จิตรกรรมเฟลมิช เทคนิคการวาดภาพแบบเฟลมิช โรงเรียนจิตรกรรมเฟลมิช ระบายสีภาพวาดโดยศิลปินชื่อดัง: เคล็ดลับเทคนิคการวาดภาพสีน้ำมัน เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันแบบเก่า

วันนี้ฉันอยากจะบอกคุณในรายละเอียดเพิ่มเติม เกี่ยวกับวิธีการวาดภาพแบบเฟลมิชซึ่งเราเพิ่งศึกษาในชุดที่ 1 ของหลักสูตรของฉัน และฉันอยากจะแสดงรายงานสั้นๆ เกี่ยวกับผลลัพธ์และกระบวนการเรียนรู้ออนไลน์ของเราด้วย

ในระหว่างหลักสูตร ฉันได้พูดคุยเกี่ยวกับวิธีการวาดภาพแบบโบราณ เกี่ยวกับไพรเมอร์ สารเคลือบเงา และสี และเปิดเผยความลับมากมายที่เรานำไปปฏิบัติ - เราวาดภาพหุ่นนิ่งตามความคิดสร้างสรรค์ของชาวดัตช์ตัวน้อย ตั้งแต่เริ่มแรกเราได้ดำเนินงานโดยคำนึงถึงความแตกต่างทั้งหมดของเทคนิคการวาดภาพเฟลมิช

วิธีนี้ใช้แทนอุบาทว์ที่เคยใช้มาก่อน เชื่อกันว่าเช่นเดียวกับพื้นฐานของการวาดภาพสีน้ำมัน วิธีการนี้ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินชาวเฟลมิช ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น - ยาน ฟาน เอคอมนี่คือจุดเริ่มต้นของประวัติศาสตร์ภาพวาดสีน้ำมัน

ดังนั้น. นี่เป็นวิธีการวาดภาพที่จิตรกรแห่งแฟลนเดอร์สใช้ตามที่ Van Mander กล่าว:ฟาน เอคกี้, ดูเรอร์, ลุคแห่งไลเดน และปีเตอร์ บรูเกล วิธีการดังต่อไปนี้: ภาพวาดถูกถ่ายโอนโดยใช้ดินปืนหรือวิธีอื่นบนไพรเมอร์กาวสีขาวและขัดเรียบซึ่งก่อนหน้านี้ดำเนินการในรูปแบบขนาดเต็มแยกต่างหากบนกระดาษ (“ กระดาษแข็ง”) เนื่องจากการวาดภาพโดยตรงบนไพรเมอร์คือ หลีกเลี่ยงเพื่อไม่ให้รบกวนความขาวซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งในการวาดภาพภาษาเฟลมิช

จากนั้นภาพวาดก็แรเงาด้วยสีน้ำตาลใสเพื่อให้มองเห็นพื้นผ่านได้

การแรเงาดังกล่าวทำด้วยอุบาทว์แล้วมันก็ทำเหมือนการแกะสลักด้วยลายเส้นหรือสีน้ำมันในขณะที่งานนั้นทำด้วยความระมัดระวังอย่างที่สุดและเป็นงานศิลปะในรูปแบบนี้แล้ว

จากภาพวาดที่แรเงาด้วยสีน้ำมันหลังจากการอบแห้งพวกเขาทาสีและทาสีให้เสร็จทั้งแบบฮาล์ฟโทนเย็นจากนั้นจึงเติมสีโทนอุ่น (ซึ่ง Van Mander เรียกว่า "Dead Tones") หรือเสร็จสิ้นงานด้วยการเคลือบสีในขั้นตอนเดียว ครึ่งตัว เหลือสีน้ำตาลเตรียมไว้ให้เห็นเป็นฮาล์ฟโทนและเงา เราใช้วิธีนี้อย่างแน่นอน

ครอบครัวเฟลมิงส์มักจะทาสีในชั้นบางๆ และสม่ำเสมอเพื่อใช้ประโยชน์จากความโปร่งแสงของไพรเมอร์สีขาว และได้พื้นผิวที่เรียบ ซึ่งหากจำเป็น ก็สามารถเคลือบได้อีกหลายครั้ง

ด้วยการพัฒนาทักษะการวาดภาพของศิลปินวิธีการที่อธิบายไว้ข้างต้นมีการเปลี่ยนแปลงหรือทำให้เข้าใจง่าย ศิลปินแต่ละคนใช้วิธีการที่แตกต่างจากวิธีอื่นเล็กน้อย

แต่พื้นฐานยังคงเหมือนเดิมมาเป็นเวลานาน: การทาสีในหมู่เฟลมมิ่งมักจะใช้ไพรเมอร์กาวสีขาวเสมอ (ซึ่งไม่ดูดซับน้ำมันจากสี) , ชั้นสีบาง ๆ ใช้ในลักษณะที่ไม่เพียง แต่การทาสีทุกชั้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสีรองพื้นสีขาวซึ่งเป็นเหมือนแหล่งกำเนิดแสงที่ส่องภาพจากภายในเข้ามามีส่วนร่วมในการสร้างเอฟเฟกต์ภาพโดยรวม

Nadezhda Ilyina ของคุณ

เมื่อศึกษาเทคนิคของปรมาจารย์ผู้เฒ่าบางคนเราพบสิ่งที่เรียกว่า "วิธีเฟลมิช" ในการวาดภาพสีน้ำมัน นี่เป็นวิธีการเขียนที่มีหลายชั้นและซับซ้อนทางเทคนิค ซึ่งตรงกันข้ามกับเทคนิค "a la prima" การซ้อนหลายชั้นบ่งบอกถึงความลึกของภาพ ความแวววาว และความเปล่งประกายของสีเป็นพิเศษ อย่างไรก็ตาม ในการอธิบายวิธีการนี้ มักพบขั้นตอนลึกลับเช่น "ชั้นที่ตายแล้ว" อยู่เสมอ แม้จะมีชื่อที่น่าสนใจ แต่ก็ไม่มีเวทย์มนต์อยู่ในนั้น

แต่มันใช้ทำอะไรล่ะ?

