ศิลปะสมัยใหม่มักเรียกว่าการเคลื่อนไหวทางศิลปะทุกประเภทที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลังสงคราม มันเป็นช่องทางที่สอนผู้คนให้ฝันและสร้างสรรค์ความเป็นจริงใหม่ของชีวิตอีกครั้ง

เบื่อหน่ายกับพันธนาการของกฎเกณฑ์อันโหดร้ายในอดีต ศิลปินรุ่นเยาว์จึงตัดสินใจทำลายบรรทัดฐานทางศิลปะแบบเก่า พวกเขาพยายามสร้างแนวทางปฏิบัติใหม่ๆ ที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อน ตรงกันข้ามกับความทันสมัย ​​พวกเขาหันไปใช้วิธีใหม่ในการเปิดเผยเรื่องราวของตน ศิลปินและแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ของเขามีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ของกิจกรรมสร้างสรรค์นั่นเอง ความปรารถนาที่จะย้ายออกจากกรอบการทำงานที่กำหนดไว้นำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่

ความขัดแย้งเริ่มเกิดขึ้นในหมู่ศิลปินเกี่ยวกับความหมายของศิลปะและวิธีการแสดงออก ศิลปะคืออะไร? เราสามารถบรรลุงานศิลปะที่แท้จริงได้โดยวิธีใด? นักแนวคิดและนักมินิมอลลิสต์พบคำตอบสำหรับตัวเองในวลีที่ว่า “ถ้าศิลปะเป็นได้ทุกอย่าง มันก็จะเป็นอะไรก็ได้ไม่ได้” สำหรับพวกเขา การละทิ้งวิถีทางการมองเห็นตามปกติส่งผลให้เกิดเหตุการณ์ เหตุการณ์ และการแสดงต่างๆ ลักษณะเฉพาะของศิลปะร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21 คืออะไร? นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงในบทความ

กราฟิกสามมิติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 มีชื่อเสียงในด้านกราฟิก 3 มิติ ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ ศิลปินสามารถเข้าถึงวิธีการใหม่ในการสร้างงานศิลปะของตนเอง สาระสำคัญของกราฟิกสามมิติคือการสร้างภาพโดยการสร้างแบบจำลองวัตถุในพื้นที่สามมิติ หากคุณพิจารณารูปแบบศิลปะร่วมสมัยส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 21 การสร้างภาพ 3 มิติดูเหมือนจะเป็นแบบดั้งเดิมที่สุด กราฟิก 3 มิติมีหลายด้านตามความหมายที่แท้จริงของคำนี้ ใช้เพื่อสร้างโปรแกรม เกม รูปภาพ และวิดีโอบนคอมพิวเตอร์ แต่ยังสามารถมองเห็นได้ใต้ฝ่าเท้าของคุณ - บนยางมะตอย

กราฟิก 3 มิติเคลื่อนตัวไปตามท้องถนนเมื่อหลายสิบปีก่อน และยังคงเป็นหนึ่งในรูปแบบสตรีทอาร์ตที่สำคัญที่สุดนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ศิลปินหลายคนวาดภาพสามมิติใน “ภาพวาด” ของตนที่สามารถทำให้ตื่นตาตื่นใจกับความสมจริงได้ ปัจจุบัน Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner และศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ มากมายสร้างสรรค์งานศิลปะที่สามารถทำให้ทุกคนประหลาดใจได้

ศิลปะบนท้องถนนในศตวรรษที่ 21

สมัยก่อนอาชีพคนรวยเยอะมาก เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มันถูกปกคลุมไปด้วยกำแพงของสถาบันพิเศษซึ่งการเข้าถึงของผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัดถูกปฏิเสธ เห็นได้ชัดว่าพลังอันมหาศาลของเขาไม่สามารถอ่อนระทวยไปตลอดกาลภายในอาคารที่อับชื้นได้ ตอนนั้นเองที่มันออกไปสู่ถนนสีเทาที่มืดมน เลือกที่จะเปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของเราไปตลอดกาล แม้ว่าในตอนแรกทุกอย่างจะไม่ง่ายนัก

ไม่ใช่ทุกคนที่พอใจกับการเกิดของเขา หลายคนคิดว่ามันเป็นผลมาจากประสบการณ์ที่เลวร้าย บางคนถึงกับปฏิเสธที่จะใส่ใจกับการมีอยู่ของมัน ในขณะเดียวกันผลิตผลยังคงเติบโตและพัฒนาต่อไป

ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับความยากลำบากตลอดเส้นทาง เนื่องจากมีรูปแบบที่หลากหลาย บางครั้งสตรีทอาร์ตจึงแยกแยะได้ยากจากการก่อกวน

ทุกอย่างเริ่มต้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมาในนิวยอร์ก ในเวลานี้ ศิลปะบนท้องถนนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้น และชีวิตของเขาได้รับการสนับสนุนจาก Julio 204 และ Taki 183 พวกเขาทิ้งจารึกไว้ในที่ต่างๆ ในพื้นที่ของตน จากนั้นจึงขยายพื้นที่จำหน่าย คนอื่นๆ ตัดสินใจแข่งขันกับพวกเขา นี่คือจุดเริ่มต้นของความสนุก ความกระตือรือร้นและความปรารถนาที่จะแสดงออกส่งผลให้เกิดการต่อสู้แห่งความคิดสร้างสรรค์ ทุกคนกระตือรือร้นที่จะค้นพบวิธีการดั้งเดิมเพื่อสร้างชื่อเสียงให้กับตนเองและผู้อื่น

ในปี 1981 ศิลปะบนท้องถนนสามารถข้ามมหาสมุทรได้ ศิลปินข้างถนนจากฝรั่งเศส BlekleRat ช่วยเขาในเรื่องนี้ เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินกราฟฟิตี้กลุ่มแรกๆ ในปารีส เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นบิดาแห่งกราฟฟิตีลายฉลุ สัมผัสอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาคือภาพวาดของหนูซึ่งหมายถึงชื่อของผู้สร้าง ผู้เขียนสังเกตว่าหลังจากจัดเรียงตัวอักษรคำว่า หนู (rat) ใหม่แล้ว ผลลัพธ์ที่ได้คือศิลปะ (art) Blek เคยกล่าวไว้ว่า "หนูเป็นสัตว์อิสระเพียงชนิดเดียวในปารีสที่แพร่กระจายไปทุกที่ เช่นเดียวกับสตรีทอาร์ต"

ศิลปินข้างถนนที่โด่งดังที่สุดคือ Banksy ซึ่งเรียก BlekleRat ว่าเป็นอาจารย์หลักของเขา ผลงานเฉพาะของชาวอังกฤษที่มีพรสวรรค์นี้สามารถเงียบทุกคนได้ ในภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้ลายฉลุ เขาเผยให้เห็นสังคมยุคใหม่ด้วยความชั่วร้าย แบงก์ซี่มีสไตล์ดั้งเดิมที่ช่วยให้เขาสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมมากยิ่งขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือตัวตนของ Banksy ยังคงปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ยังไม่มีใครสามารถไขปริศนาเกี่ยวกับตัวตนของศิลปินได้

ในขณะเดียวกัน Street Art ก็ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมื่อถูกผลักไสให้เคลื่อนไหวตามขอบถนน ศิลปะบนท้องถนนได้ขึ้นสู่เวทีการประมูลแล้ว ผลงานของศิลปินถูกขายไปในราคามหาศาลโดยผู้ที่ครั้งหนึ่งเคยปฏิเสธที่จะพูดถึงเขา นี่คืออะไร พลังแห่งชีวิตแห่งศิลปะหรือกระแสหลัก?

แบบฟอร์ม

ปัจจุบันมีการจัดแสดงศิลปะร่วมสมัยที่น่าสนใจหลายประการ ทบทวนรูปแบบศิลปะร่วมสมัยที่แปลกตาที่สุด จะถูกนำเสนอต่อความสนใจของคุณด้านล่าง

สำเร็จรูป

คำว่า readymade มาจากภาษาอังกฤษ แปลว่า "พร้อม" จริงๆ แล้ว เป้าหมายของทิศทางนี้ไม่ใช่การสร้างเนื้อหาใดๆ แนวคิดหลักในที่นี้ก็คือ การรับรู้ของบุคคลต่อวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมของวัตถุ ผู้ก่อตั้งขบวนการคือ Marcel Duchamp ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “น้ำพุ” ซึ่งเป็นโถปัสสาวะพร้อมลายเซ็นและวันที่

อะนามอร์โฟส

Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพในลักษณะที่สามารถมองเห็นได้อย่างเต็มที่จากมุมหนึ่งเท่านั้น หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของเทรนด์นี้คือ Bernard Pras ชาวฝรั่งเศส เขาสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งโดยใช้อะไรก็ตามที่อยู่ในมือ ด้วยทักษะของเขา เขาจึงสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งได้ ซึ่งสามารถมองเห็นได้จากมุมหนึ่งเท่านั้น

ของเหลวชีวภาพในงานศิลปะ

การเคลื่อนไหวที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดอย่างหนึ่งในศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 คือการวาดภาพที่วาดด้วยของเหลวของมนุษย์ ผู้ติดตามรูปแบบศิลปะสมัยใหม่นี้มักจะใช้เลือดและปัสสาวะ สีของภาพวาดในกรณีนี้มักจะดูมืดมนและน่ากลัว ตัวอย่างเช่น แฮร์มันน์ นิตช์ ใช้เลือดและปัสสาวะจากสัตว์ ผู้เขียนอธิบายการใช้วัสดุที่ไม่คาดคิดในวัยเด็กที่ยากลำบากในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง

ภาพวาดแห่งศตวรรษที่ XX-XXI

ประวัติโดยย่อของการวาดภาพประกอบด้วยข้อมูลที่ปลายศตวรรษที่ 20 กลายเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนในยุคของเรา ในช่วงหลังสงครามอันยากลำบาก ทรงกลมแห่งนี้ได้ประสบกับการเกิดใหม่อีกครั้ง ศิลปินพยายามที่จะค้นพบแง่มุมใหม่ๆ ของความสามารถของตน

ลัทธิสุพรีมาติสต์

Kazimir Malevich ถือเป็นผู้สร้าง Suprematism ในฐานะนักทฤษฎีหลัก เขาประกาศว่าลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นวิธีชำระล้างงานศิลปะจากสิ่งที่ไม่จำเป็นทั้งหมด ด้วยการละทิ้งวิธีการถ่ายทอดภาพแบบเดิมๆ ศิลปินจึงแสวงหาที่จะปลดปล่อยงานศิลปะจากศิลปะที่พิเศษกว่านั้น งานที่สำคัญที่สุดในประเภทนี้คือ "Black Square" อันโด่งดังของ Malevich

ศิลปะป๊อป

ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ในช่วงหลังสงคราม สังคมเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงระดับโลก ตอนนี้ผู้คนสามารถซื้อได้มากขึ้น การบริโภคกลายเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของชีวิต ผู้คนเริ่มถูกยกระดับให้เป็นลัทธิ และสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นสัญลักษณ์ Jasper Johns, Andy Warhol และผู้ติดตามขบวนการคนอื่นๆ พยายามใช้สัญลักษณ์เหล่านี้ในภาพวาดของพวกเขา

ลัทธิแห่งอนาคต

ลัทธิแห่งอนาคตถูกค้นพบในปี 1910 แนวคิดหลักของการเคลื่อนไหวนี้คือความปรารถนาที่จะมีสิ่งใหม่การทำลายกรอบของอดีต ศิลปินบรรยายถึงความปรารถนานี้โดยใช้เทคนิคพิเศษ จังหวะที่คมชัด กระแส การเชื่อมต่อ และทางแยกเป็นสัญญาณของลัทธิแห่งอนาคต ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิแห่งอนาคต ได้แก่ Marinetti, Severini, Carra

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 21) ไหลลื่นจากศิลปะใต้ดินที่ "ไม่เป็นทางการ" ของสหภาพโซเวียต ศิลปินรุ่นเยาว์ในยุค 90 กำลังมองหาวิธีใหม่ๆ ในการบรรลุความทะเยอทะยานทางศิลปะในประเทศใหม่ ในเวลานี้ ลัทธิแอ็คชั่นนิยมของมอสโกได้ถือกำเนิดขึ้น ผู้ติดตามของเขาท้าทายอดีตและอุดมการณ์ของมัน การทำลายเขตแดน (ตามตัวอักษรและเชิงเปรียบเทียบ) ทำให้สามารถพรรณนาทัศนคติของคนรุ่นใหม่ต่อสถานการณ์ในประเทศได้ ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 กลายเป็นศิลปะที่แสดงออก น่ากลัว และน่าตกใจ แบบที่สังคมปิดตัวเองมานานแล้ว การกระทำของ Anatoly Osmolovsky (“ Mayakovsky - Osmolovsky”, “ ต่อต้านทุกคน”, “ สิ่งกีดขวางบน Bolshaya Nikitskaya”), การเคลื่อนไหว“ ETI” (“ ข้อความ ETI”), Oleg Kulik (“ Piglet แจกของขวัญ”, “ Mad Dog หรือข้อห้ามสุดท้าย” ซึ่งได้รับการปกป้องโดย Cerberus ผู้โดดเดี่ยว”) Avdey Ter-Oganyan (“ศิลปะป๊อป”) ได้เปลี่ยนประวัติศาสตร์ของศิลปะสมัยใหม่ไปตลอดกาล

รุ่นใหม่

Slava PTRK เป็นศิลปินร่วมสมัยจาก Yekaterinburg บางคนอาจนึกถึงงานของเขาโดย Banksy อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Slava มีแนวคิดและความรู้สึกที่คุ้นเคยเฉพาะกับพลเมืองรัสเซียเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือแคมเปญ "ดินแดนแห่งโอกาส" ศิลปินสร้างคำจารึกจากไม้ค้ำยันบนอาคารโรงพยาบาลร้างในเยคาเตรินเบิร์ก สลาวาซื้อไม้ค้ำยันจากชาวเมืองที่เคยใช้มัน ศิลปินได้ประกาศการดำเนินการบนหน้าโซเชียลเน็ตเวิร์กของเขา ซึ่งเพิ่มความน่าดึงดูดใจให้กับเพื่อนร่วมชาติของเขา

พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย

บางที ครั้งหนึ่ง ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 อาจดูเหมือนเป็นสื่อกลาง แต่ในปัจจุบัน ผู้คนจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ มุ่งมั่นที่จะเข้าร่วมในสาขาศิลปะใหม่ พิพิธภัณฑ์จำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ กำลังเปิดประตูสู่วิธีการแสดงออกแบบใหม่ นิวยอร์กเป็นเจ้าของสถิติในสาขาศิลปะร่วมสมัย นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์สองแห่งที่นี่ซึ่งเป็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดในโลก

ห้องแรกคือ MoMA ซึ่งเป็นที่เก็บภาพวาดของ Matisse, Dali และ Warhol ประการที่สองคือพิพิธภัณฑ์ สถาปัตยกรรมที่แปลกตาของอาคารอยู่ติดกับผลงานของ Picasso, Marc Chagall, Kandinsky และอื่น ๆ อีกมากมาย

ยุโรปยังมีชื่อเสียงในด้านพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอันงดงามแห่งศตวรรษที่ 21 พิพิธภัณฑ์ KIASMA ในเฮลซิงกิช่วยให้คุณสัมผัสวัตถุที่จัดแสดงได้ ศูนย์กลางในเมืองหลวงของฝรั่งเศสสร้างความประหลาดใจด้วยสถาปัตยกรรมที่แปลกตาและผลงานของศิลปินร่วมสมัย พิพิธภัณฑ์ Stedelijkmuseum ในอัมสเตอร์ดัมเป็นที่จัดแสดงคอลเลกชั่นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดของ Malevich เมืองหลวงของบริเตนใหญ่มีวัตถุศิลปะร่วมสมัยจำนวนมาก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เวียนนาจัดแสดงผลงานของ Andy Warhol และศิลปินร่วมสมัยผู้มากความสามารถคนอื่นๆ

ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 (จิตรกรรม) - ลึกลับเข้าใจยากน่าหลงใหลได้เปลี่ยนเวกเตอร์ของการพัฒนาไปตลอดกาลไม่เพียง แต่ในขอบเขตที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติด้วย สะท้อนและสร้างความทันสมัยไปพร้อมๆ กัน ศิลปะแห่งความทันสมัยเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลาทำให้บุคคลที่รีบร้อนอยู่ตลอดเวลาหยุดชั่วขณะหนึ่ง หยุดจดจำความรู้สึกที่อยู่ลึกข้างใน หยุดเร่งฝีเท้าอีกครั้งและเร่งรีบเข้าสู่วังวนของเหตุการณ์และเหตุการณ์ต่างๆ

“ผู้เล่นการ์ด”

ผู้เขียน

ปอล เซซาน

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1839–1906
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์

ศิลปินเกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองเล็ก ๆ ของเอ็กซองโพรวองซ์ แต่เริ่มวาดภาพในปารีส ความสำเร็จที่แท้จริงมาถึงเขาหลังจากนิทรรศการส่วนตัวที่จัดโดยนักสะสม Ambroise Vollard ในปี 1886 20 ปีก่อนออกเดินทาง เขาย้ายไปอยู่ชานเมืองบ้านเกิด ศิลปินรุ่นเยาว์เรียกการเดินทางมาหาเขาว่า "การแสวงบุญที่เมืองเอ็กซ์"

130x97 ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
250 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูลส่วนตัว

งานของ Cezanne เข้าใจง่าย กฎข้อเดียวของศิลปินคือการถ่ายโอนวัตถุหรือลงจุดบนผืนผ้าใบโดยตรง ดังนั้นภาพวาดของเขาจึงไม่ทำให้ผู้ชมสับสน Cezanne ได้รวมเอาประเพณีฝรั่งเศสหลักสองประการไว้ในงานศิลปะของเขา: ลัทธิคลาสสิกและแนวโรแมนติก ด้วยความช่วยเหลือของพื้นผิวที่มีสีสัน เขาทำให้รูปร่างของวัตถุมีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง

ชุดภาพวาดห้าภาพ "ผู้เล่นการ์ด" ถูกวาดในปี พ.ศ. 2433-2438 เนื้อเรื่องของพวกเขาเหมือนกัน - หลายคนเล่นโป๊กเกอร์อย่างกระตือรือร้น ผลงานแตกต่างกันเพียงจำนวนผู้เล่นและขนาดของผืนผ้าใบ

ภาพวาดสี่ภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในยุโรปและอเมริกา (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation และ Courtauld Institute of Art) และภาพที่ห้าจนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้เป็นเครื่องประดับของคอลเลกชันส่วนตัวของเจ้าของเรือมหาเศรษฐีชาวกรีก จอร์จ เอมบิริคอส. ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ในฤดูหนาวปี 2554 เขาตัดสินใจนำมันไปขาย ผู้ที่มีโอกาสซื้อผลงาน "ฟรี" ของ Cezanne ได้แก่ William Acquavella พ่อค้างานศิลปะ และ Larry Gagosian เจ้าของแกลเลอรีชื่อดังระดับโลก ซึ่งเสนอเงินประมาณ 220 ล้านเหรียญสหรัฐ เป็นผลให้ภาพวาดตกเป็นของราชวงศ์ของรัฐอาหรับกาตาร์ในราคา 250 ล้าน ข้อตกลงทางศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพปิดตัวลงในเดือนกุมภาพันธ์ 2555 นักข่าว Alexandra Pierce รายงานเรื่องนี้ในงาน Vanity Fair เธอทราบราคาของภาพวาดและชื่อของเจ้าของคนใหม่ จากนั้นข้อมูลก็แพร่สะพัดไปตามสื่อต่างๆ ทั่วโลก

