ศิลปินชาวอเมริกันมีความหลากหลายมาก บางคนมีความเป็นสากลอย่างชัดเจน เหมือนกับซาร์เจนท์ เป็นชาวอเมริกันโดยกำเนิด แต่ใช้ชีวิตในวัยผู้ใหญ่เกือบทั้งชีวิตในลอนดอนและปารีส
ในหมู่พวกเขามีชาวอเมริกันแท้ๆ ที่วาดภาพชีวิตของเพื่อนร่วมชาติเท่านั้น เช่น Rockwell
และยังมีศิลปินที่ไม่ใช่ของโลกนี้เช่นพอลล็อคด้วย หรือผู้ที่งานศิลปะกลายเป็นผลผลิตของสังคมผู้บริโภค แน่นอนว่านี่เป็นเรื่องเกี่ยวกับวอร์ฮอล
อย่างไรก็ตาม พวกเขาทั้งหมดเป็นชาวอเมริกัน รักอิสระ กล้าหาญ สดใส อ่านประมาณเจ็ดรายการด้านล่าง
1. เจมส์ วิสต์เลอร์ (1834-1903)
เจมส์ วิสต์เลอร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2415 สถาบันศิลปะในเมืองดีทรอยต์ สหรัฐอเมริกา วิสต์เลอร์แทบจะเรียกได้ว่าเป็นคนอเมริกันจริงๆ เมื่อโตขึ้นเขาอาศัยอยู่ในยุโรป และเขาใช้ชีวิตวัยเด็ก... ในรัสเซีย พ่อของเขาสร้างทางรถไฟในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ที่นั่นเด็กชายเจมส์ตกหลุมรักศิลปะโดยไปเยี่ยมชมอาศรมและปีเตอร์ฮอฟด้วยความผูกพันของพ่อของเขา (ในเวลานั้นพระราชวังเหล่านี้ยังคงเป็นพระราชวังที่ปิดไม่ให้สาธารณชนเข้าชม)
วิสต์เลอร์มีชื่อเสียงในเรื่องใด ไม่ว่าเขาจะเขียนในรูปแบบใดก็ตาม ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงโทนนิยม* เขาสามารถรับรู้ได้เกือบจะในทันทีด้วยคุณลักษณะสองประการ สีและชื่อดนตรีที่ผิดปกติ
ภาพบุคคลของเขาบางส่วนเป็นการเลียนแบบของปรมาจารย์ผู้เฒ่า เช่น ภาพเหมือนอันโด่งดังของเขา “แม่ของศิลปิน”
เจมส์ วิสต์เลอร์. มารดาของศิลปิน จัดเรียงเป็นสีเทาและสีดำ พ.ศ. 2414 ศิลปินสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งโดยใช้สีตั้งแต่สีเทาอ่อนไปจนถึงสีเทาเข้ม และสีเหลืองเล็กน้อย
แต่นี่ไม่ได้หมายความว่าวิสต์เลอร์ชอบสีดังกล่าว เขาเป็นคนพิเศษ เขาสามารถปรากฏตัวในสังคมได้อย่างง่ายดายโดยสวมถุงเท้าสีเหลืองและถือร่มสีสดใส และนี่คือตอนที่ผู้ชายแต่งกายด้วยชุดสีดำและสีเทาโดยเฉพาะ
เขายังมีผลงานที่เบากว่า “แม่” มากอีกด้วย เช่น “ซิมโฟนีในชุดขาว” นี่คือสิ่งที่นักข่าวคนหนึ่งในนิทรรศการเรียกว่าภาพวาดนี้ วิสต์เลอร์ชอบความคิดนี้ ตั้งแต่นั้นมา เขาได้ตั้งชื่อผลงานของเขาเกือบทั้งหมดทางดนตรี
เจมส์ วิสต์เลอร์. ซิมโฟนีในชุดขาว #1 พ.ศ. 2405 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา แต่แล้วในปี พ.ศ. 2405 ประชาชนกลับไม่ชอบซิมโฟนี อีกครั้ง เนื่องจากโทนสีที่แปลกประหลาดของวิสต์เลอร์ ผู้คนคิดว่ามันแปลกที่วาดภาพผู้หญิงในชุดขาวบนพื้นหลังสีขาว
ในภาพเราเห็นนายหญิงผมแดงของวิสต์เลอร์ ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของพวกก่อนราฟาเอล ท้ายที่สุดแล้วในเวลานั้นศิลปินเป็นเพื่อนกับ Gabriel Rossetti หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิพรีราฟาเอล ความงาม ดอกลิลลี่ องค์ประกอบที่ไม่ธรรมดา (หนังหมาป่า) ทุกอย่างเป็นไปตามที่ควรจะเป็น
แต่วิสต์เลอร์รีบย้ายออกจากลัทธิก่อนราฟาเอลอย่างรวดเร็ว เนื่องจากไม่ใช่ความงามภายนอกที่สำคัญสำหรับเขา แต่เป็นอารมณ์และอารมณ์ และพระองค์ทรงสร้างทิศทางใหม่ - โทนัลลิสต์
ภูมิทัศน์ของเขาในเวลากลางคืนในรูปแบบของวรรณยุกต์เป็นเหมือนดนตรีอย่างแท้จริง ขาวดำหนืด
วิสต์เลอร์เองกล่าวว่าชื่อเพลงช่วยเน้นไปที่ตัวภาพวาด ลายเส้น และสีสัน ขณะเดียวกันโดยไม่ได้คำนึงถึงสถานที่และผู้คนที่ปรากฎ
เจมส์ วิสต์เลอร์. Nocturne สีฟ้าและสีเงิน: Chelsea พ.ศ. 2414 เทตแกลเลอรี ลอนดอน 
แมรี่ แคสแซต. นอนหลับทารก. สีพาสเทลกระดาษ พ.ศ. 2453 พิพิธภัณฑ์ศิลปะดัลลัส สหรัฐอเมริกา แต่เธอยังคงยึดมั่นในสไตล์ของเธอจนถึงที่สุด อิมเพรสชันนิสม์ พาสเทลอ่อนๆ แม่กับลูก.
เพื่อประโยชน์ในการวาดภาพ Cassatt จึงละทิ้งความเป็นแม่ แต่ด้านความเป็นผู้หญิงของเธอก็ปรากฏให้เห็นมากขึ้นในผลงานอันอ่อนโยนเช่น "Sleeping Child" เป็นเรื่องน่าเสียดายที่สังคมอนุรักษ์นิยมเคยเผชิญหน้ากับเธอด้วยทางเลือกเช่นนี้
3. จอห์น ซาร์เจนท์ (1856-1925)
จอห์น ซาร์เจนท์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2435 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก จอห์น ซาร์เจนท์มั่นใจว่าเขาจะเป็นจิตรกรภาพบุคคลไปตลอดชีวิต อาชีพการงานของฉันเป็นไปด้วยดี พวกขุนนางเข้าแถวรับคำสั่งจากเขา
แต่แล้ววันหนึ่ง ตามสังคม ศิลปินก็ก้าวล้ำเส้นไป ตอนนี้เป็นเรื่องยากสำหรับเราที่จะเข้าใจว่าสิ่งใดที่ยอมรับไม่ได้ในภาพยนตร์เรื่อง “Madame X”
จริงอยู่ ในเวอร์ชั่นดั้งเดิม นางเอกได้ปลดสายรัดข้างหนึ่งลง ซาร์เจนท์ "เลี้ยงดู" เธอ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ช่วยอะไร ออเดอร์เริ่มแห้งแล้ว
จอห์น ซาร์เจนท์. มาดามเอช. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก พ.ศ. 2421 ประชาชนเห็นสิ่งลามกอนาจารอะไร? และความจริงที่ว่าซาร์เจนท์แสดงภาพนางแบบด้วยท่าทีมั่นใจในตัวเองมากเกินไป นอกจากนี้ผิวที่โปร่งแสงและหูสีชมพูยังมีคารมคมคายมาก
ในภาพดูเหมือนจะบอกว่าผู้หญิงที่มีเพศสัมพันธ์เพิ่มขึ้นนี้ไม่รังเกียจที่จะยอมรับความก้าวหน้าของผู้ชายคนอื่น อีกอย่างคือจะแต่งงานแล้ว
น่าเสียดายที่ผู้ร่วมสมัยไม่เห็นผลงานชิ้นเอกที่อยู่เบื้องหลังเรื่องอื้อฉาวนี้ ชุดเดรสสีเข้ม ผิวสีแทน ท่าโพสแบบไดนามิก - การผสมผสานที่เรียบง่ายซึ่งมีเพียงช่างฝีมือที่มีความสามารถที่สุดเท่านั้นที่จะพบได้
แต่เมฆทุกก้อนก็มีซับเงิน ซาร์เจนท์ได้รับอิสรภาพเป็นการตอบแทน ฉันเริ่มทดลองกับอิมเพรสชั่นนิสม์มากขึ้น เขียนถึงเด็กในสถานการณ์ฉุกเฉิน นี่คือลักษณะที่ปรากฏของงาน "คาร์เนชั่น ลิลลี่ ลิลลี่ โรส"
ซาร์เจนท์ต้องการเก็บภาพช่วงเวลาพลบค่ำโดยเฉพาะ ดังนั้นฉันจึงทำงานเพียง 2 นาทีต่อวันเมื่อมีแสงสว่างเพียงพอ ทำงานในฤดูร้อนและฤดูใบไม้ร่วง และเมื่อดอกไม้เหี่ยวเฉาฉันก็แทนที่ด้วยดอกไม้ประดิษฐ์
จอห์น ซาร์เจนท์. ดอกคาร์เนชั่น ลิลลี่ ลิลลี่ กุหลาบ พ.ศ. 2428-2429 เทตแกลเลอรี่, ลอนดอน ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา ซาร์เจนท์ได้พัฒนารสนิยมแห่งอิสรภาพจนเขาเริ่มละทิ้งการถ่ายภาพบุคคลไปโดยสิ้นเชิง แม้ว่าชื่อเสียงของเขาจะได้รับการฟื้นฟูแล้วก็ตาม เขาถึงขั้นไล่ลูกค้ารายหนึ่งอย่างหยาบคาย โดยบอกว่าเขายินดีที่จะทาสีประตูบ้านของเธอมากกว่าใบหน้าของเธอ
จอห์น ซาร์เจนท์. เรือสีขาว. พ.ศ. 2451 พิพิธภัณฑ์บรูคลิน สหรัฐอเมริกา ผู้ร่วมสมัยปฏิบัติต่อซาร์เจนท์ด้วยการประชด ถือว่าล้าสมัยไปในยุคสมัยใหม่ แต่เวลาทำให้ทุกอย่างเข้าที่
ตอนนี้ผลงานของเขามีค่าไม่น้อยไปกว่าผลงานของนักสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงที่สุด ไม่มีอะไรจะพูดเกี่ยวกับความรักของสาธารณชน นิทรรศการผลงานของเขามักจะขายหมดเสมอ
4. นอร์แมน ร็อคเวลล์ (2437-2521)
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ภาพเหมือน. ภาพประกอบสำหรับ The Saturday Evening Post ฉบับวันที่ 13 กุมภาพันธ์ 1960 เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงศิลปินที่ได้รับความนิยมในช่วงชีวิตของเขามากกว่า Norman Rockwell ชาวอเมริกันหลายชั่วอายุคนเติบโตมาพร้อมกับภาพประกอบของเขา รักพวกเขาด้วยสุดจิตวิญญาณของฉัน
ท้ายที่สุดแล้ว Rockwell ก็แสดงให้เห็นถึงคนอเมริกันธรรมดาๆ แต่ในขณะเดียวกันก็แสดงชีวิตในด้านบวกที่สุดด้วย ร็อคเวลล์ไม่ต้องการแสดงพ่อที่ชั่วร้ายหรือแม่ที่ไม่แยแส และคุณจะไม่ได้พบกับเด็กที่ไม่มีความสุขร่วมกับเขา
