ศิลปะการแสดง. ศิลปะการแสดง. สู่การพูดในที่สาธารณะ

ด้านประวัติศาสตร์และจิตวิทยา

การบรรยายครั้งที่ 1

การปรากฏตัวของรูปร่างของนักแสดงในศิลปะดนตรีเป็นกระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่เกี่ยวข้องกับความแตกต่างของความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี ในยุโรปตะวันตก สิ่งนี้เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของเหตุผลทางสังคมและวัฒนธรรม และกระบวนการสร้างความแตกต่างดำเนินไปเป็นเวลาหลายศตวรรษ ต้นกำเนิดของมันย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 14 เมื่อยุคเรอเนซองส์เริ่มต้นในอิตาลีและในประเทศอื่นๆ ในยุโรป ก่อนหน้านี้นักดนตรีได้รวมทั้งผู้สร้างบทประพันธ์ดนตรีและนักแสดงเข้าด้วยกัน สมัยนั้นยังไม่มีแนวคิดเรื่องการประพันธ์หรือการแก้ไขข้อความดนตรี ในบรรดาเหตุผลทางวัฒนธรรมจำนวนมากที่วางรากฐานสำหรับการเกิดขึ้นของร่างของนักดนตรีที่แสดงนักวิจัยด้านการตีความในดนตรี N.P. Korykhalova ชี้ไปที่: 1) ความซับซ้อนของสัญกรณ์จากปลายศตวรรษที่ 12 2) การพัฒนา ของพหูพจน์ 3) วิวัฒนาการของดนตรีบรรเลงฆราวาส การเล่นดนตรีสมัครเล่น นอกจากนี้เรายังสังเกตเห็นการเสริมสร้างความเป็นปัจเจกบุคคลของผู้แต่งอย่างค่อยเป็นค่อยไปและความซับซ้อนของข้อความทางดนตรี

การเร่งกระบวนการนี้ในปลายศตวรรษที่ 15 เนื่องจากการประดิษฐ์การพิมพ์เพลง กลายเป็นขั้นตอนสำคัญในการรวมข้อความของผู้เขียน และในปี 1530 ในบทความของ Listenius การแสดงถูกระบุว่าเป็นกิจกรรมดนตรีเชิงปฏิบัติอิสระ

ข้อกำหนดสำหรับบุคลิกภาพของนักแสดงความสามารถทางวิชาชีพและจิตวิทยาของเขาค่อยๆเริ่มก่อตัวขึ้น สำคัญกว่า -

ส่วนใหญ่มีความเกี่ยวข้องกับ การอยู่ใต้บังคับบัญชาของเจตจำนงของนักแสดงต่อเจตจำนงของนักแต่งเพลงโอกาสสำหรับศิลปินในการแสดงออกถึงบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของเขาคำถามเกิดขึ้น: สถานะของกิจกรรมของนักดนตรีการแสดงคืออะไร - เท่านั้น การสืบพันธุ์หรือบางที ความคิดสร้างสรรค์?และอะไรคือแก่นแท้ของเจตจำนงสร้างสรรค์ของนักแสดง ศิลปินได้รับอนุญาตให้ทำอะไรได้บ้าง?

ในเวลานั้น เชื่อกันว่าความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงจำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับการปรับข้อความดนตรี โดยแนะนำน้ำเสียงและองค์ประกอบพื้นผิวของเขาเอง ซึ่งมักจะเกี่ยวข้องกับการสาธิตความสามารถทางเทคนิค จากนั้นนักดนตรีทุกคนก็เชี่ยวชาญศิลปะแห่งการแสดงด้นสดและสามารถ "อัปเดต" การเรียบเรียงได้อย่างอิสระโดยสมบูรณ์ เศษเสี้ยวของรูปแบบดนตรีและแม้แต่แนวเพลงก็ปรากฏขึ้นซึ่งแต่เดิมถือว่ามีอิสระทางดนตรี ในศตวรรษที่ 17 ศิลปะแห่งจังหวะดนตรีบรรเลงและเสียงร้องมีการพัฒนาในระดับสูง และการเล่นหน้าหรือแฟนตาซีโดยธรรมชาติแล้วมีเสรีภาพในการด้นสด

จุดเปลี่ยนในการแก้ปัญหานี้เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18: นักแต่งเพลงในเวลานั้นพยายามอย่างแข็งขันมากที่สุดในการเสริมสร้างสิทธิในข้อความและภาพลักษณ์ของงานดนตรี เบโธเฟนเป็นคนแรกที่เขียนจังหวะสำหรับเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งที่สามของเขา Rossini ฟ้องร้องนักร้องที่แนะนำ Cadenzas ให้กับโอเปร่าอาเรียอย่างอิสระเกินไป การบันทึกการทดสอบดนตรีมีรายละเอียดมากขึ้นเรื่อยๆ และคลังแสงของการแสดงก็ขยายออกไปอย่างมาก อย่างไรก็ตาม ตลอดศตวรรษที่ 19 มีการตอบรับจากศิลปิน การแสดงออกของมันคือลักษณะที่ปรากฏและพัฒนาการของการถอดเสียง การถอดความ และเมดเลย์เป็นส่วนใหญ่ นักแสดงแต่ละคน โดยเฉพาะอย่างยิ่งนักแสดงคอนเสิร์ตรายใหญ่ ถือเป็นหน้าที่ของตนในการแสดงด้วยการถอดเสียงและถอดความของตนเอง อนุญาตประเภทนี้ ของคนอื่น

นำเสนอเพลงในแบบของคุณเองและด้วยเหตุนี้จึงพิสูจน์ได้ ศักยภาพในการสร้างสรรค์ของคุณแสดงเจตจำนงของคุณ อย่างไรก็ตามในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับเจตจำนงที่สร้างสรรค์และเสรีภาพทางจิตวิทยาของนักแสดงเริ่มปรากฏให้เห็นซึ่งครั้งหนึ่งเคยแสดงออกมาในแนวคิดที่กว้างขวางมาก - การตีความ,การเข้าใจจิตวิญญาณของงาน การตีความ และการตีความหมายความว่าอย่างไร ใครเป็นคนแรกที่แนะนำคำนี้ยังคงอยู่ในพงศาวดารของประวัติศาสตร์ แต่เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่านักเขียนเพลงและนักข่าวชาวฝรั่งเศสพี่น้อง Marie และ Leon Escudier ดึงความสนใจไปที่คำนี้ในการทบทวน

ในขณะเดียวกันการพัฒนาอย่างรวดเร็วของวัฒนธรรมดนตรีในศตวรรษที่ 19 เรียกร้องให้มีการรวมสถานะของนักแสดงมากขึ้น - นักดนตรีที่จะอุทิศกิจกรรมของเขาในการแสดง ผลงานของคนอื่นมาถึงตอนนี้ก็มีเพลงมากมายที่ผมอยากเล่นและโปรโมตในวงกว้างได้สะสมไว้ การเรียบเรียงเองก็ยาวขึ้นและซับซ้อนมากขึ้นในภาษาและเนื้อสัมผัสของดนตรี ดังนั้น เพื่อที่จะเขียนเพลง เราจึงต้องอุทิศตัวเองให้กับการแต่งเพลงอย่างสร้างสรรค์เท่านั้น และเพื่อที่จะเล่นมันในระดับสูง เราจะต้องฝึกฝนเครื่องดนตรีให้มาก เพื่อพัฒนาระดับเทคนิคที่จำเป็น ถ้าเป็นงานออเคสตรา จะไม่สามารถเล่นในที่สาธารณะได้อีกต่อไปหลังจากการซ้อมเพียงครั้งเดียว ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักเปียโนผู้ไม่มีใครเทียบได้ซึ่งได้รับการยอมรับจากชาวยุโรปผู้รู้แจ้งว่าเป็น "ราชาแห่งเปียโน" ลิซท์ซึ่งอยู่ในช่วงรุ่งโรจน์ในอาชีพทางศิลปะของเขา ได้ออกจากการแสดงเมื่ออายุ 37 ปีเพื่อมุ่งความสนใจไปที่การแต่งเพลงเท่านั้น

สำหรับการทำความเข้าใจการตีความซึ่งเป็นพื้นฐานของกิจกรรมสร้างสรรค์ของศิลปิน ปัญหานี้รุนแรงมากขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 สไตล์การเรียบเรียงกำหนดข้อกำหนดสำหรับรูปลักษณ์ทางจิตวิทยาของนักแสดง นักแต่งเพลงหลายคนเชื่อว่างานนี้