ในปี 2010 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่อาหรับและพิพิธภัณฑ์แห่งชาติกาตาร์เปิดในกาตาร์ ตอนนี้คอลเลกชันของพวกเขากำลังเติบโต บางที The Card Players เวอร์ชันที่ห้าอาจถูกซื้อโดยชีคเพื่อจุดประสงค์นี้

ที่สุดภาพวาดราคาแพงในโลก

เจ้าของ
ชีค ฮาหมัด
บิน คาลิฟา อัล-ธานี

ราชวงศ์อัลธานีปกครองกาตาร์มานานกว่า 130 ปี ประมาณครึ่งศตวรรษที่ผ่านมา มีการค้นพบน้ำมันและก๊าซสำรองจำนวนมากที่นี่ ซึ่งทำให้กาตาร์เป็นหนึ่งในภูมิภาคที่ร่ำรวยที่สุดในโลกในทันที ด้วยการส่งออกไฮโดรคาร์บอน ประเทศเล็กๆ แห่งนี้มี GDP ต่อหัวที่ใหญ่ที่สุด เชค ฮาหมัด บิน คาลิฟา อัล-ธานี ยึดอำนาจในปี 1995 ขณะที่พ่อของเขาอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์ โดยได้รับการสนับสนุนจากสมาชิกในครอบครัว ผู้เชี่ยวชาญระบุว่า ข้อดีของผู้ปกครองคนปัจจุบันคือยุทธศาสตร์ที่ชัดเจนสำหรับการพัฒนาประเทศและในการสร้างภาพลักษณ์ที่ประสบความสำเร็จของรัฐ ขณะนี้กาตาร์มีรัฐธรรมนูญและนายกรัฐมนตรี และผู้หญิงมีสิทธิลงคะแนนเสียงในการเลือกตั้งรัฐสภา อย่างไรก็ตาม เป็นประมุขแห่งกาตาร์ผู้ก่อตั้งช่องข่าวอัลจาซีรา เจ้าหน้าที่ของรัฐอาหรับให้ความสำคัญกับวัฒนธรรมเป็นอย่างมาก

2

"หมายเลข 5"

ผู้เขียน

แจ็คสัน พอลล็อค

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1912–1956
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

Jack the Sprinkler - นี่คือชื่อเล่นที่ชาวอเมริกันตั้งให้ Pollock สำหรับเทคนิคการวาดภาพพิเศษของเขา ศิลปินละทิ้งแปรงและขาตั้ง และเทสีลงบนพื้นผิวของผ้าใบหรือแผ่นใยไม้อัดระหว่างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องไปรอบ ๆ และด้านใน ตั้งแต่อายุยังน้อย เขาสนใจปรัชญาของ Jiddu Krishnamurti ซึ่งข้อความหลักก็คือความจริงถูกเปิดเผยในระหว่างการ "หลั่งไหล" อย่างเสรี

122x244 ซม
2491
ราคา
140 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ซอเธบีส์

คุณค่าของงานของ Pollock ไม่ได้อยู่ที่ผลลัพธ์ แต่อยู่ที่กระบวนการ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้เขียนเรียกงานศิลปะของเขาว่า "ภาพวาดแอ็คชั่น" ด้วยมือที่เบาของเขา มันจึงกลายเป็นทรัพย์สินหลักของอเมริกา แจ็คสัน พอลล็อคผสมสีกับทรายและกระจกที่แตก แล้วทาสีด้วยกระดาษแข็ง มีดจานสี มีด และที่ตักผง ศิลปินได้รับความนิยมอย่างมากจนในปี 1950 พบผู้เลียนแบบแม้กระทั่งในสหภาพโซเวียต ภาพวาด "หมายเลข 5" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในภาพวาดที่แปลกและแพงที่สุดในโลก David Geffen หนึ่งในผู้ก่อตั้ง DreamWorks ซื้อมันสำหรับคอลเลกชันส่วนตัว และในปี 2549 ขายมันในการประมูลของ Sotheby ในราคา 140 ล้านดอลลาร์ ให้กับ David Martinez นักสะสมชาวเม็กซิกัน อย่างไรก็ตาม สำนักงานกฎหมายได้ออกแถลงการณ์ในนามของลูกค้าโดยระบุว่า David Martinez ไม่ใช่เจ้าของภาพวาดดังกล่าว มีเพียงสิ่งเดียวที่รู้แน่ชัด: นักการเงินชาวเม็กซิกันเพิ่งรวบรวมผลงานศิลปะสมัยใหม่เมื่อไม่นานมานี้ ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะพลาด "ปลาตัวใหญ่" เช่น "หมายเลข 5" ของ Pollock

3

"ผู้หญิงที่สาม"

ผู้เขียน

วิลเลม เดอ คูนนิ่ง

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1997
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

เขาเกิดในเนเธอร์แลนด์โดยกำเนิดและอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2469 ในปี พ.ศ. 2491 มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน นักวิจารณ์ศิลปะชื่นชมองค์ประกอบภาพขาวดำที่ซับซ้อนและวิตกกังวล โดยยกย่องผู้แต่งว่าเป็นศิลปินสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่ เขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรังมาเกือบตลอดชีวิต แต่ผลงานทุกชิ้นก็รู้สึกได้ถึงความสุขในการสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ De Kooning โดดเด่นด้วยความหุนหันพลันแล่นของการวาดภาพและลายเส้นกว้าง ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมบางครั้งภาพจึงไม่พอดีกับขอบเขตของผืนผ้าใบ

121x171 ซม
1953
ราคา
137 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว

ในช่วงทศวรรษ 1950 ผู้หญิงที่มีดวงตาว่างเปล่า หน้าอกใหญ่ และใบหน้าที่น่าเกลียดปรากฏในภาพวาดของเดอคูนนิ่ง "Woman III" เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์นี้ที่จะนำมาประมูล

ตั้งแต่ปี 1970 ภาพวาดดังกล่าวถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เตหะราน แต่หลังจากการแนะนำกฎทางศีลธรรมที่เข้มงวดในประเทศพวกเขาก็พยายามที่จะกำจัดมัน ในปี 1994 งานดังกล่าวถูกส่งออกจากอิหร่าน และ 12 ปีต่อมา David Geffen เจ้าของผลงาน (โปรดิวเซอร์คนเดียวกันกับที่ขายผลงาน "Number 5" ของ Jackson Pollock) ได้ขายภาพวาดดังกล่าวให้กับเศรษฐี Steven Cohen ในราคา 137.5 ล้านเหรียญสหรัฐ ที่น่าสนใจคือในหนึ่งปีเกฟเฟนเริ่มขายคอลเลคชันภาพวาดของเขาหมด สิ่งนี้ทำให้เกิดข่าวลือมากมาย เช่น ผู้ผลิตตัดสินใจซื้อหนังสือพิมพ์ Los Angeles Times

ที่ฟอรัมศิลปะแห่งหนึ่งมีการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความคล้ายคลึงของ "Woman III" กับภาพวาด "Lady with an Ermine" โดย Leonardo da Vinci เบื้องหลังรอยยิ้มอันเร่าร้อนและร่างไร้รูปร่างของนางเอกนักเลงวาดภาพมองเห็นความสง่างามของบุคคลที่มีสายเลือดราชวงศ์ สิ่งนี้เห็นได้จากมงกุฎที่ดึงออกมาไม่ดีซึ่งสวมมงกุฎศีรษะของผู้หญิง

4

“ภาพเหมือนของอเดลโบลช-บาวเออร์ที่ 1"

ผู้เขียน

กุสตาฟ คลิมท์

ประเทศ ออสเตรีย
ปีแห่งชีวิต 1862–1918
สไตล์ ทันสมัย

Gustav Klimt เกิดในครอบครัวช่างแกะสลักและเป็นลูกคนที่สองในจำนวนเจ็ดคน ลูกชายทั้งสามของ Ernest Klimt กลายเป็นศิลปิน แต่มีเพียงกุสตาฟเท่านั้นที่โด่งดังไปทั่วโลก เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในวัยเด็กของเขาด้วยความยากจน หลังจากที่พ่อของเขาเสียชีวิต เขาก็ต้องรับผิดชอบครอบครัวทั้งหมด ในเวลานี้ Klimt ได้พัฒนาสไตล์ของเขา ผู้ชมคนใดจะค้างที่หน้าภาพวาดของเขา: ความเร้าอารมณ์ที่ตรงไปตรงมาสามารถมองเห็นได้ชัดเจนภายใต้ลายเส้นสีทองบาง ๆ

138x136 ซม
2450
ราคา
135 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ซอเธบีส์

ชะตากรรมของภาพวาดซึ่งเรียกว่า "โมนาลิซ่าชาวออสเตรีย" อาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับหนังสือขายดีได้อย่างง่ายดาย งานของศิลปินทำให้เกิดความขัดแย้งระหว่างคนทั้งรัฐกับหญิงชราคนหนึ่ง

ดังนั้น "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I" จึงพรรณนาถึงขุนนางผู้เป็นภรรยาของ Ferdinand Bloch ความปรารถนาสุดท้ายของเธอคือการบริจาคภาพวาดดังกล่าวให้กับหอศิลป์แห่งรัฐออสเตรีย อย่างไรก็ตาม โบลชยกเลิกการบริจาคตามพินัยกรรมของเขา และพวกนาซีก็เวนคืนภาพวาดนั้น ต่อมาแกลเลอรีซื้อ Golden Adele ด้วยความยากลำบาก แต่แล้วทายาทก็ปรากฏตัวขึ้น - Maria Altman หลานสาวของ Ferdinand Bloch

ในปี 2548 การพิจารณาคดีที่มีชื่อเสียงโด่งดัง“ Maria Altmann ต่อต้านสาธารณรัฐออสเตรีย” เริ่มขึ้นอันเป็นผลมาจากการที่ภาพยนตร์เรื่องนี้ "จากไป" กับเธอที่ลอสแองเจลิส ออสเตรียใช้มาตรการที่ไม่เคยมีมาก่อน: มีการเจรจาเรื่องเงินกู้ประชากรบริจาคเงินเพื่อซื้อภาพเหมือน ความดีไม่เคยเอาชนะความชั่วร้าย อัลท์แมนขึ้นราคาเป็น 300 ล้านดอลลาร์ ในช่วงเวลาของการดำเนินคดี เธออายุ 79 ปี และเธอลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะบุคคลที่เปลี่ยนเจตจำนงของ Bloch-Bauer เพื่อผลประโยชน์ส่วนตัว ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดย Ronald Lauder เจ้าของ New Gallery ในนิวยอร์ก ซึ่งยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ไม่ใช่สำหรับออสเตรีย สำหรับเขา อัลท์แมนลดราคาลงเหลือ 135 ล้านดอลลาร์

5

"กรีดร้อง"

ผู้เขียน

เอ็ดวาร์ด มุงค์

ประเทศ นอร์เวย์
ปีแห่งชีวิต 1863–1944
สไตล์ การแสดงออก

ภาพวาดชิ้นแรกของ Munch ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลก "The Sick Girl" (มีห้าชุด) อุทิศให้กับน้องสาวของศิลปินที่เสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุ 15 ปี Munch สนใจหัวข้อเรื่องความตายและความเหงามาโดยตลอด ในประเทศเยอรมนี ภาพวาดที่หนักหน่วงและคลั่งไคล้ของเขายังก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย อย่างไรก็ตาม แม้จะอยู่ในสภาวะซึมเศร้า แต่ภาพวาดของเขาก็มีพลังแม่เหล็กพิเศษ ยกตัวอย่างเช่น "Scream"

73.5x91 ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
119.992 ล้านดอลลาร์
ขายใน 2555
ในการประมูล ซอเธบีส์

ชื่อเต็มของภาพนี้คือ Der Schrei der Natur (แปลจากภาษาเยอรมันว่า "เสียงร้องของธรรมชาติ") ใบหน้าของมนุษย์หรือมนุษย์ต่างดาวแสดงออกถึงความสิ้นหวังและตื่นตระหนก - อารมณ์แบบเดียวกับที่ผู้ชมสัมผัสเมื่อดูภาพ หนึ่งในผลงานสำคัญของการแสดงออกซึ่งเตือนถึงประเด็นสำคัญที่กลายเป็นประเด็นรุนแรงในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ตามเวอร์ชันหนึ่งศิลปินสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของความผิดปกติทางจิตที่เขาต้องทนทุกข์ทรมานมาตลอดชีวิต

ภาพวาดนี้ถูกขโมยไปสองครั้งจากพิพิธภัณฑ์ต่างๆ แต่กลับถูกส่งคืน ได้รับความเสียหายเล็กน้อยหลังจากการโจรกรรม The Scream ได้รับการบูรณะและพร้อมจัดแสดงอีกครั้งที่ Munch Museum ในปี 2008 สำหรับตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อปงานนี้กลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ: Andy Warhol ได้สร้างชุดสำเนาของมันและหน้ากากจากภาพยนตร์เรื่อง "Scream" ก็ถูกสร้างขึ้นในภาพและความคล้ายคลึงของฮีโร่ของภาพ

Munch เขียนงานสี่เวอร์ชันสำหรับหนึ่งวิชา: เวอร์ชันที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวทำด้วยสีพาสเทล มหาเศรษฐีชาวนอร์เวย์ Petter Olsen นำมันไปประมูลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม 2012 ผู้ซื้อคือลีออน แบล็ก ซึ่งไม่ได้สำรองจำนวนเงินเป็นประวัติการณ์สำหรับ "Scream" ผู้ก่อตั้ง Apollo Advisors, L.P. และที่ปรึกษาไลออน ลพ. เป็นที่รู้จักในเรื่องความรักในงานศิลปะ แบล็กเป็นผู้อุปถัมภ์วิทยาลัยดาร์ตมัธ, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, ศูนย์ศิลปะลินคอล์น และพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน มีคอลเลกชันภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดโดยศิลปินร่วมสมัยและปรมาจารย์ด้านคลาสสิกในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา

6

"สีนู้ดตัดกับพื้นหลังหน้าอกและใบไม้สีเขียว"

ผู้เขียน

ปาโบล ปิกัสโซ

ประเทศ สเปน,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1973
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

เขาเป็นคนสเปนโดยกำเนิด แต่โดยจิตวิญญาณและถิ่นที่อยู่ เขาคือชาวฝรั่งเศสที่แท้จริง ปิกัสโซเปิดสตูดิโอศิลปะของตัวเองในบาร์เซโลนาเมื่อเขาอายุเพียง 16 ปี จากนั้นเขาก็ไปปารีสและใช้ชีวิตส่วนใหญ่อยู่ที่นั่น นั่นคือสาเหตุที่นามสกุลของเขามีสำเนียงสองสำเนียง สไตล์ที่ปิกัสโซคิดค้นนั้นมีพื้นฐานมาจากการปฏิเสธแนวคิดที่ว่าวัตถุที่วาดบนผืนผ้าใบสามารถดูได้จากมุมเดียวเท่านั้น

130x162 ซม
2475
ราคา
106.482 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ของคริสตี้

ระหว่างที่เขาทำงานในโรม ศิลปินได้พบกับนักเต้น Olga Khokhlova ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา เขายุติความเร่ร่อนและย้ายไปอยู่อพาร์ตเมนต์หรูหรากับเธอ เมื่อถึงเวลานั้นการจดจำก็พบฮีโร่ แต่การแต่งงานก็ถูกทำลาย หนึ่งในภาพวาดที่แพงที่สุดในโลกถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญ - ด้วยความรักอันยิ่งใหญ่ซึ่งเช่นเดียวกับ Picasso ที่มีอายุสั้นเช่นเคย ในปี 1927 เขาเริ่มสนใจ Marie-Therese Walter ในวัยเยาว์ (เธออายุ 17 ปีเขาอายุ 45 ปี) เขาจากภรรยาของเขาอย่างลับๆ ไปพร้อมกับนายหญิงของเขาไปยังเมืองใกล้ปารีสที่ซึ่งเขาวาดภาพเหมือนโดยวาดภาพ Marie-Therese ในรูปของ Daphne ผ้าใบถูกซื้อโดย Paul Rosenberg ตัวแทนจำหน่ายในนิวยอร์ก และในปี 1951 เขาได้ขายผ้าใบให้กับ Sidney F. Brody ครอบครัวโบรดี้แสดงภาพวาดนี้ให้โลกได้รับรู้เพียงครั้งเดียวและเพียงเพราะศิลปินมีอายุครบ 80 ปีแล้ว หลังจากสามีของเธอเสียชีวิต นางโบรดี้ได้นำผลงานนี้ไปประมูลที่ร้านคริสตีส์ในเดือนมีนาคม 2553 กว่าหกทศวรรษราคาขึ้นกว่า 5,000 เท่า! นักสะสมนิรนามซื้อมันมาในราคา 106.5 ล้านดอลลาร์ ในปี 2554 “นิทรรศการภาพวาดหนึ่งภาพ” จัดขึ้นในสหราชอาณาจักรซึ่งเปิดตัวเป็นครั้งที่สอง แต่ยังไม่ทราบชื่อของเจ้าของ

7

"แปดเอลวิส"

ผู้เขียน

แอนดี้ วอร์โฮล

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1928-1987
สไตล์
ศิลปะป๊อป

“เซ็กส์และปาร์ตี้เป็นสถานที่เดียวที่คุณต้องปรากฏตัวต่อหน้า” Andy Warhol ศิลปินป๊อปอาร์ตลัทธิ ผู้กำกับ หนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสาร Interview ดีไซเนอร์ Andy Warhol กล่าว เขาทำงานร่วมกับ Vogue และ Harper's Bazaar ออกแบบปกแผ่นเสียง และออกแบบรองเท้าให้กับบริษัท I.Miller ในทศวรรษที่ 1960 มีภาพวาดปรากฏขึ้นซึ่งแสดงถึงสัญลักษณ์ของอเมริกา เช่น ซุปแคมป์เบลล์และโคคา-โคลา เพรสลีย์และมอนโร ซึ่งทำให้เขากลายเป็นตำนาน

358x208 ซม
1963
ราคา
100 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูลส่วนตัว

Warhol 60s เป็นชื่อที่ตั้งให้กับยุคของป๊อปอาร์ตในอเมริกา ในปี 1962 เขาทำงานในแมนฮัตตันที่สตูดิโอ Factory ซึ่งเป็นที่ซึ่งชาวโบฮีเมียนในนิวยอร์กมารวมตัวกัน ตัวแทนที่โดดเด่น: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่นๆ ในโลก ในเวลาเดียวกัน Warhol ทดสอบเทคนิคการพิมพ์ซิลค์สกรีน - การทำซ้ำภาพเดียว นอกจากนี้เขายังใช้วิธีนี้เมื่อสร้าง "The Eight Elvises" ผู้ชมดูเหมือนจะได้เห็นภาพจากภาพยนตร์ที่ดาราคนนี้มีชีวิตขึ้นมา นี่คือทุกสิ่งที่ศิลปินชื่นชอบมาก: ภาพลักษณ์สาธารณะแบบ win-win สีเงิน และลางสังหรณ์แห่งความตายเป็นข้อความหลัก

ปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะสองรายที่ส่งเสริมผลงานของ Warhol ในตลาดโลก: Larry Gagosian และ Alberto Mugrabi อดีตใช้เงิน 200 ล้านดอลลาร์ในปี 2551 เพื่อซื้อผลงานของ Warhol มากกว่า 15 ชิ้น คนที่สองซื้อและขายภาพวาดของเขาเช่นการ์ดคริสต์มาสในราคาที่สูงกว่าเท่านั้น แต่ไม่ใช่พวกเขา แต่เป็น Philippe Segalot ที่ปรึกษาด้านศิลปะชาวฝรั่งเศสผู้เจียมเนื้อเจียมตัวซึ่งช่วย Annibale Berlinghieri นักเลงศิลปะชาวโรมันขาย "Eight Elvises" ให้กับผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับ Warhol - 100 ล้านเหรียญ

