>

โรงละคร Maly กลายเป็นบ้านในประวัติศาสตร์ จากเล็กไปสู่ใหญ่: ประวัติความเป็นมาของโรงละครมาลี และตอนนี้เกี่ยวกับการเรียกร้องครั้งและการโจรกรรมในมาตุภูมิ

มาลี เธียเตอร์

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 โรงละคร Maly มีคณะละครชั้นหนึ่ง ชีวิตของโรงละครแห่งนี้สะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งทางสังคมและการเมืองในสมัยนั้น ความปรารถนาของผู้นำคณะในการรักษาอำนาจของ "มหาวิทยาลัยแห่งที่สอง" และเพื่อให้สอดคล้องกับวัตถุประสงค์ทางสังคมระดับสูงต้องเผชิญกับอุปสรรคที่ยากจะเอาชนะ - ละคร ผลงานสำคัญปรากฏบนเวทีบ่อยที่สุดระหว่างการแสดงเพื่อประโยชน์ของนักแสดงในขณะที่ละครประจำวันประกอบด้วยบทละครของ V. Krylov, I.V. Shpazhinsky และนักเขียนยุคใหม่คนอื่น ๆ ซึ่งอิงโครงเรื่องของเหตุการณ์ "รักสามเส้า" เป็นหลักความสัมพันธ์ใน ครอบครัวและไม่ได้จำกัดอยู่เพียงพวกเขาเท่านั้นที่ต้องผ่านพวกเขาไปสู่ปัญหาสังคม บทละครของ Ostrovsky การฟื้นฟูครั้งใหม่ของ The Inspector General และ Woe from Wit และการปรากฏตัวของผลงานที่กล้าหาญและโรแมนติกจากละครต่างประเทศในช่วงทศวรรษที่ 1870 และ 1880 ช่วยให้โรงละครรักษาระดับสูงสุดของเกณฑ์ทางสังคมและศิลปะ ซึ่งสอดคล้องกับความรู้สึกขั้นสูงของ เวลาและบรรลุผลกระทบร้ายแรงต่อผู้ร่วมสมัย ในช่วงทศวรรษที่ 1890 ความเสื่อมถอยครั้งใหม่เริ่มต้นขึ้น บทละครที่กล้าหาญและโรแมนติกเกือบจะหายไปจากละครและโรงละคร "เข้าสู่ภาพที่งดงามตามแบบฉบับและสีสันอันไพเราะ" (Nemirovich-Danchenko) นอกจากนี้เขายังกลายเป็นว่าไม่ได้เตรียมตัวอย่างสร้างสรรค์สำหรับการเรียนรู้วรรณกรรมละครใหม่: บทละครของแอล. ตอลสตอยไม่ได้แสดงบนเวทีของเขาอย่างเต็มกำลัง โรงละครไม่สนใจเชคอฟเลยและจัดแสดงเฉพาะเพลงของเขาเท่านั้น ศิลปะการแสดงของ Maly Theatre มีสองทิศทาง - ทุกวันและโรแมนติก อย่างหลังพัฒนาไม่สม่ำเสมอ เหมาะสมและเริ่มต้น ปะทุขึ้นในช่วงที่กระแสสังคมลุกลามและตายไปในช่วงหลายปีแห่งปฏิกิริยา ชีวิตประจำวันมีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง โดยมุ่งสู่แนวโน้มวิกฤตในรูปแบบที่ดีที่สุด คณะละครมาลีประกอบด้วยนักแสดงที่ฉลาดที่สุด