หน้าที่ของศิลปินคือเพียงถ่ายทอดรายละเอียดทั้งหมดที่ผู้สร้างเพลงเขียนไว้อย่างถูกต้องเท่านั้น โดยเฉพาะอย่างยิ่ง I.F. Stravinsky ปฏิบัติตามมุมมองนี้ สามารถพบได้บ่อยมากในปัจจุบัน บางครั้งการตีความก็ถูกแทนที่ด้วยผู้แต่งด้วยแนวคิดเรื่อง "การเรียนรู้" หรือ "เทคนิค" ตัวอย่างเช่น B. I. Tishchenko โดยพื้นฐานไม่เห็นด้วยกับคำว่า "การตีความ": "ฉันไม่ชอบคำว่า "การตีความ" มากนัก: มันรวมถึงการเบี่ยงเบนบางอย่างจากเจตจำนงของผู้เขียน และฉันจำสิ่งนี้ไม่ได้เลย แต่ Vladimir Polyakov เล่น Sonatas ของฉันแตกต่างจากที่ฉันทำ แต่ฉันชอบการแสดงของเขามากกว่าของฉัน ความลับคืออะไร อาจเป็นทักษะทางเทคนิคในระดับที่สูงกว่า: เขาเล่นง่ายกว่าฉัน ฉันต้องเครียด แต่เขารับมือกับทุกสิ่งได้โดยไม่ต้องคิด นี่ไม่ใช่การตีความ แต่เป็นการแสดงที่แตกต่าง และถ้าเขาทำให้ฉันเชื่อฉันก็ยอมรับเขาด้วยความขอบคุณและยินดี” [ออฟสยานกีนาก., 1999. หน้า 146].

อย่างไรก็ตาม เมื่อกว่าร้อยปีที่แล้วเราอาจพบความเข้าใจในประเด็นนี้อีกประการหนึ่ง ซึ่งแสดงโดย A. G. Rubinstein: “ การสืบพันธุ์คือการทรงสร้างครั้งที่สอง ผู้ที่มีความสามารถนี้จะสามารถนำเสนอองค์ประกอบที่ธรรมดาๆ ได้อย่างงดงาม โดยให้สัมผัสถึงสิ่งประดิษฐ์ของเขาเอง แม้แต่ในผลงานของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ เขาก็จะได้พบกับเอฟเฟกต์ที่เขาลืมที่จะชี้ให้เห็นหรือไม่ได้นึกถึง ” [โครีคาโลวา เอ็น. 2521 หน้า 74]. ในขณะเดียวกัน ผู้แต่งก็อนุมัติให้ศิลปินนำอารมณ์ของตัวเองมาใช้ ซึ่งแตกต่างจากการนำเสนอของผู้เขียน (ดังที่ C. Debussy พูดเกี่ยวกับการแสดงของวงเครื่องสายของเขา) แต่เป็นอารมณ์ที่แน่นอนและไม่รบกวนข้อความดนตรี ความเข้าใจในการตีความนี้เป็นลักษณะเฉพาะของบี.เอ. ไชคอฟสกี: “ฉันให้ความสำคัญกับล่ามที่ซื่อสัตย์ต่อ “จดหมาย” ของผู้แต่ง และผู้ที่นำความเข้าใจและความเห็นอกเห็นใจมาด้วย ฉันจะให้คุณ

Mer: Neuhaus และ Sofronitsky ซึ่งแสดง Schumann ต่างก็ซื่อสัตย์ต่อข้อความของผู้เขียน แต่ Schumann ฟังแตกต่างกันอย่างไรใน Neuhaus และ Sofronitsky” [ออฟเซียน-คิน่าก., 2539 หน้า 19].

ปัญหาเสรีภาพทางจิตวิทยา การแสดงเจตจำนงส่วนบุคคล และการพึ่งพาซึ่งกันและกันกับแผนของนักแต่งเพลงทำให้นักแสดงกังวลอยู่ตลอดเวลา ในด้านจิตวิทยาของการแสดงความคิดสร้างสรรค์มีแนวโน้มที่ขัดแย้งกันสองประการที่ยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน: ความตั้งใจอันดับหนึ่งของผู้เขียนในการแสดงหรือลำดับความสำคัญของการแสดงแฟนตาซี การฝึกฝนดนตรีในบุคคลของนักดนตรีที่โดดเด่นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ค่อยๆ (A.G. และ N.G. Rubinshteinov, P. Casals, M. Long, A. Korto ฯลฯ ) ได้พัฒนาทัศนคติที่สมเหตุสมผลทางจิตวิทยาต่อผู้เขียน ข้อความ มากหรือน้อยที่จะรวมทั้งสองแนวโน้มเข้าด้วยกัน โรงเรียนการแสดงของรัสเซียในยุคก่อนการปฏิวัติและโซเวียตมีส่วนร่วมอย่างมีคุณค่า: A. N. Esipova, L. V. Nikolaev, K. N. Igumnov, G. G. Neugauz, L. N. Oborin, D. I. Oistrakh, D. B Shafran ฯลฯ ในโรงเรียนการแสดงในประเทศ a ประเพณีได้พัฒนาการดูแลข้อความของผู้เขียนและความตั้งใจที่สร้างสรรค์ของผู้แต่ง การปฏิบัติยืนยันว่าปัญหาเสรีภาพทางจิตใจของนักแสดงยังคงมีความเกี่ยวข้องมาจนถึงทุกวันนี้

ศิลปะการแสดง- กิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ประเภทหนึ่งซึ่งผลงานที่เรียกว่าความคิดสร้างสรรค์ "หลัก" ถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของระบบสัญญาณบางอย่างและมักมีวัตถุประสงค์เพื่อแปลเป็นเนื้อหาเฉพาะอย่างใดอย่างหนึ่ง ศิลปะการแสดงประกอบด้วยกิจกรรมสร้างสรรค์ ได้แก่ นักแสดงและผู้กำกับที่รวบรวมผลงานของนักเขียนและนักเขียนบทละครบนเวที เวที เวทีละครสัตว์ วิทยุ ภาพยนตร์ โทรทัศน์ ผู้อ่านแปลงานวรรณกรรมเป็นคำพูดที่มีชีวิต นักดนตรี นักร้อง นักดนตรี วาทยากร การทำซ้ำผลงานของนักแต่งเพลง นักเต้นแสดงแผนของนักออกแบบท่าเต้น นักแต่งเพลง นักประพันธ์เพลง

ไม่มีศิลปะการแสดงในทัศนศิลป์ ในสถาปัตยกรรม ในศิลปะประยุกต์ (เว้นแต่จะมีศิลปินประเภทพิเศษเข้ามาเกี่ยวข้อง และใช้คนงานหรือเครื่องจักรในการแปลความคิดนั้นให้เป็นวัสดุ) ความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรม ซึ่งแม้จะมีการสร้างสรรค์ งานสำเร็จรูปที่ผู้อ่านสามารถทำได้ยังคงมีวัตถุประสงค์เพื่อให้ผู้อ่านรับรู้โดยตรง

ศิลปะการแสดงถือเป็นกิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์โดยเนื้อแท้ เนื่องจากไม่ได้ขึ้นอยู่กับการแปลเชิงกลของงานที่ทำไปเป็นรูปแบบอื่น แต่ขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนแปลงซึ่งรวมถึงองค์ประกอบที่สร้างสรรค์เช่นการทำความคุ้นเคยกับเนื้อหาทางจิตวิญญาณของงาน ; การตีความโดยนักแสดงตามโลกทัศน์และตำแหน่งทางสุนทรีย์ของตัวเอง

บ่อยครั้งด้วยเหตุนี้ ผลงานของกวี นักเขียนบทละคร ผู้เขียนบท นักแต่งเพลง และนักออกแบบท่าเต้นจึงได้รับการตีความการแสดงที่แตกต่างกัน ซึ่งแต่ละรายการแสดงถึงการผสมผสานระหว่างการแสดงออกของผู้เขียนและนักแสดง บางครั้งแม้แต่การแสดงของนักแสดงที่มีบทบาทเดียวกันหรือโดยนักเปียโนที่มีรูปแบบเดียวกันก็กลายเป็นการแสดงที่ไม่เหมือนใคร เนื่องจากเนื้อหาที่มั่นคงที่เกิดขึ้นระหว่างการซ้อมจะถูกส่งผ่านการแสดงที่หลากหลายและด้นสดโดยกำเนิดในการแสดงนั้นเอง

ประเภท [ | ]

ศิลปะการแสดงรวมถึงแต่ไม่จำกัดเพียง การเต้นรำ ดนตรี โอเปร่า การละคร มายากล ภาพลวงตา ศิลปะละครใบ้ การบรรยาย การแสดงหุ่นเชิด ศิลปะการแสดง การอ่านออกเสียง การปราศรัย

