ประวัติความเป็นมาของละคร: ความเป็นมาและพัฒนาการของศิลปะการแสดงละคร ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ ละครเป็นรูปแบบศิลปะหนึ่งและมีความแตกต่างพื้นฐานจากศิลปะอื่น ๆ ประเภทของศิลปะที่มีอิทธิพลต่อโรงละคร

โรงละครถือเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง และความแตกต่างจากศิลปะอื่นๆ

ชุดศิลปะการละคร

เช่นเดียวกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ (ดนตรี ภาพวาด วรรณกรรม) โรงละครก็มีลักษณะพิเศษของตัวเอง เป็นศิลปะสังเคราะห์ งานละคร (การแสดง) ประกอบด้วยเนื้อความในบทละคร ผลงานของผู้กำกับ นักแสดง ศิลปิน และนักแต่งเพลง ในโอเปร่าและบัลเล่ต์ ดนตรีมีบทบาทชี้ขาด

ละครเป็นศิลปะส่วนรวม การแสดงเป็นผลมาจากกิจกรรมของผู้คนจำนวนมาก ไม่เพียงแต่ผู้ที่ปรากฏตัวบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ที่เย็บเครื่องแต่งกาย ทำอุปกรณ์ประกอบฉาก จัดแสง และทักทายผู้ชมด้วย ไม่ใช่เพื่ออะไรที่มีคำจำกัดความของ "คนงานเวิร์คช็อปโรงละคร": การแสดงเป็นทั้งความคิดสร้างสรรค์และการผลิต

โรงละครนำเสนอวิธีการทำความเข้าใจโลกรอบตัวเราในแบบของตัวเอง และด้วยเหตุนี้จึงมีแนวทางทางศิลปะของตัวเองด้วย การแสดงเป็นทั้งการแสดงพิเศษที่เล่นในพื้นที่ของเวทีและการคิดเชิงจินตนาการพิเศษที่แตกต่างจากดนตรี

โรงละครมี "ความสามารถ" ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดไม่เหมือนกับรูปแบบศิลปะอื่นๆ มันดูดซับความสามารถของวรรณกรรมในการสร้างชีวิตขึ้นมาใหม่ด้วยคำพูดทั้งภายนอกและภายใน แต่คำนี้ไม่ใช่การเล่าเรื่อง แต่ฟังดูมีชีวิตและมีประสิทธิภาพโดยตรง ยิ่งไปกว่านั้น ไม่เหมือนกับวรรณกรรม โรงละครสร้างความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ไม่ได้อยู่ในใจของผู้อ่าน แต่เป็นภาพชีวิต (การแสดง) ที่มีอยู่ในอวกาศ และด้วยเหตุนี้ โรงละครจึงเข้าใกล้การวาดภาพมากขึ้น แต่การแสดงละครเป็นการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง และพัฒนาขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป และด้วยวิธีนี้ การแสดงจึงใกล้เคียงกับดนตรี การดื่มด่ำไปกับโลกแห่งประสบการณ์ของผู้ชมนั้นคล้ายคลึงกับสภาวะที่ผู้ฟังเพลงสัมผัสได้ ซึ่งจมอยู่ในโลกแห่งการรับรู้เสียงตามอัตวิสัยของเขาเอง

แน่นอนว่า ละครไม่มีทางมาแทนที่งานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ได้อย่างแน่นอน ลักษณะเฉพาะของละครคือการนำ “คุณสมบัติ” ของวรรณกรรม ภาพวาด และดนตรีมาผ่านภาพลักษณ์ของคนมีชีวิตและนักแสดง วัสดุของมนุษย์โดยตรงสำหรับงานศิลปะประเภทอื่นๆ นี้เป็นเพียงจุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น สำหรับโรงละคร “ธรรมชาติ” ไม่เพียงแต่ทำหน้าที่เป็นวัสดุเท่านั้น แต่ยังได้รับการอนุรักษ์ให้มีความมีชีวิตชีวาในทันทีอีกด้วย

ศิลปะการละครมีความสามารถอันน่าทึ่งในการผสานเข้ากับชีวิต แม้ว่าการแสดงบนเวทีจะเกิดขึ้นที่อีกด้านหนึ่งของเวที แต่ในช่วงเวลาที่มีความตึงเครียดสูงสุด การแสดงจะเบลอเส้นแบ่งระหว่างศิลปะกับชีวิต และผู้ชมจะมองว่าเป็นความจริง พลังอันน่าดึงดูดใจของละครอยู่ที่ความจริงที่ว่า "ชีวิตบนเวที" แสดงออกอย่างอิสระในจินตนาการของผู้ชม

การพลิกผันทางจิตวิทยานี้เกิดขึ้นเพราะโรงละครไม่ได้มีเพียงคุณลักษณะของความเป็นจริงเท่านั้น แต่ในตัวมันเองยังเผยให้เห็นความเป็นจริงที่สร้างขึ้นอย่างมีศิลปะอีกด้วย ความเป็นจริงในการแสดงละครที่สร้างความประทับใจในความเป็นจริงมีกฎหมายพิเศษของตัวเอง ความจริงของละครไม่สามารถวัดได้ด้วยเกณฑ์ความจริงในชีวิตจริง บุคคลไม่สามารถแบกรับภาระทางจิตวิทยาที่พระเอกของละครต้องเผชิญในชีวิตได้เพราะในโรงละครมีการควบแน่นของเหตุการณ์ทั้งหมดอย่างรุนแรง ฮีโร่ของบทละครมักจะสัมผัสกับชีวิตภายในของเขาว่าเป็นก้อนแห่งความหลงใหลและมีสมาธิสูง และทั้งหมดนี้ถือเป็นการยอมรับจากผู้ชม “ เหลือเชื่อ” ตามมาตรฐานของความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ไม่ใช่สัญญาณของความไม่น่าเชื่อถือในงานศิลปะเลย ในละคร “ความจริง” และ “ความเท็จ” มีเกณฑ์ที่แตกต่างกันและถูกกำหนดโดยกฎแห่งการคิดเชิงจินตนาการ “ศิลปะมีประสบการณ์เป็นความจริงในความสมบูรณ์ของ “กลไก” ทางจิตของเรา แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับการประเมินในคุณภาพเฉพาะของงานศิลปะทำมือที่ขี้เล่น “ไม่จริง” ดังที่เด็กๆ พูด เป็นภาพลวงตาของความเป็นจริงเป็นสองเท่า”

ผู้มาเยี่ยมชมโรงละครจะกลายเป็นผู้ชมละครเมื่อเขารับรู้ถึงสองแง่มุมของการแสดงบนเวที ไม่เพียงแต่ได้เห็นการแสดงที่เป็นรูปธรรมต่อหน้าเขาเท่านั้น แต่ยังเข้าใจความหมายภายในของการแสดงนี้ด้วย สิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีให้ความรู้สึกว่าเป็นความจริงของชีวิตและเป็นการพักผ่อนหย่อนใจโดยนัย ในเวลาเดียวกันเป็นสิ่งสำคัญที่จะต้องทราบว่าผู้ชมเริ่มใช้ชีวิตในโลกแห่งโรงละครโดยไม่สูญเสียความรู้สึกที่แท้จริง ความสัมพันธ์ระหว่างความเป็นจริงกับความเป็นจริงในละครค่อนข้างซับซ้อน กระบวนการนี้มีสามขั้นตอน:

ความเป็นจริงของความเป็นจริงที่แสดงให้เห็นอย่างเป็นกลาง เปลี่ยนจากจินตนาการของนักเขียนบทละครให้กลายเป็นผลงานละคร

ผลงานละครที่นำมาสู่ชีวิตบนเวทีโดยโรงละคร (ผู้กำกับนักแสดง) - การแสดง

ชีวิตบนเวทีที่ผู้ชมรับรู้และกลายเป็นส่วนหนึ่งของประสบการณ์ ผสานเข้ากับชีวิตของผู้ชมจึงกลับมาสู่ความเป็นจริงอีกครั้ง

กฎพื้นฐานของโรงละคร - การมีส่วนร่วมภายในของผู้ชมในเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที - กระตุ้นให้เกิดจินตนาการ ความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระภายในในตัวผู้ชมแต่ละคน การถูกจองจำในฉากแอ็คชั่นนี้ทำให้ผู้ชมแตกต่างจากผู้สังเกตการณ์ที่ไม่แยแสซึ่งพบได้ในห้องโถงโรงละครด้วย ผู้ชมเป็นศิลปินที่ใคร่ครวญไม่เหมือนกับนักแสดง แต่เป็นศิลปินที่กระตือรือร้น

จินตนาการที่กระตือรือร้นของผู้ชมไม่ใช่ทรัพย์สินทางจิตวิญญาณพิเศษของผู้รักศิลปะที่ได้รับการคัดเลือก แน่นอนว่ารสนิยมทางศิลปะที่ได้รับการพัฒนานั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง แต่นี่เป็นคำถามของการพัฒนาหลักการทางอารมณ์ที่มีอยู่ในตัวทุกคน

จิตสำนึกของความเป็นจริงทางศิลปะในกระบวนการรับรู้นั้นลึกซึ้งยิ่งขึ้น ยิ่งผู้ชมดื่มด่ำไปกับขอบเขตของประสบการณ์อย่างเต็มที่ ศิลปะที่มีหลายชั้นก็จะเข้าสู่จิตวิญญาณของมนุษย์มากขึ้นเท่านั้น มันอยู่ที่ทางแยกของสองทรงกลมนี้ - ประสบการณ์ไร้สติและการรับรู้อย่างมีสติเกี่ยวกับศิลปะที่มีจินตนาการอยู่ มันมีอยู่ในจิตใจของมนุษย์ในขั้นต้น โดยธรรมชาติแล้ว ทุกคนสามารถเข้าถึงได้ และสามารถพัฒนาได้อย่างมีนัยสำคัญในระหว่างการสั่งสมประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์

การรับรู้ด้านสุนทรียศาสตร์เป็นความคิดสร้างสรรค์ของผู้ชม และสามารถเข้าถึงความเข้มข้นที่ยิ่งใหญ่ได้ ยิ่งธรรมชาติของผู้ชมสมบูรณ์มากขึ้น ความรู้สึกทางสุนทรีย์ของเขาก็ยิ่งพัฒนามากขึ้น ประสบการณ์ทางศิลปะของเขาที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น จินตนาการของเขาที่กระฉับกระเฉงมากขึ้น และความประทับใจในการแสดงละครของเขาก็จะยิ่งมากขึ้นเท่านั้น

สุนทรียภาพแห่งการรับรู้มุ่งเน้นไปที่ผู้ดูในอุดมคติเป็นส่วนใหญ่ ในความเป็นจริง กระบวนการปลูกฝังวัฒนธรรมการแสดงละครอย่างมีสติอาจทำให้ผู้ชมได้รับความรู้เกี่ยวกับศิลปะและฝึกฝนทักษะการรับรู้บางอย่าง

ในละครสังเคราะห์แห่งยุคสมัยใหม่ ความสัมพันธ์ดั้งเดิมระหว่างหลักการหลักที่สำคัญ - ความจริงและเรื่องแต่ง - ปรากฏอยู่ในความสามัคคีที่ไม่ละลายน้ำ การสังเคราะห์นี้เกิดขึ้นทั้งในฐานะการกระทำแห่งประสบการณ์ (การรับรู้ถึงความจริงของชีวิต) และในฐานะการกระทำเพื่อความพึงพอใจทางสุนทรีย์ (การรับรู้บทกวีของโรงละคร) จากนั้นผู้ชมจะไม่เพียง แต่เป็นผู้มีส่วนร่วมทางจิตวิทยาในการแสดงเท่านั้นนั่นคือบุคคลที่ "ดูดซับ" ชะตากรรมของฮีโร่และเสริมกำลังทางจิตวิญญาณ แต่ยังเป็นผู้สร้างที่ดำเนินการสร้างสรรค์ในจินตนาการของเขาพร้อมกับสิ่งที่เกิดขึ้น บนเวที. ประเด็นสุดท้ายนี้มีความสำคัญอย่างยิ่ง และเป็นจุดศูนย์กลางในการให้ความรู้ด้านสุนทรียภาพของผู้ชม

แน่นอนว่าผู้ชมแต่ละคนอาจมีความคิดของตัวเองเกี่ยวกับการแสดงในอุดมคติ แต่ในทุกกรณี มันขึ้นอยู่กับ "โปรแกรม" บางประการของข้อกำหนดสำหรับงานศิลปะ “ความรู้” ประเภทนี้บ่งบอกถึงความเป็นผู้ใหญ่ของวัฒนธรรมผู้ชม

