ศตวรรษที่ 17 มีความสำคัญเป็นพิเศษต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติในยุคปัจจุบัน ในยุคนี้กระบวนการแปลโรงเรียนศิลปะแห่งชาติขนาดใหญ่เสร็จสมบูรณ์แล้ว ความคิดริเริ่มถูกกำหนดโดยเงื่อนไขของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์และประเพณีทางศิลปะที่พัฒนาขึ้นในแต่ละประเทศ - อิตาลี, แฟลนเดอร์ส, ฮอลแลนด์, สเปน, ฝรั่งเศส สิ่งนี้ช่วยให้เราถือว่าศตวรรษที่ 17 เป็นเวทีใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะ เอกลักษณ์ประจำชาติไม่ได้ยกเว้นลักษณะทั่วไป ด้วยการพัฒนาประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในหลาย ๆ ด้าน ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 17 ได้ขยายขอบเขตความสนใจของตนอย่างมีนัยสำคัญ และเพิ่มขอบเขตการรับรู้ของศิลปะให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น
เมื่อเปรียบเทียบกับยุคเรอเนซองส์ ศิลปะของศตวรรษที่ 17 มีความซับซ้อนและขัดแย้งกันมากกว่าในด้านเนื้อหาและรูปแบบทางศิลปะ การรับรู้บทกวีแบบองค์รวมของโลกซึ่งเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกทำลายไปอุดมคติของความสามัคคีและความชัดเจนกลายเป็นสิ่งที่ไม่สามารถบรรลุได้ แต่ภาพลักษณ์ของบุคคลยังคงเป็นจุดสนใจของศิลปิน ไททันส์ซึ่งได้รับการยกย่องในผลงานศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้เปิดทางให้มนุษย์ตระหนักถึงการพึ่งพาสภาพแวดล้อมทางสังคมและกฎแห่งการดำรงอยู่ที่เป็นวัตถุประสงค์ รูปลักษณ์ของมันมีความซับซ้อนทางอารมณ์และจิตใจมากขึ้น เผยให้เห็นความหลากหลายและความร่ำรวยไม่รู้จบของโลกภายใน ลักษณะประจำชาติดูสดใสและชัดเจนยิ่งขึ้น และแสดงตำแหน่งของมันในสังคม ชีวิตจริงถูกเปิดเผยโดยศิลปินแห่งศตวรรษที่ 17 ในสถานการณ์ความขัดแย้งและความขัดแย้งอันน่าทึ่ง แปลกประหลาด เสียดสี และตลกขบขัน ในวรรณคดี นี่คือยุครุ่งเรืองของโศกนาฏกรรมและความตลกขบขัน (เชคสเปียร์, โลเป เดอ เวก้า, คัลเดรอน, คอร์เนย์, ราซีน, โมลิแยร์)
วัฒนธรรมทางศิลปะของศตวรรษที่ 17 สะท้อนให้เห็นถึงความซับซ้อนของยุคสมัยที่เตรียมชัยชนะของระบบทุนนิยมในประเทศที่พัฒนาแล้วทางเศรษฐกิจของยุโรป เมื่อถึงต้นศตวรรษที่ 17 ผลประโยชน์จากการปฏิวัติได้ก่อตั้งขึ้นในฮอลแลนด์ ซึ่งเป็นประเทศทุนนิยมแห่งแรกในยุโรป ในอังกฤษ การปฏิวัติชนชั้นกลางในช่วงปี ค.ศ. 1640–1660 เกิดขึ้นในระดับทั่วยุโรป ตัวอย่างคลาสสิกของรัฐสมบูรณาญาสิทธิราชย์กำลังเกิดขึ้นในฝรั่งเศส เพื่อประโยชน์ของขุนนางศักดินา ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของฝรั่งเศสรับประกันการเติบโตของชนชั้นกระฎุมพีผ่านนโยบายกีดกันทางการค้า อย่างไรก็ตาม ระบบศักดินายังคงแข็งแกร่ง สเปนซึ่งเป็นมหาอำนาจที่แข็งแกร่งที่สุดในโลกในศตวรรษที่ 16 ได้กลายเป็นหนึ่งในรัฐปฏิกิริยาที่ล้าหลังของยุโรป ในอิตาลีและเยอรมนี ขณะที่ยังคงรักษาความกระจัดกระจายของระบบศักดินา รัฐเจ้าผู้มีอำนาจขนาดเล็กกำลังก่อตัวขึ้น เผด็จการ แม้แต่ในอังกฤษ ชนชั้นกระฎุมพีก็แบ่งปันอำนาจร่วมกับขุนนางชั้นสูงที่เป็นเจ้าของดินแดน