ดนตรี [ | ]

โรงภาพยนตร์ [ | ]

เต้นรำ [ | ]

เรื่องราว [ | ]

ศิลปะการแสดงเริ่มปรากฏในกระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะอันเป็นผลมาจากการล่มสลายของความคิดสร้างสรรค์คติชนซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือการสร้างสรรค์ผลงานและการแสดงที่แยกจากกันไม่ได้ การเกิดขึ้นของพวกเขายังได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการเกิดขึ้นของวิธีการบันทึกงานวาจาและดนตรีเป็นลายลักษณ์อักษร แม้ว่าในวัฒนธรรมที่พัฒนาแล้วจะมีรูปแบบความคิดสร้างสรรค์แบบองค์รวมอยู่บ้าง โดยที่นักเขียนและนักแสดงเป็นบุคคลเดียวกัน (เช่น ความคิดสร้างสรรค์

กิจกรรมพิเศษทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ซึ่งมีการผลิตเกิดขึ้นจริง ความคิดสร้างสรรค์ "หลัก" บันทึกโดยระบบสัญญาณบางอย่างและมีไว้สำหรับการแปลเป็นเนื้อหาเฉพาะอย่างใดอย่างหนึ่ง เค ฉัน และ. รวมถึงความคิดสร้างสรรค์: นักแสดงและผู้กำกับ การผสมผสานการผลิตบนเวที เวที เวทีละครสัตว์ วิทยุ ภาพยนตร์ โทรทัศน์ นักเขียน นักเขียนบทละคร; ผู้อ่านแปลข้อความวรรณกรรมเป็นคำพูดที่มีชีวิต นักดนตรี - นักร้อง นักดนตรี วาทยกร นักร้องประสานเสียง นักแต่งเพลง; นักเต้นที่รวบรวมความคิดของนักออกแบบท่าเต้น นักแต่งเพลง นักเขียนบท - ด้วยเหตุนี้ฉันและ โดดเด่นในฐานะรูปแบบที่ค่อนข้างอิสระของกิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ซึ่งไม่ได้อยู่ในงานศิลปะทุกประเภท - ไม่ได้อยู่ในวิจิตรศิลป์ สถาปัตยกรรม ศิลปะประยุกต์ (หากจำเป็นต้องแปลแนวคิดเป็นวัสดุ ก็ดำเนินการโดย คนงานหรือเครื่องจักร แต่ไม่ใช่โดยศิลปินประเภทพิเศษ ); ความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมยังสร้างผลงานที่สมบูรณ์ซึ่งในขณะที่ผู้อ่านสามารถแสดงได้ แต่ก็มีจุดประสงค์เพื่อการรับรู้โดยตรงของผู้อ่าน ฉันและ. เกิดขึ้นในกระบวนการพัฒนางานศิลปะ วัฒนธรรมอันเป็นผลมาจากการล่มสลายของความคิดสร้างสรรค์คติชนวิทยา (คติชนวิทยา) ซึ่งโดดเด่นด้วยการสร้างสรรค์และการแสดงที่แบ่งแยกไม่ได้ตลอดจนเนื่องจากการเกิดขึ้นของวิธีการบันทึกงานเขียนด้วยวาจาและดนตรี อย่างไรก็ตามแม้ในวัฒนธรรมที่พัฒนาแล้ว รูปแบบของความคิดสร้างสรรค์แบบองค์รวมยังคงอยู่เมื่อนักเขียนและนักแสดงรวมกันเป็นหนึ่งเดียว (ความคิดสร้างสรรค์เช่น Ch, Chaplin, I. Andronikov, B. Okudzhava, V. Vysotsky ฯลฯ ) ฉันและ. โดยธรรมชาติแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นกิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ เนื่องจากไม่ได้ขึ้นอยู่กับการแปลเชิงกลไกของงานที่กำลังดำเนินการ ลงในวัสดุอื่น

แต่เกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงซึ่งรวมถึงช่วงเวลาที่สร้างสรรค์เช่นการทำความคุ้นเคยกับเนื้อหาทางจิตวิญญาณของงานที่กำลังแสดง การตีความตามโลกทัศน์และตำแหน่งทางสุนทรีย์ของนักแสดง การแสดงออกของทัศนคติของเขาต่อสิ่งที่สะท้อนให้เห็นในงาน ความเป็นจริง และสะท้อนให้เห็นอย่างไร ทางเลือกของศิลปิน หมายถึง การนำการตีความงานที่กำลังดำเนินการไปปฏิบัติอย่างเพียงพอ และจัดให้มีการสื่อสารทางจิตวิญญาณกับผู้ชมหรือผู้ฟัง ดังนั้นการผลิต กวี นักเขียนบทละคร ผู้เขียนบท นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้นได้รับการตีความการแสดงที่แตกต่างกัน ซึ่งแต่ละบทจะรวมการแสดงออกถึงตัวตนของทั้งผู้เขียนและนักแสดงเข้าด้วยกัน นอกจากนี้ การแสดงแต่ละครั้งโดยนักแสดงที่มีบทบาทเดียวกันหรือโดยนักเปียโนที่มีโซนาตาเดียวกันจะมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เนื่องจากเนื้อหาที่คงที่ซึ่งพัฒนาขึ้นในกระบวนการซ้อมนั้นถูกหักเหผ่านเนื้อหาที่หลากหลาย ชั่วขณะ และด้นสด (การแสดงด้นสด) ในการแสดงนั้นเอง ของประสิทธิภาพและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ตัวละครที่สร้างสรรค์ของ I. และ. นำไปสู่ความจริงที่ว่าระหว่างการดำเนินการและการดำเนินการผลิต ความสัมพันธ์ต่าง ๆ เป็นไปได้ - จากการโต้ตอบไปจนถึงความขัดแย้งที่รุนแรงระหว่างพวกเขา ดังนั้นการประเมินการผลิต และ. ผม- เกี่ยวข้องกับการกำหนดไม่เพียงแต่ระดับทักษะของนักแสดงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงระดับความใกล้ชิดของงานที่เขาสร้างขึ้นด้วย ไปที่ต้นฉบับ

วัสดุจาก Uncyclopedia

ผู้แต่งแต่งเพลงโซนาต้า ซิมโฟนี หรือโรแมนติก และเขียนการเรียบเรียงของเขาลงในกระดาษเพลง ดนตรีชิ้นหนึ่งได้ถูกสร้างขึ้น แต่ชีวิตของมันเพิ่งจะเริ่มต้นเท่านั้น แน่นอน คุณสามารถอ่านสิ่งที่เขียนในบันทึกด้วยตาของคุณ “เพื่อตัวคุณเอง” นักดนตรีรู้วิธีการทำเช่นนี้ พวกเขาอ่านโน้ตเหมือนกับที่เราอ่านหนังสือ และฟังเพลงด้วยหูชั้นในในใจ อย่างไรก็ตาม ชีวิตที่สมบูรณ์ของงานดนตรีเริ่มต้นก็ต่อเมื่อนักเปียโนนั่งลงที่เปียโน ผู้ควบคุมวงยกกระบอง เมื่อนักฟลุตหรือนักเป่าแตรยกเครื่องดนตรีขึ้นที่ริมฝีปาก และผู้ฟังนั่งอยู่ในคอนเสิร์ตฮอลล์ โรงละครโอเปร่า หรือที่ บ้าน - ที่วิทยุหรือโทรทัศน์บอกได้เลยว่าเงียบเมื่องานตกไปอยู่ในมือของนักดนตรีที่แสดงและเริ่มส่งเสียง

อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่กรณีเสมอไป กาลครั้งหนึ่งไม่มีการแบ่งแยกผู้แต่งและผู้แสดง ดนตรีบรรเลงโดยผู้แต่ง สถานการณ์นี้ยังคงมีอยู่ในศิลปะพื้นบ้าน ในตอนเย็นของฤดูร้อน คนหนุ่มสาวจะมารวมตัวกันที่ชานเมือง บางคนเริ่มเป็นคนโง่ แต่คนอื่นก็คิดขึ้นมาเองทันทีเพื่อตอบโต้ เขาเป็นเพียงผู้ฟัง และตอนนี้เขาทำหน้าที่เป็นนักเขียนและนักแสดงไปพร้อมๆ กัน

