคืนวันศุกร์ เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่งานแต่งงานที่เสนอของปารีสและจูเลียตควรมีขึ้นในวันพฤหัสบดี “ไม่ วันพุธ” คุณพ่อคาปูเล็ตกล่าว สิ่งที่แปลก: วันในสัปดาห์และโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่เชื่อมโยงกับแนวคิดทางปรัชญาของเธออย่างไร? เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเช็คสเปียร์ที่แนวคิดเชิงปรัชญาเหล่านี้เชื่อมโยงกับสถานการณ์ที่เฉพาะเจาะจงในชีวิตประจำวัน ตลอดห้าวันนี้ เรื่องราวความรักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวรรณคดีโลกได้เปิดเผยต่อหน้าเรา

ดูว่าโรมิโอและจูเลียตเข้าสู่เรื่องราวนี้ได้อย่างไร และพวกเขาจะจากไปอย่างไร ดูสิว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับพวกเขาในอีกไม่กี่วัน ดูผู้หญิงคนนี้ที่เพิ่งเล่นตุ๊กตาสิ และดูว่าสถานการณ์อันน่าเศร้าของโชคชะตาทำให้เธอกลายเป็นมนุษย์ที่แข็งแกร่งและลึกซึ้งได้อย่างไร ดูเด็กคนนี้สิ โรมิโอ วัยรุ่นอารมณ์ดี เขาเปลี่ยนไปอย่างไรจนถึงที่สุด

ในฉากสุดท้ายของละคร มีช่วงเวลาที่โรมิโอมาที่ห้องใต้ดินของจูเลียต และปารีสก็พบเขาที่นั่น ปารีสตัดสินใจว่าโรมิโอมาเพื่อทำลายขี้เถ้าของจูเลียตและขัดขวางทางของเขา โรมิโอบอกเขาว่า: "ไปให้พ้น เยาวชนที่รัก" น้ำเสียงที่โรมิโอพูดกับปารีสซึ่งอาจแก่กว่าเขาคือน้ำเสียงของชายที่ฉลาดและเบื่อหน่ายโลก ชายผู้มีชีวิตอยู่ ชายที่จวนจะตาย เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของบุคคลด้วยความรักและโศกนาฏกรรมที่เกี่ยวข้องกับความรักครั้งนี้

อย่างที่เราทราบกันดีว่าโศกนาฏกรรมคืออาณาจักรแห่งสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ นี่คือโลกแห่งสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ในโศกนาฏกรรมพวกเขาตายเพราะพวกเขาต้องตาย เพราะความตายถูกกำหนดไว้สำหรับผู้ที่เข้าสู่ความขัดแย้งอันน่าเศร้า อย่างไรก็ตาม การตายของโรมิโอและจูเลียตนั้นเป็นเรื่องบังเอิญ ถ้าไม่ใช่เพราะโรคระบาดโง่ๆ นี้ ทูตของพ่อของลอเรนโซคงจะไปหาโรมิโอและอธิบายว่าจูเลียตยังไม่ตายเลย ทั้งหมดนี้คือกลอุบายอันสูงส่งของลอเรนโซ เรื่องแปลก.

บางครั้งสิ่งนี้อธิบายได้ด้วยความจริงที่ว่าโรมิโอและจูเลียตเป็นละครยุคแรก ๆ มันยังไม่ใช่โศกนาฏกรรมที่สมบูรณ์ และยังมีหนทางอีกยาวไกลก่อนที่แฮมเล็ตจะดำเนินต่อไป บางทีมันอาจจะเป็นเช่นนั้น แต่อย่างอื่นก็เป็นไปได้ จะเข้าใจภัยพิบัติในโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ได้อย่างไร? จะเกิดอะไรขึ้นถ้าโรคระบาดไม่ได้เป็นเพียงโรคระบาด แต่เป็นภาพลักษณ์ของสิ่งมีชีวิตที่น่าเศร้าที่มีอยู่?

เบื้องหลังเรื่องนี้มีเนื้อหาย่อยที่แตกต่างกัน จึงมีการตีความที่แตกต่างกันออกไป ฟรังโก เซฟฟิเรลลี ก่อนสร้างภาพยนตร์ชื่อดัง "โรมิโอและจูเลียต", 2511ได้แสดงละครในโรงละครอิตาลี พวกเขานำมันไปที่มอสโคว์ และฉันจำได้ว่ามันเริ่มต้นอย่างไร เริ่มด้วยฉากฝูงชนในตลาดที่อึกทึก สีสัน นีโอเรียลลิสติก สนุกสนาน วิ่ง ซื้อขาย ตะโกน อิตาลีในคำเดียว และทันใดนั้นเราก็เห็นชายชุดดำปรากฏตัวที่ด้านหลังเวทีและเริ่มเคลื่อนตัวฝ่าฝูงชนเข้ามาหาเรา เมื่อถึงจุดหนึ่งฝูงชนก็หยุดนิ่งและชายคนหนึ่งที่มีม้วนหนังสืออยู่ในมือก็มาที่แถวหน้าและอ่านข้อความของอารัมภบท ชายผิวดำคนนี้เป็นภาพแห่งโชคชะตาและความทุกข์ทรมานและความตายของคู่รักอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

การตีความทั้งสองข้อใดถูกต้อง และเป็นไปได้ไหมที่จะพูดถึงการตีความที่ถูกต้องและไม่ถูกต้อง? ประเด็นทั้งหมดก็คือ ละครของเชกสเปียร์มีความเป็นไปได้จากมุมมองที่แตกต่างกัน ซึ่งบางครั้งก็เกือบจะแยกจากกันไม่ได้ นี่คือคุณภาพของงานศิลปะที่ยอดเยี่ยม สิ่งนี้ได้รับการพิสูจน์อย่างชัดเจนจากทั้งชะตากรรมทางวรรณกรรมและละครของโรมิโอและจูเลียตเป็นหลัก

ก็เพียงพอแล้วที่จะระลึกถึงการแสดงที่น่าเศร้าของ Anatoly Efros ซึ่งเป็นหนึ่งในมุมมองที่ลึกซึ้งที่สุดในละครเรื่องนี้ ในการผลิตนี้ โรมิโอและจูเลียตไม่ใช่นกพิราบที่โวยวาย - พวกเขาแข็งแกร่ง เป็นผู้ใหญ่ และลึกซึ้งที่รู้ว่าอะไรรอพวกเขาอยู่หากพวกเขายอมให้ตัวเองเผชิญหน้ากับโลกแห่งอำนาจกักขฬะที่ครองราชย์ในละครเวโรนา พวกเขาเดินไปสู่ความตายอย่างไม่เกรงกลัว พวกเขาอ่านแฮมเล็ตแล้ว พวกเขารู้ว่ามันจบลงอย่างไร พวกเขารวมกันไม่เพียงแต่ด้วยความรู้สึกเท่านั้น แต่ยังรวมเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะเผชิญหน้ากับโลกนี้และความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ เป็นการแสดงที่มืดมนซึ่งไม่ได้ทิ้งความหวังไว้มากนัก และเป็นการแสดงที่เติบโตมาจากแก่นแท้ของบทประพันธ์ของเช็คสเปียร์

บางทีเช็คสเปียร์เองอาจจะเขียนโรมิโอและจูเลียตด้วยวิธีนี้ถ้าเขาเขียนบทละครนี้ไม่ใช่ในช่วงวัยเยาว์ แต่ในช่วงเวลาของแฮมเล็ตที่น่าเศร้า

การถอดรหัส

“Hamlet” เป็นละครพิเศษสำหรับรัสเซีย แฮมเล็ตในโศกนาฏกรรมกล่าวว่าโรงละครคือกระจกที่สะท้อนให้เห็นมานานหลายศตวรรษ ชนชั้น และรุ่นต่างๆ และจุดประสงค์ของโรงละครคือการยึดกระจกไว้เพื่อมนุษยชาติ แต่แฮมเล็ตเองก็เป็นกระจกเงา มีคนบอกว่านี่คือกระจกที่วางอยู่บนทางหลวง และผู้คน รุ่น ชาติ ชนชั้น เดินผ่านเขาไป และทุกคนก็เห็นตัวเอง นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับประวัติศาสตร์รัสเซีย แฮมเล็ตเป็นกระจกที่รัสเซียพยายามจะมองเห็นหน้ามัน และพยายามทำความเข้าใจตัวเองผ่านแฮมเล็ต

เมื่อโมชาลอฟ พาเวล สเตปาโนวิช โมชาลอฟ(พ.ศ. 2343-2391) - นักแสดงยุคโรแมนติกรับราชการในโรงละครมอสโกมาลีรับบทเป็นแฮมเล็ตในปี พ.ศ. 2380 เบลินสกี้เขียนคำพูดอันโด่งดังของเขาว่าแฮมเล็ตคือ "คุณนี่คือฉันนี่คือพวกเราแต่ละคน" วลีนี้ไม่ได้ตั้งใจสำหรับมุมมองการเล่นของรัสเซีย เกือบ 80 ปีต่อมา Blok จะเขียนว่า “ฉันคือแฮมเล็ต เลือดเย็น..." (1914) วลี "I am Hamlet" ไม่เพียงแต่เป็นรากฐานของประวัติศาสตร์ละครเวทีนี้ในโรงละครรัสเซียเท่านั้น แต่สูตรนี้มีความสำคัญและใช้ได้กับทุกยุคสมัยของประวัติศาสตร์รัสเซีย ใครก็ตามที่ตัดสินใจสำรวจประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของรัสเซีย กลุ่มปัญญาชนชาวรัสเซีย จะต้องค้นหาว่าบทละครนี้ถูกตีความในช่วงเวลาต่างๆ ในประวัติศาสตร์อย่างไร แฮมเล็ตเข้าใจอย่างไรในช่วงขึ้นๆ ลงๆ ที่น่าเศร้าและช่วงตกต่ำที่น่ากลัว

เมื่อ Stanislavski ซ้อม Hamlet ในปี 1909 เพื่อเตรียมนักแสดงให้พร้อมสำหรับการมาถึงของ Gordon Craig เอ็ดเวิร์ด กอร์ดอน เครก(พ.ศ. 2415-2509) - นักแสดง ผู้กำกับละครและโอเปร่าชาวอังกฤษในยุคสมัยใหม่ซึ่งแสดงละครที่ Moscow Art Theatre เขากล่าวว่า Hamlet เป็นโรค hypostasis ของพระคริสต์ ภารกิจของแฮมเล็ตนั้นไม่เพียงแต่ในละครเท่านั้น แต่ในโลกนี้ยังเป็นภารกิจที่สามารถเปรียบเทียบได้กับการเป็นของพระบุตรของพระเจ้า นี่ไม่ใช่การเชื่อมโยงแบบสุ่มสำหรับจิตสำนึกของรัสเซียเลย จำบทกวีของ Boris Pasternak จาก Doctor Zhivago เมื่อ Hamlet ใส่พระวจนะของพระคริสต์ในสวนเกทเสมนีเข้าปากของเขา:

“ถ้าเป็นไปได้ ข้าแต่พระบิดา
ยกถ้วยนี้ผ่านไป
ฉันชอบแผนการดื้อรั้นของคุณ
และฉันตกลงที่จะเล่นบทบาทนี้
แต่ตอนนี้มีละครอีกเรื่อง
และคราวนี้ไล่ฉันออก
แต่ได้คิดลำดับการกระทำแล้ว
และจุดสิ้นสุดของถนนก็หลีกเลี่ยงไม่ได้
ฉันอยู่คนเดียวทุกอย่างจมอยู่ในลัทธิฟาริสี
ชีวิตไม่ใช่สนามที่ต้องข้าม”

เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากที่จะดูว่าช่วงเวลาใดในประวัติศาสตร์รัสเซียที่แฮมเล็ตมาถึงเบื้องหน้า ในช่วงเวลาใดที่บทละครของเช็คสเปียร์กลายเป็นช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดและสำคัญที่สุด มีหลายครั้งที่แฮมเล็ตพบว่าตัวเองอยู่บริเวณรอบนอก เมื่อละครเรื่องอื่นของเชคสเปียร์เกิดขึ้นอันดับหนึ่ง เป็นเรื่องน่าสนใจที่จะเห็นว่าช่วงเวลาใดในประวัติศาสตร์รัสเซียที่ Hamlet กลายเป็นเครื่องมือแห่งคำสารภาพของรัสเซีย นี่เป็นกรณีที่เกิดขึ้นในยุคเงิน นี่เป็นกรณีในช่วงหลังการปฏิวัติ และเหนือสิ่งอื่นใดในแฮมเล็ต ซึ่งรับบทโดยมิคาอิล เชคอฟ นักแสดงที่เก่งที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 นักแสดงที่ยิ่งใหญ่และลึกซึ้งผู้ลึกลับซึ่งความหมายหลักของแฮมเล็ตคือการสื่อสารกับผีซึ่งเป็นการปฏิบัติตามเจตจำนงของเขา

อย่างไรก็ตามในบทความของ Pasternak เกี่ยวกับการแปลโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์มีวลีที่ Hamlet พูดว่า "เพื่อทำตามพระประสงค์ของผู้ที่ส่งเขามา" หมู่บ้านเล็ก ๆ ของมิคาอิล เชคอฟ ทำตามเจตจำนงของผีที่ส่งเขามา - ซึ่งไม่ได้ปรากฏบนเวที แต่เป็นสัญลักษณ์ของรังสีแนวตั้งขนาดใหญ่ที่ตกลงมาจากท้องฟ้า แฮมเล็ตเข้าไปในเสาอันลุกเป็นไฟ พื้นที่อันส่องสว่างนี้ และสัมผัสตัวเองกับมัน โดยดูดซับแสงแห่งสวรรค์นี้ไม่เพียงแต่ในจิตสำนึกของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทุกเส้นเลือดในร่างกายของเขาด้วย มิคาอิล เชคอฟ รับบทเป็นชายผู้ถูกเหยียบย่ำด้วยประวัติศาสตร์อันหนักหน่วง มันเป็นเสียงร้องแห่งความเจ็บปวดจากบุคคลที่ผ่านกลไกของความเป็นจริงการปฏิวัติรัสเซียและหลังการปฏิวัติ เชคอฟเล่นแฮมเล็ตในปี พ.ศ. 2467 และอพยพในปี พ.ศ. 2471 การจากไปของเชคอฟเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้อย่างแน่นอน - เขาไม่มีอะไรทำในประเทศแห่งการปฏิวัติที่ได้รับชัยชนะ

ชะตากรรมต่อไปของเขาน่าทึ่งมาก เขาเสียชีวิตในปี 2498 และก่อนหน้านั้นเขาอาศัยอยู่ทางตะวันตก ในรัฐบอลติก ในฝรั่งเศส และในอเมริกา เขาแสดงเป็นผู้กำกับและเป็นครู แต่เขาไม่ได้ทำอะไรสมกับบทบาทที่เขาเล่นในรัสเซีย และนี่คือโศกนาฏกรรมของเขา นี่คือโศกนาฏกรรมของแฮมเล็ตของเขา

“Hamlet” ไม่ได้แสดงบนเวทีมอสโกมา 30 ปีแล้ว (ยกเว้นกรณีพิเศษของ "Hamlet" ของ Akimov ที่โรงละคร Vakhtangov "Hamlet" จัดแสดงโดย Nikolai Akimov ในปี 1932 ที่โรงละคร วาคทังกอฟ.. มันเป็นการล้อเลียนกึ่งล้อเลียนซึ่งเป็นการตอบโต้มุมมองของรัสเซียแบบดั้งเดิมที่ยกย่องแฮมเล็ต) สาเหตุหนึ่งที่ทำให้ "แฮมเล็ต" ถูกคว่ำบาตรจากเวทีมอสโกก็คือสตาลินทนไม่ได้กับละครเรื่องนี้ สิ่งนี้เป็นเรื่องที่เข้าใจได้เพราะปัญญาชนชาวรัสเซียมองเห็นองค์ประกอบของแฮมเล็ตในตัวเองมาโดยตลอด

มีกรณีที่ Nemirovich-Danchenko ซึ่งได้รับอนุญาตพิเศษได้ซ้อม Hamlet ที่ Art Theatre (ละครไม่เคยออกฉาย) และนักแสดงบอริสลิวานอฟที่หนึ่งในงานเลี้ยงรับรองเครมลินเข้าหาสตาลินแล้วพูดว่า: "สหายสตาลินตอนนี้เรากำลังซ้อมแฮมเล็ตโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ คุณจะให้คำแนะนำอะไรแก่เรา? เราควรจัดการแสดงละครเรื่องนี้อย่างไร” คำตอบของสตาลินมีหลายเวอร์ชัน แต่ที่น่าเชื่อถือที่สุดคือสิ่งนี้ สตาลินพูดด้วยความดูถูกอย่างไม่อาจพรรณนา: "เขาอ่อนแอ" "ไม่ไม่! - ลิวานอฟกล่าว “เรากำลังเล่นให้เขาแข็งแกร่ง!”

