ศิลปะการแสดงของอินเดียมีต้นกำเนิดในช่วงศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราช - คริสต์ศตวรรษที่ 1 ถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาในคริสต์ศตวรรษที่ 10 ในเวลานี้มีการสร้างบทละครหลายร้อยเรื่อง ซึ่งต่อมาได้รับการยอมรับว่าเป็นละครคลาสสิกของอินเดีย หลังจากศตวรรษที่ 10 ด้วยการมาถึงของผู้พิชิตอิสลามในอินเดีย โรงละครคลาสสิกก็เสื่อมถอยลง การแสดงละครยังคงมีอยู่ในรูปแบบดั้งเดิมในมุมที่ห่างไกลในชนบท ในช่วงศตวรรษที่ XV-XIX มีการฟื้นตัวของศิลปะการแสดงละคร ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เวทีละครกลายเป็นวิธีการต่อสู้กับการปกครองอาณานิคมของอังกฤษ ซึ่งทำให้อังกฤษแนะนำการควบคุมกิจกรรมการแสดงละครอย่างเข้มงวดในอินเดีย ห้ามการผลิตที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับการเมือง และอนุญาตเฉพาะละครคลาสสิกเท่านั้น นับตั้งแต่อินเดียได้รับเอกราชในปี 1947 โรงละครต่างๆ ก็ได้ขยายตัวขึ้นอย่างไม่หยุดยั้งทั่วประเทศ และกลายเป็นส่วนสำคัญของวงการบันเทิง
ศิลปะการแสดงของอินเดียแบ่งออกเป็น 3 รูปแบบ คือ ละครสันสกฤตคลาสสิก ละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิม และละครสมัยใหม่

ละครสันสกฤตคลาสสิก

ละครสันสกฤตคลาสสิกอินเดีย - หนึ่งในรูปแบบศิลปะการแสดงละครที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันในศตวรรษที่ 1 ค.ศ เกี่ยวกับการดำรงอยู่ ละครสันสกฤตสมัยโบราณดังกล่าวมีหลักฐานจากแหล่งข้อมูลที่เชื่อถือได้เช่น: "Natya Shastra" - บทความเกี่ยวกับศิลปะการแสดงละครรวบรวมโดย Bharata Muni (ศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช - คริสต์ศตวรรษที่ 4) และ "Mahabhashya" - บทวิจารณ์เกี่ยวกับไวยากรณ์อินเดีย ที่เป็นของ Patanjali ( ศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราช)
ละครอินเดียถือเป็นความสำเร็จของวรรณกรรมอินเดียที่สมบูรณ์แบบที่สุด มันถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่จะปลุกเร้าประสบการณ์ทางอารมณ์ที่รุนแรงให้กับผู้ชมที่เกี่ยวข้องกับตัวละครและการกระทำของฮีโร่ ตัวละครบางตัวทำให้เกิดความรู้สึกชื่นชมและน่าเกรงขาม ในขณะที่ตัวละครบางตัวทำให้เกิดความรังเกียจ และตัวละครบางตัวก็ทำให้เกิดเสียงหัวเราะและความสนุกสนาน ตัวละคร ละครสันสกฤตแบ่งแยกตามสถานะทางสังคมอย่างชัดเจน
ละครอินเดียมีสองประเภท: โลกาธรรมโดยนำเสนอตัวละครในลักษณะที่สมจริงและ ณัฐธัมมีเป็นละครเก๋ๆที่ใช้ภาษามือ
นักเขียนบทละครคนแรกที่เขียนในภาษาสันสกฤตถือเป็น Ashvaghosha (คริสต์ศตวรรษที่ 2) ชายผู้มีการศึกษาและมีความสามารถคนนี้สั่งสอนปรัชญาพุทธศาสนาผ่านผลงานของเขา บทกวีอันโด่งดังของอัศวโฆสะ 3 บท คือ พุทธจริต สุนทรานันทน์ และบทละครสารินุตระการณะ
แต่บุคคลที่สำคัญที่สุดในละครอินเดียคือกวีกาลิดาสะ (ศตวรรษที่ 4-5) ซึ่งแต่งบทละครในภาษาสันสกฤตโดยอิงจากเรื่องราวจากปุรณะ ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Kalidasa คือละครเรื่อง โครงเรื่องหลักในนั้นคือความรักของพระเอกและนางเอก หลังจากเอาชนะอุปสรรคต่างๆ มากมาย คู่รักก็ได้รับรางวัลเป็นโอกาสที่จะกลับมาพบกันใหม่

คาลิดาซา

บุคคลสำคัญอีกประการหนึ่งคือ ภาวภูติ นักเขียนบทละครภาษาสันสกฤต (ศตวรรษที่ 8) จากผลงานมากมายของผู้แต่ง มีเพียงละคร 3 เรื่องเท่านั้นที่รอดมาได้ ได้แก่ “มหาวิรชาริตา” (เกี่ยวกับวีรกรรมของพระราม) “มาลาติมาธาวะ” (เรื่องราวความรัก) และ “อุตตระจาริตา” (ชีวิตต่อไปของพระราม)
จากการวิจัยของ Indologist Dasharadh Sharma (1903-1976) นักเขียนบทละครทั้งสองคนหลังเมื่อเขียนผลงานของพวกเขาอาศัยข้อความจาก Arthashastra (บทความทางการเมืองและเศรษฐกิจของอินเดียโบราณซึ่งผู้เรียบเรียงซึ่งถือเป็น Kautilya หัวหน้าที่ปรึกษาของจักรพรรดิ Chandragupta Maurya (321-297 ปีก่อนคริสตกาล) e.)) ในงานของพวกเขามีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนในการกระทำและนโยบายของฮีโร่ นอกจากนี้ ภาวภูติยังใช้ถ้อยคำและแนวคิดจากพระอรรถชาสตราในละครโรแมนติกเรื่องมาลาติมาธาวา
เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง Harsha ผู้ปกครองชาวอินเดียเหนือ (ครองราชย์ 606-647) จากตระกูล Pushyabhuti ซึ่งให้เครดิตกับการประพันธ์บทละคร "Ratnavali", "Priyadarshika" และ "Nagananda" รวมถึงกวี Shudraka และภซา ผู้เขียนบทละครมากมายในภาษาสันสกฤต
ละครสันสกฤตซึ่งมีต้นกำเนิดในอินเดียในสมัยโบราณได้กลายมาเป็นงานศิลปะรูปแบบหนึ่งที่สะท้อนความเป็นจริงของชีวิตทุกประการโดยปราศจากการปรุงแต่ง ต่อมาได้รับการเสริมด้วยการเต้นรำแบบคลาสสิก การผสมผสานระหว่างดนตรี ท่าทาง และการเต้นรำทำให้ละครอินเดียได้รับแง่มุมใหม่และเปลี่ยนแปลงไป ละครเต้นรำคลาสสิก.

ละครเต้นรำคลาสสิก
ทิศทางใหม่นี้ถ่ายทอดความงดงามของชีวิตโดยอาศัยตัวอย่างอันศักดิ์สิทธิ์ที่ให้ไว้ในมหากาพย์โบราณ ตัวอย่างละครนาฏศิลป์อินเดียที่โดดเด่นได้แก่: กุฎียตตม, กฤษณาตม, รามานาตตม และกถากาลี (). นอกจากนี้การเต้นรำคลาสสิกเกือบทั้งหมดของอินเดียยังจัดได้ว่าเป็นละครเต้นรำเนื่องจากปัจจุบันเป็นการแสดงละครเพลงที่บอกเล่าเรื่องราวความสัมพันธ์ความรักของพระเอกและนางเอก

ละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิม

ละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิมของอินเดีย ก่อตั้งขึ้นอย่างชัดเจนในยุคกลาง เป็นการสังเคราะห์ละครคลาสสิกและการแสดงด้นสดฟรีโดยอิงจากเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ รวมถึงธีมจากเรื่องปุรณะและมหากาพย์ ละครพื้นบ้านสะท้อนความคิด ความคิด และอารมณ์ของคนธรรมดา ที่จริงแล้ว ละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิมสามารถแบ่งออกเป็นการแสดงทางศาสนาและฆราวาสได้ ประการแรกทำหน้าที่สั่งสอนค่านิยมทางศาสนาศีลธรรมและในความเป็นจริงเป็นการสะท้อนถึงความหมายของชีวิต. จุดประสงค์ประการที่สองคือความบันเทิง
สถานที่สำคัญในโรงละครพื้นบ้านของอินเดียถูกครอบครองโดยเพลงซึ่งมีบทบาทสำคัญมาก
ละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิมในอินเดียมีความหลากหลายอย่างน่าอัศจรรย์ แต่ละรัฐของประเทศข้ามชาติมีการแสดงอันตระการตาอันมีชีวิตชีวาซึ่งสะท้อนถึงศีลธรรมและประเพณีของท้องถิ่น แต่พวกเขาทั้งหมดรวมกันด้วยความสมจริงของชีวิต ความรัก คุณธรรม และความชั่วร้าย มักประดับประดาด้วยความคิดที่โรแมนติก
นอตันกิเป็นหนึ่งในการแสดงตลกและละครเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในอินเดียตอนเหนือ โครงเรื่อง นอทังกิอิงจากนิทานพื้นบ้าน เรื่องราวเกี่ยวกับวีรบุรุษในตำนาน และนิทานมหากาพย์ ดนตรีพื้นบ้าน การร้อง และการเต้นรำมีความเกี่ยวพันกัน นอทังกิ. การแสดงจะแสดงราวกับเป็นภาษา ฮินดีและต่อไป ภาษาอูรดู. ก่อนการมาถึงของวงการภาพยนตร์การแสดง นอทังกิเป็นวิธีความบันเทิงทั่วไปในทุกเมืองและหมู่บ้านทางตอนเหนือของอินเดีย ตามธรรมเนียมการแสดง นอทังกิเริ่มในช่วงเย็นและต่อเนื่องตลอดทั้งคืนจนถึงรุ่งเช้า นอกจากนี้ยังมีการแสดงสั้นๆ ที่กินเวลาราวๆ สองชั่วโมงในหัวข้อทางสังคมสมัยใหม่ เช่น ปัญหาครอบครัว การดูแลสุขภาพ และการทำให้สตรีเป็นสตรี (การปลดปล่อยสตรี)