เวลาผ่านไป. ศิลปะดนตรีพัฒนาขึ้น พวกเขาเรียนรู้ที่จะบันทึกเสียง และผู้คนก็ปรากฏว่าใครทำให้การเล่นดนตรีเป็นอาชีพของพวกเขา รูปแบบดนตรีมีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ วิธีการแสดงออกก็มีความหลากหลายมากขึ้น และการบันทึกดนตรีในรูปแบบโน้ตดนตรีก็มีความสมบูรณ์มากขึ้น (ดูโน้ตดนตรี) ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในวัฒนธรรมดนตรีของยุโรป "การแบ่งงาน" ขั้นสุดท้ายเกิดขึ้นระหว่างผู้แต่งกับผู้ที่ต่อจากนี้ไปจะแสดงเฉพาะสิ่งที่เขียนโดยผู้อื่นเท่านั้น จริงอยู่ตลอดศตวรรษที่ 19 มีนักดนตรีอีกหลายคนแสดงดนตรีของตัวเอง นักแต่งเพลงที่โดดเด่นและอัจฉริยะที่โดดเด่น ได้แก่ F. Liszt, F. Chopin, N. Paganini, A. G. Rubinstein และต่อมาในศตวรรษของเรา S. V. Rachmaninov

ถึงกระนั้น การแสดงดนตรีก็เป็นพื้นที่พิเศษของศิลปะดนตรีมายาวนาน ซึ่งผลิตนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมมากมาย ไม่ว่าจะเป็นนักเปียโน ผู้ควบคุมวงดนตรี นักออร์แกน นักร้อง นักไวโอลิน และตัวแทนของนักดนตรีพิเศษอื่น ๆ อีกมากมาย

ผลงานของนักดนตรีที่แสดงเรียกว่าสร้างสรรค์ สิ่งที่เขาสร้างขึ้นเรียกว่าการตีความบทเพลง นักแสดงตีความนั่นคือตีความดนตรีในแบบของเขาเองโดยเสนอความเข้าใจในงานของเขาเอง มันไม่เพียงแค่ทำซ้ำสิ่งที่เขียนไว้ในบันทึกย่อเท่านั้น ท้ายที่สุดแล้ว ข้อความดนตรีไม่มีคำแนะนำที่ชัดเจนและไม่คลุมเครือเช่นนี้ ตัวอย่างเช่นในบันทึกย่อมีคำว่า "มือขวา" - "ดัง" แต่ความดังก้องกังวานก็มีเฉดสีของตัวเองและมีมาตรการในตัวเอง คุณสามารถเล่นหรือร้องเพลงดังมากหรือเงียบกว่าเล็กน้อย และคุณยังสามารถเล่นหรือร้องเพลงดังๆ แต่เบาๆ หรือดังและเด็ดขาด อย่างกระตือรือร้น และอื่นๆ ในรูปแบบต่างๆ มากมาย แล้วคำแนะนำเกี่ยวกับจังหวะล่ะ? ความเร็วของกระแสดนตรีก็มีการวัดในตัวของมันเอง และเครื่องหมาย "เร็ว" หรือ "ช้า" เป็นเพียงแนวทางทั่วไปเท่านั้น อีกครั้งที่นักแสดงจะต้องกำหนดการวัด "เฉดสี" ของจังหวะ (แม้ว่าจะมีอุปกรณ์พิเศษสำหรับการตั้งค่าจังหวะ - เครื่องเมตรอนอม)

ศึกษาข้อความดนตรีของการเรียบเรียงอย่างระมัดระวังโดยพยายามทำความเข้าใจว่าผู้เขียนต้องการแสดงอะไรในดนตรีนักแสดงจะแก้ปัญหาที่ต้องการให้เขามีทัศนคติที่สร้างสรรค์ร่วมกันต่อการแต่งเพลง แม้ว่าเขาต้องการสร้างดนตรีขึ้นมาใหม่ตรงตามที่ผู้แต่งจินตนาการและเสียงในตอนแรก เขาก็ทำสิ่งนี้ไม่ได้ เมื่อเครื่องดนตรีดีขึ้น เงื่อนไขในการแสดงก็เปลี่ยนไป เช่น เสียงดนตรีในร้านเสริมสวยขนาดเล็กหรือคอนเสิร์ตฮอลล์ขนาดใหญ่จะแตกต่างออกไป รสนิยมและมุมมองทางศิลปะของผู้คนไม่เปลี่ยนแปลง หากนักแสดงสนใจดนตรีร่วมสมัย เขาจะแสดงความเข้าใจในเนื้อหาในเกมอย่างแน่นอน การตีความของเขาจะสะท้อนถึงรสนิยมของเขา ระดับความเชี่ยวชาญในทักษะการแสดง ความเป็นปัจเจกบุคคลของเขาก็จะสะท้อนให้เห็น และยิ่งบุคลิกภาพของศิลปินมีความสำคัญและยิ่งใหญ่มากขึ้นเท่าใด การตีความของเขาก็จะยิ่งน่าสนใจยิ่งขึ้น สมบูรณ์ยิ่งขึ้น และลึกซึ้งยิ่งขึ้นเท่านั้น ดังนั้นเพลงชิ้นหนึ่งที่เล่นซ้ำซ้ำแล้วซ้ำอีกจึงได้รับการตกแต่งปรับปรุงและคงอยู่อย่างต่อเนื่องเหมือนที่เคยเป็นในเวอร์ชันการแสดงหลาย ๆ ฟังว่าการเรียบเรียงเพลงเดียวกันฟังดูแตกต่างกันอย่างไรเมื่อแสดงโดยศิลปินหลายๆ คน สิ่งนี้สังเกตได้ง่ายโดยการเปรียบเทียบการบันทึกบนแผ่นเสียงของท่อนเพลงที่ตีความโดยนักแสดงหลายคน และศิลปินคนเดียวกันก็ไม่ได้เล่นผลงานชิ้นเดียวกันในลักษณะเดียวกัน ทัศนคติของเขาที่มีต่อเธอแทบจะไม่เปลี่ยนแปลงเลย

ในโลกศิลปะการแสดง หนึ่งในสถานที่ชั้นนำเป็นของโรงเรียนโซเวียต นักดนตรีในประเทศของเราเช่นนักเปียโน E. G. Gilels และ S. T. Richter นักไวโอลิน D. F. Oistrakh และ L. B. Kogan นักร้อง E. E. Nesterenko และ I. K. Arkhipova และคนอื่น ๆ อีกมากมายได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก . นักดนตรีรุ่นเยาว์ชาวโซเวียตได้รับชัยชนะซ้ำแล้วซ้ำอีกและยังคงได้รับชัยชนะอันน่าเชื่อในการแข่งขันระดับนานาชาติ ความซื่อสัตย์ การแสดงออกและการตีความเชิงลึก ทักษะทางเทคนิคระดับสูง และการเข้าถึงผู้ฟังที่หลากหลายทำให้ศิลปะของนักแสดงโซเวียตโดดเด่น

โปครอฟสกี้ อังเดร วิคโตโรวิช .

นักศึกษาปริญญาโทที่มหาวิทยาลัยวัฒนธรรมและศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ศิลปะการแสดง

คำอธิบายประกอบ: บทความนี้กล่าวถึงประเด็นของศิลปะการแสดงในฐานะสาขาศิลปะรองที่แยกจากกัน: คุณลักษณะของโลกแห่งศิลปะตามวัตถุประสงค์และโลกส่วนตัวของนักแสดง ขั้นตอนการทำงานของนักแสดงในการทำความเข้าใจความเป็นจริงทางศิลปะ

คำสำคัญ: ศิลปะการแสดง การร้องเพลง ดนตรี การละคร วัฒนธรรม ความคิดสร้างสรรค์ จิตวิทยาศิลปะ

โปครอฟสกี้ เอ.วี. .

สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยวัฒนธรรมและศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ศิลปะการแสดง

เชิงนามธรรม: ในบทความนี้ถือเป็นคำถามเกี่ยวกับศิลปะการแสดงเป็นสาขาที่แยกจากศิลปะรอง: คุณลักษณะของโลกวัตถุประสงค์ของศิลปะและโลกส่วนตัวของผู้บริหารขั้นตอนของการทำงานของผู้บริหารในการทำความเข้าใจศิลปะของ ความเป็นจริง

คำสำคัญ: ศิลปะการแสดง การร้องเพลง ดนตรี การละคร วัฒนธรรม ความคิดสร้างสรรค์ จิตวิทยาศิลปะ

สำหรับมือสมัครเล่นที่ไม่มีประสบการณ์ ศิลปะของนักแสดงดูเหมือนเรียบง่ายและไม่มีพื้นฐานทางปรัชญาหรือพื้นฐานอื่นๆ ในความเป็นจริง มีกระบวนทัศน์ทางปรัชญาที่ซับซ้อนอยู่เบื้องหลัง ซึ่งผู้ชมหรือผู้ฟังที่มีประสบการณ์สามารถค้นพบได้ในงานศิลปะของนักแสดงที่ยอดเยี่ยม

ดยัตลอฟ ดี.