ดังนั้นเมื่อสตาลินเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2496 โรงภาพยนตร์ในรัสเซียหลายแห่งจึงหันมาเล่นละครที่กึ่งไม่ได้รับอนุญาตนี้ทันที ในเวลาเดียวกันในปี 1954 รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นที่โรงละคร Mayakovsky ซึ่งละครเรื่องนี้จัดแสดงโดย Okhlopkov นิโคไล ปาฟโลวิช โอคลอปคอฟ(พ.ศ. 2443-2510) - นักแสดงละครและภาพยนตร์ ผู้กำกับ ครู ลูกศิษย์และผู้สืบทอดประเพณี VS. เมเยอร์โฮลด์. ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2486 เขาเป็นหัวหน้าโรงละคร มายาคอฟสกี้.และในเลนินกราดที่โรงละคร Pushkin (Alexandrinsky) ซึ่ง Kozintsev จัดแสดง กริกอรี มิคาอิโลวิช โคซินต์เซฟ(พ.ศ. 2448-2516) - ผู้กำกับภาพยนตร์และละคร, ผู้เขียนบท, อาจารย์ สำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Hamlet" (1964) เขาได้รับรางวัลเลนินแม้กระทั่งก่อนภาพยนตร์ของเขาด้วยซ้ำ

ประวัติความเป็นมาของแฮมเล็ตในโรงละครรัสเซียหลังสงครามเป็นหัวข้อที่ใหญ่มาก แต่ฉันอยากจะพูดถึงสิ่งหนึ่ง เกี่ยวกับ “แฮมเล็ต” อันนั้น ซึ่งเป็น “แฮมเล็ต” ในรุ่นของฉัน มันคือ "Hamlet" โดย Vysotsky, Borovsky, Lyubimov “Hamlet” จัดแสดงที่โรงละคร Taganka ในปี 1971 ผู้กำกับละครคือ Yuri Lyubimov ศิลปินและผู้ออกแบบฉากคือ David Borovsky บทบาทของ Hamlet รับบทโดย Vladimir Vysotsky. ไม่ใช่ยุคที่เลวร้าย ปี 1971 เทียบไม่ได้เลยกับช่วงปลายยุค 30 แต่มันเป็นช่วงเวลาที่น่าละอายและน่าอับอาย ความเฉยเมยทั่วไป ความเงียบงัน ผู้คัดค้านเพียงไม่กี่คนที่กล้าเปล่งเสียงของพวกเขาต้องติดคุก รถถังในเชโกสโลวาเกีย และอื่นๆ

ในบรรยากาศทางการเมืองและจิตวิญญาณที่น่าอับอาย การแสดงร่วมกับ Vysotsky ปรากฏขึ้นและมีการกบฏของรัสเซียอย่างแท้จริงซึ่งเป็นการระเบิดอย่างแท้จริง มันคือแฮมเล็ต เรียบง่ายมาก เป็นคนรัสเซียมาก และโกรธมาก แฮมเล็ตเองที่ยอมให้ตัวเองกบฏ มันคือแฮมเล็ตผู้ก่อกบฏ เขาท้าทายพลังแห่งโศกนาฏกรรมที่เผชิญหน้าเขา เขาไม่เพียงถูกต่อต้านโดยระบบการเมืองเท่านั้น แต่ยังถูกกดขี่โดยระบอบเผด็จการของสหภาพโซเวียต - Vysotsky ไม่สนใจเรื่องทั้งหมดนี้มากนัก เขากำลังเผชิญหน้ากับกองกำลังที่ไม่สามารถเอาชนะได้ พลังที่เป็นสัญลักษณ์ของม่านอันโด่งดัง “ด้วยความช่วยเหลือจากวิศวกรการบิน โครงสร้างที่ซับซ้อนมากจึงได้รับการติดตั้งเหนือเวที ซึ่งทำให้ม่านสามารถเคลื่อนไปในทิศทางต่างๆ เปลี่ยนฉาก เผยให้เห็นตัวละครบางตัว ปิดตัวละครอื่นๆ กวาดคนอื่นๆ ลงจากเวที... แนวคิด ม่านที่ขยับได้ทำให้ Lyubimov สามารถค้นหากุญแจสำคัญในการแสดงทั้งหมดได้ ไม่ว่าแฮมเล็ตจะอยู่ที่ไหนม่านก็เริ่มขยับและหยุดตามกฎที่เข้มงวด: Vysotsky ยังคงแยกจากกันเสมอแยกจากคนอื่น” (จากบทความ "แฮมเล็ตจากทากันกา ในวันครบรอบยี่สิบปีของการแสดง" ในหนังสือพิมพ์ "Young Communard" , 1991)สร้างโดย David Borovsky ผู้เก่งกาจ มันคือสัตว์ประหลาดขนาดใหญ่ที่ไม่มีดวงตา ซึ่งกลายเป็นกำแพงดิน หรือภาพแห่งความตาย หรือเป็นเว็บขนาดใหญ่ที่พันธนาการผู้คน มันเป็นสัตว์ประหลาดที่กำลังเคลื่อนที่ซึ่งคุณไม่สามารถซ่อนตัวหรือวิ่งหนีได้ มันคือไม้กวาดยักษ์กวาดผู้คนจนตาย

มีภาพความตายสองภาพในการแสดงนี้พร้อมๆ กัน - ม่านซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของพลังแห่งโศกนาฏกรรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เหนือบุคคลและหลุมศพบนขอบเวทีจากโลกที่มีชีวิตจริง ฉันพูดว่า "มีชีวิตอยู่" แต่ฉันคิดผิด มันเป็นดินแดนที่ตายแล้ว ไม่ใช่ที่ซึ่งสิ่งใดๆ เติบโต นี่คือดินแดนที่พวกเขาฝังไว้

และระหว่างภาพแห่งความตายเหล่านี้ Vysotsky ก็มีอยู่จริง แฮมเล็ต เสียงแหบแห้งที่ดูเหมือนมาจากการที่มีใครคนหนึ่งใช้มืออันเหนียวแน่นจับคอเขา หมู่บ้านเล็ก ๆ นี้พยายามชั่งน้ำหนักข้อดีและข้อเสียและสิ่งนี้ทำให้เขาเข้าสู่ทางตันทางจิตที่หมันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้เพราะจากมุมมองของสามัญสำนึกการจลาจลนั้นไร้ความหมายและถึงวาระที่จะพ่ายแพ้ แต่ในหมู่บ้านเล็ก ๆ นี้มีความเกลียดชังอันศักดิ์สิทธิ์ หากความเกลียดชังเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ได้ ในหมู่บ้านเล็ก ๆ นี้มีความถูกต้องของความไม่อดทน บุรุษผู้นี้ นักรบ ผู้รอบรู้และกวีผู้นี้ หัวทิ่ม ขจัดความสงสัยทั้งปวง พุ่งเข้าสู่การต่อสู้ เข้าไปสู่การจลาจล เข้าไปสู่การจลาจล และตายไป ดุจทหารตายอย่างเงียบ ๆ ไม่โอ้อวด ที่นี่ไม่จำเป็นต้องใช้ Fortinbras ไม่มีพิธีถอดร่างของแฮมเล็ตออก แฮมเล็ตที่อยู่ด้านหลังเวที เอนหลังพิงกำแพง และเลื่อนลงไปที่พื้นอย่างเงียบๆ นั่นคือความตาย

สู่ห้องโถงเยือกแข็งที่คนรุ่นเดียวกับผมนั่งอยู่ การแสดงนี้และนักแสดงคนนี้ให้ความหวัง หวังว่าจะมีโอกาสต่อต้าน นี่คือภาพลักษณ์ของแฮมเล็ตซึ่งกลายเป็นส่วนหนึ่งของจิตวิญญาณในรุ่นของฉันซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับภาพลักษณ์ของแฮมเล็ตของ Pasternak ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแสดงเริ่มต้นด้วยเพลงของ Vysotsky ซึ่งอิงจากท่อนเดียวกันนี้ของ Pasternak จาก Doctor Zhivago เป็นที่น่าสนใจที่ Vysotsky จากบทกวีนี้ซึ่งเขาแสดงเกือบทั้งหมดได้โยนบทหนึ่งออกมา: "ฉันชอบแผนการดื้อรั้นของคุณและตกลงที่จะเล่นบทบาทนี้ ... " หมู่บ้านเล็ก ๆ นี้ไม่ชอบแผนโลก เขาต่อต้านจุดประสงค์ที่สูงกว่าใดๆ ที่อยู่เบื้องหลังโลก เขาไม่ตกลงที่จะเล่นบทนี้ หมู่บ้านเล็กๆ นี้มีแต่กบฏ กบฏ ต่อต้าน เป็นการเร่งรีบที่จะทำตามเจตนารมณ์เพื่อทำความเข้าใจเสรีภาพของรัสเซียกับสิ่งที่ Fedya Protasov พูดถึงใน Tolstoy เฟดอร์ โปรตาซอฟ- ตัวละครหลักของละครเรื่อง "The Living Corpse" ของลีโอ ตอลสตอยกำลังฟังยิปซีร้องเพลง การแสดงนี้มีบทบาทอย่างมากในชีวิตของเรา ภาพนี้คงอยู่กับเราตลอดชีวิต

มีเวลาสำหรับแฮมเล็ต และเวลาไม่ใช่สำหรับแฮมเล็ต ไม่มีอะไรน่าละอายในยุคที่ไม่ใช่แฮมเล็ต ท้ายที่สุดแล้ว ยังมีบทละครอื่นๆ ของเช็คสเปียร์อีกด้วย ช่วงเวลาของแฮมเล็ตนั้นพิเศษ และสำหรับฉัน (บางทีฉันอาจจะผิด) ดูเหมือนว่าเวลาของเราไม่ใช่ของแฮมเล็ต เราไม่ได้สนใจละครเรื่องนี้ แม้ว่าจู่ๆ จู่ๆ ผู้กำกับรุ่นเยาว์ก็ออกมาและพิสูจน์ว่าเราคู่ควรกับแฮมเล็ต โดยการแสดงละครเรื่องนี้ ฉันก็คงจะเป็นคนแรกที่ชื่นชมยินดี

การถอดรหัส

หากคุณดูผลงานล่าสุดของศิลปินจากยุคสมัยและงานศิลปะประเภทต่างๆ คุณจะพบบางสิ่งที่รวมพวกเขาเป็นหนึ่งเดียวกัน มีบางอย่างที่เหมือนกันระหว่างโศกนาฏกรรมครั้งสุดท้ายของ Sophocles, Oedipus at Colonus, ผลงานชิ้นสุดท้ายของ Beethoven, โศกนาฏกรรมครั้งสุดท้ายในพระคัมภีร์ไบเบิลของ Racine, Tolstoy ผู้ล่วงลับหรือ Dostoevsky ผู้ล่วงลับ และบทละครสุดท้ายของเช็คสเปียร์

บางทีศิลปินที่มาถึงขีดจำกัดแล้วเผชิญกับความตายอย่างสดใสอย่างน่ากลัวในอนาคตอันใกล้นี้เกิดความคิดที่จะลาโลกไปทิ้งผู้คนไว้อย่างมีความหวังเป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การมีชีวิตอยู่ไม่ว่าชีวิตจะสิ้นหวังขนาดไหนก็ตาม บางทีผลงานชิ้นสุดท้ายของเชกสเปียร์อาจเป็นแรงกระตุ้นที่จะหลุดพ้นจากขอบเขตแห่งความสิ้นหวังอันหายนะ ถัดจากแฮมเล็ต แมคเบธ โคริโอลานัส ทิมอนแห่งเอเธนส์ โศกนาฏกรรมที่มืดมนที่สุดและสิ้นหวังที่สุดของเช็คสเปียร์ ความพยายามที่จะบุกเข้าไปในโลกแห่งความหวัง เข้าสู่โลกแห่งความหวัง เพื่อที่จะรักษามันไว้เพื่อผู้คน ท้ายที่สุดแล้ว ละครเรื่องสุดท้ายของเช็คสเปียร์เรื่อง "Cymbeline", "Pericles", "The Winter's Tale" และเหนือสิ่งอื่นใด "The Tempest" นั้นแตกต่างไปจากทุกสิ่งที่เขาทำมาจนถึงตอนนี้ ถึงโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่ที่พูดถึงแก่นแท้ของการดำรงอยู่ที่น่าเศร้า

“The Tempest” เป็นละครที่เรียกว่าพินัยกรรมของเช็คสเปียร์ ซึ่งเป็นคอร์ดสุดท้ายของผลงานของเขา นี่อาจเป็นละครเพลงของเช็คสเปียร์ที่ไพเราะที่สุดและกลมกลืนกันมากที่สุด นี่คือละครที่สร้างขึ้นโดยบุคคลที่ผ่านสิ่งล่อใจแห่งโศกนาฏกรรม ผ่านการล่อลวงแห่งความสิ้นหวังเท่านั้น นี่คือความหวังที่เกิดขึ้นในอีกด้านหนึ่งของความสิ้นหวัง นี่เป็นวลีจากนวนิยายตอนปลายของ Thomas Mann ความหวังซึ่งรู้ดีถึงความสิ้นหวัง - และยังคงพยายามเอาชนะมัน “The Tempest” เป็นเทพนิยายซึ่งเป็นเทพนิยายเชิงปรัชญา พ่อมดพรอสเพโรดำเนินการอยู่ในนั้น หนังสือเวทมนตร์ให้พลังเวทย์มนตร์แก่เขาเหนือเกาะ เขาถูกรายล้อมไปด้วยตัวละครที่น่าทึ่ง: วิญญาณแห่งแสงและอากาศแอเรียล วิญญาณแห่งโลกคาลิบัน มิแรนดาลูกสาวผู้น่ารักของพรอสเพโร และอื่นๆ

แต่นี่ไม่ใช่แค่เทพนิยายและไม่ใช่แค่เทพนิยายเชิงปรัชญาเท่านั้น แต่เป็นบทละครเกี่ยวกับความพยายามที่จะแก้ไขมนุษยชาติเพื่อรักษาโลกที่ป่วยอย่างสิ้นหวังด้วยความช่วยเหลือจากศิลปะ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พรอสเปโรเปิดเพลงเพื่อจัดการกับกลุ่มคนประหลาดและคนร้ายที่ลงเอยบนเกาะแห่งนี้ในฐานะพลังบำบัดที่ยิ่งใหญ่ แต่ดนตรีก็ไม่น่าจะรักษาพวกเขาได้ ไม่น่าเป็นไปได้ที่ศิลปะจะสามารถกอบกู้โลกได้ เช่นเดียวกับความงามที่ไม่น่าจะกอบกู้โลกได้ สิ่งที่พรอสเปโรพบในตอนจบของบทละครที่แปลกประหลาดและยากลำบากมากสำหรับโรงละครนี้คือแนวคิดที่เป็นรากฐานของเชกสเปียร์ผู้ล่วงลับทั้งหมด นี่คือความคิดแห่งความรอดผ่านความเมตตา การให้อภัยเท่านั้นที่สามารถทำได้ หากไม่เปลี่ยนแปลง อย่างน้อยก็ไม่ทำให้ความชั่วร้ายที่ครอบงำโลกรุนแรงขึ้น พูดง่ายๆ ก็คือความหมายของคำว่า "พายุ" พรอสเปโรให้อภัยศัตรูที่เกือบจะทำลายเขา เขาให้อภัยแม้ว่าเขาจะไม่แน่ใจเลยว่าพวกเขาเปลี่ยนไป แต่พวกเขาได้รับการรักษาแล้ว แต่การให้อภัยเป็นสิ่งสุดท้ายที่คนเราจะมีก่อนจะจากโลกนี้ไป

ใช่แล้ว ในตอนจบ พรอสเพโรกลับคืนสู่บัลลังก์ของชาวมิลานพร้อมกับมิแรนดา ลูกสาวสุดที่รักของเขาและเฟอร์ดินันด์ผู้เป็นที่รักของเธอ แต่ในตอนท้ายของบทละครเขาพูดคำแปลก ๆ ที่พวกเขามักจะลบออกจากการแปลภาษารัสเซียด้วยเหตุผลบางอย่าง ในต้นฉบับ พรอสเพโรบอกว่าเขาจะกลับมาเพื่อให้ทุก ๆ สามความคิดของเขากลายเป็นหลุมศพ ตอนจบของละครเรื่องนี้ไม่ได้สดใสเท่าที่เชื่อกันในบางครั้ง แต่นี่คือละครเกี่ยวกับการอำลาและการให้อภัย นี่เป็นการแสดงการอำลาและการให้อภัย เช่นเดียวกับละครสุดท้ายของเช็คสเปียร์

เป็นเรื่องยากมากสำหรับโรงละครสมัยใหม่ และไม่ค่อยมีผู้กำกับยุคใหม่อำนวยการสร้าง แม้ว่าในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ผู้กำกับที่ยิ่งใหญ่ของโรงละครยุโรปเกือบทั้งหมดหันมาเล่นละครเรื่องนี้ - จัดแสดงโดย Strehler, Brook ในมอสโกจัดแสดงโดย Robert Sturua ที่โรงละคร Et Cetera โดยมี Alexander Kalyagin ในบทบาทของ พรอสเพโร ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Peter Greenaway แสดงละครเรื่องนี้ในภาพยนตร์ยอดเยี่ยมของเขาเรื่อง "The Books of Prospero" สำหรับบทบาทของพรอสเพโร กรีนอะเวย์ไม่เพียงแต่เชิญชวนใครก็ตาม แต่ยังเชิญนักแสดงชาวอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างจอห์น จีลกุดด้วย เซอร์อาเธอร์ จอห์น กิลกุด(พ.ศ. 2447-2543) - นักแสดงชาวอังกฤษ, ผู้กำกับละคร, หนึ่งในนักแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของโรงละคร ผู้ชนะรางวัลการแสดงหลักทั้งหมด: Oscar, Grammy, Emmy, Tony, BAFTA และลูกโลกทองคำ. เขาแสดงไม่ได้แล้ว เขาแก่เกินไปและป่วยหนักที่จะเล่นบทบาทแบบที่เขาเล่นในสมัยก่อน และในภาพยนตร์ของ Greenaway Gielgud ไม่ได้เล่น แต่เขาอยู่ด้วย สำหรับ Greenaway นักแสดงคนนี้มีความสำคัญในฐานะภาพลักษณ์และสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ในอดีต ไม่มีอะไรมากไปกว่านั้น Prospero ของ Gielgud เป็นทั้ง Prospero ของ Shakespeare และ Shakespeare เองผู้เขียนเรื่อง "The Tempest" และ Lord God ผู้ปกครองจักรวาลที่สวยงามนี้ซึ่งเต็มไปด้วยงานศิลปะ ซึมซาบ แต่อิ่มตัวมากเกินไป