นอตันกิ

สว่าง/แสงเป็นรูปแบบหนึ่งของการเต้นรำและละครเพลงที่พบได้ทั่วไปในรัฐหรยาณา อุตตรประเทศ ราชสถาน และมัธยประเทศ จริงๆ แล้ว แกว่งคล้ายกันมากกับ นอทังกิ. มีความแตกต่างเพียงเล็กน้อยเท่านั้น นอตันกิ- นี่เป็นรูปแบบการแสดงที่ตลกขบขันล้วนๆ ขณะที่อยู่ใน สแวงจ์มีทั้งเสียดสีและโรแมนติกแบบฮีโร่ การเป็นตัวแทน แกว่งตื่นตาไปกับบทเพลงและการเต้นรำพื้นบ้านมากมาย ตามเนื้อผ้าผู้ชายจะเล่นทุกบทบาท เพื่อสร้างบรรยากาศที่เหมาะสม คอนเสิร์ตจะเริ่มต้นหนึ่งชั่วโมงก่อนการแสดง เพื่อเตรียมผู้ชมให้พร้อมสำหรับการแสดง
บันดาล แพร์เป็นละครพื้นบ้านรูปแบบหนึ่งที่พบได้ทั่วไปในรัฐชัมมูและแคชเมียร์ วิชา พ่อบ้านมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวในตำนานและประเพณีของภูมิภาคและมีลักษณะเสียดสีเป็นหลัก การแสดงแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงองค์ประกอบของลัทธิแคชเมียร์ Shaivism และประเพณีของผู้นับถือมุสลิมแคชเมียร์ แต่โครงเรื่องหลักคือการต่อต้านของประชากรในท้องถิ่นกับผู้พิชิตจากต่างประเทศ แม้ว่าธีมของการผลิตจะเกี่ยวข้องกับเรื่องราวโบราณของกษัตริย์ แต่ก็มีการนำธีมทางสังคมสมัยใหม่เข้ามาด้วย ภาษาหลักของนักแสดงในการแสดง พ่อบ้านคือแคชเมียร์ . แต่เพื่อเน้นย้ำสถานการณ์ที่ตลกขบขันและเน้นสำนวนที่เข้ากันไม่ได้ โปรดักชั่นจึงใช้ภาษาปัญจาบ คุชรารี โดกรี ฟาร์ซี และภาษาอังกฤษ เพื่อแสดงภาพสัตว์ในละคร พ่อบ้านนักแสดงจะแต่งกายด้วยชุดใหญ่โตและสวมหน้ากาก

บันดาล แพร์

ยาตราเป็นรูปแบบละครเพลงพื้นบ้านยอดนิยมที่แพร่หลายตั้งแต่เบงกอลตะวันตกและโอริสสาไปจนถึงอัสสัม ตริปุระ และพิหาร ในศตวรรษที่ IX-XII การแสดงดนตรีนี้เผยแพร่ไปทั่วเบงกอล (ปัจจุบันคือเบงกอลตะวันตกและบังคลาเทศ) ภายใต้ชื่อ ชารยา. ต่อมาในศตวรรษที่ 16 ในระหว่างขบวนการภักติ ชารยากลายเป็นที่รู้จักในนาม ยาตรา(ขบวนแห่ทางศาสนาของนักเทศน์) และมีลักษณะทางศาสนาและการเทศนา แต่แล้วในศตวรรษที่ 19 เนื้อหาการแสดงกลายเป็นบทเรียนทางศีลธรรม และในศตวรรษที่ยี่สิบ ยาตรากลายมาเป็นการแสดงความบันเทิงธรรมดาๆ ยาวนานถึง 4 ชั่วโมง ต่อด้วยการแสดงดนตรีอันยาวนาน ในปัจจุบัน ธีมของการแสดงมีมากมายและรวมถึงนิทานมหากาพย์และนิทานพื้นบ้าน ตำนานทางประวัติศาสตร์ และนิทานพื้นบ้านในท้องถิ่น ตามธรรมเนียมแล้วใน ยาตราผู้ชายเล่นบทบาททั้งหมด แต่ตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ผู้หญิงเริ่มเข้าร่วมคณะชาย ปัจจุบันมีการใช้วิธีการสมัยใหม่ทั้งหมดเพื่อสร้างเอฟเฟกต์ที่สดใสในการผลิต

ยาตรา

มากเป็นโรงละครพื้นบ้านแบบดั้งเดิมในรัฐมัธยประเทศ นี่เป็นโรงละครพื้นบ้านรูปแบบใหม่ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 มากได้รับการออกแบบโดยนักแสดงชื่อดังในยุคนั้นเช่น Guru Gopalji และ Kaluram Ustad พวกเขาไม่เพียงแต่เขียนบทเท่านั้น แต่ยังกำกับการแสดงด้วย มากผู้ชายแสดงตามประเพณี การแสดงจะจัดขึ้นในภาษาฮินดี หัวข้อการแสดง เครื่องจักรกว้างขวางและครอบคลุมประเด็นทางศาสนา ประวัติศาสตร์ และสังคม

ทามาชา- รูปแบบละครเพลงและการเต้นรำที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 ในรัฐมหาราษฏระ หัวใจของการแสดงทั้งหมด ทามาชาเป็นเพลงรักที่เรียกว่า ลาวานีซึ่งเสริมด้วยการเต้นรำแบบดั้งเดิม นอกจากการเต้นในการแสดงแล้ว ทามาชาการแสดงกายกรรมก็มีอิทธิพลเหนือกว่าเช่นกัน

ทามาชา

ยักษัคณาเป็นการแสดงนาฏศิลป์รูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในคริสต์ศตวรรษที่ 16-17 ในรัฐกรณาฏกะ ภาคเรียน ยักษัคนะมีความหมายตามตัวอักษรว่า "บทเพลงแห่งจิตวิญญาณแห่งธรรมชาติ" และผสมผสานการแสดงนาฏศิลป์หลากหลายรูปแบบ เช่น อะต้า, บายาลาตา, คิคิและ ทศวธารา. ยักษัคณาเกิดขึ้นจากดนตรีพื้นบ้าน การเต้นรำ และละครของรัฐกรณาฏกะระหว่างขบวนการภักติของอินเดียใต้ เนื่องจากภักติหรือลัทธิไวษณพทำให้ศาสนาแพร่หลายผ่านการแสดงละครที่เรียบง่าย ยักษัคนะได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็วทั่วอินเดียตอนใต้ แปลง ยักษัคณาเป็นตอนจากมหาภารตะ รามเกียรติ์ และปุรณะ ตามประเพณี การแสดงจะเริ่มตั้งแต่ค่ำ การปรากฏตัวของนักแสดงบนเวทีนำหน้าด้วยการทาบทามดนตรียาว (ประมาณหนึ่งชั่วโมง) บทบาททั้งหมดแสดงโดยผู้ชายโดยเฉพาะ การแสดงจะมาพร้อมกับการร้องเพลงของผู้บรรยาย (ภควธี) ลักษณะคงที่ของการแสดงทั้งหมดคือตัวตลกที่เรียกว่า โคดังกิ. เครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าที่น่าทึ่งของนักแสดงสร้างอารมณ์พิเศษ ทำให้ผู้ชมดื่มด่ำในโลกแห่งจินตนาการอันมหัศจรรย์

ตรุกคุตตูเป็นรูปแบบของโรงละครริมถนนพิธีกรรมที่พบได้ทั่วไปในรัฐทมิฬนาฑูและประเทศเพื่อนบ้านในศรีลังกา การแสดงเป็นภาษาทมิฬ ตรุกคุตตูรวบรวมดนตรี การเต้นรำ และละครเข้าด้วยกัน หัวข้อการแสดงมีมากมาย แต่โดยพื้นฐานแล้ว โครงเรื่องทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวจากมหาภารตะ โดยเฉพาะส่วนของมหากาพย์ที่มีดราอัปดีเป็นตัวตั้งตัวตี ในเทศกาลมัรยัมมันประจำปี ซึ่งอุทิศให้กับเจ้าแม่สายฝนที่มีชื่อเดียวกัน จะมีการแสดงละครจากเรื่องรามเกียรติ์

มูดิเอตตูเป็นโรงละครพิธีกรรมแบบดั้งเดิมในรัฐเกรละ การแสดงจัดขึ้นในวัดที่อุทิศให้กับเจ้าแม่กาลีเท่านั้น การแสดงพรรณนาถึงการต่อสู้ระหว่างเทพธิดาภัทรากาลีกับอสุราดาริกา ซึ่งในครั้งก่อนเป็นผู้ชนะ การแสดงพิธีกรรมเหล่านี้เกิดขึ้นหลังการเก็บเกี่ยวระหว่างเดือนกุมภาพันธ์ถึงพฤษภาคม การแสดงจะเริ่มในเวลาอันเป็นมงคลและกินเวลา 41 วัน