ศิลปะการแสดงถือกำเนิดขึ้นในช่วงเริ่มต้นของวัฒนธรรมของมนุษย์ และเฉพาะในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น ศิลปะการแสดงจึงกลายเป็นความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทหนึ่งที่เป็นอิสระ และถือเป็นหนึ่งในเครื่องมือที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมในปัจจุบัน การศึกษาการแสดงในปัจจุบันเป็นเพียงส่วนเล็กๆ ของจำนวนการศึกษาเกี่ยวกับประเด็นทางศิลปะทั้งหมด ผลงานที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้เน้นประเด็นทั่วไปหรือตรวจสอบผลงานของปรมาจารย์ในสาขาศิลปะต่างๆ เป็นหลัก บทความนี้จะกล่าวถึงสิ่งที่ยังดูลึกลับในการทำงานของกลไกการแสดงและทำให้เกิดความยากลำบากอย่างมากในการศึกษาคือการพิจารณาศิลปะการแสดงเป็นพื้นที่แยกต่างหากของปัญหาศิลปะรองในกระบวนการกิจกรรมทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ .

หัวข้อนี้เกี่ยวข้องกับการพิจารณาโดยละเอียดเพิ่มเติมในประเด็นต่อไปนี้: คุณลักษณะของการมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างโลกแห่งศิลปะและโลกแห่งอัตนัยของศิลปินที่แสดง หลักการพื้นฐานและรูปแบบศิลปะการแสดง คุณสมบัติของการเสริมซึ่งกันและกันระหว่างผู้แต่งและนักแสดง ขั้นตอนการทำงานของนักแสดงในการทำความเข้าใจความเป็นจริงทางศิลปะ

ศิลปะการแสดงสมัยใหม่ถือกำเนิดและพัฒนามาเป็นเวลานานในส่วนลึกของหลักคำสอนของคริสตจักร สิ่งนี้ทิ้งรอยประทับพิเศษให้กับประเพณีการแสดงมืออาชีพทั้งหมด ซึ่งเป็นเวลาหลายศตวรรษผสมผสานการเข้าถึงที่กว้างขวางและเนื้อหาที่ลึกซึ้ง มาพร้อมกับความซับซ้อนของความเป็นมืออาชีพที่เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง ศิลปะการแสดงในปัจจุบันมีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ถูกกำหนดให้เป็นกระบวนการทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ที่ยืดหยุ่นและหลากหลายแง่มุมสำหรับการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะขึ้นมาใหม่โดยใช้วิธีการของศิลปะเกือบทุกประเภท การแสดงเป็นโครงสร้างที่ซับซ้อนที่ผสมผสานศิลปะต่างๆ และก่อให้เกิดความเป็นจริงทางศิลปะแบบใหม่

แม้ว่าศิลปะทุกประเภทจะมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิดและได้รับการหล่อเลี้ยงจากแหล่งเดียว - ชีวิต แต่ความเฉพาะเจาะจงของศิลปะการแสดงนั้นชัดเจนเมื่อเปรียบเทียบศิลปะเช่นจิตรกรรมโดยที่ผู้แต่งและนักแสดงเป็นคนเดียวกันและดนตรี โดยที่องค์ประกอบและประสิทธิภาพของงานเป็นกระบวนการที่แตกต่างกันโดยแยกจากกันตามเวลา หลักงาน ศิลปะการแสดง - การไกล่เกลี่ยระหว่างผู้เขียนซึ่งบันทึกการสร้างของเขาโดยใช้แผนหรือระบบสัญญาณบางอย่างกับผู้ชม (ผู้ฟัง) นั่นคือการเจาะเข้าไปในความคิดของผู้เขียนและการทำซ้ำโดยวิธีที่ผู้ชมสามารถเข้าถึงได้

ความคิดสร้างสรรค์จะปรากฏออกมาเสมอเมื่อมีการสื่อสารระหว่างบุคคลซึ่งขึ้นอยู่กับ "การประชุม" ในขณะที่มีกิจกรรมทางศิลปะเกิดขึ้น ปัจจุบัน เป็นไปได้ที่จะทำซ้ำข้อความวรรณกรรมหรือสัญลักษณ์เสียงดนตรีโดยใช้อุปกรณ์ทางเทคนิค อย่างไรก็ตาม เนื่องจากบุคคลที่มีชีวิตมีส่วนร่วมในกระบวนการนี้ บุคลิกภาพของเขาจึงมีความสำคัญต่อผลลัพธ์สุดท้ายของกิจกรรมประเภทนี้ ทุกคนรู้ตัวอย่างของนักแสดงที่ดีและไม่ดี: นักดนตรี นักร้อง นักอ่าน และนักแสดง เพลงชิ้นเดียวกันหรือบทบาทละครในการแสดงที่แตกต่างกันจะฟังดูแตกต่างกัน และความเข้มแข็งของผลกระทบต่อผู้ชมก็จะแตกต่างกันเช่นกัน บทบาทสำคัญในที่นี้แสดงโดยทักษะของนักแสดง: ความชำนาญในวิธีการ เทคนิค และวิธีการแสดงออกที่ช่วยให้คุณสามารถทำซ้ำสไตล์และภาพใดๆ

ศิลปะของนักแสดงมีความซับซ้อนและหลากหลายแง่มุม โดยปกติจะประกอบด้วยละคร ดนตรี ละคร และการเต้นรำ นักแสดงมักเป็นศิลปินที่ฝึกฝนและตีความศิลปะเหล่านี้ใหม่ ในเวลาเดียวกัน สิ่งสำคัญไม่เพียงแต่จะต้องเก่งในงานศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่งเท่านั้น แต่ต้องมีพื้นฐานทางทฤษฎีขนาดใหญ่ที่จำเป็นในการทำความเข้าใจและถ่ายทอดความคิดของคุณไปยังผู้ฟังหรือผู้ชมอย่างชัดแจ้ง นักแสดงมืออาชีพจะต้องมีคุณสมบัติทางจิตอารมณ์และสุนทรียศาสตร์ที่ซับซ้อน: ความมั่นคงทางอารมณ์และจิตใจ ความสามารถในการมีสมาธิ ภูมิคุ้มกันต่อสิ่งระคายเคือง ฯลฯ การครอบครองสิ่งที่ซับซ้อนนี้มีความสำคัญอย่างไม่มีที่สิ้นสุดเนื่องจากการไม่มีคุณสมบัติอย่างใดอย่างหนึ่งเหล่านี้สามารถระบุลักษณะของศิลปินได้ชัดเจนกว่าการมีอยู่ของสิ่งอื่นใดและยังทำให้อาชีพศิลปินมืออาชีพเป็นไปไม่ได้อีกด้วย นอกจากนี้ ชุดทักษะทางวิชาชีพก็มีความสำคัญเช่นกัน เช่น ความเชี่ยวชาญด้านเทคโนโลยี ความรู้สึกของสไตล์และรูปแบบ (ความสามารถในการจับภาพทั้งหมดและในเวลาเดียวกันก็สร้างรายละเอียดที่เล็กที่สุด) ความสามารถในการคิดสังเคราะห์ความสำเร็จทางศิลปะทั้งหมด สมาธิภายในที่ไปพร้อมกับอารมณ์ที่ฉุนเฉียว แน่นอนว่าคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของนักแสดงก็คือการคิดเชิงศิลปะ ความชัดเจนในการดำเนินการขั้นสูงสุด นี่ไม่ใช่แค่การคำนวณที่แม่นยำเท่านั้น แต่ยังเป็นการคิดเชิงบูรณาการเชิงอินทรีย์ที่รวมเอาทั้งการคำนวณและการสร้างแรงบันดาลใจเข้าด้วยกัน

ตั้งแต่สมัยโบราณ ศิลปะถือเป็นผลงานรวมของภาพสูงสุดทั้งหมดที่ถือกำเนิดขึ้นในจิตใจของมนุษย์ ระดับการพัฒนาทางจิตวิญญาณของอารยธรรมจะแตกต่างออกไปหากไม่มีศิลปะ เป้าหมายหลักของนักแสดงในกระบวนการนี้คือการถ่ายทอดเนื้อหาทางศิลปะของงานโดยพยายามเข้าใกล้ความสูงทางจิตวิญญาณที่ผู้เขียนเปิดเผยในงานของเขามากขึ้นโดยรวมเอาความเที่ยงตรงของสิ่งที่ปรากฎเข้ากับการมองเห็นของเขาเอง

ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของนักแสดงควรได้รับการบำรุงเลี้ยงอย่างล้นหลามจากงานอดิเรกหลายด้านของเขา เช่น วรรณกรรม ภาพวาด การละคร ประวัติศาสตร์ ดนตรี ฯลฯ การดำเนินการที่สำคัญที่สุดของการคิดทางศิลปะคือกระบวนการค้นพบความคล้ายคลึงกันในสิ่งที่แตกต่างกัน เช่นเดียวกับสิ่งที่แตกต่างกันในสิ่งที่คล้ายคลึงกัน ในการคิดทางศิลปะที่พัฒนามากขึ้น กระบวนการนี้มีความซับซ้อนมากขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ เนื่องจากการเปิดเผยทางอุดมการณ์ของศิลปิน ธรรมชาติของการสารภาพประสบการณ์ของเขา ความคลุมเครือของความคิดทางศิลปะของเขา ภาพรวมของประสบการณ์ชีวิต และการเปลี่ยนแปลงของความเป็นจริง

ไม่ว่าเขาจะต้องการมันหรือไม่ก็ตาม นักแสดงก็แสดงออกถึงตัวตนทั้งหมดของเขา แรงบันดาลใจและค่านิยมส่วนตัวของเขาจากเวที ซึ่งถูกเปิดเผยในรูปแบบของผลงาน ในด้านหนึ่ง เราขยายการดำรงอยู่ของเราโดยการใช้ชีวิตผ่านเหตุการณ์ที่ไม่ได้เกิดขึ้นกับเราและไม่สามารถเกิดขึ้นได้ และเราเสริมสร้างประสบการณ์ทางศิลปะและบางครั้งชีวิตของเรา ในทางกลับกัน เมื่อเข้าสู่โลกอื่น เราค้นพบความเป็นไปได้ลึกลับของการสนทนาอย่างใกล้ชิดกับแก่นแท้ของชีวิตที่อาศัยอยู่ในงาน การสัมผัสชั้นที่ลึกที่สุดของชีวิตนอกวัตถุทำให้เกิดการตอบสนองที่สะท้อนในตัวเรา ซึ่งปรากฏชัดในแถลงการณ์ กลายเป็นคำสารภาพ นี่คือสิ่งที่ทุกคนคาดหวังจากงานศิลปะ: ความจริงใจของผู้เขียนและคำสารภาพของนักแสดง เพราะถึงแม้ข้อเท็จจริงที่ว่าการแสดงมืออาชีพในยุคปัจจุบันจะย้ายจากวัดมาสู่สถานที่ฆราวาส ศิลปะจนถึงทุกวันนี้ยังคงรักษาจิตวิญญาณแห่งความอิ่มเอมใจเหนือชีวิตประจำวัน ความปรารถนาที่จะรับรู้โลกในอุดมคติอันประเสริฐ ซึ่งถูกกำหนดครั้งแรกภายใต้ อิทธิพลโดยตรงของบรรยากาศวัด

กิจกรรมสร้างสรรค์ที่มีการจัดระเบียบอย่างดีของนักแสดงตามข้อความของผู้เขียนคือระดับของการคิดเชิงศิลปะซึ่งรวมถึงการสร้างแนวคิดใหม่ ๆ ในด้านหนึ่งและอีกด้านหนึ่งคือการผลิตซ้ำเนื้อหาหลักอย่างถูกต้อง กระบวนการนี้เป็นไปไม่ได้หากปราศจากความสามารถในการค้นหาวิธีแก้ปัญหาใหม่ๆ โดยมองเห็นความสมบูรณ์ในสิ่งที่กำลังเปลี่ยนแปลงและสิ่งที่ได้รับอันเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลง

แนวทางการแสดงที่สร้างสรรค์ก็เป็นไปไม่ได้เช่นกันหากไม่มีการคิดเชิงจินตนาการเชิงศิลปะ ปราศจากสัญชาตญาณ ปราศจากสภาวะทางอารมณ์ หากไม่มีกิจกรรมเชิงประเมิน บทบาทเชิงบวกในการคิดทางศิลปะนั้นเกิดจากการมีวิสัยทัศน์ของหลักสูตรทางเลือกในการพัฒนาความคิด การคิดและการทำงานร่วมกับสมาคมในหัวข้อที่กำหนด เป็นผลให้มีการพัฒนาเครือข่ายการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการเคลื่อนไหวทางความคิดอย่างอิสระ ในระยะเริ่มต้นของการทำงาน มักจะมีเวอร์ชันต่างๆ มากมายที่พร้อมจะ "เล่นผ่าน" และสถานการณ์จำลองในการแก้ปัญหา ซึ่งท้ายที่สุดแล้วจะให้ผลลัพธ์ที่ประสบผลสำเร็จมากขึ้น สิ่งสำคัญในกระบวนการนี้คือศิลปินที่แสดง -เมตา-ปัจเจกบุคคล . เขาตระหนักถึงตัวเองเป็นทั้งส่วนรวมและเป็นส่วนหนึ่งของส่วนรวมอื่นที่เขาโต้ตอบด้วย การเอาใจใส่อย่างเต็มที่เท่านั้นจึงจะเกิดความเห็นอกเห็นใจได้ เฉพาะในกรณีนี้เท่านั้นที่ "ศิลปะเกิดขึ้น" และบทกวีของการแสดงก็ถูกสร้างขึ้น

เช่นเดียวกับศิลปินอื่นๆ นักแสดงมีข้อจำกัด จำกัดในแบบของตัวเอง: ตามรูปแบบของงานและประเพณีในการแสดง เช่นเดียวกับที่จิตรกรไอคอนสร้างขึ้น ซึ่งถูกจำกัดด้วยรูปแบบของหลักการ นักแสดงก็ไม่ได้ถูกจำกัดในงานของเขาด้วย "ลักษณะรอง" ที่มีชื่อเสียงเช่นกัน ในกระบวนการทำงาน หน้าที่หลักของนักแสดงไม่ใช่การ "เปิดเผย" ความตั้งใจของผู้เขียนมากนัก แต่เป็นการค้นหาความจริงที่มีอยู่ในปัจจุบัน เส้นบางๆ ที่แยกของแท้ออกจากสิ่งที่คล้ายกัน ของแท้จากภาพลวงตา ชีวิตจากการเลียนแบบชีวิต มักจะผ่านไม่ได้สำหรับนักแสดง เพื่อรับมือกับความยากลำบากในการรวบรวมภาพหรือผลงาน เป็นสิ่งสำคัญที่นักแสดงจะต้องเชี่ยวชาญวิธีการแสดงศิลปะและลักษณะเฉพาะของภาษาที่แสดงอย่างถี่ถ้วน

วิธี (ภาษากรีก “เส้นทาง การติดตาม”) เป็นวิธีการเพื่อให้บรรลุเป้าหมาย ซึ่งเกี่ยวข้องกับชุดของเทคนิคและวิธีการ ในฐานะประเภทของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ วิธีการแสดงศิลปะประกอบด้วยแนวคิดต่างๆ เช่น การตีความ ภาษาที่ใช้ในการแสดง สัญชาตญาณ และความเห็นอกเห็นใจ

การแสดงภาษา คือภาษาแห่งหัวใจของนักแสดง ภาษาแห่งจิตวิญญาณ ที่เขาสื่อสารกับผู้ฟัง ข้อความของผู้เขียนต้นฉบับถูกใช้เป็นผืนผ้าใบซึ่งเต็มไปด้วยเฉดสีและความแตกต่างของทัศนคติส่วนบุคคล การรับรู้ และทัศนคติ เฉดสีเหล่านี้มีเอกลักษณ์เฉพาะสำหรับเราแต่ละคน และขึ้นอยู่กับความลึกของจิตวิญญาณที่หัวใจของเราจะจมดิ่งลงไปได้ ภาษาการแสดงถือเป็นชุดของการแสดงออกและการมองเห็น ซึ่งเป็นคลังแสงแห่งความเป็นไปได้ที่ระบบศิลปะมีในขั้นตอนของการพัฒนาอารยธรรม นี่เป็นภาษาประเภทใด? คุณสมบัติของมันคืออะไร? เขาใช้วิธีแสดงออกแบบใด? มันทำให้ภาษาของงานต้นฉบับดีขึ้นหรือแย่ลงอย่างไร? ความเฉพาะเจาะจงของผลกระทบต่อผู้ชมคืออะไร?