กลิเคเรีย นิโคเลฟนา เฟโดโตวา(พ.ศ. 2389-2468) - นักเรียนของ Shchepkin เมื่อตอนเป็นวัยรุ่นเธอปรากฏตัวบนเวทีร่วมกับอาจารย์ของเธอ Shchepkin ในภาพยนตร์เรื่อง "Sailor" โดยมี Zhivokini ในภาพยนตร์เพลง "Az and Firth" โดยเรียนรู้บทเรียนที่ไม่เพียง แต่ทักษะทางวิชาชีพเท่านั้น แต่ยังรวมถึง จรรยาบรรณในการแสดงสูงสุด เมื่ออายุได้สิบขวบ Fedotova เข้าเรียนที่ Theatre School ซึ่งเธอเรียนบัลเล่ต์เป็นอันดับแรกจากนั้นจึงเรียนในชั้นเรียนละคร เมื่ออายุ 15 ปี เธอเปิดตัวครั้งแรกที่โรงละคร Maly ในบทบาทของ Verochka ในละครเรื่อง The Child ของ P. D. Boborykin และในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2406 เธอก็ลงทะเบียนในคณะละคร พรสวรรค์ที่เพิ่งมีการพัฒนาไม่สม่ำเสมอ ละครแนวเมโลดราม่ามีส่วนช่วยในการพัฒนาของเขาเพียงเล็กน้อย ในช่วงปีแรกๆ ของการทำงาน นักแสดงหญิงมักถูกวิพากษ์วิจารณ์ถึงเรื่องความเห็นอกเห็นใจ การแสดงที่มีมารยาท และ "การแสดงที่คร่ำครวญ" แต่ตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1870 ความสามารถอันสดใสและหลากหลายของนักแสดงก็เริ่มต้นขึ้นอย่างแท้จริง Fedotova เป็นส่วนผสมที่หาได้ยากระหว่างความฉลาดและอารมณ์ ทักษะอัจฉริยะ และความรู้สึกจริงใจ การตัดสินใจบนเวทีของเธอเป็นเรื่องที่คาดไม่ถึง การแสดงของเธอสดใส เธอเชี่ยวชาญทุกประเภทและทุกสีสัน มีความสามารถบนเวทีที่ยอดเยี่ยม - ความงาม, อารมณ์, เสน่ห์, การติดเชื้อ - เธอก้าวขึ้นเป็นผู้นำในคณะอย่างรวดเร็ว เป็นเวลาสี่สิบสองปีที่เธอเล่นบทบาทสามร้อยยี่สิบเอ็ดบทบาทของคุณธรรมทางศิลปะที่แตกต่างกัน แต่ถ้าในละครที่อ่อนแอและผิวเผินนักแสดงมักจะช่วยผู้แต่งและบทบาทจากนั้นในงานคลาสสิกเธอก็เผยให้เห็นความสามารถที่น่าทึ่งในการเจาะลึกเข้าไปในนั้น แก่นแท้ของตัวละคร สู่สไตล์ของผู้เขียน และคุณลักษณะของยุคสมัย นักเขียนคนโปรดของเธอคือเช็คสเปียร์ อเล็กซานเดอร์ พาฟโลวิช เลนสกี (พ.ศ. 2390-2451) - นักแสดง, ผู้กำกับ, ครู, นักทฤษฎี, บุคคลสำคัญในละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ลูกชายนอกสมรสของเจ้าชายกาการินและชาวอิตาลี Vervitziotti เขาถูกเลี้ยงดูมาในครอบครัวของนักแสดง K. Poltavtsev เมื่ออายุได้ 18 ปี เขากลายเป็นนักแสดงมืออาชีพ โดยใช้นามแฝงว่า Lensky เขาทำงานต่างจังหวัดเป็นเวลาสิบปี ในตอนแรกเขาเล่นเพลงโวเดอวิลล์เป็นหลัก แต่ค่อยๆ เปลี่ยนไปรับบทเป็น "คู่รักคนแรก" ในละครคลาสสิก เขาได้รับเชิญให้เล่นบทบาทนี้ในคณะละครมาลีในปี พ.ศ. 2419 เขาเปิดตัวในบทบาทของ Chatsky โดยประทับใจกับความอ่อนโยนและความเป็นมนุษย์ของการแสดงของเขาและบทเพลงที่ละเอียดอ่อน ไม่มีแรงจูงใจที่เป็นการกบฏและกล่าวหาในนั้น แต่มีเรื่องราวดราม่าลึกซึ้งของชายคนหนึ่งที่ประสบกับการล่มสลายของความหวังในบ้านหลังนี้ ความผิดปกติและความแหวกแนวยังทำให้แฮมเล็ตของเขาโดดเด่น (พ.ศ. 2420) ชายหนุ่มผู้มีจิตวิญญาณซึ่งมีรูปลักษณ์อันสูงส่งและมีจิตวิญญาณอันสูงส่ง เขาเต็มไปด้วยความโศกเศร้า ไม่ใช่ความโกรธ ความยับยั้งชั่งใจของเขาได้รับการยกย่องจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันว่าเป็นความเยือกเย็นความเรียบง่ายของน้ำเสียงของเขาเมื่อขาดอารมณ์และความแข็งแกร่งของเสียงที่จำเป็น - กล่าวอีกนัยหนึ่งเขาไม่สอดคล้องกับประเพณีของ Mochalov และไม่ได้รับการยอมรับจากหลาย ๆ คนในบทบาทของแฮมเล็ต . ปีแรกในคณะคือการค้นหาเส้นทางของฉัน มีเสน่ห์ บริสุทธิ์ในจิตวิญญาณ แต่ขาดความแข็งแกร่งภายใน มีข้อสงสัย - เหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นวีรบุรุษของ Lensky ในละครสมัยใหม่ซึ่งเขาได้รับการขนานนามว่าเป็น "มหาเสน่ห์" และในเวลานี้ดาราของ Ermolova ก็เพิ่มขึ้นแล้วห้องใต้ดินของโรงละคร Maly ก็ดังก้องด้วยความน่าสมเพชที่ได้รับแรงบันดาลใจจากนางเอกของเธอ ถัดจากพวกเขา เยาวชนที่มีดวงตาสีฟ้าของ Lensky ดูเหมือนไม่มีรูปร่างมากเกินไป และเฉื่อยชาในสังคมมากเกินไป จุดเปลี่ยนในผลงานของนักแสดงมีความเกี่ยวข้องอย่างแม่นยำกับหุ้นส่วนของ Ermolova ในปี พ.ศ. 2422 พวกเขาแสดงร่วมกันในโศกนาฏกรรม Uriel Acosta ของ Gutzkow Lensky ที่เล่น Acosta ไม่สามารถละทิ้งสิ่งที่คุ้นเคยกับเขาได้อย่างสมบูรณ์และในทันที เทคนิคการแสดงของเขาไม่เปลี่ยนแปลง - เขายังเป็นบทกวีและมีจิตวิญญาณ แต่อารมณ์ทางสังคมของเขาไม่ได้แสดงออกผ่านเทคนิคที่เป็นทางการ แต่ผ่านความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับ ภาพลักษณ์ของนักปรัชญาชั้นนำและนักสู้ นักแสดงแสดงในบทบาทอื่น ๆ ของละครที่กล้าหาญ แต่จิตวิทยาเชิงลึกและความปรารถนาที่จะเก่งกาจในบทบาทที่เนื้อหาวรรณกรรมไม่ต้องการมันนำไปสู่ความจริงที่ว่าเขาสูญเสียและดูเหมือนไม่แสดงออกถัดจากคู่หูที่น่าทึ่งของเขา ในขณะเดียวกัน การปฏิเสธสัญญาณภายนอกของศิลปะโรแมนติกเป็นพื้นฐาน เขาเชื่อว่า “เวลาของเราก้าวไปไกลเกินกว่าความโรแมนติก” เขาชอบเช็คสเปียร์มากกว่าชิลเลอร์และฮิวโก แม้ว่าความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับภาพของเชคสเปียร์จะไม่พบคำตอบก็ตาม หลังจาก Hamlet ที่ได้รับการยอมรับเพียงครึ่งเดียวในปี พ.ศ. 2431 Othello ซึ่งไม่ได้รับการยอมรับจากผู้ชมและนักวิจารณ์ในมอสโกเลยตามมาซึ่งนักแสดงเลือกสำหรับการแสดงที่เป็นประโยชน์ของเขาและเคยเล่นมาก่อน การตีความของ Lensky โดดเด่นด้วยความแปลกใหม่ที่ไม่ต้องสงสัย - Othello ของเขามีความสูงส่ง ฉลาด ใจดีและไว้วางใจ เขาทนทุกข์ทรมานอย่างลึกซึ้งและรู้สึกอย่างลึกซึ้งเขาอยู่คนเดียวในโลก หลังจากการฆาตกรรมเดสเดโมนา เขา "เอาเสื้อคลุมคลุมตัว คบเพลิงอุ่นมือแล้วตัวสั่น" นักแสดงกำลังมองหาความเป็นมนุษย์ในบทบาท การเคลื่อนไหวที่เรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ ความรู้สึกที่เรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ เขาไม่ได้รับการยอมรับในบทบาทของ Othello และเลิกกับเธอไปตลอดกาล และบทบาทที่ตามมาไม่ได้ทำให้เขาได้รับการยอมรับอย่างเต็มที่ เขาเล่นดัลชินใน "The Last Victim", Paratov ใน "Dowry", Velikatov ใน "Talents and Admirers" และในทุกบทบาทนักวิจารณ์ขาดความเฉียบแหลมในการกล่าวหา เธออยู่ที่นั่น Stanislavsky ตรวจสอบเธอ Yu. M. Yuryev เห็นเธอ แต่เธอแสดงออกไม่โดยตรงไม่โดยตรง แต่อย่างละเอียด คนเหล่านี้ต้องมองเห็นความเฉยเมยความเห็นถากถางดูถูกความสนใจในตนเองภายใต้เสน่ห์ภายนอกและความน่าดึงดูดใจ ไม่ใช่ทุกสิ่งที่ได้รับการพิจารณา ความสำเร็จของเขาในบทบาทของ Muromsky ใน "The Case" ของ Sukhovo-Kobylin ได้รับการยอมรับอย่างเป็นเอกฉันท์มากขึ้น Lensky รับบทเป็น Muromsky เป็นคนไร้เดียงสาใจดีและอ่อนโยน เขาเริ่มต้นการต่อสู้ที่ไม่เท่าเทียมกับกลไกของระบบราชการ โดยเชื่อว่าความจริงและความยุติธรรมจะมีชัย โศกนาฏกรรมของเขาเป็นโศกนาฏกรรมแห่งความเข้าใจ แต่ Lensky ได้รับการยอมรับในระดับสากลในภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์ และเหนือสิ่งอื่นใด ในบทบาทของเบเนดิกต์ในเรื่อง Much Ado About Nothing การแสดงของนักแสดงในบทบาทนี้มีพลังและใจร้อนนักแสดงเปิดเผยในทุกสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวเขาในความฉลาดอารมณ์ขันและหัวขโมยที่ไร้เดียงสาของเขา เขาไม่เชื่อเรื่องการทรยศของเกโระเท่านั้น เพราะเขาใจดีโดยธรรมชาติและความรัก เบียทริซเล่น Fedotov การร้องเพลงคู่ของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่สองคนยังคงดำเนินต่อไปใน The Taming of the Shrew บทบาทของ Pstruccio เป็นหนึ่งในการเปิดตัวของ Lensky ที่ Maly Theatre และยังคงอยู่ในละครของเขาเป็นเวลาหลายปี Petruchio ผู้กล้าหาญประกาศอย่างกล้าหาญว่าเขาจะแต่งงานกับ Katarina เพื่อเงินและฝึกคนที่กบฏให้เชื่อง แต่เมื่อเขาเห็นเจ้าสาวของเขา เขาก็ตกหลุมรักเธออย่างรุนแรงเหมือนเมื่อก่อนที่เขาอยากได้แต่เงินเท่านั้น ธรรมชาติที่ครบถ้วน ไว้วางใจได้ และอ่อนโยนถูกเปิดเผยภายใต้ความองอาจของเขา และเขาได้ "ฝึก" คาทารินาด้วยความรักของเขา เขามองเห็นเธอในสติปัญญาที่เท่าเทียมกัน ในความปรารถนาของเธอที่จะเป็นอิสระ ในการกบฏของเธอ เธอไม่เต็มใจที่จะยอมตามเจตจำนงของผู้อื่น เป็นเพลงคู่ของคนที่ยอดเยี่ยมสองคนที่พบกันในชีวิตที่วุ่นวายและมีความสุข Lensky สามารถควบคุมบทกวีของ Griboedov ได้อย่างดีเยี่ยมไม่ได้เปลี่ยนเป็นร้อยแก้วและไม่ได้ท่อง เขาเติมเต็มทุกวลีด้วยความหมายภายใน แสดงตรรกะที่ไร้ที่ติของตัวละครในความไร้ที่ติของทำนองคำพูด โครงสร้างน้ำเสียง การเปลี่ยนคำ และความเงียบ ทักษะการเจาะเข้าไปในแก่นแท้ของภาพ การอ้างเหตุผลทางจิตวิทยาของพฤติกรรมของตัวละคร และรสนิยมที่ละเอียดอ่อน ทำให้นักแสดงไม่อยู่ในภาพล้อเลียน จากการแสดง จากการสาธิตจากภายนอก ทั้งในบทบาทของผู้ว่าการใน “ผู้ตรวจราชการ” และใน บทบาทของศาสตราจารย์ครูโกสเวตลอฟใน “ผลแห่งการตรัสรู้” การเสียดสีเกิดขึ้นจากแก่นแท้ซึ่งเป็นผลมาจากการเปิดเผยโครงสร้างภายในของภาพ - ในกรณีหนึ่งนักต้มตุ๋นเชื่อมั่นและไม่ได้บอกด้วยซ้ำว่าเขาสามารถมีชีวิตที่แตกต่างออกไปได้โดยประสบกับความผิดพลาดในตอนจบอย่างมาก ในอีกทางหนึ่งคือผู้คลั่งไคล้ที่เชื่อใน "วิทยาศาสตร์" ของตนอย่างเคร่งครัดและรับใช้ด้วยแรงบันดาลใจ งานศิลปะของ Lensky สมบูรณ์แบบอย่างแท้จริง ธรรมชาติตามธรรมชาติของเขา ความสามารถในการพิสูจน์ทุกสิ่งจากภายใน และความเชี่ยวชาญเหนือวัสดุที่ซับซ้อนที่สุดทำให้เขากลายเป็นผู้นำโดยธรรมชาติของ Maly Theatre แต่ละบทบาทของ Lensky เป็นผลมาจากการทำงานจำนวนมหาศาล การเลือกสีที่เข้มงวดที่สุดตามตัวละครและผู้แต่งที่กำหนด เนื้อหาภายในของภาพถูกหล่อหลอมให้อยู่ในรูปแบบที่แม่นยำและเป็นจิตวิญญาณ ซึ่งพิสูจน์ได้จากภายใน ในขณะที่ทำงานในบทบาทนี้ นักแสดงได้วาดภาพการแต่งหน้าและเครื่องแต่งกาย เชี่ยวชาญศิลปะของการเปลี่ยนแปลงภายนอกด้วยความช่วยเหลือของจังหวะการแสดงออกหนึ่งหรือสองจังหวะ ไม่ชอบการแต่งหน้ามากมาย และเก่งในการแสดงออกทางสีหน้า เขาเป็นเจ้าของบทความพิเศษเกี่ยวกับฉบับนี้ - “หมายเหตุเกี่ยวกับการแสดงออกทางสีหน้าและการแต่งหน้า” Lensky เป็นนักทฤษฎี เขาเขียนบทความที่กำหนดหลักการแสดง วิเคราะห์งานบางอย่าง และมีคำแนะนำเกี่ยวกับปัญหาในการแสดง ในฐานะนักแสดง ผู้กำกับ ครู นักทฤษฎี และบุคคลสาธารณะ เขาต่อสู้เพื่อยกระดับวัฒนธรรมทั่วไปของการแสดงของรัสเซีย ต่อต้านการพึ่งพา "ความกล้า" และเรียกร้องการทำงานและการศึกษาอย่างต่อเนื่อง ทั้งในการฝึกฝนและในโปรแกรมสุนทรียศาสตร์เขาได้พัฒนาประเพณีและคำสั่งของ Shchepkin “คุณไม่สามารถสร้างสรรค์ได้โดยปราศจากแรงบันดาลใจ แต่แรงบันดาลใจมักเกิดจากงานเดียวกัน และชะตากรรมของศิลปินที่ไม่คุ้นเคยกับระเบียบวินัยที่เข้มงวดที่สุดในงานของเขานั้นน่าเศร้า: แรงบันดาลใจที่ไม่ค่อยเรียกร้องสามารถจากเขาไปตลอดกาล” เขาเขียน หลังจากเข้ารับตำแหน่งหัวหน้าผู้อำนวยการโรงละคร Maly ในปี 1907 เขาพยายามที่จะดำเนินการปฏิรูปเวทีเก่า แต่ภายใต้เงื่อนไขของความเป็นผู้นำของจักรวรรดิและความเฉื่อยของคณะเขาไม่สามารถทำตามความตั้งใจนี้ได้ ตุลาคม พ.ศ. 2451 Lensky เสียชีวิต Ermolova มองว่าความตายครั้งนี้เป็นเหตุการณ์ที่น่าสลดใจสำหรับงานศิลปะ: “ ทุกสิ่งเสียชีวิตไปพร้อมกับ Lensky จิตวิญญาณของโรงละคร Maly เสียชีวิต... ด้วย Lensky ไม่เพียงแต่นักแสดงผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้นที่เสียชีวิต แต่ไฟบนแท่นบูชาศักดิ์สิทธิ์ซึ่งเขาสนับสนุนด้วยพลังอันไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยของผู้คลั่งไคล้ก็ดับลง”