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ทั้งครอบครัวในวันหยุดและจากวันหยุด ภาพประกอบในนิตยสาร Evening Saturday Post 30 สิงหาคม 1947 พิพิธภัณฑ์ Norman Rockwell ในเมือง Stockbridge รัฐแมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา ผลงานของเขาเต็มไปด้วยอารมณ์ขัน สีสันที่หลากหลาย และถ่ายทอดสีหน้าของชีวิตได้อย่างเชี่ยวชาญ
แต่เป็นภาพลวงตาว่างานนี้เป็นเรื่องง่ายสำหรับ Rockwell ในการสร้างภาพวาดหนึ่งภาพ ก่อนอื่นเขาอาจถ่ายรูปวัตถุของเขามากถึงร้อยภาพเพื่อจับท่าทางที่ถูกต้อง
ผลงานของ Rockwell มีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตใจของชาวอเมริกันหลายล้านคน ท้ายที่สุดแล้ว เขามักจะพูดออกมาผ่านภาพวาดของเขา
ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 เขาตัดสินใจที่จะแสดงให้เห็นว่าทหารในประเทศของเขาต่อสู้เพื่ออะไร ยังได้สร้างภาพวาด "Freedom from Want" อีกด้วย ในรูปแบบของวันขอบคุณพระเจ้า ซึ่งสมาชิกในครอบครัวทุกคนได้รับอาหารเพียงพอและอิ่มเอมใจ มาร่วมแสดงความยินดีในวันหยุดของครอบครัว
นอร์แมน ร็อคเวลล์. อิสรภาพจากความต้องการ พ.ศ. 2486 พิพิธภัณฑ์นอร์แมน ร็อกเวลล์ ในเมืองสต็อคบริดจ์ รัฐแมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา หลังจากทำงานที่ Saturday Evening Post มา 50 ปี ร็อคเวลล์ก็ออกจากนิตยสาร Look ที่มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น ซึ่งเขาสามารถแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับประเด็นทางสังคมได้
ผลงานที่โดดเด่นที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ “The Problem We Live With”
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ปัญหาที่เราอยู่ด้วย พ.ศ. 2507 พิพิธภัณฑ์นอร์แมน ร็อกเวลล์ เมืองสต็อคบริดจ์ สหรัฐอเมริกา นี่คือเรื่องจริงของเด็กสาวผิวดำที่ไปโรงเรียนคนผิวขาว เนื่องจากมีการออกกฎหมายว่าผู้คน (และสถาบันการศึกษาด้วย) ไม่ควรถูกแบ่งแยกด้วยเชื้อชาติอีกต่อไป
แต่ความโกรธของชาวเมืองนั้นไม่มีขีดจำกัด ระหว่างทางไปโรงเรียน เด็กหญิงถูกตำรวจคุ้มกัน นี่คือช่วงเวลา "ประจำ" ที่ Rockwell แสดงให้เห็น
หากคุณต้องการสัมผัสชีวิตชาวอเมริกันในแสงที่ประดับประดาเล็กน้อย (ตามที่พวกเขาอยากเห็น) อย่าลืมชมภาพวาดของ Rockwell
บางทีในบรรดาจิตรกรทั้งหมดที่นำเสนอในบทความนี้ Rockwell อาจเป็นศิลปินชาวอเมริกันมากที่สุด
5. แอนดรูว์ ไวเอธ (1917-2009)
แอนดรูว์ ไวเอธ. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2488 สถาบันการออกแบบแห่งชาติ นิวยอร์ก ต่างจาก Rockwell ตรงที่ Wyeth ไม่ได้มีทัศนคติเชิงบวก เป็นคนสันโดษโดยธรรมชาติ เขาไม่พยายามตกแต่งสิ่งใดๆ ในทางตรงกันข้าม เขาบรรยายภาพทิวทัศน์ที่ธรรมดาที่สุดและสิ่งที่ไม่ธรรมดา แค่ทุ่งข้าวสาลี แค่บ้านไม้ แต่เขายังสามารถมองเห็นบางสิ่งที่มหัศจรรย์ในตัวพวกเขาได้
ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “โลกของคริสติน่า” ไวเอทแสดงชะตากรรมของผู้หญิงคนหนึ่งซึ่งเป็นเพื่อนบ้านของเขา เธอคลานไปรอบๆ ฟาร์มของเธอด้วยความเป็นอัมพาตตั้งแต่เด็ก
ดังนั้นในภาพนี้จึงไม่มีอะไรโรแมนติกเหมือนอย่างที่เห็นในตอนแรก หากมองใกล้ ๆ ผู้หญิงคนนั้นจะผอมเพรียวอย่างเจ็บปวด และรู้ว่าขาของนางเอกเป็นอัมพาตก็เข้าใจด้วยความเศร้าว่าเธอยังห่างไกลจากบ้านมากแค่ไหน
เมื่อมองแวบแรก ไวเอทเขียนสิ่งที่ธรรมดาที่สุด นี่คือหน้าต่างเก่าของบ้านเก่า ผ้าม่านโทรมที่เริ่มกลายเป็นเศษเล็กเศษน้อยแล้ว ป่าด้านนอกหน้าต่างมืด
แต่ทั้งหมดนี้มีความลึกลับอยู่บ้าง รูปลักษณ์อื่นบ้าง
แอนดรูว์ ไวเอธ. ลมจากทะเล. พ.ศ. 2490 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา นี่คือวิธีที่เด็ก ๆ รู้วิธีมองโลกด้วยใจที่เปิดกว้าง ไวแอตต์ก็ดูเหมือนกัน และเราอยู่กับเขา
ภรรยาของเขาจัดการเรื่องทั้งหมดของไวเอท เธอเป็นผู้จัดงานที่ดี เธอเป็นผู้ติดต่อกับพิพิธภัณฑ์และนักสะสม
มีความโรแมนติกเล็กน้อยในความสัมพันธ์ของพวกเขา รำพึงต้องปรากฏตัว และเธอก็กลายเป็นเฮลกาที่เรียบง่าย แต่มีรูปลักษณ์ที่ไม่ธรรมดา นี่คือสิ่งที่เราเห็นในงานต่างๆ มากมาย
แอนดรูว์ ไวเอธ. Braids (จากซีรี่ส์ "Helga") 2522 ของสะสมส่วนตัว ดูเหมือนว่าเราจะเห็นเพียงภาพถ่ายของผู้หญิงคนหนึ่งเท่านั้น แต่ด้วยเหตุผลบางอย่างมันยากที่จะแยกตัวออกจากเธอ รูปลักษณ์ของเธอซับซ้อนเกินไป ไหล่ของเธอตึง ราวกับว่าเราตึงเครียดภายในร่วมกับเธอ พยายามหาคำอธิบายสำหรับความตึงเครียดนี้
ด้วยการพรรณนาถึงความเป็นจริงในทุกรายละเอียด ไวเอทได้มอบอารมณ์ที่ไม่สามารถปล่อยให้ใครก็ตามเฉยเฉยได้อย่างน่าอัศจรรย์
ศิลปินไม่ได้รับการยอมรับมาเป็นเวลานาน ด้วยความสมจริง แม้จะมหัศจรรย์ แต่ก็ไม่เข้ากับกระแสสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20
เมื่อคนงานพิพิธภัณฑ์ซื้อผลงานของเขา พวกเขาพยายามที่จะทำมันอย่างเงียบๆ โดยไม่ดึงดูดความสนใจ ไม่ค่อยมีการจัดนิทรรศการ แต่ด้วยความอิจฉาของคนสมัยใหม่ พวกเขามักจะประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม ผู้คนมากันเป็นฝูง และพวกเขาก็ยังมา
6. แจ็คสัน พอลล็อค (1912-1956)
แจ็คสัน พอลล็อค. 1950 ภาพถ่ายโดย Hans Namuth Jackson Pollock ไม่สามารถละเลยได้ เขาก้าวข้ามเส้นบางๆ ในงานศิลปะ หลังจากนั้นภาพวาดก็ไม่เหมือนเดิมอีกต่อไป เขาแสดงให้เห็นว่าในงานศิลปะโดยทั่วไปสามารถทำได้โดยไม่มีขอบเขต เมื่อฉันวางผ้าใบลงบนพื้นแล้วสาดสีลงไป
และศิลปินชาวอเมริกันคนนี้เริ่มต้นด้วยงานศิลปะนามธรรมซึ่งยังสามารถสืบย้อนเป็นรูปเป็นร่างได้ ในงานของเขาในยุค 40 "Stenographic Figure" เราจะเห็นโครงร่างของทั้งใบหน้าและมือ และแม้แต่สัญลักษณ์ที่เราเข้าใจในรูปของกากบาทและศูนย์
แจ็คสัน พอลล็อค. รูปชวเลข. พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2485 (MOMA) ผลงานของเขาได้รับการยกย่อง แต่ผู้คนก็ไม่รีบร้อนที่จะซื้อมัน เขายากจนพอๆ กับหนูในโบสถ์ และเขาก็ดื่มอย่างไร้ยางอาย แม้จะแต่งงานกันอย่างมีความสุขก็ตาม ภรรยาของเขาชื่นชมความสามารถของเขาและทำทุกอย่างเพื่อความสำเร็จของสามี
แต่ในตอนแรกพอลลอคมีบุคลิกที่แตกสลาย ตั้งแต่เยาว์วัย การกระทำของเขาชัดเจนแล้วว่าความตายก่อนวัยอันควรคือโชคชะตาของเขา
ความแตกสลายนี้จะนำไปสู่การเสียชีวิตในที่สุดเมื่ออายุ 44 ปี แต่เขาจะมีเวลาปฏิวัติวงการศิลปะและมีชื่อเสียง
แจ็คสัน พอลล็อค. จังหวะฤดูใบไม้ร่วง (หมายเลข 30) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน พ.ศ. 2493 ในเมืองนิวยอร์ก ประเทศสหรัฐอเมริกา และเขาได้ทำเช่นนี้ในช่วงสองปีแห่งความสุขุม เขาสามารถทำงานได้อย่างมีประสิทธิผลในปี พ.ศ. 2493-2495 เขาทดลองอยู่นานจนมาถึงเทคนิคหยด
เขาวางผ้าใบขนาดใหญ่บนพื้นโรงนาของเขา และเดินไปรอบๆ ราวกับอยู่ในภาพวาด และสาดหรือเทสีเพียงอย่างเดียว
ผู้คนเริ่มเต็มใจที่จะซื้อภาพวาดที่แปลกตาเหล่านี้จากเขาเนื่องจากมีความคิดริเริ่มและความแปลกใหม่อย่างไม่น่าเชื่อ
แจ็คสัน พอลล็อค. เสาสีน้ำเงิน. หอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลีย กรุงแคนเบอร์รา พ.ศ. 2495 พอลลอคส์เต็มไปด้วยชื่อเสียงและตกอยู่ในภาวะซึมเศร้า โดยไม่เข้าใจว่าจะก้าวต่อไปอย่างไร ส่วนผสมที่ร้ายแรงของแอลกอฮอล์และความซึมเศร้าทำให้เขาไม่มีโอกาสรอดชีวิต วันหนึ่งเขาเมามากหลังพวงมาลัย ครั้งสุดท้าย.