วัฒนธรรมของผู้ชมส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับลักษณะของงานศิลปะที่เสนอให้กับผู้ชม ยิ่งงานมอบหมายให้เขาซับซ้อนมากขึ้น - สุนทรียภาพ, จริยธรรม, ปรัชญา - ยิ่งความคิดเข้มข้นมากเท่าไหร่อารมณ์ก็จะยิ่งคมชัดขึ้นเท่านั้น การแสดงรสนิยมของผู้ชมก็จะยิ่งละเอียดอ่อนมากขึ้นเท่านั้น สำหรับสิ่งที่เราเรียกว่าวัฒนธรรมของผู้อ่าน ผู้ฟัง หรือผู้ชมนั้นเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาบุคลิกภาพของบุคคลนั้น ขึ้นอยู่กับการเติบโตทางจิตวิญญาณของเขา และส่งผลต่อการเติบโตทางจิตวิญญาณของเขาต่อไป

ความสำคัญของงานที่โรงละครแสดงต่อผู้ชมในแง่จิตวิทยานั้นอยู่ที่ความจริงที่ว่าภาพศิลปะซึ่งได้รับความซับซ้อนและความไม่สอดคล้องกันนั้นถูกผู้ชมรับรู้เป็นอันดับแรกว่าเป็นตัวละครที่มีอยู่จริงและมีอยู่จริงและจากนั้นตาม เขาคุ้นเคยกับภาพและคิดถึงการกระทำเผยให้เห็น (ราวกับเป็นอิสระ) แก่นแท้ภายในของมันความหมายทั่วไปของมัน

ในแง่ของสุนทรียภาพ ความซับซ้อนของงานอยู่ที่การที่ผู้ชมรับรู้ภาพบนเวทีไม่เพียงแต่ตามเกณฑ์ของความจริงเท่านั้น แต่ยังรู้วิธี (เรียนรู้) ที่จะถอดรหัสความหมายเชิงเปรียบเทียบเชิงกวีของมันด้วย

ดังนั้น ลักษณะเฉพาะของศิลปะการแสดงละครคือบุคคลที่มีชีวิต ในฐานะวีรบุรุษที่มีประสบการณ์โดยตรงและเป็นศิลปินผู้สร้างโดยตรง และกฎที่สำคัญที่สุดของการละครก็คือผลกระทบโดยตรงต่อผู้ชม

“ผลกระทบของโรงละคร” หรือความชัดเจน ไม่เพียงแต่ถูกกำหนดโดยศักดิ์ศรีของความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงศักดิ์ศรีและวัฒนธรรมสุนทรียศาสตร์ของหอประชุมด้วย อย่างไรก็ตาม การตื่นตัวของศิลปินในตัวผู้ชมจะเกิดขึ้นก็ต่อเมื่อผู้ชมสามารถรับรู้เนื้อหาที่มีอยู่ในการแสดงได้ทั้งหมด หากเขาสามารถขยายขอบเขตสุนทรียภาพของเขาและเรียนรู้ที่จะเห็นสิ่งใหม่ ๆ ในงานศิลปะหากในขณะที่ ยังคงยึดมั่นในสไตล์ศิลปะที่เขาชื่นชอบเขาไม่กลายเป็นคนหูหนวกและทิศทางที่สร้างสรรค์อื่น ๆ หากเขาสามารถเห็นการตีความใหม่ของงานคลาสสิกและสามารถแยกแผนของผู้กำกับออกจากการดำเนินการโดยนักแสดงได้ .. มี "ifs" ดังกล่าวอีกมากมายที่สามารถตั้งชื่อได้ ด้วยเหตุนี้ เพื่อให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์ เพื่อให้ศิลปินตื่นตัวในตัวเขา ในขั้นตอนการพัฒนาโรงละครของเราในปัจจุบัน จึงมีความจำเป็นที่จะต้องเพิ่มวัฒนธรรมทางศิลปะของผู้ชมโดยทั่วไป

การแสดงละครจะขึ้นอยู่กับข้อความ เช่น บทละครสำหรับการแสดงละคร แม้แต่ในการแสดงละครเวทีที่ไม่มีคำเช่นนั้น บางครั้งข้อความก็จำเป็น โดยเฉพาะบัลเล่ต์และบางครั้งก็ละครใบ้ก็มีบท - บทเพลง กระบวนการทำงานการแสดงประกอบด้วยการถ่ายโอนข้อความละครลงบนเวที - นี่คือ "การแปล" ประเภทหนึ่งจากภาษาหนึ่งไปอีกภาษาหนึ่ง เป็นผลให้คำวรรณกรรมกลายเป็นคำบนเวที

สิ่งแรกที่ผู้ชมเห็นหลังจากม่านเปิด (หรือเปิดขึ้น) คือพื้นที่เวทีสำหรับวางทิวทัศน์ สิ่งเหล่านี้บ่งบอกถึงสถานที่ดำเนินการ เวลาทางประวัติศาสตร์ และสะท้อนถึงสีประจำชาติ ด้วยความช่วยเหลือของโครงสร้างเชิงพื้นที่ คุณสามารถถ่ายทอดอารมณ์ของตัวละครได้ (เช่น ในฉากที่พระเอกต้องทนทุกข์ทรมาน จุ่มฉากเข้าไปในความมืดหรือปิดฉากหลังด้วยสีดำ) ในระหว่างฉากแอ็คชั่น ด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคพิเศษ ทิวทัศน์ก็เปลี่ยนไป กลางวันกลายเป็นกลางคืน ฤดูหนาวเป็นฤดูร้อน ถนนกลายเป็นห้อง เทคนิคนี้พัฒนาไปพร้อมกับความคิดทางวิทยาศาสตร์ของมนุษยชาติ กลไกการยก โล่ และช่องฟักซึ่งในสมัยโบราณดำเนินการด้วยมือ ปัจจุบันได้รับการยกขึ้นและลดระดับลงด้วยระบบอิเล็กทรอนิกส์ เทียนและตะเกียงแก๊สถูกแทนที่ด้วยหลอดไฟฟ้า เลเซอร์ก็มักใช้เช่นกัน

แม้แต่ในสมัยโบราณ เวทีและหอประชุมก็ถูกสร้างขึ้นสองประเภท: เวทีกล่องและเวทีอัฒจันทร์ เวทีกล่องมีชั้นและแผงลอย และเวทีอัฒจันทร์ล้อมรอบด้วยผู้ชมทั้งสามด้าน ตอนนี้ทั้งสองประเภทถูกใช้ในโลก เทคโนโลยีสมัยใหม่ทำให้สามารถเปลี่ยนพื้นที่การแสดงละครได้ - จัดเวทีกลางหอประชุม นั่งผู้ชมบนเวที และแสดงละครในห้องโถง อาคารโรงละครมีความสำคัญอย่างยิ่งเสมอมา โรงละครมักสร้างขึ้นในจัตุรัสกลางเมือง สถาปนิกต้องการให้อาคารมีความสวยงามและดึงดูดความสนใจ เมื่อมาถึงโรงละคร ผู้ชมจะปลีกตัวออกจากชีวิตประจำวันราวกับอยู่เหนือความเป็นจริง ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บันไดที่ตกแต่งด้วยกระจกมักจะนำไปสู่ห้องโถง

ดนตรีช่วยเพิ่มผลกระทบทางอารมณ์ของการแสดงละคร บางครั้งเสียงไม่เพียงในระหว่างการกระทำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงช่วงพักครึ่งด้วยเพื่อรักษาผลประโยชน์ของสาธารณะ บุคคลหลักในละครคือนักแสดง ผู้ชมมองเห็นคนที่กลายเป็นภาพศิลปะอย่างลึกลับต่อหน้าเขาซึ่งเป็นงานศิลปะที่มีเอกลักษณ์ แน่นอนว่างานศิลปะไม่ใช่ตัวนักแสดงเอง แต่เป็นบทบาทของเขา เธอคือการสร้างสรรค์ของนักแสดง ที่สร้างขึ้นด้วยเสียง ประสาท และบางสิ่งที่จับต้องไม่ได้ - จิตวิญญาณ จิตวิญญาณ เพื่อให้การกระทำบนเวทีถูกมองว่าเป็นส่วนสำคัญ จำเป็นต้องจัดระเบียบอย่างรอบคอบและสม่ำเสมอ หน้าที่เหล่านี้ในโรงละครสมัยใหม่ดำเนินการโดยผู้กำกับ แน่นอนว่าหลายอย่างขึ้นอยู่กับความสามารถของนักแสดงในละคร แต่ถึงกระนั้นพวกเขาก็อยู่ภายใต้ความประสงค์ของผู้นำ - ผู้กำกับ เช่นเดียวกับหลายศตวรรษก่อนผู้คนมาที่โรงละคร ข้อความของบทละครดังขึ้นจากเวทีซึ่งเปลี่ยนไปตามพลังและความรู้สึกของนักแสดง ศิลปินดำเนินบทสนทนาของตนเอง ไม่ใช่แค่คำพูดเท่านั้น นี่คือการสนทนาเกี่ยวกับท่าทาง ท่าทาง การมอง และการแสดงออกทางสีหน้า จินตนาการของนักตกแต่งที่อาศัยสีสัน แสง และโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมบนเวที ทำให้พื้นที่เวที “พูดได้” และทุกอย่างรวมกันอยู่ในกรอบที่เข้มงวดของแผนของผู้อำนวยการซึ่งทำให้องค์ประกอบที่แตกต่างกันมีความสมบูรณ์และสมบูรณ์

ผู้ชมประเมินการแสดงและทิศทางอย่างมีสติ (และบางครั้งก็โดยไม่รู้ตัวราวกับขัดต่อเจตจำนงของเขา) การปฏิบัติตามแนวทางการแก้ปัญหาของพื้นที่แสดงละครด้วยการออกแบบทั่วไป แต่สิ่งสำคัญคือเขาซึ่งเป็นผู้ชมจะคุ้นเคยกับงานศิลปะที่สร้างขึ้นที่นี่และเดี๋ยวนี้ไม่เหมือนคนอื่น เมื่อเข้าใจความหมายของการแสดงก็เข้าใจถึงความหมายของชีวิต

แนวคิดของงานออกแบบท่าเต้น (ฉากหรือชุด)

Suite (จาก French Suite - "row", "sequence") เป็นรูปแบบดนตรีแบบวนรอบที่ประกอบด้วยส่วนที่ตัดกันอย่างอิสระหลายส่วนที่รวมกันเป็นแนวคิดเดียวกัน

เป็นวัฏจักรหลายส่วนซึ่งประกอบด้วยบทละครอิสระที่ตัดกัน รวมกันเป็นแนวความคิดทางศิลปะร่วมกัน บางครั้ง แทนที่จะใช้ชื่อ "ห้องชุด" ผู้แต่งกลับใช้อีกชื่อหนึ่งซึ่งเรียกกันทั่วไปว่า "partita"

ห้องสวีทนี้แตกต่างจากโซนาตาและซิมโฟนีตรงที่ความเป็นอิสระของท่อนต่างๆ มากขึ้น ความเข้มงวดน้อยลง และความสม่ำเสมอของความสัมพันธ์ คำว่า "ห้องชุด" ถูกนำมาใช้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 โดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ห้องสวีทของศตวรรษที่ 17-18 เป็นการเต้นรำ ห้องสวีทออเคสตราที่ไม่ใช่การเต้นรำปรากฏในศตวรรษที่ 19 (ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Scheherazade" โดย N. A. Rimsky-Korsakov, "Pictures at an Exhibition" โดย M. P. Mussorgsky)

ในเยอรมนีเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 มีการสร้างลำดับชิ้นส่วนที่แน่นอน:

อัลเลมันเด

·คูรันเต

ซาราบันเด

·กิ๊ก

ห้องสวีทนี้โดดเด่นด้วยการแสดงภาพและความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงและการเต้นรำ ห้องสวีทมักประกอบด้วยเพลงที่เขียนขึ้นสำหรับบัลเลต์ โอเปร่า และการแสดงละคร นอกจากนี้ยังมีชุดพิเศษสองประเภท - เสียงร้องและการร้องประสานเสียง

รุ่นก่อนของห้องนี้ถือได้ว่าเป็นการผสมผสานระหว่างการเต้นรำที่พบได้ทั่วไปในตอนท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ช้าสำคัญ (เช่นพาเวน) และมีชีวิตชีวามากขึ้น (เช่น Galliard) ต่อมาวัฏจักรนี้กลายเป็นสี่ส่วน นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน Johann Jakob Froberger (1616-1667) ได้สร้างแบบจำลองของชุดเต้นรำบรรเลง: อัลเลมองด์ที่มีจังหวะปานกลางและมีขนาดสองฝ่าย - เสียงระฆังที่ประณีต - กิ๊ก - ซาราบันเดที่วัดได้