SADOWSKY มิคาอิล โพรโววิช (12(24).XI.1847, มอสโก, -26.?11(8.VIII). 1910, อ้างแล้ว) ลูกชายของ Prov Mikhailovich Sadovsky พ่อของเขาและ A. N. Ostrovsky เตรียมขึ้นเวที Misha Sadovsky ในปี พ.ศ. 2410-69 เข้าร่วมในการแสดง "ศิลปะ" แก้วน้ำ" (บทบาทที่ 1: Andrei Titych - "ในงานเลี้ยงของคนอื่นมีอาการเมาค้าง" โดย Ostrovsky, 2410) ในปี พ.ศ. 2412 เขาเปิดตัวที่โรงละคร Maly ในบทบาทของ Podkhalyuzin, Andrei Bruskov, Vasya Shustroy, Borodkin (“ เราเป็นคนของเราเอง - เราจะถูกนับ”, “ วันที่ยากลำบาก”, “ หัวใจที่อบอุ่น”, “ อย่า ' อย่านั่งเลื่อนของคุณเอง” โดย Ostrovsky) ในปี พ.ศ. 2413 เขาได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมคณะละครในบทบาทของ "คนธรรมดาสามัญในชีวิตประจำวัน" และ "นักแสดงตลก" Sadovsky เป็นนักแปลละครเวทีที่น่าทึ่งและเป็นผู้สนับสนุนการแสดงละครของ Ostrovsky อย่างกระตือรือร้น มีบทบาทมากกว่า 60 บทบาทในละครของเขา นักแสดงคนแรก: Bulanov (“ Forest”, 1871), Gruntsov (“ Labour Bread”, 1874), Murzavetsky (“ Wolves and Sheep”, 1875), Mukhoyarov (“ ความจริงเป็นสิ่งที่ดี แต่ความสุขดีกว่า”, 1876) , Andrei Belugin (“ The Marriage of Belugin” โดย Ostrovsky และ Solovyov, 1877), Karandyshev (“ Dowry,” 1878), Konstantin Karkuyaov (“ Heart is not a Stone”, 1879), Mulin (“ Slaves,” 1880), Meluzov (“ ความสามารถและแฟน ๆ ”, 1881), Okaemov (“ ชายหนุ่มรูปหล่อ”, 1882), Milovzorov (“ มีความผิดโดยไม่มีความผิด”, 1884) ฯลฯ ตามคำร้องขอของนักเขียนบทละคร Sadovsky ก็ได้รับบทบาทในการแสดงที่ฟื้นขึ้นมาด้วย : Tikhon (“พายุฝนฟ้าคะนอง”), Golutvin (“สำหรับคนฉลาดทุกคน...”), Khorkov (“เจ้าสาวผู้น่าสงสาร”), Schastlivtsev (“ป่า”), Afonya และ Krasnov (“ความบาปและความโชคร้ายอาศัยอยู่กับใครไม่ได้” ), Ippolit (“ ไม่ใช่ Maslenitsa สำหรับแมวทั้งหมด”), Khlynov (“ Warm Heart”) และคนอื่น ๆ Sadovsky เป็นนักเรียนผู้ติดตามที่สร้างสรรค์ของพ่อของเขานักแสดงในระบอบประชาธิปไตยผู้เชี่ยวชาญที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับชีวิตของมอสโกเก่า พูดบนเวทีได้อย่างคล่องแคล่ว ศิลปะพื้นบ้านดั้งเดิมของชาติอย่างแท้จริงโดดเด่นด้วยความจริงสูงสุด ความเรียบง่ายสูงส่ง อารมณ์ขันเบาๆ ความจริงใจ ขณะเดียวกันก็แสดงละครและเฉียบคมเสียดสี ตามพ่อของเขา Sadovsky เป็นหัวหน้าทิศทางการกล่าวหาและวิพากษ์วิจารณ์ในละครระดับชาติของ Maly Theatre ในชีวิตประจำวัน แก่นสำคัญของงานของ Sadovsky คือชะตากรรมของคนร่วมสมัยของเขาที่ไม่เด่นสะดุดตาเรียบง่ายและผู้ด้อยโอกาส Sadovsky รับบทเป็น Schastlivtsev ได้สร้างภาพลักษณ์ที่มองโลกในแง่ดีและมีอารมณ์ขันของนักแสดงผู้รักโรงละครอย่างหลงใหล ธีมของการปกป้องชาย "ตัวน้อย" ซึ่งเป็นการประท้วงต่อต้านความอัปยศอดสูของเขาฟังดูมีพลังอย่างมากในบทบาทของ Sadovsky ในฐานะ Karandyshev ภาพลักษณ์ของ Murzavetsky เต็มไปด้วยการประชดที่ละเอียดอ่อนและชาญฉลาด Khlynov เป็นภาพเสียดสี ภาพลักษณ์ของ Meluzov นักการศึกษาด้านประชาธิปไตยซึ่งเต็มไปด้วยความเกลียดชังในชีวิตเก่าได้รับการยอมรับจากผู้ชมที่ก้าวหน้า ในบรรดาบทบาทที่สำคัญของมิคาอิลโปรโววิชคือ: Khlestakov; ปีเตอร์ ชายคนที่ 1 (“พลังแห่งความมืด”, “ผลไม้แห่งการตรัสรู้”), มิเซลและเลโปเรลโล (“บอริส โกดูนอฟ” และ “แขกหิน” โดยพุชกิน), เบสแปนดิน (“อาหารเช้ากับผู้นำ” โดยทูร์เกเนฟ), คาลเกฟ (“ ธุรกิจใหม่” Nemirovich-Danchenko), Stremglov (“ Sunset” โดย Sumbatov) ​​ฯลฯ Sadovsky เป็นผู้เขียนบทความและเรื่องราวจากชีวิตของชนชั้นกลางในมอสโกและพ่อค้าในชนบทห่างไกล (ed. 1899, 2 vols.) . การแปลบทละครของเขาจัดแสดงที่ Maly และโรงละครอื่นๆ ได้แก่ “The Corsican Woman” โดย Gualtieri (พ.ศ. 2424), “Phaedra” โดย Racine (พ.ศ. 2433 ละครทั้งสองได้รับการแปลเพื่อการแสดงที่เป็นประโยชน์โดย M. N. Ermolova), “The Barber of Seville” โดย Beaumarchais (1883, Maly Theatre ในบทบาทของ Figaro เป็นผู้เขียนงานแปล) รับบทโดย Goldoni, Gozzi, Labiche และคนอื่นๆ เขาเขียนบทละครเรื่อง Darkness of the Soul (1885, Maly Theatre, ได้รับประโยชน์จากการแสดงของ O. O. Sadovskaya ในบทบาทของ Varya - Ermolov) สำหรับงานวรรณกรรมของเขา Sadovsky ได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Society of Lovers of Russian Literature เขายังเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียน epigrams ที่เฉียบคมซึ่งมุ่งต่อต้านระบบราชการ การครอบงำของระบบราชการ และความเด็ดขาดของราชการในโรงละคร เขาสอนที่โรงเรียนดนตรีและการละครของ Moscow Philharmonic Society และหลักสูตรการละครที่ Moscow Theatre School

โรงละครรัสเซียที่เก่าแก่ที่สุด - มอสโกมาลี - ก่อนการปฏิวัติมีชื่อว่า "จักรวรรดิ" ตลอดประวัติศาสตร์ได้ให้บริการอย่างซื่อสัตย์และยังคงให้บริการประชาชนต่อไป

ในโรงละครแห่งนี้ งานศิลปะที่สมจริงและมีมนุษยธรรมได้รับความอบอุ่นจากหัวใจมนุษย์มาโดยตลอด ประเพณีการสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยมไม่เพียงได้รับการคุ้มครองอย่างระมัดระวังโดยปรมาจารย์ของโรงละคร Maly และส่งต่อจากรุ่นสู่รุ่น แต่ยังพัฒนาอย่างต่อเนื่องอีกด้วย

ความสมจริงของ Maly Theatre ซึ่งตั้งอยู่บนพื้นฐานของความซื่อสัตย์ต่อความจริงของชีวิต มักจะปราศจากรายละเอียดและรายละเอียดปลีกย่อยมาโดยตลอด ความสมจริงของเขาเป็นและยังคงเป็นความสมจริงในรูปแบบที่ใหญ่และสดใส รูปแบบของโรงละคร Maly มีพื้นฐานมาจากวรรณกรรมรัสเซียคลาสสิกและตัวละครบนเวทีที่มีสีสัน ในเวลาเดียวกันในขณะที่สำรวจต้นกำเนิดทางศีลธรรมและสังคมของปรากฏการณ์นี้หรือปรากฏการณ์ชีวิตนั้น โรงละครไม่ได้สนใจรายละเอียดทางจิตวิทยาของตัวละคร แต่เดินตามเส้นทางของการสร้างภาพบุคคลทางสังคมทั่วไป ในศิลปะของโรงละคร Maly มีกระแสศิลปะสองสายมายาวนาน - ทุกวันและโรแมนติกซึ่งเปลี่ยนแปลงไปตามยุคสมัยและความต้องการของมันถือเป็นแก่นแท้ของสไตล์

โรงละครเป็นศูนย์กลางของชีวิตทางสังคมของประเทศมาโดยตลอด ตั้งแต่วันแรกของการดำรงอยู่ Maly Theatre ได้กลายเป็นตัวแทนของแนวโน้มความคิดทางสังคมของรัสเซียที่ก้าวหน้าที่สุด

A.V. Lunacharsky เขียนว่า “แน่นอนว่า โรงละครอิมพีเรียลที่ถูกเซ็นเซอร์ไม่สามารถทำสิ่งนี้อย่างเปิดเผยได้ทั้งหมด แต่นั่นเป็นเรื่องที่น่าแปลกใจ” A.V. Lunacharsky เขียนว่า “โรงละครแห่งนี้เรียกว่า “อิมพีเรียล” ได้รับการพิจารณาจากทุกคนเสมอว่าเป็นต่อต้านจักรวรรดิ ชาวรัสเซียที่มีแนวคิดเสรีนิยมและหัวรุนแรงได้นำโรงละคร Maly ออกจากศาลและเข้ายึดครอง เธอปราบปรามเขาอย่างสมบูรณ์จนต้องแปลกใจว่าการประนีประนอมที่เกิดขึ้นเบื้องหลังโดยสาธารณชนฝ่ายค้านกับกระทรวงศาลนั้นน้อยมากเพียงใดต่อชะตากรรมของเขา

ก็เพียงพอแล้วที่จะอ่านทุกอย่างที่เขียนเกี่ยวกับโรงละคร Maly อย่างน้อยตั้งแต่เริ่มต้นของการวิจารณ์ของรัสเซียตั้งแต่ Polevoy และ Belinsky... เพื่อดูว่าโรงละคร Maly มีคุณค่าอย่างยิ่งต่อส่วนที่ก้าวหน้าทั้งหมดของสังคมอย่างไร ”

ผู้คนมาที่นี่ไม่เพียงเพื่อเพลิดเพลินกับงานศิลปะเท่านั้น แต่ยังมาที่นี่เพื่อศึกษาอีกด้วย โรงละคร Maly ถูกเรียกว่ามหาวิทยาลัยมอสโกแห่งที่สอง

“ เป็นการยากที่จะวัด คำนึงถึง และนำเสนอในข้อมูลที่เป็นรูปธรรม” A. M. Gorky เขียน “อิทธิพลทางจิตวิญญาณอันลึกซึ้งที่ Maly Theatre มี มหาวิทยาลัยมอสโกมีบทบาทสำคัญในประวัติศาสตร์การพัฒนาจิตใจของสังคมรัสเซีย”

เยาวชนนักศึกษาในแกลเลอรีซึมซับความคิดรักอิสระอย่างกระตือรือร้นที่นี่พ่อค้าจาก "ประเทศ Zamoskvorechye" พยายามเข้าร่วมวัฒนธรรมปัญญาชนต่างๆอาจารย์ของมหาวิทยาลัยมอสโกนักเขียนศิลปิน - ทุกคนแสวงหาและพบคำตอบสำหรับคำถามของพวกเขา ในงานศิลปะของโรงละครมาลี