โรงละครหุ่นกระบอกพื้นบ้านอินเดียแบบดั้งเดิม

โรงละครหุ่นกระบอก (โรงละครหุ่นอินเดีย) เป็นหนึ่งในรูปแบบความบันเทิงที่เก่าแก่ที่สุดในอินเดีย โดยเฉพาะในพื้นที่ชนบท มีความเจริญรุ่งเรืองในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งมานานหลายศตวรรษและเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมพื้นบ้าน ด้วยฝีมือของนักเชิดหุ่น หุ่นเชิดมีชีวิตขึ้นมา รวบรวมฉากจากมหาภารตะและรามเกียรติ์ พร้อมเลียนแบบชีวิตจริง โรงละครหุ่นกระบอกได้รับความนิยมมากที่สุดในรัฐคุชราต ราชสถาน เกรละ กรณาฏกะ และอานธรประเทศ ในอินเดีย มีการใช้หุ่นประเภทต่างๆ เช่น หุ่นไม้ หนังหรือเศษผ้าที่ควบคุมด้วยไม้หรือเชือก หุ่นถุงมือ รวมถึงหุ่นแบนที่ใช้ในโรงละครเงา
กาฐปุตลี- โรงละครหุ่นราชสถาน แปลจากภาษาราชสถาน แคธแปลว่า “ต้นไม้” และ พุตลี- “ตุ๊กตาไร้ชีวิต” เชื่อกันว่าโรงละครแห่งนี้ กัตปุตลีมีต้นกำเนิดในรัฐราชสถานเมื่อประมาณสองพันปีก่อน โดยมีหลักฐานอ้างอิงถึงตุ๊กตาไม้ในตำนานและเพลงท้องถิ่น ไม่มีเทศกาลทางศาสนาหรืองานแสดงสินค้าใดในรัฐราชสถานเกิดขึ้นโดยไม่มีการแสดงหุ่นกระบอกที่สนุกสนาน

ตระกูลผู้ปกครองของรัฐราชสถานได้ให้การสนับสนุนรูปแบบศิลปะนี้ทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ไม่เพียงแต่เป็นความบันเทิงรูปแบบหนึ่งเท่านั้น แต่ยังเป็นแหล่งศึกษาคุณธรรมอีกด้วย กัตปุตลีเจริญรุ่งเรืองจนกระทั่งพวกโมกุลเข้ามาถึงราชสถาน ในช่วงนี้ กัตปุตลีค่อยๆสูญเสียความหมายไป แต่ทุกวันนี้เช่นเดียวกับในสมัยก่อนโรงละคร กัตปุตลีสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมอีกครั้งด้วยการแสดงอันเร่าร้อน
ตามเนื้อผ้า กัตปุตลีเป็นอาชีพทางพันธุกรรมของชุมชนเร่ร่อน บาทอาศัยอยู่ทางตะวันตกของรัฐราชสถาน เช่นเดียวกับนักเชิดหุ่นเองเวิร์กช็อปหลายแห่งในรัฐทำตุ๊กตา: พวกเขาตัดหัวหุ่นออกจากไม้ทาสีและเสริมด้วยเสื้อผ้าที่สดใสปักด้วยเลื่อมถักเปียสีทองและกระจก ตามกฎแล้วสีของตุ๊กตาจะเป็นตัวกำหนดภาพลักษณ์ของตัวละคร ร่างสูงศักดิ์ถูกทาสีเบาๆ มีหนวดที่น่าประทับใจ และแต่งกายด้วยเสื้อคลุมสีสันสดใส อักขระเชิงลบมักมีสีเข้ม ตุ๊กตาตัวเมียมักจะแต่งกายด้วยสีสันสดใสและสดใสอยู่เสมอ
ด้วยการดึงลวดที่ติดอยู่กับหุ่นเชิด นักเชิดหุ่นจะทำให้พวกมันเต้นรำบนเวทีชั่วคราวได้อย่างชำนาญ นักขี่ม้าและอูฐ หมองู นักรบถือดาบ หญิงเต้นรำ และอีกมากมายสร้างความประทับใจให้กับผู้ชม

หุ่นที่เปลี่ยนก็ได้รับความนิยมอย่างมากเช่นกัน เมื่อในระหว่างการแสดง จู่ๆ ผู้หญิงเต้นรำก็กลายเป็นผู้ชายมีหนวดเครา การแสดงหุ่นกระบอกแต่ละรายการเต็มไปด้วยอารมณ์ขันและมีการแสดงดนตรีประกอบ แผนการแสดง กัตปุตลีโดยปกติจะมีธีมฟรี ซึ่งบางครั้งก็นำมาจากเทพนิยายและตำนานในท้องถิ่น แต่ละครหลักประกอบด้วยเพลงบัลลาดเกี่ยวกับ Amar Singh Rathore ผู้กล้าหาญ (1613-1644) เจ้าชายราชปุตที่รับใช้ในราชสำนักโมกุล ซึ่งความกล้าหาญในตำนานและทักษะการต่อสู้ทำให้เขาได้รับการยอมรับเป็นการส่วนตัวจากจักรพรรดิ การแสดงที่มีฉากการต่อสู้ที่ยาวนานเหล่านี้สร้างแรงบันดาลใจไม่เพียงแต่สำหรับผู้ชมรุ่นเยาว์เท่านั้น แต่ยังสำหรับคนรุ่นผู้ใหญ่ด้วย

ตุ๊กตาเปลี่ยน

ปูตุลเริ่มต้นเป็นโรงละครหุ่นอีกประเภทหนึ่งที่แผ่ขยายตั้งแต่เบงกอลตะวันตกไปจนถึงตริปุระและอัสสัม ตุ๊กตา ปูตุล จุดเริ่มต้นมีขนาดค่อนข้างใหญ่ สูงประมาณ 1.5 ม. พวกเขาแกะสลักจากไม้และแต่งกายด้วยเสื้อผ้าที่สวยงาม คณะศิลปินประกอบด้วยนักเชิดหุ่นที่ร้องเพลงและอ่านบทกวี และนักดนตรีที่เล่นฮาร์โมเนียม กลอง และฉาบโลหะ การแสดงมักจัดขึ้นที่งานแสดงสินค้าในชนบท พวกเขาแสดงเรื่องราวเกี่ยวกับพระกฤษณะหรือด้นสดในธีมฟรีที่ตุ๊กตาจะเต้นรำ

ปาวากถากาลีเป็นการแสดงหุ่นละครเต้นรำยอดนิยมในเกรละ คทากาลี. การแสดงใช้หุ่นถุงมือขนาด 30-50 ซม. เรื่องราวต่างๆ จากมหาภารตะเป็นหัวข้อของการแสดงที่เกิดขึ้นในเวลากลางคืนภายใต้แสงตะเกียงน้ำมัน ระยะเวลาของการแสดงแตกต่างกันไปตั้งแต่หนึ่งชั่วโมงถึงสองชั่วโมง และบางครั้งก็นานกว่านั้น ในละครเต้นรำ คทากาลีเล่าเรื่องโดยใช้ท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้า แต่ตุ๊กตาไม้ไม่สามารถเข้าถึงภาษานี้ได้ดังนั้นจึงมีบทบาทสำคัญในการแสดงโดยได้รับความช่วยเหลือจากนักร้องในการถ่ายทอดเนื้อหาของการแสดง ในอดีต การแสดงมีลักษณะเฉพาะทางศาสนาและเป็นการแสดงเพื่อบูชาเทพเจ้าในช่วงเวลาที่เกิดภัยแล้งและโรคระบาด อีกด้วย ปากถากาลีซึ่งเล่นในช่วงเทศกาลศิวราตรี ในช่วงทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 20 ประเพณี ปากถากาลีเกือบจะหายไป แต่ด้วยความพยายามของกระทรวงวัฒนธรรมของอินเดีย โรงละครหุ่นกระบอกแบบดั้งเดิมแห่งนี้จึงสามารถฟื้นคืนชีพและนำไปสู่ระดับนานาชาติได้ การแสดงวันนี้ ปากถากาลียังสามารถพบเห็นได้ในเทศกาลศิลปะนานาชาติอีกด้วย

การเล่นเงา

เชื่อกันว่าโรงละครเงาถือกำเนิดขึ้นเมื่อสามพันปีก่อนในเอเชียตะวันออกเฉียงใต้และค่อยๆ แทรกซึมเข้าไปในฮินดูสถาน โรงละครเงาเป็นที่นิยมมากในรัฐอานธรประเทศ กรณาฏกะ เกรละ และโอริสสา ตามเนื้อผ้าหุ่นเงาของรัฐโอริสสาและเกรละจะเป็นสีดำและสีขาว และในรัฐกรณาฏกะและอานธรประเทศก็มีการระบายสี
โธลู บอมมาลาตาเป็นรูปแบบศิลปะการแสดงแบบดั้งเดิมในรัฐอานธรประเทศ คำต่อคำ โธลาหมายถึง "ผิวหนัง" และ บอมมาลาตู- "เต้นรำตุ๊กตา" ไร้ที่อยู่ถาวรนักเชิดหุ่นเร่ร่อน โธลา บอมมาลาตาเดินเตร่ไปทั่วรัฐ แสดง กายกรรม บอกโชคลาภ ขายเครื่องประดับและซ่อมแซมเครื่องใช้ ชาวบ้านเรียกพวกเขา กอมเบอรัม.
ตุ๊กตา Tholu Bommalata คลาสสิกแบบดั้งเดิมทำจากหนังที่ย้อมด้วยสีย้อมผัก ปัจจุบันนี้พวกเขาถูกตัดออกจากฟิล์มเพื่อเอ็กซเรย์ด้วยซ้ำ ขนาดของตัวเลขที่ทำเสร็จแล้วมีความสูงเกือบหนึ่งเมตร แขนและขาของตุ๊กตาสามารถขยับได้ ตัวตุ๊กตาถูกควบคุมโดยใช้ไม้ที่ติดอยู่ หน้าจอสีขาวเรียบง่ายกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงที่บอกเล่าเรื่องราวจากรามเกียรติ์ มหาภารตะ และตำนานท้องถิ่น

โธลู บอมมาลาตา

โตกาลู กอมบียาตา/โตกาลู บอมยาตา- การแสดงละครเงาในรัฐกรณาฏกะ ก่อนหน้านี้เป็นพิธีกรรมทางศาสนาในการถวายสักการะเทพเจ้าด้วยการสวดมนต์ขอฝนหรือป้องกันโรค วันนี้ โตกาลู กอมบียาตาเป็นเพียงสื่อแห่งความบันเทิง โครงเรื่องหลักเป็นเรื่องราวจากรามเกียรติ์และมหาภารตะ ตามเนื้อผ้า การแสดงจะเริ่มในช่วงเย็นและยาวนานจนถึงเช้า หุ่นสำหรับการผลิตทำจากหนังแพะและทาสีด้วยสีสันสดใส โรงละครเงาแห่งนี้สามารถพบเห็นได้ในหลายหมู่บ้านในรัฐกรณาฏกะ แต่ยังคงสูญเสียความสำคัญไป เหมือนกับทุกๆ อย่างแบบดั้งเดิม และเปิดทางให้กับกระแสสมัยใหม่ เช่น โทรทัศน์ อินเทอร์เน็ต ฯลฯ