เพื่อที่จะเข้าใจความหมายของสิ่งที่ Greenaway ทำ เราต้องเข้าใจว่าเกือบทุกเฟรมของภาพยนตร์เรื่องนี้ควรกระตุ้นให้เกิดความเชื่อมโยงกับผลงานเฉพาะบางชิ้นของยุคเรอเนสซองส์หรือหลังยุคเรอเนสซองส์ ศิลปะบาโรกของศตวรรษที่ 16-17 เกือบทุกเฟรมพาเราไปที่ผลงานอันยิ่งใหญ่ของจิตรกรชาวเวนิสแห่งศตวรรษที่ 16 หรือสถาปัตยกรรมของไมเคิลแองเจโล นี่คือโลกที่เต็มไปด้วยศิลปะมากเกินไป นี่เป็นวัฒนธรรมที่เต็มไปด้วยภาระในตัวเองและโหยหาจุดจบและโหยหาจุดจบที่เป็นผลลัพธ์

ในตอนท้ายของหนัง พรอสเพโรเผาหนังสือเวทมนตร์ของเขาจนจมน้ำ เหล่านี้คือหนังสือประเภทไหน? เหล่านี้เป็นหนังสือหลักของมนุษยชาติรวมถึง "The First Folio" - คอลเลกชันแรกของผลงานของเช็คสเปียร์ซึ่งตีพิมพ์หลังจากการตายของเขาในปี 1623 เราเห็นแผ่นใบค่อยๆจมลงสู่ด้านล่าง และมีสิ่งแปลกประหลาดเกิดขึ้น: หายนะที่เกิดขึ้นกับจักรวาลในตอนท้ายของภาพยนตร์ของ Greenaway ให้ความรู้สึกโล่งใจ การปลดปล่อย และการทำให้บริสุทธิ์ สำหรับฉันดูเหมือนว่านี่คือความหมายของภาพยนตร์เรื่องนี้ซึ่งแทรกซึมลึกเข้าไปในชั้นความหมายของบทละครของเช็คสเปียร์

หลังจากพายุฝนฟ้าคะนอง เช็คสเปียร์แทบไม่ได้เขียนอะไรเลย เขียนร่วมกับเฟลทเชอร์เท่านั้น จอห์น เฟลทเชอร์(1579-1625) - นักเขียนบทละครชาวอังกฤษผู้ให้คำจำกัดความของคำว่า "โศกนาฏกรรม"พงศาวดารครั้งสุดท้ายของเขาไม่ใช่ "Henry VIII" ที่ดีที่สุด อย่างไรก็ตามในระหว่างการแสดงของเธอ Globe ลุกเป็นไฟ - ผลิตผลโปรดของเช็คสเปียร์ถูกเผาจนหมดภายในครึ่งชั่วโมง (ไม่มีใครได้รับบาดเจ็บ กางเกงของผู้ชมเพียงคนเดียวถูกไฟไหม้ แต่มีคนรินเบียร์ใส่พวกเขาและมันก็ดับลง) ฉันคิดว่านี่เป็นงานอำลาครั้งสำคัญสำหรับเช็คสเปียร์ ในช่วงสี่ปีที่ผ่านมาเขาอาศัยอยู่ในสแตรทฟอร์ดและไม่เขียนอะไรเลย

ทำไมเขาถึงเงียบ? นี่เป็นหนึ่งในความลึกลับหลักในชีวิตของเขา หนึ่งในความลับสำคัญของงานศิลปะของเขา บางทีเขาอาจจะเงียบเพราะทุกอย่างที่เขาพูดได้ ที่เขาต้องพูดก็ถูกพูดไปหมดแล้ว หรือบางทีเขาอาจจะเงียบเพราะไม่มีแฮมเล็ตคนใดที่สามารถเปลี่ยนโลกได้เพียงเล็กน้อย เปลี่ยนผู้คน และทำให้โลกนี้น่าอยู่ขึ้น ความสิ้นหวังและความรู้สึกที่ว่าศิลปะนั้นไร้ความหมายและไร้ผลมักเกิดขึ้นกับศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ที่จวนจะตาย เราไม่รู้ว่าทำไมเขาถึงเงียบ สิ่งที่เรารู้ก็คือในช่วงสี่ปีที่ผ่านมาเชกสเปียร์ใช้ชีวิตแบบพลเมืองส่วนตัวในสแตรทฟอร์ด โดยเขียนพินัยกรรมของเขาสองสามเดือนก่อนที่เขาจะเสียชีวิตและเสียชีวิต เห็นได้ชัดว่าเป็นอาการหัวใจวาย เมื่อ Lope de Vega เสียชีวิตในสเปน คนทั้งประเทศก็ติดตามโลงศพของเขา - มันเป็นงานศพระดับชาติ การตายของเช็คสเปียร์แทบจะไม่มีใครสังเกตเห็น เวลาผ่านไปหลายปีก่อนที่เพื่อนและคู่แข่งของเขา เบ็น จอนสัน จะเขียนว่า “เขาไม่ใช่คนในยุคของเราเพียงลำพัง แต่เป็นของคนทุกวัย” แต่สิ่งนี้ถูกค้นพบหลังจากผ่านไปหลายปีเท่านั้น ชีวิตจริงของเช็คสเปียร์เริ่มต้นขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ไม่ใช่ก่อนหน้านั้น และมันดำเนินต่อไป

คุณสังเกตไหมว่าตัวละครหลักของโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ค่อยๆ มีอายุมากขึ้น? เราสามารถตัดสินเรื่องนี้ได้เพราะทราบลำดับเหตุการณ์ของบทละครของเช็คสเปียร์ โรมิโอในวัยเยาว์ (โรมิโอและจูเลียต ประมาณ ค.ศ. 1595) แฮมเล็ตวัย 30 ปี (แฮมเล็ต ประมาณ ค.ศ. 1600) นักรบผู้กล้าหาญและเป็นผู้ใหญ่ โอเธลโล (โอเธลโล ประมาณ ค.ศ. 1603) กษัตริย์เลียร์ผู้เฒ่า (คิงเลียร์ ราว ค.ศ. 1605) และพรอสเพโรอันเป็นนิรันดร์และอมตะ (The Tempest, ca. 1611) สิ่งนี้สามารถอธิบายได้ด้วยเหตุผลทางจิตวิทยาหรือปรัชญาเราสามารถพูดได้ว่าผู้เขียนบทละครเองก็เติบโตขึ้นมาพระเอกโคลงสั้น ๆ ของเขาเริ่มแก่และฉลาดขึ้น แต่มีคำอธิบายที่ง่ายกว่ามาก: บทบาททั้งหมดนี้เขียนขึ้นสำหรับนักแสดงคนหนึ่ง - สำหรับ Richard Burbage ซึ่งเป็นหัวหน้าคณะละครที่เชคสเปียร์เป็นสมาชิกอยู่ เบอร์เบจรับบทเป็นโรมิโอ, แฮมเล็ต, โอเธลโล, แมคเบธ, พรอสเพโร และบทบาทอื่นๆ อีกมากมาย และเมื่อ Burbage อายุมากขึ้น ฮีโร่ของเช็คสเปียร์ก็เช่นกัน

นี่เป็นเพียงตัวอย่างหนึ่งของการเชื่อมโยงข้อความของเช็คสเปียร์กับโรงละครที่เชคสเปียร์เขียนอย่างแยกไม่ออก เขาไม่ได้เขียนถึงผู้อ่าน เขาเหมือนกับคนส่วนใหญ่ในสมัยของเขาที่ไม่ถือว่าบทละครเป็นวรรณกรรมรูปแบบหนึ่ง ละครในสมัยนั้นเพิ่งจะเริ่มกลายเป็นวรรณกรรม ละครถือเป็นวัตถุดิบสำหรับนักแสดง เป็นวัตถุดิบสำหรับโรงละคร ไม่จำเป็นต้องสันนิษฐานว่าเมื่อเขียนบทละครของเชคสเปียร์ กำลังคิดถึงลูกหลานของเขา เกี่ยวกับสิ่งที่คนรุ่นต่อๆ ไปจะพูด เขาไม่เพียงแค่เขียนบทละครเท่านั้นเขายังเขียนการแสดงด้วย เขาเป็นนักเขียนบทละครที่มีจิตใจเป็นผู้กำกับ เขาเขียนแต่ละบทบาทให้กับนักแสดงบางคนในคณะของเขา เขาปรับคุณสมบัติของตัวละครให้เข้ากับคุณสมบัติของนักแสดงเอง ตัวอย่างเช่น เราไม่ควรแปลกใจเมื่อเกอร์ทรูดพูดถึงแฮมเล็ตในตอนท้ายของแฮมเล็ตว่าเขาอ้วนและหายใจไม่ออก เรื่องนี้น่าตกใจ: เป็นไปได้ยังไง? แฮมเล็ต - ศูนย์รวมแห่งความสง่างาม ศูนย์รวมของความซับซ้อนและความเศร้าโศกที่ละเอียดอ่อน - จู่ๆ ก็เป็นโรคอ้วนและหายใจไม่ออกใช่ไหม? สิ่งนี้สามารถอธิบายได้ง่ายๆ: Burbage ที่เล่นเป็น Hamlet ไม่ใช่เด็กผู้ชายอีกต่อไป แต่เป็นคนที่มีรูปร่างค่อนข้างทรงพลังและแข็งแกร่ง

Mandelstam ในบทความเดียว “โรงละครศิลปะและคำพูด” (1923)มีสูตรวิเศษอยู่ว่า “ทิศทางซ่อนอยู่ในพระวจนะ” ในคำพูดของเช็คสเปียร์ ทิศทางนี้ถูกซ่อนไว้ (หรือเปิดเผย) ในลักษณะที่ชัดเจนที่สุด เขาเขียนการแสดง เขาสร้างสรรค์ฉากต่างๆ

มีช่วงเวลาหนึ่งใน "Theatrical Novel" ของ Bulgakov เมื่อตัวละครหลัก Maksudov ที่เพิ่งเขียนเรื่อง "Black Snow" จู่ๆก็เปลี่ยนมันให้เป็นละครสำหรับตัวเขาเองโดยไม่คาดคิด เขานั่งอยู่ที่โต๊ะ ข้างแมวขี้เรื้อน และมีโคมไฟเก่าๆ อยู่เหนือหัว และทันใดนั้นดูเหมือนว่าบนโต๊ะจะมีกล่องอยู่ตรงหน้าเขาซึ่งมีร่างเล็ก ๆ เคลื่อนไหวอยู่ ที่นี่มีคนยิง ที่นี่มีคนล้มตาย ที่นี่มีคนเล่นเปียโน และอื่นๆ ตอนนั้นเองที่เขารู้ว่าเขากำลังเขียนบทละครอยู่

เช็คสเปียร์มีบางอย่างที่คล้ายกัน เบื้องหน้าเขาไม่ใช่เวทีบ็อกซ์ แต่เป็นพื้นที่เปิดโล่งของโรงละครโกลบเธียเตอร์ ที่เวทีชนเข้ากับหอประชุม ทำให้ผู้ชมล้อมรอบทั้งสามด้าน - ดังนั้นฉากที่ฉากจึงไม่อยู่ในแนวระนาบ แต่เป็นสามมิติ และแฮมเล็ตพูดว่า "จะเป็นหรือไม่เป็น" ก็มองเห็นใบหน้าที่เอาใจใส่ของผู้ฟังที่อยู่รอบๆ ตัวเขา ผู้ชมซึ่งเขียนบทละครทั้งหมดนี้เพื่อใครและเพียงเพื่อใครเท่านั้น เช็คสเปียร์เป็นส่วนหนึ่งของความเป็นจริงในการแสดงละครนี้ เขาใช้ชีวิตทั้งชีวิตร่วมกับนักแสดง ท่ามกลางบทสนทนาของนักแสดง ท่ามกลางอุปกรณ์ประกอบฉากที่น้อยชิ้น เขาเป็นผู้ชายละคร เขาสร้างละครของเขาในพื้นที่เวทีเฉพาะนี้ เขาไม่เพียงแต่เขียนบทบาทให้กับนักแสดงในคณะของเขาเท่านั้น เขายังปรับโครงสร้างบทละครของเขาให้เข้ากับโครงสร้างของเวที Globe หรือโรงละครที่คณะของเขาเล่นอีกด้วย

The Globe มีพื้นที่เวทีสามพื้นที่: มีเวทีหลัก มีเวทีด้านบนที่แขวนอยู่เหนือเวทีหลักเหมือนระเบียง และมีเวทีภายในที่ถูกแยกออกจากเวทีหลักด้วยม่าน ไม่มีม่านอยู่หน้าเวทีหลัก เช็คสเปียร์จัดโครงสร้างการเล่นของเขาเพื่อให้ชัดเจนว่าฉากใดเกิดขึ้นที่ใด การใช้เวทีด้านบน เวทีด้านใน และการใช้กระท่อมที่อยู่ด้านบนสุดของเวทีที่กลไกการยกประกอบมีการเปลี่ยนแปลงอย่างไร นั่นคือเขาเขียนบทละคร และช่างเป็นงานที่น่าสนใจจริงๆ - ซึ่งเราทำกับนักเรียนมาหลายปีแล้ว - เพื่อดึงการแสดงจากบทละคร! จากข้อความของ Hamlet เราได้แยกรอบปฐมทัศน์ของ Hamlet เนื่องจาก Hamlet เล่นที่ Globe ในปี 1601 ซึ่งเป็นตอนที่เขียนบทละครนี้

หากคุณอ่านบทละครของเช็คสเปียร์จากมุมมองนี้ จากหน้าเหล่านี้ จู่ๆ ใบหน้าที่มีชีวิต ละครที่มีชีวิต และคำอุปมาอุปมัยเกี่ยวกับการแสดงละครที่มีชีวิตก็เริ่มปรากฏต่อหน้าคุณ นี่อาจเป็นสิ่งที่น่าทึ่งที่สุด และนี่เป็นข้อพิสูจน์ว่าเช็คสเปียร์เป็นนักแสดงละครโดยแก่นแท้ และโดยพื้นฐานแล้วโรงละครนั้นถือเป็นเครื่องดนตรีหลักที่เชคสเปียร์สื่อสารกับโลกทั้งในปัจจุบันและในปัจจุบัน ไม่ว่าการวิจัยทางปรัชญาและการวิจัยเกี่ยวกับแนวคิดทางปรัชญาของเช็คสเปียร์จะมีความสำคัญเพียงใด โลกของเขาก็คือเวที โรงละคร ประการแรก

การไม่มีม่านกั้นหน้าเวทีหลักจะเป็นตัวกำหนดโครงสร้างของละคร ตัวอย่างเช่น หากมีคนถูกฆ่าตายบนเวที และอย่างที่คุณทราบในเช็คสเปียร์ เหตุการณ์นี้เกิดขึ้นบ่อยครั้ง โดยเฉพาะในละครยุคแรกๆ ใน "Titus Andronicus" บางเรื่องมีเลือดไหลเยอะมาก ละครเริ่มต้นด้วยซากที่เหลืออีกยี่สิบคนในความคิดของฉัน ลูกชายสี่คนของฮีโร่ถูกนำตัวขึ้นเวที “การฆาตกรรม 14 ศพ ศพ 34 ศพ มือที่ถูกตัดขาด 3 มือ ลิ้นที่ถูกตัด 1 อัน นั่นแหละคือรายการแห่งความน่าสะพรึงกลัวที่เติมเต็มโศกนาฏกรรมครั้งนี้” เอ.เอ. อนิกส์ท. ไททัส แอนโดรนิคัส. // วิลเลี่ยมเชคสเปียร์. รวบรวมผลงาน. ต.2 ม.2501. และสิ่งที่ไม่มี - ตัดมือ ตัดลิ้น เช็คสเปียร์ฆ่าคนตลอดเวลา จะทำอย่างไรกับคนตายบนเวที? ฉันควรวางไว้ที่ไหน? ในโรงละครสมัยใหม่ ปิดไฟหรือปิดม่าน นักแสดงที่รับบทเป็นพระเอกที่เพิ่งถูกฆ่าก็ลุกขึ้นและเดินไปหลังเวที จะทำอย่างไรที่นี่? เนื่องจากการแสดงเป็นการแสดงในเวลากลางวัน จึงไม่มีแสงเทียม อย่างไรก็ตามไม่มีการหยุดพักเช่นกัน ผู้ชมส่วนใหญ่ยืน (ลองนึกภาพว่าคุณต้องรักโรงละครมากแค่ไหนเพื่อที่จะได้ยืนใต้ท้องฟ้าลอนดอนที่เปิดกว้างเป็นเวลาสองชั่วโมงครึ่งสามชั่วโมงโดยไม่มีช่วงพัก)

ดังนั้นบนเวทีมีคนถูกฆ่าหรือมีคนเสียชีวิต ตัวอย่างเช่น ในพงศาวดารของเช็คสเปียร์ Henry IV กษัตริย์ Henry IV สิ้นพระชนม์ เขาพูดคำอำลาที่ยาวและลึกซึ้งมากซึ่งจ่าหน้าถึงลูกชายของเขา และทันใดนั้นเขาก็ถามคำถามแปลก ๆ “ห้องถัดไปชื่ออะไร?” ฉันไม่คิดว่านี่เป็นคำถามหลักที่คนที่กำลังจะตายถาม พวกเขาตอบเขาว่า: "Jerusa Lima ครับท่าน" เขาพูดว่า: “พาฉันไปที่ห้องถัดไป เพราะพวกเขาทำนายว่าฉันจะตายในกรุงเยรูซาเล็ม”