8

"ส้ม,แดง เหลือง"

ผู้เขียน

มาร์ค รอธโก

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1903–1970
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

หนึ่งในผู้สร้างการวาดภาพสนามสีเกิดที่เมืองดวินสค์ ประเทศรัสเซีย (ปัจจุบันคือเมืองเดากัฟปิลส์ ประเทศลัตเวีย) ในครอบครัวใหญ่ของเภสัชกรชาวยิว ในปี พ.ศ. 2454 พวกเขาอพยพไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา Rothko ศึกษาที่แผนกศิลป์ของมหาวิทยาลัย Yale และได้รับทุนการศึกษา แต่ความรู้สึกต่อต้านกลุ่มเซมิติกทำให้เขาต้องออกจากการศึกษา แม้จะมีทุกอย่าง แต่นักวิจารณ์ศิลปะก็ยกย่องศิลปินและพิพิธภัณฑ์ก็ติดตามเขามาตลอดชีวิต

206x236 ซม
1961
ราคา
86.882 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล ของคริสตี้

การทดลองทางศิลปะครั้งแรกของ Rothko นั้นมีการวางแนวแนวเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไปเขาก็ทำให้พล็อตเรื่องเป็นจุดสีง่ายขึ้นซึ่งทำให้ปราศจากความเป็นกลาง ในตอนแรกพวกเขามีเฉดสีสว่าง และในปี 1960 พวกเขากลายเป็นสีน้ำตาลและสีม่วง และหนาขึ้นเป็นสีดำเมื่อถึงเวลาที่ศิลปินเสียชีวิต Mark Rothko เตือนไม่ให้มองหาความหมายใดๆ ในภาพวาดของเขา ผู้เขียนต้องการพูดอย่างชัดเจนถึงสิ่งที่เขาพูด: มีเพียงสีที่ละลายในอากาศเท่านั้นและไม่มีอะไรเพิ่มเติม เขาแนะนำให้ชมผลงานจากระยะ 45 ซม. เพื่อให้ผู้ชมถูก “ดึงดูด” เข้าสู่สีสันเหมือนอยู่ในช่องทาง ระวัง: การดูตามกฎทั้งหมดสามารถนำไปสู่ผลของการทำสมาธิ กล่าวคือ การรับรู้ถึงความไม่มีที่สิ้นสุด การจมอยู่กับตัวเองโดยสมบูรณ์ การผ่อนคลาย และความบริสุทธิ์จะค่อยๆ มา สีสันในภาพวาดของเขามีชีวิตชีวา หายใจ และมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมาก (ว่ากันว่าบางครั้งก็เป็นการเยียวยา) ศิลปินประกาศว่า: “ผู้ชมควรร้องไห้เมื่อมองดูพวกเขา” และกรณีเช่นนี้ก็เกิดขึ้นจริง ตามทฤษฎีของ Rothko ในขณะนี้ ผู้คนต่างมีประสบการณ์ทางจิตวิญญาณแบบเดียวกับที่เขาทำขณะทำงานวาดภาพ หากคุณสามารถเข้าใจมันได้ในระดับที่ละเอียดอ่อน คุณจะไม่แปลกใจเลยที่ผลงานศิลปะนามธรรมเหล่านี้มักจะถูกนักวิจารณ์เปรียบเทียบกับไอคอน

ผลงาน "สีส้ม แดง เหลือง" แสดงออกถึงแก่นแท้ของภาพวาดของ Mark Rothko ราคาเริ่มต้นในการประมูลของคริสตี้ในนิวยอร์กอยู่ที่ 35–45 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักเสนอราคาเป็นสองเท่าของราคาประมาณการ ไม่มีการเปิดเผยชื่อของผู้โชคดีที่เป็นเจ้าของภาพวาดซึ่งมักจะเกิดขึ้น

9

"อันมีค่า"

ผู้เขียน

ฟรานซิส เบคอน

ประเทศ
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1909–1992
สไตล์ การแสดงออก

การผจญภัยของฟรานซิส เบคอน ชายผู้มีชื่อเต็มตัวและเป็นผู้สืบเชื้อสายมาจากปราชญ์ผู้ยิ่งใหญ่ เริ่มต้นเมื่อพ่อของเขาปฏิเสธเขา เนื่องจากไม่สามารถยอมรับพฤติกรรมรักร่วมเพศของลูกชายได้ เบคอนเดินทางไปเบอร์ลินก่อน จากนั้นจึงไปปารีส จากนั้นเส้นทางของเขาก็สับสนไปทั่วยุโรป ในช่วงชีวิตของเขา ผลงานของเขาถูกจัดแสดงในศูนย์วัฒนธรรมชั้นนำของโลก รวมถึงพิพิธภัณฑ์ Guggenheim Museum และ Tretyakov Gallery

147.5x198 ซม. (ตัวละ)
1976
ราคา
86.2 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

พิพิธภัณฑ์อันทรงเกียรติหลายแห่งต่างพยายามครอบครองภาพวาดของเบคอน แต่ประชาชนชาวอังกฤษยุคแรกเริ่มไม่รีบร้อนที่จะเลือกงานศิลปะประเภทนี้ มาร์กาเร็ต แทตเชอร์ นายกรัฐมนตรีอังกฤษผู้เป็นตำนานกล่าวถึงเขาว่า "ชายผู้วาดภาพที่น่าสะพรึงกลัวเหล่านี้"

ศิลปินเองก็ถือว่าช่วงหลังสงครามเป็นช่วงเริ่มต้นในการทำงานของเขา เมื่อกลับจากราชการ เขาได้วาดภาพอีกครั้งและสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่สำคัญ ก่อนการมีส่วนร่วมของ “Triptych, 1976” งานที่แพงที่สุดของเบคอนคือ “Study for a Portrait of Pope Innocent X” (52.7 ล้านดอลลาร์) ใน "Triptych, 1976" ศิลปินได้พรรณนาเรื่องราวที่เป็นตำนานของการประหัตประหาร Orestes โดย Furies แน่นอนว่า Orestes คือ Bacon เอง และ Furies คือความทรมานของเขา เป็นเวลากว่า 30 ปีแล้วที่ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวและไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ ข้อเท็จจริงนี้ให้คุณค่าพิเศษและส่งผลให้ต้นทุนเพิ่มขึ้น แต่เงินสองสามล้านสำหรับนักเลงศิลปะและคนใจกว้างนั้นคืออะไรล่ะ? Roman Abramovich เริ่มสร้างคอลเลกชันของเขาในช่วงทศวรรษ 1990 ซึ่งเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเพื่อนของเขา Dasha Zhukova ซึ่งกลายมาเป็นเจ้าของแกลเลอรีที่ทันสมัยในรัสเซียยุคใหม่ จากข้อมูลที่ไม่เป็นทางการ นักธุรกิจรายนี้เป็นเจ้าของผลงานของ Alberto Giacometti และ Pablo Picasso เป็นการส่วนตัว ซึ่งซื้อมาเป็นจำนวนเงินเกิน 100 ล้านดอลลาร์ ในปี 2008 เขาได้เป็นเจ้าของ Triptych อย่างไรก็ตามในปี 2554 มีการซื้อผลงานอันทรงคุณค่าอีกชิ้นของเบคอน - "ภาพร่างสามภาพสำหรับภาพเหมือนของลูเซียน ฟรอยด์" แหล่งข่าวที่ซ่อนอยู่กล่าวว่า Roman Arkadyevich กลายเป็นผู้ซื้ออีกครั้ง

10

"สระน้ำพร้อมดอกบัว"

ผู้เขียน

คล็อด โมเน่ต์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1840–1926
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์

ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่ง "จดสิทธิบัตร" วิธีการนี้บนผืนผ้าใบของเขา งานสำคัญชิ้นแรกคือภาพวาด "Luncheon on the Grass" (งานต้นฉบับของ Edouard Manet) ในวัยเยาว์เขาวาดการ์ตูนล้อเลียนและวาดภาพจริงระหว่างการเดินทางไปตามชายฝั่งและในที่โล่ง ในปารีสเขาใช้ชีวิตแบบโบฮีเมียนและไม่เคยทิ้งมันไว้แม้จะรับราชการในกองทัพแล้วก็ตาม

210x100 ซม
พ.ศ. 2462
ราคา
80.5 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ของคริสตี้

นอกจากข้อเท็จจริงที่ว่าโมเนต์เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมแล้ว เขายังเป็นชาวสวนที่กระตือรือร้นและชื่นชอบสัตว์ป่าและดอกไม้อีกด้วย ในทิวทัศน์ของเขา สภาวะของธรรมชาติเป็นเพียงชั่วขณะ วัตถุต่างๆ ดูเหมือนจะเบลอเนื่องจากการเคลื่อนที่ของอากาศ ความประทับใจได้รับการปรับปรุงด้วยการลากเส้นขนาดใหญ่จากระยะหนึ่ง พวกมันจะมองไม่เห็นและผสานเป็นภาพสามมิติที่มีพื้นผิว ในภาพวาดของโมเนต์ผู้ล่วงลับ ธีมของน้ำและชีวิตนั้นตรงบริเวณสถานที่พิเศษ ในเมืองจิแวร์นี ศิลปินมีสระน้ำของตัวเอง ซึ่งเขาปลูกดอกบัวจากเมล็ดที่เขานำมาจากญี่ปุ่นโดยเฉพาะ เมื่อดอกไม้ของพวกเขาบาน เขาก็เริ่มวาดภาพ ซีรีส์ “Water Lilies” ประกอบด้วยผลงาน 60 ชิ้นที่ศิลปินวาดภาพมานานเกือบ 30 ปีจนกระทั่งเขาเสียชีวิต การมองเห็นของเขาแย่ลงตามอายุ แต่เขาไม่หยุด ลักษณะของสระน้ำเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ขึ้นอยู่กับลม ช่วงเวลาของปี และสภาพอากาศ และ Monet ต้องการถ่ายภาพการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ด้วยการทำงานอย่างรอบคอบ เขาจึงเข้าใจแก่นแท้ของธรรมชาติ ภาพวาดบางภาพในซีรีส์นี้ถูกเก็บไว้ในแกลเลอรีชั้นนำของโลก: พิพิธภัณฑ์ศิลปะตะวันตกแห่งชาติ (โตเกียว), Orangerie (ปารีส) เวอร์ชันหนึ่งของ "บ่อน้ำลิลลี่" ต่อไปตกไปอยู่ในมือของผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์

11

ดาวเท็จ ที

ผู้เขียน

แจสเปอร์ จอห์น

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีเกิด 1930
สไตล์ ศิลปะป๊อป

ในปีพ.ศ. 2492 โจนส์เข้าโรงเรียนออกแบบในนิวยอร์ก ร่วมกับ Jackson Pollock, Willem de Kooning และคนอื่นๆ เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินหลักแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2012 เขาได้รับเหรียญแห่งอิสรภาพของประธานาธิบดี ซึ่งเป็นเกียรติยศพลเรือนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา

137.2x170.8 ซม
1959
ราคา
80 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว

เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp โจนส์ทำงานกับวัตถุจริง โดยวาดภาพบนผืนผ้าใบและประติมากรรมตามต้นฉบับอย่างสมบูรณ์ สำหรับงานของเขา เขาใช้วัตถุที่เรียบง่ายและเข้าใจง่าย เช่น ขวดเบียร์ ธง หรือการ์ด ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจนในภาพยนตร์เรื่อง False Start ดูเหมือนว่าศิลปินกำลังเล่นกับผู้ชม โดยมักจะ "ผิด" กับการติดป้ายกำกับสีในภาพวาด โดยเปลี่ยนแนวความคิดเรื่องสี: "ฉันต้องการหาวิธีในการแสดงสีเพื่อที่จะสามารถกำหนดได้โดยวิธีอื่น" ตามที่นักวิจารณ์ระบุว่าภาพวาดที่ระเบิดแรงที่สุดและ "ไม่มั่นใจ" ของเขาถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก

12

"นั่งเปลือยบนโซฟา"

ผู้เขียน

อเมเดโอ โมดิเกลียนี่

ประเทศ อิตาลี,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1884–1920
สไตล์ การแสดงออก

Modigliani ป่วยบ่อยตั้งแต่เด็ก ในช่วงอาการเพ้อไข้ เขาตระหนักถึงชะตากรรมของเขาในฐานะศิลปิน เขาศึกษาการวาดภาพในลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส และในปี 1906 เขาได้ไปปารีส ซึ่งงานศิลปะของเขาเจริญรุ่งเรือง

65x100 ซม
พ.ศ. 2460
ราคา
68.962 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ซอเธบีส์

ในปี 1917 Modigliani ได้พบกับ Jeanne Hebuterne วัย 19 ปี ซึ่งกลายมาเป็นนางแบบของเขาและต่อมาก็เป็นภรรยาของเขา ในปี 2004 หนึ่งในภาพวาดของเธอขายได้ในราคา 31.3 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งเป็นสถิติสุดท้ายก่อนการขาย "Nude Seated on a Sofa" ในปี 2010 ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคาสูงสุดสำหรับ Modigliani ในขณะนี้ การขายผลงานเริ่มขึ้นหลังจากศิลปินเสียชีวิตเท่านั้น เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน ป่วยเป็นวัณโรค และวันรุ่งขึ้นจีนน์ เฮบูแตร์น ซึ่งตั้งครรภ์ได้เก้าเดือนก็ฆ่าตัวตายเช่นกัน

13

"นกอินทรีบนต้นสน"

ผู้เขียน

ชี่ไป่ซือ

ประเทศ จีน
ปีแห่งชีวิต 1864–1957
สไตล์ กัวฮวา

ความสนใจในการประดิษฐ์ตัวอักษรทำให้ Qi Baishi หันมาวาดภาพ เมื่ออายุ 28 ปี เขาได้เป็นลูกศิษย์ของศิลปิน Hu Qingyuan กระทรวงวัฒนธรรมของจีนได้มอบตำแหน่ง "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ของชาวจีน" ให้กับเขา และในปี พ.ศ. 2499 เขาได้รับรางวัลสันติภาพนานาชาติ

10x26 ซม
2489
ราคา
65.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ผู้พิทักษ์จีน

Qi Baishi สนใจในปรากฏการณ์ของโลกรอบตัวที่หลายคนไม่ได้ให้ความสำคัญและนี่คือความยิ่งใหญ่ของเขา ชายผู้ไม่มีการศึกษากลายเป็นศาสตราจารย์และเป็นผู้สร้างที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ Pablo Picasso พูดเกี่ยวกับเขา:“ ฉันกลัวที่จะไปประเทศของคุณเพราะมี Qi Baishi อยู่ในประเทศจีน” องค์ประกอบ "Eagle on a Pine Tree" ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดของศิลปิน นอกจากผืนผ้าใบแล้ว ยังมีม้วนอักษรอียิปต์โบราณอีกสองม้วนด้วย สำหรับประเทศจีน มูลค่าการซื้อผลงานดังกล่าวสูงถึง 425.5 ล้านหยวน ม้วนหนังสือของนักอักษรวิจิตรโบราณ Huang Tingjian เพียงคนเดียวก็ขายได้ในราคา 436.8 ล้าน

14

"1949-A-No. 1"

ผู้เขียน

คลิฟฟอร์ดยังอยู่

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1980
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

ตอนอายุ 20 ฉันไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทันในนิวยอร์กและรู้สึกผิดหวัง ต่อมาเขาลงทะเบียนเรียนหลักสูตรที่ Student Arts League แต่เหลือเวลาอีก 45 นาทีหลังจากเริ่มชั้นเรียน ปรากฏว่า "ไม่เหมาะกับเขา" นิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกทำให้เกิดเสียงสะท้อน ศิลปินค้นพบตัวเองและด้วยการได้รับการยอมรับ

79x93 ซม
2492
ราคา
61.7 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ซอเธบีส์

ยังคงมอบผลงานทั้งหมดของเขา ผืนผ้าใบมากกว่า 800 ชิ้น และผลงานบนกระดาษ 1,600 ชิ้น ให้กับเมืองในอเมริกา ซึ่งจะมีการเปิดพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตามเขา เดนเวอร์กลายเป็นเมืองเช่นนี้ แต่การก่อสร้างเพียงอย่างเดียวมีราคาแพงสำหรับเจ้าหน้าที่ และเพื่อให้เสร็จสมบูรณ์ จึงมีการนำผลงานสี่ชิ้นออกประมูล ผลงานของ Still ไม่น่าจะถูกนำออกประมูลอีก ส่งผลให้ราคาล่วงหน้าสูงขึ้น ภาพวาด "1949-A-No.1" ถูกขายด้วยราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปิน แม้ว่าผู้เชี่ยวชาญคาดการณ์ว่ายอดขายจะสูงถึง 25–35 ล้านดอลลาร์ก็ตาม

15

"องค์ประกอบซูพรีมาติสต์"

ผู้เขียน

คาซิเมียร์ มาเลวิช

ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1878–1935
สไตล์ ลัทธิสุพรีมาติสต์

Malevich ศึกษาการวาดภาพที่โรงเรียนศิลปะ Kyiv จากนั้นที่ Moscow Academy of Arts ในปี 1913 เขาเริ่มวาดภาพเรขาคณิตนามธรรมในรูปแบบที่เขาเรียกว่า Suprematism (จากภาษาละตินแปลว่า "การปกครอง")

71x 88.5 ซม
พ.ศ. 2459
ราคา
60 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

ภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์เมืองอัมสเตอร์ดัมเป็นเวลาประมาณ 50 ปี แต่หลังจากทะเลาะกับญาติของ Malevich เป็นเวลา 17 ปี พิพิธภัณฑ์ก็มอบภาพวาดดังกล่าวให้ ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกับ "Manifesto of Suprematism" ดังนั้น Sotheby จึงได้ประกาศก่อนการประมูลว่าจะไม่เข้าไปในคอลเลกชันส่วนตัวในราคาต่ำกว่า 60 ล้านเหรียญ และมันก็เกิดขึ้น มองจากด้านบนจะดีกว่า: ตัวเลขบนผืนผ้าใบมีลักษณะคล้ายกับมุมมองทางอากาศของโลก อย่างไรก็ตาม เมื่อไม่กี่ปีก่อน ญาติคนเดียวกันได้เวนคืน "องค์ประกอบ Suprematist" อีกชิ้นจากพิพิธภัณฑ์ MoMA เพื่อขายในการประมูล Phillips ในราคา 17 ล้านดอลลาร์

16

“คนอาบน้ำ”

ผู้เขียน

พอล โกแกง

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1848–1903
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์

ศิลปินอาศัยอยู่ในเปรูจนกระทั่งอายุได้เจ็ดขวบ จากนั้นกลับไปฝรั่งเศสพร้อมครอบครัว แต่ความทรงจำในวัยเด็กของเขาผลักดันให้เขาเดินทางอยู่ตลอดเวลา ในฝรั่งเศส เขาเริ่มวาดภาพและเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะ เขาใช้เวลาหลายเดือนกับเขาในอาร์ลส์จนกระทั่งแวนโก๊ะตัดหูระหว่างทะเลาะกัน

93.4x60.4 ซม
2445
ราคา
55 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี พ.ศ. 2548
ในการประมูล ซอเธบีส์