ทอลปาวากุถุเป็นโรงละครเงารูปแบบหนึ่งในรัฐเกรละ เชื่อกันว่าศิลปะนี้มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 9 ทอลปาวากุถุ- พิธีกรรมทางศาสนาล้วนๆ ที่อุทิศให้กับ Bhadrakali ซึ่งดำเนินการในวัดหลายแห่งของ Devi (Durga) ละครเรื่องนี้เป็นเวอร์ชันสมบูรณ์ของกัมบะรามายณะ ซึ่งเป็นเวอร์ชันทมิฬของรามายณะ การแสดงนี้ดำเนินการในภาษาทมิฬ สันสกฤต และมาลายาลัม ความยาว 21 วัน 9 ชั่วโมง แต่ก็มีแบบที่ยาวกว่านั้นด้วย ซึ่งยาวนานถึง 70 วัน ขึ้นอยู่กับประเพณีของวัดที่จัดการแสดงเหล่านี้ ตามประเพณี การแสดงจะเริ่มในตอนเย็นและสิ้นสุดในเวลารุ่งเช้า พิธีกรรมการแสดงละครนี้เกี่ยวข้องกับหุ่นประมาณ 180 ถึง 200 ตัว โดยต้องมีนักแสดงประมาณ 40 คน ตุ๊กตาที่มีแขนและขาที่ขยับได้มักจะมีความสูงมากกว่าหนึ่งเมตรเล็กน้อย พวกเขาทำจากหนังแพะ ทอลปาวากุถุเช่นเดียวกับศิลปะรูปแบบดั้งเดิมอื่นๆ ที่กำลังใกล้สูญพันธุ์ จนล่าสุดมีเพียงไม่กี่ครอบครัวในชุมชน พูลาวาร์สืบสานประเพณีนี้ต่อไป ต้องขอบคุณการสนับสนุนจากรัฐบาล การนำธีมสมัยใหม่มาใช้ในละคร และลดเวลาการแสดงลง สถานการณ์นี้จึงดีขึ้นเล็กน้อย ปัจจุบัน การแสดงไม่เพียงแต่ในวัดเท่านั้น แต่ยังแสดงในวิทยาลัยด้วย เช่นเดียวกับในเทศกาลภาพยนตร์นานาชาติเกรละ

ทอลปาวากุถุ

ทศกัณฐ์ ชายา
โรงละครเงาโอริสสามีชื่อว่า ทศกัณฐ์ซึ่งแปลตรงตัวว่า "เงาแห่งทศกัณฐ์" นี่คือโรงละครเงาที่เก่าแก่ที่สุดที่อนุรักษ์ไว้ในอินเดีย ทศกัณฐ์ ชายาแพร่หลายในพื้นที่ชนบทซึ่งชาวบ้านถือเป็นพิธีกรรมที่สามารถป้องกันภัยพิบัติทางธรรมชาติและโรคภัยไข้เจ็บได้ เนื้อเรื่องของละครเป็นเวอร์ชันสั้นของมหากาพย์อันโด่งดังเรื่อง “รามเกียรติ์” ที่สร้างจากถ้อยคำของกวีชาวโอริสสาในยุคกลาง วิศวนาถ ขุนติยา หุ่นกระบอกเล็กๆ ทำจากหนังกวางและติดกับแท่งไม้ไผ่ ตุ๊กตามีลักษณะเป็นเอกรงค์ แขนขาไม่เคลื่อนไหว มีการใช้ตัวเลขประมาณ 700 ตัวในการแสดง บ่อยครั้งในการผลิต เหตุการณ์ที่อธิบายไว้ในมหากาพย์มักจะมาบรรจบกับยุคสมัยของเรา การแสดงซึ่งใช้เวลา 7 วันจะแสดงในเวลากลางคืนพร้อมกับดนตรีพื้นบ้านเป็นจังหวะ การบรรยายโดยนักเล่าเรื่อง และการร้องเพลงโดยนักร้องสองคน ครั้งสุดท้าย ทศกัณฐ์ ชายาเริ่มเสื่อมความนิยมอย่างรวดเร็ว ในเรื่องนี้ ศูนย์ศิลปะแห่งชาติอินทิราคานธีได้ใช้ความพยายามอย่างมากเพื่อรักษาและฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้

โรงละครสมัยใหม่

ในช่วงการปกครองของอังกฤษ ทิศทางใหม่ในโรงละครอินเดียเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง เวทีละครกลายเป็นอาวุธในการต่อสู้กับการปกครองอาณานิคม ในเรื่องนี้อังกฤษควบคุมกิจกรรมการแสดงละครทั้งหมดในประเทศ การแสดงด้นสดอันอื้อฉาวทั้งหมดที่เปิดเผยถึงความยินยอมของการเมืองอาณานิคมเป็นสิ่งต้องห้าม แต่ในช่วงสองร้อยปีของการดำรงอยู่ของอังกฤษ ไม่มีการแลกเปลี่ยนวัฒนธรรมเล็กๆ น้อยๆ การผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมตะวันออกและตะวันตกทำให้เกิดโรงละครอินเดียสมัยใหม่ เมื่อเวลาผ่านไป เรื่องราวเกี่ยวกับเทพเจ้า ปราชญ์ และวีรบุรุษในตำนานก็จางหายไปในเบื้องหลัง ทำให้เกิดเรื่องราวเกี่ยวกับคนธรรมดาที่มีปัญหาเร่งด่วน
กัลกัตตาและมัทราสกลายเป็นเมืองใหญ่แห่งแรกที่โรงละครสไตล์ตะวันตกเริ่มพัฒนาขึ้น
ในตอนต้นของศตวรรษที่ยี่สิบ โรงละครอินเดียกำลังเข้าสู่ขั้นตอนใหม่ของการพัฒนา ในปี พ.ศ. 2465 พรรคคอมมิวนิสต์แห่งอินเดียได้ก่อตั้งขึ้น ซึ่งในปี พ.ศ. 2485 ได้ก่อตั้งฝ่ายวัฒนธรรมหรือ สมาคมละครพื้นบ้านอินเดีย (IPTA/สมาคมละครประชาชนอินเดีย). กิจกรรมขององค์กรมีผลกระทบสำคัญต่อการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดงละครในประเทศ กิจกรรมของ IPTA ได้รับการสนับสนุนอย่างมากจากผู้ที่ชื่นชอบรูปแบบการพัฒนาสังคมของยุโรปตะวันตกและอเมริกาเป็นหลัก
โรงละครอินเดียสมัยใหม่ได้รับการตั้งหลักใหม่ในปี พ.ศ. 2496 หลังจากการเปิดสถาบัน Sangeet Natak Academy (สถาบันดนตรี การเต้นรำ และการละครแห่งรัฐอินเดีย)
ปัจจุบัน อินเดียเป็นหนึ่งในไม่กี่ประเทศที่มีโรงเรียนการละครระดับมืออาชีพจำนวนมาก โดยโรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดตั้งอยู่ในเมืองใหญ่ๆ เช่น เดลี โกลกาตา และมุมไบ

การดำรงอยู่ของละครในอินเดียในรูปแบบศิลปะที่แยกจากกันนั้นอยู่ได้ไม่นาน แต่ในช่วงเวลาอันสั้นนี้ โรงละครอินเดียได้สถาปนาตนเองให้เป็นตัวแทนของศิลปะการแสดงที่สว่างไสว เต็มไปด้วยสีสัน และเต็มไปด้วยสีสันที่สุด

มีหลายทฤษฎีเกี่ยวกับการเกิดขึ้นของละครในประเทศที่ไม่ธรรมดาแห่งนี้ พูดคุยครั้งแรกเกี่ยวกับการยืมประเพณีการแสดงละครจากวัฒนธรรมกรีกโบราณ ทฤษฎีที่สองชี้ให้เห็นว่าละครอินเดียมีต้นกำเนิดในสังคมของตัวเองอันเป็นผลมาจากการพัฒนาและการเปลี่ยนแปลงของศีลและพิธีกรรมโบราณ แต่ไม่มีทฤษฎีใดที่มีหลักฐานที่เชื่อถือได้ ดังนั้นนักประวัติศาสตร์ศิลปะจึงส่งเสริมข้อสันนิษฐานของการเกิดขึ้นของศิลปะการแสดงละครซึ่งมีพื้นฐานมาจากความเป็นไปได้ที่การเกิดขึ้นของละครจากการผสมผสานของความบันเทิงหลายประเภท ตัวอย่างเช่น การแสดงพิธีกรรมอย่างกะทันหันเพื่อเป็นเกียรติแก่พระอินทร์ด้วยลัทธิและลักษณะดั้งเดิมตลอดจนลัทธิลึกลับซึ่งมีพื้นฐานมาจากตำราของพระเวท ผลงานทั้งหมดโดดเด่นด้วยความงดงามและความงดงามที่ไม่มีใครเทียบได้ของปรากฏการณ์นี้ การเฉลิมฉลองดังกล่าวมาพร้อมกับการแสดงของนักเดินไต่เชือก นักดนตรี และนักแสดงที่แสดงการละเล่นตลกๆ

การแบ่งประเภทของละครอินเดีย

ในวัฒนธรรมอินเดีย การแบ่งการแสดงละครออกเป็นหลายประเภท ได้แก่

• ของประชาชน. ศิลปะการแสดงประเภทนี้มีโครงเรื่องตามมหากาพย์และเทพนิยายอินเดีย อาชีพการแสดงในอินเดียไม่ได้รับการเคารพ นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าศิลปินวาดภาพเทพเจ้าในรูปแบบที่ตลกและลามกอนาจาร นักแสดงรู้สึกอับอายและถือเป็นชนชั้นล่างในสังคม แต่เพื่อที่จะมีความเชี่ยวชาญในอาชีพนี้ คุณจะต้องเป็นคนที่มีการศึกษาพอสมควร
• กูร์เทียร์. การแสดงจัดขึ้นในลานของขุนนางเพื่อความบันเทิง