คำว่า "สีที่ตายแล้ว" (doodverf - ความตายของสี) ปรากฏครั้งแรกในผลงานของ Karl van Mander "The Book of Artists" ในแง่หนึ่งเขาสามารถเรียกการทาสีในลักษณะนี้อย่างแท้จริง เนื่องจากความตายที่มันให้กับภาพ ในทางกลับกัน ในเชิงเปรียบเทียบ เนื่องจากสีซีดนี้ "ตาย" ภายใต้สีที่ตามมา สีเหล่านี้ประกอบด้วยสีเหลืองฟอกขาว สีดำ และสีแดงในสัดส่วนที่ต่างกัน ตัวอย่างเช่น จะได้สีเทาเย็นโดยการผสมสีขาวกับสีดำ และสีดำกับสีเหลืองเมื่อรวมกันจะเกิดเป็นสีมะกอก

เลเยอร์ที่ทาสีด้วย "สีที่ตายแล้ว" ถือเป็น "ชั้นที่ตายแล้ว"

เปลี่ยนเป็นภาพวาดสีจากชั้นที่ตายแล้วด้วยการเคลือบ

ขั้นตอนการวาดภาพด้วย "ชั้นตาย"

เราจะพาไปที่สตูดิโอของศิลปินชาวดัตช์ในยุคกลางและค้นหาว่าเขาวาดภาพอย่างไร

ขั้นแรก การออกแบบจะถูกถ่ายโอนไปยังพื้นผิวที่ลงสีพื้นแล้ว

ขั้นตอนต่อไปคือการสร้างแบบจำลองปริมาตรด้วยเงามัวโปร่งใส ผสมผสานเข้ากับแสงจากพื้นดินอย่างละเอียด

จากนั้นจึงใช้อิมพรีมาทูรา - ชั้นสีของเหลว ทำให้สามารถรักษาภาพวาดไว้ได้ โดยป้องกันไม่ให้อนุภาคของถ่านหินหรือดินสอเข้าไปในชั้นบนของสี และยังปกป้องสีไม่ให้ซีดจางอีกด้วย ต้องขอบคุณอิมพรีมาตูราที่สีสันที่หลากหลายในภาพวาดของ Van Eyck, Rogier van der Weyden และปรมาจารย์คนอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือยังคงไม่เปลี่ยนแปลงจนถึงทุกวันนี้

ขั้นตอนที่สี่คือ "ชั้นที่ตายแล้ว" ซึ่งใช้สีฟอกขาวกับสีรองพื้นตามปริมาตร ศิลปินจำเป็นต้องรักษารูปทรงของวัตถุโดยไม่รบกวนความเปรียบต่างของแสงและเงา ซึ่งจะนำไปสู่ความหมองคล้ำในการวาดภาพต่อไป “สีที่ตายแล้ว” ใช้กับส่วนแสงของภาพเท่านั้น บางครั้งเป็นการเลียนแบบรังสีเลื่อน จึงมีการใช้ปูนขาวเป็นเส้นประเล็กๆ ภาพวาดได้รับปริมาณเพิ่มขึ้นและสีซีดมรณะที่เป็นลางไม่ดีซึ่งในชั้นถัดไป "มีชีวิตขึ้นมา" ด้วยการเคลือบสีหลายชั้น ภาพวาดที่ซับซ้อนเช่นนี้ดูลึกและเปล่งประกายอย่างผิดปกติเมื่อมีแสงสะท้อนจากแต่ละชั้น ราวกับมาจากกระจกที่กะพริบ

วันนี้วิธีนี้ไม่ได้ใช้บ่อยนัก แต่สิ่งสำคัญคือต้องรู้ความลับของปรมาจารย์เก่า การใช้ประสบการณ์ของพวกเขาทำให้คุณสามารถทดลองความคิดสร้างสรรค์และค้นหาสไตล์และเทคนิคทุกประเภทได้

ในส่วนนี้ ฉันอยากจะแนะนำแขกให้รู้จักความพยายามของฉันในด้านเทคนิคการวาดภาพหลายชั้นที่เก่าแก่มาก ซึ่งมักเรียกอีกอย่างว่าเทคนิคการวาดภาพแบบเฟลมิช ฉันเริ่มสนใจเทคนิคนี้เมื่อได้เห็นผลงานของปรมาจารย์เก่า ศิลปินแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างใกล้ชิด: Jan van Eyck, Peter Paul Rubens
เปตรุส คริสตัส, ปิเอเตอร์ บรูเกล และเลโอนาร์โด ดา วินชี ไม่ต้องสงสัยเลยว่างานเหล่านี้ยังคงเป็นแบบอย่างโดยเฉพาะอย่างยิ่งในแง่ของเทคนิคการปฏิบัติ
การวิเคราะห์ข้อมูลในหัวข้อนี้ช่วยให้ฉันกำหนดหลักการบางอย่างสำหรับตัวเองซึ่งจะช่วยฉันได้หากไม่ทำซ้ำอย่างน้อยก็พยายามเข้าใกล้สิ่งที่เรียกว่าเทคนิคการวาดภาพเฟลมิชมากขึ้น

ปีเตอร์ แคลส์ หุ่นนิ่ง

นี่คือสิ่งที่พวกเขามักเขียนเกี่ยวกับเธอในวรรณคดีและทางอินเทอร์เน็ต:
ตัวอย่างเช่นคุณลักษณะนี้มอบให้กับเทคโนโลยีนี้บนเว็บไซต์ http://www.chernorukov.ru/