ในอดีต สิ่งแรกคือชุดเต้นรำโบราณซึ่งเขียนขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีหรือวงออเคสตราชิ้นเดียว เดิมทีมีการเต้นรำสองแบบ: ท่าปาเวนโอฬารและท่ารำเร็ว พวกเขาเล่นทีละคน - นี่คือตัวอย่างแรกของเครื่องดนตรีโบราณที่เกิดขึ้นซึ่งแพร่หลายมากที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ในรูปแบบคลาสสิกก่อตั้งขึ้นในผลงานของนักแต่งเพลงชาวออสเตรีย I. Ya. Froberger มีพื้นฐานมาจากการเต้นรำที่แตกต่างกัน 4 ท่า ได้แก่ allemande, chime, sarabande และ gigue นักแต่งเพลงเริ่มรวมการเต้นรำอื่น ๆ ไว้ในชุดทีละน้อยและทางเลือกของพวกเขาก็แตกต่างกันไปอย่างอิสระ สิ่งเหล่านี้อาจเป็น: minuet, passacaglia, polonaise, chaconne, rigaudon ฯลฯ บางครั้งชิ้นที่ไม่ใช่การเต้นรำก็รวมอยู่ในชุดด้วย - arias, preludes, overtures, toccatas ดังนั้นจำนวนห้องทั้งหมดในห้องสวีทจึงไม่ถูกควบคุม สิ่งที่สำคัญกว่านั้นคือวิธีที่แต่ละคนเล่นเป็นหนึ่งเดียว เช่น ความแตกต่างของจังหวะ มิเตอร์ และจังหวะ

ห้องสวีทเป็นประเภทที่พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของโอเปร่าและบัลเล่ต์ มีการเต้นรำและท่อนเพลงใหม่ในจิตวิญญาณของเพลง ห้องสวีทปรากฏขึ้นประกอบด้วยชิ้นส่วนดนตรีและละครออเคสตรา องค์ประกอบที่สำคัญของห้องชุดคือการทาบทามของฝรั่งเศส - การเคลื่อนไหวเบื้องต้นประกอบด้วยการเริ่มต้นที่ช้าและเคร่งขรึมและบทสรุปที่คลุมเครืออย่างรวดเร็ว ในบางกรณี คำว่า "ทาบทาม" แทนที่คำว่า "ชุด" ในชื่อผลงาน คำพ้องความหมายอื่น ๆ คือคำว่า "ordr" ("order") โดย F. Couperin และ "partita" โดย J. S. Bach

จุดสุดยอดที่แท้จริงของการพัฒนาแนวเพลงนี้เกิดขึ้นได้จากผลงานของ J. S. Bach นักแต่งเพลงเติมดนตรีจากห้องสวีทมากมายของเขา (คีย์บอร์ด, ไวโอลิน, เชลโล, ออร์เคสตรา) ด้วยความรู้สึกที่เต็มเปี่ยมไปด้วยจิตวิญญาณ ทำให้งานเหล่านี้มีความหลากหลายและอยู่ในอารมณ์ที่ลึกซึ้ง จัดพวกมันให้มีความกลมกลืนกันจนเขาคิดแนวเพลงใหม่ เปิดสิ่งใหม่ ความเป็นไปได้ที่แสดงออกที่มีอยู่ในรูปแบบการเต้นรำที่เรียบง่าย เช่นเดียวกับพื้นฐานของวงจรชุด (“ Chaconne” จาก partita ใน D minor)

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1700 ห้องชุดได้รวมเข้ากับโซนาตา และคำนี้ก็ได้หยุดใช้ไป แม้ว่าโครงสร้างของห้องชุดจะยังคงดำรงอยู่ในแนวเพลง เช่น เซเรเนด การเล่นดนตรี และอื่นๆ การกำหนด "ห้องชุด" เริ่มปรากฏอีกครั้งในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ซึ่งมักหมายถึงการรวบรวมชิ้นส่วนเครื่องดนตรีจากโอเปร่า (ชุดจาก Carmen โดย J. Bizet) จากบัลเล่ต์ (ชุดจาก The Nutcracker โดย P.I. Tchaikovsky) ตั้งแต่ดนตรีไปจนถึงละคร (ชุด Peer Gynt จากเพลงของ E. Grieg ไปจนถึงละครของ Ibsen) นักแต่งเพลงบางคนแต่งชุดโปรแกรมอิสระ - เช่น Scheherazade ของ N.A. Rimsky-Korsakov ที่สร้างจากเทพนิยายตะวันออก

นักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 19-20 ในขณะที่ยังคงรักษาคุณสมบัติหลักของแนวเพลง - โครงสร้างแบบวัฏจักรความแตกต่างของส่วนต่าง ๆ ฯลฯ ทำให้พวกเขามีการตีความที่เป็นรูปเป็นร่างที่แตกต่างกัน ความสามารถในการเต้นไม่ใช่คุณสมบัติบังคับอีกต่อไป ชุดนี้ใช้สื่อดนตรีที่หลากหลาย และเนื้อหามักจะถูกกำหนดโดยโปรแกรม ในขณะเดียวกัน เพลงเต้นรำก็ไม่ได้ถูกไล่ออกจากห้อง ในทางกลับกัน มีการนำการเต้นรำสมัยใหม่แบบใหม่เข้ามา เช่น "Puppet Cack-Walk" ในชุด "Children's Corner" ของ C. Debussy ห้องสวีทปรากฏขึ้นประกอบด้วยเพลงสำหรับการผลิตละคร (“ Peer Gynt” โดย E. Grieg), บัลเล่ต์ (“ The Nutcracker” และ“ The Sleeping Beauty” โดย P. I. Tchaikovsky, “ Romeo and Juliet” โดย S. S. Prokofiev), โอเปร่า (“ The เรื่องราวของซาร์ซัลตัน" โดย N. A. Rimsky-Korsakov) ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ห้องสวีทยังประกอบด้วยเพลงสำหรับภาพยนตร์ (Hamlet โดย D. D. Shostakovich)

ในห้องร้อง - ซิมโฟนีพร้อมกับดนตรีคำนี้ก็ฟังดูเช่นกัน (Winter Fire ของ Prokofiev) บางครั้งผู้แต่งเรียกชุดเสียงร้อง (“ Six Poems โดย M. Tsvetaeva” โดย Shostakovich)

รายชื่อแหล่งที่มาที่ใช้

1.Gachev G.D. เนื้อหารูปแบบทางศิลปะ มหากาพย์. เนื้อเพลง. โรงภาพยนตร์. ม., 2551

.คากัน. M.S. สุนทรียศาสตร์ในฐานะวิทยาศาสตร์เชิงปรัชญา หลักสูตรการบรรยายของมหาวิทยาลัย เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2550

.ซอสโนวา ม.ล. ศิลปะของนักแสดง ม.วิชาการอเวนิว; ทริกต้า, 2007..

.Shpet G.G. Theatre as an art//คำถามแห่งปรัชญา, 2532, ลำดับที่ 11

กวดวิชา

ต้องการความช่วยเหลือในการศึกษาหัวข้อหรือไม่?

ผู้เชี่ยวชาญของเราจะแนะนำหรือให้บริการสอนพิเศษในหัวข้อที่คุณสนใจ
ส่งใบสมัครของคุณระบุหัวข้อในขณะนี้เพื่อค้นหาความเป็นไปได้ในการรับคำปรึกษา

การจำแนกประเภทของศิลปะ

ศิลปะ (การสะท้อนเชิงสร้างสรรค์ การทำซ้ำความเป็นจริงในภาพศิลปะ) ดำรงอยู่และพัฒนาเป็นระบบประเภทที่เชื่อมโยงถึงกัน ความหลากหลายซึ่งเกิดจากความเก่งกาจของโลกแห่งความเป็นจริงเอง ซึ่งสะท้อนให้เห็นในกระบวนการสร้างสรรค์ทางศิลปะ

ประเภทของศิลปะเป็นรูปแบบกิจกรรมสร้างสรรค์ที่ได้รับการยอมรับในอดีตซึ่งมีความสามารถในการตระหนักถึงเนื้อหาของชีวิตในทางศิลปะและมีความแตกต่างในวิธีการของรูปลักษณ์ทางวัตถุ (คำพูดในวรรณคดี เสียงในดนตรี พลาสติกและวัสดุสีสันในทัศนศิลป์ ฯลฯ ).

ในวรรณคดีประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่ มีการพัฒนารูปแบบและระบบการจำแนกประเภทศิลปะบางอย่าง แม้ว่าจะยังไม่มีแบบใดแบบหนึ่งและทั้งหมดล้วนมีความเกี่ยวข้องกัน รูปแบบที่พบบ่อยที่สุดคือการแบ่งมันออกเป็นสามกลุ่ม

กลุ่มแรกประกอบด้วยศิลปะเชิงพื้นที่หรือพลาสติก สำหรับศิลปะกลุ่มนี้ โครงสร้างเชิงพื้นที่ในการเปิดเผยภาพลักษณ์ทางศิลปะถือเป็นสิ่งสำคัญ ได้แก่ วิจิตรศิลป์ มัณฑนศิลป์และประยุกต์ สถาปัตยกรรม การถ่ายภาพ

กลุ่มที่สองประกอบด้วยงานศิลปะประเภทชั่วคราวหรือแบบไดนามิก ในนั้นองค์ประกอบที่เปิดเผยในเวลา - ดนตรีวรรณกรรม - ได้รับความสำคัญ กลุ่มที่สามแสดงด้วยประเภทเชิงพื้นที่ - ชั่วคราวซึ่งเรียกอีกอย่างว่าศิลปะสังเคราะห์หรือศิลปะที่งดงาม - การออกแบบท่าเต้น, วรรณกรรม, ศิลปะการแสดงละคร, ภาพยนตร์

การมีอยู่ของงานศิลปะประเภทต่าง ๆ เกิดจากการที่ไม่มีงานศิลปะประเภทใดที่สามารถให้ภาพศิลปะของโลกที่ครอบคลุมได้ รูปภาพดังกล่าวสามารถสร้างขึ้นได้จากวัฒนธรรมทางศิลปะทั้งหมดของมนุษยชาติโดยรวมเท่านั้นซึ่งประกอบด้วยงานศิลปะแต่ละประเภท

ศิลปะการละคร

โรงละครเป็นรูปแบบศิลปะที่สำรวจโลกอย่างมีศิลปะผ่านฉากแอ็คชั่นที่ดำเนินการโดยทีมงานสร้างสรรค์

พื้นฐานของการละครคือการแสดงละคร ธรรมชาติสังเคราะห์ของศิลปะการแสดงละครเป็นตัวกำหนดลักษณะส่วนรวม: การแสดงผสมผสานความพยายามสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละคร ผู้กำกับ ศิลปิน นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และนักแสดง

ผลงานละครแบ่งออกเป็นประเภท:

โศกนาฏกรรม;

ตลก;

ดนตรี ฯลฯ

ศิลปะการละครมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดมีอยู่แล้วในพิธีกรรมดั้งเดิม ในการเต้นรำโทเท็มิก ในการเลียนแบบนิสัยของสัตว์ ฯลฯ

โรงละครเป็นศิลปะส่วนรวม (Zahava)

สิ่งแรกที่หยุดความสนใจของเราเมื่อเราคิดถึงลักษณะเฉพาะของโรงละครคือข้อเท็จจริงที่สำคัญที่ว่างานศิลปะการละคร - การแสดง - ไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินคนใดคนหนึ่งเช่นเดียวกับในศิลปะอื่น ๆ ส่วนใหญ่ แต่โดยผู้เข้าร่วมจำนวนมากในกระบวนการสร้างสรรค์ . นักเขียนบทละคร นักแสดง ผู้กำกับ ช่างแต่งหน้า มัณฑนากร นักดนตรี ผู้ออกแบบแสง ผู้ออกแบบเครื่องแต่งกาย ฯลฯ - ทุกคนมีส่วนสนับสนุนการแบ่งปันงานสร้างสรรค์เพื่อจุดประสงค์ร่วมกัน ดังนั้นผู้สร้างที่แท้จริงในศิลปะการแสดงละครจึงไม่ใช่บุคคล แต่เป็นทีม - วงดนตรีที่สร้างสรรค์ ทีมงานโดยรวมเป็นผู้แต่งผลงานศิลปะการแสดงละครที่เสร็จสมบูรณ์ - การแสดง ธรรมชาติของโรงละครต้องการให้การแสดงทั้งหมดเต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์และความรู้สึกมีชีวิต ทุกคำพูดในละคร ทุกการเคลื่อนไหวของนักแสดง ทุกฉากที่ผู้กำกับสร้างขึ้นจะต้องเต็มไปด้วยสิ่งเหล่านั้น ทั้งหมดนี้เป็นการแสดงให้เห็นชีวิตของสิ่งมีชีวิตเดี่ยวที่เป็นส่วนประกอบซึ่งเกิดขึ้นจากความพยายามสร้างสรรค์ของกลุ่มละครทั้งหมด ได้รับสิทธิ์ที่จะเรียกว่าเป็นผลงานศิลปะการแสดงละครที่แท้จริง - การแสดง ความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินแต่ละคนที่มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์การแสดงนั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าการแสดงออกของแรงบันดาลใจทางอุดมการณ์และความคิดสร้างสรรค์ของทั้งทีมโดยรวม หากไม่มีทีมงานที่มีอุดมการณ์เป็นหนึ่งเดียวกัน มีความหลงใหลในงานสร้างสรรค์ทั่วไป ก็จะไม่สามารถแสดงผลงานได้เต็มรูปแบบ ความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละครที่เต็มเปี่ยมหมายถึงการมีอยู่ของทีมที่มีโลกทัศน์ร่วมกัน แรงบันดาลใจทางอุดมการณ์และศิลปะร่วมกัน ซึ่งเป็นวิธีการสร้างสรรค์ร่วมกันสำหรับสมาชิกทุกคน และอยู่ภายใต้ระเบียบวินัยที่เข้มงวดที่สุด “ ความคิดสร้างสรรค์โดยรวม” K. S. Stanislavsky เขียน“ ซึ่งเป็นรากฐานของงานศิลปะของเราจำเป็นต้องมีวงดนตรีและผู้ที่ละเมิดมันก่ออาชญากรรมไม่เพียง แต่ต่อสหายของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังต่อต้านงานศิลปะที่พวกเขารับใช้ด้วย” ภารกิจในการให้ความรู้แก่นักแสดงด้วยจิตวิญญาณของกลุ่มนิยมซึ่งเกิดขึ้นจากธรรมชาติของศิลปะการแสดงละคร ผสมผสานกับงานด้านการศึกษาของคอมมิวนิสต์ ซึ่งสันนิษฐานว่าทั้งการพัฒนาความรู้สึกของการอุทิศตนเพื่อผลประโยชน์ส่วนรวมอย่างเต็มที่และที่สำคัญที่สุด การต่อสู้อย่างดุเดือดเพื่อต่อต้านการปรากฏของลัทธิปัจเจกชนกระฎุมพีทั้งหมด