กลุ่มละครอินเดียมีทั้งชายและหญิง พวกเขาเดินไปจากเมืองหนึ่งไปอีกเมืองหนึ่งเพื่อแสดงให้ผู้คนเห็น

องค์ประกอบหลักของการแสดงละครในอินเดียคือการเต้นรำและดนตรี การกระทำทั้งหมดของผู้เข้าร่วมการแสดงอยู่ภายใต้เสียงดนตรี การเต้นรำเป็นพื้นฐานของโรงละครอินเดียทั้งหมด มีต้นกำเนิดมาจากการเต้นรำพิธีกรรม ซึ่งหลังจากการพัฒนาและปรับปรุงจนกลายมาเป็นสิ่งที่เราเห็นในปัจจุบัน

โรงละครแห่งชาติ Kathakali ซึ่งมีต้นกำเนิดทางตอนใต้ของประเทศนี้ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในอินเดีย กัตตากาลีมีพื้นฐานมาจากพิธีกรรมทางศาสนา และดนตรีบรรเลง การแสดงออกทางสีหน้า และท่าทางเป็นเพียงส่วนเสริมเท่านั้น ศิลปะการแสดงละครประเภทนี้มีคุณสมบัติหลายประการ ประการแรก มันเริ่มต้นเวลาพระอาทิตย์ตกเสมอ และประการที่สอง มันกินเวลาอย่างน้อยหกชั่วโมง

ไม่มีประเทศแห่งวัฒนธรรมใดที่สามารถจินตนาการได้หากไม่มีโรงละคร และอินเดียก็ไม่มีข้อยกเว้น ดังนั้นเมื่อจองโรงแรมในอินเดียอย่าลืมว่าในเมืองใหญ่ ๆ ของอินเดียทุกแห่งคุณสามารถชมการแสดงละครได้ ยิ่งไปกว่านั้น หลักการและสไตล์ของโรงละครอินเดียยังแตกต่างจากละครและคอเมดี้ในประเทศอย่างมาก ดังนั้นจึงมีความน่าสนใจและยอดเยี่ยมไม่แพ้กัน

โรงละครมาถึงอินเดียตั้งแต่สมัยกรีกโบราณ แม้ว่าผู้เชี่ยวชาญหลายคนจะโต้แย้งวิทยานิพนธ์นี้ แต่คุณลักษณะหลายประการของโรงละครอินเดียก็มีอยู่ในโศกนาฏกรรมและคอเมดีของกรีก

อย่างไรก็ตาม เช่นเดียวกับในประเทศอื่นๆ พบคนที่มีความสามารถในอินเดียซึ่งเริ่มเตรียมสคริปต์สำหรับงานของอินเดียอย่างอิสระ ในเวลาเดียวกัน ประเพณีและขนบธรรมเนียมท้องถิ่นก็ยึดถือพื้นฐานภาษากรีก

ในช่วงรุ่งสางของโรงละคร มีเพียงผู้ปกครองในท้องถิ่นและคนรวยมากเท่านั้นที่สามารถซื้อความหรูหราเช่นนี้ได้ ดังนั้นคนรับใช้ของพวกเขาจึงกลายเป็นนักแสดงกลุ่มแรก เมื่อมีการแพร่กระจายของโรงละคร นักแสดงมืออาชีพก็ปรากฏตัวขึ้นด้วย

สำหรับละครอินเดีย ละครมีความหลากหลายมาก แม้ว่ากฎเกณฑ์หลายข้อจะยังคงเป็นเรื่องปกติก็ตาม ปริมาณงานแตกต่างกันมาก ในบรรดาละครอินเดีย คุณจะพบทั้งภาพร่างและฉากเล็กๆ ที่มีความยาวเพียงไม่กี่นาที และผลงานขนาดใหญ่ที่การกระทำนั้นคงอยู่ตลอดทั้งวัน

ผู้กำกับและนักเขียนบทละครชาวอินเดียส่วนใหญ่ปฏิบัติตามกฎเกณฑ์ที่ชัดเจน มีหลายคน ประการแรก โดยไม่คำนึงถึงแนวคิดและโครงเรื่อง ไม่อนุญาตให้ใช้ความรุนแรงบนเวที ในอินเดียโบราณก็มีเพียงพอแล้วแม้ว่าจะไม่มีโรงละครก็ตาม ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องปกติที่จะถ่ายทอดฉากแห่งความโหดร้ายไปยังเวทีละคร

กฎข้อที่สองซึ่งปฏิบัติตามอย่างเคร่งครัดเกี่ยวข้องกับการสิ้นสุดงาน ดังนั้นคุณไม่ควรคิดว่าการจบละครหรือภาพยนตร์อย่างมีความสุขนั้นเป็นสิ่งประดิษฐ์ของฮอลลีวูด เป็นที่รู้จักและใช้ในอินเดียโบราณเมื่อหลายศตวรรษก่อนคริสต์ศักราช ดังนั้นละครอินเดียทั้งโบราณและสมัยใหม่จึงปฏิบัติตามกฎข้อนี้อย่างเคร่งครัด โครงเรื่องอาจจะน่าเศร้าและน่าสะเทือนใจ แต่ในที่สุดทุกอย่างก็จะจบลงด้วยดี

ประเด็นพิเศษคือการจัดโรงละคร ให้ความสนใจอย่างมากกับการแสดงละครในส่วนนี้ เครื่องแต่งกายสำหรับฮีโร่ได้รับการคัดเลือกมาอย่างดี พวกเขาใช้วัสดุที่แพงที่สุดและการตกแต่งก็ใช้เงินเป็นจำนวนมาก แม้ว่าอุปกรณ์ประกอบละครจะไม่ใช่ทรัพย์สินของนักแสดงก็ตาม

กฎสำหรับการแสดงละครอินเดียยังใช้กับอุปกรณ์บนเวทีด้วย ไม่มีฉากกั้นระหว่างผู้ชมและนักแสดง ดังนั้นเมื่อนักแสดงขึ้นเวที พวกเขาก็ดึงดูดสายตาผู้ชมทันที นอกจากนี้ยังมีการตกแต่งเล็กน้อยในโรงละครอินเดีย และความหลากหลายของอุปกรณ์ประกอบฉากก็ถูกแทนที่ด้วยท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า และการเต้นรำที่เพิ่มขึ้น

ที่น่าสนใจคือนักแสดงชาวอินเดียแทบไม่ได้พูดอะไรเลย การกระทำทั้งหมดแสดงออกผ่านท่าทางและการเต้นรำ และประชาชนสามารถเดาได้ว่าเกิดอะไรขึ้นโดยการทำความเข้าใจสัญลักษณ์พิเศษที่แสดงออกมาด้วยท่าทางเท่านั้น

ขอแนะนำให้ชมละครอินเดียด้วยตาของคุณเอง นี่เป็นปรากฏการณ์ที่น่าสนใจและน่าหลงใหลมาก

โรงละครแห่งอินเดีย
ศิลปะการแสดงละครของอินเดียมีต้นกำเนิดเมื่อหลายพันปีก่อน รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ของหญิงสาวเต้นรำ ที่พบในระหว่างการขุดค้นในเมือง Mohenjo Daro มีอายุย้อนกลับไปในสหัสวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช จ. การเต้นรำเป็นพิธีกรรมที่กลายเป็นแกนหลักในการก่อตั้งโรงละครคลาสสิกของอินเดีย ในอินเดียโบราณ การแสดงละครเป็นส่วนบังคับของวันหยุดที่อุทิศให้กับเทพเจ้า ตัวอย่างเช่น กิจกรรมหลักของวันหยุดเพื่อเป็นเกียรติแก่พระอินทร์ (เทพเจ้าสายฟ้า) คือการชัก "ธง" ของพระอินทร์ แบนเนอร์มีสัญลักษณ์เป็นต้นไม้ซึ่งนำมาจากป่ามาตกแต่ง หลังจากเสร็จสิ้นพิธี ต้นไม้ก็จะถูกฝังลงในแม่น้ำตามพิธีเพื่อให้น้ำและดินมีกำลัง การกระทำนี้มีนักมวยปล้ำนักมายากลนักเดินไต่เชือกนักดนตรีและนักแสดงตลกเข้าร่วมซึ่งถูกเรียกว่า "นาตะ" (ต่อมาได้กลายเป็นชื่อของนักแสดงมืออาชีพ) การกล่าวถึงนาตาพบได้ในอนุสรณ์สถานวรรณกรรมอินเดียตั้งแต่ครึ่งหลังของสหัสวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช จ. ก่อนยุคใหม่ โรงละครพื้นบ้านพัฒนาขึ้นในอินเดีย การแสดงยังคงได้รับความนิยมอย่างมากในประเทศ