ในปีพ.ศ. 2434 Gauguin ได้จัดการขายภาพวาดของเขาเพื่อใช้รายได้ในการเดินทางลึกเข้าไปในเกาะตาฮิติ ที่นั่นเขาสร้างผลงานที่รู้สึกถึงความเชื่อมโยงอันละเอียดอ่อนระหว่างธรรมชาติกับมนุษย์ Gauguin อาศัยอยู่ในกระท่อมมุงจาก และสวรรค์เขตร้อนก็เบ่งบานบนผืนผ้าใบของเขา ภรรยาของเขาคือ Tahitian Tehura วัย 13 ปี ซึ่งไม่ได้หยุดศิลปินจากการมีส่วนร่วมในความสัมพันธ์ที่สำส่อน หลังจากติดเชื้อซิฟิลิสแล้วเขาก็เดินทางไปฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม โกแกงคนแน่นที่นั่น และเขาก็กลับมาที่ตาฮิติ ช่วงเวลานี้เรียกว่า "ตาฮิติที่สอง" - ตอนนั้นเองที่มีการวาดภาพ "นักอาบน้ำ" ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่หรูหราที่สุดชิ้นหนึ่ง

17

“ดอกแดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะโทนสีฟ้าและชมพู”

ผู้เขียน

อองรี มาติส

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1869–1954
สไตล์ ลัทธิโฟวิสม์

ในปี 1889 อองรี มาตีส ป่วยด้วยโรคไส้ติ่งอักเสบ เมื่อเขาพักฟื้นจากการผ่าตัด แม่ของเขาซื้อสีทาให้เขา ในตอนแรก Matisse คัดลอกโปสการ์ดสีด้วยความเบื่อ จากนั้นเขาก็คัดลอกผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่เขาเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เขาก็เกิดสไตล์ - Fauvism

65.2x81 ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
46.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2552
ในการประมูล ของคริสตี้

ภาพวาด "Daffodils and Tablecloth in Blue and Pink" เป็นของ Yves Saint Laurent มาเป็นเวลานาน หลังจากการเสียชีวิตของนักออกแบบเสื้อผ้ารายนี้ คอลเลกชั่นงานศิลปะทั้งหมดของเขาตกไปอยู่ในมือของเพื่อนและคนรักของเขาอย่าง Pierre Berger ซึ่งตัดสินใจนำผลงานศิลปะชิ้นนี้ไปประมูลที่ Christie's ไข่มุกของคอลเลกชั่นที่ขายคือภาพวาด "ดอกแดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะในโทนสีน้ำเงินและสีชมพู" ซึ่งวาดบนผ้าปูโต๊ะธรรมดาแทนผ้าใบ เป็นตัวอย่างหนึ่งของลัทธิโฟวิสม์ มันเต็มไปด้วยพลังแห่งสี สีสันต่างๆ ดูเหมือนจะระเบิดและกรีดร้อง จากชุดภาพวาดอันโด่งดังที่วาดบนผ้าปูโต๊ะ ปัจจุบัน ผลงานชิ้นนี้เป็นเพียงชิ้นเดียวเท่านั้นที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัว

18

"สาวหลับ"

ผู้เขียน

รอยลี

เฮ็นสไตน์

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1923–1997
สไตล์ ศิลปะป๊อป

ศิลปินเกิดที่นิวยอร์ก และหลังจากสำเร็จการศึกษา เขาไปโอไฮโอ ซึ่งเขาเข้าเรียนหลักสูตรศิลปะ ในปี 1949 ลิคเทนสไตน์ได้รับปริญญาศิลปศาสตรมหาบัณฑิต ความสนใจในการ์ตูนและความสามารถในการใช้ถ้อยคำประชดทำให้เขากลายเป็นศิลปินลัทธิแห่งศตวรรษที่ผ่านมา

91x91 ซม
1964
ราคา
44.882 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล ซอเธบีส์

วันหนึ่ง หมากฝรั่งตกไปอยู่ในมือของลิกเตนสไตน์ เขาวาดภาพใหม่จากการแทรกลงบนผืนผ้าใบและมีชื่อเสียง เรื่องราวจากชีวประวัติของเขาประกอบด้วยข้อความป๊อปอาร์ตทั้งหมด: การบริโภคคือพระเจ้าองค์ใหม่ และในห่อหมากฝรั่งก็สวยงามไม่น้อยไปกว่าในโมนาลิซ่า ภาพวาดของเขาชวนให้นึกถึงการ์ตูนและการ์ตูน: ลิคเทนสไตน์เพียงแค่ขยายภาพที่เสร็จแล้ว วาดแรสเตอร์ ใช้การพิมพ์สกรีน และการพิมพ์ซิลค์สกรีน ภาพวาด "Sleeping Girl" เป็นของนักสะสมเบียทริซและฟิลิปเกิร์ชมาเกือบ 50 ปีซึ่งทายาทขายทอดตลาด

19

"ชัยชนะ. บูกี้ วูกี้”

ผู้เขียน

พีต มอนเดรียน

ประเทศ เนเธอร์แลนด์
ปีแห่งชีวิต 1872–1944
สไตล์ เนื้องอก

ศิลปินเปลี่ยนชื่อจริงของเขา Cornelis เป็น Mondrian เมื่อเขาย้ายไปปารีสในปี 1912 เขาร่วมกับศิลปิน Theo van Doesburg เขาก่อตั้งขบวนการ Neoplasticism ภาษาโปรแกรม Piet ตั้งชื่อตาม Mondrian

27x127 ซม
พ.ศ. 2487
ราคา
40 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 1998
ในการประมูล ซอเธบีส์

ศิลปินที่มี “ดนตรี” มากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 หาเลี้ยงชีพด้วยหุ่นสีน้ำ แม้ว่าเขาจะมีชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ทำจากนีโอพลาสติกก็ตาม เขาย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1940 และใช้ชีวิตที่เหลือที่นั่น ดนตรีแจ๊สและนิวยอร์กเป็นแรงบันดาลใจให้เขามากที่สุด! จิตรกรรม “ชัยชนะ.. Boogie-Woogie" คือตัวอย่างที่ดีที่สุดของเรื่องนี้ การสร้างสี่เหลี่ยมอันประณีตอันเป็นเอกลักษณ์ทำได้โดยใช้เทปกาว ซึ่งเป็นวัสดุโปรดของ Mondrian ในอเมริกาเขาถูกเรียกว่า “ผู้อพยพที่มีชื่อเสียงที่สุด” ในอายุหกสิบเศษ Yves Saint Laurent ได้เปิดตัวชุดเดรส "Mondrian" ที่โด่งดังไปทั่วโลกพร้อมลายตารางหมากรุกขนาดใหญ่

20

"องค์ประกอบหมายเลข 5"

ผู้เขียน

โหระพาคันดินสกี้

ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1866–1944
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด

ศิลปินเกิดที่มอสโกและพ่อของเขามาจากไซบีเรีย หลังการปฏิวัติเขาพยายามร่วมมือกับรัฐบาลโซเวียต แต่ในไม่ช้าก็ตระหนักว่ากฎหมายของชนชั้นกรรมาชีพไม่ได้ถูกสร้างขึ้นสำหรับเขาและเขาก็อพยพไปเยอรมนีโดยไม่ยาก

275x190 ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
40 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2550
ในการประมูล ซอเธบีส์

Kandinsky เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ละทิ้งการวาดภาพวัตถุโดยสิ้นเชิงซึ่งเขาได้รับตำแหน่งอัจฉริยะ ในช่วงลัทธินาซีในเยอรมนี ภาพวาดของเขาถูกจัดว่าเป็น "ศิลปะเสื่อมทราม" และไม่มีการจัดแสดงที่ใดเลย ในปี 1939 Kandinsky เข้ารับสัญชาติฝรั่งเศส และในปารีส เขาได้เข้าร่วมกระบวนการทางศิลปะอย่างอิสระ ภาพวาดของเขา "ฟังดู" เหมือนความทรงจำซึ่งเป็นเหตุให้หลายคนถูกเรียกว่า "องค์ประกอบ" (ครั้งแรกเขียนในปี 1910 และสุดท้ายในปี 1939) “การเรียบเรียงหมายเลข 5” เป็นหนึ่งในผลงานหลักในประเภทนี้: “คำว่า “การเรียบเรียง” ฟังดูเหมือนเป็นคำอธิษฐานสำหรับฉัน” ศิลปินกล่าว แตกต่างจากผู้ติดตามหลายคน เขาวางแผนสิ่งที่เขาจะพรรณนาบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ราวกับว่าเขากำลังเขียนบันทึก

21

"การศึกษาของผู้หญิงในชุดสีน้ำเงิน"

ผู้เขียน

เฟอร์นันด์ เลเกอร์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1955
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมหลังอิมเพรสชั่นนิสม์

Légerได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมแล้วเข้าร่วม Ecole des Beaux-Arts ในปารีส ศิลปินคิดว่าตัวเองเป็นผู้ติดตาม Cezanne เป็นผู้ขอโทษสำหรับ Cubism และในศตวรรษที่ 20 ก็ประสบความสำเร็จในฐานะประติมากรเช่นกัน

96.5x129.5 ซม
พ.ศ. 2455–2456
ราคา
39.2 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

David Norman ประธานแผนกระหว่างประเทศด้านอิมเพรสชันนิสม์และสมัยใหม่ที่ Sotheby's ถือว่าการจ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับ "The Lady in Blue" นั้นเป็นสิ่งที่สมเหตุสมผล ภาพวาดนี้เป็นของคอลเลกชัน Léger ที่มีชื่อเสียง (ศิลปินวาดภาพเขียนสามภาพในเรื่องเดียว ปัจจุบันภาพสุดท้ายอยู่ในมือของเอกชน - เอ็ด) และพื้นผิวของผืนผ้าใบได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบดั้งเดิม ผู้เขียนเองได้มอบงานนี้ให้กับแกลเลอรี Der Sturm จากนั้นก็จบลงที่คอลเลกชันของ Hermann Lang นักสะสมแนวสมัยใหม่ชาวเยอรมัน และตอนนี้เป็นของผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก

22

“ฉากถนน. เบอร์ลิน"

ผู้เขียน

เอิร์นส์ ลุดวิกเคิร์ชเนอร์

ประเทศ เยอรมนี
ปีแห่งชีวิต 1880–1938
สไตล์ การแสดงออก

สำหรับการแสดงออกของชาวเยอรมัน Kirchner กลายเป็นบุคคลที่โดดเด่น อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นกล่าวหาว่าเขายึดมั่นใน "งานศิลปะที่เสื่อมทราม" ซึ่งส่งผลกระทบอย่างน่าเศร้าต่อชะตากรรมของภาพวาดของเขาและชีวิตของศิลปินที่ฆ่าตัวตายในปี 2481

95x121 ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
38.096 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ของคริสตี้

หลังจากย้ายไปเบอร์ลิน เคิร์ชเนอร์ได้สร้างภาพร่างภาพท้องถนน 11 ​​ภาพ เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความพลุกพล่านและความกังวลใจของเมืองใหญ่ ในภาพวาดที่ขายในปี 2549 ในนิวยอร์ก อาการวิตกกังวลของศิลปินนั้นรู้สึกได้อย่างชัดเจนเป็นพิเศษ ผู้คนบนถนนเบอร์ลินมีลักษณะคล้ายกับนก - สง่างามและอันตราย เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์ชื่อดังที่ขายทอดตลาด ส่วนที่เหลือถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ ในปี 1937 พวกนาซีปฏิบัติต่อ Kirchner อย่างรุนแรง ผลงาน 639 ชิ้นของเขาถูกถอดออกจากแกลเลอรีในเยอรมนี ถูกทำลายหรือขายในต่างประเทศ ศิลปินไม่สามารถอยู่รอดได้

23

"นักพักผ่อน"นักเต้น"

ผู้เขียน

เอ็ดการ์ เดอกาส์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1834–1917
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์

ประวัติศาสตร์ของเดอกาส์ในฐานะศิลปินเริ่มต้นจากงานของเขาในฐานะนักลอกเลียนแบบที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขาใฝ่ฝันที่จะ "มีชื่อเสียงและไม่มีใครรู้จัก" และในที่สุดเขาก็ทำสำเร็จ ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ทั้งหูหนวกและตาบอด เดกาส์วัย 80 ปียังคงเข้าร่วมนิทรรศการและการประมูลต่อไป

64x59 ซม
พ.ศ. 2422
ราคา
37.043 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

“นักบัลเลต์เป็นข้ออ้างสำหรับฉันเสมอที่จะพรรณนาถึงเนื้อผ้าและบันทึกการเคลื่อนไหว” เดอกาส์กล่าว ดูเหมือนฉากชีวิตของนักเต้นจะถูกสอดแนม สาวๆ ไม่ได้โพสท่าเพื่อศิลปิน แต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของบรรยากาศที่ Degas จ้องมอง “Resting Dancer” ถูกขายไปในราคา 28 ล้านดอลลาร์ในปี 1999 และไม่ถึง 10 ปีต่อมาก็ถูกซื้อไปในราคา 37 ล้านดอลลาร์ ปัจจุบันเป็นผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินรายนี้ที่เคยนำออกประมูล เดอกาส์ให้ความสนใจอย่างมากกับเฟรม ออกแบบด้วยตัวเองและห้ามไม่ให้มีการเปลี่ยนแปลง ฉันสงสัยว่าภาพวาดขายเฟรมอะไร?

24

"จิตรกรรม"

ผู้เขียน

โจน มิโร

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1893–1983
สไตล์ ศิลปะนามธรรม

ในช่วงสงครามกลางเมืองสเปน ศิลปินอยู่ฝ่ายรีพับลิกัน ในปี 1937 เขาหนีจากระบอบฟาสซิสต์ไปยังปารีส ซึ่งเขาอาศัยอยู่อย่างยากจนกับครอบครัว ในช่วงเวลานี้ Miro วาดภาพ "Help Spain!" ซึ่งดึงดูดความสนใจของคนทั้งโลกไปที่การปกครองของลัทธิฟาสซิสต์

89x115 ซม
2470
ราคา
36.824 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2012
ในการประมูล ซอเธบีส์

ชื่อที่สองของภาพวาดคือ "Blue Star" ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกันเมื่อเขาประกาศว่า: "ฉันอยากจะฆ่าภาพวาด" และเยาะเย้ยผืนผ้าใบอย่างไร้ความปราณีเกาสีด้วยตะปูติดขนบนผืนผ้าใบปิดงานด้วยขยะ เป้าหมายของเขาคือการหักล้างตำนานเกี่ยวกับความลึกลับของการวาดภาพ แต่เมื่อจัดการกับสิ่งนี้ได้ Miro ได้สร้างตำนานของตัวเองขึ้นมา - นามธรรมเหนือจริง “จิตรกรรม” ของเขาอยู่ในวัฏจักรของ “ภาพวาดในฝัน” ในการประมูล ผู้ซื้อสี่รายต่อสู้เพื่อสิ่งนี้ แต่การโทรโดยไม่ระบุตัวตนสายหนึ่งช่วยแก้ไขข้อโต้แย้งได้ และ "ภาพวาด" กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน

25

"บลูโรส"

ผู้เขียน

อีฟ ไคลน์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1928–1962
สไตล์ จิตรกรรมเอกรงค์

ศิลปินเกิดในครอบครัวจิตรกร แต่ศึกษาภาษาตะวันออก การนำทาง งานฝีมือปิดทอง พุทธศาสนานิกายเซน และอื่นๆ อีกมากมาย บุคลิกและการแสดงตลกหน้าด้านของเขาน่าสนใจมากกว่าภาพวาดเอกรงค์หลายเท่า

153x199x16 ซม
1960
ราคา
36.779 ล้านดอลลาร์
ขายในปี 2012
ในการประมูลของคริสตี้

นิทรรศการครั้งแรกที่จัดแสดงผลงานประเภทเอกรงค์เดียวสีเหลือง สีส้ม และสีชมพูไม่ได้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชน ไคลน์รู้สึกขุ่นเคืองและครั้งต่อไปได้นำเสนอผืนผ้าใบที่เหมือนกัน 11 ผืนซึ่งวาดด้วยอุลตรามารีนผสมกับเรซินสังเคราะห์พิเศษ เขายังจดสิทธิบัตรวิธีนี้ด้วยซ้ำ สีนี้ลงไปในประวัติศาสตร์ว่า “สีน้ำเงินไคลน์สากล” ศิลปินยังขายความว่างเปล่า สร้างภาพวาดโดยนำกระดาษไปตากฝน จุดไฟเผากระดาษแข็ง พิมพ์ภาพร่างของบุคคลบนผืนผ้าใบ กล่าวอีกนัยหนึ่ง ฉันทดลองอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ ในการสร้าง “กุหลาบสีน้ำเงิน” ฉันใช้เม็ดสีแห้ง เรซิน กรวด และฟองน้ำธรรมชาติ

26

“ตามหาโมเสส”

ผู้เขียน

เซอร์ ลอว์เรนซ์ อัลมา-ทาเดมา

ประเทศ บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1836–1912
สไตล์ นีโอคลาสสิก

เซอร์ลอว์เรนซ์เองก็เพิ่มคำนำหน้าว่า "อัลมา" ในนามสกุลของเขาเพื่อที่เขาจะได้อยู่ในรายชื่ออันดับแรกในแคตตาล็อกศิลปะ ในอังกฤษในยุควิกตอเรีย ภาพวาดของเขาเป็นที่ต้องการอย่างมากจนศิลปินได้รับรางวัลอัศวิน

213.4x136.7 ซม
2445
ราคา
35.922 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ซอเธบีส์

แก่นหลักของงานของ Alma-Tadema คือสมัยโบราณ ในภาพวาดของเขาเขาพยายามพรรณนาถึงยุคของจักรวรรดิโรมันในรายละเอียดที่เล็กที่สุดด้วยเหตุนี้เขาจึงได้ทำการขุดค้นทางโบราณคดีบนคาบสมุทร Apennine และในบ้านในลอนดอนของเขาเขาได้สร้างการตกแต่งภายในทางประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา วิชาในตำนานกลายเป็นอีกแหล่งหนึ่งของแรงบันดาลใจสำหรับเขา ศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากการตายเขาก็ถูกลืมไปอย่างรวดเร็ว ขณะนี้ความสนใจกำลังฟื้นขึ้นมา โดยเห็นได้จากราคาของภาพวาด "In Search of Moses" ซึ่งสูงกว่าประมาณการก่อนการขายถึงเจ็ดเท่า

27

“ภาพเจ้าหน้าที่นอนเปลือยเปล่า”

ผู้เขียน

ลูเซียน ฟรอยด์

ประเทศ เยอรมนี,
บริเตนใหญ่
ปีแห่งชีวิต 1922–2011
สไตล์ การวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง

ศิลปินเป็นหลานชายของซิกมันด์ ฟรอยด์ บิดาแห่งจิตวิเคราะห์ หลังจากการสถาปนาลัทธิฟาสซิสต์ในเยอรมนี ครอบครัวของเขาก็อพยพไปยังบริเตนใหญ่ ผลงานของฟรอยด์อยู่ในพิพิธภัณฑ์ Wallace Collection ในลอนดอน ซึ่งไม่เคยมีศิลปินร่วมสมัยเคยจัดแสดงมาก่อน

219.1x151.4 ซม
1995
ราคา
33.6 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ของคริสตี้