7. แอนดี้ วอร์ฮอล (1928-1987)
แอนดี้ วอร์โฮล. 1979 ภาพถ่ายโดย Arthur Tress เฉพาะในประเทศที่มีลัทธิการบริโภคเช่นเดียวกับในอเมริกาเท่านั้นที่สามารถถือกำเนิดศิลปะป๊อปอาร์ตได้ และแน่นอนว่าผู้ริเริ่มหลักคือ Andy Warhol
เขามีชื่อเสียงจากการนำสิ่งที่ธรรมดาที่สุดมาเปลี่ยนให้เป็นงานศิลปะ นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับซุปแคมป์เบลล์หนึ่งกระป๋อง
ทางเลือกไม่ใช่เรื่องบังเอิญ แม่ของวอร์ฮอลเลี้ยงซุปนี้ให้ลูกชายของเธอทุกวันเป็นเวลานานกว่า 20 ปี แม้กระทั่งตอนที่เขาย้ายไปนิวยอร์คและพาแม่ไปด้วย
แอนดี้ วอร์โฮล. กระป๋องซุปแคมป์เบลล์ โพลีเมอร์การพิมพ์ด้วยมือ 32 ภาพ ภาพละ 50x40 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2505 (MOMA) หลังจากการทดลองนี้ Warhol เริ่มสนใจการพิมพ์สกรีน จากนั้นเป็นต้นมา เขาได้ถ่ายรูปดาราดังและวาดภาพด้วยสีต่างๆ
นี่คือลักษณะที่มาริลีนมอนโรทาสีอันโด่งดังของเขาปรากฏตัว
มีการผลิตดอกไม้กรดมาริลินจำนวนนับไม่ถ้วน วอร์ฮอลนำงานศิลปะมาสู่กระแส ตามที่ควรจะเป็นในสังคมผู้บริโภค
แอนดี้ วอร์โฮล. มาริลิน มอนโร. การพิมพ์ซิลค์สกรีนกระดาษ พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2510 (MOMA) วอร์ฮอลไม่ได้วาดภาพใบหน้าขึ้นมาเลย และอีกครั้งหนึ่ง มันก็ไม่ได้ปราศจากอิทธิพลจากผู้เป็นแม่ เมื่อตอนเป็นเด็ก ระหว่างที่ลูกชายของเธอป่วยเป็นเวลานาน เธอนำสมุดระบายสีมาให้เขา
งานอดิเรกในวัยเด็กนี้เติบโตขึ้นจนกลายมาเป็นจุดเด่นของเขาและทำให้เขาร่ำรวยมหาศาล
เขาไม่เพียงวาดภาพป๊อปสตาร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานชิ้นเอกของรุ่นก่อนด้วย ฉันก็เข้าใจเหมือนกัน
“วีนัส” เหมือนมาริลีนทำหลายอย่างมาก ความพิเศษเฉพาะตัวของงานศิลปะถูก "ลบ" ให้เป็นผงโดยวอร์ฮอล ทำไมศิลปินถึงทำเช่นนี้?
เพื่อเผยแพร่ผลงานชิ้นเอกเก่า ๆ ? หรือในทางกลับกัน พยายามลดคุณค่าของมันลง? ทำให้ป๊อปสตาร์เป็นอมตะ? หรือเติมชีวิตชีวาด้วยการประชด?
แอนดี้ วอร์โฮล. ดาวศุกร์ของบอตติเชลลี งานพิมพ์ซิลค์สกรีน อะครีลิค แคนวาส 122x183 ซม. 2525. พิพิธภัณฑ์ E. Warhol ในเมืองพิตต์สเบิร์ก สหรัฐอเมริกา ผลงานสีสันของเขาอย่างมาดอนน่า เอลวิส เพรสลีย์ หรือเลนินบางครั้งก็เป็นที่รู้จักมากกว่าภาพถ่ายต้นฉบับ
แต่ผลงานชิ้นเอกก็แทบจะไม่ถูกบดบัง ในทำนองเดียวกัน “วีนัส” อันเก่าแก่ยังคงไม่มีค่า
วอร์ฮอลเป็นพวกชอบสังสรรค์ ชอบสังสรรค์ และดึงดูดคนชายขอบจำนวนมาก ผู้ติดยา นักแสดงที่ล้มเหลว หรือเพียงแค่บุคคลที่ไม่สมดุล หนึ่งในนั้นยิงเขาหนึ่งครั้ง
วอร์ฮอลรอดชีวิตมาได้ แต่ 20 ปีต่อมา เนื่องจากผลของบาดแผลที่เขาเคยประสบ เขาจึงเสียชีวิตเพียงลำพังในอพาร์ตเมนต์ของเขา
หม้อหลอมของสหรัฐฯ
แม้จะมีประวัติศาสตร์ศิลปะอเมริกันโดยย่อ แต่ก็มีขอบเขตกว้าง ในบรรดาศิลปินชาวอเมริกัน มีอิมเพรสชั่นนิสต์ (ซาร์เจนท์) นักสัจนิยมที่มีมนต์ขลัง (ไวเอธ) นักวาดภาพแนวนามธรรม (พอลลอค) และผู้บุกเบิกศิลปะป๊อปอาร์ต (วอร์ฮอล)
คนอเมริกันรักเสรีภาพในการเลือกในทุกสิ่ง หลายร้อยนิกาย หลายร้อยชาติ รูปแบบศิลปะหลายร้อยแบบ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมมันถึงเป็นจุดหลอมเหลวของสหรัฐอเมริกา
ติดต่อกับ
"หนังสือให้ความรู้สึกถึงความพึงพอใจส่วนบุคคลและความคิดสร้างสรรค์อย่างมาก เมื่อฉันกำลังเขียนหนังสือ ฉันหวังว่าโทรศัพท์จะไม่ดังขึ้น ความพึงพอใจของฉันมาจากการขีดเขียนลงบนกระดาษจริงๆ"
Pinkney Jerry นักวาดภาพประกอบหนังสือเด็กชาวอเมริกัน เกิดเมื่อวันที่ 22 ธันวาคม พ.ศ. 2482 ในเมืองเจอร์แมนทาวน์ ในโรงเรียนมัธยม ความรักและพรสวรรค์ในการวาดภาพของเขาถูกสังเกตเห็นโดยนักเขียนการ์ตูน John Liney ซึ่งสนับสนุนให้เขามีอาชีพเป็นศิลปิน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Dobbins Vocational School แล้ว Pinkney ก็ได้รับทุนเต็มจำนวนไปศึกษาที่ Philadelphia Museum College of Art ต่อมาเขาย้ายไปบอสตัน ซึ่งเขาทำงานด้านการออกแบบและภาพประกอบ ในที่สุดก็เปิดสตูดิโอของตัวเองชื่อ Jerry Pinkney Studio และต่อมาก็ย้ายไปนิวยอร์ก Pinkney Jerry ยังคงอาศัยและทำงานในนิวยอร์ก ตลอดหลายปีที่ผ่านมาในอาชีพสร้างสรรค์ของเขา เขาได้จัดสัมมนาที่มหาวิทยาลัยและโรงเรียนศิลปะทั่วประเทศ
"ฉันต้องการแสดงให้เห็นว่าศิลปินชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกันสามารถทำอะไรในประเทศนี้ในระดับชาติในด้านทัศนศิลป์ ฉันต้องการที่จะเป็นแบบอย่างที่ดีสำหรับครอบครัวของฉันและสำหรับชาวแอฟริกันอเมริกันคนอื่นๆ"
จิตรกรรมอเมริกัน
ผลงานจิตรกรรมอเมริกันชิ้นแรกที่มาหาเรามีอายุย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16; สิ่งเหล่านี้เป็นภาพร่างที่ทำโดยผู้เข้าร่วมการสำรวจวิจัย อย่างไรก็ตามศิลปินมืออาชีพปรากฏตัวในอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เท่านั้น แหล่งรายได้ที่มั่นคงเพียงแหล่งเดียวสำหรับพวกเขาคือภาพเหมือน ประเภทนี้ยังคงครองตำแหน่งผู้นำในการวาดภาพอเมริกันจนถึงต้นศตวรรษที่ 19
ยุคอาณานิคมภาพบุคคลกลุ่มแรกซึ่งดำเนินการโดยใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันมีอายุย้อนกลับไปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในเวลานี้ชีวิตของผู้ตั้งถิ่นฐานค่อนข้างสงบ ชีวิตมั่นคง และมีโอกาสฝึกฝนศิลปะปรากฏขึ้น ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือภาพเหมือนของนางฟริกกับแมรี่ลูกสาวของเธอ (ค.ศ. 1671-1674, แมสซาชูเซตส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะวูสเตอร์) วาดโดยศิลปินชาวอังกฤษที่ไม่รู้จัก ในช่วงทศวรรษที่ 1730 เมืองชายฝั่งตะวันออกมีศิลปินหลายคนที่ทำงานในลักษณะที่ทันสมัยและสมจริงมากขึ้น: Henrietta Johnston ใน Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn ใน Annapolis (1708), Gustav Hesselius ใน Philadelphia (1712), John Watson ใน Perth Amboy ในรัฐนิวเจอร์ซีย์ (1714), Peter Pelham (1726) และ John Smibert (1728) ในบอสตัน ภาพวาดของสองภาพหลังมีอิทธิพลสำคัญต่อผลงานของ John Singleton Copley (1738-1815) ซึ่งถือเป็นศิลปินชาวอเมริกันรายใหญ่คนแรก จากการแกะสลักจากคอลเลกชัน Pelham เด็กหนุ่ม Copley ได้รับความเข้าใจเกี่ยวกับการวาดภาพบุคคลในพิธีการของอังกฤษและภาพวาดของ Godfrey Kneller ปรมาจารย์ชาวอังกฤษชั้นนำที่ทำงานประเภทนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 ในภาพวาด Boy with a Squirrel (พ.ศ. 2308, บอสตัน, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์) คอปลีย์ได้สร้างภาพบุคคลที่เหมือนจริงอย่างน่าอัศจรรย์ อ่อนโยนและแม่นยำอย่างน่าประหลาดใจในการถ่ายทอดพื้นผิวของวัตถุ เมื่อคอปลีย์ส่งงานนี้ไปลอนดอนในปี พ.ศ. 2308 โจชัว เรย์โนลด์สแนะนำให้เขาศึกษาต่อในอังกฤษ อย่างไรก็ตามคอปลีย์ยังคงอยู่ในอเมริกาจนถึงปี พ.ศ. 2317 และยังคงวาดภาพบุคคลต่อไปโดยพิจารณารายละเอียดและความแตกต่างทั้งหมดอย่างระมัดระวัง จากนั้นเขาก็เดินทางไปยุโรปและตั้งรกรากในลอนดอนในปี พ.ศ. 2318; ในสไตล์ของเขากิริยาท่าทางและคุณลักษณะของลักษณะอุดมคติของภาพวาดภาษาอังกฤษในยุคนั้นปรากฏขึ้น ผลงานที่ดีที่สุดในบรรดาผลงานที่คอปลีย์ผลิตในอังกฤษ ได้แก่ ภาพวาดบุคคลอย่างเป็นทางการขนาดใหญ่ที่ชวนให้นึกถึงผลงานของเบนจามิน เวสต์ รวมถึงบรูค วัตสันและฉลาม (ค.ศ. 1778, บอสตัน, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์) เบนจามินเวสต์ (1738-1820) เกิดที่เพนซิลเวเนีย; หลังจากวาดภาพชาวฟิลาเดลเฟียหลายภาพแล้ว เขาก็ย้ายไปลอนดอนในปี พ.ศ. 2306 ที่นี่เขาได้รับชื่อเสียงในฐานะจิตรกรประวัติศาสตร์ ตัวอย่างผลงานของเขาในประเภทนี้คือภาพวาด The Death of General Wolfe (1770, ออตตาวา, หอศิลป์แห่งชาติของแคนาดา) ในปี พ.ศ. 2335 เวสต์รับช่วงต่อจากเรย์โนลด์สในตำแหน่งประธาน British Royal Academy of Arts