“โรงละครมาลีมีผลในการพัฒนาจิตวิญญาณของฉันดีกว่าโรงเรียนอื่นๆ เขาสอนให้ฉันมองดูสิ่งสวยงาม... โรงละคร Maly กลายเป็นกลไกที่ควบคุมด้านจิตวิญญาณและสติปัญญาของชีวิตของเรา” K. S. Stanislavsky เขียน

พาเวล สเตปาโนวิช โมชาลอฟ(พ.ศ. 2343-2391) ลูกชายของนักแสดง S. F. Mochalov เปิดตัวบนเวทีโรงละครมอสโกในปี พ.ศ. 2360 ในบทบาทแรก ๆ ของเขาเราสามารถเสนอชื่อสองบทบาทจากละครในประเทศของต้นศตวรรษ: บทบาทของ Polyneices ในละครเรื่อง "Oedipus in Athens" ของ V. Ozerov และบทบาทของ Liodor ในละครซาบซึ้งของ N. Ilyin เรื่อง "Lisa หรือ the ชัยชนะแห่งความกตัญญู”

เป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจ Mochalov หากไม่เข้าใจหลักการของทิศทางสุนทรียศาสตร์ซึ่งเป็นเลขชี้กำลังที่โดดเด่นที่สุดที่เขาอยู่ในโรงละคร ชายผู้มีโชคชะตาโรแมนติกและโศกเศร้า ชายผู้ไม่รู้จักความสุข ความสงบ ความปรองดอง เป็นไปไม่ได้ที่จะแยกชีวิตส่วนตัวของ Mochalov ออกจากชีวิตในงานศิลปะ งานของ Mochalov เป็นอัตชีวประวัติ - เป็นตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ในชีวิตโรแมนติก ต่างจาก Karatygin เขาไม่ได้มุ่งมั่นเพื่อ "ความเป็นกลาง" เขาไม่เหินห่างหรือซ่อนโลกทัศน์ของเขาในกระบวนการสร้างภาพ ศิลปะของ Mochalov เป็นแบบอัตนัยอย่างยิ่ง แต่บุคลิกภาพของศิลปินที่เก่งกาจนี้ไม่เพียงแต่มีประสบการณ์ส่วนตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประสบการณ์ทางอารมณ์ของชีวิตส่วนตัวด้วย - เขายังรวบรวมชะตากรรมของบุคคลในยุคโรแมนติกโดยรวมอีกด้วย

แต่ละบทบาทของ Mochalov ไม่เพียง แต่เป็นปรากฏการณ์ทางละครเท่านั้นซึ่งได้รับการประเมินจากมุมมองของกฎแห่งสุนทรียศาสตร์ ตัวละครบนเวทีใดๆ ของเขาเป็นการเปิดเผยต่อสาธารณะเกี่ยวกับชายคนหนึ่งที่ "กำหนดตราประทับแห่งโศกนาฏกรรมทางจิตวิญญาณ" ให้กับทุกภาพ ผู้ชมไม่เพียงแต่หลงใหลในพลังแห่งการสร้างสรรค์ของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบุคลิกของศิลปินด้วย เขาย้ายไปแสดงบนเวที “ความสุข ความทรมานในความฝันอันเจ็บปวด งานอดิเรกอันร้อนแรง และมนต์เสน่ห์ของธรรมชาติเข้ามาสู่ผู้ชมด้วยกระแสไฟฟ้า และเราร้องไห้และชื่นชมยินดีอย่างบ้าคลั่งกับโศกนาฏกรรมของเรา” ในเวลาเดียวกัน Mochalov ในฐานะนักแสดงที่มีความกล้าอารมณ์นักแสดง - นักแต่งเพลงเข้าใจบทบาทอย่างเป็นธรรมชาติและเข้าใจโดยสัญชาตญาณ "เจาะลึกความจริง" และพลังของ "นาทีแห่งแรงบันดาลใจ" ของ Mochalov ทำให้ผู้ชมลืม "ชั่วโมงแห่งความเบื่อ" ของการแสดงของเขาเอง ในฐานะนักแสดงโรแมนติก เขาเป็นนักแสดงด้นสด โดยมองว่าชีวิตเป็นการเคลื่อนไหวชั่วนิรันดร์ที่ยังไม่เสร็จ การต่ออายุรูปแบบและความคิด ดังนั้นอารมณ์พิเศษ ความแตกต่างทางจิตวิทยา และเทคนิคจึงมักเกิดขึ้นเองในการแสดง เขาไม่เคยบันทึกเสียงฉาก ท่าทาง หรือน้ำเสียงเลย แต่ละครั้งบนเวที Mochalov แสดงภาพลักษณ์ของเขาในรูปแบบใหม่ “เอฟเฟกต์” และ “กลอุบาย” ในระยะพิเศษมักเกิดขึ้นทันที ซึ่งเป็นการแสดงออกถึงสภาพจิตใจและจิตใจตามธรรมชาติ แน่นอนว่าไม่มีความสมบูรณ์แบบคลาสสิกหรือความกลมกลืนในบทบาทของเขา แต่มีการแสดงออก ความรุนแรงทางอารมณ์ ความจริงใจแบบ "สารภาพ" ชีวิตสูดลมหายใจในงานศิลปะของ Mochalov ความงามของ "ความหลงใหลและความทุกข์ทรมาน" ครอบงำ สิ่งสำคัญคือเมื่อรับรู้ชีวิตแบบทวินิยม นักแสดงได้ถ่ายทอดความรู้สึกที่เพิ่มสูงขึ้นของความขัดแย้งที่ไม่สามารถแก้ไขได้ขึ้นมาบนเวที ดังนั้นจึงสร้างบทบาทในเรื่องความไม่ลงรอยกัน การต่อต้าน และความแตกต่าง: จากความนิ่งคงที่ไปสู่ความเคลื่อนไหวที่บ้าคลั่ง จากความสงบไปสู่การระเบิดของกิเลสตัณหา จากเสียงกรีดร้อง สู่เสียงกระซิบที่ “น้ำตาวิญญาณ” Mochalov เข้าใจฮีโร่ของเขาเสมอในด้านการเคลื่อนไหวและการพัฒนา เขาไม่สนใจผลลัพธ์ แต่สนใจในกระบวนการ เส้นทางแห่งความรู้และการดำเนินชีวิต และในขณะเดียวกันเขาก็ไม่เคยเล่นตัวละครธรรมดา ๆ ธรรมดา ๆ เลย ตัวละครของเขาทั้งหมดเป็นคนแปลก ซับซ้อน ไม่ธรรมดา (ทั้งตัวร้ายและฮีโร่) สิ่งสำคัญคือต้องสร้างคะแนนภายใน ซึ่งเป็นจุดแตกต่างทางจิตวิทยา แต่ไม่ว่า Mochalov จะเล่นกับใครเขาก็มักจะพูดถึงคนรุ่นเดียวกันเสมอเพราะเขาเล่นเป็นจิตวิญญาณของเขา Mochalov เป็นผู้ยืนยันหนึ่งในกฎหมายพื้นฐานของโรงเรียนการแสดงของรัสเซีย - ประสบการณ์บนเวที

Mochalov โดดเด่นด้วยการแสดงที่ไม่สม่ำเสมอ: วันนี้เขาสามารถเล่นฉากเดียวกันได้อย่างยอดเยี่ยมและล้มเหลวในวันพรุ่งนี้ (กระบวนการนี้คาดเดาไม่ได้) มันไม่ได้โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ ความสมบูรณ์ ความสมบูรณ์ของภาพ แต่ตามคนรุ่นเดียวกัน บางครั้งนักแสดงก็มีแรงบันดาลใจเพียงพอสำหรับบทบาททั้งหมด Mochalov เป็นนักแสดงที่บริสุทธิ์และไม่รู้ว่าจะนอนบนเวทีอย่างไร สิ่งนี้อธิบายความไม่สม่ำเสมอของการเล่นของ Mochalov เป็นส่วนใหญ่: โดยที่บทบาทในปัจจุบันไม่ตรงกับการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของเขาเขาไม่ได้เล่นกับถ้อยคำที่เบื่อหูเขาเดิน "ผ่าน" ราวกับว่าหายไปจากภายใน แต่มีการแสดงที่ Mochalov ค้นหาฉากที่จำเป็นอย่างเข้มข้นและคิดผ่านการวาดภาพบทบาทที่เพียงพอต่อสภาพภายในของเขา Belinsky ในบทความอันยิ่งใหญ่ของเขาเรื่อง "Hamlet" ละครของเช็คสเปียร์ Mochalov ในบทบาทของ Hamlet" ให้ตัวอย่างว่า Mochalov เปลี่ยนโครงสร้างของเวทีอย่างมีสติอย่างไรเพื่อแสวงหาการแสดงออกทางละครที่แท้จริงและความจริงภายในของภาพลักษณ์ของเช็คสเปียร์ Markov ตาม Grigoriev ทำลายตำนานที่ Mochalov ไม่เคยศึกษาบทบาทนี้จนพังทลาย นักแสดงยังแนะนำแนวคิดเช่น "จิตใจในการแสดงละคร" และพยายามที่จะ "เข้าใจลักษณะของบุคคล" แน่นอนว่า Mochalov รู้จักอาชีพของเขาและทำงานในบทบาทนี้ จริงอยู่ "งาน" นี้มีความพิเศษเห็นได้ชัดว่ามันถูกดำเนินการในขอบเขตของจิตใต้สำนึกในจินตนาการและโดยตรงในกระบวนการสร้างสรรค์บนเวที ภาพทางศิลปะจับเขาได้อย่างสมบูรณ์: จิตวิญญาณ จิตใจ และสรีรวิทยา การดำรงอยู่อย่างต่อเนื่องภายในภาพ ในบรรยากาศของอิทธิพลของวัสดุทางศิลปะ มักไม่จำเป็นต้องมีกระบวนการซ้อมละครเวที ทุกคนสังเกตเห็นคำสั่งเสียงที่สมบูรณ์แบบของเขา - ยืดหยุ่น เคลื่อนที่ได้ และมีช่วงกว้างมาก แต่ในเวลาเดียวกัน Mochalov มักเพิกเฉยต่อรายละเอียดของแบบฟอร์มไม่ใส่ใจกับการแต่งหน้าเครื่องแต่งกายและเทคนิคพลาสติกที่คิดอย่างมีเหตุผลรายละเอียดภายนอก อย่างไรก็ตามในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของนักแสดงที่ได้รับแรงบันดาลใจตาม Grigoriev มีบทบาทที่ "ตระหนักรู้และสร้างขึ้นอย่างเต็มที่" นักวิจารณ์ตั้งชื่อผลงานเพียงสี่ชิ้นเท่านั้น: Hamlet, Richard III, Meinau และ Biderman ในละครประโลมโลกของ N. Polevoy เรื่อง "Death or Honor" พวกเขาคิดมาอย่างเต็มที่ ทำงานภายใน ออกแบบและเป็นตัวแทนของโลกแห่งศิลปะองค์รวมที่กลมกลืนกัน