มีตัวอย่างที่คล้ายกันมากมาย ตัวอย่างเช่น เหตุใดแฮมเล็ตจึงต้องอุ้มศพโปโลเนียสไป? แล้วจึงปล่อยเวทีให้พ้นจากผู้ตายเพราะม่านปิดไม่ได้ เราสามารถตั้งสมมติฐานได้มากมายว่าทำไมต้องใช้ Fortinbras ในตอนจบของ Hamlet ความหมายเชิงปรัชญา จิตวิทยา ประวัติศาสตร์ของตัวละครลึกลับนี้คืออะไร? สิ่งหนึ่งที่ชัดเจนอย่างยิ่ง: Fortinbras จำเป็นต้องขนศพออกไปซึ่งมีอยู่มากมายบนเวทีในตอนจบ โดยธรรมชาติแล้วความหมายของการดำรงอยู่ของมันไม่เพียงแค่นี้ แต่ยังเป็นหนึ่งในฟังก์ชั่นการแสดงละครล้วนๆ

แน่นอนว่าเช็คสเปียร์ไม่ใช่การแสดงละครหลายเรื่อง มุมมองของเขาเกี่ยวกับละครค่อนข้างลึกซึ้งและมีปรัชญา หนึ่งในผลงานของเชกสเปียร์คือแนวคิดที่ว่าจักรวาลทั้งหมดมีโครงสร้างเหมือนโรงละคร โรงละครคือแบบจำลองของโลก นี่คือของเล่นที่องค์พระผู้เป็นเจ้าทรงประดิษฐ์ขึ้นเพื่อพระองค์เองเพื่อพระองค์จะได้ไม่เบื่อในพื้นที่อันกว้างใหญ่นี้ในความเหงาอันไม่มีที่สิ้นสุดนี้ โรงละครคือโลก ประวัติศาสตร์คือโรงละคร ชีวิตคือโรงละคร ชีวิตคือการแสดงละคร ผู้คนเป็นนักแสดงบนเวทีละครโลก นี่คือหนึ่งในแรงจูงใจหลักของงานของเช็คสเปียร์ ซึ่งนำเราจากขอบเขตของอุปกรณ์การแสดงละครและเทคนิคล้วนๆ ไปสู่ขอบเขตแห่งความเข้าใจโลก

เหนือศีรษะของนักแสดงใน Globe Theatre มีหลังคาที่เรียกว่า "สวรรค์" ใต้ฝ่าเท้าของคุณมีประตูที่เรียกว่า "นรก ยมโลก" นักแสดงเล่นระหว่างสวรรค์และนรก นี่คือแบบจำลองอันมหัศจรรย์ ภาพเหมือนอันมหัศจรรย์ของชายยุคเรอเนซองส์ ยืนยันตัวตนของตนในห้วงอวกาศแห่งความว่างเปล่า เติมเต็มช่องว่างระหว่างสวรรค์และโลกด้วยความหมาย ภาพบทกวี สิ่งของที่ไม่ได้อยู่บนเวที แต่อยู่ใน คำ. ดังนั้นเมื่อเราพูดถึงเช็คสเปียร์ในฐานะคนของโรงละคร เราต้องจำไว้ว่าโรงละครของเขาเป็นแบบอย่างของจักรวาล

การถอดรหัส

มันเป็นในปี 1607 ฉันคิดว่าในเดือนกันยายน เรือค้าขายของอังกฤษสองลำแล่นจากลอนดอนไปยังอินเดียทั่วแอฟริกาตามเส้นทางที่เปิดโดยวาสโกดากามา เนื่องจากการเดินทางยาวนาน เราจึงตัดสินใจแวะใกล้เซียร์ราลีโอนเพื่อพักผ่อนและเติมเสบียง เรือลำหนึ่งเรียกว่า Red Dragon กัปตันคือ William Keeling เขาเขียนไว้ในบันทึกของเรือว่าเขาสั่งให้กะลาสีเล่นละครบนดาดฟ้าเรือ บันทึกนี้ถูกค้นพบเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ก่อนที่จะไม่มีใครค้นพบบางสิ่งที่เช็คสเปียร์ในหอจดหมายเหตุของกระทรวงทหารเรือมาก่อน

การเล่นอะไรที่ถูกเลือกสำหรับกะลาสีเรือที่ไม่รู้หนังสือ? ประการแรก มันจะต้องมีประสิทธิภาพอย่างมาก ประการที่สอง ยิ่งพวกเขาฆ่าในการเล่นมากเท่าไรก็ยิ่งดีเท่านั้น ประการที่สามจะต้องมีความรักอยู่ที่นั่น ประการที่สี่เพลง ประการที่ห้า สำหรับตัวตลกที่จะล้อเล่นและล้อเล่นโดยไม่หยุดชะงัก แน่นอนว่านี่คือสิ่งที่ผู้ชมกะลาสีที่ไม่รู้หนังสือคาดหวังจากการแสดงอย่างแน่นอน

คีลิงเลือกละครให้กะลาสีมาเล่นให้กะลาสีเรือ มันถูกเรียกว่า "แฮมเล็ต" และกะลาสีเรือก็ชอบมันมาก - จากนั้นพวกเขาก็เล่นมันอีกครั้งโดยล่องเรือไปตามมหาสมุทรอินเดีย พวกเขาไม่เห็นความลึกลับใดๆ ในละครเรื่องนี้ต่างจากพวกเรา สำหรับพวกเขา นี่เป็นหนึ่งในโศกนาฏกรรมการแก้แค้นที่ได้รับความนิยมในเวลานั้น หนึ่งในโศกนาฏกรรมนองเลือดที่ Thomas Kyd บรรพบุรุษของเช็คสเปียร์เขียนไว้ (โดยวิธีการส่วนใหญ่น่าจะเป็นผู้เขียนหมู่บ้านเล็ก ๆ ก่อนเช็คสเปียร์)

ละครนองเลือดประเภทนี้มีเนื้อหาที่ต่อเนื่องกันทั้งหมด ประการแรก นี่เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการฆาตกรรมที่เป็นความลับ ประการที่สอง ผีจะต้องปรากฏตัวในนั้น โดยแจ้งว่าใครถูกฆ่าและใครถูกฆ่า ประการที่สาม ละครต้องมีการแสดงละคร และอื่นๆ นี่คือวิธีการจัดโครงสร้างละคร Kid เรื่อง "The Spanish Tragedy" ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในขณะนั้น ในสายตาของกะลาสีเรือ Hamlet ของเช็คสเปียร์ค่อนข้างเข้ากับแนวเพลงที่ได้รับความนิยม เป็นที่รัก และโดยพื้นฐานแล้วเป็นแนวที่เรียบง่ายโดยธรรมชาติ

ผู้ชายที่ไม่รู้หนังสือเหล่านี้ (ซึ่งจริงๆ แล้วไม่ต่างจากผู้ชม Globe Theatre ของเช็คสเปียร์ - ช่างฝีมือกึ่งผู้รู้หนังสือ) ที่สามารถเห็นสิ่งที่คนรุ่นหลังเห็นในแฮมเล็ต สิ่งที่เราเห็นในแฮมเล็ตหรือไม่ คำตอบนั้นชัดเจน: ไม่แน่นอน พวกเขารับรู้บทละครนี้โดยไม่ได้แยกความแตกต่างจากบทละครนักสืบเรื่องอื่นที่คล้ายคลึงกัน เมื่อเชกสเปียร์เขียนแฮมเล็ต นับเวลาที่มนุษยชาติในอนาคตจะค้นพบความจริงอันยิ่งใหญ่ทั้งหมดที่เขาใส่ไว้ในละครเรื่องนี้หรือไม่? คำตอบก็ชัดเจนเช่นกัน: ไม่ ผู้ชายที่ต้องการรักษาบทละครของเขาไว้จะดูแลสิ่งพิมพ์ของพวกเขา ลองเถียงเรื่องนี้ดูครับ เช็คสเปียร์ไม่เพียงแต่ไม่สนใจเรื่องการตีพิมพ์บทละครของเขาเท่านั้น เขามักจะขัดขวางไม่ให้ตีพิมพ์อีกด้วย ในเวลานั้นละครถือเป็นเรื่องละครล้วนๆ และบทละครของเช็คสเปียร์และผู้ร่วมสมัยของเขาได้รับการตีพิมพ์ด้วยเหตุผลหลายประการซึ่งมักสุ่มตัวอย่าง

ตัวอย่างเช่น เรื่องราวดังกล่าวเกิดขึ้นกับแฮมเล็ต ในปี 1603 Hamlet ฉบับพิมพ์ครั้งแรกได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งเรียกว่าฉบับละเมิดลิขสิทธิ์ โดยมีข้อความย่อ บิดเบี้ยว บิดเบี้ยว ซึ่งไม่คล้ายกับข้อความที่เรารู้จักมากนัก ข้อความดังกล่าวถูกขโมยและตีพิมพ์โดยขัดต่อความประสงค์ของคณะและผู้แต่ง แม้ว่าเจตจำนงของผู้เขียนจะมีความหมายเพียงเล็กน้อยในสมัยนั้นก็ตาม ละครเป็นของคณะทั้งหมด หากโรงภาพยนตร์ปิดกะทันหันในลอนดอน (เช่น เนื่องจากโรคระบาด) คณะละครจึงถูกบังคับให้นำบทละครไปให้ผู้จัดพิมพ์ขายเพื่อเงินเล็กน้อย เพื่อรักษาข้อความไว้

“Hamlet” เป็นละครที่ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่กะลาสีเรือ ช่างฝีมือ และในหมู่ปัญญาชนด้านมนุษยนิยม ทุกคนชอบแฮมเล็ต ดังที่วรรณกรรมร่วมสมัยของเช็คสเปียร์เขียนไว้

เมื่อมองย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 20 พวกเขาเริ่มพบว่าไอ้สารเลวคนไหนขายข้อความของเช็คสเปียร์? เนื่องจากหนึ่งปีหลังจากการตีพิมพ์ฉบับละเมิดลิขสิทธิ์ คณะละครเช็คสเปียร์จึงได้เผยแพร่ข้อความต้นฉบับ ความจริงก็คือคณะเองก็ระมัดระวังอย่างมากว่าการเล่นจะไม่ถูกขโมย และผู้จัดพิมพ์ต้องการได้รับเนื้อหาของบทละครไม่ว่าด้วยวิธีใดก็ตามหากประสบความสำเร็จ บางครั้งพวกเขาส่งนักชวเลขและจดบันทึกด้วยหูแม้ว่าสภาพการณ์จะแย่มาก - การแสดงดำเนินการในเวลากลางวันและไม่มีที่ไหนให้ซ่อน นักแสดงเมื่อค้นพบคนที่เขียนข้อความในการแสดงสามารถทุบตีเขาจนเกือบตายได้

และบางครั้งผู้จัดพิมพ์ก็ติดสินบนนักแสดงเพื่อทำซ้ำข้อความจากความทรงจำ เพื่อเป็นของที่ระลึก - เนื่องจากไม่ใช่นักแสดงคนเดียวที่ได้รับข้อความของบทละครทั้งหมด จึงมีเพียงรายการบทบาทของพวกเขาเท่านั้น

และตอนนี้กว่าสามศตวรรษหลังจากเขียนบทละคร นักประวัติศาสตร์ตัดสินใจที่จะเปิดโปงคนโกง พวกเขาเริ่มต้นจากสมมติฐานง่ายๆ โดยธรรมชาติแล้วนักแสดงคนนี้รู้ดีที่สุดถึงเนื้อหาเกี่ยวกับบทบาทของเขาและเนื้อหาของฉากที่ตัวละครของเขาถูกครอบครอง นักวิจัยเปรียบเทียบบทละครสองเรื่อง ทั้งที่ละเมิดลิขสิทธิ์และของแท้ ปรากฎว่าตำราของบทบาทเล็ก ๆ เพียงสามบทบาทนั้นเหมือนกันทุกประการ ความจริงก็คือคณะของเช็คสเปียร์ก็เหมือนกับคณะอื่น ๆ ในยุคนั้นประกอบด้วยผู้ถือหุ้น - นักแสดงที่รับส่วนแบ่งและรับเงินเดือนขึ้นอยู่กับรายได้ของโรงละคร และสำหรับบทบาทเล็กๆ ในฉากฝูงชน พวกเขาจ้างนักแสดงภายนอก เห็นได้ชัดว่าโจรสลัด (นั่นคือช่วงเวลานั้น) ที่ขายข้อความนั้นมีบทบาทเล็กๆ น้อยๆ ทั้งสามนี้ในฉากที่แตกต่างกันสามฉาก - และด้วยเหตุนี้ พวกเขาจึงถูกถ่ายทอดด้วยความถูกต้องสมบูรณ์ หนึ่งในนั้นคือผู้พิทักษ์มาร์เซลลัสจากองก์แรกซึ่งพูดคำอันโด่งดังว่า "มีบางอย่างเน่าเสียในรัฐเดนมาร์ก" เห็นได้ชัดว่าสิ่งที่ยากที่สุดสำหรับโจรสลัดคือบทพูดเชิงปรัชญา พยายามจำไว้ว่า “จะเป็นหรือไม่เป็น” ดังนั้นในฉบับนี้ บทพูดของแฮมเล็ตจึงถูกทำซ้ำด้วยวิธีที่น่าสมเพชที่สุด โจรสลัดได้เพิ่มบางสิ่งด้วยตัวเขาเอง โปรดจำไว้ว่าแฮมเล็ตแสดงรายการความโชคร้ายที่เกิดขึ้นในหัวของผู้คนและถามว่าใครจะทนต่อ "การกดขี่ของผู้แข็งแกร่ง... ความช้าของผู้พิพากษา"? ในรายการความโชคร้ายนี้ โจรสลัดได้เพิ่ม "ความทุกข์ทรมานของเด็กกำพร้าและความหิวโหยอย่างรุนแรง" เห็นได้ชัดว่าสิ่งนี้ออกมาจากจิตวิญญาณของเขา

หลังจากเหตุการณ์นี้ไม่มีการโจรกรรมเกิดขึ้นอีก บางทีคณะเช็คสเปียร์เองก็จับมือของคนโกงผู้โชคร้ายคนนี้ - และใคร ๆ ก็สามารถจินตนาการได้ว่าพวกเขาทำอะไรกับเขา

ทำไมฉันถึงจำเรื่องราวนี้ได้? นี่เป็นหนึ่งในพันตัวอย่างที่ชะตากรรมของตำราของเช็คสเปียร์เชื่อมโยงกับชะตากรรมของโรงละครในยุคของเช็คสเปียร์กับชีวิตของคณะละครและผู้ชมซึ่งเป็นผู้แต่งบทละครที่ยอดเยี่ยมเหล่านี้

เป็นเรื่องง่ายที่จะหัวเราะเยาะการไม่รู้หนังสือของสาธารณชน ว่าพวกเขาเป็นคนมืดมนและไร้ศีลธรรมขนาดไหน แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นผู้ชมในอุดมคติ เป็นผู้ชมที่สวยงามราวกับสวรรค์พร้อมที่จะเชื่อทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที นี่คือผู้ชมที่ถูกเลี้ยงดูมาในโบสถ์เพื่อฟังเทศน์ โดยยังคงจดจำประสบการณ์การแสดงลึกลับในยุคกลางได้ เป็นผู้ชมที่มีความเรียบง่ายอันศักดิ์สิทธิ์ ในกลุ่มผู้ชมกลุ่มนี้ ซึ่งเช็คสเปียร์เขียนและพึ่งพาอาศัยโดยตรง มีคุณสมบัติอันน่าอัศจรรย์และน่าอิจฉาของความศรัทธาที่สมบูรณ์ซึ่งได้หายไปในโรงละครสมัยใหม่ ศรัทธา หากปราศจากศรัทธาแล้ว ก็ไม่มีโรงละครที่ยิ่งใหญ่

การถอดรหัส

คอเมดี้ของเช็คสเปียร์ไม่สอดคล้องกับแนวความคิดของแนวตลกที่เราถูกเลี้ยงดูมา เราคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าการหัวเราะเป็นการเยาะเย้ย เราคุ้นเคยกับความจริงที่ว่าการแสดงตลกและการเสียดสีเป็นสิ่งเดียวกัน คอเมดีของเช็คสเปียร์เป็นผลงานที่ลึกลับ เวทมนตร์ และแปลกประหลาด (“ฉันเกิดภายใต้ดาราเต้นรำ” นางเอกของคอเมดีเรื่อง “Much Ado About Nothing” บอกกับเบียทริซ) นี่เป็นตัวอย่างที่เป็นเอกลักษณ์ของการแสดงตลกยุคเรอเนซองส์ ซึ่งนอกเหนือไปจากเส้นทางการพัฒนาของการแสดงตลกระดับโลกแบบดั้งเดิม ซึ่งพัฒนาขึ้นในลักษณะเสียดสี พร้อมเสียงหัวเราะที่ทำลายล้าง โกรธเคือง และประชดประชัน (ประเภท Moliere)

เช็คสเปียร์หัวเราะแตกต่างออกไป นี่คือเสียงหัวเราะอันน่ายินดีของชาวโลก นี่คือเสียงหัวเราะในบทกวีซึ่งพลังสำคัญที่เดือดดาลของยุคเรอเนซองส์ก็ทะลักออกมา เสียงหัวเราะนี้กลายเป็นการประกาศความรักต่อโลก ต่อหญ้า ต่อป่า ต่อท้องฟ้า และต่อผู้คน