ในขณะที่ศิลปินแนวแฟชั่นแห่งศตวรรษที่ 20 สร้างสรรค์ "จุดสีบนผนัง" ที่เป็นบวกและขายได้ในราคาหลายล้าน ฟรอยด์ก็วาดภาพที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่งและขายในราคาที่มากกว่านั้น “ฉันจับภาพเสียงร้องของจิตวิญญาณและความทุกข์ทรมานของเนื้อหนังที่ซีดจาง” เขากล่าว นักวิจารณ์เชื่อว่าทั้งหมดนี้คือ "มรดก" ของซิกมันด์ ฟรอยด์ ภาพวาดดังกล่าวได้รับการจัดแสดงและจำหน่ายอย่างประสบความสำเร็จจนผู้เชี่ยวชาญเริ่มสงสัยว่าภาพเหล่านี้มีคุณสมบัติในการสะกดจิตหรือไม่? ตามข้อมูลของ Sun ระบุว่า The Portrait of a Nude Sleeping Official ซึ่งขายทอดตลาด ถูกซื้อโดยนักเลงด้านความงามและมหาเศรษฐี Roman Abramovich

28

"ไวโอลินและกีตาร์"

ผู้เขียน

เอ็กซ์กริสหนึ่งคน

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1887–1927
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

เกิดที่กรุงมาดริด ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ในปี 1906 เขาย้ายไปปารีสและเข้าสู่แวดวงศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งยุค: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger และยังทำงานร่วมกับ Sergei Diaghilev และคณะของเขาด้วย

5x100 ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
28.642 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ของคริสตี้

ตามคำพูดของเขาเอง Gris มีส่วนร่วมใน "สถาปัตยกรรมแบบระนาบและมีสีสัน" ภาพวาดของเขาคิดออกมาอย่างแม่นยำ: เขาไม่ได้ทิ้งจังหวะสุ่มแม้แต่เส้นเดียวซึ่งทำให้ความคิดสร้างสรรค์คล้ายกับเรขาคณิต ศิลปินได้สร้างลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในเวอร์ชันของเขาเอง แม้ว่าเขาจะเคารพปาโบล ปิกัสโซ บิดาผู้ก่อตั้งขบวนการนี้เป็นอย่างมากก็ตาม ผู้สืบทอดยังอุทิศผลงานชิ้นแรกของเขาในรูปแบบคิวบิสม์ "Tribute to Picasso" ให้กับเขาด้วย ภาพวาด “ไวโอลินและกีตาร์” ได้รับการยกย่องว่ามีความโดดเด่นในผลงานของศิลปิน ในช่วงชีวิตของเขา Gris มีชื่อเสียงและได้รับการสนับสนุนจากนักวิจารณ์และนักวิจารณ์ศิลปะ ผลงานของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและจัดเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัว

29

"ภาพเหมือนทุ่งแห่งเอลูอาร์ด"

ผู้เขียน

ซัลวาดอร์ ดาลี

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1904–1989
สไตล์ สถิตยศาสตร์

“ฉันคือสถิตยศาสตร์” ต้าหลี่กล่าวเมื่อเขาถูกไล่ออกจากกลุ่มสถิตยศาสตร์ เมื่อเวลาผ่านไป เขากลายเป็นศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ที่โด่งดังที่สุด งานของต้าหลี่มีอยู่ทั่วไป ไม่ใช่แค่ในแกลเลอรีเท่านั้น ตัวอย่างเช่นเขาเป็นคนคิดบรรจุภัณฑ์สำหรับ Chupa Chups

25x33 ซม
2472
ราคา
20.6 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2011
ในการประมูล ซอเธบีส์

ในปี 1929 กวี Paul Eluard และ Gala ภรรยาของเขาชาวรัสเซียมาเยี่ยม Dali ผู้ยั่วยุและนักสู้ผู้ยิ่งใหญ่ การพบกันถือเป็นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวความรักที่ยาวนานกว่าครึ่งศตวรรษ ภาพวาด “ภาพเหมือนของพอล เอลูอาร์ด” ถูกวาดขึ้นในระหว่างการเยือนครั้งประวัติศาสตร์ครั้งนี้ “ฉันรู้สึกว่าฉันได้รับความไว้วางใจให้รับผิดชอบในการถ่ายภาพใบหน้าของกวีผู้นี้ ซึ่งฉันได้ขโมยเพลงจากโอลิมปัสไป” ศิลปินกล่าว ก่อนที่จะพบกับกาล่า เขาเป็นสาวพรหมจารีและรู้สึกเบื่อหน่ายกับความคิดเรื่องเซ็กส์กับผู้หญิง รักสามเส้าเกิดขึ้นจนกระทั่ง Eluard เสียชีวิต หลังจากนั้นจึงกลายเป็นเพลงคู่ Dali-Gala

30

"วันครบรอบปี"

ผู้เขียน

มาร์ค ชากัล

ประเทศ รัสเซีย,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1887–1985
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด

Moishe Segal เกิดที่เมือง Vitebsk แต่ในปี 1910 เขาอพยพไปปารีส เปลี่ยนชื่อ และใกล้ชิดกับศิลปินแนวหน้าชั้นนำแห่งยุคนั้น ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ระหว่างที่พวกนาซียึดอำนาจ เขาเดินทางไปสหรัฐอเมริกาโดยได้รับความช่วยเหลือจากกงสุลอเมริกัน เขากลับไปฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2491 เท่านั้น

80x103 ซม
2466
ราคา
14.85 ล้านดอลลาร์
ขายไปเมื่อปี 1990
ในการประมูลของ Sotheby

ภาพวาด “วันครบรอบ” ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน มันมีคุณลักษณะทั้งหมดของงานของเขา: กฎทางกายภาพของโลกถูกลบทิ้ง, ความรู้สึกของเทพนิยายถูกเก็บรักษาไว้ในทิวทัศน์ของชีวิตชนชั้นกลางและความรักเป็นศูนย์กลางของโครงเรื่อง Chagall ไม่ได้ดึงผู้คนมาจากชีวิต แต่ดึงมาจากความทรงจำหรือจินตนาการเท่านั้น ภาพวาด "วันครบรอบ" พรรณนาถึงตัวศิลปินเองและเบลาภรรยาของเขา ภาพวาดนี้ถูกขายในปี 1990 และยังไม่มีการประมูลตั้งแต่นั้นมา สิ่งที่น่าสนใจคือพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่นิวยอร์ก MoMA เป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์เดียวกันทุกประการ โดยใช้ชื่อว่า "วันเกิด" เท่านั้น โดยวิธีการนี้เขียนไว้ก่อนหน้านี้ - ในปี 1915

ได้เตรียมโครงการ
ตาเตียนา ปาลาโซวา
ได้รวบรวมเรตติ้งแล้ว
ตามรายการ www.art-spb.ru
นิตยสาร ทีเอ็มเอ็น ฉบับที่ 13 (พฤษภาคม-มิถุนายน 2556)

บทความนี้ให้คำอธิบายโดยย่อเกี่ยวกับรูปแบบศิลปะหลักของศตวรรษที่ 20 การรู้ทั้งศิลปินและนักออกแบบจะเป็นประโยชน์

สมัยใหม่ (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่สมัยใหม่)

ในงานศิลปะ ชื่อรวมของกระแสทางศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในรูปแบบของความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ ซึ่งไม่ได้เป็นไปตามจิตวิญญาณของธรรมชาติและประเพณีที่มีอยู่อีกต่อไปอีกต่อไป แต่เป็นไปตามความเป็นอิสระ การจ้องมองของปรมาจารย์มีอิสระที่จะเปลี่ยนแปลงโลกที่มองเห็นได้ตามดุลยพินิจของเขาเองตามความประทับใจส่วนตัวความคิดภายในหรือความฝันที่ลึกลับ (แนวโน้มเหล่านี้ส่วนใหญ่ยังคงเป็นแนวโรแมนติก) ทิศทางที่สำคัญที่สุดและมักโต้ตอบกันอย่างแข็งขันคืออิมเพรสชันนิสม์ สัญลักษณ์นิยม และสมัยใหม่ ในการวิจารณ์ของสหภาพโซเวียต แนวคิดเรื่อง "สมัยใหม่" ถูกนำไปใช้ในทางที่ผิดประวัติศาสตร์กับการเคลื่อนไหวทางศิลปะทั้งหมดในศตวรรษที่ 20 ที่ไม่สอดคล้องกับหลักการของสัจนิยมสังคมนิยม

ลัทธินามธรรม(ศิลปะภายใต้สัญลักษณ์ของ "รูปแบบศูนย์" ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์) เป็นทิศทางศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 โดยละทิ้งการสร้างรูปแบบของโลกที่มองเห็นได้จริงโดยสิ้นเชิง ผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรมจึงนับได้ว่า V. Kandinsky, P. มอนเดรียน และ เค. มาเลวิช. V. Kandinsky สร้างสรรค์ภาพวาดนามธรรมประเภทของเขาเอง โดยขจัดคราบอิมเพรสชั่นนิสต์และคราบ "ป่า" ออกจากสัญญาณของความเป็นกลาง Piet Mondrian เข้าถึงความไม่เที่ยงธรรมของเขาผ่านรูปแบบทางเรขาคณิตของธรรมชาติที่ริเริ่มโดย Cézanne และ Cubists ขบวนการสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 มุ่งเน้นไปที่นามธรรมนิยม แยกตัวออกจากหลักการดั้งเดิมโดยสิ้นเชิง ปฏิเสธความสมจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงอยู่ในกรอบของศิลปะ ประวัติศาสตร์ศิลปะประสบกับการปฏิวัติด้วยการถือกำเนิดของศิลปะนามธรรม แต่การปฏิวัติครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ และถูกทำนายโดยเพลโต! ในงานล่าสุดของเขา Philebus เขาเขียนเกี่ยวกับความงามของเส้น พื้นผิว และรูปแบบเชิงพื้นที่ในตัวเอง โดยไม่ขึ้นอยู่กับการเลียนแบบวัตถุที่มองเห็นได้จากการเลียนแบบใดๆ ความงามทางเรขาคณิตประเภทนี้ไม่เหมือนกับความงามของรูปแบบ "ผิดปกติ" ตามธรรมชาติตามที่เพลโตกล่าวไว้ว่าไม่สัมพันธ์กัน แต่ไม่มีเงื่อนไขและสัมบูรณ์

ลัทธิแห่งอนาคต- ขบวนการวรรณกรรมและศิลปะในศิลปะแห่งทศวรรษ 1910 การมอบหมายบทบาทของต้นแบบของศิลปะแห่งอนาคตลัทธิอนาคตนิยมเป็นโปรแกรมหลักได้หยิบยกแนวคิดในการทำลายแบบแผนทางวัฒนธรรมและเสนอคำขอโทษต่อเทคโนโลยีและการขยายตัวของเมืองแทนเป็นสัญญาณหลักของปัจจุบันและอนาคต . แนวคิดทางศิลปะที่สำคัญของลัทธิแห่งอนาคตคือการค้นหาการแสดงออกทางพลาสติกของความเร็วของการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นสัญญาณหลักของก้าวของชีวิตสมัยใหม่ ลัทธิแห่งอนาคตนิยมเวอร์ชันรัสเซียเรียกว่าไซโบฟิวเจอร์ริซึมและมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างหลักการพลาสติกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศสและหลักสุนทรียภาพทั่วไปของลัทธิอนาคตนิยมแบบยุโรป ศิลปินพยายามที่จะแสดงความประทับใจที่หลากหลายของบุคคลร่วมสมัยซึ่งเป็นชาวเมืองโดยใช้จุดตัด การเปลี่ยนแปลง การชนกัน และการไหลเข้าของรูปแบบ

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม- "การปฏิวัติทางศิลปะที่สมบูรณ์และรุนแรงที่สุดนับตั้งแต่ยุคเรอเนซองส์" (J. Golding) ศิลปิน: ปิกัสโซ ปาโบล, จอร์จ บราเก, เฟอร์นันด์ เลเกอร์ โรเบิร์ต เดโลเนย์, ฮวน กริส, ไกลเซส เมตซิงเกอร์. ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม - (ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศส จากคิวบ์ - คิวบ์) ทิศทางในงานศิลปะของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ภาษาพลาสติกของคิวบิสม์มีพื้นฐานมาจากการเปลี่ยนรูปและการสลายตัวของวัตถุให้กลายเป็นระนาบเรขาคณิต ซึ่งเป็นการเปลี่ยนรูปร่างแบบพลาสติก ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนหลงใหลในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยมักจะผสมผสานหลักการของมันเข้ากับเทคนิคของกระแสศิลปะสมัยใหม่อื่น ๆ - ลัทธิแห่งอนาคตและลัทธิดั้งเดิม การตีความคิวบิสม์ในเวอร์ชันเฉพาะบนดินรัสเซียได้กลายเป็นคิวโบฟิวเจอร์สม์

ความพิถีพิถัน- (ความพิถีพิถันแบบฝรั่งเศสจากภาษาละติน purus - บริสุทธิ์) การเคลื่อนไหวในภาพวาดภาษาฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษ 1910-20 ตัวแทนหลักคือศิลปิน อ. โอซานฟานและสถาปนิก เอส.อี. ฌานเนเรต์ (เลอ กอร์บูซิเยร์). โดยปฏิเสธแนวโน้มการตกแต่งของลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์และการเคลื่อนไหวแนวหน้าอื่นๆ ในช่วงทศวรรษ 1910 และความผิดปกติของธรรมชาติที่พวกเขายอมรับ นักพิถีพิถันพยายามดิ้นรนเพื่อถ่ายโอนรูปแบบวัตถุที่มั่นคงและพูดน้อยอย่างมีเหตุมีผล ราวกับว่า "สะอาด" ของรายละเอียด ไปเป็นการวาดภาพของ องค์ประกอบ "หลัก" ผลงานของนักพิถีพิถันมีลักษณะเฉพาะคือความเรียบ จังหวะที่ราบรื่นของเงาแสง และรูปทรงของวัตถุที่คล้ายกัน (เหยือก แก้ว ฯลฯ) หลักการทางศิลปะของความพิถีพิถันที่ได้รับการคิดใหม่อย่างมีนัยสำคัญนั้นไม่ได้รับการพัฒนาในรูปแบบขาตั้ง ซึ่งสะท้อนให้เห็นบางส่วนในสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ โดยส่วนใหญ่อยู่ในอาคารของเลอกอร์บูซีเยร์

ลัทธิเซอร์เรียลิสม์- ขบวนการสากลในด้านวรรณคดี จิตรกรรม และภาพยนตร์ เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2467 ในฝรั่งเศส และสิ้นสุดการดำรงอยู่อย่างเป็นทางการในปี พ.ศ. 2512 มันมีส่วนสำคัญต่อการก่อตัวของจิตสำนึกของมนุษย์ยุคใหม่ บุคคลสำคัญในการเคลื่อนไหวได้แก่ อังเดร เบรตัน- นักเขียน ผู้นำ และผู้สร้างแรงบันดาลใจในอุดมการณ์ของขบวนการ หลุยส์ อารากอน- หนึ่งในผู้ก่อตั้งสถิตยศาสตร์ซึ่งต่อมาได้กลายมาเป็นนักร้องลัทธิคอมมิวนิสต์ในทางที่แปลกประหลาด ซัลวาดอร์ ดาลี- ศิลปิน นักทฤษฎี กวี นักเขียนบท ผู้ซึ่งกำหนดแก่นแท้ของการเคลื่อนไหวด้วยคำว่า "สถิตยศาสตร์คือฉัน!" ผู้สร้างภาพยนตร์ที่เหนือจริงอย่างยิ่ง หลุยส์ บูนูเอล, ศิลปิน โจน มิโร- “ขนนกที่สวยที่สุดบนหมวกแห่งสถิตยศาสตร์” ดังที่เบรอตงและศิลปินคนอื่นๆ ทั่วโลกเรียกมันว่า

ลัทธิโฟวิสม์(จากภาษาฝรั่งเศส les fauves - ป่า (สัตว์)) ทิศทางท้องถิ่นในการวาดภาพในช่วงต้น ศตวรรษที่ XX ชื่อ F. ได้รับการเยาะเย้ยให้กับกลุ่มศิลปินหนุ่มชาวปารีส ( อ. มาตีส, อ. เดเรน, เอ็ม. วลามินค์, อ. มาร์เช่, E.O. ฟรีซ, เจ. บราเก, เอ.ช. แมงเกน, เค. ฟาน ดอนเกน) ซึ่งเข้าร่วมในนิทรรศการหลายครั้งตั้งแต่ปี 1905 ถึง 1907 หลังจากนิทรรศการครั้งแรกในปี 1905 ชื่อนี้ได้รับการยอมรับจากกลุ่มเองและเป็นที่ยอมรับอย่างมั่นคง การเคลื่อนไหวนี้ไม่มีโปรแกรม แถลงการณ์ หรือทฤษฎีของตัวเองที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน และใช้เวลาไม่นาน แต่ก็ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะ ผู้เข้าร่วมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาต่างรวมตัวกันด้วยความปรารถนาที่จะสร้างภาพศิลปะโดยเฉพาะด้วยความช่วยเหลือของสีเปิดที่สว่างมาก การพัฒนาความสำเร็จทางศิลปะของนักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ( เซซาน, โกแกง, แวนโก๊ะ) โดยอาศัยเทคนิคที่เป็นทางการบางประการของศิลปะยุคกลาง (กระจกสี ศิลปะโรมาเนสก์) และการแกะสลักของญี่ปุ่น ซึ่งเป็นที่นิยมในแวดวงศิลปะในฝรั่งเศสตั้งแต่สมัยอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกโฟวิสต์พยายามที่จะใช้ความเป็นไปได้ในการวาดภาพให้เกิดประโยชน์สูงสุด

การแสดงออก(จากสำนวนภาษาฝรั่งเศส - การแสดงออก) - ขบวนการสมัยใหม่ในศิลปะยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่ในเยอรมนีในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ช่วงหนึ่ง - ก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง รากฐานทางอุดมการณ์ของการแสดงออกคือการประท้วงแบบปัจเจกชนต่อโลกที่น่าเกลียด ความแปลกแยกของมนุษย์ที่เพิ่มขึ้นจากโลก ความรู้สึกไร้ที่อยู่อาศัย การล่มสลาย และการล่มสลายของหลักการเหล่านั้นซึ่งวัฒนธรรมยุโรปดูเหมือนจะอยู่อย่างมั่นคง นักแสดงออกมีลักษณะพิเศษคือมีความสัมพันธ์กับเวทย์มนต์และการมองโลกในแง่ร้าย เทคนิคทางศิลปะที่เป็นลักษณะของการแสดงออก: การปฏิเสธพื้นที่มายา, ความปรารถนาที่จะตีความวัตถุแบบแบน, ความผิดปกติของวัตถุ, ความรักในความไม่สอดคล้องกันของสีสันที่คมชัด, การระบายสีพิเศษที่มีละครสันทราย ศิลปินมองว่าความคิดสร้างสรรค์เป็นวิธีหนึ่งในการแสดงอารมณ์