สงครามประกาศอิสรภาพและต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งแตกต่างจากคอปลีย์และเวสต์ซึ่งยังคงอยู่ในลอนดอนอย่างถาวร จิตรกรภาพเหมือน กิลเบิร์ต สจ๊วต (พ.ศ. 2298-2371) กลับมาที่อเมริกาในปี พ.ศ. 2335 โดยมีอาชีพในลอนดอนและดับลิน ในไม่ช้าเขาก็กลายเป็นปรมาจารย์ชั้นนำของประเภทนี้ในสาธารณรัฐรุ่นเยาว์ สจ๊วร์ตวาดภาพบุคคลสำคัญทางการเมืองและสาธารณะเกือบทั้งหมดในอเมริกา ผลงานของเขาถูกแสดงอย่างมีชีวิตชีวา อิสระ และร่างภาพ แตกต่างอย่างมากจากสไตล์งานอเมริกันของ Copley เบนจามิน เวสต์ยินดีรับศิลปินรุ่นเยาว์ชาวอเมริกันเข้ามาในสตูดิโอของเขาในลอนดอน นักเรียนของเขา ได้แก่ Charles Wilson Peale (1741-1827) และ Samuel F. B. Morse (1791-1872) Peale กลายเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์จิตรกรและองค์กรศิลปะครอบครัวในฟิลาเดลเฟีย เขาวาดภาพบุคคล มีส่วนร่วมในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ และเปิดพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ธรรมชาติและจิตรกรรมในฟิลาเดลเฟีย (พ.ศ. 2329) จากลูกทั้งสิบเจ็ดคนของเขา หลายคนกลายเป็นศิลปินและนักธรรมชาติวิทยา มอร์ส ซึ่งรู้จักกันดีในนามผู้ประดิษฐ์เครื่องโทรเลข ได้วาดภาพเหมือนที่สวยงามหลายภาพ และเป็นหนึ่งในภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในภาพวาดของอเมริกา นั่นคือพิพิธภัณฑ์ลูฟวร์ ในงานนี้ มีการจำลองผืนผ้าใบประมาณ 37 ชิ้นในรูปแบบย่อส่วนด้วยความแม่นยำอันน่าทึ่ง งานนี้เหมือนกับกิจกรรมอื่นๆ ของมอร์ส โดยมีเป้าหมายในการแนะนำประเทศรุ่นใหม่ให้รู้จักกับวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ของยุโรป Washington Alston (1779-1843) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอเมริกันกลุ่มแรกๆ ที่แสดงความเคารพต่อยวนใจ; ในระหว่างการเดินทางอันยาวนานทั่วยุโรป เขาได้วาดภาพพายุทะเล ฉากบทกวีภาษาอิตาลี และภาพบุคคลที่ซาบซึ้ง ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 สถาบันศิลปะอเมริกันแห่งแรกเปิดขึ้น โดยให้การฝึกอบรมวิชาชีพแก่นักเรียนและมีส่วนร่วมโดยตรงในการจัดนิทรรศการ: Pennsylvania Academy of Arts ในฟิลาเดลเฟีย (1805) และ National Academy of Drawing ในนิวยอร์ก (1825) ซึ่งมีประธานาธิบดีคนแรกคือ S. R. Morse . ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 1830 John Trumbull (1756-1843) และ John Vanderlyn (1775-1852) วาดภาพองค์ประกอบขนาดใหญ่ของหัวข้อจากประวัติศาสตร์อเมริกาที่ตกแต่งผนังของ Capitol Rotunda ในวอชิงตัน ในช่วงทศวรรษที่ 1830 ภูมิทัศน์กลายเป็นประเภทที่โดดเด่นของการวาดภาพอเมริกัน โทมัส โคล (1801-1848) เขียนเกี่ยวกับธรรมชาติอันบริสุทธิ์ของภาคเหนือ (นิวยอร์ก) เขาแย้งว่าภูเขาที่สภาพอากาศแปรปรวนและป่าในฤดูใบไม้ร่วงที่สดใสเป็นหัวข้อที่เหมาะสมสำหรับศิลปินชาวอเมริกันมากกว่าซากปรักหักพังของยุโรปที่งดงาม โคลยังวาดภาพทิวทัศน์หลายแห่งที่เปี่ยมไปด้วยความหมายทางจริยธรรมและศาสนา ในหมู่พวกเขามีภาพวาดขนาดใหญ่สี่ภาพ Life's Path (พ.ศ. 2385, วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ) - องค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบที่แสดงภาพเรือลำหนึ่งล่องไปตามแม่น้ำซึ่งมีเด็กชายคนหนึ่งนั่งอยู่จากนั้นเป็นชายหนุ่มจากนั้นเป็นชายและในที่สุดก็เป็นชายชรา จิตรกรภูมิทัศน์หลายคนติดตามตัวอย่างของโคลและบรรยายถึงธรรมชาติของชาวอเมริกันในงานของพวกเขา พวกเขามักจะรวมกันเป็นกลุ่มเดียวที่เรียกว่า "โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน" (ซึ่งไม่เป็นความจริงเนื่องจากพวกเขาทำงานทั่วประเทศและเขียนในรูปแบบที่แตกต่างกัน) ในบรรดาจิตรกรแนวอเมริกัน ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ William Sidney Mount (1807-1868) ผู้ซึ่งวาดฉากจากชีวิตของชาวนาบน Long Island และ George Caleb Bingham (1811-1879) ซึ่งมีภาพวาดที่อุทิศให้กับชีวิตของชาวประมง จากริมฝั่งมิสซูรีและการเลือกตั้งในเมืองเล็กๆ ในต่างจังหวัด ก่อนสงครามกลางเมือง ศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Frederick Edwin Church (1826-1900) ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Cole's เขาวาดภาพผลงานขนาดใหญ่เป็นส่วนใหญ่ และบางครั้งก็ใช้ลวดลายที่เป็นธรรมชาติมากเกินไปเพื่อดึงดูดและทำให้สาธารณชนตะลึง คริสตจักรเดินทางไปยังสถานที่แปลกตาและอันตรายที่สุด รวบรวมวัสดุเพื่อแสดงภูเขาไฟในอเมริกาใต้และภูเขาน้ำแข็งในทะเลทางเหนือ ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือภาพวาด Niagara Falls (1857, Washington, Corcoran Gallery) ในช่วงทศวรรษที่ 1860 ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ของ Albert Bierstadt (1830-1902) กระตุ้นให้เกิดความชื่นชมอย่างกว้างขวางต่อความงามของเทือกเขาร็อกกีที่ปรากฎในภาพนั้น โดยมีทะเลสาบที่ใสสะอาด ป่าไม้ และยอดเขาที่มีลักษณะคล้ายหอคอย
ยุคหลังสงครามและช่วงเปลี่ยนศตวรรษหลังสงครามกลางเมือง การศึกษาจิตรกรรมในยุโรปเริ่มเป็นที่นิยม ในเมืองดุสเซลดอร์ฟ มิวนิก และโดยเฉพาะปารีส มีความเป็นไปได้ที่จะได้รับการศึกษาขั้นพื้นฐานมากกว่าในอเมริกา James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) และ John Singer Sargent (1856-1925) ศึกษาที่ปารีส และอาศัยและทำงานในฝรั่งเศสและอังกฤษ วิสต์เลอร์อยู่ใกล้กับอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ในภาพวาดของเขาเขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการผสมสีและองค์ประกอบที่แสดงออกและพูดน้อย Mary Cassatt ตามคำเชิญของ Edgar Degas เข้าร่วมในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2422 ถึง พ.ศ. 2429 ซาร์เจนท์วาดภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดของโลกเก่าและโลกใหม่ด้วยท่าทางที่กล้าหาญ หุนหันพลันแล่น และไม่ชัดเจน ด้านตรงข้ามของสเปกตรัมโวหารกับอิมเพรสชั่นนิสม์ในศิลปะปลายศตวรรษที่ 19 ครอบครองโดยศิลปินสัจนิยมที่วาดภาพหุ่นนิ่งมายา: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederick Peto (1854-1907) และ John Haberl (1856-1933) ศิลปินหลักสองคนในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ได้แก่ Winslow Homer (1836-1910) และ Thomas Eakins (1844-1916) ไม่ได้อยู่ในกลุ่มการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ทันสมัยในเวลานั้น โฮเมอร์เริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1860 โดยแสดงภาพประกอบนิตยสารนิวยอร์ก ในช่วงทศวรรษที่ 1890 เขามีชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพวาดยุคแรกของเขาเป็นภาพชีวิตในหมู่บ้านที่เต็มไปด้วยแสงแดดจ้า ต่อมา โฮเมอร์เริ่มหันมาใช้ภาพและธีมที่ซับซ้อนและน่าทึ่งมากขึ้น: กัลฟ์สตรีม (พ.ศ. 2442, เมโทรโพลิแทน) พรรณนาถึงความสิ้นหวังของกะลาสีเรือผิวดำคนหนึ่งที่นอนอยู่บนดาดฟ้าเรือในทะเลที่มีพายุและมีปลาฉลามรบกวน ในช่วงชีวิตของเขา Thomas Eakins ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงถึงความเป็นกลางและความตรงไปตรงมามากเกินไป ปัจจุบันผลงานของเขาได้รับการยกย่องอย่างสูงจากภาพวาดที่เข้มงวดและชัดเจน พู่กันของเขาประกอบด้วยภาพนักกีฬาและภาพบุคคลอันจริงใจที่เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจ
ศตวรรษที่ยี่สิบ ในช่วงต้นศตวรรษ การเลียนแบบอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสมีคุณค่ามากที่สุด รสนิยมสาธารณะถูกท้าทายโดยกลุ่มศิลปินแปดคน: Robert Henry (1865-1929), W. J. Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), J. B. Lax (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) , เอ.บี. เดวิส (พ.ศ. 2405-2471), มอริซ เพรนเดอร์กาสต์ (พ.ศ. 2402-2467) และเออร์เนสต์ ลอว์สัน (พ.ศ. 2416-2482) นักวิจารณ์เรียกพวกเขาว่าเป็นโรงเรียน "ถังขยะ" เนื่องจากชอบวาดภาพสลัมและเรื่องน่าเบื่ออื่นๆ ในปี พ.ศ. 2456 มีสิ่งที่เรียกว่า “Armory Show” จัดแสดงผลงานของปรมาจารย์จากหลากหลายสาขาหลังอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินชาวอเมริกันถูกแบ่งแยก: บางคนหันมาสำรวจความเป็นไปได้ของสีและนามธรรมที่เป็นทางการ ส่วนคนอื่น ๆ ยังคงอยู่ในอกของประเพณีที่สมจริง กลุ่มที่สอง ได้แก่ Charles Burchfield (พ.ศ. 2436-2510), Reginald Marsh (พ.ศ. 2441-2497), Edward Hopper (พ.ศ. 2425-2510), Fairfield Porter (พ.ศ. 2450-2518), Andrew Wyeth (เกิด พ.ศ. 2460) และคนอื่นๆ ภาพวาดของ Ivan Albright (พ.ศ. 2440-2526), George Tooker (เกิด พ.ศ. 2463) และ Peter Bloom (พ.ศ. 2449-2535) เขียนในรูปแบบของ "ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง" (ความคล้ายคลึงกับธรรมชาติในผลงานของพวกเขานั้นเกินจริงและความเป็นจริงก็คือ ชวนให้นึกถึงความฝันหรือภาพหลอนมากขึ้น) ศิลปินคนอื่นๆ เช่น Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) และ Georgia O'Keeffe (1887-1986) ผสมผสานองค์ประกอบระหว่างความสมจริง ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม และการแสดงออกในผลงานของพวกเขา ผลงานและความเคลื่อนไหวอื่น ๆ ของศิลปะยุโรป มุมมองทางทะเลของ John Marin (1870-1953) และ Marsden Hartley (1877-1943) ใกล้เคียงกับการแสดงออก ภาพของนกและสัตว์ในภาพวาดของ Maurice Graves (เกิด 1910) ยังคงมี การเชื่อมต่อกับโลกที่มองเห็นได้แม้ว่ารูปแบบในผลงานของเขาจะบิดเบี้ยวอย่างมากและนำไปสู่การกำหนดสัญลักษณ์ที่เกือบจะสุดโต่ง หลังสงครามโลกครั้งที่สอง การวาดภาพแบบไม่มีวัตถุประสงค์กลายเป็นการเคลื่อนไหวชั้นนำในศิลปะอเมริกัน ในปัจจุบัน ความสนใจหลักได้จ่ายไปที่พื้นผิวของภาพ มันถูกมองว่าเป็นเวทีสำหรับการปฏิสัมพันธ์ของเส้น มวล และจุดสี สิ่งสำคัญที่สุด Abstract Expressionism เข้ามาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา มันกลายเป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาและมีความสำคัญระดับนานาชาติ ผู้นำของขบวนการนี้คือ Arshile Gorky (1904-1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) และ Franz Kline (1910-1962) การค้นพบที่น่าสนใจที่สุดประการหนึ่งของการแสดงออกทางนามธรรมคือวิธีการทางศิลปะของ Jackson Pollock ซึ่งหยดหรือโยนสีลงบนผืนผ้าใบเพื่อสร้างเขาวงกตที่ซับซ้อนของรูปแบบเชิงเส้นแบบไดนามิก ศิลปินคนอื่น ๆ ของขบวนการนี้ - Hans Hofmann (พ.ศ. 2423-2509), Clyford Still (2447-2523), Robert Motherwell (2458-2534) และ Helen Frankenthaler (เกิด พ.ศ. 2471) - ฝึกฝนเทคนิคการวาดภาพผืนผ้าใบ งานศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์อีกเวอร์ชันหนึ่งคือภาพวาดของ Josef Albers (พ.ศ. 2431-2519) และ Ad Reinhart (พ.ศ. 2456-2510); ภาพวาดของพวกเขาประกอบด้วยรูปทรงเรขาคณิตที่คำนวณได้อย่างแม่นยำ ศิลปินคนอื่น ๆ ที่ทำงานในรูปแบบนี้ ได้แก่ Ellsworth Kelly (เกิด พ.ศ. 2466), Barnett Newman (พ.ศ. 2448-2513), Kenneth Noland (เกิด พ.ศ. 2467), Frank Stella (เกิด พ.ศ. 2479) และ Al Held (เกิด พ.ศ. 2471); ต่อมาพวกเขาก็มุ่งหน้าไปยังแผนกศิลปะขายส่ง ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 Robert Rauschenberg (เกิดปี 1925), Jasper Johns (เกิดปี 1930) และ Larry Rivers (เกิดปี 1923) ซึ่งทำงานในสื่อผสม รวมถึงงานชุมนุม ได้พูดต่อต้านงานศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง พวกเขารวมเศษภาพถ่าย หนังสือพิมพ์ โปสเตอร์ และวัตถุอื่นๆ ไว้ใน "ภาพวาด" ของพวกเขา ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 การชุมนุมได้ก่อให้เกิดขบวนการใหม่ที่เรียกว่า ศิลปะป๊อปซึ่งตัวแทนทำซ้ำอย่างระมัดระวังและแม่นยำในผลงานของพวกเขา สิ่งของและรูปภาพของวัฒนธรรมป๊อปอเมริกัน: กระป๋องโคคา-โคลาและอาหารกระป๋อง ซองบุหรี่ การ์ตูน ศิลปินชั้นนำของขบวนการนี้คือ Andy Warhol (พ.ศ. 2471-2530), James Rosenquist (เกิด พ.ศ. 2476), Jim Dine (เกิด พ.ศ. 2478) และ Roy Lichtenstein (เกิด พ.ศ. 2466) หลังจากศิลปะป๊อปอาร์ต ศิลปะเกี่ยวกับสายตาก็ปรากฏขึ้นตามหลักการของทัศนศาสตร์และภาพลวงตา ในทศวรรษ 1970 สำนักต่างๆ ในด้านการแสดงออกทางอารมณ์, ขอบแข็งทางเรขาคณิต, ศิลปะป๊อป, ภาพเสมือนจริงที่ทันสมัยมากขึ้นเรื่อยๆ และวิจิตรศิลป์รูปแบบอื่นๆ ยังคงมีอยู่ในอเมริกา
วรรณกรรม
เชโกแดฟ เอ.ดี. ศิลปะแห่งสหรัฐอเมริกาตั้งแต่สมัยสงครามปฏิวัติจนถึงปัจจุบัน M. , 1960 Chegodaev A.D. ศิลปะแห่งสหรัฐอเมริกา. พ.ศ. 2218-2518. จิตรกรรม สถาปัตยกรรม ประติมากรรม กราฟิก ม., 1975
สารานุกรมถ่านหิน. - สังคมเปิด. 2000 .
ดูว่า "AMERICAN PAINTING" ในพจนานุกรมอื่น ๆ คืออะไร:
ฉากและทิวทัศน์ในชีวิตประจำวันโดยศิลปินชาวอเมริกันในช่วงทศวรรษ 1920 และ 1930 ดำเนินการในลักษณะที่เป็นธรรมชาติและสื่อความหมาย การวาดภาพแนวอเมริกันไม่ใช่ขบวนการที่เป็นระบบ แต่แพร่หลายในหมู่ชาวอเมริกัน... วิกิพีเดีย
- "งานแต่งงานของชาวนา", 1568, Pieter Bruegel, พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches, เวียนนา ... Wikipedia
พิกัด: 29°43′32″ N. ว. 95°23′26″ ว ง. / 29.725556° น. ว. 95.390556° ตะวันตก ง ... วิกิพีเดีย
พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์ก- หนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและเป็นพิพิธภัณฑ์ศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา - พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน ซึ่งตั้งอยู่ในนิวยอร์กฝั่งตะวันออกของเซ็นทรัลพาร์คในแมนฮัตตัน สถานที่แห่งนี้เรียกว่า Museum Mile... ... สารานุกรมของผู้ทำข่าว
วิกิพีเดียมีบทความเกี่ยวกับบุคคลที่มีนามสกุลนี้ ดูที่ Bessonova Marina Aleksandrovna Bessonova (22 กุมภาพันธ์ 2488 (24880222) มอสโก 27 มิถุนายน 2544 มอสโก) นักประวัติศาสตร์ศิลป์ชาวรัสเซีย นักวิจารณ์ นักกิจกรรมในพิพิธภัณฑ์ สารบัญ 1... ...วิกิพีเดีย
พิพิธภัณฑ์ศิลปะที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งในสหรัฐอเมริกา ก่อตั้งขึ้นในบอสตันในปี 1870 จัดเก็บตัวอย่างงานประติมากรรมที่โดดเด่นจากอียิปต์โบราณ (รูปปั้นครึ่งตัวของ Ankhhaf, 3 สหัสวรรษก่อนคริสต์ศักราช), กรีซและโรม, สิ่งทอคอปติก, ศิลปะยุคกลางของจีนและญี่ปุ่น... ... สารานุกรมผู้ยิ่งใหญ่แห่งสหภาพโซเวียต
- (เดอ คูนนิ่ง, วิลเลม) เดอ คูนนิ่งในเวิร์คช็อปของเขา (พ.ศ. 2447 2540) ศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย หัวหน้าคณะวิชาการแสดงออกเชิงนามธรรม เดอ คูนนิ่ง เกิดเมื่อวันที่ 24 เมษายน พ.ศ. 2447 ในเมืองร็อตเตอร์ดัม เมื่ออายุ 15 ปี เข้าเรียนหลักสูตรจิตรกรรมภาคค่ำ... ... สารานุกรมถ่านหิน
- (แชตตานูกา) เมืองทางตะวันออกเฉียงใต้ของสหรัฐอเมริกา (ดู สหรัฐอเมริกา) (เทนเนสซี); ท่าเรือบนแม่น้ำเทนเนสซีในหุบเขา Great Appalachian; ตั้งอยู่ระหว่างเทือกเขาแอปพาเลเชียนและที่ราบสูงคัมเบอร์แลนด์ ติดกับรัฐจอร์เจีย ประชากร 153.6 พันคน...... สารานุกรมทางภูมิศาสตร์
- (แชตตานูกา) เมืองทางตะวันออกเฉียงใต้ของสหรัฐอเมริกา รัฐเทนเนสซี ท่าเรือริมแม่น้ำ รัฐเทนเนสซี 152,000 คน (พ.ศ. 2537 มีชานเมืองประมาณ 430,000 คน) อุตสาหกรรมเคมี สิ่งทอ เยื่อกระดาษและกระดาษ โลหะวิทยาเหล็ก, วิศวกรรมเครื่องกล.... ... พจนานุกรมสารานุกรม
บาร์บารา โรส (เกิดปี 1938) เป็นนักประวัติศาสตร์ศิลป์และนักวิจารณ์ศิลปะชาวอเมริกัน เธอเรียนที่ Smith College, Barnard College และ Columbia University เธอแต่งงานกับศิลปิน แฟรงก์ สเตลลา ตั้งแต่ปี 2504 ถึง 2512 ใน... ... วิกิพีเดีย
หนังสือ
- ภาพวาดภาษาอังกฤษและอเมริกันในหอศิลป์แห่งชาติวอชิงตัน (ปกอ่อน), E. G. Milyugina หอศิลป์แห่งชาติวอชิงตันมีคอลเลกชันภาพวาดอังกฤษและอเมริกันที่ใหญ่ที่สุดในโลกในระดับศิลปะระดับสูง คอลเลกชันที่สะท้อนทั้งประวัติศาสตร์การวาดภาพโลก...