หนังตลกแบบดั้งเดิม ประเภท Molière เป็นหนังตลกที่เยาะเย้ย คอเมดี้ของเช็คสเปียร์เป็นคอเมดี้ที่ชวนหัวเราะ วีรบุรุษประเภท Moliere-Gogol นั้นเป็นตัวละครล้อเลียนเสียดสีซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นคนเฒ่า วีรบุรุษของเช็คสเปียร์คือคู่รักหนุ่มสาวที่เดินทางรอบโลกเพื่อค้นหาความสุข ผู้คนค้นพบโลกด้วยตนเอง พวกเขาตกหลุมรักครั้งแรก อิจฉา ขุ่นเคือง - ทุกอย่างเป็นครั้งแรก และประเด็นไม่เพียงแต่ตัววีรบุรุษของเช็คสเปียร์ยังอายุน้อยเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจิตวิญญาณแห่งยุคหนุ่มซึ่งเป็นยุคแห่งการค้นพบโลกอยู่ในตัวพวกเขาเองด้วย ด้วยเหตุนี้จึงเกิดความรู้สึกริเริ่มอันเย้ายวนใจซึ่งประกอบขึ้นเป็นเสน่ห์อันน่าอัศจรรย์ของบทละครของเช็คสเปียร์ สำหรับคนสมัยใหม่ - แดกดัน, เสียดสี, ไม่ค่อยเชื่ออะไรเลย - บางครั้งคอเมดีของเชกสเปียร์ก็กลายเป็นเรื่องลึกลับซึ่งเป็นความลับที่ปิดผนึกด้วยผนึกเจ็ดดวง

อย่างไรก็ตาม นี่คือเหตุผลว่าทำไมใครๆ ก็สามารถตั้งชื่อผลงานโศกนาฏกรรมที่ยอดเยี่ยมหลายสิบรายการในโรงละครแห่งศตวรรษที่ 20 และนับรวมผลงานตลกที่ยอดเยี่ยมอย่างแท้จริง เป็นเรื่องง่ายที่จะจินตนาการถึงผู้กำกับที่ใช้เวลาทั้งชีวิตพยายามแสดงแฮมเล็ต แต่ฉันอยากเห็นผู้กำกับที่ใช้เวลาทั้งชีวิตในการเตรียมการแสดง The Taming of the Shrew นี่ไม่น่าเป็นไปได้ ศตวรรษที่ 20 และ 21 เปิดกว้างต่อโศกนาฏกรรมมากขึ้น อาจเป็นเพราะคอเมดีของเช็คสเปียร์เต็มไปด้วยความรู้สึกมีความสุข เต็มไปด้วยความสดใส เบิกบานเวียนหัว ความสุขของการดำรงอยู่ ความสุขของการที่คนๆ หนึ่งเกิดมา ความสุขในการค้นพบโลก มนุษย์ และความรัก

คอเมดี้ของเช็คสเปียร์แตกต่างออกไปมาก มีระยะห่างอย่างมากระหว่าง The Taming of the Shrew หรือ The Comedy of Errors ในด้านหนึ่งกับ A Midsummer Night's Dream หรือ Twelfth Night ในอีกด้านหนึ่ง และยังมีแนวคิดเรื่องคอเมดีของเช็คสเปียร์ในฐานะประเภทที่บูรณาการเป็นพิเศษ จุดเด่นอย่างหนึ่งของประเภทนี้ก็คือคอเมดี้หลายเรื่องบอกเล่าเรื่องราวเดียวกัน - เรื่องราวของคู่รักหนุ่มสาวจากโลกดราม่าที่ไม่เป็นมิตร โลกแห่งกฎหมายอันโหดร้าย โลกที่ถูกข่มเหงและทำลายความรัก หนีเข้าไปในป่า และป่าก็ปกป้องและปกป้องพวกเขา ความทรมานและละครที่ทำให้พวกเขาทนทุกข์ก็สลายไปในป่า ป่าที่เป็นภาพลักษณ์ของธรรมชาติถือเป็นภาพสำคัญประการหนึ่งของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาเหมือนกับดนตรีที่ทำให้ผู้คนกลับคืนสู่ธรรมชาติของตนเอง (สำหรับผู้ชายยุคเรอเนซองส์ ดนตรีเป็นสัญลักษณ์ของการดำรงอยู่ ภาพลักษณ์ของโครงสร้างของจักรวาล นี่คือสิ่งที่ผู้คนในยุคเรอเนซองส์ยืมมาจากพีทาโกรัสโบราณ: ดนตรีในฐานะกฎแห่งการดำรงอยู่ของจักรวาล คอเมดีของเช็คสเปียร์คือ เต็มไปด้วยเสียงเพลงเช่นนั้น)

ในละครเรื่อง As You Like It โรซาลินด์และออร์แลนโด้คนรักของเธอหนีออกจากปราสาทของเฟรดเดอริกผู้เผด็จการเข้าไปในป่าและที่นั่นพวกเขาพบความสามัคคี ความสงบสุข และความสุข โรซาลินด์เป็นหนึ่งในวีรบุรุษที่เก่งกาจ สมบูรณ์แบบ และมีแนวโน้มที่จะเล่นและเปลี่ยนแปลงได้ง่ายที่สุด เป็นฮีโร่ผู้มีศิลปะแห่งเช็คสเปียร์ โดยทั่วไปแล้วฮีโร่ของเขา - ศิลปินนักแสดง - มักจะพบกับความสุขที่แท้จริงในเกม

แต่ไม่เหมือนที่เกิดขึ้นในอภิบาล อภิบาล- แนวศิลปะที่กวีนิพนธ์ชีวิตชนบทอันเงียบสงบและเรียบง่ายที่ซึ่งเหล่าฮีโร่ได้หลีกหนีจากความกังวลในชีวิตประจำวันสู่ธรรมชาติ เหล่าฮีโร่จากละครตลกของเชกสเปียร์ก็กลับมาสู่โลกทุกครั้ง - แต่สู่โลกที่ได้รับการช่วยเหลือและฟื้นฟูจากป่าไม้แล้ว การเผชิญหน้าครั้งนี้เรียกได้ว่าเป็นโครงเรื่องหลักของคอเมดีของเช็คสเปียร์ - การเผชิญหน้าระหว่างโลกที่โหดร้าย ดั้งเดิม โง่เขลา อนุรักษ์นิยม โหดร้าย และโลกแห่งอิสรภาพที่ผู้คนพบในป่า

นี่คือป่านางฟ้า ในหนังตลกเรื่อง As You Like It มีต้นปาล์มและสิงโต แม้ว่าเหตุการณ์จะเกิดขึ้นที่ไหนสักแห่งระหว่างฝรั่งเศสและเบลเยียมก็ตาม ในละครเรื่อง A Midsummer Night's Dream เอลฟ์และสิ่งมีชีวิตวิเศษอาศัยอยู่ในป่า นี่คือโลกแห่งอาณาจักรอันห่างไกล ความฝันที่เป็นจริง - ในด้านหนึ่ง ในทางกลับกันนี่คือป่าอังกฤษ Sherwood Forest แบบเดียวกันจากเพลงบัลลาดเกี่ยวกับ Robin Hood (เช่นเดียวกับใน "The Two Gentlemen of Verona" ที่โจรที่อาศัยอยู่ระหว่างมิลานและเวโรนาสาบานต่อศีรษะล้านของพระเฒ่าจากวงดนตรีที่กล้าหาญของ Robin Hood) หรือ Forest of Arden เดียวกันในละครเรื่อง "As You Like It" - นี่คือป่าใกล้ Stratford ที่ซึ่ง Shakespeare ใช้ชีวิตในวัยเด็กของเขาและที่ซึ่งตามความเชื่อที่ได้รับความนิยมเอลฟ์อาศัยอยู่ - สิ่งมีชีวิตที่บินได้ซึ่งลอยอยู่ในอากาศของป่าแห่งนี้ . นี่คือประเทศที่มีมนต์ขลัง แต่ในขณะเดียวกันก็คืออังกฤษอลิซาเบธ ภาพยนตร์ตลกเรื่อง As You Like It พูดถึงผู้คนที่อาศัยอยู่ในป่าแห่งนี้ในฐานะผู้ถูกเนรเทศ เช่นเดียวกับในสมัยของโรบินฮู้ด ภาพลักษณ์ของละครตลกของเช็คสเปียร์ยังเป็นภาพลักษณ์ของอังกฤษยุคเก่าอีกด้วย โรบินฮู้ดเก่าอังกฤษ

ในพงศาวดารของ Henry V ผู้หญิงคนหนึ่งยืนอยู่ใกล้เตียงมรณะของ Falstaff ซึ่งเป็นฮีโร่ในการ์ตูนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเช็คสเปียร์กล่าวว่าก่อนที่เขาจะเสียชีวิตเขาพึมพำเกี่ยวกับทุ่งหญ้าสีเขียวบางแห่ง นี่คือทุ่งหญ้าเขียวขจีของอังกฤษยุคเก่า สนามของโรบินฮูดอังกฤษยุคเก่า อังกฤษซึ่งกำลังจะจากไปตลอดกาล ซึ่งบทละครของเช็คสเปียร์กล่าวคำอำลา พวกเขาบอกลาและรู้สึกคิดถึงโลกที่เรียบง่ายและสวยงามใบนี้ ซึ่งถูกถ่ายทอดออกมาด้วยความลึกซึ้ง มีเสน่ห์ และความเรียบง่ายในภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์

ฉันยืมตอนจบของการบรรยายจากนักวิทยาศาสตร์ชาวอเมริกันคนหนึ่ง บรรยายเรื่องตลกของเช็คสเปียร์ให้นักเรียนฟัง เขาจบแบบนี้: "จะนิยามโลกแห่งคอเมดี้ของเชคสเปียร์ได้อย่างไร? บางทีวิธีที่ดีที่สุดในการนิยามโลกแห่งคอเมดี้ของเช็คสเปียร์ก็คือสิ่งนี้ เป็นโลกที่มีนักศึกษาแต่ไม่มีการบรรยาย"

การถอดรหัส

Shakespeare's Chronicles เป็นละครอิงประวัติศาสตร์จากอดีตของอังกฤษ ส่วนใหญ่มาจากศตวรรษที่ 14 และ 15 เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะเข้าใจว่าเหตุใดในอังกฤษของเช็คสเปียร์ ไม่เพียงแต่ในหมู่นักมานุษยวิทยา นักวิทยาศาสตร์ นักประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคนทั่วไปด้วย ความสนใจอย่างมากในประวัติศาสตร์ของชาติจึงเกิดขึ้น ในความคิดของฉัน คำตอบนั้นชัดเจน เมื่อกองเรือ Armada ของสเปนผู้อยู่ยงคงกระพันซึ่งเป็นกองเรือขนาดใหญ่ที่มีทหารหลายหมื่นคนออกเดินทางเพื่อพิชิตอังกฤษในปี 1588 ชะตากรรมของอังกฤษดูเหมือนจะแขวนอยู่บนเส้นด้าย ใครจะจินตนาการได้ว่าพายุจะทำให้เรือสเปนกระจัดกระจาย และผู้บัญชาการกองทัพเรืออังกฤษจะสามารถทำลายกองเรือขนาดใหญ่นี้ได้ มีช่วงหนึ่งที่ดูเหมือนว่าอังกฤษกำลังเผชิญกับภัยพิบัติระดับชาติ และภัยคุกคามนี้ ลางสังหรณ์ของภัยพิบัตินี้รวมประเทศเป็นหนึ่งเดียว รวมทุกชนชั้นเข้าด้วยกัน ชาวอังกฤษรู้สึกเหมือนไม่เคยมีมาก่อนว่าพวกเขาเป็นชาติ และดังที่เกิดขึ้นในช่วงเวลาแห่งอันตรายระดับชาติ ศิลปะ และเพียงแค่จิตสำนึกของผู้คน กลับไปสู่อดีต เพื่อให้ประเทศอังกฤษสามารถรับรู้ถึงต้นกำเนิดของชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของตนที่นั่น และพบความหวังสำหรับชัยชนะที่นั่น จากคลื่นแห่งการรวมชาติ เรื่องราวประวัติศาสตร์เชิงดราม่าที่เฉพาะเจาะจงนี้ก็ได้เกิดขึ้น

อาจกล่าวได้ว่าในบันทึกของเช็คสเปียร์ มุมมองของนักมานุษยวิทยายุคเรอเนซองส์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ได้รับการแสดงออกมาอย่างครบถ้วนที่สุด มีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดที่ว่าแก่นแท้ของประวัติศาสตร์คือแก่นแท้อันศักดิ์สิทธิ์ เบื้องหลังกระบวนการทางประวัติศาสตร์นั้นมีความประสงค์สูงสุด ประสงค์อันศักดิ์สิทธิ์ ความยุติธรรมอันสมบูรณ์ ผู้ที่ฝ่าฝืนกฎแห่งประวัติศาสตร์ ผู้ที่ฝ่าฝืนกฎศีลธรรม จะต้องถึงแก่ความตาย แต่สิ่งสำคัญคือลวดลายและรูปภาพในพงศาวดารของเช็คสเปียร์ที่น่าสนใจและน่าสนใจที่สุดของมนุษย์นั้นอยู่ในเรื่องราวเกี่ยวกับผู้ที่ฝ่าฝืนกฎหมายทุกประเภทอย่างแม่นยำ ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือ Richard III สัตว์ร้าย, สัตว์ประหลาด, ผู้ร้าย, ยั่วยวน, ฆาตกร, ใส่ร้าย, ผู้ข่มขืน. แต่เมื่อละครเริ่มแรกที่เขาปรากฏตัวบนเวทีเขาก็หันมาหาเราพร้อมกับสารภาพ ช่างเป็นความคิดที่แปลกที่จะเริ่มละครด้วยคำสารภาพ มันแปลกขนาดไหนที่จัดโครงสร้างการเล่นในลักษณะที่ในฉากแรกที่พระเอกเผยให้เห็นจิตวิญญาณอันน่าสยดสยองของเขา ช่างเป็นการละเมิดกฎโครงสร้างดราม่าทั้งหมดอย่างร้ายแรง! จะพัฒนากิจกรรมต่อไปอย่างไร? แต่เช็คสเปียร์เป็นอัจฉริยะ และเขาอยู่เหนือกฎหมาย และ "Richard III" ก็เป็นข้อพิสูจน์ที่ยอดเยี่ยม

และประเด็นไม่ใช่ว่าการเล่นเริ่มต้นด้วยคำสารภาพ แต่เป็นการที่เราตกอยู่ใต้เสน่ห์เย้ายวนโดยไม่คาดคิด ความน่าดึงดูดใจอันน่าสยดสยองเป็นพิเศษของตัวประหลาด ตัวร้าย ตัววายร้าย ฆาตกร ผู้ยั่วยวน บาปของเขาสามารถระบุได้ไม่รู้จบ แต่นี่คือร่างของอัจฉริยะ ตัวดำ แต่เป็นอัจฉริยะ คนที่เกิดมาเพื่อสั่งการ ข้างๆ เขา นักการเมืองที่มีบาปหรือมีคุณธรรมคนอื่นๆ ดูเหมือนเป็นแค่ลูกชิ้นเล็กๆ ในความเป็นจริง เพื่อให้ได้อำนาจเหนือพวกเขา เขาใช้พลังงานมากเกินไปด้วยซ้ำ เป็นเรื่องง่ายที่จะเอาชนะแกะเงียบๆ และคนขี้ขลาดเงียบๆ เหล่านี้

Richard III เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเป็นคนแรกและสำคัญที่สุด เขาสนุกกับการเล่นหน้าซื่อใจคดโดยเปลี่ยนหน้ากาก ที่นี่กฎทางศีลธรรมทั้งหมด ความคิดดั้งเดิมทั้งหมดเกี่ยวกับการล่มสลายของความดีและความชั่ว พวกเขาพังทลายลงต่อหน้าผู้ที่ถูกเลือกของร่างที่น่ากลัว ชั่วร้าย แต่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง

ชายหลังค่อม ตัวประหลาด และง่อยคนนี้สามารถเอาชนะ Lady Anna ได้อย่างง่ายดาย นี่เป็นฉากที่โด่งดังที่สุดในละคร แม้ว่าจะใช้เวลาประมาณสิบนาทีเท่านั้นก็ตาม ในตอนแรกเลดี้แอนน์เกลียดเขา ถ่มน้ำลายใส่หน้า สาปแช่งเขาเพราะเขาเป็นฆาตกรสามีของเธอและพ่อของสามีเธอ เฮนรีที่ 6 และในตอนท้ายของฉากเธอก็เป็นของเขา - นั่นคือพลังพิเศษซึ่งเป็นมหาอำนาจอันน่ากลัวที่ทำลายความคิดทั้งหมดเกี่ยวกับความดีและความชั่ว และเราตกอยู่ภายใต้มนต์สะกดของเขา เรากำลังรอให้อัจฉริยะแห่งความชั่วร้ายปรากฏตัวบนเวทีในที่สุด นักแสดงตลอดกาลชื่นชอบบทบาทนี้ และ Burbage ซึ่งเป็นนักแสดงคนแรก และ Garrick ในศตวรรษที่ 18 และ Edmund Kean ในศตวรรษที่ 19 และในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 Henry Irving และ Laurence Olivier และถ้าเราพูดถึงโรงละครของเรา บทละครของ Robert Sturua ยังคงเป็นตัวอย่างที่ดี โรเบิร์ต สตูรัว(เกิด พ.ศ. 2481) - ผู้กำกับละคร นักแสดง ครู. Ramaz Chkhikvadze เล่นเป็นครึ่งคนครึ่งสัตว์ประหลาดได้อย่างยอดเยี่ยม

สัตว์ร้ายตัวนี้เกิดมาเพื่อสั่งการ แต่ความตายของเขาเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ เพราะเขากบฏต่อประวัติศาสตร์ ต่อต้านสิ่งที่เช็คสเปียร์รวมเข้าด้วยกันเป็นเพลงสำคัญของพงศาวดาร เขาผู้กบฏ กบฏต่อเวลา ต่อต้านพระเจ้า ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ตอนที่คีนรับบทนี้ การมองครั้งสุดท้ายของริชาร์ดที่กำลังจะตายคือการมองท้องฟ้า และมันเป็นรูปลักษณ์ของศัตรูที่ไม่คืนดีและไม่ยอมให้อภัย "Richard III" เป็นตัวอย่างหนึ่งที่แสดงให้เห็นว่าอัจฉริยะของเช็คสเปียร์เอาชนะกฎทางจริยธรรมได้อย่างไร และเราพบว่าตัวเองตกอยู่ภายใต้ความเมตตาของอัจฉริยะผิวดำคนนี้ สัตว์ประหลาด วายร้าย ผู้หิวโหยพลังตัวนี้ไม่เพียงแต่เอาชนะเลดี้แอนนาเท่านั้น แต่ยังเอาชนะเราอีกด้วย (โดยเฉพาะถ้าริชาร์ดเล่นโดยนักแสดงที่ยอดเยี่ยม เช่น ลอเรนซ์ โอลิเวียร์ นี่เป็นบทบาทที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งเขาเล่นครั้งแรกในโรงละครและจากนั้นในภาพยนตร์ที่เขากำกับ)