ลัทธิสุพรีมาติสต์(จากภาษาละติน supremus - สูงสุด, สูงสุด; อันดับแรก; สุดท้าย, สุดขั้ว, ชัดเจน, ผ่าน supremacja ของโปแลนด์ - ความเหนือกว่า, อำนาจสูงสุด) ทิศทางของศิลปะแนวหน้าของหนึ่งในสามแรกของศตวรรษที่ 20 ผู้สร้าง ตัวแทนหลัก และนักทฤษฎีซึ่ง เป็นศิลปินชาวรัสเซีย คาซิเมียร์ มาเลวิช. คำนี้ไม่ได้สะท้อนถึงแก่นแท้ของลัทธิสุพรีมาติซึม อันที่จริงตามความเข้าใจของ Malevich นี่เป็นลักษณะเชิงประเมิน ลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนาศิลปะบนเส้นทางแห่งการปลดปล่อยจากทุกสิ่งที่นอกเหนือจากศิลปะ บนเส้นทางแห่งการระบุตัวตนขั้นสุดท้ายของสิ่งที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์ ในฐานะแก่นแท้ของศิลปะใดๆ ในแง่นี้ Malevich ถือว่าศิลปะประดับแบบดั้งเดิมเป็นลัทธิสูงสุด (หรือ "ลัทธิสูงสุด") ครั้งแรกที่เขาใช้คำนี้กับภาพวาดกลุ่มใหญ่ของเขา (39 ภาพขึ้นไป) ที่แสดงถึงนามธรรมทางเรขาคณิต รวมถึง “จัตุรัสสีดำ” อันโด่งดังบนพื้นหลังสีขาว “Black Cross” ฯลฯ ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการแห่งอนาคตของเปโตรกราด “Zero- สิบ” ในปี 1915 มันเป็นนามธรรมทางเรขาคณิตเหล่านี้และที่คล้ายกันที่ก่อให้เกิดชื่อ Suprematism แม้ว่า Malevich เองจะถือว่าผลงานของเขาหลายชิ้นในยุค 20 ของเขาซึ่งภายนอกมีวัตถุเฉพาะบางรูปแบบโดยเฉพาะร่างมนุษย์ แต่ยังคงอยู่ “จิตวิญญาณของลัทธิซูพรีมาติสต์” และในความเป็นจริงการพัฒนาทางทฤษฎีในเวลาต่อมาของ Malevich ไม่ได้ให้เหตุผลในการลดลัทธิ Suprematism (อย่างน้อยโดย Malevich เอง) เฉพาะกับนามธรรมทางเรขาคณิตเท่านั้นแม้ว่าแน่นอนว่าพวกมันจะประกอบด้วยแกนกลางสาระสำคัญและแม้แต่ (ขาวดำและขาว - white Suprematism) นำการวาดภาพมาจนถึงขีดจำกัดของการดำรงอยู่โดยทั่วไปในฐานะรูปแบบหนึ่งของศิลปะ นั่นคือ ไปสู่ศูนย์ภาพ ซึ่งเกินกว่าที่จะไม่มีการวาดภาพอีกต่อไป เส้นทางนี้ดำเนินต่อไปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษด้วยกระแสนิยมมากมายในกิจกรรมทางศิลปะที่ละทิ้งพู่กัน สี และผ้าใบ

ภาษารัสเซีย เปรี้ยวจี๊ดคริสต์ทศวรรษ 1910 นำเสนอภาพที่ค่อนข้างซับซ้อน โดดเด่นด้วยการเปลี่ยนแปลงสไตล์และเทรนด์อย่างรวดเร็ว กลุ่มและสมาคมของศิลปินมากมาย ซึ่งแต่ละแห่งประกาศแนวคิดความคิดสร้างสรรค์ของตัวเอง สิ่งที่คล้ายกันเกิดขึ้นในภาพวาดของยุโรปเมื่อต้นศตวรรษ อย่างไรก็ตาม การผสมผสานของสไตล์ "ความสับสน" ของแนวโน้มและทิศทางนั้นไม่เป็นที่รู้จักของชาวตะวันตก ซึ่งการเคลื่อนไหวไปสู่รูปแบบใหม่มีความสอดคล้องกันมากขึ้น ปรมาจารย์รุ่นใหม่หลายคนเคลื่อนไหวด้วยความเร็วพิเศษจากสไตล์หนึ่งไปอีกสไตล์จากเวทีหนึ่งไปอีกเวทีหนึ่งจากอิมเพรสชั่นนิสม์ไปจนถึงสมัยใหม่จากนั้นไปจนถึงลัทธิดั้งเดิมลัทธิคิวบิสม์หรือการแสดงออกโดยต้องผ่านหลายขั้นตอนซึ่งถือว่าผิดปกติอย่างสิ้นเชิงสำหรับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพฝรั่งเศสหรือเยอรมัน . สถานการณ์ที่พัฒนาขึ้นในการวาดภาพของรัสเซียส่วนใหญ่เนื่องมาจากบรรยากาศก่อนการปฏิวัติในประเทศ มันทำให้ความขัดแย้งหลายประการที่มีอยู่ในงานศิลปะยุโรปโดยรวมรุนแรงขึ้นเพราะว่า ศิลปินชาวรัสเซียเรียนรู้จากนางแบบชาวยุโรปและคุ้นเคยกับโรงเรียนและขบวนการทางศิลปะต่างๆ "การระเบิด" ของรัสเซียที่แปลกประหลาดในชีวิตศิลปะจึงมีบทบาททางประวัติศาสตร์ ภายในปี 1913 ศิลปะรัสเซียได้ก้าวเข้าสู่ขอบเขตและขอบเขตใหม่ๆ ปรากฏการณ์ใหม่ของการไม่เป็นกลางปรากฏขึ้น - เส้นที่เกินกว่าที่นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมชาวฝรั่งเศสไม่กล้าข้าม พวกเขาข้ามเส้นนี้ทีละคน: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

ลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์ ทิศทางท้องถิ่นในเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย (ในภาพวาดและบทกวี) ของต้นศตวรรษที่ 20 ในวิจิตรศิลป์ ลัทธิคิวโบ-ฟิวเจอร์ริสม์เกิดขึ้นบนพื้นฐานของการคิดใหม่เกี่ยวกับการค้นพบด้วยภาพ ลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม และลัทธินีโอดึกดำบรรพ์ของรัสเซีย ผลงานหลักที่ถูกสร้างขึ้นในช่วง พ.ศ. 2454-2458 ภาพวาดที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของ Cubo-Futurism มาจากพู่กันของ K. Malevich และยังวาดโดย Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster ผลงานคิวโบฟิวเจอร์ริสต์ชิ้นแรกของ Malevich ถูกจัดแสดงในนิทรรศการอันโด่งดังในปี 1913 “ เป้าหมาย” ซึ่งการฉายรังสีของ Larionov ก็เปิดตัวเช่นกัน ในลักษณะที่ปรากฏ ผลงานคิวโบ-ฟิวเจอร์ริสต์สะท้อนองค์ประกอบของ F. Léger ที่สร้างขึ้นในเวลาเดียวกัน และเป็นองค์ประกอบกึ่งวัตถุประสงค์ที่ประกอบด้วยรูปแบบสีปริมาตรกลวงรูปทรงกระบอก ทรงกรวย ทรงขวด ซึ่งมักมีความแวววาวของโลหะ ในงานแรกที่คล้ายกันของ Malevich มีแนวโน้มที่จะเปลี่ยนจากจังหวะธรรมชาติไปเป็นจังหวะเชิงกลของโลกของเครื่องจักรอย่างเห็นได้ชัด (“ The Carpenter”, 1912, “ The Grind”, 1912, “ Portrait of Klyun”, 1913) .

นีโอพลาสติกนิยม- หนึ่งในงานศิลปะนามธรรมในยุคแรก ๆ สร้างขึ้นในปี 1917 โดยจิตรกรชาวดัตช์ P. Mondrian และศิลปินคนอื่นๆ ที่เป็นสมาชิกของสมาคม "Style" ตามที่ผู้สร้างระบุ Neoplasticism นั้นมีลักษณะเฉพาะโดยความปรารถนาที่จะ "ความสามัคคีสากล" ซึ่งแสดงออกด้วยการผสมผสานที่สมดุลอย่างเคร่งครัดของรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าขนาดใหญ่แยกจากกันอย่างชัดเจนด้วยเส้นตั้งฉากสีดำและทาสีด้วยสีท้องถิ่นของสเปกตรัมหลัก (ด้วยการเติมสีขาว และโทนสีเทา) Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) คำนี้ปรากฏในฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 20 พีต มอนเดรียนกำหนดแนวคิดเกี่ยวกับพลาสติกสำหรับพวกเขา สร้างขึ้นในระบบและได้รับการปกป้องโดยกลุ่มและนิตยสาร "Style" (“De Stiji”) ที่ก่อตั้งในเมืองไลเดนในปี 1917 คุณลักษณะหลักของ neoplasticism คือการใช้วิธีการแสดงออกอย่างเข้มงวด ในการสร้างแบบฟอร์ม นีโอพลาสติกนิยมอนุญาตเฉพาะเส้นแนวนอนและแนวตั้งเท่านั้น เส้นตัดกันที่มุมฉากเป็นหลักการแรก ประมาณปี 1920 ได้มีการเพิ่มอันที่สองเข้าไป ซึ่งโดยการเอาพู่กันออกและเน้นระนาบ จะเป็นการจำกัดสีไว้ที่สีแดง น้ำเงิน และเหลือง เช่น แม่สีบริสุทธิ์สามสีซึ่งสามารถเติมได้เฉพาะสีขาวและสีดำเท่านั้น ด้วยความช่วยเหลือจากความเข้มงวดนี้ นีโอพลาสติกนิยมตั้งใจที่จะก้าวข้ามความเป็นปัจเจกบุคคลเพื่อบรรลุความเป็นสากลนิยม และด้วยเหตุนี้จึงสร้างภาพใหม่ของโลก

"การบัพติศมา" อย่างเป็นทางการ ลัทธิผีปิศาจเกิดขึ้นที่ Salon of Independents ในปี 1913 ดังนั้นนักวิจารณ์ Roger Allard เขียนในรายงานของเขาเกี่ยวกับ Salon: "... ขอให้เราสังเกตสำหรับนักประวัติศาสตร์ในอนาคตว่าในปี 1913 โรงเรียน Orphism แห่งใหม่ถือกำเนิดขึ้น ... " ("La Cote" ปารีส 19 มีนาคม 2456) นักวิจารณ์อีกคน Andre Varnaud สะท้อนเขาว่า: "The Salon of 1913 ถูกทำเครื่องหมายด้วยการกำเนิดโรงเรียนใหม่ของโรงเรียน Orphic" ("Comoedia" Paris 18 มีนาคม 1913) ในที่สุด กิโยม อปอลลิแนร์เสริมข้อความนี้ด้วยการอุทานอย่างไม่ภาคภูมิใจ: “นี่คือออร์ฟิสซึม นี่เป็นครั้งแรกที่ทิศทางนี้ซึ่งฉันคาดการณ์ไว้ปรากฏขึ้น” (“Montjoie!” ภาคผนวกของปารีสถึงวันที่ 18 มีนาคม พ.ศ. 2456) อันที่จริงคำนี้ถูกประดิษฐ์ขึ้น อพอลลิแนร์(Orphism เป็นลัทธิของ Orpheus) และได้รับการกล่าวถึงต่อสาธารณะเป็นครั้งแรกในระหว่างการบรรยายเกี่ยวกับจิตรกรรมสมัยใหม่ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2455 เขาหมายถึงอะไร? ดูเหมือนเขาจะไม่รู้ด้วยตัวเอง ยิ่งไปกว่านั้น ฉันไม่รู้ว่าจะกำหนดขอบเขตของทิศทางใหม่นี้อย่างไร ในความเป็นจริงความสับสนที่ครอบงำมาจนถึงทุกวันนี้เกิดจากการที่ Apollinaire สับสนสองปัญหาโดยไม่รู้ตัวซึ่งเชื่อมโยงถึงกันแน่นอน แต่ก่อนที่จะพยายามเชื่อมโยงพวกเขาเขาควรเน้นย้ำความแตกต่างของพวกเขาก่อน ในด้านหนึ่งคือการสร้าง เดลาเนย์วิธีการแสดงออกด้วยภาพทั้งหมดขึ้นอยู่กับสีและในทางกลับกัน การขยายตัวของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมอันเนื่องมาจากการเกิดขึ้นของทิศทางที่แตกต่างกันหลายประการ หลังจากแยกทางกับ Marie Laurencin ในช่วงปลายฤดูร้อนปี 1912 Apollinaire ได้ขอลี้ภัยไปอยู่กับครอบครัว Delaunay ผู้ซึ่งต้อนรับเขาด้วยความเข้าใจฉันมิตรในเวิร์คช็อปของพวกเขาที่ Rue Grand-Augustin ในฤดูร้อนนี้ Robert Delaunay และภรรยาของเขาได้สัมผัสกับวิวัฒนาการทางสุนทรีย์อันล้ำลึกซึ่งนำไปสู่สิ่งที่ต่อมาเขาเรียกว่า "ยุคแห่งการทำลายล้าง" ของการวาดภาพโดยอาศัยคุณสมบัติเชิงสร้างสรรค์และเชิงพื้นที่และกาลเวลาของความแตกต่างของสีเท่านั้น

ลัทธิหลังสมัยใหม่ (หลังสมัยใหม่, หลังเปรี้ยวจี๊ด) -

(จากภาษาละตินโพสต์ "หลัง" และสมัยใหม่) ชื่อรวมของกระแสทางศิลปะที่ชัดเจนโดยเฉพาะในทศวรรษ 1960 และโดดเด่นด้วยการแก้ไขจุดยืนของสมัยใหม่และเปรี้ยวจี๊ดอย่างรุนแรง

การแสดงออกเชิงนามธรรมหลังสงคราม (ปลายยุค 40 - 50 ของศตวรรษที่ XX) ขั้นตอนของการพัฒนาศิลปะนามธรรม คำนี้ถูกนำมาใช้ย้อนกลับไปในยุค 20 โดยนักวิจารณ์ศิลปะชาวเยอรมัน อี. วอน ซีโดว์ (E. von Sydow) เพื่ออ้างถึงบางแง่มุมของศิลปะการแสดงออก ในปี 1929 American Barr ใช้มันเพื่ออธิบายลักษณะงานในยุคแรกๆ ของ Kandinsky และในปี 1947 เขาเรียกผลงานชิ้นนี้ว่า "abstract expressionist" วิลเลม เดอ คูนนิ่งและ พอลล็อค. ตั้งแต่นั้นมา แนวคิดเรื่องการแสดงออกเชิงนามธรรมได้ถูกรวมเข้าด้วยกันภายใต้ขอบเขตการวาดภาพนามธรรมที่ค่อนข้างกว้าง มีสไตล์ และทางเทคนิค (และงานประติมากรรมในเวลาต่อมา) ซึ่งได้รับการพัฒนาอย่างรวดเร็วในช่วงทศวรรษที่ 50 ในสหรัฐอเมริกา ยุโรป และทั่วโลก บรรพบุรุษโดยตรงของการแสดงออกทางนามธรรมถือเป็นช่วงต้น คันดินสกี้นักแสดงออก นักออร์ฟิสต์ นักดาดาสต์บางส่วน และนักสถิตยศาสตร์ที่มีหลักการของจิตอัตโนมัติ พื้นฐานทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของการแสดงออกทางนามธรรมส่วนใหญ่เป็นปรัชญาของอัตถิภาวนิยม ซึ่งได้รับความนิยมในช่วงหลังสงคราม

สำเร็จรูป(ภาษาอังกฤษสำเร็จรูป - พร้อม) คำนี้ถูกนำมาใช้ครั้งแรกในพจนานุกรมประวัติศาสตร์ศิลปะโดยศิลปิน มาร์เซล ดูชองป์เพื่อกำหนดผลงานซึ่งเป็นวัตถุที่เป็นประโยชน์ให้พ้นจากสภาพแวดล้อมในการทำงานตามปกติ และนำผลงานศิลปะไปจัดแสดงในนิทรรศการศิลปะเป็นงานศิลปะโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงใดๆ สินค้าสำเร็จรูปยืนยันมุมมองใหม่ของสิ่งของและสิ่งของ วัตถุที่หยุดทำหน้าที่ที่เป็นประโยชน์และรวมอยู่ในบริบทของพื้นที่ศิลปะนั่นคือกลายเป็นวัตถุของการไตร่ตรองที่ไม่เป็นประโยชน์เริ่มเปิดเผยความหมายใหม่และการเคลื่อนไหวเชิงเชื่อมโยงบางอย่างซึ่งไม่รู้จักกับศิลปะแบบดั้งเดิม หรือไปสู่ขอบเขตแห่งการใช้ประโยชน์ในชีวิตประจำวัน ปัญหาเรื่องสัมพัทธภาพระหว่างสุนทรียศาสตร์และประโยชน์ใช้สอยได้เกิดขึ้นอย่างรุนแรง ครั้งแรกที่พร้อมทำ ดูชองป์จัดแสดงในนิวยอร์กในปี พ.ศ. 2456 สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือผลงานสำเร็จรูปของเขา เหล็ก "ล้อจักรยาน" (2456), "เครื่องเป่าขวด" (2457), "น้ำพุ" (2460) - นี่คือวิธีกำหนดโถปัสสาวะธรรมดา

ศิลปะป๊อปหลังสงครามโลกครั้งที่สอง อเมริกาได้พัฒนาชนชั้นทางสังคมจำนวนมากซึ่งมีเงินมากพอที่จะซื้อสินค้าที่ไม่ได้มีความสำคัญต่อพวกเขาเป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่นการบริโภคสินค้า: Coca Cola หรือกางเกงยีนส์ Levi's กลายเป็นคุณลักษณะที่สำคัญของสังคมนี้ คนที่ใช้สิ่งนี้หรือผลิตภัณฑ์นั้นแสดงว่าเขาอยู่ในชนชั้นทางสังคมบางระดับ ขณะนี้วัฒนธรรมมวลชนกำลังก่อตัวขึ้น สิ่งต่างๆ กลายเป็นสัญลักษณ์ แบบเหมารวม ศิลปะป๊อปจำเป็นต้องใช้แบบแผนและสัญลักษณ์ ศิลปะป๊อป(ศิลปะป๊อปอาร์ต) รวบรวมการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของชาวอเมริกันยุคใหม่ซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนหลักการสร้างสรรค์ของ Duchamp นี้: แจสเปอร์ จอห์นส์, เค. โอลเดนเบิร์ก, แอนดี้ วอร์ฮอล, และคนอื่น ๆ. ศิลปะป๊อปได้รับความสำคัญของวัฒนธรรมมวลชน จึงไม่น่าแปลกใจที่มันก่อตัวและกลายเป็นขบวนการศิลปะในอเมริกา คนที่มีใจเดียวกัน: ฮาเมลตัน อาร์ โทน ไชน่าได้รับเลือกให้เป็นผู้มีอำนาจ เคิร์ต ชวีเทอร์ส. ศิลปะป๊อปโดดเด่นด้วยงานมายาที่อธิบายแก่นแท้ของวัตถุ ตัวอย่าง: พาย เค. โอลเดนเบิร์กซึ่งแสดงในรูปแบบต่างๆ ศิลปินอาจไม่ได้พรรณนาถึงพาย แต่เป็นการขจัดภาพลวงตาและแสดงสิ่งที่บุคคลเห็นจริงๆ R. Rauschenberg ก็เป็นต้นฉบับเช่นกัน: เขาติดรูปถ่ายต่าง ๆ ลงบนผืนผ้าใบ ร่างโครงร่างและติดตุ๊กตาสัตว์บางชนิดเข้ากับงาน ผลงานที่โด่งดังชิ้นหนึ่งของเขาคือตุ๊กตาเม่น ภาพวาดของเขาที่เขาใช้รูปถ่ายของ Kenedy ก็เป็นที่รู้จักกันดีเช่นกัน