หนึ่งในรูปแบบที่พบบ่อยที่สุดของโรงละครในอินเดียเหนือคือละครเพลงและการเต้นรำที่เรียกว่าไลล่า การแสดงบางครั้งใช้เวลานานกว่าหนึ่งเดือน ตัวละครบังคับของไลล่าคือปีศาจและสัตว์ที่ชั่วร้ายและดี ดังนั้นในการต่อสู้กับปีศาจร้ายฮีโร่พระรามจึงได้รับความช่วยเหลือจากหนุมะลิงผู้กล้าหาญและมีไหวพริบอยู่เสมอ นักแสดงแสดงในเครื่องแต่งกายและหน้ากากสีสันสดใส การกระทำเกิดขึ้นโดยไม่มีทิวทัศน์ ระหว่างตอนต่างๆ บางครั้งจะมีการเล่นสลับฉากตลกๆ - โชมาส์ นักแสดงเตรียมแสดงในตอนต่อๆ ไป เปลี่ยนเสื้อผ้าหรือพักผ่อนท่ามกลางสายตาผู้ชมอย่างเต็มที่ ทางตอนใต้ของประเทศมีการพัฒนารูปแบบอื่น - โรงละครลึกลับ มันค่อนข้างคล้ายกับดอกลิลลี่ทางเหนือ แต่ก็มีความแตกต่างเช่นกัน การแสดงละครของภาคใต้มีความเกี่ยวข้องกับศิลปะของนักเล่าเรื่องในวัด - chakiars ผู้อ่านบทกวีในภาษาสันสกฤต (ภาษาคลาสสิกของสมัยโบราณ) จากนั้นอธิบายข้อความเป็นภาษาของชาวท้องถิ่น ในเวลาเดียวกัน ชาเคียร์ก็ใช้สีหน้าและท่าทาง เมื่อเวลาผ่านไปนักแสดงก็เริ่มแสดงในวัดพร้อมกับผู้อ่าน พวกเขาอ่านข้อความภาษาสันสกฤตและร่วมอ่านพร้อมเต้นรำ การแสดงนี้เรียกว่า กุฏิยตตัม (ภาษาสันสกฤต “การเต้นรำรวม”) ในกุฏิยตธรรมทั้งคำและการเต้นรำมีความสำคัญเท่าเทียมกัน ในช่วงกลางสหัสวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช จ. โรงละครอินเดียคลาสสิกเกิดขึ้น การแสดงหลายรายการเป็นการแสดงละครตามตำนานและตำนาน อย่างไรก็ตาม ละครคลาสสิกในภาษาสันสกฤตก็ถูกสร้างขึ้นในอินเดียเช่นกัน ความรุ่งเรืองของมันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ I-IX นักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Bhasa, Kalidasa และ Shudraka วันเดือนปีเกิดของพวกเขาเป็นวันที่โดยประมาณข้อมูลของนักวิจัยบางครั้งอาจแตกต่างกันมานานหลายศตวรรษ ผลงานที่ดีที่สุด 13 ชิ้นของพระภาสา (ศตวรรษที่ 2 หรือ 3) ถือเป็นผลงานที่ดีที่สุดคือ "วสวัทตตะปรากฏในความฝัน" ซึ่งเป็นละครเกี่ยวกับความรักที่กษัตริย์มีต่อพระมเหสี วสวัทตตะ

ผลงานของ "Clay Cart" ที่มีชื่อเสียงนั้นมาจาก King Shudraka (สันนิษฐานว่าเป็นศตวรรษที่ 4) ละครเรื่องนี้มีอายุยืนยาวกว่าผู้สร้าง: ได้รับการแสดงบนเวทีของโรงละครทั่วโลกแม้ในศตวรรษที่ 20 งานนี้ไม่ได้บอกเกี่ยวกับเทพเจ้าและปีศาจ ไม่เกี่ยวกับกษัตริย์และภรรยาที่ซื่อสัตย์ของพวกเขา (ซึ่งเป็นแบบดั้งเดิม) แต่เกี่ยวกับนักแสดงสาวโสเภณี นางเอกไปหลงรักพราหมณ์ จารุทัตตา ชายวรรณะสูง และแต่งงานแล้วด้วย การทดลองมากมายเกิดขึ้นกับคู่รักจนกระทั่งพวกเขาได้กลับมาพบกันอีกครั้ง

คณะละครอินเดียคลาสสิกประกอบด้วย สุขตราธารา (นักแสดงนำ ผู้กำกับและหัวหน้าโรงละครในเวลาเดียวกัน) นาติ (ภรรยาของนักแสดงคนแรกและนักแสดงนำ) สธาปะกา (ผู้ช่วยคนแรก ช่างแต่งหน้าและนักออกแบบเครื่องแต่งกาย), pripersvika (ผู้ช่วยคนที่สองที่ทำงานมอบหมายต่างๆ ) โรงละครรูปแบบพิเศษในอินเดียคือการเต้นรำคลาสสิก โดยพื้นฐานแล้ว นี่ไม่ใช่การเต้นรำในรูปแบบที่บริสุทธิ์ แต่เป็นการเต้นรำแบบละครที่มีการเต้น คำพูด และบางครั้งก็ผสมผสานกัน รูปแบบที่เก่าแก่ที่สุดรูปแบบหนึ่งคือ Bharatnatyam ซึ่งยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ต้องขอบคุณนักเต้นระบำในวัดที่อุทิศชีวิตเพื่อรับใช้เทพเจ้า นักเต้นในอนาคตได้รับการฝึกฝนตั้งแต่วัยเด็ก: พวกเขาถูกส่งไปยังวัดและที่นั่นเด็กผู้หญิงเติบโตขึ้นภายใต้การดูแลเอาใจใส่ของนักบวช นักเต้นแต่งกายด้วยชุดปักสดใส โค้งคำนับกูรู (ครู) และผู้ชมก่อน จากนั้นดูเหมือนจะหยุดนิ่งอยู่ครู่หนึ่ง ฟังเสียงฉาบและร้องเพลง และในที่สุดการแสดงเต้นรำก็เริ่มต้นขึ้น เป็นการผสมผสานระหว่าง nritya (การเต้นรำและเรื่องราว) กับ nrita (การเต้นรำในรูปแบบที่บริสุทธิ์) จากนั้นติดตามการแสดงสลับฉาก: นักร้องร้องเพลงและนักเต้นถ่ายทอดเนื้อหาโดยเน้นด้วยการแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางมือที่แสดงออก ประโยคเดียวกันนี้ได้ยินซ้ำแล้วซ้ำอีกและแต่ละครั้งนักเต้นจะตีความหมายที่แตกต่างกัน ในศตวรรษที่ 16 รูปแบบกะตักเจริญรุ่งเรืองในอินเดียตอนเหนือ เมื่อถึงเวลานั้น รัฐมุสลิมก็ได้ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งภายในนั้น อิทธิพลร่วมกันของศิลปะฮินดูและมุสลิมเกิดขึ้น Kathak เป็นผลมาจากการผสมผสานของสองวัฒนธรรม: การเต้นรำดำเนินการในชุดเปอร์เซีย แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็เล่าตำนานอินเดียเกี่ยวกับความรักของ Radha และ Krishna ในศตวรรษที่ 17 ทางตอนใต้ของอินเดีย ในดินแดนแห่งทะเลสาบและทะเลสาบที่ใสสะอาด หาดทราย นาข้าว และสวนเครื่องเทศ ละครเต้นรำโขน - กัตตากาลี - กำลังเป็นรูปเป็นร่าง

การแสดงจะมีให้ในลานวัดหรือในที่โล่ง ละครเรื่องนี้บอกเล่าเกี่ยวกับเทพเจ้าและปีศาจ ความรักและความเกลียดชังของพวกเขา มักจะแสดงโดยมีพื้นหลังสีดำในตอนกลางคืน นักแสดงที่แต่งหน้าสดใส (เขียว แดง และดำ) และหน้ากากปรากฏตัวจากความมืดและหายไปในความมืด ตลอดการกระทำพวกเขาไม่พูดอะไรสักคำ บทนำของการแสดงคือการตีกลองอย่างดุเดือดซึ่งออกแบบมาเพื่อเติมพลังให้กับนักแสดง ทักษะของนักแสดง Kathakali นั้นเรียนรู้ตั้งแต่วัยเด็กภายใต้การแนะนำของกูรู นักแสดงต้องเข้าใจแก่นแท้ของสิ่งที่กำลังนำเสนอ ไม่ว่าจะเป็นคน ดอกไม้ นก ฯลฯ โดยเน้นไปที่ความถูกต้องและการแสดงออกเป็นพิเศษ

โรงละครของประเทศในเอเชียโรงภาพยนตร์ในประเทศแถบเอเชียไม่เหมือนกัน แต่ละประเทศมีภาษา วัฒนธรรมของตนเอง และประเพณีประจำชาติของตนเอง ยังมีบางสิ่งที่เหมือนกันที่นำศิลปะการแสดงละครของประเทศเหล่านี้มารวมกัน

วัฒนธรรมของอินเดีย จีน และญี่ปุ่นมีวิวัฒนาการมาเป็นเวลาหลายพันปี โดยยังคงรักษาคุณลักษณะหลักของวัฒนธรรมก่อนหน้านี้ไว้ในระยะต่อๆ ไป นั่นคือเหตุผลว่าทำไมศิลปะการแสดงละครจึงถูกเรียกว่าศิลปะแบบดั้งเดิม ซึ่งเผยให้เห็นถึงคุณลักษณะของสมัยก่อนในปัจจุบันด้วยซ้ำ

ในอินเดีย จีน ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ ในยุครุ่งอรุณของมนุษยชาติ แนวคิดที่คล้ายกันจำนวนหนึ่งเกี่ยวกับโลกรอบตัวเราและเกี่ยวกับมนุษย์ได้พัฒนาขึ้น จากนั้นสวรรค์ โลก และมนุษย์ถูกมองว่าเป็นองค์รวม โดยที่กฎของจักรวาลกำหนดเงื่อนไขของพวกเขา ซึ่งมนุษย์พยายามทำความเข้าใจและปฏิบัติตาม ตามกฎหมายเหล่านี้ ศิลปะการแสดงละครจึงถูกสร้างขึ้น การโอบรับความใหญ่โต การแสดงความสามัคคี ความสมบูรณ์ของโลก ไม่ใช่เรื่องง่าย จำเป็นต้องมีระบบการแสดงออกพิเศษซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนหลักการของสัญลักษณ์ ท่าทางบนเวที ดนตรีประกอบ พื้นที่บนเวที การแต่งหน้า และการตกแต่งเครื่องแต่งกายบนเวทีล้วนเป็นสัญลักษณ์ ความสามัคคียังแสดงออกมาในรูปแบบพิเศษของละคร - ละครเพลงซึ่งผสมผสานการพูดการร้องเพลงและการเต้นรำเข้าด้วยกัน การสังเคราะห์นี้ก่อให้เกิดอุปกรณ์โวหารของการเคลื่อนไหวบนเวที การเต้นรำ และท่าทางการร้องเพลงและการพูดที่แปลกประหลาดและด้อยกว่า