ละครเป็นศิลปะสังเคราะห์ นักแสดงคือผู้ถือความเฉพาะเจาะจงของโรงละคร

ในความเชื่อมโยงที่ใกล้ชิดที่สุดกับหลักการโดยรวมในศิลปะการแสดงละครเป็นคุณลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งของโรงละคร: ธรรมชาติที่สังเคราะห์ขึ้น ละครเป็นการสังเคราะห์ศิลปะหลายแขนงที่มีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน ซึ่งรวมถึงวรรณคดี จิตรกรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี ศิลปะการร้อง ศิลปะการเต้นรำ ฯลฯ ในบรรดาศิลปะเหล่านี้ มีศิลปะอย่างหนึ่งที่เป็นของโรงละครเท่านั้น นี่คือศิลปะของนักแสดง นักแสดงแยกออกจากโรงละครไม่ได้ และโรงละครก็แยกจากนักแสดงไม่ได้ นี่คือเหตุผลที่เราสามารถพูดได้ว่านักแสดงคือผู้ถือความเฉพาะเจาะจงของโรงละคร การสังเคราะห์ศิลปะในโรงละคร - การผสมผสานอย่างเป็นธรรมชาติในการแสดง - เป็นไปได้ก็ต่อเมื่อศิลปะแต่ละอย่างเหล่านี้ทำหน้าที่การแสดงละครที่เฉพาะเจาะจงเท่านั้น เมื่อทำหน้าที่แสดงละครนี้ งานศิลปะใดๆ ก็ตามจะได้รับคุณภาพการแสดงละครแบบใหม่ สำหรับการวาดภาพละครนั้นไม่เหมือนกับแค่การวาดภาพ ดนตรีละครก็ไม่เหมือนกับแค่ดนตรี เป็นต้น ศิลปะการแสดงเท่านั้นที่เป็นการแสดงละครโดยธรรมชาติ แน่นอนว่าความสำคัญของการแสดงนั้นไม่สอดคล้องกับความสำคัญของทัศนียภาพ ทิวทัศน์มีจุดมุ่งหมายเพื่อมีบทบาทสนับสนุน ในขณะที่บทละครเป็นรากฐานทางอุดมการณ์และศิลปะของการแสดงในอนาคต ถึงกระนั้น บทละครก็ไม่เหมือนกับบทกวีหรือเรื่องราว แม้ว่าจะเขียนในรูปแบบของบทสนทนาก็ตาม อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญที่สุด (ในแง่ที่เราสนใจ) ระหว่างบทละครกับบทกวี ฉากจากภาพวาด การออกแบบเวทีจากโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม? บทกวีหรือภาพวาดมีความหมายที่เป็นอิสระ กวีหรือจิตรกรกล่าวถึงผู้อ่านหรือผู้ชมโดยตรง ผู้เขียนบทละครที่เป็นวรรณกรรมสามารถพูดกับผู้อ่านได้โดยตรง แต่เฉพาะนอกโรงละครเท่านั้น ในโรงละคร นักเขียนบทละคร ผู้กำกับ มัณฑนากร และนักดนตรีพูดคุยกับผู้ชมผ่านทางนักแสดงหรือเกี่ยวข้องกับนักแสดง อันที่จริงคำพูดของนักเขียนบทละครดังขึ้นบนเวทีซึ่งผู้เขียนไม่ได้เต็มไปด้วยชีวิตสร้างเป็นคำพูดของเขาเองหรือเปล่าที่ถูกมองว่ามีชีวิต? คำสั่งที่ดำเนินการอย่างเป็นทางการจากผู้กำกับหรือฉากที่เสนอโดยผู้กำกับแต่นักแสดงไม่ได้รับประสบการณ์สามารถพิสูจน์ให้ผู้ชมเชื่อได้หรือไม่? ไม่แน่นอน! อาจดูเหมือนสถานการณ์แตกต่างไปจากการตกแต่งและดนตรี ลองนึกภาพว่าการแสดงเริ่มต้นขึ้น ม่านเปิดออก และถึงแม้จะไม่มีนักแสดงสักคนอยู่บนเวที แต่ผู้ชมก็ปรบมือดัง ๆ กับทิวทัศน์อันงดงามที่ศิลปินสร้างขึ้น ปรากฎว่าศิลปินพูดกับผู้ชมโดยตรงโดยสมบูรณ์ ไม่ใช่ผ่านนักแสดงเลย แต่แล้วตัวละครก็ออกมาและมีบทสนทนาเกิดขึ้น และคุณเริ่มรู้สึกว่าในขณะที่การกระทำดำเนินไป ความหงุดหงิดอันน่าเบื่อหน่ายต่อทิวทัศน์ที่คุณเพิ่งชื่นชมนั้นค่อยๆ เติบโตขึ้นภายในตัวคุณ คุณรู้สึกว่ามันกวนใจคุณจากการแสดงบนเวทีและขัดขวางไม่ให้คุณรับรู้การแสดง คุณเริ่มเข้าใจว่ามีความขัดแย้งภายในบางอย่างระหว่างฉากกับการแสดง: นักแสดงไม่ประพฤติตนตามที่ควรจะประพฤติในเงื่อนไขที่เกี่ยวข้องกับฉากนี้ หรือฉากแสดงลักษณะของฉากไม่ถูกต้อง ฝ่ายหนึ่งไม่เห็นด้วยกับอีกฝ่าย ไม่มีการสังเคราะห์ศิลปะ หากไม่มีโรงละครก็ไม่มี มันมักจะเกิดขึ้นที่ผู้ชมทักทายฉากนี้หรือฉากนั้นอย่างกระตือรือร้นในช่วงเริ่มต้นของการแสดง และดุด่าเมื่อการแสดงจบลง ซึ่งหมายความว่าสาธารณชนประเมินผลงานของศิลปินในเชิงบวก โดยไม่คำนึงถึงการแสดงนี้ว่าเป็นงานจิตรกรรม แต่ไม่ยอมรับว่าเป็นการตกแต่งละครเป็นองค์ประกอบของการแสดง ซึ่งหมายความว่าชุดนี้ไม่ได้ทำหน้าที่แสดงละครให้สำเร็จ เพื่อให้บรรลุวัตถุประสงค์ในการแสดงละครจะต้องสะท้อนให้เห็นในการแสดงและพฤติกรรมของตัวละครบนเวที หากศิลปินแขวนฉากหลังอันงดงามที่ด้านหลังเวที วาดภาพทะเลได้อย่างสมบูรณ์แบบ และนักแสดงประพฤติตนบนเวทีตามปกติสำหรับคนในห้อง ไม่ใช่บนชายทะเล ฉากหลังก็จะยังคงอยู่ ส่วนใดๆ ของทิวทัศน์ วัตถุใดๆ ที่วางอยู่บนเวที แต่ไม่ได้เคลื่อนไหวด้วยทัศนคติของดาราที่แสดงออกมาผ่านการกระทำ จะยังคงตายอยู่และต้องนำออกจากเวที เสียงใด ๆ ที่ได้ยินตามความประสงค์ของผู้กำกับหรือนักดนตรี แต่นักแสดงไม่ได้รับรู้ในทางใดทางหนึ่งและไม่สะท้อนให้เห็นในพฤติกรรมบนเวทีของเขาจะต้องเงียบลงเพราะไม่ได้รับคุณภาพการแสดงละคร นักแสดงถ่ายทอดความเป็นละครให้กับทุกสิ่งที่อยู่บนเวที ทุกสิ่งทุกอย่างที่สร้างขึ้นในโรงละครด้วยความคาดหวังที่จะได้รับความสมบูรณ์ของชีวิตผ่านทางนักแสดงคือการแสดงละคร ทุกสิ่งที่อ้างว่ามีความหมายที่เป็นอิสระและมีความพอเพียงนั้นเป็นสิ่งที่ต่อต้านการแสดงละคร นี่คือสัญลักษณ์ที่ใช้แยกแยะบทละครจากบทกวีหรือเรื่องราว ฉากจากภาพวาด การออกแบบเวทีจากโครงสร้างทางสถาปัตยกรรม

ละครเป็นศิลปะส่วนรวม

ศิลปะการละครเป็นสิ่งสังเคราะห์ นักแสดงผู้ถือความเฉพาะเจาะจงของโรงละคร

การกระทำเป็นวัสดุพื้นฐานของศิลปะการแสดงละคร

ละครเป็นองค์ประกอบสำคัญของการละคร

ความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงเป็นองค์ประกอบหลักในงานศิลปะของผู้กำกับ

ผู้ชมคือองค์ประกอบที่สร้างสรรค์ของ ZAHAVA Theatre!!!

โรงภาพยนตร์(จากโรงละครกรีก - สถานที่สำหรับการแสดง, การแสดง) ซึ่งเป็นศิลปะความบันเทิงประเภทหลัก แนวคิดทั่วไปของการละครแบ่งออกเป็นประเภทของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ ละคร โอเปร่า บัลเล่ต์ ละครใบ้ ฯลฯ ที่มาของคำนี้เกี่ยวข้องกับโรงละครกรีกโบราณซึ่งมีการเรียกที่นั่งในหอประชุมด้วยวิธีนี้ (จากคำกริยาภาษากรีก "teaomai" - ฉันมอง) อย่างไรก็ตาม ในปัจจุบัน ความหมายของคำนี้มีความหลากหลายอย่างมาก ใช้เพิ่มเติมในกรณีต่อไปนี้:

1. โรงละครเป็นอาคารที่สร้างขึ้นหรือดัดแปลงเป็นพิเศษสำหรับการแสดง (“โรงละครเต็มแล้ว กล่องกำลังส่องแสง” โดย A.S. Pushkin)

2. สถาบันองค์กรที่มีส่วนร่วมในการแสดงการแสดงตลอดจนทีมงานทั้งหมดของพนักงานที่ให้บริการเช่าการแสดงละคร (โรงละคร Mossovet ทัวร์โรงละคร Taganka ฯลฯ )

3. ชุดละครหรือละครเวทีที่มีโครงสร้างตามหลักการใดหลักการหนึ่ง (โรงละครเชคอฟ, โรงละครเรอเนซองส์, โรงละครญี่ปุ่น, โรงละครของมาร์ก ซาคารอฟ ฯลฯ)

4. ในความหมายที่ล้าสมัย (เก็บรักษาไว้ใน argot มืออาชีพด้านการแสดงละครเท่านั้น) - เวที, เวที (“ ความยากจนอันสูงส่งนั้นดีในโรงละครเท่านั้น” โดย A.N. Ostrovsky)

5. ในความหมายโดยนัย - สถานที่สำหรับกิจกรรมที่กำลังดำเนินอยู่ (โรงละครปฏิบัติการทางทหาร, โรงละครกายวิภาค)

ศิลปะการแสดงละครมีลักษณะเฉพาะที่ทำให้ผลงานมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวไม่มีความคล้ายคลึงในประเภทและศิลปะประเภทอื่น