นี่เป็นวิธีแรกในการทำงานกับสีน้ำมันและตำนานเล่าถึงการประดิษฐ์ของมันรวมถึงการประดิษฐ์สีด้วยตัวเองสำหรับพี่น้อง Van Eyck การศึกษางานศิลปะสมัยใหม่ช่วยให้เราสามารถสรุปได้ว่าการวาดภาพโดย ปรมาจารย์ชาวเฟลมิชคนเก่ามักจะทำบนพื้นกาวสีขาวเสมอ สีถูกทาด้วยชั้นเคลือบบาง ๆ และในลักษณะที่ไม่เพียงแต่การทาสีทุกชั้นเท่านั้นที่มีส่วนร่วมในการสร้างเอฟเฟกต์ภาพโดยรวม แต่ยังรวมถึงสีขาวของภาพด้วย พื้นดินซึ่งส่องผ่านสีทำให้ภาพสว่างขึ้นจากภายใน ที่น่าสังเกตอีกประการหนึ่งคือการไม่มีสีขาวในการวาดภาพยกเว้นกรณีที่ทาสีเสื้อผ้าหรือผ้าม่านสีขาว บางครั้งยังพบได้ในแสงที่สว่างจ้าที่สุด แต่ถึงอย่างนั้นก็อยู่ในรูปแบบของการเคลือบที่ดีที่สุดเท่านั้น งานจิตรกรรมทั้งหมดดำเนินการตามลำดับที่เข้มงวด เริ่มต้นด้วยการวาดภาพบนกระดาษหนาในขนาดของภาพวาดในอนาคต มันกลายเป็นเช่นนี้เรียกว่า "กระดาษแข็ง" ตัวอย่างของกระดาษแข็งดังกล่าวคือภาพวาดของ Leonardo da Vinci สำหรับภาพเหมือนของ Isabella d'Este ขั้นตอนต่อไปของงานคือการถ่ายโอนแบบร่างไปที่พื้น เมื่อต้องการทำเช่นนี้ให้ใช้เข็มแทงตามแนวและขอบของเงาทั้งหมด จากนั้นจึงวางกระดาษแข็งไว้บนไพรเมอร์ขัดสีขาวที่ทาบนกระดาน และการออกแบบก็ถูกถ่ายโอนด้วยผงถ่าน เมื่อเข้าไปในรูที่ทำในกระดาษแข็งถ่านหินจะทิ้งแสงไว้ตามโครงร่างของการออกแบบตามภาพ เพื่อยึดให้แน่น ให้ใช้ดินสอ ปากกา หรือปลายแหลมของแปรงลากรอยถ่าน ในกรณีนี้พวกเขาใช้หมึกหรือสีโปร่งใสบางชนิด ศิลปินไม่เคยวาดภาพบนพื้นโดยตรง เนื่องจากพวกเขากลัวที่จะรบกวนความขาวของมัน ซึ่งดังที่ได้กล่าวไปแล้ว มีบทบาทเป็นโทนสีที่เบาที่สุดในการวาดภาพ หลังจากถ่ายโอนภาพวาดแล้ว เราก็เริ่มแรเงาด้วยสีน้ำตาลใส เพื่อให้แน่ใจว่าไพรเมอร์สามารถมองเห็นได้ผ่านชั้นของมันทุกที่ การแรเงาด้วยอุบาทว์หรือน้ำมัน ในกรณีที่สอง เพื่อป้องกันไม่ให้สารยึดเกาะสีซึมเข้าสู่ดิน จึงถูกเคลือบด้วยกาวเพิ่มเติมอีกชั้นหนึ่ง ในขั้นตอนของการทำงานนี้ ศิลปินได้แก้ไขงานจิตรกรรมในอนาคตเกือบทั้งหมด ยกเว้นงานสี ต่อจากนั้นไม่มีการเปลี่ยนแปลงใด ๆ กับภาพวาดหรือองค์ประกอบและในรูปแบบนี้งานก็เป็นงานศิลปะแล้ว บางครั้ง ก่อนที่จะวาดภาพด้วยสีเสร็จ ภาพวาดทั้งหมดจะถูกเตรียมในสิ่งที่เรียกว่า "สีที่ตายแล้ว" ซึ่งก็คือโทนสีเย็น สว่าง และมีความเข้มต่ำ การเตรียมการนี้ต้องใช้ชั้นเคลือบสีขั้นสุดท้ายด้วยความช่วยเหลือซึ่งมอบชีวิตให้กับงานทั้งหมด
ภาพวาดที่ทำโดยใช้วิธีเฟลมิชมีความโดดเด่นด้วยการเก็บรักษาที่ดีเยี่ยม สร้างขึ้นบนกระดานที่ปรุงรสและดินที่แข็งแรง ทนทานต่อการทำลายล้างได้ดี การไม่มีสีขาวในทางปฏิบัติในชั้นภาพวาด ซึ่งสูญเสียอำนาจการซ่อนเมื่อเวลาผ่านไป และด้วยเหตุนี้จึงเปลี่ยนสีโดยรวมของงาน ทำให้มั่นใจได้ว่าเราจะมองเห็นภาพวาดเกือบจะเหมือนกับที่ออกมาจากเวิร์คช็อปของผู้สร้าง
เงื่อนไขหลักที่ต้องปฏิบัติเมื่อใช้วิธีการนี้คือการวาดอย่างพิถีพิถัน การคำนวณที่ดีที่สุด ลำดับงานที่ถูกต้อง และความอดทนสูง"

ประสบการณ์ครั้งแรกของฉันแน่นอนว่ายังมีชีวิตอยู่ ฉันนำเสนอการสาธิตการพัฒนางานทีละขั้นตอน
เลเยอร์ที่ 1 ของอิมพรีมาตูราและการวาดภาพนั้นไม่สนใจ ดังนั้นฉันจึงข้ามไป
ชั้นที่ 2 ขึ้นทะเบียนด้วยสีอัมเบอร์ธรรมชาติ

ชั้นที่ 3 อาจเป็นได้ทั้งการปรับแต่งและการบดอัดของชั้นก่อนหน้าหรือ "ชั้นที่ตายแล้ว" ที่ทำด้วยปูนขาว สีดำ และการเติมดินเหลืองใช้ทำสี สีน้ำตาลไหม้และอุลตรามารีนเพื่อให้ความอบอุ่นหรือความเย็นเล็กน้อย