ลัทธิดั้งเดิม (ศิลปะไร้เดียงสา). แนวคิดนี้ใช้ในความหมายหลายประการ และจริงๆ แล้วเหมือนกับแนวคิดนี้ "ศิลปะดั้งเดิม". ในภาษาต่าง ๆ และโดยนักวิทยาศาสตร์ที่แตกต่างกัน แนวคิดเหล่านี้มักใช้เพื่อกำหนดปรากฏการณ์เดียวกันในวัฒนธรรมศิลปะ ในภาษารัสเซีย (เช่นเดียวกับบางคำ) คำว่า "ดั้งเดิม" มีความหมายเชิงลบบ้าง ดังนั้นจึงเป็นการเหมาะสมกว่าที่จะยึดถือแนวคิดนี้ ศิลปะไร้เดียงสา. ในความหมายที่กว้างที่สุด สิ่งนี้หมายถึงวิจิตรศิลป์ โดยมีลักษณะเฉพาะคือความเรียบง่าย (หรือการทำให้เข้าใจง่าย) ความชัดเจน และความเป็นธรรมชาติอย่างเป็นทางการของภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างและการแสดงออก โดยได้รับความช่วยเหลือในการแสดงวิสัยทัศน์พิเศษของโลก โดยไม่รับภาระจากอนุสัญญาทางอารยธรรม แนวคิดนี้ปรากฏในวัฒนธรรมยุโรปใหม่ในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา และสะท้อนถึงตำแหน่งทางวิชาชีพและแนวคิดของวัฒนธรรมนี้ ซึ่งถือว่าเป็นขั้นตอนการพัฒนาสูงสุด จากตำแหน่งเหล่านี้ ศิลปะไร้เดียงสายังรวมถึงศิลปะโบราณของคนโบราณ (ก่อนอารยธรรมอียิปต์หรือกรีกโบราณ) เช่น ศิลปะดึกดำบรรพ์ ศิลปะของประชาชนล่าช้าในการพัฒนาวัฒนธรรมและอารยธรรม (ประชากรพื้นเมืองของแอฟริกา โอเชียเนีย อเมริกันอินเดียน); ศิลปะมือสมัครเล่นและไม่ใช่มืออาชีพในวงกว้าง (เช่น จิตรกรรมฝาผนังยุคกลางที่มีชื่อเสียงของคาตาโลเนีย หรืองานศิลปะที่ไม่เป็นมืออาชีพของผู้ตั้งถิ่นฐานชาวอเมริกันกลุ่มแรกจากยุโรป) ผลงานหลายชิ้นที่เรียกว่า "กอทิกสากล"; ศิลปท้องถิ่น; ในที่สุดศิลปะของศิลปินดึกดำบรรพ์ที่มีพรสวรรค์แห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งไม่ได้รับการศึกษาด้านศิลปะระดับมืออาชีพ แต่ผู้ที่รู้สึกถึงของขวัญแห่งความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและอุทิศตนเพื่อการนำไปใช้อย่างอิสระในงานศิลปะ บางส่วน (ฝรั่งเศส เอ. รุสโซ, ซี. บอมบัวส์,จอร์เจีย เอ็น. พิโรสมานิชวิลี,โครเอเชีย I. เจนเนอรัลริช,อเมริกัน เช้า. โรเบิร์ตสันฯลฯ ) สร้างผลงานศิลปะชิ้นเอกที่แท้จริงซึ่งรวมอยู่ในคลังศิลปะโลก ศิลปะที่ไร้เดียงสาในวิสัยทัศน์ของโลกและวิธีการนำเสนอทางศิลปะนั้นค่อนข้างใกล้เคียงกับศิลปะของเด็กในด้านหนึ่งและต่อ ความคิดสร้างสรรค์ของคนป่วยทางจิตอีกทางหนึ่ง อย่างไรก็ตาม โดยพื้นฐานแล้วมันแตกต่างจากทั้งสองอย่าง สิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดในโลกทัศน์ต่อศิลปะสำหรับเด็กคือศิลปะที่ไร้เดียงสาของชนชาติโบราณและชาวพื้นเมืองในโอเชียเนียและแอฟริกา ความแตกต่างพื้นฐานจากศิลปะสำหรับเด็กอยู่ที่ความศักดิ์สิทธิ์อย่างลึกซึ้ง ประเพณีนิยม และความเป็นบัญญัติ

เน็ตอาร์ต(Net Art - จากเน็ตภาษาอังกฤษ - เครือข่าย, ศิลปะ - ศิลปะ) ศิลปะประเภทใหม่ล่าสุด การปฏิบัติด้านศิลปะสมัยใหม่ การพัฒนาในเครือข่ายคอมพิวเตอร์ โดยเฉพาะบนอินเทอร์เน็ต นักวิจัยในรัสเซียซึ่งมีส่วนร่วมในการพัฒนา O. Lyalina, A. Shulgin เชื่อว่าแก่นแท้ของ Net Art อยู่ที่การสร้างพื้นที่การสื่อสารและความคิดสร้างสรรค์บนอินเทอร์เน็ต โดยมอบอิสระอย่างสมบูรณ์ในการดำรงอยู่ทางออนไลน์ให้กับทุกคน ดังนั้นแก่นแท้ของเน็ตอาร์ต ไม่ใช่การเป็นตัวแทน แต่เป็นการสื่อสาร และหน่วยศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของมันคือข้อความอิเล็กทรอนิกส์ มีอย่างน้อยสามขั้นตอนในการพัฒนา Net art ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 80 และ 90 ศตวรรษที่ XX ประการแรกคือเมื่อศิลปินอินเทอร์เน็ตผู้ใฝ่ฝันสร้างภาพจากตัวอักษรและไอคอนที่พบบนแป้นพิมพ์คอมพิวเตอร์ ประการที่สองเริ่มต้นเมื่อศิลปินใต้ดินและใครก็ตามที่ต้องการแสดงความคิดสร้างสรรค์บางอย่างเข้ามาบนอินเทอร์เน็ต

สหกรณ์ศิลปะ(Op-art ภาษาอังกฤษ - ศิลปะทัศนศาสตร์แบบสั้น - ศิลปะเกี่ยวกับแสง) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 โดยใช้ภาพลวงตาต่าง ๆ ตามลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของร่างแบนและเชิงพื้นที่ การเคลื่อนไหวยังคงดำเนินต่อไปในแนวเหตุผลเชิงเทคนิค (สมัยใหม่) ย้อนกลับไปสู่สิ่งที่เรียกว่านามธรรมนิยม "เรขาคณิต" ซึ่งเป็นตัวแทนของสิ่งนั้น V. วาซาเรลี(ตั้งแต่ปี 1930 ถึง 1997 เขาทำงานในฝรั่งเศส) - ผู้ก่อตั้ง op art ความเป็นไปได้ของ Op art ได้พบการประยุกต์ใช้งานกราฟิก โปสเตอร์ และศิลปะการออกแบบในอุตสาหกรรม ทิศทางของศิลปะ op (ศิลปะการมองเห็น) มีต้นกำเนิดในยุค 50 ภายใต้แนวคิดนามธรรม แม้ว่าคราวนี้จะมีความหลากหลายที่แตกต่างกัน นั่นคือนามธรรมทางเรขาคณิต มันแพร่กระจายไปตามการเคลื่อนไหวที่ย้อนกลับไปในยุค 60 ศตวรรษที่ XX

กราฟฟิตี้(กราฟฟิตี - ในโบราณคดีภาพวาดหรือตัวอักษรใด ๆ ที่มีรอยขีดข่วนบนพื้นผิวใด ๆ จากกราฟฟิตีอิตาลี - ถึงรอยขีดข่วน) นี่คือวิธีการกำหนดการทำงานของวัฒนธรรมย่อยซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพรูปแบบขนาดใหญ่บนผนังของอาคารสาธารณะ โครงสร้าง ยานพาหนะ ทำโดยใช้ปืนพ่นชนิดต่างๆ, กระป๋องสีสเปรย์แอโรซอล. จึงเป็นอีกชื่อหนึ่งของ "ศิลปะสเปรย์" - ศิลปะสเปรย์ ต้นกำเนิดของมันมีความเกี่ยวข้องกับรูปลักษณ์อันใหญ่โตของกราฟฟิตี้ ในยุค 70 บนรถรถไฟใต้ดินในนิวยอร์ก จากนั้นบนผนังอาคารสาธารณะและบานประตูหน้าต่างร้านค้า ผู้เขียนกราฟฟิตีคนแรก ส่วนใหญ่เป็นศิลปินรุ่นเยาว์ที่ตกงานจากชนกลุ่มน้อย โดยส่วนใหญ่เป็นชาวเปอร์โตริโก ดังนั้นภาพกราฟฟิตี้ชิ้นแรกจึงแสดงให้เห็นลักษณะโวหารของศิลปะพื้นบ้านละตินอเมริกา และจากการปรากฏบนพื้นผิวที่ไม่ได้มีไว้สำหรับสิ่งนี้ ผู้เขียนจึงประท้วงต่อต้านจุดยืนที่ถูกเพิกถอนสิทธิ์ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 80 แนวโน้มทั้งหมดของปรมาจารย์มืออาชีพของ G. ถูกสร้างขึ้น ชื่อจริงของพวกเขาซึ่งก่อนหน้านี้ซ่อนอยู่ภายใต้นามแฝงกลายเป็นที่รู้จัก ( ความผิดพลาด, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, มองเห็น, DAZE). บางคนถ่ายทอดเทคนิคของตนสู่ผืนผ้าใบและเริ่มจัดแสดงในแกลเลอรีในนิวยอร์ก และในไม่ช้า กราฟฟิตี้ก็ปรากฏในยุโรป

เหนือจริง(ไฮเปอร์เรียลลิซึม - อังกฤษ) หรือโฟโตเรียลลิสม์ (โฟโตเรียลลิซึม - อังกฤษ) - ศิลปะ การเคลื่อนไหวในจิตรกรรมและประติมากรรมโดยอาศัยภาพถ่ายและการทำซ้ำความเป็นจริง ทั้งในเชิงปฏิบัติและการวางแนวเชิงสุนทรีย์ที่มีต่อความเป็นธรรมชาติและลัทธิปฏิบัตินิยม ลัทธิไฮเปอร์เรียลลิสม์นั้นใกล้เคียงกับศิลปะป๊อปอาร์ต พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งโดยการกลับไปสู่ความเป็นรูปเป็นร่างเป็นหลัก มันทำหน้าที่เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับแนวความคิดซึ่งไม่เพียงแต่ทำลายการเป็นตัวแทนเท่านั้น แต่ยังตั้งคำถามถึงหลักการที่แท้จริงของการสำนึกในเชิงวัตถุของศิลปะอีกด้วย แนวคิด.

ศิลปะบนบก(จากศิลปะบนบกของอังกฤษ - ศิลปะดิน) ทิศทางในศิลปะของสามส่วนสุดท้ายXXค. โดยอาศัยภูมิทัศน์ที่แท้จริงเป็นวัสดุและวัตถุทางศิลปะหลัก ศิลปินขุดสนามเพลาะสร้างกองหินที่แปลกประหลาดทาสีหินเลือกสถานที่รกร้างสำหรับงานของพวกเขา - ทิวทัศน์ที่บริสุทธิ์และเป็นธรรมชาติดังนั้นราวกับพยายามคืนศิลปะสู่ธรรมชาติ ขอบคุณเขา<первобытному>ในลักษณะที่ปรากฏ การกระทำและวัตถุประเภทนี้หลายอย่างมีความใกล้เคียงกับโบราณคดี เช่นเดียวกับศิลปะภาพถ่าย เนื่องจากประชาชนส่วนใหญ่สามารถพิจารณาสิ่งเหล่านั้นได้ในรูปแบบภาพถ่ายเท่านั้น ดูเหมือนว่าเราจะต้องยอมรับกับความป่าเถื่อนในภาษารัสเซียอีกครั้ง ฉันไม่รู้ว่ามันเป็นเรื่องบังเอิญหรือเปล่าที่คำว่า<лэнд-арт>ปรากฏอยู่ในตอนท้าย 60s, ในช่วงเวลาที่สังคมที่พัฒนาแล้ว จิตวิญญาณแห่งการกบฏของนักศึกษาได้ชักนำกองกำลังของตนไปสู่การโค่นล้มค่านิยมที่จัดตั้งขึ้น

ความเรียบง่าย(ศิลปะแบบมินิมอล - อังกฤษ: ศิลปะแบบมินิมอล) - ศิลปิน การไหลที่มาจากการเปลี่ยนแปลงน้อยที่สุดของวัสดุที่ใช้ในกระบวนการสร้างสรรค์ ความเรียบง่ายและความสม่ำเสมอของรูปแบบ ขาวดำ ความคิดสร้างสรรค์ ความยับยั้งชั่งใจตนเองของศิลปิน Minimalism มีลักษณะพิเศษคือการปฏิเสธอัตวิสัย การเป็นตัวแทน และภาพลวงตา ปฏิเสธความคลาสสิก เทคนิคการสร้างสรรค์และประเพณี ศิลปิน วัสดุมินิมัลลิสต์ใช้วัสดุทางอุตสาหกรรมและธรรมชาติที่มีรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่าย มีการใช้รูปทรงและสีที่เป็นกลาง (สีดำ สีเทา) ปริมาณขนาดเล็ก อนุกรม วิธีการผลิตทางอุตสาหกรรมโดยใช้สายพานลำเลียง สิ่งประดิษฐ์ในแนวคิดความคิดสร้างสรรค์แบบมินิมอลลิสต์เป็นผลจากกระบวนการผลิตที่กำหนดไว้ล่วงหน้า หลังจากได้รับการพัฒนาอย่างสมบูรณ์ที่สุดในการวาดภาพและประติมากรรม ความเรียบง่าย ตีความในความหมายกว้าง ๆ ว่าเป็นเศรษฐกิจแห่งศิลปะ หมายความว่า ได้พบการประยุกต์ใช้ในงานศิลปะรูปแบบอื่น โดยหลักๆ คือโรงละครและภาพยนตร์

Minimalism มีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกาในเลน พื้น. 60s ต้นกำเนิดของมันอยู่ที่คอนสตรัคติวิสต์ ลัทธิซูพรีมาติซึม ดาดานิยม ศิลปะนามธรรม และฟอร์มัลลิสต์ จิตรกรรมจากยุค 50 ศิลปะป๊อป โดยตรง ผู้บุกเบิกความเรียบง่าย เป็นคนอเมริกัน ศิลปิน เอฟ สเตลล่าซึ่งนำเสนอชุด "ภาพวาดสีดำ" ในปี พ.ศ. 2502-60 ซึ่งได้รับคำสั่งให้เป็นเส้นตรง ผลงานมินิมอลชิ้นแรกปรากฏในปี พ.ศ. 2505-63 คำว่า "มินิมอลลิสต์" เป็นของ R. Wollheim ผู้แนะนำสิ่งนี้เกี่ยวกับการวิเคราะห์ความคิดสร้างสรรค์ เอ็ม. ดูชองป์และศิลปินป๊อปที่ลดการแทรกแซงของศิลปินในสภาพแวดล้อม คำพ้องความหมายคือ "ศิลปะเจ๋งๆ", "ศิลปะเอบีซี", "ศิลปะต่อเนื่อง", "โครงสร้างหลัก", "ศิลปะเป็นกระบวนการ", "เป็นระบบ" จิตรกรรม". ในบรรดามินิมอลลิสต์ที่เป็นตัวแทนมากที่สุด ได้แก่ เค. อังเดร, เอ็ม. โบชเนอร์, อู. เด มา-เรีย, ดี. ฟลาวิน เอส. เลอ วิตต์, อาร์. แมงโกลด์, บี. เมอร์เดน, อาร์. มอร์ริส, อาร์. ไรแมน. พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะปรับสิ่งประดิษฐ์ให้เข้ากับสิ่งแวดล้อม เพื่อเล่นกับพื้นผิวที่เป็นธรรมชาติของวัสดุ ด.ชาดให้คำจำกัดความว่า “เฉพาะเจาะจง” object” ที่แตกต่างไปจากแบบคลาสสิค งานพลาสติก ศิลปะ การจัดแสงมีบทบาทในการสร้างสรรค์งานศิลปะแบบมินิมอลลิสต์โดยอิสระ สถานการณ์ การแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ดั้งเดิม มีการใช้วิธีคอมพิวเตอร์ในการสร้างสรรค์งาน

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ XX - XXI

จิตรกรรม เช่นเดียวกับศิลปะสมัยใหม่ การวาดภาพสมัยใหม่ในรูปแบบปัจจุบันถือกำเนิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 60-70 ของศตวรรษที่ 20 มีการค้นหาทางเลือกอื่นนอกเหนือจากสมัยใหม่ และมักมีการแนะนำหลักการที่ขัดแย้งกัน นักปรัชญาชาวฝรั่งเศสแนะนำคำว่า "ลัทธิหลังสมัยใหม่" และศิลปินหลายคนเข้าร่วมขบวนการนี้ ปรากฏการณ์ทางศิลปะที่โดดเด่นที่สุดในยุค 60 และ 70 คือศิลปะเชิงแนวคิดและความเรียบง่าย ในช่วงทศวรรษที่ 70 และ 80 ผู้คนดูเหมือนจะเบื่อหน่ายกับศิลปะเชิงแนวคิด และค่อยๆ กลับมาสู่การนำเสนอ สีสัน และรูปลักษณ์ที่เป็นรูปเป็นร่าง ในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 มีการเคลื่อนไหวเพิ่มขึ้นโดยใช้ภาพของวัฒนธรรมมวลชน เช่น ลัทธิแคมป์นิยม ศิลปะอีสต์วิลเลจ และนีโอป๊อป การถ่ายภาพกำลังเบ่งบาน ศิลปินจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ เริ่มหันมาใช้สิ่งนี้เพื่อแสดงออกทางศิลปะ กระบวนการวาดภาพได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพัฒนาเทคโนโลยี: ในยุค 60 - วิดีโอและเสียงจากนั้น - คอมพิวเตอร์และในยุค 90 - งานอินเทอร์เน็ตจากคอลเลกชันของ Victor Bondarenko

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียในยุค 90 มีคำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ซึ่งแม้ว่าจะคล้ายกับคำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" แต่ก็ไม่เหมือนกัน มันหมายถึงนวัตกรรมในศิลปะสมัยใหม่ในด้านความคิดและวิธีการทางเทคนิค มันล้าสมัยไปอย่างรวดเร็วและคำถามเกี่ยวกับการรวมไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่แห่งศตวรรษที่ 20 หรือ 21 ก็เปิดกว้างอยู่ ในหลาย ๆ ด้าน ศิลปะร่วมสมัยมีสาเหตุมาจากคุณลักษณะของลัทธิเปรี้ยวจี๊ด กล่าวคือ นวัตกรรม ลัทธิหัวรุนแรง เทคนิคและเทคนิคใหม่ ๆ ผลงานจากคอลเลกชันของ Victor Bondarenko Valery Koshlyakov “เขื่อน” Dubossarsky-Vinogradov “Champion Earth”

นามธรรมนิยม (ละติน "abstractio" - การกำจัด ความฟุ้งซ่าน) เป็นทิศทางของศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างที่ละทิ้งการพรรณนารูปแบบที่ใกล้เคียงกับความเป็นจริงในการวาดภาพและประติมากรรม เป้าหมายประการหนึ่งของศิลปะนามธรรมคือการบรรลุ "การประสานกัน" การสร้างการผสมสีและรูปทรงเรขาคณิตบางอย่างเพื่อกระตุ้นให้เกิดการเชื่อมโยงต่างๆ ในตัวผู้ดู มิคาอิล ลาริโอนอฟ “เรยอนสีแดง” วาสซิลี คันดินสกี “Zerschönesbild” มาเลวิช คาซิเมียร์ “เครื่องบด”