ประการแรก นี่คือธรรมชาติสังเคราะห์ของโรงละคร ผลงานของเขารวมถึงศิลปะอื่นๆ เกือบทั้งหมด: วรรณกรรม ดนตรี วิจิตรศิลป์ (จิตรกรรม ประติมากรรม กราฟิก ฯลฯ) การร้อง การออกแบบท่าเต้น ฯลฯ; และยังใช้ความสำเร็จมากมายจากวิทยาศาสตร์และสาขาเทคโนโลยีที่หลากหลาย ตัวอย่างเช่น การพัฒนาทางวิทยาศาสตร์ในด้านจิตวิทยาเป็นพื้นฐานของการแสดงและการกำกับความคิดสร้างสรรค์ เช่นเดียวกับการวิจัยในสาขาสัญศาสตร์ ประวัติศาสตร์ สังคมวิทยา สรีรวิทยา และการแพทย์ (โดยเฉพาะในการสอนการพูดบนเวทีและการเคลื่อนไหวบนเวที) การพัฒนาเทคโนโลยีสาขาต่างๆ ทำให้สามารถปรับปรุงและย้ายเครื่องจักรบนเวทีไปสู่ระดับใหม่ได้ การจัดการเสียงและเสียงรบกวนในโรงละคร อุปกรณ์ให้แสงสว่าง การเกิดขึ้นของเอฟเฟกต์บนเวทีใหม่ (เช่น ควันบนเวที ฯลฯ) เพื่อถอดความคำพูดอันโด่งดังของ Molière เราสามารถพูดได้ว่าโรงละคร

ดังนั้นคุณลักษณะเฉพาะถัดไปของศิลปะการแสดงละคร: การรวบรวมกระบวนการสร้างสรรค์ อย่างไรก็ตาม สิ่งต่างๆ มันไม่ง่ายเลยที่นี่ เรากำลังพูดถึงไม่เพียงแต่เกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันของทีมโรงละครขนาดใหญ่ (ตั้งแต่นักแสดงละครไปจนถึงตัวแทนฝ่ายเทคนิคซึ่งการประสานงานที่ดีจะกำหนด "ความบริสุทธิ์" ของการแสดงเป็นส่วนใหญ่) ในผลงานศิลปะการแสดงละครใด ๆ มีผู้เขียนร่วมที่เต็มเปี่ยมและสำคัญที่สุดอีกคนหนึ่ง - ผู้ชมซึ่งการรับรู้แก้ไขและเปลี่ยนแปลงการแสดงโดยเน้นในรูปแบบที่แตกต่างกันและบางครั้งก็เปลี่ยนแปลงความหมายและแนวคิดโดยรวมของการแสดงอย่างรุนแรง การแสดงละครโดยไม่มีผู้ชมเป็นไปไม่ได้ - ชื่อของโรงละครนั้นสัมพันธ์กับที่นั่งสำหรับผู้ชม การรับรู้ของผู้ชมต่อการแสดงถือเป็นงานสร้างสรรค์ที่จริงจัง ไม่ว่าสาธารณชนจะรับรู้หรือไม่ก็ตาม

ดังนั้นคุณลักษณะต่อไปของศิลปะการแสดงละคร - ความฉับไว: การแสดงแต่ละรายการจะมีอยู่ในช่วงเวลาที่มีการทำซ้ำเท่านั้น คุณลักษณะนี้มีอยู่ในศิลปะการแสดงทุกประเภท อย่างไรก็ตาม มีลักษณะเฉพาะบางประการที่นี่

ดังนั้นในละครสัตว์เมื่อจำเป็นต้องมีศิลปะของผู้เข้าร่วมการแสดง ความบริสุทธิ์ทางเทคนิคของกลอุบายยังคงกลายเป็นปัจจัยพื้นฐาน: การละเมิดนั้นก่อให้เกิดอันตรายต่อชีวิตของนักแสดงละครสัตว์ไม่ว่าจะมีหรือไม่มีก็ตาม ผู้ชม โดยหลักการแล้วอาจมีศิลปินละครสัตว์เพียงคนเดียวที่ร่วมมือกับผู้ชมอย่างกระตือรือร้นนั่นคือตัวตลก นี่คือจุดเริ่มต้นของการพัฒนาโรงละครประเภทหนึ่ง นั่นคือ การแสดงละครตลก ซึ่งพัฒนาตามกฎหมายที่ใกล้เคียงกับกฎของคณะละครสัตว์ แต่ก็ยังแตกต่าง: โรงละครทั่วไป

ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีการบันทึกเสียง การแสดงดนตรีและการร้องจึงได้รับโอกาสในการบันทึกและทำซ้ำเพิ่มเติมซ้ำๆ ให้เหมือนกับต้นฉบับ แต่โดยหลักการแล้วการบันทึกวิดีโอการแสดงละครอย่างเพียงพอนั้นเป็นไปไม่ได้ โดยหลักการแล้ว การแสดงมักจะเกิดขึ้นพร้อมๆ กันในส่วนต่างๆ ของเวที ซึ่งจะช่วยเพิ่มระดับเสียงให้กับสิ่งที่เกิดขึ้น และสร้างช่วงของโทนเสียงและฮาล์ฟโทนของบรรยากาศบนเวที ด้วยการถ่ายภาพระยะใกล้ ความแตกต่างของชีวิตบนเวทีทั่วไปยังคงอยู่เบื้องหลัง แผนทั่วไปมีขนาดเล็กเกินไปและไม่สามารถถ่ายทอดรายละเอียดทั้งหมดได้ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแสดงละครในรูปแบบผู้กำกับ โทรทัศน์ต้นฉบับ หรือภาพยนตร์ที่ทำตามกฎหมายข้ามวัฒนธรรมเท่านั้นที่จะประสบความสำเร็จอย่างสร้างสรรค์ มันเหมือนกับการแปลวรรณกรรม: การบันทึกการแสดงละครแบบแห้งบนแผ่นฟิล์มนั้นคล้ายกับการแปลแบบอินไลน์: ดูเหมือนว่าทุกอย่างจะถูกต้อง แต่ความมหัศจรรย์ของศิลปะก็หายไป

พื้นที่ใด ๆ ที่ไม่เต็มไปด้วยสิ่งใด ๆ ก็สามารถเรียกได้ว่าเป็นพื้นที่ว่าง ผู้ชายเคลื่อนไหว

ในอวกาศมีคนกำลังมองเขาอยู่และนี่ก็เพียงพอแล้วสำหรับการแสดงละคร

การกระทำ. อย่างไรก็ตาม เมื่อเราพูดถึงโรงละคร เรามักจะหมายถึงสิ่งที่แตกต่างออกไป สีแดง

ผ้าม่าน ไฟสปอร์ตไลท์ กลอนเปล่า เสียงหัวเราะ ความมืด ทั้งหมดนี้ผสมกันแบบสุ่ม

จิตสำนึกของเราและสร้างภาพที่คลุมเครือซึ่งเรากำหนดไว้ทุกกรณี

สรุป. เราบอกว่าโรงภาพยนตร์ฆ่าโรงละคร ซึ่งหมายถึงโรงละครนั่นเอง

มีอยู่ในยุคที่โรงหนังถือกำเนิดขึ้น กล่าวคือ โรงหนังที่มีบ็อกซ์ออฟฟิศ ห้องโถง ห้องพับ

เก้าอี้ ทางลาด การเปลี่ยนแปลงของทิวทัศน์ การหยุดพัก และดนตรี ราวกับว่าเป็นคำนั้นเอง

คำว่า "โรงละคร" ตามคำนิยามมีความหมายเพียงนั้นและแทบไม่มีอะไรเพิ่มเติมอีกเลย

ฉันจะพยายามแยกคำนี้ออกเป็นสี่วิธีและระบุสี่คำที่แตกต่างกัน

ความหมาย ดังนั้น ฉันจะพูดถึงโรงละครที่ไม่มีชีวิต โรงละครศักดิ์สิทธิ์ โรงละครหยาบ

และเกี่ยวกับโรงละครเช่นนี้ บางครั้งโรงละครทั้งสี่แห่งนี้ก็มีอยู่ในละแวกใกล้เคียงที่ไหนสักแห่งใน

เวสต์เอนด์ในลอนดอนหรือใกล้ไทม์สแควร์ในนิวยอร์ก บางทีก็ห่างกันเป็นร้อย

ไมล์ และบางครั้งการแบ่งส่วนนี้มีเงื่อนไข เนื่องจากทั้งสองส่วนรวมกันเข้าด้วยกัน

เย็นวันหนึ่งหรือหนึ่งการกระทำ บางครั้งโรงละครทั้งสี่แห่งก็อยู่ครู่หนึ่ง -

ศักดิ์สิทธิ์ หยาบ ไม่มีชีวิต n โรงละครจึงรวมเป็นหนึ่งเดียว ป.บรู๊ค"พื้นที่ว่าง"

1. การแสดงละครและความจริง Oscar Remez "ฝีมือผู้กำกับ"

หากเป็นเรื่องจริง คำว่า “การแสดงละคร” และ “ความจริง” ก็เป็นสาระสำคัญหลักองค์ประกอบของการแสดงละครก็เป็นจริงเช่นกันและว่าการต่อสู้ของหลักการทั้งสองนี้เป็นบ่อเกิดของการพัฒนาแสดงออกหมายถึงศิลปะการแสดงละคร การต่อสู้ครั้งนี้เป็นเรื่องง่ายเดาเมื่อเราสำรวจอดีตของโรงละครและอื่นๆ อีกมากมายยากขึ้นถูกค้นพบเมื่อตรวจสอบโฆษณาที่มีชีวิตกระบวนการพัฒนาไปต่อหน้าต่อตาเรา

3. วัฏจักรของประวัติศาสตร์การละคร

เมื่อเปรียบเทียบอดีตที่รู้จักกันดีกับปัจจุบันที่กำลังเกิดขึ้น เราสามารถสรุปเกี่ยวกับรูปแบบพิเศษของการเปลี่ยนแปลงทิศทางการแสดงละคร ซึ่งเป็นลักษณะวัฏจักรพิเศษที่วัดได้อย่างเคร่งครัดและเป็นวัฏจักรของยุคการแสดงละคร

“ Princess Turandot” ถูกแทนที่ด้วยเกณฑ์ใหม่ของความจริงบนเวที - วิธีการกระทำทางกายภาพ ประเพณีการแสดงละครใหม่ยังคงดำเนินต่อไปในผลงานของ M. Kedrov ในเวลาเดียวกันและในทิศทางเดียวกันโรงละครของ A. Popov และ A. Lobanov ก็ทำงาน ต่อไป "พลัง" บนเวทีที่เข้มงวดและสม่ำเสมอมากขึ้นจะถูกแทนที่ด้วยการแสดงละครโรแมนติกของ N. Okhlopkov การสังเคราะห์สองหลักการ ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของโรงละครแห่งปลายยุค 40 คือ “The Young Guard” การแสดงของ N. Okhlopkov ซึ่งแสดงความเป็นจริงได้อย่างเต็มที่ที่สุดโดยใช้ภาษาศิลปะสมัยใหม่ ในช่วงกลางทศวรรษที่ 50 - คลื่นลูกใหม่ - ชัยชนะของวิธีการวิเคราะห์ที่มีประสิทธิภาพ: ผลงานของ M. Knebel, การกำเนิดของ Sovremennik, การแสดงของ G. A. Tovstonogov

ดังที่เราเห็นทิศทางการแสดงละครแต่ละทิศทางได้รับการพัฒนาในขั้นต้นในขณะที่แฝงอยู่มักจะเติบโตในส่วนลึกของทิศทางก่อนหน้า (และเมื่อปรากฎในภายหลังคือทิศทางขั้วโลก) เกิดขึ้นโดยไม่คาดคิดพัฒนาขัดแย้งกับประเพณีและไปตามเส้นทาง กำหนดโดยวิภาษวิธี - การขึ้นสู่สวรรค์ การแสดงออกที่สมบูรณ์ วิกฤตที่สร้างสรรค์ ประวัติศาสตร์ละครแต่ละช่วงมีผู้นำ พวกเขาติดตามเขาเลียนแบบเขาโต้เถียงกับเขาอย่างดุเดือดตามกฎจากทั้งสองฝ่าย - ผู้ที่อยู่ข้างหลังและผู้ที่อยู่ข้างหน้า

แน่นอนว่าเส้นทางสู่การสังเคราะห์ละครนั้นซับซ้อน ปรากฏการณ์สำคัญในศิลปะการแสดงละครไม่จำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับชื่อของผู้กำกับที่กล่าวถึงในที่นี้ การแบ่งคนงานละครออกเป็น "กลุ่ม" "กระแสนิยม" และ "ค่าย" อย่างอวดดีนั้นแทบจะไม่สมเหตุสมผลเลย อย่าลืม - ในช่วงของการสังเคราะห์ละครในยุค 20 ไม่มีใครอื่นนอกจาก K. S. Stanislavsky ได้สร้างการแสดงที่แสดงถึงแนวโน้มชัยชนะอย่างเต็มที่และชัดเจนที่สุด - "A Warm Heart" (1926) และ "The Marriage of Figaro" ( 1927 ). ในงานเหล่านี้มีการผสมผสานการแสดงละครที่ยอดเยี่ยมเข้ากับการพัฒนาทางจิตวิทยาอย่างลึกซึ้ง