ชั้นที่ 4 เป็นชั้นแรกและชั้นที่อ่อนที่สุดในการทาสี

ชั้นที่ 5 จะทำให้ได้สีที่อิ่มตัวมากขึ้น

ชั้นที่ 6 คือบริเวณที่มีการสรุปรายละเอียด

ชั้นที่ 7 สามารถใช้เพื่อทำให้กระจกมีความกระจ่างได้ เช่น เพื่อ "อุด" พื้นหลัง

เขาทำงานในเทคนิคไคอาโรสคูโร (แสงเงา) ซึ่งบริเวณที่มืดของภาพจะตัดกันกับส่วนที่สว่าง เป็นที่น่าสังเกตว่าไม่มีการค้นพบภาพร่างของคาราวัจโจสักชิ้นเดียว เขาทำงานเวอร์ชันสุดท้ายของงานทันที

การวาดภาพในศตวรรษที่ 17 ในอิตาลี สเปน และเนเธอร์แลนด์นำเทรนด์ใหม่มาสูดอากาศบริสุทธิ์ ชาวอิตาเลียน de Fiori และ Gentileschi, Spaniard Ribera, Terbruggen และ Barburen ต่างก็ใช้เทคนิคที่คล้ายกัน
การาวัจกิสม์ยังมีอิทธิพลอย่างมากต่อขั้นตอนของความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์เช่น Peter Paul Rubens, Georges de La Tour และ Rembrandt

ภาพวาดอันใหญ่โตของพวกคาราวัจโจทำให้ประหลาดใจกับความลึกและความใส่ใจในรายละเอียด เรามาพูดถึงจิตรกรชาวดัตช์ที่ทำงานเกี่ยวกับเทคนิคนี้กันดีกว่า

Hendrik Terbruggen เป็นคนแรกที่ยอมรับแนวคิดนี้ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 เขาได้ไปเยือนโรม ซึ่งเขาได้พบกับมันเฟรดี ซาราเชนี และเจนตีเลสกี ชาวดัตช์เป็นผู้ริเริ่มโรงเรียนวาดภาพ Utrecht ด้วยเทคนิคนี้

วัตถุในภาพวาดมีความสมจริง โดยโดดเด่นด้วยอารมณ์ขันอันอ่อนโยนของฉากที่บรรยาย Terbruggen ไม่เพียงแต่แสดงให้เห็นช่วงเวลาของชีวิตร่วมสมัยของแต่ละบุคคลเท่านั้น แต่ยังนำเสนอแนวคิดธรรมชาตินิยมแบบดั้งเดิมอีกด้วย

Honthorst เดินหน้าพัฒนาโรงเรียนต่อไป เขาหันไปหาเรื่องราวในพระคัมภีร์ แต่สร้างโครงเรื่องจากมุมมองประจำวันของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ดังนั้นในภาพวาดของเขา เราจึงเห็นอิทธิพลที่ชัดเจนของเทคนิคไคอาโรสคูโร มันเป็นผลงานของเขาที่ได้รับอิทธิพลจากพวกคาราวัจโจที่ทำให้เขามีชื่อเสียงในอิตาลี สำหรับฉากประเภทของเขาใต้แสงเทียน เขาได้รับฉายาว่า "กลางคืน"

จิตรกรชาวเฟลมิชเช่นรูเบนส์และฟาน ไดก์ต่างจากโรงเรียนอูเทรคต์ตรงที่ไม่กลายเป็นผู้สนับสนุนลัทธิคาราวัจโจอย่างกระตือรือร้น สไตล์นี้ระบุไว้ในผลงานของพวกเขาเป็นขั้นตอนที่แยกจากกันในการสร้างสไตล์ส่วนตัวเท่านั้น

เอเดรียน โบราเวอร์ และเดวิด เทเนียร์ส

ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ภาพวาดของปรมาจารย์ชาวเฟลมิชมีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ เราจะเริ่มการทบทวนศิลปินจากขั้นตอนต่อๆ ไป เมื่อมีการย้ายจากภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ไปสู่หัวข้อที่เน้นเฉพาะแคบ

First Brouwer และ Teniers the Younger สร้างสรรค์ผลงานจากฉากต่างๆ ในชีวิตประจำวันของชาวดัตช์ทั่วไป ดังนั้นเอเดรียนจึงสานต่อลวดลายของปีเตอร์บรูเกลต่อไปจึงเปลี่ยนเทคนิคการเขียนและจุดเน้นของภาพวาดของเขาไปบ้าง

มันมุ่งเน้นไปที่ด้านที่ไม่น่าดูที่สุดของชีวิต เขามองหาประเภทผ้าใบของเขาในร้านเหล้าและร้านเหล้าที่มีควันคลุ้งและมีแสงสลัวๆ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของ Brouwer ทำให้ประหลาดใจด้วยการแสดงออกและความลึกของตัวละคร ศิลปินซ่อนตัวละครหลักไว้ในส่วนลึก โดยวางหุ่นนิ่งไว้เบื้องหน้า

การต่อสู้โดยการเล่นลูกเต๋าหรือไพ่ การสูบบุหรี่หรือการเต้นขี้เมา มันเป็นวิชาที่สนใจจิตรกรอย่างแน่นอน

แต่ผลงานในเวลาต่อมาของ Brouwer ก็นุ่มนวลขึ้นโดยอารมณ์ขันมีชัยเหนือความพิสดารและการไม่ยับยั้งชั่งใจอยู่แล้ว ตอนนี้ผืนผ้าใบมีความรู้สึกเชิงปรัชญาและสะท้อนถึงจังหวะที่สบายๆ ของตัวละครที่มีความคิด

นักวิจัยกล่าวว่าในศตวรรษที่ 17 ศิลปินชาวเฟลมิชเริ่มมีขนาดเล็กลงเมื่อเทียบกับปรมาจารย์รุ่นก่อนๆ อย่างไรก็ตาม เราเพียงเห็นการเปลี่ยนแปลงจากการแสดงออกที่ชัดเจนของเรื่องที่เป็นตำนานของ Rubens และภาพล้อเลียนของ Jordaens ไปสู่ชีวิตอันเงียบสงบของชาวนาใน Teniers the Younger