วิธีแสดงออกของนักแสดงเป็นเครื่องมือที่ละเอียดอ่อน บางครั้งยากต่อการรับรู้ด้วยจิตสำนึกภายนอก เช่น น้ำเสียง จังหวะ ท่าทาง หรือการแสดงออกทางสีหน้า ซึ่งเราสามารถใส่ทัศนคติของตนเองต่อการกระทำ ความคิด หรือความรู้สึกได้ ในเวลาเดียวกัน แน่นอนว่า การอยู่ใต้บังคับบัญชาของภาษาการแสดงอย่างไม่มีเงื่อนไขเพื่อเป้าหมายทางศิลปะโดยเฉพาะ กล่าวคือ การตีความภาพลักษณ์ทางศิลปะ

การตีความ เป็นวิธีการตีความงานทางศิลปะอันเป็นผลมาจากกิจกรรมการแสดงที่ปรากฏในกระบวนการเชื่อมโยงระหว่างเวลา: ประวัติศาสตร์และปัจจุบัน คำนี้ถูกนำมาใช้ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 และเป็นแนวคิดหลักในศิลปะการแสดงในปัจจุบัน

งานไม่ทางใดก็ทางหนึ่งบันทึกชีวิตและประสบการณ์ทางศิลปะของผู้เขียนซึ่งเป็น "เหตุการณ์สำคัญ" ของช่วงเวลาที่เข้มข้นที่สุดในชีวิตของเขา “เนื้อผ้า” ทั้งหมดของงาน โครงสร้างของข้อความ รูปภาพกราฟิกที่ปรากฏต่อเราในรูปแบบของข้อมูลที่บอกผู้รับถึงสิ่งที่เฉพาะเจาะจงมาก นักแสดงที่ตีความข้อมูลนี้ไม่ได้ด้อยไปกว่าผู้เขียนเลยในแง่ของพลังแห่งผลกระทบทางจิตวิญญาณและสุนทรียศาสตร์ เขาเป็นผู้สร้างพอๆ กับจิตรกร นักแต่งเพลง นักเขียน หรือกวี แม้ว่านักแสดงจะถูกจำกัดด้วยข้อความและถูกบังคับให้พูดภาษาของผู้เขียน แต่เขาไม่ใช่คนตาบอดในเจตจำนงของผู้เขียน เนื่องจากเขายังมีภาษาการแสดงของเขาเองที่เขาสื่อสารกับผู้ชม ซึ่งเติมเต็มข้อความของผู้เขียน ข้อความข้อมูลที่มีพลังแห่งการตีความ

การตีความเกิดขึ้นในใจของนักแสดงในกระบวนการสร้างแนวคิดของตนเองและเลือกวิธีการแสดงที่จำเป็นสำหรับการทำให้เป็นจริง ไม่ใช่ทุกสิ่งทุกอย่างที่เกิดจากการตีความการแสดงจะเกิดขึ้นอย่างมีสติ โดยเฉพาะในการแสดงสด ความเป็นธรรมชาติ การแสดงออกโดยธรรมชาติ ความคาดเดาไม่ได้ และแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ของนักแสดง มักมาจากจิตใต้สำนึก ซึ่งมาจากแหล่งที่ไม่มีเหตุผล ดังนั้นนักแสดงจึงนำการตีความคุณลักษณะของบุคลิกลักษณะเฉพาะที่สร้างสรรค์ของเขาเองมาตีความอย่างแน่นอนโดยอ่านความตั้งใจของผู้เขียนในแบบของเขาเอง อย่างไรก็ตาม การตีความของนักแสดงมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ไม่ควรแตกต่างหรือขัดแย้งกับเจตนาของผู้เขียน

เพื่อให้บรรลุเป้าหมาย ศิลปินที่แสดงจะปฏิบัติตามขั้นตอนหลักของกระบวนการสร้างสรรค์ งานนี้ประกอบด้วย: ความคุ้นเคยกับงาน ประวัติ และมุมมองด้านสุนทรียภาพของผู้เขียน คลี่คลายความตั้งใจของผู้เขียน ค้นหาโครงสร้างทางอารมณ์ที่เหมาะสมในสภาวะที่กำหนด การระบุข้อความย่อยเชิงความหมายทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ การแนะนำองค์ประกอบสร้างสรรค์และโซลูชั่นทางศิลปะใหม่ๆ เข้าสู่งาน การเพิ่มคุณค่าของงาน (ภาพศิลปะ) ด้วยสถานะสร้างสรรค์พิเศษของนักแสดง ค้นหาวิธีการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจง ในกระบวนการทำงาน (ภาพลักษณ์) สิ่งสำคัญคือนักแสดงจะต้องมีความไว้วางใจในประสบการณ์และปรีชา .

การอ่านและทำความเข้าใจต้นฉบับใหม่ถือเป็นการแสดงความเห็นอกเห็นใจอย่างสร้างสรรค์ต่อความรู้สึกของผู้เขียน ในเวลาเดียวกัน กระบวนการสร้างสรรค์มักไม่ได้ถูกควบคุมโดยโครงสร้างหรือรูปแบบ แต่โดยจินตนาการและสัญชาตญาณซึ่งสามารถเจาะขอบเขตของจิตสำนึกได้ ในปัจจุบันทางวิทยาศาสตร์ยังไม่มีความเข้าใจร่วมกันว่าสัญชาตญาณคืออะไร ลักษณะและกลไกการออกฤทธิ์ของมันคืออะไร

กิจกรรมตามสัญชาตญาณของศิลปินที่แสดงน่าจะเกี่ยวข้องกับการประสานกันเป็นสาขาหนึ่งของวิทยาศาสตร์ที่ศึกษากลไกของการสร้างโครงสร้างและระบบใหม่ด้วยตนเองตั้งแต่ภาพเบื้องต้นและภาพทางจิตไปจนถึงแนวคิดที่ซับซ้อนมากขึ้น นักปรัชญานักจิตวิทยาและนักประวัติศาสตร์ศิลป์หลายคนได้ศึกษาประเด็นของสัญชาตญาณ: I. Kant, F. Schelling, A. Bergson, B. Croce, F. Asmuw, L. Vygotsky, B. Tepos, Y. Ponorev, A. Nalchadzhyan, อ. คิตรัก , ก. ดาดอมยาน, อ. นิคติน. เป็นต้น อย่างไรก็ตาม ตามที่ Mario Bunge กล่าวไว้ แนวคิดเรื่องสัญชาตญาณในปัจจุบันนั้นมาจาก "การสะสมขยะ" ซึ่งรวบรวมกลไกทั้งหมดที่เราไม่มีความคิดที่ถูกต้อง แม้ว่าผู้เขียนและนักแสดงหลายคนยอมรับว่า มันเป็นสัญชาตญาณซึ่งเป็นความเข้าใจเชิงสร้างสรรค์ที่เป็นพื้นฐานของกระบวนการสร้างสรรค์ทั้งหมด

ความรู้ที่หยั่งรู้โดยสัญชาตญาณมักเกิดในรูปแบบของการคาดเดาที่ไม่คาดคิด ซึ่งเป็นแผนภาพสัญลักษณ์ที่คาดเดาได้เฉพาะรูปทรงของงานในอนาคตเท่านั้น

สัญชาตญาณมีสองประเภท:

ตรรกะ – ไม่ละเมิดตรรกะของความรู้ที่กำหนดไว้ สัญชาตญาณดังกล่าวเกิดขึ้นจากห่วงโซ่ของการอนุมาน ลักษณะทั่วไป และการเปรียบเทียบ สัญชาตญาณประเภทนี้เรียกว่า "สัญชาตญาณ-เดา" หรือ "สัญชาตญาณ-คาดหวัง" สัญชาตญาณนี้ประกอบด้วยการคาดเดาผลลัพธ์ ซึ่งได้รับการยืนยันอย่างต่อเนื่องด้วยการพิสูจน์เชิงตรรกะ

ไม่มีเหตุผล – ขัดแย้งกับมุมมองที่กำหนดไว้และระบบความรู้ทางวิทยาศาสตร์ สัญชาตญาณประเภทนี้ดูเหมือนจะทำลายระบบการตัดสินแบบเก่า ก่อให้เกิดปัญหาใหม่ และให้คำอธิบายอื่น ๆ เกี่ยวกับความผิดปกติและความขัดแย้งของทฤษฎีที่มีอยู่

สัญชาตญาณทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ "ผสาน" ทางความรู้สึกและตรรกะ จิตใต้สำนึก และจิตสำนึกให้เป็นหนึ่งเดียว เงื่อนไขในการเริ่มต้นสัญชาตญาณในศิลปะการแสดงคือความสัมพันธ์ในระดับสูงระหว่างมนุษย์กับศิลปะ การคิดเชิงศิลปะ และความเชี่ยวชาญในกลไกของการทำกิจกรรมสร้างสรรค์