ระบบความเชื่อทางศาสนามีบทบาทพิเศษ โดยเฉพาะอย่างยิ่งพุทธศาสนา ซึ่งมาจากอินเดียก่อนมาจีน จากนั้นจึงมาญี่ปุ่น ทำให้วรรณกรรมและบทกวีของจีนและญี่ปุ่นสมบูรณ์ และแน่นอนว่าเป็นละครที่มีเรื่องราวทางพุทธศาสนา พุทธศาสนามีอิทธิพลต่อรูปแบบท่าทางเชิงสัญลักษณ์ โดยขยายรูปแบบความหมายออกไป

ต้นกำเนิดของศิลปะการแสดงละครในอินเดีย จีน และญี่ปุ่นมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับพิธีกรรมทางศาสนา ซึ่งมีอิทธิพลต่อการก่อตั้งหลักการละคร เขากำหนดกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดสำหรับศิลปะการแสดงบนเวทีและทักษะของนักแสดง โดยกำหนดให้นักแสดงต้องเชี่ยวชาญเทคนิคการแสดงทุกประเภท

โรงละครอินเดีย

หลักฐานเริ่มแรกของการเกิดขึ้นของศิลปะการแสดงละครคือรูปปั้นทองสัมฤทธิ์ของหญิงสาวเต้นรำ ซึ่งพบระหว่างการขุดค้นในเมืองโมเฮนโจ-ดาโรในสหัสวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช การเต้นรำเป็นพิธีกรรมที่กลายเป็นแกนหลักในการก่อตั้งโรงละครคลาสสิกของอินเดีย แบบจำลองสำหรับนักเต้นคือภาพของพระศิวะที่กำลังเต้นรำซึ่งการเต้นรำแสดงพลังความคิดสร้างสรรค์และการทำลายล้างของจักรวาล

ในอินเดียโบราณ การแสดงละครเป็นส่วนหนึ่งของวันหยุดที่อุทิศให้กับเทพเจ้า เช่น พระเจ้าอินทราแห่งฟ้าร้อง มีการสร้าง "ธง" เพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของต้นไม้ที่นำมาจากป่า หลังเสร็จพิธีก็จมน้ำลงในแม่น้ำเพื่อเสริมกำลังให้กับดินและน้ำ เทศกาลนี้มีนักดนตรี นักมายากล นักมวยปล้ำ นักเดินไต่เชือก และคนตลกมาร่วมงาน ซึ่งถูกเรียกว่า “ นาตา" ต่อมาเป็นชื่อที่มอบให้กับนักแสดงมืออาชีพ ซึ่งมีการกล่าวถึงนักแสดงในวรรณคดีอินเดียตั้งแต่ครึ่งหลังของสหัสวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช

ก่อนยุคใหม่ ละครพื้นบ้านได้รับการพัฒนาในอินเดีย ซึ่งยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้ หนึ่งในรูปแบบที่พบบ่อยที่สุดของโรงละครในอินเดียตอนเหนือคือ ละครเพลงและการเต้นรำ ( ลีลา– แปลจากภาษาสันสกฤตว่า “เกม”) ตามคติของชาวฮินดู การกระทำทั้งหมดของพระเจ้าเป็นเพียงเกม ที่แกนกลาง ลิลมีการเขียนมหากาพย์อินเดียสองเรื่อง มหาภารตะและ รามเกียรติ์ประกอบด้วยคอลเลกชันของตำนานเกี่ยวกับการกระทำของเทพเจ้าผู้ทรงพลังการต่อสู้กับปีศาจร้าย ถัดจากพระเจ้าพระรามเป็นผู้ช่วยของเขาเสมอ - ราชาลิงหนุมาน ผ้าชาติพันธุ์ มหาภารตะเล่าถึงการต่อสู้ของสองเผ่าที่ทำสงครามกันคือปาณฑพและเการพ การต่อสู้ดำเนินไปจนกว่าพระกฤษณะจะเข้าแทรกแซงโดยฝ่ายผู้ถูกกระทำ ยุติความเป็นปฏิปักษ์ด้วยชัยชนะแห่งความยุติธรรม นักแสดงแสดงในเครื่องแต่งกายและหน้ากากสีสันสดใส การกระทำเกิดขึ้นโดยไม่มีทิวทัศน์ Ramalila และ Krishnalila เป็นที่นิยมในอินเดียแม้ในยุคปัจจุบัน

ทางตอนใต้ของประเทศมีโรงละครลึกลับอีกรูปแบบหนึ่งที่พัฒนาขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับศิลปะของผู้เล่าเรื่องในวัด - ชาเคียร์. พวกเขาท่องบทกลอนเป็นภาษาสันสกฤตแล้วอธิบายข้อความเป็นภาษาท้องถิ่น ผู้บรรยายใช้การแสดงออกทางสีหน้าและท่าทาง ต่อมาเขาถูกแทนที่ด้วยนักแสดง ควบคู่ไปกับการบรรยายและการเต้นรำ การแสดงถูกเรียกว่า กุติยัตตัม(สันสกฤต “นาฏศิลป์รวม”).

ในช่วงกลางสหัสวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช โรงละครอินเดียคลาสสิกเกิดขึ้น รุ่งเรืองอยู่ระหว่างศตวรรษที่ 1 ถึงศตวรรษที่ 9 ซึ่งเป็นช่วงที่มีการสร้างผลงานละครสันสกฤตอันโด่งดัง นักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Bhasa, Kalidasa, Shudraka อายุขัยของพวกเขาเป็นเพียงการประมาณข้อมูลของนักวิจัยบางครั้งอาจแตกต่างกันมานานหลายศตวรรษ จากผลงานสิบสามชิ้นของ Bhasa (ศตวรรษที่ 2 หรือ 3) ผลงานที่ดีที่สุดได้รับการพิจารณา วสาวาทัสไปปรากฏอยู่ในความฝัน- ละครเกี่ยวกับความรักที่กษัตริย์มีต่อพระมเหสี วสาวัตถะ

ประพันธ์ที่มีชื่อเสียง รถเข็นดินเผา(สันนิษฐานว่าศตวรรษที่ 4) เนื่องมาจากกษัตริย์ศุทรกะ ละครเรื่องนี้แสดงบนเวทีของโรงละครหลายแห่งทั่วโลกแม้กระทั่งในศตวรรษที่ 20 ละครเรื่องนี้บอกเล่าเรื่องราวความรักของนักแสดง-โสเภณีต่อพราหมณ์จารุทัตซึ่งเป็นชายวรรณะสูงสุดและแต่งงานแล้วด้วย เนื้อเรื่องนี้ไปไกลกว่าแบบดั้งเดิม หลังจากการทดลองหลายครั้ง คู่รักก็กลับมาพบกันอีกครั้ง

จุดสุดยอดของละครอินเดียโบราณ-ละคร ศกุนตลากาลิดาสะ (ในบางแหล่ง สกุนตลา). เนื้อเรื่องของบทละครเกี่ยวกับความภักดีและความรักของ Shakuntala ที่มีต่อ King Dushyanta มาจาก มหาภารตะแต่ได้รับการขยายโดย Kalidasa เพื่อให้โครงเรื่องมีความดราม่ามากขึ้น การแสดงนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้ไม่เพียงแต่ในโรงละครสมัยใหม่ในอินเดียเท่านั้น แต่ยังได้เดินทางไปรอบๆ โรงละครต่างๆ ทั่วโลกด้วย โดยจัดแสดงในกรุงเบอร์ลิน ในปีพ. ศ. 2457 ในโรงละครห้องของ A. Tairov; ในปีพ.ศ. 2500 - ในกรุงปักกิ่ง

โรงละครอินเดียรูปแบบพิเศษคือการเต้นรำคลาสสิก ซึ่งรวมถึงการพูดและบางครั้งก็ร้องเพลงด้วย พระเจ้าพระศิวะทรงสร้างโลกผ่านการเต้นรำ วัดแห่งหนึ่งมีรูปรำพระศิวะอันโด่งดัง คอลัมน์เหล่านี้แสดงถึงท่าเต้นของเขา 108 ท่า ซึ่งได้รับการกล่าวถึงในบทความละคร Natyashastra

หนึ่งในรูปแบบที่เก่าแก่ที่สุด - ภารต ณัฐยามาถึงเราแล้วขอบคุณ เทวาซี –นักเต้นระบำในวัดที่อุทิศชีวิตให้กับเทพเจ้า เมื่อเวลาผ่านไป การเต้นรำกลายเป็นสื่อบันเทิงสำหรับขุนนางศักดินา และชื่อ "เทวาซี" ก็มีความหมายเหมือนกันกับโสเภณี การเต้นรำเป็นการผสมผสาน นิตยา(เรื่องเต้นรำ) และ สฤตตะ(เต้นรำในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุด) จากนั้นจึงทำการสลับฉาก ( แพดดัม) ซึ่งนักเต้นถ่ายทอดเนื้อหาของเพลงที่แสดงในภาษาสันสกฤตด้วยท่าทาง พหุนามความหมายของการสลับฉากเกิดจากการพูดซ้ำของนักร้องในบรรทัดเดียวกันซึ่งเขาให้การตีความที่แตกต่างกันและจากการตีความข้อความเดียวกันที่หลากหลายของนักเต้น