โดยเฉพาะอย่างยิ่งอย่างหลังมุ่งเน้นไปที่ช่วงเวลาที่ไร้กังวลของวันหยุดในหมู่บ้าน เขาพยายามพรรณนาถึงงานแต่งงานและงานเฉลิมฉลองของชาวนาธรรมดา นอกจากนี้ยังให้ความสนใจเป็นพิเศษกับรายละเอียดภายนอกและการใช้ชีวิตในอุดมคติ

ฟรานส์ สไนเดอร์ส

เช่นเดียวกับอันทอน ฟาน ไดจ์ค ซึ่งเราจะพูดถึงในภายหลัง เขาเริ่มฝึกซ้อมกับเฮนดริก ฟาน บาเลน นอกจากนี้ Pieter Bruegel the Younger ยังเป็นที่ปรึกษาของเขาอีกด้วย

เมื่อพิจารณาผลงานของปรมาจารย์ท่านนี้ เราจะได้ทำความคุ้นเคยกับอีกแง่มุมหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ที่ภาพวาดเฟลมิชมีมากมาย ภาพวาดของสไนเดอร์สแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากภาพวาดของคนรุ่นเดียวกันของเขา ฝรั่งเศสพยายามค้นหาโพรงของเขาและพัฒนาไปสู่จุดสูงสุดของปรมาจารย์ที่ไม่มีใครเทียบได้

เขากลายเป็นผู้ที่เก่งที่สุดในการวาดภาพหุ่นนิ่งและสัตว์ต่างๆ ในฐานะจิตรกรเกี่ยวกับสัตว์ เขามักจะได้รับเชิญจากจิตรกรคนอื่นๆ โดยเฉพาะรูเบนส์ ให้สร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกบางส่วนของพวกเขา

ในงานของสไนเดอร์สมีการเปลี่ยนแปลงอย่างค่อยเป็นค่อยไปจากหุ่นนิ่งในช่วงปีแรกๆ ของเขาไปสู่ฉากการล่าสัตว์ในยุคต่อๆ ไป แม้ว่าเขาจะไม่ชอบการถ่ายภาพบุคคลและการพรรณนาถึงผู้คน แต่ก็ยังปรากฏอยู่ในผืนผ้าใบของเขา เขาออกจากสถานการณ์ได้อย่างไร?

ง่ายมาก ฝรั่งเศสเชิญ Janssens, Jordaens และปรมาจารย์คนอื่นๆ ที่เขารู้จักจากกิลด์ให้สร้างภาพลักษณ์ของนักล่า

ดังนั้นเราจะเห็นว่าการวาดภาพในแฟลนเดอร์สในศตวรรษที่ 17 สะท้อนให้เห็นถึงขั้นตอนการเปลี่ยนแปลงที่แตกต่างกันไปจากเทคนิคและมุมมองก่อนหน้านี้ มันไม่ได้เกิดขึ้นอย่างราบรื่นเหมือนในอิตาลี แต่มันทำให้โลกมีการสร้างสรรค์ที่ไม่ธรรมดาโดยปรมาจารย์ชาวเฟลมิช

เจค็อบ จอร์เดนส์

ภาพวาดเฟลมิชในศตวรรษที่ 17 มีลักษณะพิเศษคือมีเสรีภาพมากกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับสมัยก่อน ที่นี่คุณไม่เพียงแต่จะได้เห็นฉากสดจากชีวิตเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจุดเริ่มต้นของอารมณ์ขันด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขามักจะยอมให้ตัวเองนำภาพล้อเลียนเข้าไปในผืนผ้าใบของเขา

ในงานของเขา เขาไม่ได้มีความโดดเด่นมากนักในฐานะจิตรกรภาพเหมือน แต่ถึงกระนั้น เขาอาจจะกลายเป็นคนที่ดีที่สุดในการถ่ายทอดตัวละครในภาพ ดังนั้นหนึ่งในซีรีส์หลักของเขา - "Festivities of the Bean King" - มีพื้นฐานมาจากภาพประกอบนิทานพื้นบ้านนิทานพื้นบ้านเรื่องตลกและคำพูด ผืนผ้าใบเหล่านี้สื่อถึงชีวิตที่แออัด ร่าเริง และมีชีวิตชีวาของสังคมชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17

เมื่อพูดถึงศิลปะการวาดภาพของชาวดัตช์ในยุคนี้ เรามักจะพูดถึงชื่อของ Peter Paul Rubens มันเป็นอิทธิพลของเขาที่สะท้อนให้เห็นในผลงานของศิลปินชาวเฟลมิชส่วนใหญ่

Jordaens ก็ไม่รอดจากชะตากรรมนี้เช่นกัน เขาทำงานในเวิร์คช็อปของ Rubens มาระยะหนึ่งแล้วสร้างภาพร่างสำหรับผืนผ้าใบ อย่างไรก็ตาม Jacob สามารถสร้างเทคนิค tenebrism และ chiaroscuro ได้ดีกว่า

หากเราพิจารณาผลงานชิ้นเอกของ Jordaens ให้ละเอียดยิ่งขึ้นและเปรียบเทียบกับผลงานของ Peter Paul เราจะเห็นอิทธิพลที่ชัดเจนของผลงานชิ้นหลัง แต่ภาพวาดของยาโคบมีความโดดเด่นด้วยโทนสีที่อุ่นกว่า อิสระ และความนุ่มนวล

ปีเตอร์ รูเบนส์

เมื่อพูดถึงผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพเฟลมิช เราต้องไม่พลาดที่จะพูดถึงรูเบนส์ ปีเตอร์ พอลเป็นปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการยกย่องว่าเป็นอัจฉริยะในเรื่องทางศาสนาและเทพนิยาย แต่ศิลปินก็แสดงความสามารถไม่น้อยในด้านเทคนิคภูมิทัศน์และการถ่ายภาพบุคคล

เขาเติบโตขึ้นมาในครอบครัวที่ต้องอับอายเพราะกลอุบายของพ่อในวัยหนุ่ม ไม่นานหลังจากพ่อแม่เสียชีวิต ชื่อเสียงของพวกเขาก็กลับคืนมา และรูเบนส์และแม่ของเขากลับมาที่แอนต์เวิร์ป