) ในผลงานที่แสดงออกและกว้างขวางของเธอสามารถรักษาความโปร่งใสของหมอก ความเบาของใบเรือ และการโยกตัวของเรืออย่างราบรื่นบนคลื่น
ภาพวาดของเธอสร้างความประหลาดใจด้วยความลึก ปริมาณ ความสมบูรณ์ และพื้นผิวที่ไม่อาจละสายตาจากภาพวาดเหล่านั้นได้
ความเรียบง่ายอันอบอุ่นของ Valentin Gubarev
ศิลปิน Primitivist จากมินสค์ วาเลนติน กูบาเรฟไม่ไล่ตามชื่อเสียงแต่ทำในสิ่งที่เขารัก งานของเขาได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อในต่างประเทศ แต่เพื่อนร่วมชาติแทบไม่รู้จัก ในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 ชาวฝรั่งเศสตกหลุมรักภาพร่างในชีวิตประจำวันของเขาและเซ็นสัญญากับศิลปินเป็นเวลา 16 ปี ภาพวาดซึ่งดูเหมือนว่าควรจะเข้าใจได้สำหรับเราเท่านั้นผู้ถือ "เสน่ห์อันเรียบง่ายของลัทธิสังคมนิยมที่ยังไม่พัฒนา" ดึงดูดสาธารณชนชาวยุโรปและนิทรรศการเริ่มขึ้นในสวิตเซอร์แลนด์ เยอรมนี บริเตนใหญ่ และประเทศอื่น ๆ
ความสมจริงทางความรู้สึกของ Sergei Marshennikov
Sergei Marshennikov อายุ 41 ปี เขาอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและทำงานในประเพณีที่ดีที่สุดของโรงเรียนการวาดภาพเหมือนจริงของรัสเซียคลาสสิก วีรสตรีของผืนผ้าใบของเขาคือผู้หญิงที่อ่อนโยนและไม่มีที่พึ่งในสภาพเปลือยเปล่าครึ่งหนึ่ง ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดหลายภาพพรรณนาถึงรำพึงของศิลปินและภรรยา Natalya
โลกสายตาสั้นของฟิลิป บาร์โลว์
ในยุคสมัยใหม่ของภาพที่มีความละเอียดสูงและการเพิ่มขึ้นของไฮเปอร์เรียลลิสม์ ผลงานของ Philip Barlow ดึงดูดความสนใจได้ทันที อย่างไรก็ตามผู้ชมต้องใช้ความพยายามบางอย่างเพื่อบังคับตัวเองให้มองภาพเงาและจุดสว่างที่พร่ามัวบนผืนผ้าใบของผู้เขียน นี่อาจเป็นวิธีที่ผู้คนที่เป็นโรคสายตาสั้นมองโลกโดยไม่สวมแว่นตาและคอนแทคเลนส์
กระต่ายสดใส โดย Laurent Parselier
ภาพวาดของ Laurent Parcelier เป็นโลกที่น่าทึ่งซึ่งไม่มีทั้งความโศกเศร้าและความสิ้นหวัง คุณจะไม่พบภาพที่มืดมนและมีฝนตกจากเขา ผืนผ้าใบของเขาประกอบด้วยแสง อากาศ และสีสดใสมากมาย ซึ่งศิลปินนำไปใช้กับลายเส้นที่มีลักษณะเฉพาะและเป็นที่จดจำได้ ทำให้เกิดความรู้สึกว่าภาพเขียนถูกถักทอจากแสงตะวันนับพัน
พลวัตของเมืองในผลงานของ Jeremy Mann
ศิลปินชาวอเมริกัน Jeremy Mann วาดภาพบุคคลที่มีชีวิตชีวาของมหานครสมัยใหม่ด้วยสีน้ำมันบนแผ่นไม้ “รูปทรงนามธรรม เส้น คอนทราสต์ของแสงและจุดมืด ล้วนสร้างภาพที่กระตุ้นให้เกิดความรู้สึกที่บุคคลหนึ่งประสบท่ามกลางฝูงชนและความวุ่นวายในเมือง แต่ยังสามารถถ่ายทอดความสงบที่พบได้เมื่อใคร่ครวญความงามอันเงียบสงบ” ศิลปินกล่าว
โลกมายาของนีล ไซมอน
ในภาพวาดของศิลปินชาวอังกฤษ Neil Simone ไม่มีอะไรเหมือนที่เห็นเมื่อมองแวบแรก “สำหรับฉัน โลกรอบตัวฉันเต็มไปด้วยรูปทรง เงา และขอบเขตที่เปราะบางและเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา” ไซมอนกล่าว และในภาพวาดของเขาทุกอย่างเป็นภาพลวงตาและเชื่อมโยงถึงกันอย่างแท้จริง ขอบเขตถูกเบลอ และเรื่องราวก็ไหลเข้าหากัน
ละครรักโดย Joseph Lorasso
Joseph Lorusso ศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัยชาวอิตาลีโดยกำเนิดได้ถ่ายทอดลงบนผืนผ้าใบที่เขาสังเกตเห็นในชีวิตประจำวันของผู้คนทั่วไป การกอดและจูบ การแสดงอารมณ์ที่เร่าร้อน ช่วงเวลาแห่งความอ่อนโยนและความปรารถนาเติมเต็มภาพทางอารมณ์ของเขา
ชีวิตในชนบทของมิทรีเลวิน
Dmitry Levin เป็นปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์ของรัสเซียที่ได้รับการยอมรับ ซึ่งได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองในฐานะตัวแทนที่มีพรสวรรค์ของโรงเรียนที่สมจริงของรัสเซีย แหล่งที่มาที่สำคัญที่สุดของงานศิลปะของเขาคือความผูกพันกับธรรมชาติ ซึ่งเขารักอย่างอ่อนโยนและหลงใหล และรู้สึกว่าตัวเองเป็นส่วนหนึ่ง
ไบรท์อีสต์ โดย Valery Blokhin
ในโลกตะวันออกทุกอย่างแตกต่าง: สีต่างกัน, อากาศต่างกัน, คุณค่าชีวิตที่แตกต่างกันและความเป็นจริงนั้นยอดเยี่ยมยิ่งกว่านิยาย - นี่คือสิ่งที่ศิลปินสมัยใหม่ Valery Blokhin เชื่อ ในการวาดภาพ Valery ชอบสีมากที่สุด งานของเขาคือการทดลองอยู่เสมอ เขาไม่ได้เริ่มต้นจากรูปร่างเหมือนศิลปินส่วนใหญ่ แต่มาจากจุดที่มีสีสัน Blokhin มีเทคนิคพิเศษของตัวเอง ขั้นแรกเขาใช้จุดนามธรรมบนผืนผ้าใบ จากนั้นจึงทำให้ความเป็นจริงสมบูรณ์
ต้นฉบับนำมาจาก วานาติก05 ใน AMERICAN PAINTING – 5 (ประเพณีที่สมจริงในศตวรรษที่ 20)
ในปีพ.ศ. 2456 สมาคมจิตรกรและประติมากรอเมริกันได้จัดนิทรรศการศิลปะสมัยใหม่ครั้งใหญ่ระดับนานาชาติครั้งแรกในชื่อ Armory Show ที่คลังอาวุธของ National Guard บนถนนเล็กซิงตันอเวนิว มันกลายเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะอเมริกัน ทำให้เกิดอารมณ์ที่แตกต่างกัน: ความประหลาดใจ ความชื่นชม ความขุ่นเคือง การบูชาและการปฏิเสธโดยสิ้นเชิงในหมู่ประชาชนชาวอเมริกัน คุ้นเคยกับความสมจริง ในระดับหนึ่งถึงอิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ไม่ใช่ศิลปะยุโรปแนวหน้า ที่เห็นในนิทรรศการครั้งนี้ ภาพวาด ประติมากรรม และงานตกแต่งกว่า 1,300 ชิ้นโดยศิลปินยุโรปและอเมริการ่วมสมัยมากกว่า 300 คนไม่เพียงแต่มาเยือนนิวยอร์กเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชิคาโกและวอชิงตันด้วย
บทวิจารณ์ของนิทรรศการรวมถึงการกล่าวหาว่าผิดศีลธรรม ไม่เป็นมืออาชีพ ความบ้าคลั่ง การหลอกลวง งานหลายชิ้นถูกเรียกว่าการ์ตูนล้อเลียนและการล้อเลียนการวาดภาพ และธีโอดอร์ รูสเวลต์กล่าวว่า: "นี่ไม่ใช่ศิลปะเลย!"
อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่พลเรือนไม่ได้เข้าไปแทรกแซงและไม่พยายามที่จะปิดนิทรรศการ และเรื่องอื้อฉาวที่อยู่รอบ ๆ นิทรรศการนี้มีส่วนทำให้การขายผลงานมากมายที่สามารถพบได้ในพิพิธภัณฑ์ของอเมริกาประสบความสำเร็จในปัจจุบัน และ MoMA (พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ก็สามารถ โดยทั่วไปถือเป็นทายาทและผู้สืบทอดของนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยครั้งแรกนั้น
มันมีอิทธิพลทางอ้อมต่อศิลปินในการเคลื่อนไหวที่สมจริง และประเพณีที่สมจริงไม่เคยตายในอเมริกา ไม่เพียงแต่มีส่วนทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในเทคนิคการวาดภาพและธีมเท่านั้น แต่ยังให้กำเนิดเทรนด์ใหม่ในการวาดภาพ เช่น “ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง”*
และหน่อของมันคือ "ลัทธิแม่นยำ"** ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปินชาวอเมริกัน
และขบวนการทางศิลปะ “regionalism”*** (หรือ ภูมิภาคนิยม) ที่เกิดในอเมริกา
เราจะพูดถึงศิลปิน ตัวแทนของงานศิลปะแนวสมจริงด้านต่างๆ ในอเมริกาแห่งศตวรรษที่ 20
ชาร์ลส์ เบิร์ชฟิลด์(พ.ศ. 2436-2510) นักวาดภาพสีน้ำที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งในอเมริกา ซึ่งวาดภาพเขียนบนขาตั้งโดยใช้เทคนิคพู่กันแห้ง ในช่วงต้น (ภายในปี พ.ศ. 2458) ได้พัฒนาสไตล์นีโอเรียลลิสต์ของเขาเอง โดยผสมผสานเทรนด์สมัยใหม่ ภาพวาดจีนแบบดั้งเดิม และองค์ประกอบของลัทธิโฟวิสม์ .