Cubism (fr. Cubisme) เป็นการเคลื่อนไหวแนวหน้าในการวาดภาพของศตวรรษที่ 20 โดยส่วนใหญ่เป็นการวาดภาพซึ่งมีต้นกำเนิดเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และโดดเด่นด้วยการใช้รูปแบบธรรมดาที่มีรูปทรงเรขาคณิตเน้นย้ำความปรารถนาที่จะ "แยก" วัตถุจริงเป็นสามมิติดั้งเดิม Cubism Picasso "Les Demoiselles d'Avignon" Juan Gris "พวงองุ่น" Fernand Léger "ผู้สร้าง" Juan Gris "อาหารเช้า"

สถิตยศาสตร์ สถิตยศาสตร์ (French surréalisme - super-realism) เป็นทิศทางใหม่ในการวาดภาพซึ่งก่อตั้งขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1920 ในฝรั่งเศส โดดเด่นด้วยการใช้คำพาดพิงและการผสมผสานรูปแบบที่ขัดแย้งกัน แนวคิดหลักของสถิตยศาสตร์ สถิตยศาสตร์คือการผสมผสานระหว่างความฝันและความเป็นจริง เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ นักเซอร์เรียลลิสต์ได้เสนอการผสมผสานภาพที่เป็นธรรมชาติและไร้สาระผ่านภาพต่อกันและเทคโนโลยี "สำเร็จรูป" ที่ไร้สาระและขัดแย้งกัน พวกสถิตยศาสตร์ได้รับแรงบันดาลใจจากอุดมการณ์ฝ่ายซ้ายสุดโต่ง แต่พวกเขาเสนอให้เริ่มการปฏิวัติด้วยจิตสำนึกของตนเอง พวกเขาคิดว่าศิลปะเป็นเครื่องมือหลักในการปลดปล่อย Salvador Dali “The Temptation of Saint Anthony” Max Ernst “The Angel of the Hearth or the Triumph of Surrealism” Rene Magritte “The Son of Man” Wojtek Siudmak “โลกแห่งความฝันและภาพลวงตา”

Modern Modern (จาก French moderne - modern) หรือ art nouveau (French art nouveau อย่างแท้จริง "ศิลปะใหม่") เป็นขบวนการทางศิลปะในงานศิลปะซึ่งได้รับความนิยมมากขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 คุณสมบัติที่โดดเด่นของมันคือ: การปฏิเสธเส้นตรงและมุมเพื่อสนับสนุนเส้นที่ "เป็นธรรมชาติ" ที่เป็นธรรมชาติมากขึ้น ความสนใจในเทคโนโลยีใหม่ ๆ (โดยเฉพาะในสถาปัตยกรรม) และความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะประยุกต์ ลัทธิสมัยใหม่พยายามผสมผสานฟังก์ชันทางศิลปะและประโยชน์ใช้สอยของผลงานที่สร้างขึ้นเพื่อให้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของมนุษย์ทั้งหมดในขอบเขตแห่งความงาม Alphonse Mucha “เต้นรำ” มิคาอิล วรูเบล “เจ้าหญิงหงส์” A. N. Benois “สวมหน้ากากภายใต้หลุยส์ที่ 14” มิคาอิล วรูเบล “ไข่มุก”

Optical art Op-art - เวอร์ชันย่อของศิลปะเกี่ยวกับแสง - ศิลปะเกี่ยวกับแสง) เป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 โดยใช้ภาพลวงตาต่าง ๆ ตามลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของร่างแบนและเชิงพื้นที่ การเคลื่อนไหวยังคงดำเนินต่อไปในแนวเหตุผลเชิงเทคนิค (สมัยใหม่) ศิลปะปฏิบัติการ มุ่งมั่นที่จะบรรลุภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวของวัตถุศิลปะที่อยู่กับที่ผ่านผลกระทบทางจิตสรีรวิทยาต่อผู้ชมและการกระตุ้นของพวกเขา Jacob Agam “ภูมิทัศน์ใหม่” Josef Albers “โรงงาน A” Bridget Riley “Big Blue”

ศิลปะและงานฝีมือพื้นบ้านของรัสเซีย

ศตวรรษ.

ไม้แกะสลัก. เฟอร์นิเจอร์ จาน เครื่องมือทำจากไม้ และสร้างกระท่อม ผู้คนพัฒนาเทคนิคการแกะสลักหลายอย่าง: เรขาคณิต, วงเล็บ, ทะลุ, โล่งอก ฯลฯ หลังคากระท่อมชาวนาประดับด้วยรูปปั้นอนุสาวรีย์รูปม้าและนก จานไม้แกะสลักและเจาะรู(โบลิ่ง, ภาชนะรูปทรง, เสา - ชามลึกพร้อมฝาปิด)

จิตรกรรมบนไม้และไม้บาสพวกเขาวาดภาพจาน ล้อหมุน ตู้ เปล หีบ และเลื่อน มีภาพวาดสองภาพ: รูปภาพและกราฟิก หนึ่งในภาพที่งดงามที่สุดคือการวาดภาพโคห์โลมาด้วยสีน้ำมันบนภาชนะไม้ที่กลึงแล้ว โคกลอยมา ช้อน ชาม ชาม

การแกะสลักกระดูกในทะเลสีขาวมีการขุดวัสดุ - งาวอลรัสซึ่งมีส่วนทำให้การแกะสลักกระดูกประสบความสำเร็จ เทคนิคหลักในการตกแต่งผลิตภัณฑ์คือการแกะสลักและการนูนแบบเรียบ พวกเขาวาดภาพสัตว์ ฉากการล่าสัตว์ การดื่มชา การเดิน และฉากในพระคัมภีร์ทั้งหมด พวกเขาทาสีกล่องใส่ขนม กล่องต่างๆ บางครั้งก็เป็นรูปรองเท้า บางครั้งก็เป็นหัวใจ หวี หีบศพ พัด ผลิตภัณฑ์ราคาไม่แพงถูกสร้างขึ้นมาเพื่อชีวิตชาวนา - หวี, โลงศพในรูปแบบของหอคอย, ต่างหู

เซรามิกส์. พวกเขาทำเครื่องปั้นดินเผาและทำของเล่น จานขัดสีดำที่มีสีน้ำเงินอมดำที่ได้จากการสัมผัสกับเปลวไฟควันได้รับการตกแต่งด้วยการขัดเงา - ต่อเนื่องหรือประดับ ชาม เหยือก ล้างมือ เครื่องเคลือบที่มีรูปแบบเรียบง่ายจะมีชีวิตชีวาด้วยกระจกที่ไหลเป็นสี สีเขียว สีน้ำตาลแดง ซึ่งกระจายตัวระหว่างการเผา อาหาร Gzhel majolica เป็นผลิตภัณฑ์ที่ทำจากดินเหนียวสีเคลือบด้วยองค์ประกอบคล้ายแก้วทึบแสง - เคลือบฟัน เป็นภาพบ้าน นก สัตว์ ต้นไม้ หญ้า ดอกไม้

ของเล่น. Trinity-Sergiev Posad กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางการผลิตของเล่นทาสีไม้ที่ใหญ่ที่สุด Sergiev นกหวีด นก รองเท้าสเก็ต ตุ๊กตา ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 ของเล่น Gzhel majolica เริ่มแพร่หลาย มันถูกปั้นด้วยมือหรือในรูปแบบสองใบ ของเล่นดินเผา– สตรีในชุดกระโปรงทรงกรวย พลม้า นก . พวกเขามีชื่อเสียง ของเล่นเวียตก้า(นิคม Dymkovo) - สุภาพบุรุษดินเหนียวบนหลังม้าสวมหมวก สุภาพสตรีคนสำคัญ คนบรรทุกน้ำ นก สัตว์กึ่งเทพนิยาย

ผ้างานปักลูกไม้ งานทอมือ– ผู้หญิงทอผ้าแคนวาส ผ้าลินิน และผ้าที่มีลวดลายบนเครื่องทอมือ วัสดุ: ผ้าลินิน, ป่าน, ผ้าฝ้าย ผ้าตกแต่งด้วยลวดลายทอและผ้าพิมพ์ลาย พื้นฐานของการทอมือคือการทอโดยการนับเส้นด้ายทั้งแนวตั้งและแนวนอน เสื้อเชิ้ต ผ้ากันเปื้อน ผ้าเช็ดตัว และผ้าปูที่นอนตกแต่งด้วยผ้าที่มีลวดลาย ส้นรองเท้าพิมพ์ลาย- วิธีการลงลวดลายบนผ้าโดยใช้กระดานแกะสลักที่เคลือบสีไว้แล้ว งานปักการตกแต่งเสื้อผ้าตามเทศกาลและของใช้ในครัวเรือน - ผ้าเช็ดตัว, ผ้าพันคอ, ผ้าปูโต๊ะ ผ้าโพกศีรษะสำหรับงานแต่งงานตกแต่งด้วยงานปักสีทอง ลูกไม้ในเสื้อผ้างานรื่นเริงและของใช้ในครัวเรือนจะใช้ร่วมกับงานปัก เทคนิคที่มีความหนาแน่นและเรียบง่ายที่สุดที่เก่าแก่ที่สุดคือลูกไม้ Mikhailovsky (ทอจากผ้าลินินหรือด้ายฝ้ายที่รุนแรง) ลูกไม้ Vologda ที่มีชื่อเสียง (องค์ประกอบลวดลาย - ดอกไม้ที่มีลักษณะคล้ายดอกเดซี่, นกที่เก๋ไก๋ - นกยูง, วางด้วยเปีย - vilyushka)

สถาปัตยกรรมของเบลารุส

สถาปัตยกรรมสมัยใหม่ ค.ศ. 1990 ในช่วงต้น ยุค 2000 โดดเด่นด้วยการค้นหาเชิงนวัตกรรม แนวคิดการวางผังเมืองมีการเปลี่ยนแปลง: การพัฒนาโครงสร้างการวางผังเมืองกำลังดำเนินการผ่านการเปลี่ยนไปใช้ระบบ "เมือง - ชานเมือง" บทบาทของการก่อสร้างอาคารแนวราบและอาคารพักอาศัยส่วนบุคคลกำลังเพิ่มมากขึ้น ถนนบายพาสเริ่มแพร่หลายทำให้สามารถเลี่ยงเมืองได้ (Logoisk, Kobrin, Gomel) รูปแบบประติมากรรมและสีเริ่มแพร่หลาย (อนุสาวรีย์ของเจ้าชาย David ใน Daivd-Gorodok, Boris ใน Borisov, F. Skoryna, M. Gusovsky และ K. Turovsky ในลาน BSU) ตั้งแต่แรก 2000 การก่อตัวของรูปลักษณ์ทางศิลปะของเมืองเบลารุสนั้นดำเนินการโดยใช้วิธีกราฟิกและแสงตกแต่งซึ่งทำหน้าที่เป็นแนวทางในอวกาศทำหน้าที่ข้อมูลและเปิดแง่มุมความงามใหม่ของอาคารและโครงสร้าง (อาคารบนอิสรภาพ, Partizansky, ถนน Pobediteley - ในมินสค์, วิหารปีเตอร์และพอลและพระราชวัง Rumyantsev - Paskeviches ใน Gomel, Victory Stele ใน Mozyr), วัดในนามของเจ้าหญิง Euphrasinia แห่ง Polotsk ในมินสค์, โบสถ์ Holy Epiphany ใน Grodno กระจกสีและกระจกถูกนำมาใช้จากวัสดุก่อสร้างใหม่ (Ice Palace ในมินสค์, Gomel, Grodno, Zhlobin, Vitebsk), อาคารหลักของสถานีรถไฟ, ศูนย์สำนักงานแห่งศตวรรษที่ 21 ในมินสค์, อาคารหอสมุดแห่งชาติในมินสค์ การออกแบบสมัยใหม่มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างกรอบโลหะ กระจกภายนอก และผนังที่ช่วยใช้ประโยชน์และตกแต่ง เนื่องจากวัสดุก่อสร้างที่หลากหลาย การก่อสร้างที่อยู่อาศัยจึงดำเนินการโดยใช้โครงสร้างคอนกรีตเสริมเหล็ก โครงสร้างแผง และอิฐ อาคารสูง อาคารเตี้ย และอาคารพักอาศัยส่วนบุคคลที่สร้างขึ้นตามการออกแบบมาตรฐานกำลังได้รับการฟื้นฟู ในปี พ.ศ. 2535-2540 ได้มีการสร้างค่ายพักแรมสำหรับเจ้าหน้าที่ทหารในเมือง เขตรอสส์ โวลโควีสกี้ การก่อสร้างอาคารพักอาศัยประเภทกระท่อมเดี่ยวในพื้นที่ชานเมือง (หมู่บ้าน Borovlyany, Novinki, ภูมิภาค Minsk) ได้กลายเป็นที่แพร่หลาย สถาปัตยกรรมของกระท่อมสะท้อนถึงลวดลายของสถาปัตยกรรมบาโรก คลาสสิค อาร์ตนูโว กอทิก และสถาปัตยกรรมพื้นบ้าน ในปี 2000 มีการสร้างวงดนตรีรำลึกถึงทหารรักษาชายแดนในเมือง Grodno และป้ายทางสถาปัตยกรรม "ถึงพลพรรคชาวเบลารุสในมินสค์" อาคารของอาคารหลักของสถานีรถไฟในมินสค์, สถาปนิก - Kramarenko, Vinogradov พวกเขาได้รับรางวัล State Prize B. 2004

อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรม ได้แก่ ปราสาท Mir, ปราสาท Nesvizh, ปราสาท Grodno, คลอง Aginsky, กำแพงป้อมปราการใน Grodno, โบสถ์ประกาศใน Vitebsk, ปราสาท Lida, โบสถ์ Theresa ใน Shchuchin

ศิลปกรรมในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 20 ทิศทางหลักทั้งหมดของวิจิตรศิลป์ของศตวรรษที่ 20 เป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา - ต้นศตวรรษที่ 21: ภาพวาดในโบสถ์รวมถึงภาพวาดไอคอน (N. Mukhin, V. Balabanov, I. Glazunov, E. Maksimov, V. Shilov) “ โรงเรียนร่างภาพ” ของการวาดภาพซึ่งโดดเด่นด้วยภูมิทัศน์รัสเซียแบบดั้งเดิม (V. Sidorov, V. Shcherbakov, V. Telin, V. Polotnov); เปรี้ยวจี๊ด (Zlotnikov, Yankilevsky, Nasedkin); ยุคหลังสมัยใหม่ของรัสเซีย (Dubov, Kislitsin, Markelova, Tereshchenko); "ศิลปะร่วมสมัย" จุดเด่นของงานวิจิตรศิลป์ในช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 20 และ 21 คือเป็นอิสระจากการเซ็นเซอร์ จากอิทธิพลของรัฐ แต่ไม่ใช่จากระบบเศรษฐกิจแบบตลาด หากในสมัยโซเวียตศิลปินมืออาชีพได้รับชุดประกันทางสังคมภาพวาดของพวกเขาจะถูกซื้อเพื่อนิทรรศการและหอศิลป์ระดับชาติ แต่ตอนนี้พวกเขาสามารถพึ่งพาความแข็งแกร่งของตนเองเท่านั้น

ในปี พ.ศ. 2490 ได้มีการก่อตั้ง Academy of Arts ในช่วงทศวรรษที่ 50 มีการจัดตั้งระบบที่เข้มงวดขึ้น ศิลปินที่กำลังศึกษาอยู่ในมหาวิทยาลัยจะต้องผ่านหลายขั้นตอน

ขั้นที่ 1 – สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะ

ขั้นที่ 2 – สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะหรือสถาบัน

จบการฝึกอบรมด้วยภาพเฉพาะเรื่องขนาดใหญ่ จากนั้นเขาก็กลายเป็นสมาชิกของสหภาพศิลปิน นำเสนอผลงานใหม่ของเขาเป็นระยะในนิทรรศการอย่างเป็นทางการ ลูกค้าหลักของผลงานศิลปะของอาจารย์คือรัฐ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 อาคารสูงที่มียอดแหลมทะยานเหนือมอสโก พวกเขาถูกเรียกว่า "ตึกสูง" มี 7 คน พ.ศ. 2510 หอส่งสัญญาณโทรทัศน์อัสตานาถูกสร้างขึ้นในกรุงมอสโก โครงการรถยนต์ของ Nikitin พ.ศ. 2450-2516 สถาปนิกคนนี้มีส่วนร่วมในการก่อสร้างอาคาร Palace of Culture ในกรุงวอร์ซอซึ่งเป็นอนุสาวรีย์ "The Motherland Calls!" หอส่งสัญญาณโทรทัศน์ และร้านอาหาร Seventh Heaven อาคารที่อยู่อาศัยที่ชวนให้นึกถึงวัฒนธรรมหลังสมัยใหม่ของตะวันตกเริ่มปรากฏขึ้น จากนั้นในสถาปัตยกรรมบล็อกของมอสโกก็ถูกแทนที่ด้วยรูปทรงและรูปแบบของวัสดุที่หลากหลาย (แก้ว) หอสมุดแห่งชาติสร้างขึ้นในสไตล์ไฮเทคในมินสค์ในปี 2545 สไตล์มอสโกได้รับความนิยมเป็นพิเศษ - มหาวิหารแห่งพระคริสต์ผู้ช่วยให้รอดที่ได้รับการบูรณะซึ่งติดอันดับหนึ่งในรายการที่ใหญ่ที่สุด แต่โครงการที่ทะเยอทะยานที่สุดในมอสโกคือ "เมือง" ที่มีตึกระฟ้าหลายสิบแห่ง ในศตวรรษที่ 21 มีการสร้างอาคารสูง 25 ชั้น กำลังได้รับการบูรณะคอมเพล็กซ์ Khatyn (Silikhanov, Zankovich) “ ป้อมปราการเบรสต์” - Volchok, Sysoev, Zankovich, Nazarov, ประติมากรเข้ามามีส่วนร่วม - Bobyl, Bembel Vablio เริ่มแพร่กระจายในการวาดภาพ นี่คือประเภทของภาพวาดที่น่าขันซึ่งรวมถึงเสียงสะท้อนของภาพยนตร์ยอดนิยมของ Gugarev และผลงานของเขา "Night Watch" ช่วงต่อไปคือความเห็นแก่ตัว นวัตกรรมและความสอดคล้องเกิดขึ้นเมื่อสามารถสืบย้อนคำอุปมาและแนวคิดในงานได้ ซึ่งถูกแทนที่ด้วยทิศทางเฉพาะเรื่อง A. Bosolyga - "คำอธิษฐาน" ในศตวรรษที่ 21 ศาสนาคริสต์กำลังกลับมา ไอคอนกำลังฟื้นคืนชีพ วัดและโบสถ์กำลังได้รับการบูรณะ ในโรงเรียนสมัยใหม่แห่งศตวรรษที่ 21 ไม่มีอิทธิพลจากศิลปะยุโรปตะวันตก ในกราฟิก เส้นฟรีคือเกมแห่งเส้นทางปัญญา Yu. Podolin “Lusterka”. ในศตวรรษที่ 21 โปสการ์ด โฆษณา โปสเตอร์ และกราฟิกหนังสือในรูปแบบขนาดเล็กกำลังได้รับการฟื้นฟูในรูปแบบกราฟิก กราฟิกปรากฏขึ้นพร้อมสี คอมพิวเตอร์กราฟิกกำลังพัฒนา ในทิศทางนี้: Borozna, Yakovenko กราฟิกที่พิมพ์ออกมาทำให้การพัฒนาด้วยการพิมพ์หินซึ่งดำเนินการบนแผ่นโลหะอ่อนแอลง ผู้แต่ง Zventsov "ความรู้พื้นฐานด้านกราฟิก" การถ่ายภาพเชิงศิลปะกำลังได้รับการฟื้นฟูและมีผลกระทบอย่างมากต่อกราฟิก ศิลปะที่ใช้งานง่ายกำลังพัฒนา