ที่นี่ชายหนุ่มได้รับการเชื่อมต่อที่จำเป็นอย่างรวดเร็วเขาถูกสร้างเป็นเพจของเคาน์เตสเดอลาเลน นอกจากนี้ Peter Paul ยังได้พบกับ Tobias, Verhacht, van Noort แต่ออตโต ฟาน วีนมีอิทธิพลพิเศษต่อเขาในฐานะที่ปรึกษา ศิลปินคนนี้เป็นผู้มีบทบาทสำคัญในการกำหนดสไตล์ของปรมาจารย์ในอนาคต

หลังจากฝึกฝนกับออตโต รูเบนส์เป็นเวลาสี่ปี พวกเขาก็ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมสมาคมศิลปิน ช่างแกะสลัก และช่างแกะสลักที่เรียกว่าสมาคมเซนต์ลุค การสิ้นสุดการฝึกอบรมตามประเพณีอันยาวนานของปรมาจารย์ชาวดัตช์คือการเดินทางไปอิตาลี ที่นั่น Peter Paul ศึกษาและคัดลอกผลงานชิ้นเอกที่ดีที่สุดแห่งยุคนี้

ไม่น่าแปลกใจที่ภาพวาดของศิลปินชาวเฟลมิชชวนให้นึกถึงเทคนิคของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวอิตาลีบางคน

ในอิตาลี Rubens อาศัยและทำงานร่วมกับ Vincenzo Gonzaga ผู้ใจบุญและนักสะสมชื่อดัง นักวิจัยเรียกช่วงเวลานี้ว่างานของเขา Mantuan เนื่องจากที่ดินของผู้อุปถัมภ์ Peter Paul ตั้งอยู่ในเมืองนี้

แต่ที่ตั้งของจังหวัดและความปรารถนาที่จะใช้ของกอนซากาไม่ได้ทำให้รูเบนส์พอใจ ในจดหมาย เขาเขียนว่าวิเชนโซสามารถใช้บริการของจิตรกรภาพบุคคลและช่างฝีมือได้เช่นกัน สองปีต่อมาชายหนุ่มได้พบกับผู้อุปถัมภ์และคำสั่งในกรุงโรม

ความสำเร็จหลักของยุคโรมันคือภาพวาดของซานตามาเรียในวาลิเซลลาและแท่นบูชาของอารามในแฟร์โม

หลังจากแม่ของเขาเสียชีวิต รูเบนส์กลับมาที่เมืองแอนต์เวิร์ป ซึ่งเขาได้กลายเป็นปรมาจารย์ที่ได้รับค่าจ้างสูงสุดอย่างรวดเร็ว เงินเดือนที่เขาได้รับจากศาลบรัสเซลส์ทำให้เขาสามารถใช้ชีวิตอย่างหรูหรา มีเวิร์กช็อปขนาดใหญ่ และมีเด็กฝึกงานมากมาย

นอกจากนี้ ปีเตอร์ พอล ยังรักษาความสัมพันธ์กับคณะนิกายเยซูอิตซึ่งเขาได้รับการเลี้ยงดูตั้งแต่ยังเป็นเด็ก จากนั้นเขาได้รับคำสั่งให้ตกแต่งภายในโบสถ์แอนต์เวิร์ปแห่งเซนต์ชาร์ลส์บอร์โรเมียน ที่นี่เขาได้รับความช่วยเหลือจากนักเรียนที่ดีที่สุดของเขา Anton van Dyck ซึ่งเราจะพูดถึงในภายหลัง

รูเบนส์ใช้เวลาครึ่งหลังของชีวิตในภารกิจทางการทูต ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต เขาซื้อที่ดินให้ตัวเอง ซึ่งเขาตั้งรกรากและเริ่มวาดภาพทิวทัศน์และบรรยายถึงชีวิตของชาวนา

อิทธิพลของทิเชียนและบรูเกลปรากฏชัดเป็นพิเศษในผลงานของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ ผลงานที่โด่งดังที่สุดคือภาพวาด "Samson and Delilah", "The Hunt for the Hippopotamus", "The Abduction of the Daughters of Leucippus"

รูเบนส์มีอิทธิพลอย่างมากต่อภาพวาดของยุโรปตะวันตกจนในปี พ.ศ. 2386 มีการสร้างอนุสาวรีย์ให้เขาที่จัตุรัสกรีนในแอนต์เวิร์ป

อันตอน ฟาน ไดค์

จิตรกรภาพบุคคลในศาลผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพในตำนานและศาสนาศิลปิน - ทั้งหมดนี้คือลักษณะของ Anton van Dyck นักเรียนที่ดีที่สุดของ Peter Paul Rubens

เทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์คนนี้เกิดขึ้นระหว่างการศึกษากับ Hendrik van Balen ซึ่งเขาฝึกงานด้วย ใช้เวลาหลายปีในสตูดิโอของจิตรกรคนนี้ที่ทำให้ Anton ได้รับชื่อเสียงในท้องถิ่นอย่างรวดเร็ว

เมื่ออายุได้ 14 ปี เขาวาดภาพผลงานชิ้นเอกชิ้นแรก และเมื่ออายุ 15 ปี เขาได้เปิดเวิร์คช็อปครั้งแรก ดังนั้นเมื่ออายุยังน้อย ฟาน ไดค์จึงกลายเป็นคนดังในเมืองแอนต์เวิร์ป

เมื่ออายุได้ 17 ปี แอนตันได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมกิลด์เซนต์ลุค ซึ่งเขาก็ได้เป็นเด็กฝึกงานของรูเบนส์ ตลอดระยะเวลาสองปี (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2461 ถึง พ.ศ. 2463) ฟาน ไดก์วาดภาพเหมือนของพระเยซูคริสต์และอัครสาวกทั้งสิบสองคนบนกระดานสิบสามแผ่น ปัจจุบันผลงานเหล่านี้ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วโลก