แต่อาจเป็นไปได้ว่างานศิลปะของ Mochalov ครอบคลุมทั้งห้องโถงและทุกคนสามารถเข้าใจได้ โดยไม่คำนึงถึงระดับวัฒนธรรม สังคม และเกณฑ์อายุ และพ่อค้าที่บางครั้งไม่เข้าใจด้วยซ้ำว่า "อะไร" ที่ Mochalov กำลังเล่นอยู่ก็ตะโกน: "ไชโย Mochalov!" มีบางอย่างที่ถูกสะกดจิตเกี่ยวกับงานของเขา เขาบันทึกเสียงของ “สายที่ระเบิด” ในเวลานี้ได้อย่างแม่นยำและเจาะลึกเข้าไปในส่วนลึกที่ซ่อนอยู่ของชีวิตภายในของบุคคล

ธีมหลักของผลงานของนักแสดงซึ่งดำเนินไปตลอดอาชีพการงานของเขาคือธีมของชายรุ่นที่สูญหายซึ่งเป็นธีมของบุคคลพิเศษ และในแง่หนึ่งนี่คือตำนานของชีวิตชาวรัสเซีย Mochalov มีบทบาทมากมายตลอดสามสิบปี ในหมู่พวกเขา: เฟอร์ดินานด์ (“ Cunning and Love” โดย Schiller, 1822), Karl Moor (“ The Robbers” โดย Schiller, 1829), Chatsky (1831), Richard III (1835), Hamlet (1837), Othello (1837), Keene (“ Keane, or Genius and Dissipation” โดย A. Dumas, 1837), Lear (1839) ในจิตสำนึกสาธารณะของคนรุ่นทศวรรษที่ 30 และ 40 บทบาทของแฮมเล็ตอาจเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุด - ในฐานะ "คำสารภาพ" ของมนุษย์ยุคใหม่ แต่ตลอดชีวิตของเขา Mochalov ไม่เพียง แต่มีภาพลักษณ์ของนักปรัชญาของเช็คสเปียร์เท่านั้น แต่ยังมี Byronic Meinau อีกด้วย ในบทบาทนี้เองที่ผู้ชมได้เห็นโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่เป็นครั้งสุดท้าย - ในโวโรเนซในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2391

Vasily Andreevich Karatygin(1802-1853) - นักแสดงที่ใหญ่ที่สุดของโรงละคร Alexandrinsky ซึ่งเป็นโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ในช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 ตลอดชีวิตและการทำงานของเขา เขาเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับศิลปะและบุคลิกภาพของ Mochalov เขาดูไม่เหมือน “ผู้ชายที่มีส่วนสูงปานกลาง ไม่มีศิลปะในการดูแลตัวเองให้ดีบนเวที มีนิสัยแย่ๆ มีน้ำเสียงแผ่วเบา และพูดเหมือนคนอื่น?” Karatygin เป็นนักแสดงที่มีพื้นผิว "กล้าหาญ" สูง "มหึมา" "อวัยวะคู่บารมี" นี่คือบุคคลที่มีชีวิตสันโดษอย่างยิ่งโดยมุ่งเน้นที่ความคิดสร้างสรรค์ของเขา โศกนาฏกรรมในมอสโกซึ่งประสบกับความเจ็บปวดภายในและการสลายทางจิตวิญญาณอย่างไม่มีที่สิ้นสุด "ดื่ม" พรสวรรค์ของเขา เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - เขาจัดห้องซ้อมที่มีกระจกในบ้านของเขาและใช้ชีวิตในบ้านของเขากับโรงละคร Mochalov เป็นอัจฉริยะผู้มีสัญชาตญาณ Karatygin เป็นคนที่มีวัฒนธรรมที่แท้จริง นักแปลละคร นักแสดงที่รู้วิธีทำงานหนักในการแสดงหรือบทบาท คนหนึ่งมีของประทานจากสวรรค์ที่ "เป็นธรรมชาติ" ส่วนอีกคนมีพรสวรรค์ที่ "ได้รับการเลี้ยงดู" จากการศึกษาศิลปะและโรงเรียนอย่างต่อเนื่อง Mochalov - "วิญญาณ"; Karatygin - "จะ"; อันหนึ่งคือองค์ประกอบ อีกอันคืออัตราส่วน เบลินสกี้เรียกโมชาลอฟว่าเป็นนักแสดง "คนธรรมดา" และคาราตีกินเป็น "ขุนนาง" อาจมีความจริงบางอย่างในเรื่องนี้ และในการรับรู้ถึงความคิดสร้างสรรค์ของ Karatygin ว่าเป็นสไตล์ที่เพียงพอต่อสไตล์จักรวรรดิของจักรวรรดินิโคลัสรัสเซียด้วย Karatygin เป็นนักแสดงคนแรกของจักรวรรดิรัสเซีย นักแสดงแสดงเวลาจริงๆ แต่ต่างจาก Mochalov รูปร่างหน้าตาของเขาแตกต่างออกไป บุคคลที่มีสุนทรียศาสตร์แต่ละคนสร้างตัวละครในยุคนั้นขึ้นมาเอง วาดภาพเหมือนแห่งกาลเวลาของตัวเอง Mochalov เพิ่มการแสดงออก, อารมณ์ที่บ้าคลั่ง, ความกระตือรือร้นป่าเถื่อน, ความพิเศษของเหตุการณ์ ใน Karatygin มีชัยชนะของรูปแบบ องค์ประกอบ การแสดงออกของท่าทาง ความยิ่งใหญ่ ความกลมกลืนของโศกนาฏกรรมคลาสสิก ภาพนักแสดงทั้งสองจับภาพจริง แต่ผู้เขียนเห็นมันแตกต่างออกไป นี่ถือเป็นผลประโยชน์ที่แท้จริงของศิลปะและประวัติศาสตร์การละคร

Karatygin มาจากครอบครัวนักแสดงที่มีวัฒนธรรมซึ่งเป็นลูกชายของนักแสดงชื่อดังแห่งต้นศตวรรษ A.D. Karatygina; แต่งงานกับ A. M. Kolosova ซึ่งเหมือนกับ Karatygina the Second ยังคงเป็นหุ้นส่วนของเขาตลอดไป พี่ชาย, Pyotr Andreevich Karatygin นักแสดง, นักเขียนบทละครเพลงและครูสอนละครที่ยอดเยี่ยมซึ่งเป็นหนึ่งในครูของ A.E. Martynov

โศกนาฏกรรมหนุ่มใกล้กับแวดวงปัญญาชนชาวรัสเซียซึ่งเป็นนักเรียนของ P. A. Katenin เปิดตัวบนเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2363 ในบทบาทของ Fingal (“ Fingal” โดย V. Ozerov) Karatygin เช่นเดียวกับ Mochalov ที่จะให้บริการโรงละครรัสเซียเป็นเวลากว่าสามสิบปีและในทางกลับกันเขาก็จะออกจากโรงละครไประยะหนึ่งในช่วงกลางทศวรรษที่ 40 เช่นกัน - แม้ว่าตามคำขอของเขาเอง "ในช่วงวันหยุด" เมื่อเวลาผ่านไป Mochalov สูญเสียผู้ชมอย่างต่อเนื่องและ Karatygin สิ้นสุดการเดินทางของเขาที่จุดสูงสุดของชื่อเสียง ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2384 ถึง พ.ศ. 2387 ในสามปีเขาแสดงประมาณสามร้อยรายการสำหรับผู้นำของ Alexandrinsky นักแสดงในระดับและตำแหน่งนี้นี่เป็นจำนวนมาก

เพื่อให้เข้าใจถึงความเป็นเอกลักษณ์ของงานศิลปะของ Karatygin สิ่งสำคัญคือต้องคำนึงถึงรากเหง้าของนักคลาสสิกของโลกทัศน์ที่สร้างสรรค์ของเขา ความคิดเชิงศิลปะของนักแสดงซึ่งก่อตัวขึ้นที่จุดเชื่อมต่อของยุคโวหารในช่วงเวลาของการปะทะกันที่รุนแรงนั้นยากที่จะนิยามได้อย่างไม่คลุมเครือ กระแสโรแมนติกมีอิทธิพลต่อปรากฏการณ์ของศิลปิน Karatygin โดยธรรมชาติ: โครงสร้างการแสดงของเขา เทคนิคด้านสุนทรียศาสตร์ (เช่น ความแตกต่าง) ธีม โครงเรื่อง ถึงกระนั้นเราก็สามารถพูดได้ว่า Karatygin นั้นต่างจากโลกทัศน์โรแมนติกซึ่งเป็นแนวทางพื้นฐานของการคิดเชิงโวหารนี้ นักแสดงมีจิตสำนึกแบบองค์รวมในงานศิลปะของเขาเขาพยายามดิ้นรนเพื่อความสมดุลและความสามัคคี Mochalov มีความต้องการในจิตวิญญาณของเขาที่จะดำเนินชีวิตตามชะตากรรมของชายแปลกหน้าร่วมสมัยที่ถูกสั่นคลอนจากความขัดแย้งภายนอกและการวิปัสสนาภายใน สำหรับ Karatygin ในยุคของ "ความซบเซา" แนวคิดเรื่องความกล้าหาญ ความสำเร็จ และอุดมคติกลายเป็นพื้นฐาน นักแสดงไม่พบจุดเริ่มต้นในอุดมคติในยุคร่วมสมัยและต่อต้านความธรรมดาของยุคนั้นและในขณะเดียวกันก็พบกับละคร "ขยะ" โดยการสร้างภาพลักษณ์ที่กล้าหาญทางประวัติศาสตร์และสำคัญบนเวที