พงศาวดารของเช็คสเปียร์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นบทความประวัติศาสตร์ที่ไม่มีอุดมการณ์มานานแล้ว ยกเว้น Richard III ที่นักแสดงแสดงและเป็นที่รักมาโดยตลอด "Henry VI" ที่ไม่มีที่สิ้นสุดเหล่านี้ ตอนที่หนึ่ง ตอนที่สอง ตอนที่สาม "Henry IV" ตอนที่หนึ่ง ตอนที่สอง "King Johns" ทั้งหมดนี้น่าสนใจสำหรับนักประวัติศาสตร์ แต่ไม่ใช่สำหรับโรงละคร

นี่เป็นกรณีจนกระทั่งในทศวรรษ 1960 ในเมืองสแตรทฟอร์ด ปีเตอร์ ฮอลล์ ผู้กำกับละครรอยัล เชคสเปียร์ ได้จัดฉากซีรีส์พงศาวดารของเช็คสเปียร์ชื่อ สงครามแห่งดอกกุหลาบ สงครามกุหลาบแดงและกุหลาบขาว, หรือ สงครามดอกกุหลาบ, (1455-1485) - ชุดของความขัดแย้งของราชวงศ์ติดอาวุธระหว่างกลุ่มขุนนางอังกฤษที่ต่อสู้เพื่ออำนาจ. เขากำกับพวกเขาในลักษณะที่ทำให้ความเชื่อมโยงระหว่างละครประวัติศาสตร์ของเช็คสเปียร์และเบรชต์ ละครประวัติศาสตร์ของเชกสเปียร์และสารคดีในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ชัดเจน ความเชื่อมโยงระหว่างพงศาวดารของเช็คสเปียร์กับ "โรงละครแห่งความโหดร้าย" ของ Antonin Artaud อันโตนิน อาร์เตาด์(พ.ศ. 2439-2491) - นักเขียนชาวฝรั่งเศส นักเขียนบทละคร นักแสดงและนักทฤษฎี ผู้ริเริ่มภาษาการละคร พื้นฐานของระบบของ Artaud คือการปฏิเสธการแสดงละครด้วยความเข้าใจตามปกติของปรากฏการณ์นี้ ซึ่งเป็นโรงละครที่สนองความต้องการดั้งเดิมของสาธารณชน เป้าหมายสูงสุดคือการค้นพบความหมายที่แท้จริงของการดำรงอยู่ของมนุษย์ผ่านการทำลายรูปแบบสุ่ม คำว่า "ความโหดร้าย" ในระบบของ Artaud มีความหมายที่แตกต่างจากความหมายในชีวิตประจำวันโดยพื้นฐาน ถ้าตามความเข้าใจทั่วไป ความโหดร้ายเกี่ยวข้องกับการสำแดงความเป็นปัจเจกนิยม ดังนั้นตามความเห็นของ Artaud ความโหดร้ายคือการยอมจำนนต่อความจำเป็นอย่างมีสติ โดยมุ่งเป้าไปที่การทำลายความเป็นปัจเจกบุคคล. ปีเตอร์ ฮอลล์ ละทิ้งความรู้สึกรักชาติแบบดั้งเดิม หรือความพยายามที่จะเชิดชูความยิ่งใหญ่ของจักรวรรดิอังกฤษ เขาแสดงละครเกี่ยวกับสงครามที่โหดร้าย น่าเกลียด และไร้มนุษยธรรม ตามรอยของ Bertolt Brecht และเรียนรู้จากมุมมองของเขาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์

นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ตั้งแต่ปี 1963 เมื่อปีเตอร์ ฮอลล์ จัดแสดงวงจรประวัติศาสตร์ของเขาในเมืองสแตรทฟอร์ด ชะตากรรมทางการแสดงละครของพงศาวดารของเช็คสเปียร์ก็เปลี่ยนไป พวกเขาเข้าสู่โรงละครโลกด้วยความกว้างที่เป็นไปไม่ได้เลยเมื่อก่อน จนถึงทุกวันนี้ พงศาวดารของเชคสเปียร์ได้รับการเก็บรักษาไว้ในละครสมัยใหม่ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษาอังกฤษและของเราเอง

ฉันจำบทละครที่ยอดเยี่ยมเรื่อง Henry IV ซึ่งจัดแสดงในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดย Georgy Tovstonogov ที่โรงละครบอลชอย และช่างเป็นชะตากรรมที่ยอดเยี่ยมของ Richard III บนเวทีรัสเซีย ประเด็นไม่ใช่ว่าในการแสดงละคร Richard III เราจำประวัติศาสตร์ของเราได้ ซึ่งเป็นร่างของสัตว์ประหลาดของเราเอง มันชัดเจน แต่เช็คสเปียร์ไม่ได้เขียนบทละครโดยคำนึงถึงบุคคลสำคัญทางประวัติศาสตร์โดยเฉพาะ Richard III ไม่ใช่บทละครเกี่ยวกับสตาลิน Richard III เป็นบทละครเกี่ยวกับเผด็จการ และไม่ได้เกี่ยวกับเธอมากนัก แต่เกี่ยวกับสิ่งล่อใจที่เธอแบกรับ เกี่ยวกับความกระหายความเป็นทาสซึ่งสร้างระบบเผด็จการทั้งหมด

ดังนั้น พงศาวดารของเช็คสเปียร์จึงไม่ใช่บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ แต่เป็นบทละครที่มีชีวิต เป็นบทละครเกี่ยวกับชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของเราเอง

การถอดรหัส

หลายปีก่อนฉันอยู่ที่เวโรนาและเดินผ่านสถานที่เหล่านั้นซึ่งตามที่ชาวเมืองเวโรนีอ้างว่าเกี่ยวข้องกับเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียต นี่คือระเบียงเก่าที่หนักและปกคลุมไปด้วยตะไคร่น้ำ ซึ่งจูเลียตยืนอยู่และโรมิโอยืนอยู่ใต้นั้น นี่คือวัดที่คุณพ่อลอเรนโซแต่งงานกับคู่รักหนุ่มสาว และนี่คือห้องใต้ดินของจูเลียต ตั้งอยู่นอกกำแพงเมืองเก่าใน Verona Cheryomushki สมัยใหม่ ที่นั่น ในบรรดาอาคารห้าชั้นสมัยครุสชอฟ มีอารามโบราณเล็กๆ ที่มีเสน่ห์ตั้งตระหง่านอยู่ ในห้องใต้ดินมีสิ่งที่เรียกว่าห้องใต้ดินของจูเลียต ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าเป็นเขาหรือไม่ แต่เชื่อกันว่าเป็นเขา

นี่คือสุสานเปิด ฉันเข้าไปในห้องใต้ดิน ดู ทำหน้าที่ของฉันต่อเช็คสเปียร์ให้สำเร็จ และกำลังจะจากไป แต่ในวินาทีสุดท้าย ฉันสังเกตเห็นกองกระดาษวางอยู่บนขอบหินเหนือหลุมฝังศพ ฉันดูจดหมายฉบับหนึ่งแล้วพบว่านี่เป็นจดหมายที่สาวยุคใหม่เขียนถึงจูเลียต และถึงแม้ว่าการอ่านจดหมายของคนอื่นจะไม่เหมาะสม แต่ฉันก็ยังอ่านจดหมายฉบับหนึ่งอยู่ ไร้เดียงสาชะมัดเขียนเป็นภาษาอังกฤษ ไม่ว่าจะเป็นคนอเมริกันเขียนบทนี้ หรือเด็กหญิงชาวอิตาลีที่ตัดสินใจว่าควรเขียนจูเลียตเป็นภาษาอังกฤษ เนื่องจากเป็นบทละครของเช็คสเปียร์ เนื้อหามีลักษณะดังนี้: “ถึงจูเลียต ฉันเพิ่งเรียนรู้เรื่องราวของคุณและร้องไห้หนักมาก ผู้ใหญ่เลวทรามเหล่านี้ทำอะไรกับคุณ”

ฉันคิดว่ามนุษยชาติสมัยใหม่และโรงละครสมัยใหม่กำลังทำสิ่งนี้เท่านั้น พวกเขากำลังเขียนจดหมายถึงผลงานอันยิ่งใหญ่ในอดีต และพวกเขาก็ได้คำตอบ โดยพื้นฐานแล้ว ชะตากรรมทั้งหมดของโรงละครสมัยใหม่ การแสดงละครคลาสสิกโดยทั่วไปและโดยเฉพาะเชคสเปียร์คือประวัติศาสตร์ของการติดต่อนี้ บางครั้งคำตอบก็มาบางครั้งก็ไม่ ทุกอย่างขึ้นอยู่กับคำถามที่เราถามในอดีต โรงละครสมัยใหม่ไม่ได้จัดแสดงเช็คสเปียร์เพื่อค้นหาว่าผู้คนใช้ชีวิตอย่างไรในศตวรรษที่ 16 และไม่ใช่เพื่อที่จะพยายามเจาะทะลุจากโลกรัสเซียของเราเข้าสู่โลกแห่งวัฒนธรรมอังกฤษ นี่เป็นสิ่งสำคัญ แต่เป็นรอง เราหันไปหาเรื่องคลาสสิก เราหันไปหาเช็คสเปียร์ เพื่อทำความเข้าใจตัวเราเองเป็นหลัก

ชะตากรรมของโรมิโอและจูเลียตยืนยันเรื่องนี้ เช็คสเปียร์ไม่ได้เป็นผู้คิดค้นโครงเรื่องของละครเรื่องนี้ ดูเหมือนเขาไม่มีความคิดที่จะประดิษฐ์เรื่องราวขึ้นมาเลย บทละครของเช็คสเปียร์มีเพียงสองบทเท่านั้นที่มีอยู่โดยไม่ทราบแหล่งที่มา ได้แก่ A Midsummer Night's Dream และ The Tempest และนี่อาจเป็นเพราะเราไม่รู้ว่าแหล่งข้อมูลเหล่านั้นมีพื้นฐานมาจากอะไร

เนื้อเรื่องของโรมิโอและจูเลียตเป็นที่รู้จักมาเป็นเวลานานมากแล้ว สมัยโบราณมีโรมิโอและจูเลียตเป็นของตัวเอง - Pyramus และ Thisbe ซึ่งโอวิดบรรยายเรื่องราว เรื่องราวของโรมิโอยังถูกกล่าวถึงโดย Dante - Montague และ Cappelletti ตามที่เขากล่าวไว้ใน The Divine Comedy นับตั้งแต่ยุคกลางตอนปลาย เมืองต่างๆ ในอิตาลีได้ถกเถียงกันว่าเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียตเกิดขึ้นที่ใด สุดท้ายเวโรน่าก็ชนะ จากนั้น Lope de Vega ก็เขียนบทละครเกี่ยวกับโรมิโอและจูเลียต จากนั้นนักประพันธ์ชาวอิตาลีก็เล่าเรื่องราวทีละคน

ในอังกฤษ โครงเรื่องของโรมิโอและจูเลียตเป็นที่รู้จักก่อนเช็คสเปียร์ด้วย อาเธอร์ บรูค กวีชาวอังกฤษคนหนึ่ง เขียนบทกวีเกี่ยวกับความรักของโรเมอุสและจูเลียต นั่นคือบทละครของเช็คสเปียร์นำหน้าด้วยประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ เขาสร้างอาคารของเขาบนฐานรากสำเร็จรูป และการตีความละครเรื่องนี้ที่แตกต่างกันก็เป็นไปได้เพราะพื้นฐานของละครมีความเป็นไปได้ที่แตกต่างกันในการทำความเข้าใจและตีความเรื่องราวนี้

เรื่องราวความรักที่เป็นความลับของ Arthur Brooke ระหว่าง Romeus และ Juliet ยาวนานถึงเก้าเดือน ในเชกสเปียร์ โศกนาฏกรรมครั้งนี้เกิดขึ้นภายในห้าวัน เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเชคสเปียร์ที่จะเริ่มละครในบ่ายวันอาทิตย์และจบลงในอีกห้าวันต่อมาในคืนวันศุกร์ เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่งานแต่งงานที่เสนอของปารีสและจูเลียตควรมีขึ้นในวันพฤหัสบดี “ไม่ วันพุธ” คุณพ่อคาปูเล็ตกล่าว สิ่งที่แปลก: วันในสัปดาห์และโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่เชื่อมโยงกับแนวคิดทางปรัชญาของเธออย่างไร? เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเช็คสเปียร์ที่แนวคิดเชิงปรัชญาเหล่านี้เชื่อมโยงกับสถานการณ์ที่เฉพาะเจาะจงในชีวิตประจำวัน ตลอดห้าวันนี้ เรื่องราวความรักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในวรรณคดีโลกได้เปิดเผยต่อหน้าเรา

ดูว่าโรมิโอและจูเลียตเข้าสู่เรื่องราวนี้ได้อย่างไร และพวกเขาจะจากไปอย่างไร ดูสิว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับพวกเขาในอีกไม่กี่วัน ดูผู้หญิงคนนี้ที่เพิ่งเล่นตุ๊กตาสิ และดูว่าสถานการณ์อันน่าเศร้าของโชคชะตาทำให้เธอกลายเป็นมนุษย์ที่แข็งแกร่งและลึกซึ้งได้อย่างไร ดูเด็กคนนี้สิ โรมิโอ วัยรุ่นอารมณ์ดี เขาเปลี่ยนไปอย่างไรจนถึงที่สุด

ในฉากสุดท้ายของละคร มีช่วงเวลาที่โรมิโอมาที่ห้องใต้ดินของจูเลียต และปารีสก็พบเขาที่นั่น ปารีสตัดสินใจว่าโรมิโอมาเพื่อทำลายขี้เถ้าของจูเลียตและขัดขวางทางของเขา โรมิโอบอกเขาว่า: "ไปให้พ้น เยาวชนที่รัก" น้ำเสียงที่โรมิโอพูดกับปารีสซึ่งอาจแก่กว่าเขาคือน้ำเสียงของชายที่ฉลาดและเบื่อหน่ายโลก ชายผู้มีชีวิตอยู่ ชายที่จวนจะตาย เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของบุคคลด้วยความรักและโศกนาฏกรรมที่เกี่ยวข้องกับความรักครั้งนี้

อย่างที่เราทราบกันดีว่าโศกนาฏกรรมคืออาณาจักรแห่งสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ นี่คือโลกแห่งสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ในโศกนาฏกรรมพวกเขาตายเพราะพวกเขาต้องตาย เพราะความตายถูกกำหนดไว้สำหรับผู้ที่เข้าสู่ความขัดแย้งอันน่าเศร้า อย่างไรก็ตาม การตายของโรมิโอและจูเลียตนั้นเป็นเรื่องบังเอิญ ถ้าไม่ใช่เพราะโรคระบาดโง่ๆ นี้ ทูตของพ่อของลอเรนโซคงจะไปหาโรมิโอและอธิบายว่าจูเลียตยังไม่ตายเลย ทั้งหมดนี้คือกลอุบายอันสูงส่งของลอเรนโซ เรื่องแปลก.

บางครั้งสิ่งนี้อธิบายได้ด้วยความจริงที่ว่าโรมิโอและจูเลียตเป็นละครยุคแรก ๆ มันยังไม่ใช่โศกนาฏกรรมที่สมบูรณ์ และยังมีหนทางอีกยาวไกลก่อนที่แฮมเล็ตจะดำเนินต่อไป บางทีมันอาจจะเป็นเช่นนั้น แต่อย่างอื่นก็เป็นไปได้ จะเข้าใจภัยพิบัติในโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ได้อย่างไร? จะเกิดอะไรขึ้นถ้าโรคระบาดไม่ได้เป็นเพียงโรคระบาด แต่เป็นภาพลักษณ์ของสิ่งมีชีวิตที่น่าเศร้าที่มีอยู่?