ศิลปะการวาดภาพของ Anton van Dyck เน้นไปที่ประเด็นทางศาสนามากกว่า เขาวาดภาพเขียนที่มีชื่อเสียงของเขาเรื่อง "The Crowning" และ "The Kiss of Judas" ในสตูดิโอของ Rubens

ระยะเวลาการเดินทางเริ่มขึ้นในปี ค.ศ. 1621 ขั้นแรก ศิลปินหนุ่มทำงานในลอนดอน ภายใต้การนำของคิงเจมส์ จากนั้นจึงไปอิตาลี ในปี 1632 แอนตันกลับมาที่ลอนดอนโดยที่ชาร์ลส์ที่ 1 แต่งตั้งเขาเป็นอัศวินและมอบตำแหน่งศิลปินในราชสำนักให้เขา ที่นี่เขาทำงานจนตาย

ภาพวาดของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ในมิวนิก เวียนนา พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ วอชิงตัน นิวยอร์ก และห้องโถงอื่นๆ อีกมากมายทั่วโลก

ดังนั้นวันนี้ผู้อ่านที่รักของเราจึงได้เรียนรู้เกี่ยวกับการวาดภาพแบบเฟลมิช คุณมีความคิดเกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของการก่อตัวและเทคนิคการสร้างผืนผ้าใบ นอกจากนี้เรายังได้พบกับปรมาจารย์ชาวดัตช์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนี้โดยสังเขป

นี่คือผลงานของศิลปินยุคเรอเนซองส์: Jan van Eyck, Petrus Christus, Pieter Bruegel และ Leonardo da Vinci ผลงานเหล่านี้โดยผู้เขียนหลายคนและโครงเรื่องที่แตกต่างกันนั้นถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยเทคนิคการเขียนแบบเดียว - วิธีการวาดภาพแบบเฟลมิช ในอดีต นี่เป็นวิธีแรกในการทำงานกับสีน้ำมัน และตำนานเล่าขานถึงการประดิษฐ์ของมันรวมถึงการประดิษฐ์สีด้วยตัวเอง ว่าเป็นของพี่น้องฟาน เอค วิธีเฟลมิชเป็นที่นิยมไม่เพียงแต่ในยุโรปเหนือเท่านั้น มันถูกพาไปที่อิตาลี ซึ่งศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคเรอเนซองส์ต่างก็หันไปใช้มัน ไปจนถึงทิเชียนและจอร์โจเน มีความเห็นว่าศิลปินชาวอิตาลีวาดภาพผลงานของตนในลักษณะเดียวกันต่อหน้าพี่น้องฟานเอคมานาน เราจะไม่เจาะลึกประวัติศาสตร์และชี้แจงว่าใครเป็นคนแรกที่ใช้มัน แต่เราจะพยายามพูดถึงวิธีการนั้นเอง

การศึกษางานศิลปะสมัยใหม่ช่วยให้เราสรุปได้ว่าการวาดภาพของปรมาจารย์ชาวเฟลมิชเก่านั้นมักจะทำบนพื้นกาวสีขาว สีถูกนำไปใช้ในชั้นเคลือบบาง ๆ และในลักษณะที่ไม่เพียง แต่ทุกชั้นของภาพวาดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสีขาวของไพรเมอร์ซึ่งเมื่อส่องผ่านสีแล้วทำให้ภาพวาดส่องสว่างจากภายในเข้ามามีส่วนร่วมด้วย การสร้างเอฟเฟ็กต์ภาพโดยรวม ที่น่าสังเกตอีกประการหนึ่งคือการไม่มีสีขาวในการวาดภาพ ยกเว้นกรณีที่ทาสีเสื้อผ้าหรือผ้าม่านสีขาว บางครั้งพวกมันยังพบได้ในแสงที่สว่างจ้าที่สุด แต่ถึงอย่างนั้นก็อยู่ในรูปแบบของกระจกที่ดีที่สุดเท่านั้น

งานจิตรกรรมทั้งหมดดำเนินการตามลำดับที่เข้มงวด เริ่มต้นด้วยการวาดภาพบนกระดาษหนาขนาดเท่ากับภาพวาดในอนาคต ผลลัพธ์ที่ได้คือสิ่งที่เรียกว่า "กระดาษแข็ง" ตัวอย่างของกระดาษแข็งดังกล่าวคือภาพวาดของ Leonardo da Vinci สำหรับภาพเหมือนของ Isabella d'Este

ขั้นตอนต่อไปของงานคือการถ่ายโอนลวดลายลงบนพื้น เมื่อต้องการทำเช่นนี้ให้ใช้เข็มแทงตามแนวและขอบของเงาทั้งหมด จากนั้นจึงวางกระดาษแข็งไว้บนไพรเมอร์ขัดสีขาวที่ทาบนกระดาน และการออกแบบก็ถูกถ่ายโอนด้วยผงถ่าน เมื่อเข้าไปในรูที่ทำในกระดาษแข็งถ่านหินจะทิ้งแสงไว้ตามโครงร่างของการออกแบบตามภาพ เพื่อยึดให้แน่น ให้ใช้ดินสอ ปากกา หรือปลายแหลมของแปรงลากรอยถ่าน ในกรณีนี้พวกเขาใช้หมึกหรือสีโปร่งใสบางชนิด ศิลปินไม่เคยวาดภาพบนพื้นโดยตรง เนื่องจากพวกเขากลัวที่จะรบกวนความขาวของมัน ซึ่งดังที่ได้กล่าวไปแล้ว มีบทบาทเป็นโทนสีที่เบาที่สุดในการวาดภาพ

หลังจากถ่ายโอนภาพวาดแล้ว เราก็เริ่มแรเงาด้วยสีน้ำตาลใส เพื่อให้แน่ใจว่าไพรเมอร์สามารถมองเห็นได้ผ่านชั้นของมันทุกที่ การแรเงาด้วยอุบาทว์หรือน้ำมัน ในกรณีที่สอง เพื่อป้องกันไม่ให้สารยึดเกาะสีซึมเข้าสู่ดิน จึงถูกเคลือบด้วยกาวเพิ่มเติมอีกชั้นหนึ่ง ในขั้นตอนของการทำงานนี้ ศิลปินได้แก้ไขงานจิตรกรรมในอนาคตเกือบทั้งหมด ยกเว้นงานสี ต่อจากนั้นไม่มีการเปลี่ยนแปลงใด ๆ กับภาพวาดหรือองค์ประกอบและในรูปแบบนี้งานก็เป็นงานศิลปะแล้ว