วิธีการสร้างสรรค์คือการแสดงออกของทั้งจิตวิทยาของนักแสดงและลักษณะนิสัยของเขา ฮีโร่ของนักแสดงโรแมนติกถูกแยกออกจากกันตลอดกาลในการต่อสู้กับโลกและตัวเขาเอง การเล่นที่ประหม่าและไม่สม่ำเสมอของศิลปินโคลงสั้น ๆ ขัดแย้งกับสุนทรียศาสตร์ของ Karatygin อย่างสิ้นเชิง ความน่าสมเพชของความเป็นอัตวิสัยของโรแมนติกความคิดสร้างสรรค์ที่กระสับกระส่ายและไม่ลงรอยกันของพวกเขานั้นแปลกสำหรับเขา ในการสร้างบทบาท Karatygin เองก็ "ละทิ้ง" บุคลิกภาพของตัวเองราวกับว่าเขาซ่อนมันจากการพิจารณาของสาธารณะ ความคิดสร้างสรรค์แบบ "วัตถุประสงค์" ทำให้เขาก้าวเข้าสู่ชีวิตของตัวละครต่างๆ ได้โดยไม่ต้องให้ประสบการณ์ส่วนตัว จิตวิทยา ประสบการณ์ทางจิตวิญญาณ และยังคงมีสุขภาพที่ดีจากภายใน Karatygin สำรวจภาพอย่างมีเหตุผล มีเหตุผล และสติปัญญา โดยไม่ยอมรับความคิดสร้างสรรค์ แรงบันดาลใจ และ "ความสุขทางศิลปะ" ที่เกิดขึ้นเอง นี่เป็นการสร้างคะแนนของบทบาท ความใส่ใจต่อท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า จังหวะ และเครื่องแต่งกายของบทบาทอย่างเป็นระบบและสม่ำเสมอ ในขณะเดียวกัน การคิดว่านักแสดงละครทั่วไปไม่ได้รับแรงบันดาลใจและความสุขในการแสดงถือเป็นเรื่องผิด นี่ไม่ได้หมายความว่า Karatygin ไม่สนใจขอบเขตความรู้สึกและประสบการณ์ของตัวละคร แต่นักแสดงเพิกเฉยต่อด้านอารมณ์ของภาพ แต่โครงสร้างทางจิตวิทยาและอารมณ์ของตัวละครใน Karatygin นั้นแสดงออกผ่านวิธีการแสดงละครที่เป็นทางการ (ตามข้อมูลของ Belinsky นี่คือ "พิธีการแบบยุโรปบนเวทีรัสเซีย") แต่วิธีที่นักแสดงมีอิทธิพลต่อผู้ชม แน่นอนว่าธรรมชาติของการรับรู้ของผู้ชมในการแสดงของ Mochalov และ Karatygin นั้นแตกต่างกัน เป็นสิ่งสำคัญสำหรับคู่รักที่จะต้องพรรณนาถึงฮีโร่ในกระบวนการเคลื่อนไหวและรูปแบบ สำหรับ Karatygin ผลของการพัฒนาความหลงใหลเป็นหัวข้อของการวิจัยบนเวที: ตัวละครที่น่าเศร้าเป็นเหมือน "รูปปั้นโบราณที่ยอดเยี่ยม"

แต่ถึงกระนั้นโรงเรียน "คลาสสิก" ของ Karatygin ก็กลายเป็นเรื่องในอดีตไปแล้ว วีรบุรุษผู้สง่างาม เคร่งขรึม และน่าตื่นตาตื่นใจของ Karatygin ถูกนามธรรมจากชีวิตจริง ซึ่งถูกมองว่าเป็นสมัยโบราณในช่วงทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 19 การพัฒนาความสมจริงอย่างเข้มข้นการปรากฏตัวของผลงานชิ้นแรกของโรงเรียนธรรมชาติ - นักแสดงไม่ผ่านกระบวนการทั้งหมดนี้ Karatygin ในฐานะศิลปินที่ชาญฉลาดและอ่อนไหวไม่ได้หยุดนิ่งในรูปแบบที่พัฒนาในช่วงทศวรรษที่ 20-30 แต่มีการพัฒนาและเข้าใกล้ "เทรนด์แห่งกาลเวลา" มากขึ้น แม้ว่าเขาจะไม่เคยเล่นละครแนวสมจริงสมัยใหม่เลยและยังคงเป็นของช่วงไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 19 แต่งานศิลปะของเขาในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาก็ใกล้ชิดกับชีวิตมากขึ้น เรียบง่ายขึ้น ลึกซึ้งขึ้น และมีจิตวิทยามากขึ้น ที่น่าสนใจหลังจากวันหยุดพักร้อนและในขณะเดียวกันก็สรุปอดีตและคิดเกี่ยวกับแผนการสำหรับอนาคตนักแสดงก็แสดงบนเวทีพร้อมกับผลงานเช่น "Eugene Onegin", "The Bronze Horseman" โดย Pushkin ปรากฏขึ้น ในบทบาทของ Taras Bulba ของ Gogol และสร้างบทบาทเก่าขึ้นมาใหม่

สำหรับโรงละครรัสเซียเพื่อการพัฒนาโรงเรียนการแสดงระดับชาติการเข้าใจและเรียนรู้บทเรียนของ Karatygin เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง ทั้งชีวิตของเขาเป็นคำยืนยันถึงความจริงง่ายๆ ที่ว่าหากไม่มีงานก็ไม่มีอาชีพการแสดง ศิลปะนั้นเป็นกระบวนการที่คงที่ในการศึกษาวิธีการของตนเองและงานประจำวันในบทบาทนี้ Karatygin พิสูจน์ให้เห็นว่าศิลปะการแสดงละครไม่เพียงต้องการทักษะและโรงเรียน ความตั้งใจ และความกล้าหาญเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมที่แท้จริงของบุคลิกภาพของศิลปินบนเวทีด้วย ในทางกลับกัน Karatygin ยืนยันด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขาว่าโรงละครเป็นปรากฏการณ์ รูปแบบไม่ว่างเปล่า แต่มีความหมายและเต็มไปด้วยอารมณ์ โรงละครทั่วไปไม่เพียงส่งผลกระทบทางสายตาเท่านั้น แต่ยังปลุกให้ผู้ชมตื่นถึงองค์ประกอบของความรู้สึกความเห็นอกเห็นใจ ฯลฯ . ดังนั้นผู้ชมจึงร้องไห้จากนักแสดง "ทางการ" Karatygin และผู้ชมก็เอาภาพลักษณ์ของ Hamlet, Lear, Kean, Louis XI ติดตัวไปด้วยตลอดไป (ในละครเรื่อง The Enchanted House" โดย I. Aufenberg) หรือ Belisarius (ใน บทละครของ E. Schenk) และห้องโถงก็ขาดจากเสียงปรบมือและความรักที่มีต่อนักแสดงของเขามาสามสิบปี Belinsky เขียนเมื่อเขาเห็น Karatygin-Belisarius เสียงปรบมือระเบิด” จนกระทั่งบั้นปลายชีวิตของเขายังคงเป็นศิลปินละครที่เป็นทางการองค์รวมกล้าหาญและมีความคิดในอุดมคติ Karatygin พิสูจน์ว่าศิลปะการนำเสนอมีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าศิลปะแห่งประสบการณ์ แต่เพียงบอกความจริงในภาษาอื่น

โรงละครอเล็กซานดรินสกี้(อาคา โรงละครวิชาการแห่งรัฐรัสเซียตั้งชื่อตาม เอ.เอส. พุชกินา) - โรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หนึ่งในโรงละครที่เก่าแก่ที่สุดในรัสเซียที่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

การแนะนำ

ละครเป็นหนึ่งในศิลปะที่เก่าแก่ที่สุด จุดเริ่มต้นสามารถสังเกตได้จากการเล่นของเด็ก ในประเพณีและพิธีกรรม แต่โรงละครก็เหมือนกับศิลปะอื่นๆ ที่ดูดซับองค์ประกอบหลายอย่าง โรงละครมีความหลากหลายและหลากหลาย

ในประเทศใดก็ตาม มีโรงละครที่มีคุณค่าทางวัฒนธรรมอย่างมาก ดังนั้นในฝรั่งเศส Grand Opera จึงเป็นโรงละครโอเปร่าของรัฐที่ใหญ่ที่สุดและมีชื่อเสียงระดับโลก ในอังกฤษคือโคเวนท์การ์เดน

ในรัสเซียพร้อมกับโรงละครบอลชอย โรงละครมาลีก็มีชื่อเสียงที่สุดเช่นกัน

Maly Theatre เป็นโรงละครรัสเซียที่เก่าแก่ที่สุดในมอสโก โดยมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมประจำชาติรัสเซีย

วัตถุประสงค์ของงาน - โรงละครมาลี หัวข้องาน - ประเพณีของโรงละครมาลี

จุดประสงค์ของงานคือโรงละคร Maly และประเพณีต่างๆ เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ จำเป็นต้องแก้ไขงานต่อไปนี้:

  • - ทำความคุ้นเคยกับประวัติความเป็นมาของโรงละครมาลี
  • - ทำความคุ้นเคยกับกิจกรรมของ M.S. Shchepkin - นักปฏิรูปวัฒนธรรมการแสดงละคร;
  • - ค้นหาว่าโรงละครมีประเพณีอะไรบ้างในศตวรรษที่ 19
  • - พิจารณาว่าประเพณีเหล่านี้ดำเนินต่อไปในโรงละคร Maly สมัยใหม่อย่างไร

จุดเริ่มต้นของประวัติศาสตร์โรงละครมาลี

ประวัติศาสตร์ไม่ได้เริ่มต้นเลยจากการเปิดโรงละคร Maly ซึ่งเรารู้จักในวันนี้เมื่อวันที่ 14 (26) ตุลาคม พ.ศ. 2367 มันเริ่มต้นเร็วกว่านั้นมากเมื่อแนวคิดในการจัดตั้ง "คณะจักรวรรดิ" ในมอสโกได้รับการระบุไว้ในรายงานปี 1805 ของหัวหน้าผู้อำนวยการโรงละคร A.L. นาริชกินา.

"รายงาน" ของเขาได้รับการสนับสนุนและในปี 1806 คณะมอสโกได้ก่อตั้งขึ้น เป็นเวลา 18 ปีที่การแสดงของคณะมอสโกจัดขึ้นในบ้านของ Pashkov บน Mokhovaya หรือในบ้านของ Apraksin บน Znamenka หรือในอาคารโรงละครที่ประตู Arbat ในปี 1824 พวกเขาถูกย้ายไปที่บ้านของ Vargin บน Petrovskaya (ปัจจุบันคือ Teatralnaya Square) ไปยังอาคารเดียวกันที่ได้รับชื่อโรงละคร Maly ตลอดหลายปีที่ผ่านมาเป็นการเตรียมการสำหรับอนาคตที่เบ่งบาน - การรวบรวมกองกำลังรักษาการเกิดขึ้นอย่างต่อเนื่อง โรงละคร Maly ดูดซับมรดกทางการแสดงละครอันยาวนานทั้งหมดของศตวรรษที่ผ่านมา - ท้ายที่สุดแม้ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 ละครตลกของ "Russian Racine" นักเขียนบทละครคนแรก - Sumarokov ก็แสดงบนเวทีมอสโก ผู้ชมยังคงรู้สึกตื่นเต้นกับบทพูดของวีรบุรุษเจ้าชายและการอภิปรายเกี่ยวกับคุณธรรมของพลเมืองชั้นสูง นอกจากนี้ยังมีการ์ตูนโอเปร่าของ Ablesimov และถ้อยคำเสียดสีพิษของ Kapnist เรื่อง "The Yabeda" แต่ถึงกระนั้นยุคการแสดงละครอันยิ่งใหญ่ของลัทธิคลาสสิกของรัสเซียก็สิ้นสุดลง ภาษาวรรณกรรมกำลังเปลี่ยนไปแล้ว Sumarokov ดูล้าสมัยไปแล้วและพุชกินพูดโดยตรงถึงภาษาที่ "ป่าเถื่อนและอ่อนแอ" ของเขา ในละครก็เช่นกัน มันเป็นเรื่องเกี่ยวกับการพัฒนาภาษากวี สุนทรพจน์บนเวที เทคนิคการแสดง และท่าทางบนเวทีของนักแสดง แต่ความคลาสสิกได้เปิดกว้างสำหรับคนรุ่นใหม่ถึงความมีชีวิตชีวาของคำ ความเคร่งขรึมของคำ ความรักของคำ อันที่จริงในโรงละครแห่งศตวรรษที่ 18 เป็นคำที่มักกำหนดลักษณะการแสดงบนเวทีไว้ล่วงหน้า การแบ่งแยกออกเป็นโศกนาฏกรรมและตลกออกเป็นประเภทสูงและต่ำก่อให้เกิดแนวคิดของภาษากวีที่แตกต่างกัน ในโศกนาฏกรรมของ Sumarokov ภาษานั้น "ยกระดับ" ในคอเมดี้ของ Fonvizin มันเข้าใกล้คำพูดพื้นบ้าน วิวัฒนาการของละครและการเกิดขึ้นของรูปแบบละครใหม่ไปพร้อม ๆ กับการวิวัฒนาการของศิลปะการแสดงของรัสเซีย โรงละครแห่งศตวรรษที่ 18 สามารถเรียกได้ว่าเป็นวรรณกรรม - ในนั้นคือคำว่ากวีนิพนธ์ที่มาก่อน ศิลปะของนักแสดงคือศิลปะของคำพูดและท่าทาง จุดศูนย์กลางของเกมในโรงละครแห่งความคลาสสิกคือคำพูดของบทพูดคนเดียว - บทพูดคนเดียวนั้นอยู่ภายใต้กฎเกณฑ์หลายข้ออย่างเคร่งครัดโดยให้ทั้งตรรกะและการสร้างจังหวะ