ในการต่อสู้เพื่อเส้นทางการพัฒนาที่ก้าวหน้าของรัฐต่างๆ ในยุโรป ขบวนการประชาชนมีบทบาทสำคัญ การประท้วงของมวลชนที่ต่อต้านการกดขี่สมบูรณาญาสิทธิราชย์และการปล้นสะดมในยุคแห่งการสะสมแบบดั้งเดิมก่อให้เกิดเนื้อหาหลักของชีวิตทางสังคมในศตวรรษที่ 17 การพัฒนาวัฒนธรรมได้รับอิทธิพลไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง สุนทรพจน์ของนักคิดหัวก้าวหน้าต่อต้านระบบศักดินาเกี่ยวข้องกับการวิพากษ์วิจารณ์คริสตจักรคาทอลิกซึ่งกำลังเสริมความแข็งแกร่งให้กับอิทธิพลและความคิดสาธารณะอีกครั้ง
ในเวลาเดียวกัน การเพิ่มขึ้นโดยทั่วไปของเศรษฐกิจในประเทศที่พัฒนาแล้วของยุโรป ความเจริญรุ่งเรืองของการผลิตและการค้าได้ก่อให้เกิดความก้าวหน้าของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติที่แน่นอน การค้นพบครั้งยิ่งใหญ่ของกาลิเลโอ, เคปเลอร์, นิวตัน, ไลบ์นิซ, เดส์การตส์ในวิชาคณิตศาสตร์ ดาราศาสตร์ ฟิสิกส์ และปรัชญา มีส่วนทำให้เกิดการสถาปนาแนวคิดวัตถุนิยม (เบคอน ฮอบส์ ล็อค สปิโนซา) การขยายตัวและการทำให้แนวคิดเกี่ยวกับธรรมชาติและจักรวาลลึกซึ้งยิ่งขึ้น . ในขณะที่นักวิทยาศาสตร์ยุคเรอเนสซองส์ การสร้างรูปแบบของปรากฏการณ์มีพื้นฐานมาจากการสังเกตการทดลองของนักคิดเพียงคนเดียวในศตวรรษที่ 17 ซึ่งมีพื้นฐานมาจากทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับระบบองค์รวมและมุมมองของโลก ผลงานของศิลปินยังยืนยันการรับรู้ถึงความเป็นจริงแบบองค์รวมและลึกซึ้งยิ่งขึ้น แนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะได้รับการตีความใหม่
งานศิลปะแต่ละประเภท เช่นเดียวกับผลงานแต่ละชิ้น สูญเสียความโดดเดี่ยวและมุ่งมั่นที่จะรวมเป็นหนึ่งเดียวกัน อาคารต่างๆ จะรวมอยู่ในพื้นที่ของถนน จัตุรัส หรือสวนสาธารณะ ประติมากรรมกลายเป็นแบบไดนามิกและบุกรุกสถาปัตยกรรมและพื้นที่สวน การทาสีตกแต่งช่วยเสริมสิ่งที่มีอยู่ในการตกแต่งภายในทางสถาปัตยกรรมด้วยเอฟเฟกต์มุมมองเชิงพื้นที่ ความปรารถนาที่จะแสดงความเป็นจริงในวงกว้างทำให้ในศตวรรษที่ 17 กลายเป็นแนวเพลงที่หลากหลาย ในวิจิตรศิลป์พร้อมกับประเภทตำนานและพระคัมภีร์แบบดั้งเดิมประเภทฆราวาสกำลังได้รับสถานที่อิสระ: ประเภทในชีวิตประจำวัน, ภูมิทัศน์, แนวตั้ง, สิ่งมีชีวิต
ความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนและการต่อสู้ดิ้นรนของพลังทางสังคมยังก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางศิลปะและอุดมการณ์ที่หลากหลาย แตกต่างจากยุคประวัติศาสตร์ก่อนหน้านี้เมื่อศิลปะพัฒนาภายใต้กรอบของรูปแบบขนาดใหญ่ที่เป็นเนื้อเดียวกัน (โรมาเนสก์, กอทิก, เรเนซองส์) ศตวรรษที่ 17 โดดเด่นด้วยสองรูปแบบขนาดใหญ่ - บาโรกและคลาสสิกองค์ประกอบซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนในสถาปัตยกรรมและในความเข้าใจใหม่ ของการสังเคราะห์ศิลปะ ศิลปะบาโรกเผยให้เห็นแก่นแท้ของชีวิตในการเคลื่อนไหวและการต่อสู้ของพลังธาตุที่สุ่มและเปลี่ยนแปลงได้ ในการแสดงให้เห็นอย่างสุดโต่ง ศิลปะบาโรกกลายเป็นเรื่องไร้เหตุผล สู่เวทย์มนต์ ส่งผลต่อจินตนาการและความรู้สึกของผู้ชมด้วยความตึงเครียดและการแสดงออกของรูปแบบอันน่าทึ่ง เหตุการณ์ถูกตีความในวงกว้าง ศิลปินชอบถ่ายทอดภาพฉากแห่งความทรมาน ความปีติยินดี หรือภาพลวงตาของการหาประโยชน์และชัยชนะ