ตลอดชีวิตการสร้างสรรค์ของเขา เขาเปลี่ยนทิศทางและเทคนิค วาดภาพทิวทัศน์และภาพวาดเกี่ยวกับวัตถุทางประวัติศาสตร์ ฉากที่สังเกตจากหน้าต่างบ้านของเขา และดอกไม้ "ภาพหลอน" ด้วยจิตวิญญาณแห่งความสมจริงที่มีมนต์ขลัง ทิวทัศน์ของธรรมชาติและพลังอันศักดิ์สิทธิ์ของมัน
เพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ศูนย์ธรรมชาติและศิลปะถูกสร้างขึ้นในบัฟฟาโลในปี 2509 เรียกว่าศูนย์ศิลปะ Birchfield Penny ซึ่งรวมถึงคอลเลกชันผลงานของศิลปินที่ใหญ่ที่สุดในโลกด้วย
เรจินัลด์ มาร์ช(พ.ศ. 2441-2497) เกิดที่ปารีส ในครอบครัวศิลปินที่ร่ำรวย เป็นลูกศิษย์ของดี. สโลน ซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรและนักวาดภาพประกอบฉากในเมือง ชีวิตบนท้องถนน และชายหาดของนิวยอร์ก
ภาพวาดของเขาโดดเด่นด้วยความละเอียดรอบคอบของสารคดี เต็มไปด้วยความรักที่น่าขันต่อตัวละคร เขาวาดภาพล้อเลียนและเพลงโวเดอวิลล์เป็นจำนวนมาก โดยพิจารณาว่าเป็น "โรงละครของคนธรรมดาสามัญที่แสดงออกถึงอารมณ์ขันและจินตนาการของคนยากจน แก่และน่าเกลียด"
เขาทำงานด้านน้ำมันและหมึก สีน้ำ เทมเพอราไข่ และเริ่มต้นชีวิตสร้างสรรค์ด้วยการพิมพ์หิน สไตล์ของเขาสามารถจัดได้ว่าเป็น "ความสมจริงทางสังคม" โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ และการอุทิศตนต่อปรมาจารย์ผู้เก่าแก่ซึ่งเขาบูชาผลงานของเขาได้นำไปสู่การสร้างผลงานที่มีอุปมาอุปมัยทางศาสนา
ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตด้วยอาการหัวใจวาย มาร์ชได้รับเหรียญทองด้านภาพพิมพ์จาก American Academy of Arts
แฟร์ฟิลด์ พอร์เตอร์(พ.ศ. 2450-2518) เกิดมาในครอบครัวสถาปนิกและกวี เรียนที่ Harvard และ League of American Students ยึดมั่นในทิศทางที่สมจริงมาตลอดชีวิต วาดภาพทิวทัศน์และภาพครอบครัวและเพื่อน ๆ เป็นหลัก พยายามเผยให้เห็นความผิดปกติ ในชีวิตธรรมดาและทำให้มันสวยงามยิ่งขึ้น
ผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของบิดาสถาปนิกของเขา ผลงานของ Velázquez และศิลปินในเวลาต่อมาคือ Bonnard และ Vuillard เขาเชื่อว่า "ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์สามารถสร้างภาพความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ได้"
บางทีการขาดครูสอนวาดภาพสีน้ำมันที่ดีทัศนคติที่ระมัดระวังต่อราคะและความเป็นธรรมชาติที่มีอยู่ในชาวอเมริกันจำนวนมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมาช่วยอธิบายลักษณะที่ค่อนข้างดึกดำบรรพ์ของผลงานของ Porter ความอึดอัดใจความแข็งของร่างของเขาลักษณะคงที่
และเฉพาะในผลงานต่อมาของเขาเท่านั้นที่เขาเริ่มข้ามพรมแดนระหว่างอิมเพรสชั่นนิสต์และโฟวิสม์ ภาพวาดของเขาจะเป็นอิสระมากขึ้น สีสันก็สว่างขึ้น และงานของเขาก็มีแสงสว่างมากขึ้น
เอ็ดเวิร์ด ฮอปเปอร์(พ.ศ. 2425-2510) เกิดที่เมือง Nyack ซึ่งเป็นศูนย์กลางการสร้างเรือยอชท์บนแม่น้ำฮัดสัน ในครอบครัวที่ร่ำรวยซึ่งมีเชื้อสายดัตช์ ความสามารถทางศิลปะของฮอปเปอร์แสดงออกมาเมื่ออายุ 5 ขวบ พ่อแม่ของเขาปลูกฝังให้เขารักศิลปะฝรั่งเศสและรัสเซียและสนับสนุนให้เขาหลงใหลในการวาดภาพและความสนใจที่หลากหลาย
ฮอปเปอร์ทำงานในปากกาและหมึก ถ่าน สีน้ำ น้ำมันและการพิมพ์หิน วาดภาพบุคคลและทิวทัศน์ท้องทะเล การ์ตูนการเมือง และภาพวาดจากชีวิต ในงานของฮอปเปอร์ เราสามารถมองเห็นอิทธิพลของโรเบิร์ต เฮนรี่ ครูคนหนึ่งของเขา และมาเนต์และเดกาส์
วิลเลียม เชส และแรมแบรนดท์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Night Watch" ของเขา และในขณะที่อาศัยอยู่ในปารีส วาดภาพตามท้องถนน ในร้านกาแฟและโรงละคร เขายังคงอยู่ในประเพณีของงานศิลปะที่สมจริง แม้ว่านักวิจัยบางคนจะถือว่างานของเขามีความแม่นยำเนื่องจากมีความชัดเจน ลักษณะงานของเขามีเส้นสายที่ชัดเจน รูปทรงเรขาคณิต กลไก ความปลอดเชื้อ และความว่างเปล่า
เขาบอกว่า “สิ่งที่เขาชอบในการวาดภาพคือแสงแดดที่ส่องผนังบ้าน” ในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ Hopper มีโชคดีกว่าศิลปินคนอื่นๆ เขายังคงจัดแสดงผลงานทุกปีและขายดีตลอดชีวิต
ผลงานของเขาไม่เพียงมีอิทธิพลอย่างมากต่อทัศนศิลป์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพยนตร์ด้วยองค์ประกอบทางภาพยนตร์และการใช้แสงและความมืดอย่างน่าทึ่ง
พอล แคดมัส(พ.ศ. 2447-2542) ตัวแทนของขบวนการ "ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง" ผสมผสานองค์ประกอบระหว่างกามารมณ์และการวิจารณ์สังคมในงานของเขา
ได้รับชื่อเสียงอื้อฉาวด้วยลวดลายรักร่วมเพศที่โจ่งแจ้งในภาพวาดและภาพวาดชายเปลือยเปล่า
เขาเกิดมาในครอบครัวที่ยากจนของศิลปิน พ่อของเขาสนับสนุนให้เด็กชายวาดรูป และเมื่ออายุ 14 ปี เขาได้เข้าเรียนหลักสูตรที่ National Academy of Design จากนั้นจึงเข้าเรียนที่ Academy เขาเดินทางไปกับเพื่อน ๆ บ่อยครั้ง วาดภาพผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่สะท้อนถึงความประทับใจในยุโรป วาดภาพหลายร่างจากชีวิตของชาวประมง กะลาสี ฉากชีวิตในเมือง
และหลังจากพบกับนักแสดงและนักบัลเล่ต์ Kirsten แล้ว Cadmus ก็เริ่มผลิตผลงานมากมายในธีมบัลเล่ต์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพนักเต้น
Paul Cadmus มีอายุยืนยาวและเสียชีวิตเมื่ออายุ 95 ปีในอ้อมแขนของเพื่อนและนางแบบประจำของเขาซึ่งอยู่เคียงข้างเขาตลอด 35 ปีสุดท้ายของชีวิต Cadmus ชอบพูดซ้ำคำพูดของ Ingres: “ ผู้คนบอกว่าภาพวาดของฉันไม่เหมาะกับเวลานี้ บางทีพวกเขาอาจเข้าใจผิดและฉันเป็นเพียงคนเดียวที่ตามทันเวลา”
อีวาน (อีวาน) อัลไบรท์(พ.ศ. 2440-2526) หนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของความสมจริงด้านเวทมนตร์ เกิดมาพร้อมกับน้องชายฝาแฝดของเขาในครอบครัวของศิลปิน
พี่น้องแยกจากกันไม่ได้ตลอดชีวิต ทั้งคู่ศึกษาที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก น้องชายมัลวินกลายเป็นประติมากร และอีวานกลายเป็นจิตรกร แต่เริ่มต้นจากการเป็นสถาปนิก และในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เขาได้วาดภาพทางการแพทย์สำหรับโรงพยาบาล ในเมืองน็องต์ เขามักจะเรียกร้องอย่างมากเกี่ยวกับงานของเขา โดยเขียนรายละเอียดทั้งหมดอย่างระมัดระวัง และอุทิศผลงานหลายชิ้นของเขาให้กับหัวข้อที่ซับซ้อน เช่น ชีวิตและความตาย วัตถุและจิตวิญญาณ ผลกระทบของเวลาต่อรูปลักษณ์ภายนอกและโลกภายในของบุคคล
งานดังกล่าวต้องใช้เวลามากจึงขายได้น้อยภาพวาดจำนวนมากยังคงอยู่ในกรรมสิทธิ์ของเขา อัลไบรท์สร้างสีและถ่านของตัวเอง และหมกมุ่นอยู่กับการจัดแสงจนถึงจุดที่เขาสวมเสื้อผ้าสีดำและทาสีสตูดิโอของเขาเป็นสีดำเพื่อป้องกันแสงสะท้อน
เขาวาดภาพในลักษณะที่เหมือนจริงแต่มีรายละเอียดเกินจริง เขาชอบที่จะสังเกตกาลเวลาและวาดภาพตัวเองมากกว่า 20 ภาพในช่วง 3 ปีสุดท้ายของชีวิตเพียงลำพังเพื่อสะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในตัวบุคคล
จอร์จ แคลร์ ทูเกอร์จูเนียร์ (พ.ศ. 2463-2554) ซึ่งผลงานของเขาเป็นตัวแทนของทิศทางของสัจนิยมสังคมนิยมและความสมจริงที่มีมนต์ขลัง เกิดมาในครอบครัวที่มีรากฐานมาจากภาษาอังกฤษ ฝรั่งเศส สเปน คิวบาและอเมริกัน โดยการยืนกรานของพ่อแม่ของเขา เขาจึงศึกษาวรรณคดีอังกฤษที่มหาวิทยาลัยฮาร์วาร์ด แต่อุทิศเวลาส่วนใหญ่ให้กับการวาดภาพ
หลังจากรับราชการในนาวิกโยธินซึ่งเขาถูกปลดประจำการเนื่องจากสุขภาพย่ำแย่ เขาได้เข้าเรียนหลักสูตรที่สมาคมนักศึกษาศิลปะ ทำงานเกี่ยวกับอุบาทว์ไข่เป็นจำนวนมาก และชื่นชมศิลปะในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี
ภาพวาดของ Tooker พรรณนาถึงฉากชีวิตประจำวันของชาวอเมริกัน ร่างมนุษย์ในภาพวาดเหล่านี้มักไม่มีเชื้อชาติหรืออัตลักษณ์ทางเพศที่เจาะจง แสดงออกถึงความเหงา ความโดดเดี่ยว และไม่เปิดเผยตัวตน
เขาให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับการปฏิบัติตามสัดส่วนทางเรขาคณิตและความสมมาตรด้วยเหตุนี้เขาจึงวาดภาพช้ามาก - ไม่เกินสองภาพต่อปี นับตั้งแต่นิทรรศการใหญ่ครั้งแรกของเขาในปี 1951 Tooker ได้จัดแสดงอย่างต่อเนื่องและประสบความสำเร็จ และผลงานของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์สำคัญๆ ในอเมริกา
ปีเตอร์ บลูม(ปีเตอร์ บลูม) - (พ.ศ. 2449-2535) ศิลปินและประติมากรซึ่งมีผลงานประกอบด้วยองค์ประกอบของลัทธิความแม่นยำ ความพิถีพิถัน ลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์ สถิตยศาสตร์ และศิลปะพื้นบ้าน เขาเกิดในรัสเซียในครอบครัวชาวยิวที่อพยพไปอเมริกาในปี 1912 และตั้งรกรากที่บรูคลิน
หลังจากเรียนศิลปะในสถาบันการศึกษาต่างๆ เขาได้เปิดสตูดิโอของตัวเองภายใต้การอุปถัมภ์ของครอบครัวร็อคกี้เฟลเลอร์ เช่นเดียวกับผู้ร่วมสมัยแนวสัจนิยมหลายๆ คน เขาเป็นแฟนตัวยงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เดินทางไปทั่วอิตาลี ภาพวาดชิ้นแรกของเขาซึ่งได้รับการยอมรับในปี 1934 คือ "เมืองอันเป็นนิรันดร์" ซึ่งใครๆ ก็สามารถแยกแยะภาพลักษณ์ของมุสโสลินีได้ราวกับแจ็ค- ในกล่อง โผล่ออกมาจากโคลอสเซียม
ผลงานของเขาซึ่งมักแสดงถึงการทำลายล้างสามารถตีความได้ว่าเป็นสัญลักษณ์ของการฟื้นฟูและการต่ออายุหลังสงครามโลกครั้งที่สอง โดยเห็นได้จากก้อนหิน คานใหม่ และร่างของคนทำงาน
สไตล์ทางศิลปะของบลูมเป็นการผสมผสานที่น่าสนใจระหว่างการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แตกต่างกันของศิลปะอเมริกันและยุโรป เขาถูกเรียกว่า "ศิลปินในเทพนิยาย"
แอนดรูว์ นีเวลล์ ไวเอธ(พ.ศ. 2460-2552) ตัวแทนของสไตล์สัจนิยมที่เน้นภูมิภาคนิยม เกิดมาในครอบครัวของนักวาดภาพประกอบที่ใส่ใจในการพัฒนาพรสวรรค์ของลูกๆ ทั้งห้าคน โดยสอนวรรณกรรม ดนตรี และการศึกษาธรรมชาติที่ดีให้พวกเขา พ่อเองก็สอนลูก ๆ ที่บ้านและพวกเขาก็มีความสามารถทั้งหมด: ศิลปิน นักดนตรี นักแต่งเพลง นักประดิษฐ์
บ้านของพวกเขาเป็นสถานที่ที่สร้างสรรค์ ซึ่งคนดังอย่าง Scott Fitzgerald และ Mary Pickford มักมาเยี่ยมเยียน น่าแปลกที่ไวเอทคิดว่าตัวเองเป็นนักนามธรรมและให้ความสำคัญกับการรับรู้ถึงความหมายอันลึกซึ้งในวัตถุที่เรียบง่าย ธีมที่เขาชื่นชอบในภาพวาดของเขาคือโลกและผู้คนรอบตัวเขา
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Christina's World แสดงให้เห็นเด็กผู้หญิงคนหนึ่งจากฟาร์มใกล้เคียง ซึ่งพิการด้วยโรคโปลิโอ กำลังคลานตามลำพังไปยังบ้านที่อยู่ห่างไกล
Helga Testorf อุทิศภาพวาดและภาพวาด 247 ชิ้นให้กับผู้หญิงคนหนึ่ง เขาศึกษาเธอในสภาพแวดล้อมและสภาวะทางอารมณ์ที่หลากหลายซึ่งเป็นประสบการณ์ที่ไม่เหมือนใครในศิลปะอเมริกัน
แม้ว่าไวเอธจะผลิตผลงานที่ยอดเยี่ยมทางเทคนิคมากมายและมีผู้ติดตามจำนวนมาก แต่งานศิลปะของเขาก็ถือเป็นข้อขัดแย้ง โดยนักวิจารณ์ศิลปะ โรเซนบลัม อธิบายว่าเขาเป็นศิลปินที่ "ถูกประเมินเกินจริงและประเมินต่ำเกินไป"
แกรนท์ วู้ด(พ.ศ. 2434-2485) หนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิภูมิภาคนิยม เกิดที่ไอโอวา สูญเสียพ่อไปตั้งแต่เนิ่นๆ ทำงานในร้านฮาร์ดแวร์ เรียนที่โรงเรียนศิลปะ และจากนั้นที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก
Young Grant เดินทางไปยุโรป 4 ครั้งเพื่อศึกษารูปแบบการวาดภาพ โดยให้ความสนใจเป็นพิเศษกับอิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ แต่เขาชื่นชมผลงานของ Van Eyck และใฝ่ฝันที่จะผสมผสานวิธีการสมัยใหม่เข้ากับความชัดเจน ความแม่นยำ และความลึกของศิลปะยุคกลางในงานของเขา .
ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขาถูกเรียกว่า "American Gothic" มันสะท้อนถึงมุมมองดั้งเดิมของศตวรรษที่ 19 เกี่ยวกับบทบาทของชายและหญิงในอเมริกา ภาพวาดดังกล่าวได้รับการตอบรับอย่างคลุมเครือ บางคนมองว่าเป็นภาพล้อเลียน และหนังสือพิมพ์ล้อเลียน ในทางที่แตกต่าง.
ต่อมา ขณะสอนศิลปะที่มหาวิทยาลัยไอโอวา วูดกลายเป็นบุคคลสำคัญในสังคมวัฒนธรรมของมหาวิทยาลัย แต่เนื่องจากข่าวลือว่าเขามีพฤติกรรมรักร่วมเพศกับเลขานุการส่วนตัว วูดจึงถูกไล่ออกและเสียชีวิตในไม่ช้าด้วยโรคมะเร็งตับอ่อน
โธมัส ฮาร์ท (ฮาร์ท) เบนตัน(พ.ศ. 2432-2518) เกิดมาในครอบครัวนักการเมือง พ่อของเขา ผู้พัน ทนายความ และผู้ใจบุญ ได้รับเลือกเข้าสู่สภาคองเกรสสี่ครั้ง พ่อต้องการให้ลูกชายเดินตามรอยของเขา แต่เด็กชายสนใจศิลปะ แม่ของเขาสนับสนุนทางเลือกของเขา และเขาเข้าเรียนที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก จากนั้นไปปารีสเพื่อศึกษาต่อที่ Julian Academy
เมื่อกลับมาอเมริกาและวาดภาพต่อ เขารับราชการในกองทัพเรือสหรัฐฯ ระหว่างสงครามโลกครั้งที่ 1 โดยทำงานเกี่ยวกับภาพลายพรางของเรือและอู่ต่อเรือ ซึ่งจำเป็นต้องมีการแสดงภาพสารคดีที่สมจริง และต่อมามีอิทธิพลต่อสไตล์ของเขา ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เบนตันประกาศตัวเองว่าเป็น "ศัตรูของลัทธิสมัยใหม่" และกลายเป็นหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของลัทธิภูมิภาคนิยม และยึดมั่นในมุมมอง "ฝ่ายซ้าย"
เขาเริ่มสนใจ El Greco อิทธิพลของงานของเขาปรากฏให้เห็นในงานจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่ที่แสดงถึงขั้นตอนและเหตุการณ์ต่าง ๆ ในชีวิตของประเทศ
เบนตันสอนที่ Art Student League ในนิวยอร์ก นักเรียนของเขาหลายคนกลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง (Hopper, Pollack, Marsh) แต่ถูกไล่ออกเนื่องจากกล่าวประณามเกี่ยวกับอิทธิพลที่ไม่เหมาะสมของคนรักร่วมเพศในโลกศิลปะ หลังสงครามโลกครั้งที่สอง ภูมิภาคนิยมในฐานะขบวนการสูญเสียความเกี่ยวข้อง เบนตันยังคงวาดภาพจิตรกรรมฝาผนัง
ทำงานอย่างแข็งขันต่อไปอีกประมาณ 30 ปี แต่ไม่ได้รับความนิยมอีกต่อไป
จอห์น สจ๊วต แครี่(พ.ศ. 2440-2489) เกิดในฟาร์มแห่งหนึ่งในรัฐแคนซัสดูแลสัตว์ชอบกรีฑาและตั้งแต่วัยเด็กเขาถูกรายล้อมไปด้วยภาพวาดของ Rubens และDoréซึ่งมีบทบาทในการเลือกสไตล์ศิลปะในเวลาต่อมา
จอห์นศึกษาที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก ทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบนิตยสาร และใช้เวลาหนึ่งปีในปารีสเพื่อศึกษาผลงานของ Courbet, Daumier, Titian และ Rubens เมื่อกลับมาที่สหรัฐอเมริกา เขาทำงานในสตูดิโอมาระยะหนึ่ง เดินทางไปกับคณะละครสัตว์ ได้รับแต่งตั้งให้เป็นศิลปินคนแรกที่มหาวิทยาลัยวิสคอนซิน-แมดิสัน และเดินทางไปทั่วประเทศเพื่อส่งเสริมการพัฒนาศิลปะในชุมชนเกษตรกรรม
เขาได้วาดภาพฝาผนังให้กับกระทรวงยุติธรรมในวอชิงตันและสำหรับศาลากลางในแคนซัส แครีเป็นหนึ่งในสามเสาหลัก (เบนตันและวูด) ของลัทธิภูมิภาคนิยมอเมริกัน ซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างยิ่งในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่
เขาบรรยายถึงฉากการทำงาน ครอบครัว และที่ดิน และการรับมือกับภัยพิบัติทางธรรมชาติเพื่อแสดงให้โลกเห็นถึงความอุตสาหะ การทำงานหนัก และความศรัทธาของผู้คน ซึ่งแคร์รีเชื่อว่าเป็นแก่นแท้ของชีวิตชาวอเมริกัน
พูดตามตรงฉันไม่ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินแนวสัจนิยมโดยทั่วไปมากนัก ฉันค่อนข้างสนใจงานของตัวแทนแห่งความสมจริงที่มีมนต์ขลังเพียงรายบุคคลเท่านั้น (Cadmus, Blume, Hopper) แต่โดยทั่วไปแล้วช่วงเวลานี้ในศิลปะอเมริกันไม่ได้ใกล้เคียงกับฉัน ฉันจะทำอย่างไร
ส่วนถัดไปและส่วนสุดท้ายจะเน้นไปที่ศิลปะอเมริกันร่วมสมัย ตอนจบตามมา...
เช่นเคย สไลด์โชว์พร้อมรูปภาพและเพลงเพราะๆ อีกมากมาย:
* ความสมจริงเวทย์มนตร์- ในฐานะที่เป็นขบวนการทางศิลปะ ความสมจริงที่มีมนต์ขลังได้พัฒนาบนแผ่นดินอเมริกา และกลายเป็นสิ่งที่เทียบเท่ากับลัทธิเหนือจริงของยุโรป ในหลาย ๆ ด้าน ตอบสนองรสนิยมและความต้องการของผู้ชมชาวอเมริกัน ผลงานของปรมาจารย์แห่งความสมจริงด้านเวทมนตร์มีลักษณะที่น่าตกตะลึง ตกตะลึงในความตรงไปตรงมา ขณะเดียวกันก็ผสมผสานเข้ากับลักษณะโดยสรุปของสถานการณ์และภาพล้อเลียนของตัวละคร ความเป็นจริงคือ เหมือนความฝันกระสับกระส่ายหรืออาการเพ้อหลอนประสาทมากกว่า
**ลัทธิความแม่นยำหรือ presiginism (ความแม่นยำภาษาอังกฤษ - ความแม่นยำความชัดเจน) - ลักษณะทิศทางของการวาดภาพอเมริกันในยุค 30 ซึ่งเป็นประเภทของความสมจริงที่มีมนต์ขลัง ตัวแบบหลักสำหรับนักเน้นความแม่นยำคือภาพลักษณ์ของเมือง ธีมหลักคือ สุนทรียศาสตร์เชิงกลไก พื้นที่ของภาพเขียนปลอดเชื้อ ให้ความรู้สึกเหมือนมีอากาศถูกสูบออกมา ไม่มีบุคคลอยู่ในนั้น
***ภูมิภาคนิยมหรือ ภูมิภาคนิยม (จากภาษาอังกฤษในระดับภูมิภาค - ท้องถิ่น) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในงานศิลปะของสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2463-2483 ซึ่งมีพื้นฐานมาจากความปรารถนาที่จะสร้างงานศิลปะอเมริกันอย่างแท้จริงซึ่งตรงข้ามกับการเคลื่อนไหวแนวหน้าที่มาจากยุโรป ศิลปินระดับภูมิภาคได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดเกี่ยวกับอัตลักษณ์ประจำชาติ โดยเน้นที่การวาดภาพอเมริกาที่ "แท้จริง" ธีมของผลงาน ได้แก่ ภูมิทัศน์ของอเมริกา ฉากจากชีวิตของเกษตรกร ชีวิตในเมืองเล็กๆ ตอนต่างๆ จากประวัติศาสตร์ ตำนานท้องถิ่น และเรื่องราวพื้นบ้าน