อะไรคือความแตกต่างระหว่างโรงละคร Maly และโรงละครบอลชอย? อาจมีหลายคนถามคำถามนี้ ความแตกต่างหลักอยู่ที่ประเภทต่างๆ Bolshoi เป็นโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ เล็ก - น่าทึ่ง

เรื่องราว

โรงละครบอลชอยแตกต่างจากโรงละครมาลีในยุคก่อตั้ง เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าเปิดในปี พ.ศ. 2319 คณะละคร Maly Theatre สร้างขึ้นในปี 1756 เป็นสถาบันความบันเทิงสาธารณะแห่งแรกในรัสเซีย ในไม่ช้าคณะโอเปร่าก็ปรากฏตัวขึ้นที่โรงละคร Maly Drama ประกอบด้วยนักศึกษาจากมหาวิทยาลัยมอสโกเป็นส่วนใหญ่ซึ่งได้รับการศึกษาด้านดนตรีที่ดี

ดังนั้นโรงละคร Maly และ Bolshoi ในปัจจุบันจึงได้รวมตัวกันเป็นคณะเดียว - โอเปร่าและละคร รวมทั้งศิลปินเสิร์ฟและดารารับเชิญจากต่างประเทศ ในฤดูกาล พ.ศ. 2367-2368 คณะถูกแบ่งออกเป็นสองกลุ่มอิสระ - ละครและโอเปร่า แต่ละคนพบอาคารแยกเป็นของตัวเอง

ดังนั้นวัดศิลปะสองแห่งจึงปรากฏในมอสโก - โรงละครบอลชอยและโรงละครมาลี ความแตกต่างของชื่อเดิมหมายถึงขนาดของอาคารที่ตั้งอยู่ โรงละคร Maly มีขนาดเล็กกว่าโรงละครบอลชอยมาก แต่ไม่นานก็เปลี่ยนชื่อจากคำจำกัดความระบุเขตอาคารเป็นชื่อที่ถูกต้อง ตอนนี้คำว่า "ใหญ่" และ "เล็ก" มักจะเขียนด้วยตัวพิมพ์ใหญ่ และไม่ได้แปลเป็นภาษาต่างประเทศ ในทุกประเทศทั่วโลก ชื่อของโรงละครเหล่านี้จะได้ยินเฉพาะในภาษารัสเซียเท่านั้น - "บอลชอย" และ "มาลี"

แผนละคร

โรงละครบอลชอยแตกต่างจากโรงละครมาลีในด้านละคร จัดแสดงดนตรีโดยเฉพาะ - โอเปร่าและบัลเล่ต์ โรงละคร Maly จัดแสดงเฉพาะการแสดงละครเท่านั้น

ละครของโรงละครบอลชอยมีผลงานดังต่อไปนี้:

  • "แม่มด" (โอเปร่า)
  • "เอสเมรัลดา" (บัลเล่ต์)
  • "บิลลี่บัดด์" (โอเปร่า)
  • "แฮมเล็ต" (บัลเล่ต์)
  • "โสมนามบุละ" (โอเปร่า)
  • "Cipollino" (บัลเล่ต์)
  • "เด็กและเวทมนตร์" (โอเปร่า)
  • "เลดี้แห่งคามีเลีย" (บัลเล่ต์)
  • "โรเดลินดา" (โอเปร่า)
  • "คนโง่" (โอเปร่า)
  • "อพาร์ตเมนต์" (บัลเล่ต์)
  • "ราชินีแห่งโพดำ" (โอเปร่า)
  • "ตำนานแห่งความรัก" (บัลเล่ต์)
  • "เรื่องราวของไก่และเกอร์ดา" (โอเปร่า)
  • "ฮีโร่แห่งเวลาของเรา" (บัลเล่ต์)
  • "Swan Lake" (บัลเล่ต์) เป็นต้น

การแสดงของ Maly Theatre ประกอบด้วยการแสดง:

  • "สินสอด"
  • "ซาร์บอริส"
  • "วาสซา เซเลซโนวา"
  • “ความพยายามของความรัก”
  • “พลังแห่งความมืด”
  • "โรงละครจักรพรรดินี"
  • “มันไม่ได้เกิดขึ้นในแต่ละวัน”
  • "ราชินีหิมะ."
  • "เด็กแห่งดวงอาทิตย์"
  • "หัวใจไม่ใช่หิน"
  • "ชีวิตและความรักของมิสเตอร์ โมลิแยร์"
  • "สารวัตร".
  • "สวมหน้ากาก".
  • "เกือบทุกอย่างเกี่ยวกับความรัก"
  • "ทายาทแห่ง Rabourdin" และการแสดงอื่น ๆ

เร่ร่อน

โรงละครบอลชอยแตกต่างจากโรงละครมาลีตรงที่คณะละครประกอบด้วยนักร้องโอเปร่า นักเต้นบัลเล่ต์ และนักดนตรี นี่เป็นเพราะความเฉพาะเจาะจงของมัน นักแสดงละครรับหน้าที่โรงละคร Maly ความแตกต่างก็คือจำนวนศิลปิน โรงละครบอลชอยมีคณะละครขนาดใหญ่ ในมาลีนักแสดงมีน้อยกว่ามาก

คณะละครบอลชอย:

  • มาเรีย กาฟริโลวา.
  • เอเลนา โนวัค.
  • วาดิม ทิโคนอฟ.
  • Evgenia Obrazshtsova.
  • คอนสแตนติน ชูชาคอฟ.
  • เวียเชสลาฟ โปชัปสกี้.
  • แอนนา โวลโควา.
  • เดนิส ร็อดกิน.
  • วิกตอเรีย โบโกยาฟเลนสกายา
  • โอลก้า โดรบีเชวา.
  • อนาสตาเซีย โกเรียเชวา.
  • มิทรี กริชิน.
  • อิรินา วาซิลีวา.
  • อันเดรย์ เดนิซอฟ.
  • เวียเชสลาฟ โลปาติน.
  • โอลก้า กุลชินสกายา.
  • อิรินา โดลเชนโก.
  • มารัต กาลี.
  • แอนนา ลีโอโนวา.
  • อิกอร์ โกโลวาเทนโก.
  • มิคาอิล คาซาคอฟ.
  • ซิโมน อัลเบอร์กินี.
  • เดนิส เมดเวเดฟ.
  • แอนนา เกร็บโซวา.
  • อเล็กซานเดอร์ กาซาเรซ.
  • Yulia Stepanova และอีกหลายคน

คณะละครมาลี:

  • ลุดมิลา ซูวอร์คินา.
  • วลาดิมีร์ โบชคาเรฟ.
  • อักษินียา ปุสติลนิโควา.
  • บอริส คลูเยฟ.
  • อเล็กเซย์ คูดิโนวิช.
  • อะพอลลินาเรีย มูราวีโอวา.
  • ลิเลีย ยูดินา.
  • ฟิลิป มาร์ตเซวิช.
  • ยูริ อิลลิน.
  • ลิวบอฟ เยชเชนโก้.
  • Inessa Rakhvalova และคนอื่นๆ

ผู้จัดการ

โรงละครบอลชอยแตกต่างจากโรงละครมาลีในด้านความเป็นผู้นำ พวกเขาดำเนินการโดยผู้คนที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ผู้อำนวยการทั่วไปของโรงละครบอลชอยคือวลาดิมีร์ อูริน ในปี 1971 เขาสำเร็จการศึกษาจากแผนกกำกับของสถาบันวัฒนธรรมเลนินกราด พ.ศ. 2518 - คณะศึกษาการละครที่ GITIS

V. Urin เริ่มอาชีพของเขาในเมืองคิรอฟ ที่นั่นเขาเป็นหัวหน้าโรงละครเยาวชน ในปี 1981 วลาดิมีร์ย้ายไปมอสโคว์ ในเมืองหลวง เขาเป็นหัวหน้าคณะรัฐมนตรีหุ่นกระบอกและโรงละครเด็ก เขาเป็นผู้จัดการประชุม งานเทศกาล สัมมนา ห้องทดลองสร้างสรรค์และโครงการต่างๆ

ในปี 1995 เขาได้ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการทั่วไปของ K. S. Stanislavsky Musical Theatre ตั้งแต่ปี 1997 เขาเป็นหัวหน้าแผนกการจัดการและการผลิตที่ Moscow Art Theatre School เขาเป็นหัวหน้าโรงละครบอลชอยในปี 2556

ผู้อำนวยการทั่วไปของโรงละคร Maly คือ Tamara Mikhailova ในปี 1981 เธอสำเร็จการศึกษาจากสถาบันการบินมอสโก ตั้งแต่ปี 1980 เธอทำงานเป็นวิศวกรในสถาบันวิจัยต่างๆ ในปี 2008 และจนถึงทุกวันนี้ Tamara Anatolyevna เป็นรองอธิการบดีฝ่ายองค์กรและงานสร้างสรรค์ที่โรงเรียน Shchepkinsky ต้องขอบคุณเธอที่ซ่อมแซมส่วนหน้าและการตกแต่งภายในของสถาบันการศึกษาได้จัดทำเอกสารตามลำดับและการตรวจสอบก็เสร็จสมบูรณ์

ในปี 2009 T. Mikhailova ได้รับความขอบคุณจากประธานาธิบดีรัสเซียสำหรับการบริการของเธอในด้านผู้เชี่ยวชาญด้านการฝึกอบรมในสาขาศิลปะการแสดงละคร