ศิลปะแห่งความคลาสสิกมีพื้นฐานอยู่บนหลักการที่มีเหตุผล จากมุมมองของความคลาสสิก ความสวยงามเป็นเพียงสิ่งที่เป็นระเบียบ สมเหตุสมผล และกลมกลืนเท่านั้น วีรบุรุษแห่งความคลาสสิคนิยมยึดถือความรู้สึกของตนต่อการควบคุมเหตุผล พวกเขาถูกยับยั้งและมีศักดิ์ศรี ทฤษฎีคลาสสิกนิยมทำให้การแบ่งประเภทเป็นประเภทสูงและต่ำ ในศิลปะแห่งความคลาสสิก ความสามัคคีเกิดขึ้นได้โดยการเชื่อมโยงและจับคู่ทุกส่วนของส่วนรวม ซึ่งยังคงรักษาความหมายที่เป็นอิสระเอาไว้ ทั้งสไตล์บาโรกและลัทธิคลาสสิกมีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาที่จะมีลักษณะทั่วไป แต่ปรมาจารย์ด้านบาโรกมุ่งสู่มวลชนที่มีพลัง ไปสู่วงดนตรีที่ซับซ้อนและกว้างขวาง บ่อยครั้งที่คุณสมบัติของรูปแบบขนาดใหญ่ทั้งสองนี้เกี่ยวพันกันในงานศิลปะของประเทศหนึ่งและแม้กระทั่งในผลงานของศิลปินคนเดียวกันซึ่งทำให้เกิดความขัดแย้งในนั้น
นอกเหนือจากบาโรกและคลาสสิกแล้ว การสะท้อนชีวิตที่สมจริงและตรงประเด็นยิ่งขึ้น ปราศจากองค์ประกอบทางโวหารก็ปรากฏในทัศนศิลป์ การเคลื่อนไหวที่สมจริงถือเป็นก้าวสำคัญในการวิวัฒนาการของศิลปะยุโรปตะวันตก การแสดงออกมามีความหลากหลายและสดใสผิดปกติ ทั้งในโรงเรียนประจำชาติต่างๆ และในหมู่อาจารย์แต่ละท่าน ศตวรรษที่ 17 เป็นของปรมาจารย์ด้านความสมจริงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด - Caravaggio, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer of Delft ในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนระดับชาติที่มีผลงานศิลปะสร้างสรรค์สูงสุดเกิดขึ้นเป็นที่หนึ่ง อิตาลี สเปน แฟลนเดอร์ส ฮอลแลนด์ และฝรั่งเศสกำลังกลายเป็นศูนย์กลางทางศิลปะที่ทรงอิทธิพลอย่างรวดเร็ว ในประเทศยุโรปอื่นๆ เช่น อังกฤษ เยอรมนี ออสเตรีย สาธารณรัฐเช็ก โปแลนด์ เดนมาร์ก วัฒนธรรมทางศิลปะยังคงรักษาร่องรอยของทรัพย์สินในท้องถิ่นและความสัมพันธ์กับประเพณีของยุคก่อนๆ
ศตวรรษที่ 18 เป็นยุคที่การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่เกิดขึ้นในทุกด้าน ทั้งการเมือง สังคม และสาธารณะ ยุโรปแนะนำแนวใหม่ให้กับการวาดภาพของรัสเซีย: ภูมิทัศน์ ประวัติศาสตร์ และชีวิตประจำวัน ทิศทางการวาดภาพที่สมจริงจะมีความโดดเด่น คนที่มีชีวิตคือวีรบุรุษและผู้แบกรับอุดมคติทางสุนทรียศาสตร์ในยุคนั้น
ศตวรรษที่ 18 เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะในฐานะช่วงเวลาของการถ่ายภาพบุคคลที่งดงาม ทุกคนอยากมีภาพเหมือนของตัวเองตั้งแต่ราชินีไปจนถึงข้าราชการธรรมดาจากจังหวัด
แนวโน้มของยุโรปในการวาดภาพรัสเซีย
ศิลปินชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 18 ถูกบังคับให้ติดตามแฟชั่นตะวันตกตามคำสั่งของ Peter I ผู้ซึ่งต้องการทำให้รัสเซียเป็นยุโรป เขาให้ความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาวิจิตรศิลป์และวางแผนที่จะสร้างสถาบันการศึกษาเฉพาะทางด้วย
ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เชี่ยวชาญเทคนิคใหม่ในการวาดภาพยุโรปและวาดภาพบนผืนผ้าใบไม่เพียง แต่ซาร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโบยาร์พ่อค้าและผู้เฒ่าหลายคนที่พยายามตามทันแฟชั่นและมักมอบหมายให้ศิลปินท้องถิ่นวาดภาพบุคคล ในเวลาเดียวกัน ศิลปินในยุคนั้นพยายามที่จะเพิ่มคุณค่าให้กับภาพบุคคลด้วยของใช้ในครัวเรือน องค์ประกอบของเครื่องแต่งกายประจำชาติ ธรรมชาติ และอื่นๆ ความสนใจมุ่งเน้นไปที่เฟอร์นิเจอร์ราคาแพง แจกันขนาดใหญ่ เสื้อผ้าหรูหรา และท่าทางที่น่าสนใจ การพรรณนาถึงผู้คนในสมัยนั้นถือเป็นเรื่องราวบทกวีของศิลปินเกี่ยวกับสมัยของพวกเขาในปัจจุบัน
แต่ถึงกระนั้นภาพเหมือนของศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ก็มีความแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากภาพเหมือนของจิตรกรต่างชาติที่ได้รับเชิญ เป็นที่น่าสังเกตว่าศิลปินจากประเทศอื่นได้รับเชิญให้สอนศิลปินชาวรัสเซีย
ประเภทของภาพบุคคล
จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 18 ถูกทำเครื่องหมายโดยศิลปินภาพเหมือนที่เปลี่ยนไปสู่มุมมองกึ่งพิธีการและใกล้ชิด ภาพเหมือนของจิตรกรในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ก่อให้เกิดประเภทต่างๆ เช่น พิธีการ, กึ่งพิธีการ, ห้อง, สนิทสนม
ประตูหน้าแตกต่างจากประตูอื่นในรูปของชายเต็มตัว ความหรูหราที่สดใส - ทั้งในเสื้อผ้าและของใช้ในครัวเรือน
ลุคเดรสครึ่งตัวเป็นภาพของนางแบบลึกถึงเข่าหรือลึกถึงเอว
หากบุคคลถูกแสดงโดยมีพื้นหลังเป็นกลางจนถึงหน้าอกหรือเอว ภาพบุคคลประเภทนี้จะเรียกว่าใกล้ชิด
มุมมองที่ใกล้ชิดของภาพบุคคลบ่งบอกถึงความน่าดึงดูดต่อโลกภายในของฮีโร่ของภาพ ในขณะที่พื้นหลังถูกละเลย
ภาพแนวตั้ง
บ่อยครั้งที่ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ถูกบังคับให้รวบรวมความคิดของลูกค้าเกี่ยวกับตัวเขาเองในภาพบุคคล แต่ไม่ใช่ภาพจริง สิ่งสำคัญคือต้องคำนึงถึงความคิดเห็นสาธารณะเกี่ยวกับบุคคลใดบุคคลหนึ่ง นักประวัติศาสตร์ศิลป์หลายคนสรุปมานานแล้วว่ากฎหลักในสมัยนั้นคือการพรรณนาถึงบุคคลไม่มากเท่าที่เขาเป็นจริงๆ หรืออย่างที่เขาอยากเป็น แต่เท่าที่เขาสามารถสะท้อนให้เห็นได้ดีที่สุด นั่นคือในการถ่ายภาพบุคคลพวกเขาพยายามวาดภาพบุคคลใด ๆ ในอุดมคติ
ศิลปินกลุ่มแรก
ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ซึ่งโดยทั่วไปมีขนาดเล็ก ได้แก่ I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D. G. Levitsky
ในบรรดาจิตรกรคนแรกของศตวรรษที่ 18 มีชื่อของ Nikitin, Antropov, Argunov บทบาทของศิลปินรัสเซียกลุ่มแรกในศตวรรษที่ 18 เหล่านี้ไม่มีนัยสำคัญ มันต้มเพื่อวาดภาพราชวงศ์และภาพเหมือนของขุนนางรัสเซียจำนวนมากเท่านั้น ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพบุคคล แม้ว่าบ่อยครั้งที่พวกเขาช่วยปรมาจารย์ชาวต่างชาติทาสีผนังพระราชวังจำนวนมากและสร้างฉากละคร