ความต่อเนื่องของประเพณีประเภทนี้ที่ Art Theatre คือละครเรื่อง "The Pickwick Club" (1934) จัดแสดงโดยผู้กำกับ V. Ya. Stanitsyn

บางคนอาจเข้าใจว่าโรงละครเกิดซ้ำตามวงกลมที่กำหนดไว้ล่วงหน้า J. Gassner เสนอแนวคิดที่ใกล้เคียงกับความเข้าใจประเภทนี้มาก (ด้วยคำศัพท์ที่เปลี่ยนแปลงไปและไม่ชัดเจน) ในหนังสือ "Form and Idea in the Modern Theatre"

อย่างไรก็ตามแนวคิดของการพัฒนาโรงละครแบบวงจรปิดผิด. ภาพวัตถุประสงค์ของการพัฒนาประวัติศาสตร์การแสดงละคร -ความเคลื่อนไหวสำเร็จเป็นเกลียวจำเป็น,มีอะไรอยู่ทั้งหมดในรอบใหม่ โรงละครได้นำเสนอสิ่งใหม่โดยพื้นฐานเกณฑ์ความจริงและการแสดงละคร ว่าการสังเคราะห์ที่ครอบวงจรการพัฒนาแต่ละรอบนั้นเกิดขึ้นแต่ละครั้งบนพื้นฐานที่แตกต่างกัน ในขณะเดียวกัน การแสดงละครแบบใหม่ก็ช่วยไม่ได้นอกจากฝึกฝนประสบการณ์ก่อนหน้านี้ (แม้ว่าจะมีข้อโต้แย้งก็ตาม) และนี่คือข้อกำหนดเบื้องต้น หลีกเลี่ยงไม่ได้ในอนาคตของความสมดุลแบบไดนามิก ดังนั้นการต่อสู้ระหว่างการแสดงละครและความจริงจึงกลายเป็นเนื้อหาในประวัติศาสตร์ของวิธีการแสดงออกของผู้กำกับซึ่งเป็นที่มาของการพัฒนารูปแบบการแสดงละครสมัยใหม่

ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าศิลปะการแสดงละครปรากฏขึ้นเมื่อใด มันมีความเกี่ยวข้องและเป็นตัวบ่งชี้ถึงวัฒนธรรมชั้นสูงในเกือบตลอดเวลา มูลค่าคืออะไรทำไมจึงไม่สูญเสียความนิยมในปัจจุบัน?

โรงละครแห่งนี้มีชื่อเสียงในด้านบรรยากาศเทพนิยายอันเป็นเอกลักษณ์ นี่เป็นศิลปะที่ซับซ้อนเพราะมันเป็นกลุ่ม การแสดงละครจำเป็นต้องมีปฏิสัมพันธ์ที่กลมกลืนกันของรายละเอียดต่างๆ มากมาย ซึ่งรวมถึงฉาก การแสดง และตัวบทด้วย

ศิลปะการละครมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอย่างแท้จริงแม้ในยุคปัจจุบันที่อุดมไปด้วยความบันเทิงที่หลากหลาย อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญจากนันทนาการทางวัฒนธรรมประเภทอื่น? ละครไม่ได้แยกนักแสดงออกจากผู้ชม นี่คือศิลปะที่มีชีวิตอย่างแน่นอน ผู้ชมและนักแสดงเป็นหนึ่งเดียวกันในระหว่างการผลิต นี่คือเสน่ห์พิเศษของโรงละคร

ผู้ชมดูด้วยตาของเขาเองว่านักแสดงคุ้นเคยกับบทบาทอย่างไร อาจกล่าวได้ว่าสาธารณชนมีโอกาสพิเศษที่จะได้เห็นกระบวนการสร้างสรรค์ นักแสดงก็เหมือนกับศิลปินตัวจริงที่สร้างภาพลักษณ์ที่จำเป็นและทั้งหมดนี้ต่อหน้าผู้ชมที่ชื่นชม

แตกต่างจากศิลปะรูปแบบอื่นๆ ส่วนใหญ่ โรงละครไม่ได้ทำให้ผู้สังเกตการณ์ภายนอกออกจากกลุ่มผู้ชม ในการผลิตใดๆ ไม่เพียงแต่การแสดงของนักแสดงเท่านั้นที่มีความสำคัญ แต่ยังรวมถึงปฏิกิริยาของผู้ชมด้วย ศิลปะการแสดงละครทำให้ผู้ชมรู้สึกว่ามันเป็นส่วนที่แยกจากกันไม่ได้เช่นกัน เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงผลงานโดยปราศจากเสียงปรบมือชื่นชม หรือในทางกลับกัน ความเงียบเฉยเฉย

นักคิดสมัยโบราณบางคนคิดไปไกลกว่านั้นเกี่ยวกับการรวมกันของผู้ชมและนักแสดง ก่อนหน้านี้มีความคิดที่ว่าคนที่มาดูการแสดงเมื่อเห็นการแสดงออกที่เข้มข้นของอารมณ์อันทรงพลังทั้งหมดบนเวทีจะประสบกับอาการระบาย นั่นคือผู้ชมจะระบุตัวนักแสดงและรู้สึกถึงการปลดปล่อยความรู้สึกที่ถูกระงับทั้งหมดของเขา สมัยนั้นเชื่อกันว่าศิลปะการแสดงละครไม่เพียงแต่ให้ความสุขทางสุนทรีย์เท่านั้น แต่ยังเป็นยารักษาโรคสำหรับจิตวิญญาณอีกด้วย และถึงแม้ตอนนี้เราสามารถค้นพบความจริงได้ค่อนข้างมากในทฤษฎีนี้

ถ้าคุณพูดถึงโรงละคร เกือบทุกคนจะจินตนาการถึงการแสดงธรรมดาๆ อย่างไรก็ตาม มีงานศิลปะประเภทอื่นอีก ก่อนอื่นนี่คือโอเปร่า มันคืออะไร? โอเปร่าเป็นการแสดงที่มีเอกลักษณ์และสร้างสรรค์ โดยนักแสดงจะแสดงอารมณ์ผ่านการร้องเพลงมากกว่าคำพูด นอกจากนี้ แนวเพลงนี้คงอยู่ไม่ได้หากไม่มีดนตรีที่ยอดเยี่ยม โอเปร่าไม่เหมือนกับการแสดงละครทั่วไป แต่มีเนื้อหาเชิงกวีมากกว่า ไม่ส่งผลกระทบต่อระดับเหตุผลและตรรกะของจิตสำนึกของมนุษย์ แต่ส่งผลโดยตรงต่ออารมณ์และสัญชาตญาณ ศิลปะการแสดงประเภทนี้ไม่ควรรับรู้โดยการคิด แต่ด้วยความรู้สึก บางทีนี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมทุกคนถึงไม่ชอบแนวเพลงอย่างโอเปร่า เพราะมีทั้งคู่ต่อสู้และแฟนเพลงที่ชื่นชม

มีศิลปะการแสดงประเภทอื่นอะไรบ้าง? แน่นอนว่าบัลเล่ต์ไม่สามารถละเลยได้ที่นี่ เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวเป็นสองเท่า ที่นี่ ความรู้สึกทั้งหมดแสดงออกมาไม่เพียงแค่ผ่านดนตรีเท่านั้น แต่ยังผ่านการเต้นด้วย นี่คือความมหัศจรรย์และความน่าดึงดูดของบัลเล่ต์อันเป็นเอกลักษณ์ ผลงานที่ยอดเยี่ยมสามารถแสดงออกผ่านการเต้น อย่างไรก็ตาม เมื่อเข้าร่วมบัลเล่ต์ ผู้ชมจะต้องมีสมาธิและมีส่วนร่วมอย่างมาก สาธารณชนจะต้องเปิดกว้างอย่างยิ่งเพื่อที่จะสามารถ “อ่าน” ข้อความที่มีอยู่ในทุกความเคลื่อนไหวได้

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปะการละครจะได้รับความรักอันยิ่งใหญ่จากผู้คนแม้เมื่อเวลาผ่านไป นี่เป็นวันหยุดทางวัฒนธรรมอย่างแท้จริงโดยแสดงออกอย่างสูงสุด ซึ่งไม่เพียงแต่เติมเต็มผู้ชมด้วยอารมณ์ใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังมีวัตถุประสงค์ด้านการศึกษา ความบันเทิง และแม้แต่การศึกษาอีกด้วย

ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อนที่สุด มีประสิทธิภาพมากที่สุด และเก่าแก่ที่สุดอย่างหนึ่ง องค์ประกอบของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ สถาปัตยกรรม จิตรกรรมและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลงเท่านั้น แต่ยังบ่อยครั้งในการแสดงละครด้วย) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครด้วย) และ วรรณกรรม (ข้อความที่ใช้แสดงละคร) และศิลปะการแสดง ฯลฯ ในบรรดาทั้งหมดที่กล่าวมา ศิลปะการแสดงเป็นสิ่งสำคัญที่กำหนดโรงละคร ผู้กำกับโซเวียตชื่อดัง A. Tairov เขียนว่า “... ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร มีช่วงเวลายาวนานที่ไม่มีการแสดงละคร เมื่อไม่มีฉากใดๆ เลย แต่ไม่มีช่วงเวลาใดเลยที่โรงละครไม่มีนักแสดง ”

นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปินหลักที่สร้างสิ่งที่เรียกว่าภาพบนเวที แม่นยำยิ่งขึ้นนักแสดงในโรงละครก็เป็นศิลปินผู้สร้างวัสดุของความคิดสร้างสรรค์และผลลัพธ์ - ภาพลักษณ์ไปพร้อม ๆ กัน ศิลปะของนักแสดงทำให้เราเห็นด้วยตาของเราเอง ไม่เพียงแต่ภาพในการแสดงออกขั้นสุดท้ายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระบวนการสร้างและการก่อตัวของภาพด้วย นักแสดงสร้างภาพจากตัวเขาเองและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพนั้นต่อหน้าผู้ชมต่อหน้าต่อตาเขา นี่อาจเป็นลักษณะเฉพาะหลักของเวที ภาพละคร - และนี่คือที่มาของความสุขทางศิลปะที่พิเศษและไม่เหมือนใครที่มอบให้กับผู้ชม ผู้ชมในโรงละครมีส่วนร่วมโดยตรงในปาฏิหาริย์แห่งการสร้างสรรค์มากกว่าที่อื่นใดในงานศิลปะ

ศิลปะการละครแตกต่างจากศิลปะอื่นๆ คือศิลปะที่มีชีวิต มันจะเกิดขึ้นในเวลาที่พบกับผู้ชมเท่านั้น มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม ไม่มีการสัมผัสกัน ซึ่งหมายความว่าไม่มีการแสดงที่ดำเนินไปตามกฎความงามของมันเอง

เมื่ออ่านหนังสือโดยยืนอยู่หน้าภาพวาด ผู้อ่านและผู้ดูจะไม่เห็นผู้เขียนหรือจิตรกร และมีเพียงในโรงละครเท่านั้นที่บุคคลจะพบปะกับศิลปินผู้สร้างสรรค์และพบเขาในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ เขาเดาการเกิดขึ้นและการเคลื่อนไหวของหัวใจและใช้ชีวิตร่วมกับความผันผวนของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที

นักอ่านเพียงลำพังและอ่านหนังสือล้ำค่าเพียงลำพังก็สามารถสัมผัสประสบการณ์ที่น่าตื่นเต้นและมีความสุขได้ และโรงละครไม่ได้ปล่อยให้ผู้ชมอยู่ตามลำพัง ในโรงละคร ทุกอย่างขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะบนเวทีในเย็นวันนั้นกับผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะนั้นขึ้นมาเพื่อ

ผู้ชมมาชมการแสดงละครไม่ใช่ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอก เขาอดไม่ได้ที่จะแสดงทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที การระเบิดของเสียงปรบมือที่เห็นด้วย เสียงหัวเราะร่าเริง ความตึงเครียด ความเงียบที่ไม่ขาดตอน การถอนหายใจด้วยความโล่งอก ความขุ่นเคืองอย่างเงียบ ๆ - การมีส่วนร่วมของผู้ชมในกระบวนการแสดงบนเวทีนั้นแสดงออกในความหลากหลาย บรรยากาศรื่นเริงเกิดขึ้นในโรงละคร เมื่อการสมรู้ร่วมคิดและความเห็นอกเห็นใจเข้าถึงความเข้มข้นสูงสุด...