เบื้องหลังเรื่องนี้มีเนื้อหาย่อยที่แตกต่างกัน จึงมีการตีความที่แตกต่างกันออกไป ฟรังโก เซฟฟิเรลลี ก่อนสร้างภาพยนตร์ชื่อดัง "โรมิโอและจูเลียต", 2511ได้แสดงละครในโรงละครอิตาลี พวกเขานำมันไปที่มอสโคว์ และฉันจำได้ว่ามันเริ่มต้นอย่างไร เริ่มด้วยฉากฝูงชนในตลาดที่อึกทึก สีสัน นีโอเรียลลิสติก สนุกสนาน วิ่ง ซื้อขาย ตะโกน อิตาลีในคำเดียว และทันใดนั้นเราก็เห็นชายชุดดำปรากฏตัวที่ด้านหลังเวทีและเริ่มเคลื่อนตัวฝ่าฝูงชนเข้ามาหาเรา เมื่อถึงจุดหนึ่งฝูงชนก็หยุดนิ่งและชายคนหนึ่งที่มีม้วนหนังสืออยู่ในมือก็มาที่แถวหน้าและอ่านข้อความของอารัมภบท ชายผิวดำคนนี้เป็นภาพแห่งโชคชะตาและความทุกข์ทรมานและความตายของคู่รักอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

การตีความทั้งสองข้อใดถูกต้อง และเป็นไปได้ไหมที่จะพูดถึงการตีความที่ถูกต้องและไม่ถูกต้อง? ประเด็นทั้งหมดก็คือ ละครของเชกสเปียร์มีความเป็นไปได้จากมุมมองที่แตกต่างกัน ซึ่งบางครั้งก็เกือบจะแยกจากกันไม่ได้ นี่คือคุณภาพของงานศิลปะที่ยอดเยี่ยม สิ่งนี้ได้รับการพิสูจน์อย่างชัดเจนจากทั้งชะตากรรมทางวรรณกรรมและละครของโรมิโอและจูเลียตเป็นหลัก

ก็เพียงพอแล้วที่จะระลึกถึงการแสดงที่น่าเศร้าของ Anatoly Efros ซึ่งเป็นหนึ่งในมุมมองที่ลึกซึ้งที่สุดในละครเรื่องนี้ ในการผลิตนี้ โรมิโอและจูเลียตไม่ใช่นกพิราบที่โวยวาย - พวกเขาแข็งแกร่ง เป็นผู้ใหญ่ และลึกซึ้งที่รู้ว่าอะไรรอพวกเขาอยู่หากพวกเขายอมให้ตัวเองเผชิญหน้ากับโลกแห่งอำนาจกักขฬะที่ครองราชย์ในละครเวโรนา พวกเขาเดินไปสู่ความตายอย่างไม่เกรงกลัว พวกเขาอ่านแฮมเล็ตแล้ว พวกเขารู้ว่ามันจบลงอย่างไร พวกเขารวมกันไม่เพียงแต่ด้วยความรู้สึกเท่านั้น แต่ยังรวมเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะเผชิญหน้ากับโลกนี้และความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ เป็นการแสดงที่มืดมนซึ่งไม่ได้ทิ้งความหวังไว้มากนัก และเป็นการแสดงที่เติบโตมาจากแก่นแท้ของบทประพันธ์ของเช็คสเปียร์

บางทีเช็คสเปียร์เองอาจจะเขียนโรมิโอและจูเลียตด้วยวิธีนี้ถ้าเขาเขียนบทละครนี้ไม่ใช่ในช่วงวัยเยาว์ แต่ในช่วงเวลาของแฮมเล็ตที่น่าเศร้า

การถอดรหัส

“Hamlet” เป็นละครพิเศษสำหรับรัสเซีย แฮมเล็ตในโศกนาฏกรรมกล่าวว่าโรงละครคือกระจกที่สะท้อนให้เห็นมานานหลายศตวรรษ ชนชั้น และรุ่นต่างๆ และจุดประสงค์ของโรงละครคือการยึดกระจกไว้เพื่อมนุษยชาติ แต่แฮมเล็ตเองก็เป็นกระจกเงา มีคนบอกว่านี่คือกระจกที่วางอยู่บนทางหลวง และผู้คน รุ่น ชาติ ชนชั้น เดินผ่านเขาไป และทุกคนก็เห็นตัวเอง นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเทียบกับประวัติศาสตร์รัสเซีย แฮมเล็ตเป็นกระจกที่รัสเซียพยายามจะมองเห็นหน้ามัน และพยายามทำความเข้าใจตัวเองผ่านแฮมเล็ต

เมื่อโมชาลอฟ พาเวล สเตปาโนวิช โมชาลอฟ(พ.ศ. 2343-2391) - นักแสดงยุคโรแมนติกรับราชการในโรงละครมอสโกมาลีรับบทเป็นแฮมเล็ตในปี พ.ศ. 2380 เบลินสกี้เขียนคำพูดอันโด่งดังของเขาว่าแฮมเล็ตคือ "คุณนี่คือฉันนี่คือพวกเราแต่ละคน" วลีนี้ไม่ได้ตั้งใจสำหรับมุมมองการเล่นของรัสเซีย เกือบ 80 ปีต่อมา Blok จะเขียนว่า “ฉันคือแฮมเล็ต เลือดเย็น..." (1914) วลี "I am Hamlet" ไม่เพียงแต่เป็นรากฐานของประวัติศาสตร์ละครเวทีนี้ในโรงละครรัสเซียเท่านั้น แต่สูตรนี้มีความสำคัญและใช้ได้กับทุกยุคสมัยของประวัติศาสตร์รัสเซีย ใครก็ตามที่ตัดสินใจสำรวจประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของรัสเซีย กลุ่มปัญญาชนชาวรัสเซีย จะต้องค้นหาว่าบทละครนี้ถูกตีความในช่วงเวลาต่างๆ ในประวัติศาสตร์อย่างไร แฮมเล็ตเข้าใจอย่างไรในช่วงขึ้นๆ ลงๆ ที่น่าเศร้าและช่วงตกต่ำที่น่ากลัว

เมื่อ Stanislavski ซ้อม Hamlet ในปี 1909 เพื่อเตรียมนักแสดงให้พร้อมสำหรับการมาถึงของ Gordon Craig เอ็ดเวิร์ด กอร์ดอน เครก(พ.ศ. 2415-2509) - นักแสดง ผู้กำกับละครและโอเปร่าชาวอังกฤษในยุคสมัยใหม่ซึ่งแสดงละครที่ Moscow Art Theatre เขากล่าวว่า Hamlet เป็นโรค hypostasis ของพระคริสต์ ภารกิจของแฮมเล็ตนั้นไม่เพียงแต่ในละครเท่านั้น แต่ในโลกนี้ยังเป็นภารกิจที่สามารถเปรียบเทียบได้กับการเป็นของพระบุตรของพระเจ้า นี่ไม่ใช่การเชื่อมโยงแบบสุ่มสำหรับจิตสำนึกของรัสเซียเลย จำบทกวีของ Boris Pasternak จาก Doctor Zhivago เมื่อ Hamlet ใส่พระวจนะของพระคริสต์ในสวนเกทเสมนีเข้าปากของเขา:

“ถ้าเป็นไปได้ ข้าแต่พระบิดา
ยกถ้วยนี้ผ่านไป
ฉันชอบแผนการดื้อรั้นของคุณ
และฉันตกลงที่จะเล่นบทบาทนี้
แต่ตอนนี้มีละครอีกเรื่อง
และคราวนี้ไล่ฉันออก
แต่ได้คิดลำดับการกระทำแล้ว
และจุดสิ้นสุดของถนนก็หลีกเลี่ยงไม่ได้
ฉันอยู่คนเดียวทุกอย่างจมอยู่ในลัทธิฟาริสี
ชีวิตไม่ใช่สนามที่ต้องข้าม”

เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากที่จะดูว่าช่วงเวลาใดในประวัติศาสตร์รัสเซียที่แฮมเล็ตมาถึงเบื้องหน้า ในช่วงเวลาใดที่บทละครของเช็คสเปียร์กลายเป็นช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดและสำคัญที่สุด มีหลายครั้งที่แฮมเล็ตพบว่าตัวเองอยู่บริเวณรอบนอก เมื่อละครเรื่องอื่นของเชคสเปียร์เกิดขึ้นอันดับหนึ่ง เป็นเรื่องน่าสนใจที่จะเห็นว่าช่วงเวลาใดในประวัติศาสตร์รัสเซียที่ Hamlet กลายเป็นเครื่องมือแห่งคำสารภาพของรัสเซีย นี่เป็นกรณีที่เกิดขึ้นในยุคเงิน นี่เป็นกรณีในช่วงหลังการปฏิวัติ และเหนือสิ่งอื่นใดในแฮมเล็ต ซึ่งรับบทโดยมิคาอิล เชคอฟ นักแสดงที่เก่งที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 นักแสดงที่ยิ่งใหญ่และลึกซึ้งผู้ลึกลับซึ่งความหมายหลักของแฮมเล็ตคือการสื่อสารกับผีซึ่งเป็นการปฏิบัติตามเจตจำนงของเขา

อย่างไรก็ตามในบทความของ Pasternak เกี่ยวกับการแปลโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์มีวลีที่ Hamlet พูดว่า "เพื่อทำตามพระประสงค์ของผู้ที่ส่งเขามา" หมู่บ้านเล็ก ๆ ของมิคาอิล เชคอฟ ทำตามเจตจำนงของผีที่ส่งเขามา - ซึ่งไม่ได้ปรากฏบนเวที แต่เป็นสัญลักษณ์ของรังสีแนวตั้งขนาดใหญ่ที่ตกลงมาจากท้องฟ้า แฮมเล็ตเข้าไปในเสาอันลุกเป็นไฟ พื้นที่อันส่องสว่างนี้ และสัมผัสตัวเองกับมัน โดยดูดซับแสงแห่งสวรรค์นี้ไม่เพียงแต่ในจิตสำนึกของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทุกเส้นเลือดในร่างกายของเขาด้วย มิคาอิล เชคอฟ รับบทเป็นชายผู้ถูกเหยียบย่ำด้วยประวัติศาสตร์อันหนักหน่วง มันเป็นเสียงร้องแห่งความเจ็บปวดจากบุคคลที่ผ่านกลไกของความเป็นจริงการปฏิวัติรัสเซียและหลังการปฏิวัติ เชคอฟเล่นแฮมเล็ตในปี พ.ศ. 2467 และอพยพในปี พ.ศ. 2471 การจากไปของเชคอฟเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้อย่างแน่นอน - เขาไม่มีอะไรทำในประเทศแห่งการปฏิวัติที่ได้รับชัยชนะ

ชะตากรรมต่อไปของเขาน่าทึ่งมาก เขาเสียชีวิตในปี 2498 และก่อนหน้านั้นเขาอาศัยอยู่ทางตะวันตก ในรัฐบอลติก ในฝรั่งเศส และในอเมริกา เขาแสดงเป็นผู้กำกับและเป็นครู แต่เขาไม่ได้ทำอะไรสมกับบทบาทที่เขาเล่นในรัสเซีย และนี่คือโศกนาฏกรรมของเขา นี่คือโศกนาฏกรรมของแฮมเล็ตของเขา

“Hamlet” ไม่ได้แสดงบนเวทีมอสโกมา 30 ปีแล้ว (ยกเว้นกรณีพิเศษของ "Hamlet" ของ Akimov ที่โรงละคร Vakhtangov "Hamlet" จัดแสดงโดย Nikolai Akimov ในปี 1932 ที่โรงละคร วาคทังกอฟ.. มันเป็นการล้อเลียนกึ่งล้อเลียนซึ่งเป็นการตอบโต้มุมมองของรัสเซียแบบดั้งเดิมที่ยกย่องแฮมเล็ต) สาเหตุหนึ่งที่ทำให้ "แฮมเล็ต" ถูกคว่ำบาตรจากเวทีมอสโกก็คือสตาลินทนไม่ได้กับละครเรื่องนี้ สิ่งนี้เป็นเรื่องที่เข้าใจได้เพราะปัญญาชนชาวรัสเซียมองเห็นองค์ประกอบของแฮมเล็ตในตัวเองมาโดยตลอด

มีกรณีที่ Nemirovich-Danchenko ซึ่งได้รับอนุญาตพิเศษได้ซ้อม Hamlet ที่ Art Theatre (ละครไม่เคยออกฉาย) และนักแสดงบอริสลิวานอฟที่หนึ่งในงานเลี้ยงรับรองเครมลินเข้าหาสตาลินแล้วพูดว่า: "สหายสตาลินตอนนี้เรากำลังซ้อมแฮมเล็ตโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ คุณจะให้คำแนะนำอะไรแก่เรา? เราควรจัดการแสดงละครเรื่องนี้อย่างไร” คำตอบของสตาลินมีหลายเวอร์ชัน แต่ที่น่าเชื่อถือที่สุดคือสิ่งนี้ สตาลินพูดด้วยความดูถูกอย่างไม่อาจพรรณนา: "เขาอ่อนแอ" "ไม่ไม่! - ลิวานอฟกล่าว “เรากำลังเล่นให้เขาแข็งแกร่ง!”

ดังนั้นเมื่อสตาลินเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2496 โรงภาพยนตร์ในรัสเซียหลายแห่งจึงหันมาเล่นละครที่กึ่งไม่ได้รับอนุญาตนี้ทันที ในเวลาเดียวกันในปี 1954 รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นที่โรงละคร Mayakovsky ซึ่งละครเรื่องนี้จัดแสดงโดย Okhlopkov นิโคไล ปาฟโลวิช โอคลอปคอฟ(พ.ศ. 2443-2510) - นักแสดงละครและภาพยนตร์ ผู้กำกับ ครู ลูกศิษย์และผู้สืบทอดประเพณี VS. เมเยอร์โฮลด์. ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2486 เขาเป็นหัวหน้าโรงละคร มายาคอฟสกี้.และในเลนินกราดที่โรงละคร Pushkin (Alexandrinsky) ซึ่ง Kozintsev จัดแสดง กริกอรี มิคาอิโลวิช โคซินต์เซฟ(พ.ศ. 2448-2516) - ผู้กำกับภาพยนตร์และละคร, ผู้เขียนบท, อาจารย์ สำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Hamlet" (1964) เขาได้รับรางวัลเลนินแม้กระทั่งก่อนภาพยนตร์ของเขาด้วยซ้ำ

ประวัติความเป็นมาของแฮมเล็ตในโรงละครรัสเซียหลังสงครามเป็นหัวข้อที่ใหญ่มาก แต่ฉันอยากจะพูดถึงสิ่งหนึ่ง เกี่ยวกับ “แฮมเล็ต” อันนั้น ซึ่งเป็น “แฮมเล็ต” ในรุ่นของฉัน มันคือ "Hamlet" โดย Vysotsky, Borovsky, Lyubimov “Hamlet” จัดแสดงที่โรงละคร Taganka ในปี 1971 ผู้กำกับละครคือ Yuri Lyubimov ศิลปินและผู้ออกแบบฉากคือ David Borovsky บทบาทของ Hamlet รับบทโดย Vladimir Vysotsky. ไม่ใช่ยุคที่เลวร้าย ปี 1971 เทียบไม่ได้เลยกับช่วงปลายยุค 30 แต่มันเป็นช่วงเวลาที่น่าละอายและน่าอับอาย ความเฉยเมยทั่วไป ความเงียบงัน ผู้คัดค้านเพียงไม่กี่คนที่กล้าเปล่งเสียงของพวกเขาต้องติดคุก รถถังในเชโกสโลวาเกีย และอื่นๆ

ในบรรยากาศทางการเมืองและจิตวิญญาณที่น่าอับอาย การแสดงร่วมกับ Vysotsky ปรากฏขึ้นและมีการกบฏของรัสเซียอย่างแท้จริงซึ่งเป็นการระเบิดอย่างแท้จริง มันคือแฮมเล็ต เรียบง่ายมาก เป็นคนรัสเซียมาก และโกรธมาก แฮมเล็ตเองที่ยอมให้ตัวเองกบฏ มันคือแฮมเล็ตผู้ก่อกบฏ เขาท้าทายพลังแห่งโศกนาฏกรรมที่เผชิญหน้าเขา เขาไม่เพียงถูกต่อต้านโดยระบบการเมืองเท่านั้น แต่ยังถูกกดขี่โดยระบอบเผด็จการของสหภาพโซเวียต - Vysotsky ไม่สนใจเรื่องทั้งหมดนี้มากนัก เขากำลังเผชิญหน้ากับกองกำลังที่ไม่สามารถเอาชนะได้ พลังที่เป็นสัญลักษณ์ของม่านอันโด่งดัง “ด้วยความช่วยเหลือจากวิศวกรการบิน โครงสร้างที่ซับซ้อนมากจึงได้รับการติดตั้งเหนือเวที ซึ่งทำให้ม่านสามารถเคลื่อนไปในทิศทางต่างๆ เปลี่ยนฉาก เผยให้เห็นตัวละครบางตัว ปิดตัวละครอื่นๆ กวาดคนอื่นๆ ลงจากเวที... แนวคิด ม่านที่ขยับได้ทำให้ Lyubimov สามารถค้นหากุญแจสำคัญในการแสดงทั้งหมดได้ ไม่ว่าแฮมเล็ตจะอยู่ที่ไหนม่านก็เริ่มขยับและหยุดตามกฎที่เข้มงวด: Vysotsky ยังคงแยกจากกันเสมอแยกจากคนอื่น” (จากบทความ "แฮมเล็ตจากทากันกา ในวันครบรอบยี่สิบปีของการแสดง" ในหนังสือพิมพ์ "Young Communard" , 1991)สร้างโดย David Borovsky ผู้เก่งกาจ มันคือสัตว์ประหลาดขนาดใหญ่ที่ไม่มีดวงตา ซึ่งกลายเป็นกำแพงดิน หรือภาพแห่งความตาย หรือเป็นเว็บขนาดใหญ่ที่พันธนาการผู้คน มันเป็นสัตว์ประหลาดที่กำลังเคลื่อนที่ซึ่งคุณไม่สามารถซ่อนตัวหรือวิ่งหนีได้ มันคือไม้กวาดยักษ์กวาดผู้คนจนตาย

มีภาพความตายสองภาพในการแสดงนี้พร้อมๆ กัน - ม่านซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของพลังแห่งโศกนาฏกรรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เหนือบุคคลและหลุมศพบนขอบเวทีจากโลกที่มีชีวิตจริง ฉันพูดว่า "มีชีวิตอยู่" แต่ฉันคิดผิด มันเป็นดินแดนที่ตายแล้ว ไม่ใช่ที่ซึ่งสิ่งใดๆ เติบโต นี่คือดินแดนที่พวกเขาฝังไว้