Tamara Anatolyevna เข้ารับตำแหน่งผู้อำนวยการทั่วไปของ Maly Theatre ในปี 2010

อาคาร

โรงละครบอลชอยและมาลีก็มีสถาปัตยกรรมของอาคารต่างกันเช่นกัน ภายนอกพวกเขาแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากกัน แม้ว่า A. Bove สถาปนิกชาวมอสโกจะเข้ามามีส่วนร่วมในทั้งสองคนก็ตาม อาคารโรงละครบอลชอยสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2367 ในช่วงทศวรรษที่ห้าสิบของศตวรรษที่ 19 มันถูกไฟไหม้ ได้รับการบูรณะโดยสถาปนิก Kavos เขาเปลี่ยนรูปลักษณ์ไปบ้าง หลังคาและระเบียงมีการเปลี่ยนแปลง สถาปนิกเปลี่ยนหลังคาสี่ลาดเป็นหลังคาหน้าจั่ว คุณค่าทางศิลปะของส่วนหน้าของโรงละครบอลชอยลดลงบ้างหลังจากการเปลี่ยนแปลงของ Kavos

อาคาร Maly Theatre เดิมเป็นอาคารพักอาศัย มันเป็นของพ่อค้า V. Vargin โครงการก่อสร้างสร้างโดย A. Elkinsky ด้านหน้าได้รับการออกแบบโดย A. Bove ในปี พ.ศ. 2367 V. Vargin ได้เช่าบ้านของเขาให้กับโรงละครอิมพีเรียล (มาลี) ผ่านไปเพียงสิบกว่าปี ก็ได้ก่อสร้างขึ้นใหม่ทั้งภายในและภายนอกตามการออกแบบของสถาปนิก เค.ตัน ในปี 1914 โรงละครถูกไฟไหม้ ได้รับการบูรณะในยุค 40 ของศตวรรษที่ 20 โดยสถาปนิก A. Velikanov

ที่อยู่

ข้อแตกต่างระหว่างโรงละครบอลชอยและโรงละครมาลีก็คือที่อยู่ แม้ว่าพวกเขาจะอยู่ใกล้กันก็ตาม

ที่อยู่ของโรงละครบอลชอย: Teatralnaya Square อาคาร 1 สถานีรถไฟใต้ดินที่ใกล้ที่สุดคือ Okhotny Ryad ที่อยู่คือ Maly Proezd อาคารหมายเลข 1 อาคาร 1 สถานีรถไฟใต้ดินที่ใกล้ที่สุดคือ Okhotny Ryad

โรงละคร Gogol และ Ostrovsky โรงละครที่มีการแสดง “วิบัติจากวิทย์” และ “พายุฝนฟ้าคะนอง” เป็นครั้งแรกบนเวที โรงละครที่ Shchepkin และ Mochalov ฉายแวว โรงละครที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่งในรัสเซียคือ Maly Theatre ซึ่งจะมีการบอกเล่าประวัติศาสตร์ในวันนี้มือสมัครเล่น. สื่อ.

ละครตลกและโศกนาฏกรรม

ประวัติความเป็นมาของโรงละคร Moscow Maly เริ่มต้นในปี 1756 ด้วยคำสั่งของ Elizaveta Petrovna: "ตอนนี้เราได้สั่งให้จัดตั้งโรงละครรัสเซียเพื่อนำเสนอคอเมดี้และโศกนาฏกรรม" จริงอยู่นี่คือช่วงเวลาที่มีเพียงคณะละครเท่านั้นที่ปรากฏ - ก่อตั้งขึ้นที่มหาวิทยาลัยและอยู่ภายใต้การนำที่ละเอียดอ่อนของกวีและนักเขียนบทละครชื่อดัง Kheraskov (คนเดียวกับที่เขียนบทกวีมหากาพย์ "Rossiada") โรงละครฟรีของมหาวิทยาลัยทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างโรงละคร Petrovsky อันน่าทึ่ง นอกจากนักเรียนแล้ว คณะยังรวมถึงนักแสดงจากโรงละครทาส ซึ่งแห่งแรกคือโรงละครของเจ้าของที่ดิน Volkov ใน Yaroslavl)

อาคารจากโบเวส์และทอน

มักจะเกิดขึ้นอาคารโรงละครถูกไฟไหม้และในปี พ.ศ. 2367 สถาปนิก Bove ซึ่งเป็นคนเดียวกับผู้สร้างโรงละครบอลชอยได้สร้างโครงการสำหรับสร้างคฤหาสน์ของพ่อค้า Vargin ขึ้นมาใหม่ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นอาคารของโรงละคร Maly ต่อมาได้รับการสร้างขึ้นใหม่โดยสถาปนิก Ton และอยู่ในรูปแบบสุดท้าย ปัจจุบันด้านหน้าอาคารโรงละครมีอนุสาวรีย์ของ Ostrovsky ในเวลาเดียวกันโรงละครก็กลายเป็นของรัฐซึ่งมีความสำคัญมาก: ตอนนี้นักแสดงที่มาจากโรงละครทาสได้รับอิสรภาพ ในตอนแรก โรงละครบอลชอยและมาลีเชื่อมต่อกันด้วยโครงสร้างเดียว บางครั้งผลงานจากโรงละครแห่งหนึ่งก็ถูกถ่ายโอนไปยังอีกเวทีหนึ่งเมื่อเวลาผ่านไป และแม้แต่โอเปร่ายังปรากฏบนเวที Maly เป็นครั้งคราวเช่น "Eugene Onegin" ของ Tchaikovsky

โรงละคร Mochalov และ Shchepkin

ประกาศการแสดงครั้งแรกที่ Maly Theatre สามารถพบได้ใน Moskovskie Vedomosti ในปี 1824 เป็นที่น่าสนใจที่ชื่อของโรงละครเขียนด้วยตัวอักษรตัวเล็กเพราะเป็นการบ่งบอกถึงขนาดที่เล็กของโรงละคร แต่ไม่นานมาลีก็โด่งดังจนชื่อของเขาเริ่มเขียนด้วยตัวพิมพ์ใหญ่ด้วยความเคารพ นักแสดงชื่อดัง - Shchepkin และ Mochalov มีบทบาทไม่น้อยในชื่อเสียงที่เพิ่มขึ้นของโรงละคร Shchepkin เคยเป็นอดีตนักแสดงข้ารับใช้ เขาต้องเล่นบทผู้หญิงด้วยซ้ำ เช่น Eremeevna ใน "The Minor" และ Baba Yaga ในโอเปร่าของ Gorchakov โมชาลอฟก็เกิดมาในตระกูลนักแสดงทาสและเขาก็กลายเป็นหนึ่งในโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19 ฮีโร่เดี่ยวของเขาทำให้เขาโด่งดังอย่างรวดเร็ว: Hamlet, Richard III, Chatsky



ภาพถ่ายของ Shchepkin ในหนังสือพิมพ์เนื่องในโอกาสครบรอบ 50 ปีการเสียชีวิตของเขา

โรงละคร Gogol และ Ostrovsky

โรงละคร Maly เป็นศูนย์กลางของชีวิตทางวัฒนธรรม ละครที่กว้างขวางของเขารวมถึงผลงานของเช็คสเปียร์และชิลเลอร์, พุชกินและกริโบเอดอฟ อยู่บนเวทีของ Maly ในปี 1831 ที่มีการแสดงตลกเรื่อง "Woe from Wit" ครั้งแรกโดย Shchepkin รับบทเป็น Famusov และ Mochalov รับบทเป็น Chatsky ที่นี่ในปี 1836 พวกเขาแสดง "ผู้ตรวจราชการ" ของ Gogol และจัดฉาก "Dead Souls" "การแต่งงาน" และ "ผู้เล่น" แต่แน่นอนว่านักเขียนที่รักที่สุดของ Maly คือ Alexander Nikolaevich Ostrovsky ในช่วงชีวิตของเขาเขาเขียนบทละคร 48 เรื่อง และทั้งหมดจัดแสดงบนเวทีมาลี ปี พ.ศ. 2402 ถือเป็นปีแห่งการแสดงละครในกรุงมอสโกด้วยการเปิดตัวภาพยนตร์เรื่อง The Thunderstorm ละครเรื่องนี้ก่อให้เกิดความขัดแย้งอย่างรุนแรงในหมู่นักวิจารณ์ Dobrolyubov, Pisarev และ Grigoriev เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้



ละคร "พายุฝนฟ้าคะนอง" ที่แสดงโดย Maly Theatre จบลงสิบเก้าศตวรรษ

ผลงานของคลาสสิกรัสเซียอื่น ๆ ก็จัดแสดงบนเวที Maly เช่นกัน ตัวอย่างเช่นไตรภาคของ Alexei Konstantinovich Tolstoy "Tsar Ivan the Terrible", "Tsar Fyodor Ioannovich", "Tsar Boris" ประสบความสำเร็จอย่างมาก แต่ความสัมพันธ์ของโรงละครกับเชคอฟในช่วงชีวิตของนักเขียนไม่ได้ผลดังนั้นมีเพียงการแสดงเพลงของเขาเท่านั้นที่แสดงบนเวที แต่วันนี้ “The Seagull”, “The Cherry Orchard” และ “Three Sisters” ได้เข้ามาแทนที่ละครนี้อย่างเหนียวแน่น

การอนุรักษ์ประเพณี

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 เป็นเรื่องยากสำหรับโรงละคร แม้จะมีกระแสนวัตกรรมที่แพร่กระจายไปทั่วโรงละครรัสเซีย แต่ Maly ก็ยังคงยึดมั่นในประเพณี ในปีพ.ศ. 2461 มีการเปิดโรงเรียนโรงละครแห่งหนึ่งในโรงละคร ซึ่งต่อมาได้ขยายเป็นโรงเรียนโรงละครชั้นสูง Shchepkin หลังการปฏิวัติโรงละคร Maly ใกล้จะสูญพันธุ์: ผู้บังคับการโรงละครเชื่อว่าโรงละครอิมพีเรียลไม่จำเป็นสำหรับผู้ชมใหม่ โชคดีที่ Lunacharsky เข้ามาป้องกันได้ทันเวลา และ Maly ก็รอดมาได้ ในช่วงทศวรรษที่ 30 และ 40 โรงละครกลับไปสู่การแสดงคลาสสิกเป็นหลัก โดยเลือกที่จะไม่แสดงผลงานของนักเขียนร่วมสมัย จากนั้น Ostrovsky, Gogol และ Griboyedov ก็ปรากฏตัวบนเวทีอีกครั้ง



วันนี้มาลีเธียเตอร์

ในช่วงสงคราม โรงละครไม่ได้หยุดทำงาน หลังสงคราม พวกเขายังจัดแสดงละครคลาสสิกเป็นส่วนใหญ่ เช่น “Vassa Zheleznova ของกอร์กี”, “Masquerade” ของเลอร์มอนตอฟ, “Macbeth ของเชกสเปียร์”, “Phaedre ของราซีน”, “Madame Bovary” ของ Flaubert และ “Vanity Fair” ของแธกเกอร์เรย์ ปัจจุบัน โรงละครยังจัดแสดงอีกด้วย ตามประเพณีฉันจินตนาการถึงผู้ชมของ Ostrovsky และ Chekhov นอกจากนี้คณะละครทัวร์รอบโลกอย่างต่อเนื่อง Maly ยังเป็นผู้ริเริ่มการสร้างเทศกาล All-Russian "Ostrovsky ในบ้าน Ostrovsky" - "นักร้องของ Zamoskvorechye ” เป็นที่จดจำและเป็นเกียรติในเมืองมาลีจนถึงทุกวันนี้

เอคาเทรินา แอสตาฟิเอวา