นั่นคือสิ่งที่มันหมายถึง มายากลศิลปะการละคร ศิลปะที่ได้ยินเสียงการเต้นของหัวใจของมนุษย์ การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณและจิตใจ ซึ่งมีโลกทั้งใบของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์ ความหวัง ความฝัน ความปรารถนา ถูกจับอย่างละเอียดอ่อน

โรงละครเป็นศิลปะส่วนรวมทวีคูณ ผู้ชมรับรู้ถึงการผลิตละครและการแสดงบนเวทีไม่เพียงแต่เพียงอย่างเดียว แต่โดยรวมคือ "รู้สึกเหมือนข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจและความแพร่หลายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีอย่างมาก ในขณะเดียวกัน ความประทับใจนั้นไม่ได้มาจากนักแสดงเพียงคนเดียว แต่มาจากกลุ่มนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม ทั้งสองด้านของทางลาด พวกเขาใช้ชีวิต รู้สึก และกระทำ ไม่ใช่ตัวบุคคล แต่เป็นผู้คน ซึ่งเป็นสังคมของผู้คนที่เชื่อมต่อถึงกันในช่วงเวลาหนึ่งด้วยความสนใจ จุดประสงค์ และการกระทำร่วมกัน

โดยส่วนใหญ่แล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันมหาศาลของโรงละคร ศิลปะที่ถูกสร้างสรรค์และรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำนี้ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียน “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ เป็นเวทีอิสระที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดศีลธรรม และอธิบายกฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์โดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต ความรู้สึก."

บุคคลหนึ่งหันไปที่โรงละครเพื่อสะท้อนถึงมโนธรรมและจิตวิญญาณของเขา - เขาจำตัวเองเวลาและชีวิตของเขาในโรงละครได้ โรงละครเปิดโอกาสอันน่าทึ่งสำหรับการเรียนรู้ตนเองทางจิตวิญญาณและศีลธรรม

และถึงแม้ว่าละครโดยธรรมชาติของสุนทรีย์แล้ว จะเป็นศิลปะแบบเดิมๆ เช่นเดียวกับศิลปะอื่นๆ สิ่งที่ปรากฏบนเวทีต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่ความเป็นจริงที่แท้จริง แต่เป็นเพียงภาพสะท้อนทางศิลปะเท่านั้น แต่ในการสะท้อนกลับมีมากมาย ความจริงมันถูกมองว่าเป็นชีวิตที่แท้จริงและแท้จริงที่สุด ผู้ชมรับรู้ถึงความเป็นจริงขั้นสูงสุดของการมีอยู่ของตัวละครบนเวที เกอเธ่ผู้ยิ่งใหญ่เขียนว่า: “อะไรจะเป็นธรรมชาติไปมากกว่าคนของเช็คสเปียร์!”

ในโรงละคร ในชุมชนที่มีชีวิตชีวาของผู้คนรวมตัวกันเพื่อแสดงบนเวที ทุกสิ่งเป็นไปได้: เสียงหัวเราะและน้ำตา ความโศกเศร้าและความสุข ความขุ่นเคืองที่ไม่ปิดบังและความยินดีอย่างล้นหลาม ความโศกเศร้าและความสุข การประชดและความหวาดระแวง การดูถูกและความเห็นอกเห็นใจ ความเงียบและเสียงดังที่ได้รับการปกป้อง การอนุมัติ - กล่าวอีกนัยหนึ่ง ความร่ำรวยของการแสดงออกทางอารมณ์และความตกใจของจิตวิญญาณมนุษย์

นักแสดงในโรงละคร

ศิลปะการแสดงละครมีทั้งความจริงและธรรมดา จริง - แม้จะมีความธรรมดาก็ตาม แท้จริงแล้วเป็นศิลปะใดๆ ประเภทของศิลปะที่แตกต่างกันทั้งในระดับของความจริงและระดับของความธรรมดา แต่หากปราศจากการผสมผสานระหว่างความจริงและแบบแผนแล้ว ศิลปะก็ไม่สามารถดำรงอยู่ได้

มีอะไรพิเศษเกี่ยวกับผลงานของนักแสดงละคร? การแสดงของนักแสดงในโรงละครไม่เพียงแต่ทำให้เขาใกล้ชิดกับความจริงของชีวิตมากขึ้นเท่านั้น แต่ยังทำให้เขาห่างไกลจากความจริงอีกด้วย ตัวอย่างเช่น โรงละครชอบการแสดงออกถึงความรู้สึก "ดัง" และ "ช่างพูด" “โรงละครไม่ใช่ห้องนั่งเล่น” บี.เค. นักแสดงสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่เขียนไว้ โคเกอลิน. - ผู้ชมหนึ่งและห้าพันคนที่รวมตัวกันในหอประชุมไม่สามารถพูดถึงในฐานะสหายสองหรือสามคนที่คุณกำลังนั่งอยู่ข้างเตาผิง ถ้าคุณไม่ขึ้นเสียง ก็จะไม่มีใครได้ยินคำพูดนั้น หากไม่ออกเสียงให้ชัดเจนก็จะไม่เข้าใจ”

ในขณะเดียวกัน ในความเป็นจริง อารมณ์ของมนุษย์สามารถถูกซ่อนไว้อย่างลึกซึ้งได้ ความเศร้าโศกสามารถแสดงออกได้ด้วยการสั่นของริมฝีปาก การเคลื่อนไหวของกล้ามเนื้อใบหน้า ฯลฯ นักแสดงรู้เรื่องนี้ดี แต่ในชีวิตบนเวทีเขาต้องคำนึงถึงไม่เพียงแต่ความจริงทางจิตวิทยาและในชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเงื่อนไขของ เวที ความสามารถในการรับรู้ของผู้ฟัง เพื่อให้คำพูดและความรู้สึกของตัวละครเข้าถึงพวกเขาได้อย่างแม่นยำ นักแสดงจะต้องพูดเกินจริงในระดับและรูปแบบการแสดงออกของพวกเขาบ้าง นี่เป็นข้อกำหนดเฉพาะของศิลปะการแสดงละคร

สำหรับนักแสดงละครเวที การสื่อสารกับผู้ชมจะสร้างแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ที่สำคัญ ในระหว่างการแสดง เส้นใยที่แข็งแกร่งที่มองไม่เห็นจะถูกยืดออกระหว่างพวกเขา ซึ่งคลื่นแห่งความเห็นอกเห็นใจและความเกลียดชัง ความเห็นอกเห็นใจ ความเข้าใจ และความสุขที่มองไม่เห็นจะถูกส่งผ่านอย่างน่าอัศจรรย์ สิ่งนี้จะควบคุมการแสดงของนักแสดงเป็นการภายในและช่วยให้เขาสร้างสรรค์ผลงานได้ เป็นที่ทราบกันดีว่างานศิลปะทุกชิ้นเกี่ยวข้องกับวัสดุบางอย่าง สำหรับจิตรกรคือสีและผ้าใบ สำหรับประติมากรคือดินเหนียว หินอ่อน ไม้ สำหรับนักแสดง เครื่องมือและวัสดุเพียงอย่างเดียวในการสร้างภาพลักษณ์เชิงศิลปะก็คือตัวเขาเอง - การเดิน ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า น้ำเสียง และสุดท้ายคือบุคลิกภาพของเขา เพื่อให้ทุกเย็นผู้ชมกังวลเกี่ยวกับชะตากรรมของฮีโร่และเชื่อในตัวเขานักแสดงจึงทำงานหนักมาก อ่านหนังสือประวัติศาสตร์ ทำความคุ้นเคยกับช่วงเวลาที่ฮีโร่ของเขาอาศัยอยู่ ท้ายที่สุดแล้ว นักแสดงจำเป็นต้องรู้ทุกอย่างเกี่ยวกับบุคคลที่เขาแสดง บุคคลนี้เป็นใคร เขาต้องการอะไร และเขาทำอะไรเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย เขาเฝ้าดูผู้คนอยู่ตลอดเวลา สังเกตลักษณะภายนอก การเคลื่อนไหว และพฤติกรรมของพวกเขา ทั้งหมดนี้จะเป็นประโยชน์บนเวที ท้ายที่สุดเขาจะต้องแสดงในนามของตัวละครในละครหรือภาพยนตร์ใช้ชีวิตของพวกเขา เขาจะต้องพูดด้วยเสียงของฮีโร่ของเขาและเดินด้วยท่าทางของเขา ปัจจุบันนักแสดงรับบทร่วมสมัยของเรา ใช้ชีวิตทั้งสุขและทุกข์ กังวล และประสบความสำเร็จ พรุ่งนี้เขาจะเป็นอัศวินยุคกลางหรือราชาแห่งเทพนิยาย

ดังที่ผู้กำกับที่ยอดเยี่ยม เค.เอส. สตานิสลาฟสกีกล่าวไว้ นักแสดงจะต้อง “รู้สึกถึงชีพจรของชีวิต แสวงหาความจริงอยู่เสมอ และต่อสู้กับความเท็จ” “นักแสดงคือบุคคลสาธารณะ” เขาเป็นผู้นำผู้ชม ให้ความรู้ ช่วยให้พวกเขาตระหนักถึงข้อบกพร่องของตนเอง และใช้เส้นทางที่ถูกต้อง เมื่อแสดงบนเวทีนักแสดงจะด้นสด รู้บทบาทด้วยใจเขาใช้ชีวิตทุกช่วงเวลาราวกับว่าเป็นครั้งแรกราวกับไม่สงสัยว่าจะเกิดอะไรขึ้นในช่วงเวลาต่อไป จำเป็นต้องมีคุณลักษณะอีกอย่างหนึ่งของความสามารถในการแสดง - ความเป็นธรรมชาติ หากไม่มีการแสดงของนักแสดง เราจะเห็นเพียงการเคลื่อนไหวบนเวทีและได้ยินข้อความที่จดจำเท่านั้น คุณสมบัตินี้เองที่ทำให้นักแสดงสามารถ "แตกต่าง" เล็กน้อยในบทบาทเดียวกันและในการแสดงแต่ละครั้งเพื่อสร้างชีวิตภายในของตัวละครขึ้นมาใหม่ราวกับเป็นครั้งแรก

ด้วยเหตุนี้เราถึงแม้จะรู้จักละครด้วยใจ ทุกครั้งต้องขอบคุณนักแสดงที่มีพรสวรรค์ ทำให้ได้สัมผัสประสบการณ์เหตุการณ์นั้นราวกับครั้งใหม่ การแสดงในโลกจินตนาการ นักแสดงเชื่อว่ามันเป็นความจริง ความเชื่อในสถานการณ์สมมติเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในการแสดง มันคล้ายกับความศรัทธาอันจริงใจที่เด็กๆ แสดงออกมาในเกมของพวกเขา

“ลักษณะ” ที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของการแสดงคือผู้ชม ถ้าไม่มีมัน การเล่นบนเวทีก็เป็นเพียงการซ้อมเท่านั้น นักแสดงต้องการการติดต่อกับผู้ชมไม่น้อยไปกว่ากับคู่ของเขา ดังนั้นการแสดงทั้งสองรายการจึงไม่เหมือนกัน นักแสดงสร้างสรรค์ต่อหน้าผู้ชมทุกครั้งอีกครั้ง วิวเวอร์เปลี่ยนไป ซึ่งหมายความว่าประสิทธิภาพจะเปลี่ยนไปไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง แม้ว่างานของนักแสดงจะเรียกว่าการแสดง แต่ก็เป็นงานหนักซึ่งแม้แต่ผู้มีพรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดก็ไม่สามารถยกเว้นคุณได้ และยิ่งงานนี้มากเท่าไรก็ยิ่งสังเกตเห็นได้น้อยลงบนเวทีและยิ่งเราได้รับความสุขจากการแสดงของศิลปินมากขึ้นจากการแสดงทั้งหมด

บทสรุป

โรงละครคือโรงเรียนแห่งชีวิต นี่คือวิธีที่พวกเขาพูดถึงพระองค์จากศตวรรษสู่ศตวรรษ พวกเขาพูดกันทุกที่: ในรัสเซีย ฝรั่งเศส อิตาลี อังกฤษ เยอรมนี สเปน...