บางครั้ง ก่อนที่จะวาดภาพด้วยสีเสร็จ ภาพวาดทั้งหมดจะถูกเตรียมในสิ่งที่เรียกว่า "สีที่ตายแล้ว" ซึ่งก็คือโทนสีเย็น สว่าง และมีความเข้มต่ำ การเตรียมการนี้ต้องใช้ชั้นเคลือบสีขั้นสุดท้ายด้วยความช่วยเหลือซึ่งมอบชีวิตให้กับงานทั้งหมด

เลโอนาร์โด ดา วินชี. "กล่องสำหรับรูปเหมือนของ Isabella d'Este"
ถ่านหิน ร่าเริง พาสเทล 1499.

แน่นอนว่าเราได้วาดโครงร่างทั่วไปของวิธีการระบายสีแบบเฟลมิชแล้ว โดยธรรมชาติแล้วศิลปินทุกคนที่ใช้มันจะนำบางสิ่งบางอย่างของตัวเองมาด้วย ตัวอย่างเช่น เรารู้จากชีวประวัติของศิลปิน Hieronymus Bosch ว่าเขาวาดภาพในขั้นตอนเดียวโดยใช้วิธีภาษาเฟลมิชแบบง่าย ในขณะเดียวกันภาพวาดของเขาก็สวยงามมากและสีก็ไม่เปลี่ยนสีตามกาลเวลา เช่นเดียวกับคนรุ่นราวคราวเดียวกัน เขาได้เตรียมไพรเมอร์สีขาวบางๆ ซึ่งเขาถ่ายทอดภาพวาดที่มีรายละเอียดมากที่สุดลงไป ฉันแรเงาด้วยสีเทมเพอราสีน้ำตาลหลังจากนั้นฉันก็เคลือบภาพวาดด้วยชั้นวานิชสีเนื้อโปร่งใสซึ่งป้องกันดินจากการแทรกซึมของน้ำมันจากชั้นสีที่ตามมา หลังจากการอบแห้งภาพวาด สิ่งที่เหลืออยู่คือการทาสีพื้นหลังด้วยการเคลือบโทนสีที่แต่งไว้ล่วงหน้า และงานก็เสร็จสมบูรณ์ มีเพียงบางครั้งบางสถานที่เท่านั้นที่ถูกทาสีเพิ่มเติมด้วยชั้นที่สองเพื่อเพิ่มสีสัน Pieter Bruegel เขียนผลงานของเขาในลักษณะที่คล้ายกันหรือคล้ายกันมาก

วิธีการแบบเฟลมิชอีกรูปแบบหนึ่งสามารถสืบย้อนได้จากผลงานของเลโอนาร์โด ดา วินชี หากคุณดูงานที่ยังสร้างไม่เสร็จของเขา “The Adoration of the Magi” คุณจะเห็นว่างานดังกล่าวเริ่มต้นบนพื้นสีขาว ภาพวาดที่ถ่ายโอนจากกระดาษแข็งถูกร่างด้วยสีโปร่งใสเช่นดินสีเขียว ภาพวาดถูกแรเงาในเงามืดด้วยโทนสีน้ำตาลหนึ่งโทนใกล้กับซีเปีย ประกอบด้วยสามสี: สีดำ ลายจุด และสีแดงสด งานทั้งหมดถูกแรเงา พื้นสีขาวไม่ถูกเขียนใดๆ แม้แต่ท้องฟ้าก็ถูกจัดเตรียมด้วยโทนสีน้ำตาลเดียวกัน

ในผลงานที่เสร็จสมบูรณ์ของ Leonardo da Vinci แสงได้มาจากพื้นสีขาว เขาทาสีพื้นหลังของผลงานและเสื้อผ้าของเขาด้วยชั้นสีโปร่งใสที่บางที่สุดทับซ้อนกัน

ด้วยการใช้วิธีเฟลมิช เลโอนาร์โด ดา วินชีสามารถจำลองภาพไคอาโรสคูโรได้อย่างพิเศษ ในขณะเดียวกันชั้นสีจะสม่ำเสมอและบางมาก

ศิลปินไม่ได้ใช้วิธีเฟลมิชเป็นเวลานาน มันมีอยู่ในรูปแบบบริสุทธิ์ไม่เกินสองศตวรรษ แต่ผลงานที่ยอดเยี่ยมมากมายถูกสร้างขึ้นในลักษณะนี้ นอกเหนือจากปรมาจารย์ที่กล่าวถึงแล้ว Holbein, Dürer, Perugino, Rogier van der Weyden, Clouet และศิลปินอื่น ๆ ยังใช้อีกด้วย

ภาพวาดที่ทำโดยใช้วิธีเฟลมิชมีความโดดเด่นด้วยการเก็บรักษาที่ดีเยี่ยม สร้างขึ้นบนกระดานที่ปรุงรสและดินที่แข็งแรง ทนทานต่อการทำลายล้างได้ดี การไม่มีสีขาวในทางปฏิบัติในชั้นภาพวาด ซึ่งสูญเสียอำนาจการซ่อนเมื่อเวลาผ่านไป และด้วยเหตุนี้จึงเปลี่ยนสีโดยรวมของงาน ทำให้มั่นใจได้ว่าเราจะมองเห็นภาพวาดเกือบจะเหมือนกับที่ออกมาจากเวิร์คช็อปของผู้สร้าง

เงื่อนไขหลักที่ต้องปฏิบัติตามเมื่อใช้วิธีการนี้คือการวาดอย่างพิถีพิถัน การคำนวณที่ดีที่สุด ลำดับงานที่ถูกต้อง และความอดทนสูง