และระหว่างภาพแห่งความตายเหล่านี้ Vysotsky ก็มีอยู่จริง แฮมเล็ต เสียงแหบแห้งที่ดูเหมือนมาจากการที่มีใครคนหนึ่งใช้มืออันเหนียวแน่นจับคอเขา หมู่บ้านเล็ก ๆ นี้พยายามชั่งน้ำหนักข้อดีและข้อเสียและสิ่งนี้ทำให้เขาเข้าสู่ทางตันทางจิตที่หมันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้เพราะจากมุมมองของสามัญสำนึกการจลาจลนั้นไร้ความหมายและถึงวาระที่จะพ่ายแพ้ แต่ในหมู่บ้านเล็ก ๆ นี้มีความเกลียดชังอันศักดิ์สิทธิ์ หากความเกลียดชังเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ได้ ในหมู่บ้านเล็ก ๆ นี้มีความถูกต้องของความไม่อดทน บุรุษผู้นี้ นักรบ ผู้รอบรู้และกวีผู้นี้ หัวทิ่ม ขจัดความสงสัยทั้งปวง พุ่งเข้าสู่การต่อสู้ เข้าไปสู่การจลาจล เข้าไปสู่การจลาจล และตายไป ดุจทหารตายอย่างเงียบ ๆ ไม่โอ้อวด ที่นี่ไม่จำเป็นต้องใช้ Fortinbras ไม่มีพิธีถอดร่างของแฮมเล็ตออก แฮมเล็ตที่อยู่ด้านหลังเวที เอนหลังพิงกำแพง และเลื่อนลงไปที่พื้นอย่างเงียบๆ นั่นคือความตาย

สู่ห้องโถงเยือกแข็งที่คนรุ่นเดียวกับผมนั่งอยู่ การแสดงนี้และนักแสดงคนนี้ให้ความหวัง หวังว่าจะมีโอกาสต่อต้าน นี่คือภาพลักษณ์ของแฮมเล็ตซึ่งกลายเป็นส่วนหนึ่งของจิตวิญญาณในรุ่นของฉันซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับภาพลักษณ์ของแฮมเล็ตของ Pasternak ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแสดงเริ่มต้นด้วยเพลงของ Vysotsky ซึ่งอิงจากท่อนเดียวกันนี้ของ Pasternak จาก Doctor Zhivago เป็นที่น่าสนใจที่ Vysotsky จากบทกวีนี้ซึ่งเขาแสดงเกือบทั้งหมดได้โยนบทหนึ่งออกมา: "ฉันชอบแผนการดื้อรั้นของคุณและตกลงที่จะเล่นบทบาทนี้ ... " หมู่บ้านเล็ก ๆ นี้ไม่ชอบแผนโลก เขาต่อต้านจุดประสงค์ที่สูงกว่าใดๆ ที่อยู่เบื้องหลังโลก เขาไม่ตกลงที่จะเล่นบทนี้ หมู่บ้านเล็กๆ นี้มีแต่กบฏ กบฏ ต่อต้าน เป็นการเร่งรีบที่จะทำตามเจตนารมณ์เพื่อทำความเข้าใจเสรีภาพของรัสเซียกับสิ่งที่ Fedya Protasov พูดถึงใน Tolstoy เฟดอร์ โปรตาซอฟ- ตัวละครหลักของละครเรื่อง "The Living Corpse" ของลีโอ ตอลสตอยกำลังฟังยิปซีร้องเพลง การแสดงนี้มีบทบาทอย่างมากในชีวิตของเรา ภาพนี้คงอยู่กับเราตลอดชีวิต

มีเวลาสำหรับแฮมเล็ต และเวลาไม่ใช่สำหรับแฮมเล็ต ไม่มีอะไรน่าละอายในยุคที่ไม่ใช่แฮมเล็ต ท้ายที่สุดแล้ว ยังมีบทละครอื่นๆ ของเช็คสเปียร์อีกด้วย ช่วงเวลาของแฮมเล็ตนั้นพิเศษ และสำหรับฉัน (บางทีฉันอาจจะผิด) ดูเหมือนว่าเวลาของเราไม่ใช่ของแฮมเล็ต เราไม่ได้สนใจละครเรื่องนี้ แม้ว่าจู่ๆ จู่ๆ ผู้กำกับรุ่นเยาว์ก็ออกมาและพิสูจน์ว่าเราคู่ควรกับแฮมเล็ต โดยการแสดงละครเรื่องนี้ ฉันก็คงจะเป็นคนแรกที่ชื่นชมยินดี

การถอดรหัส

หากคุณดูผลงานล่าสุดของศิลปินจากยุคสมัยและงานศิลปะประเภทต่างๆ คุณจะพบบางสิ่งที่รวมพวกเขาเป็นหนึ่งเดียวกัน มีบางอย่างที่เหมือนกันระหว่างโศกนาฏกรรมครั้งสุดท้ายของ Sophocles, Oedipus at Colonus, ผลงานชิ้นสุดท้ายของ Beethoven, โศกนาฏกรรมครั้งสุดท้ายในพระคัมภีร์ไบเบิลของ Racine, Tolstoy ผู้ล่วงลับหรือ Dostoevsky ผู้ล่วงลับ และบทละครสุดท้ายของเช็คสเปียร์

บางทีศิลปินที่มาถึงขีดจำกัดแล้วเผชิญกับความตายอย่างสดใสอย่างน่ากลัวในอนาคตอันใกล้นี้เกิดความคิดที่จะลาโลกไปทิ้งผู้คนไว้อย่างมีความหวังเป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การมีชีวิตอยู่ไม่ว่าชีวิตจะสิ้นหวังขนาดไหนก็ตาม บางทีผลงานชิ้นสุดท้ายของเชกสเปียร์อาจเป็นแรงกระตุ้นที่จะหลุดพ้นจากขอบเขตแห่งความสิ้นหวังอันหายนะ ถัดจากแฮมเล็ต แมคเบธ โคริโอลานัส ทิมอนแห่งเอเธนส์ โศกนาฏกรรมที่มืดมนที่สุดและสิ้นหวังที่สุดของเช็คสเปียร์ ความพยายามที่จะบุกเข้าไปในโลกแห่งความหวัง เข้าสู่โลกแห่งความหวัง เพื่อที่จะรักษามันไว้เพื่อผู้คน ท้ายที่สุดแล้ว ละครเรื่องสุดท้ายของเช็คสเปียร์เรื่อง "Cymbeline", "Pericles", "The Winter's Tale" และเหนือสิ่งอื่นใด "The Tempest" นั้นแตกต่างไปจากทุกสิ่งที่เขาทำมาจนถึงตอนนี้ ถึงโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่ที่พูดถึงแก่นแท้ของการดำรงอยู่ที่น่าเศร้า

“The Tempest” เป็นละครที่เรียกว่าพินัยกรรมของเช็คสเปียร์ ซึ่งเป็นคอร์ดสุดท้ายของผลงานของเขา นี่อาจเป็นละครเพลงของเช็คสเปียร์ที่ไพเราะที่สุดและกลมกลืนกันมากที่สุด นี่คือละครที่สร้างขึ้นโดยบุคคลที่ผ่านสิ่งล่อใจแห่งโศกนาฏกรรม ผ่านการล่อลวงแห่งความสิ้นหวังเท่านั้น นี่คือความหวังที่เกิดขึ้นในอีกด้านหนึ่งของความสิ้นหวัง นี่เป็นวลีจากนวนิยายตอนปลายของ Thomas Mann ความหวังซึ่งรู้ดีถึงความสิ้นหวัง - และยังคงพยายามเอาชนะมัน “The Tempest” เป็นเทพนิยายซึ่งเป็นเทพนิยายเชิงปรัชญา พ่อมดพรอสเพโรดำเนินการอยู่ในนั้น หนังสือเวทมนตร์ให้พลังเวทย์มนตร์แก่เขาเหนือเกาะ เขาถูกรายล้อมไปด้วยตัวละครที่น่าทึ่ง: วิญญาณแห่งแสงและอากาศแอเรียล วิญญาณแห่งโลกคาลิบัน มิแรนดาลูกสาวผู้น่ารักของพรอสเพโร และอื่นๆ

แต่นี่ไม่ใช่แค่เทพนิยายและไม่ใช่แค่เทพนิยายเชิงปรัชญาเท่านั้น แต่เป็นบทละครเกี่ยวกับความพยายามที่จะแก้ไขมนุษยชาติเพื่อรักษาโลกที่ป่วยอย่างสิ้นหวังด้วยความช่วยเหลือจากศิลปะ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พรอสเปโรเปิดเพลงเพื่อจัดการกับกลุ่มคนประหลาดและคนร้ายที่ลงเอยบนเกาะแห่งนี้ในฐานะพลังบำบัดที่ยิ่งใหญ่ แต่ดนตรีก็ไม่น่าจะรักษาพวกเขาได้ ไม่น่าเป็นไปได้ที่ศิลปะจะสามารถกอบกู้โลกได้ เช่นเดียวกับความงามที่ไม่น่าจะกอบกู้โลกได้ สิ่งที่พรอสเปโรพบในตอนจบของบทละครที่แปลกประหลาดและยากลำบากมากสำหรับโรงละครนี้คือแนวคิดที่เป็นรากฐานของเชกสเปียร์ผู้ล่วงลับทั้งหมด นี่คือความคิดแห่งความรอดผ่านความเมตตา การให้อภัยเท่านั้นที่สามารถทำได้ หากไม่เปลี่ยนแปลง อย่างน้อยก็ไม่ทำให้ความชั่วร้ายที่ครอบงำโลกรุนแรงขึ้น พูดง่ายๆ ก็คือความหมายของคำว่า "พายุ" พรอสเปโรให้อภัยศัตรูที่เกือบจะทำลายเขา เขาให้อภัยแม้ว่าเขาจะไม่แน่ใจเลยว่าพวกเขาเปลี่ยนไป แต่พวกเขาได้รับการรักษาแล้ว แต่การให้อภัยเป็นสิ่งสุดท้ายที่คนเราจะมีก่อนจะจากโลกนี้ไป

ใช่แล้ว ในตอนจบ พรอสเพโรกลับคืนสู่บัลลังก์ของชาวมิลานพร้อมกับมิแรนดา ลูกสาวสุดที่รักของเขาและเฟอร์ดินันด์ผู้เป็นที่รักของเธอ แต่ในตอนท้ายของบทละครเขาพูดคำแปลก ๆ ที่พวกเขามักจะลบออกจากการแปลภาษารัสเซียด้วยเหตุผลบางอย่าง ในต้นฉบับ พรอสเพโรบอกว่าเขาจะกลับมาเพื่อให้ทุก ๆ สามความคิดของเขากลายเป็นหลุมศพ ตอนจบของละครเรื่องนี้ไม่ได้สดใสเท่าที่เชื่อกันในบางครั้ง แต่นี่คือละครเกี่ยวกับการอำลาและการให้อภัย นี่เป็นการแสดงการอำลาและการให้อภัย เช่นเดียวกับละครสุดท้ายของเช็คสเปียร์

เป็นเรื่องยากมากสำหรับโรงละครสมัยใหม่ และไม่ค่อยมีผู้กำกับยุคใหม่อำนวยการสร้าง แม้ว่าในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ผู้กำกับที่ยิ่งใหญ่ของโรงละครยุโรปเกือบทั้งหมดหันมาเล่นละครเรื่องนี้ - จัดแสดงโดย Strehler, Brook ในมอสโกจัดแสดงโดย Robert Sturua ที่โรงละคร Et Cetera โดยมี Alexander Kalyagin ในบทบาทของ พรอสเพโร ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Peter Greenaway แสดงละครเรื่องนี้ในภาพยนตร์ยอดเยี่ยมของเขาเรื่อง "The Books of Prospero" สำหรับบทบาทของพรอสเพโร กรีนอะเวย์ไม่เพียงแต่เชิญชวนใครก็ตาม แต่ยังเชิญนักแสดงชาวอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างจอห์น จีลกุดด้วย เซอร์อาเธอร์ จอห์น กิลกุด(พ.ศ. 2447-2543) - นักแสดงชาวอังกฤษ, ผู้กำกับละคร, หนึ่งในนักแสดงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของโรงละคร ผู้ชนะรางวัลการแสดงหลักทั้งหมด: Oscar, Grammy, Emmy, Tony, BAFTA และลูกโลกทองคำ. เขาแสดงไม่ได้แล้ว เขาแก่เกินไปและป่วยหนักที่จะเล่นบทบาทแบบที่เขาเล่นในสมัยก่อน และในภาพยนตร์ของ Greenaway Gielgud ไม่ได้เล่น แต่เขาอยู่ด้วย สำหรับ Greenaway นักแสดงคนนี้มีความสำคัญในฐานะภาพลักษณ์และสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ในอดีต ไม่มีอะไรมากไปกว่านั้น Prospero ของ Gielgud เป็นทั้ง Prospero ของ Shakespeare และ Shakespeare เองผู้เขียนเรื่อง "The Tempest" และ Lord God ผู้ปกครองจักรวาลที่สวยงามนี้ซึ่งเต็มไปด้วยงานศิลปะ ซึมซาบ แต่อิ่มตัวมากเกินไป

เพื่อที่จะเข้าใจความหมายของสิ่งที่ Greenaway ทำ เราต้องเข้าใจว่าเกือบทุกเฟรมของภาพยนตร์เรื่องนี้ควรกระตุ้นให้เกิดความเชื่อมโยงกับผลงานเฉพาะบางชิ้นของยุคเรอเนสซองส์หรือหลังยุคเรอเนสซองส์ ศิลปะบาโรกของศตวรรษที่ 16-17 เกือบทุกเฟรมพาเราไปที่ผลงานอันยิ่งใหญ่ของจิตรกรชาวเวนิสแห่งศตวรรษที่ 16 หรือสถาปัตยกรรมของไมเคิลแองเจโล นี่คือโลกที่เต็มไปด้วยศิลปะมากเกินไป นี่เป็นวัฒนธรรมที่เต็มไปด้วยภาระในตัวเองและโหยหาจุดจบและโหยหาจุดจบที่เป็นผลลัพธ์

ในตอนท้ายของหนัง พรอสเพโรเผาหนังสือเวทมนตร์ของเขาจนจมน้ำ เหล่านี้คือหนังสือประเภทไหน? เหล่านี้เป็นหนังสือหลักของมนุษยชาติรวมถึง "The First Folio" - คอลเลกชันแรกของผลงานของเช็คสเปียร์ซึ่งตีพิมพ์หลังจากการตายของเขาในปี 1623 เราเห็นแผ่นใบค่อยๆจมลงสู่ด้านล่าง และมีสิ่งแปลกประหลาดเกิดขึ้น: หายนะที่เกิดขึ้นกับจักรวาลในตอนท้ายของภาพยนตร์ของ Greenaway ให้ความรู้สึกโล่งใจ การปลดปล่อย และการทำให้บริสุทธิ์ สำหรับฉันดูเหมือนว่านี่คือความหมายของภาพยนตร์เรื่องนี้ซึ่งแทรกซึมลึกเข้าไปในชั้นความหมายของบทละครของเช็คสเปียร์

หลังจากพายุฝนฟ้าคะนอง เช็คสเปียร์แทบไม่ได้เขียนอะไรเลย เขียนร่วมกับเฟลทเชอร์เท่านั้น จอห์น เฟลทเชอร์(1579-1625) - นักเขียนบทละครชาวอังกฤษผู้ให้คำจำกัดความของคำว่า "โศกนาฏกรรม"พงศาวดารครั้งสุดท้ายของเขาไม่ใช่ "Henry VIII" ที่ดีที่สุด อย่างไรก็ตามในระหว่างการแสดงของเธอ Globe ลุกเป็นไฟ - ผลิตผลโปรดของเช็คสเปียร์ถูกเผาจนหมดภายในครึ่งชั่วโมง (ไม่มีใครได้รับบาดเจ็บ กางเกงของผู้ชมเพียงคนเดียวถูกไฟไหม้ แต่มีคนรินเบียร์ใส่พวกเขาและมันก็ดับลง) ฉันคิดว่านี่เป็นงานอำลาครั้งสำคัญสำหรับเช็คสเปียร์ ในช่วงสี่ปีที่ผ่านมาเขาอาศัยอยู่ในสแตรทฟอร์ดและไม่เขียนอะไรเลย

ทำไมเขาถึงเงียบ? นี่เป็นหนึ่งในความลึกลับหลักในชีวิตของเขา หนึ่งในความลับสำคัญของงานศิลปะของเขา บางทีเขาอาจจะเงียบเพราะทุกอย่างที่เขาพูดได้ ที่เขาต้องพูดก็ถูกพูดไปหมดแล้ว หรือบางทีเขาอาจจะเงียบเพราะไม่มีแฮมเล็ตคนใดที่สามารถเปลี่ยนโลกได้เพียงเล็กน้อย เปลี่ยนผู้คน และทำให้โลกนี้น่าอยู่ขึ้น ความสิ้นหวังและความรู้สึกที่ว่าศิลปะนั้นไร้ความหมายและไร้ผลมักเกิดขึ้นกับศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ที่จวนจะตาย เราไม่รู้ว่าทำไมเขาถึงเงียบ สิ่งที่เรารู้ก็คือในช่วงสี่ปีที่ผ่านมาเชกสเปียร์ใช้ชีวิตแบบพลเมืองส่วนตัวในสแตรทฟอร์ด โดยเขียนพินัยกรรมของเขาสองสามเดือนก่อนที่เขาจะเสียชีวิตและเสียชีวิต เห็นได้ชัดว่าเป็นอาการหัวใจวาย เมื่อ Lope de Vega เสียชีวิตในสเปน คนทั้งประเทศก็ติดตามโลงศพของเขา - มันเป็นงานศพระดับชาติ การตายของเช็คสเปียร์แทบจะไม่มีใครสังเกตเห็น เวลาผ่านไปหลายปีก่อนที่เพื่อนและคู่แข่งของเขา เบ็น จอนสัน จะเขียนว่า “เขาไม่ใช่คนในยุคของเราเพียงลำพัง แต่เป็นของคนทุกวัย” แต่สิ่งนี้ถูกค้นพบหลังจากผ่านไปหลายปีเท่านั้น ชีวิตจริงของเช็คสเปียร์เริ่มต้นขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ไม่ใช่ก่อนหน้านั้น และมันดำเนินต่อไป