โกกอลเรียกโรงละครว่าแผนกแห่งความดี

Herzen ยอมรับว่าเขาเป็นผู้มีอำนาจสูงสุดในการแก้ไขปัญหาสำคัญ

เบลินสกี้มองเห็นโลกทั้งใบ จักรวาลทั้งโลกที่มีความหลากหลายและงดงามในโรงละคร เขาเห็นในตัวเขาผู้ปกครองความรู้สึกเผด็จการที่สามารถเขย่าสายวิญญาณทั้งหมดปลุกการเคลื่อนไหวที่แข็งแกร่งในจิตใจและหัวใจทำให้จิตวิญญาณสดชื่นด้วยความประทับใจอันทรงพลัง เขาเห็นเสน่ห์ที่น่าอัศจรรย์และอยู่ยงคงกระพันต่อสังคมในโรงละคร

ตามที่วอลแตร์กล่าวไว้ ไม่มีอะไรกระชับสายสัมพันธ์แห่งมิตรภาพได้ใกล้ชิดไปกว่าโรงละครอีกแล้ว

ฟรีดริช ชิลเลอร์ นักเขียนบทละครชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่แย้งว่า "โรงละครมีเส้นทางที่เข้าถึงจิตใจและหัวใจมากที่สุด" ของบุคคล

เซอร์บันเตส ผู้สร้างดอนกิโฆเต้ผู้เป็นอมตะ เรียกโรงละครแห่งนี้ว่า "กระจกเงาแห่งชีวิตมนุษย์ เป็นตัวอย่างแห่งศีลธรรม เป็นแบบอย่างแห่งความจริง"

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

1. Abalkin N. เรื่องราวเกี่ยวกับโรงละคร - M. , 1981

2. Bakhtin M. M. คำถามเกี่ยวกับวรรณคดีและสุนทรียศาสตร์ – ม., 1975

3. Kagarlitsky Yu. I. โรงละครมานานหลายศตวรรษ - M. , 1987

4. Lessky K. L. 100 โรงละครที่ยิ่งใหญ่ของโลก - M. , Veche, 2001

6. Nemirovich-Danchenko Vl. I. กำเนิดโรงละคร - ม. 2532

7. Sorochkin B.Yu. ละครระหว่างอดีตและอนาคต - ม. 2532

8. Stanislavsky K.S. ชีวิตของฉันในงานศิลปะ - ของสะสม ปฏิบัติการ ใน 8 เล่ม ม. 2497 เล่ม 1 หน้า 393-394.

9. Tairov A. Ya หมายเหตุของผู้อำนวยการ บทความ. บทสนทนา สุนทรพจน์ จดหมาย ม., 1970, น. 79.

10. ABC of theatre: เรื่องสั้น 50 เรื่องเกี่ยวกับโรงละคร ล.: เดช. สว่าง., 1986.

11. พจนานุกรมสารานุกรมของผู้ชมรุ่นเยาว์ อ.: การสอน, 2532.

หน้า 1

ศิลปะการแสดงละครเป็นศิลปะที่ซับซ้อนที่สุด มีประสิทธิภาพมากที่สุด และเก่าแก่ที่สุดอย่างหนึ่ง นอกจากนี้ยังมีความหลากหลายและสังเคราะห์ องค์ประกอบของศิลปะการแสดงละคร ได้แก่ สถาปัตยกรรม จิตรกรรมและประติมากรรม (ทิวทัศน์) และดนตรี (ฟังดูไม่เพียงแต่ในละครเพลงเท่านั้น แต่ยังบ่อยครั้งในการแสดงละครด้วย) และการออกแบบท่าเต้น (อีกครั้ง ไม่เพียงแต่ในบัลเล่ต์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครด้วย) และ วรรณกรรม (ข้อความที่ใช้แสดงละคร) และศิลปะการแสดง ฯลฯ ในบรรดาทั้งหมดที่กล่าวมา ศิลปะการแสดงเป็นสิ่งสำคัญที่กำหนดโรงละคร ผู้กำกับชื่อดังชาวโซเวียต A. Tairov เขียนว่า “...ในประวัติศาสตร์ของโรงละคร มีช่วงเวลายาวนานที่โรงละครแห่งนี้ไม่มีการแสดงละคร เมื่อไม่มีฉากใดๆ เลย แต่ไม่มีสักช่วงเวลาเดียวที่โรงละครไม่มีนักแสดง ” การขนส่งศพของผู้ตายไปยังเมืองอื่นถือเป็นการขนส่งหลักของผู้ตาย

นักแสดงในโรงละครเป็นศิลปินหลักที่สร้างสิ่งที่เรียกว่าภาพบนเวที แม่นยำยิ่งขึ้นนักแสดงในโรงละครก็เป็นศิลปินผู้สร้างวัสดุของความคิดสร้างสรรค์และผลลัพธ์ - ภาพลักษณ์ไปพร้อม ๆ กัน ศิลปะของนักแสดงทำให้เราเห็นด้วยตาของเราเอง ไม่เพียงแต่ภาพในการแสดงออกขั้นสุดท้ายเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกระบวนการสร้างและการก่อตัวของภาพด้วย นักแสดงสร้างภาพจากตัวเขาเองและในขณะเดียวกันก็สร้างภาพนั้นต่อหน้าผู้ชมต่อหน้าต่อตาเขา นี่อาจเป็นลักษณะเฉพาะหลักของเวที ภาพละคร - และนี่คือที่มาของความสุขทางศิลปะที่พิเศษและไม่เหมือนใครที่มอบให้กับผู้ชม ผู้ชมในโรงละครมีส่วนร่วมโดยตรงในปาฏิหาริย์แห่งการสร้างสรรค์มากกว่าที่อื่นใดในงานศิลปะ

ศิลปะการละครแตกต่างจากศิลปะอื่นๆ คือศิลปะที่มีชีวิต มันจะเกิดขึ้นในเวลาที่พบกับผู้ชมเท่านั้น มันขึ้นอยู่กับการติดต่อทางอารมณ์และจิตวิญญาณที่ขาดไม่ได้ระหว่างเวทีกับผู้ชม ไม่มีการสัมผัสกัน ซึ่งหมายความว่าไม่มีการแสดงที่ดำเนินไปตามกฎความงามของมันเอง

ถือเป็นความทรมานอย่างมากสำหรับนักแสดงที่ต้องแสดงหน้าห้องโถงว่างเปล่าโดยไม่มีผู้ชมแม้แต่คนเดียว สภาพนี้เทียบเท่ากับที่เขาอยู่ในพื้นที่ปิดจากโลกทั้งใบ ในชั่วโมงของการแสดง จิตวิญญาณของนักแสดงมุ่งตรงไปที่ผู้ชม เช่นเดียวกับที่จิตวิญญาณของผู้ชมมุ่งตรงไปที่นักแสดง ศิลปะแห่งการละครมีชีวิต หายใจ ตื่นเต้นและดึงดูดผู้ชมในช่วงเวลาแห่งความสุขเหล่านั้น เมื่อผ่านสายที่มองไม่เห็นของการส่งสัญญาณไฟฟ้าแรงสูง มีการแลกเปลี่ยนพลังทางจิตวิญญาณสองอย่างอย่างแข็งขัน ซึ่งมุ่งตรงเข้าหากัน - จากนักแสดงสู่ผู้ชม จากผู้ชมสู่นักแสดง

เมื่ออ่านหนังสือโดยยืนอยู่หน้าภาพวาด ผู้อ่านและผู้ดูจะไม่เห็นผู้เขียนหรือจิตรกร และมีเพียงในโรงละครเท่านั้นที่บุคคลจะพบปะกับศิลปินผู้สร้างสรรค์และพบเขาในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ เขาคาดเดาการเกิดขึ้นและการเคลื่อนไหวของหัวใจและใช้ชีวิตร่วมกับความผันผวนของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที

นักอ่านเพียงลำพังและอ่านหนังสือล้ำค่าเพียงลำพังก็สามารถสัมผัสประสบการณ์ที่น่าตื่นเต้นและมีความสุขได้ และโรงละครไม่ได้ปล่อยให้ผู้ชมอยู่ตามลำพัง ในโรงละคร ทุกอย่างขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ทางอารมณ์ระหว่างผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะบนเวทีในเย็นวันนั้นกับผู้ที่สร้างสรรค์ผลงานศิลปะนั้นขึ้นมาเพื่อ

ผู้ชมมาชมการแสดงละครไม่ใช่ในฐานะผู้สังเกตการณ์ภายนอก เขาอดไม่ได้ที่จะแสดงทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที การระเบิดของเสียงปรบมือที่เห็นด้วย เสียงหัวเราะร่าเริง ความตึงเครียด ความเงียบที่ไม่ขาดตอน การถอนหายใจด้วยความโล่งอก ความขุ่นเคืองอย่างเงียบ ๆ - การมีส่วนร่วมของผู้ชมในกระบวนการแสดงบนเวทีนั้นแสดงออกในความหลากหลาย บรรยากาศรื่นเริงเกิดขึ้นในโรงละครเมื่อการสมรู้ร่วมคิดและการเอาใจใส่ดังกล่าวถึงความเข้มข้นสูงสุด

นี่คือความหมายของศิลปะที่มีชีวิตของเขา ศิลปะที่ได้ยินเสียงการเต้นของหัวใจของมนุษย์ การเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณและจิตใจ ซึ่งมีโลกทั้งใบของความรู้สึกและความคิดของมนุษย์ ความหวัง ความฝัน ความปรารถนา ถูกจับอย่างละเอียดอ่อน

แน่นอนว่า เมื่อเราคิดและพูดคุยเกี่ยวกับนักแสดง เราเข้าใจดีว่าไม่เพียงแต่นักแสดงมีความสำคัญต่อโรงละครเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงดนตรี ความสามัคคี และปฏิสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ของนักแสดงด้วย “ละครที่แท้จริง” ชลีปินเขียน “ไม่ใช่แค่ความคิดสร้างสรรค์ส่วนบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงร่วมกัน ซึ่งต้องอาศัยความกลมกลืนกันของทุกส่วน”

โรงละครเป็นศิลปะส่วนรวมทวีคูณ ผู้ชมรับรู้ถึงการผลิตละครและการแสดงบนเวทีไม่เพียงแต่เพียงอย่างเดียว แต่โดยรวมคือ "รู้สึกเหมือนข้อศอกของเพื่อนบ้าน" ซึ่งช่วยเพิ่มความประทับใจและความแพร่หลายทางศิลปะของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีอย่างมาก ในขณะเดียวกัน ความประทับใจนั้นไม่ได้มาจากนักแสดงเพียงคนเดียว แต่มาจากกลุ่มนักแสดง ทั้งบนเวทีและในหอประชุม ทั้งสองด้านของทางลาด พวกเขาใช้ชีวิต รู้สึก และกระทำ ไม่ใช่ตัวบุคคล แต่เป็นผู้คน ซึ่งเป็นสังคมของผู้คนที่เชื่อมต่อถึงกันในช่วงเวลาหนึ่งด้วยความสนใจ จุดประสงค์ และการกระทำร่วมกัน

โดยส่วนใหญ่แล้ว นี่คือสิ่งที่กำหนดบทบาททางสังคมและการศึกษาอันมหาศาลของโรงละคร ศิลปะที่ถูกสร้างสรรค์และรับรู้ร่วมกันกลายเป็นโรงเรียนในความหมายที่แท้จริงของคำนี้ “โรงละคร” การ์เซีย ลอร์กา กวีชาวสเปนผู้โด่งดังเขียน “เป็นโรงเรียนแห่งน้ำตาและเสียงหัวเราะ เป็นเวทีอิสระที่ผู้คนสามารถประณามศีลธรรมที่ล้าสมัยหรือผิดศีลธรรม และอธิบายกฎนิรันดร์ของหัวใจมนุษย์และมนุษย์โดยใช้ตัวอย่างที่มีชีวิต ความรู้สึก."

ข้อมูลอื่น ๆ:

สไตล์รัสเซีย
สไตล์รัสเซียเป็นอย่างไรจริงๆ? สามารถยกให้สูงระดับการออกแบบสไตล์อิตาลีได้หรือไม่? และคุณจะทำให้การตกแต่งภายในแบบรัสเซียมีสไตล์ได้อย่างไรเพื่อไม่ให้ดูเหมือนภาพประกอบจากเทพนิยายสำหรับเด็ก? กระท่อมอันรุนแรงทางตอนเหนือและคฤหาสน์มอสโกอันหรูหรา ...

เจดีย์หินสิบสามชั้น
นำเข้าจากประเทศญี่ปุ่น เธอมีอายุประมาณ 200 ปี เจดีย์แห่งนี้เป็นศูนย์กลางการจัดสวนญี่ปุ่นซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของวัดในศาสนาพุทธ เลข “สิบสาม” มีความหมายที่สำคัญมาก คือ จำนวนพื้นที่ที่พระพุทธเจ้าประทับอยู่ ซึ่งมาจากประเทศจีน นับถือศาสนาพุทธแบบญี่ปุ่น...

วิทยาศาสตร์และวัฒนธรรมด้านอื่น ๆ
ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ของโลกแตกต่างอย่างมากจากรูปแบบความรู้เชิงสุนทรีย์ แม้ว่าวิทยาศาสตร์และศิลปะจะเป็นภาพสะท้อนของความเป็นจริง แต่ในทางวิทยาศาสตร์ การสะท้อนนี้ดำเนินการในรูปแบบของแนวคิดและหมวดหมู่ และในศิลปะ - ในรูปแบบของศิลปะ...