ด้วยการติดต่อกับผลงานของผู้เขียน นักแสดงได้ขยายขอบเขตของการดำรงอยู่ของเขา รวมถึงประสบการณ์ชีวิตของผู้อื่นในชีวิตของเขาเองด้วย ในการที่จะเข้าไปมีส่วนร่วมในรัฐที่ก่อให้เกิดประสบการณ์ทางศิลปะในขั้นต้น บุคลิกภาพของนักแสดงจะต้อง “สะท้อน” กับบุคลิกภาพของผู้เขียน มันถูกเรียกว่าความสามารถในการเอาใจใส่ หากปราศจากสิ่งนี้ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะได้รับผลลัพธ์ใหม่ในงานศิลปะ นักแสดงเกี่ยวข้องกับงานวิเคราะห์ว่าสิ่งที่เขาแสดงสอดคล้องกับจิตวิญญาณของเขาอย่างไรและด้วยเหตุนี้จึงสร้างความสัมพันธ์กับภาพลักษณ์ทางศิลปะที่สร้างขึ้น

การแสดงความเห็นอกเห็นใจนั้นดำเนินการในการถอดรหัสความคิดของผู้เขียนและสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะที่เป็นอิสระ ดังนั้นกระบวนการที่ตรงกันข้ามกับผู้เขียนจึงเกิดขึ้น ความคิดของผู้เขียนมักเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของผู้มีอำนาจเหนือศิลปะ ในทางตรงกันข้าม ในด้านศิลปะการแสดง รูปภาพที่สร้างขึ้นจะทำให้สมาคมศิลปะพิเศษมีชีวิตขึ้นมา นั่นคือการค้นพบเชิงสร้างสรรค์ของนักแสดงไม่ได้เกิดขึ้นอย่างมีเหตุผล แต่อยู่บนพื้นฐานของความเห็นอกเห็นใจ ด้วยเหตุนี้เราจึงรู้สึกถึงความจริงของตัวละครและภาพของผู้เขียน แม้ว่าเราจะพิสูจน์ไม่ได้ก็ตาม

อย่างไรก็ตาม อาจเป็นความผิดพลาดหากคิดว่าความเห็นอกเห็นใจจะนำไปสู่การค้นพบทางศิลปะโดยอัตโนมัติ มันเป็นเพียงเงื่อนไขทางเทคนิคสำหรับการสร้างสรรค์ซึ่งจำเป็นในขั้นตอนหนึ่งของการทำงานกับงานของผู้เขียน "ความรู้สึก" และการคงอยู่ของจิตใจในเนื้อหาหลักเมื่อรวมเข้าด้วยกันเป็นการรับประกันความน่าเชื่อถือของข้อมูลที่ได้มา ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่พวกเขากล่าวว่านักแสดงคือผู้อ่านที่เข้าใจมากที่สุด และนักดนตรีคือผู้ฟังที่รู้สึกขอบคุณมากที่สุด ความสามารถในการเอาใจใส่ช่วยให้นักแสดงสัมผัสถึงแก่นแท้ที่ซ่อนอยู่ในสสารผ่านฟิสิกส์ จิตใจ สติปัญญา ความรู้สึก และการไตร่ตรอง เพื่อประโยชน์ในการสร้างสรรค์งานศิลปะใดๆ ก็ตาม

เมื่อสรุปการอภิปรายเกี่ยวกับศิลปะการแสดง ดูเหมือนเป็นเรื่องสำคัญที่จะต้องเน้นย้ำถึงความสำคัญของบุคลิกภาพของนักแสดงในกระบวนการนี้อีกครั้ง ตลอดจนความเชี่ยวชาญในกลไกทั้งหมดของกิจกรรมสร้างสรรค์และภาษาของศิลปะการแสดงของเขา ต้องจำไว้ว่าการแสดงที่อ่อนแอทางศิลปะสามารถลบล้างข้อดีของงานได้ ในขณะที่การแสดงที่ยอดเยี่ยมสามารถก้าวข้ามและตกแต่งมันได้ ความสามารถในการ "กลับชาติมาเกิด" ควรมาพร้อมกับความปรารถนาที่จะไปกับผู้เขียนตลอดเส้นทางแห่งการสร้างสรรค์และไม่ใช่การล้อเลียนสัญญาณภายนอกของสไตล์ของผู้เขียนและยุคของเขา นักแสดงจะต้องจดจำตัวเองโดยรวมและเป็นส่วนหนึ่งของสิ่งอื่นที่เขาโต้ตอบไปพร้อมๆ กัน

หลักการพื้นฐานของศิลปะการแสดงคือการดำเนินการตามข้อความของผู้เขียนอย่างเข้มงวดโดยไม่ต้องแนะนำรายละเอียดส่วนบุคคลและในขณะเดียวกันก็สามารถรักษาตัวเองได้ เมื่อตีความและสร้างงานขึ้นมาใหม่ นักแสดงจะต้องเกินขอบเขตความสามารถของตนในแต่ละครั้ง โดยกำหนดภารกิจพิเศษบางอย่างให้กับตัวเอง มิฉะนั้นภาพทางศิลปะอาจตายและภาพจะกลายเป็นของเทียม สิ่งนี้สามารถช่วยได้ด้วยการทำความเข้าใจว่าการตีความนั้นเป็นการกระทำที่สร้างสรรค์เสมอ และ "สร้างใหม่" และ "สร้างใหม่" เป็นแนวคิดที่เป็นเนื้อเดียวกัน

นักแสดงจะต้องจำไว้เสมอถึงความสำคัญทางการศึกษาของศิลปะ พลังของอิทธิพลที่มีต่อโลกทัศน์ด้านสุนทรียภาพ และรูปลักษณ์ทางจิตวิญญาณของสาธารณชน ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญที่จะต้องเปิดเผยผลงานไม่เพียงแต่จากด้านเทคนิคเท่านั้น แต่ยังรวมถึงด้านจิตวิญญาณด้วย เพื่อให้สาธารณชนได้รับความรู้สึกสูงสุดในการตีความของคุณเท่านั้น เชื่อกันว่าแก่นแท้ของมนุษย์ของศิลปินถูกเปิดเผยในการแสดง และประการแรก ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ก็คือบุคคลที่ยิ่งใหญ่ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญที่จะต้องให้บริการศิลปะอย่างไม่เห็นแก่ตัว การพัฒนาตนเอง การขยายทักษะทางเทคนิคและความสามารถด้านการแสดง นำรูปแบบการแสดงไปสู่ความสมบูรณ์แบบสูงสุด ขจัดสิ่งที่ไม่จำเป็นทั้งหมดออกไป เพื่อให้เสียง ภาพ ท่าทาง - ทุกอย่างหลอมรวมกันเป็นหนึ่งเดียว ทั้งหมด.

นักแสดงคนใดสามารถบรรลุผลลัพธ์ที่ยอดเยี่ยมในสาขานี้หากเขาประสบกับความไม่พอใจอย่างต่อเนื่องกับระดับการพัฒนาทางวิชาชีพของเขาหากเขารักมากและเผาไหม้ด้วยความปรารถนาที่จะถ่ายทอดทุกสิ่งที่เขารักสู่สาธารณะทำให้พวกเขาหลงใหลด้วยความเป็นธรรมชาติของความตั้งใจและ อารมณ์ของการแสดง การตอบสนองทันทีซึ่งเป็นการตอบสนองทางอารมณ์จากสาธารณะเสมอ

วรรณกรรม:

ลุ่มน้ำอี.ยา. จิตวิทยาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ –ม., 1985.

Basin E. บุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ของศิลปิน – ม., 1988.

Batishchev T. รู้เบื้องต้นเกี่ยวกับวิภาษวิธีของความคิดสร้างสรรค์ – เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1997

Bunge M. สัญชาตญาณและวิทยาศาสตร์ –ม., 1967.

Vygotsky L. จิตวิทยาศิลปะ -ร.-ด., 1998.

Dorfman L. Emotion ในงานศิลปะ – ม., 1997.

Ilyin I. ศิลปินผู้โดดเดี่ยว – ม., 1993.

Losev A. ดนตรีเป็นหัวข้อของตรรกะ –ม., 2544.

Milshtein Ya คำถามเกี่ยวกับทฤษฎีและประวัติการปฏิบัติงาน –ม., 1983.

ไฟเอนเบิร์ก อี.แอล. สองวัฒนธรรม สัญชาตญาณและตรรกะในศิลปะและวิทยาศาสตร์ –ม., 1992.