BHARAT NATYA - การเต้นรำคลาสสิกของอินเดียใต้

ODISI - การเต้นรำคลาสสิกของอินเดียตะวันออก

ในศตวรรษที่ 15 สไตล์การเต้นรำแบบคลาสสิกกำลังเกิดขึ้นในอินเดียตอนเหนือ กะตะ.เมื่อถึงเวลานั้น รัฐได้ถือกำเนิดขึ้นโดยผู้พิชิตชาวมุสลิมได้หลอมรวมเข้าด้วยกัน ทำให้เกิดแรงผลักดันให้เกิดการผสมผสานระหว่างศิลปะมุสลิมและฮินดู กะตะกอันเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างสองวัฒนธรรม การเต้นรำดำเนินการในชุดเปอร์เซีย แต่เป็นความต่อเนื่องของตำนานเกี่ยวกับความรักของวัธะและพระกฤษณะ ไม่เหมือน ภารต นัตยัมโดยที่การเคลื่อนไหวของขาประสานกับการเคลื่อนไหวของแขนและดวงตา กะตะกสร้างขึ้นจากด้นสด โดดเด่นด้วยการเคลื่อนไหวเท้าอย่างชำนาญ จังหวะที่หลากหลายและซับซ้อน เพื่อทดสอบทักษะของนักเต้น มือกลองจะปิดบังจังหวะหลักเป็นครั้งคราว ในทางกลับกันนักเต้นพยายามที่จะเปลี่ยนจังหวะของเธอโดยพยายามสลัดจังหวะของมือกลองออกไป การเล่นจังหวะจบลงด้วยข้อตกลงทั่วไปของการเต้นและดนตรีประกอบซึ่งมักจะมาพร้อมกับความสุขของผู้ชม

MANIPURI - การเต้นรำคลาสสิกของอินเดียตะวันออกเฉียงเหนือ

ในศตวรรษที่ 17 โรงละครเกิดในอินเดียใต้ กะตะกาลี.ละครโขนเกี่ยวกับเทพเจ้าและปีศาจ ความรักและความเกลียดชังของพวกเขา การแสดงจะมีให้ในลานวัดหรือในที่โล่ง ผู้ชมคือชาวนาในหมู่บ้านโดยรอบที่ทิ้งความกังวลและกิจวัตรประจำวันทันทีที่ได้ยินเสียงกลอง การแสดงละครมีการแสดงบนพื้นหลังสีดำในเวลากลางคืน ตัวละครในการแต่งหน้าที่สดใส - สีเขียว สีแดง และสีดำ - ปรากฏตัวจากความมืดและหายไปในความมืด การแต่งหน้าและการออกแบบมีความหมายเชิงสัญลักษณ์ซึ่งผู้ชมรู้จักกันดี

การเต้นรำคลาสสิกของอินเดียใต้

ตัวละคร คทากาลีแบ่งออกเป็น 7 ประเภท คือ ปาจ่า– วีรบุรุษผู้สูงศักดิ์; ส่อเสียด –หยิ่งและหยิ่ง; หนวดแดง- คนร้ายและคนที่มีความทะเยอทะยาน มีหนวดเคราสีขาว, ส่วนใหญ่มักเป็นที่ปรึกษาของราชาลิงหนุมานซึ่งเป็นภาพลักษณ์ที่สูงส่งและกล้าหาญ หนวดดำ– ชาวป่าและนักล่า คาริ –นางยักษ์ผู้ชั่วร้ายและปีศาจหญิง มินุคกุ –พวกปราชญ์ ฤาษี พราหมณ์ และสตรี

ตัวละคร KATHAKALI – ราชาลิงหนุมาน

ความเชี่ยวชาญ คทากาลีเรียนรู้ตั้งแต่วัยเด็กภายใต้การแนะนำของกูรู นักแสดงเรียนรู้ที่จะเข้าใจแก่นแท้ของสิ่งที่เขานำเสนอ ไม่ว่าจะเป็นคน ดอกไม้ หรือนก

ในด้านทฤษฎีการละคร บทความภาษาสันสกฤตเกี่ยวกับละครฉบับแรกเป็นผลงานของภารตะ ปราชญ์โบราณ นัตยาชาสตรา (บทความเกี่ยวกับศิลปะของนักแสดง). นักวิทยาศาสตร์ระบุวันที่ปรากฏของบทความดังกล่าวในช่วงศตวรรษที่ 3-4 จนถึงขณะนี้ กฎที่กำหนดไว้ในหนังสือเล่มนี้ยังคงเป็นกฎหมายสำหรับนักแสดงชาวอินเดียทุกรุ่น

ตามตำรามีสี่วิธีหลักในการแสดงออก: อังกากา,มูดรา,วาชิกา,อหรยา.อังกิกา –ภาษาของท่าทางปกติของมือ นิ้ว ริมฝีปาก คอและเท้า มีการกำหนดการเคลื่อนไหวของศีรษะสิบสามครั้ง, เจ็ดการเคลื่อนไหวสำหรับคิ้ว, สามสิบหกครั้งสำหรับดวงตา; หกสำหรับจมูก หกสำหรับแก้ม เจ็ดสำหรับคาง สามสิบสองสำหรับขา มีการจัดวางตำแหน่งขาและท่าเดินต่างๆ เช่น ท่าเดินที่โอฬาร การดัดหรือการทอผ้า เป็นต้น มูดรา -ท่าทางที่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์ มีท่าทางพื้นฐานอยู่ยี่สิบสี่ท่าทาง แต่ละท่าทางมีความหมายที่แตกต่างกันมากกว่าสามสิบแบบ . วาชิกา– การใช้ถ้อยคำ น้ำเสียง และจังหวะการพูดที่สร้างอารมณ์บางอย่าง อาหรยา –สีที่เป็นที่ยอมรับและรายละเอียดของเครื่องแต่งกายและการแต่งหน้า สำหรับเทพเจ้าและหญิงสาวบนสวรรค์ - แต่งหน้าสีส้ม, สำหรับดวงอาทิตย์และพระพรหม - สีทอง, สำหรับเทือกเขาหิมาลัยและแม่น้ำคงคา - สีขาว ปีศาจและคนแคระสวมเขา - กวาง แกะ หรือควาย การแต่งหน้าของผู้คนขึ้นอยู่กับสถานะทางสังคมและวรรณะของพวกเขา ตัวแทนของวรรณะสูงสุด - พราหมณ์และกษัตริย์ - แต่งหน้าสีแดง, Sudras - สีน้ำเงินเข้ม, กษัตริย์ - สีชมพูอ่อน, ฤาษี - สีม่วง

MUDRA - ท่าทางที่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์

องค์ประกอบละคร สัตวิกา- สิ่งเหล่านี้คือสภาวะทางจิตที่นักแสดงถ่ายทอด (ภาวา), และอารมณ์ของผู้ชมหลังจากที่ได้เห็นบนเวที ( แข่ง). นักแสดงจะต้องคุ้นเคยกับความรู้สึกของตัวละครและสามารถถ่ายทอดประสบการณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุดได้ซึ่งเขาจะต้องเชี่ยวชาญเทคนิคการแสดง ความสามารถในการหลั่งน้ำตาเพื่อแสดงให้เห็นว่าผิวหน้ากระชับจากความหนาวเย็นอย่างไร ตัวสั่นไหลไปทั่วร่างกายด้วยความกลัวเช่น เทคนิคการแสดงที่เชี่ยวชาญสามารถกระตุ้นอารมณ์บางอย่างในตัวผู้ชมได้ แนวคิดด้านสุนทรียศาสตร์ทั้งหมดของศิลปะการแสดงของอินเดียมีพื้นฐานมาจากการสอน ภาวาและ แข่ง. รสา ตามตัวอักษร แปลว่า รส หรือ รส กล่าวคือ อารมณ์ที่คงอยู่กับผู้ชมหลังการแสดง แข่งมีเก้าประเภท: อีโรติก ตลก เศร้า โกรธ กล้าหาญ น่ากลัว น่าขยะแขยง น่าทึ่ง ผ่อนคลาย แต่ละ แข่งระบุด้วยสีเฉพาะ: ตามลำดับ - เขียวใส, ขาว, เทาขี้เถ้า, แดง, ส้มอ่อน, ดำ, น้ำเงิน, เหลือง เก้า แข่งตรงกับเก้า ภาวาซึ่งอาจคงที่หรือชั่วคราวก็ได้

นัตยาชาสตราเขียนในรูปแบบโบราณที่อ่านยากและมีข้อคิดเห็นมากมายตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ละครใหม่และละครใหม่กำลังเกิดขึ้นในอินเดีย ความพยายามครั้งแรกในการสร้างละครใหม่เป็นของนักเขียนบทละครชาวเบงกาลี Dinobondhu Mitro, Modhushudon Dotto, Ramcharainou Tarkorotnu ผลงานของพวกเขาโดดเด่นด้วยความลึกทางสังคมและการต่อต้านอังกฤษ ขณะเดียวกันกลุ่มละครก็ปรากฏตัวในจังหวัดอื่นของประเทศ การก่อตัวของละครภาษาฮินดีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Bharatendu Harishchandra ซึ่งผลงานผสมผสานประเพณีของละครระดับชาติและยุโรปตะวันตกเข้าด้วยกัน

แนวคิดเรื่องการต่อสู้เพื่อปลดปล่อยแห่งชาติและความต้องการเอกราชสะท้อนให้เห็นในผลงานของ S. Govindas ( เส้นทางการให้บริการ, ทำไมต้องทนทุกข์?และอื่น ๆ.). ในช่วงทศวรรษที่ 1940 ชีวิตการแสดงละครของประเทศทวีความรุนแรงมากขึ้นอย่างมาก สมาคมโรงละครประชาชนแห่งอินเดียก่อตั้งขึ้นซึ่งกิจกรรมมีผลกระทบสำคัญต่อการพัฒนาวัฒนธรรมการแสดงละครในประเทศ หลังจากการสถาปนาเอกราชในปี พ.ศ. 2490 อินเดียได้สร้างเงื่อนไขเพื่อพัฒนาทั้งศิลปะการแสดงละครและละครแบบดั้งเดิม สถาบันดนตรีและการละครแห่งอินเดียได้รับการก่อตั้งขึ้นซึ่งดำเนินงานทางวิทยาศาสตร์ในสาขาศิลปะการแสดงละคร ผลงานละครระดับโลกที่ดีที่สุดมีการจัดแสดงในโรงละครของอินเดีย เช่น เช็คสเปียร์, อิบเซน, โมลิแยร์, ทูร์เกเนฟ, กอร์กี และเชคอฟ