ชื่อของจิตรกร Ivan Nikitich Nikitin สามารถพบได้ในจดหมายโต้ตอบของ Peter I กับภรรยาของเขา พู่กันของเขาคือภาพเหมือนของซาร์เองนายกรัฐมนตรี G.I. Golovin ไม่มีอะไรเทียมในภาพเหมือนของเฮตแมน รูปร่างหน้าตาไม่เปลี่ยนแปลงไม่ว่าจะด้วยวิกผมหรือชุดราชสำนัก ศิลปินแสดงให้เฮทแมนเห็นว่าเขายังมีชีวิตอยู่ ในความเป็นจริงของชีวิตข้อได้เปรียบหลักของการถ่ายภาพบุคคลของ Nikitin อยู่ที่
งานของ Antropov ได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปของมหาวิหารเซนต์แอนดรูว์ในเคียฟและภาพบุคคลในเถรสมาคม ผลงานเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยความชื่นชอบของศิลปินในเรื่องสีเหลืองและมะกอก เนื่องจากเขาเป็นจิตรกรที่เรียนกับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพไอคอน ผลงานที่โด่งดังของเขา ได้แก่ ภาพวาดของ Elizaveta Petrovna, Peter I, Princess Trubetskoy และ Ataman F. Krasnoshchekov งานของ Antropov ผสมผสานประเพณีของการวาดภาพรัสเซียดั้งเดิมของศตวรรษที่ 17 และหลักวิจิตรศิลป์ของยุคปีเตอร์มหาราช
Ivan Petrovich Argunov เป็นจิตรกรวาดภาพคนรับใช้ที่มีชื่อเสียงของ Count Sheremetyev การถ่ายภาพบุคคลของเขาดูสง่างาม ท่าทางของผู้คนที่เขาวาดภาพนั้นเป็นอิสระและเคลื่อนที่ได้ ทุกอย่างในงานของเขาแม่นยำและเรียบง่าย เขาเป็นผู้สร้างภาพเหมือนของห้องซึ่งต่อมาจะกลายเป็นเรื่องสนิทสนม ผลงานสำคัญของศิลปิน: คู่รัก Sheremetyev, P.B. Sheremetyev ในวัยเด็ก
เราไม่ควรคิดว่าในเวลานั้นไม่มีแนวเพลงอื่นในรัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 18 ยังคงสร้างผลงานที่สำคัญที่สุดในประเภทของการวาดภาพบุคคล
จุดสุดยอดของศตวรรษที่ 18 คือผลงานของ Rokotov, Levitsky และ Borovikovsky บุคคลในภาพบุคคลของศิลปินมีค่าควรแก่การชื่นชม ความสนใจ และความเคารพ ความเป็นมนุษย์แห่งความรู้สึกเป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นของการถ่ายภาพบุคคล
ฟีโอดอร์ สเตปาโนวิช โรโคตอฟ (1735-1808)
แทบไม่มีใครรู้เกี่ยวกับ Fyodor Stepanovich Rokotov ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 จากข้ารับใช้ของ Prince I. Repnin ศิลปินคนนี้วาดภาพผู้หญิงอย่างนุ่มนวลและโปร่งสบาย Rokotov รู้สึกได้ถึงความงามจากภายใน และเขาพบวิธีที่จะแปลมันบนผืนผ้าใบ แม้แต่รูปวงรีของภาพบุคคลก็เน้นย้ำถึงรูปลักษณ์ที่เปราะบางและสง่างามของผู้หญิงเท่านั้น
ประเภทงานหลักของเขาคือภาพบุคคลกึ่งพิธีการ ผลงานของเขา ได้แก่ ภาพวาดของ Grigory Orlov และ Peter III, Princess Yusupova และ Prince Pavel Petrovich
มิทรี กริกอรีวิช เลวิทสกี้ (1735-1822)
ศิลปินชาวรัสเซียผู้โด่งดังแห่งศตวรรษที่ 18 Dmitry Grigorievich Levitsky ลูกศิษย์ของ A. Antropov สามารถจับภาพและสร้างภาพเขียนของเขาใหม่เกี่ยวกับสภาพจิตใจและลักษณะของผู้คนได้ วาดภาพคนรวยเขายังคงซื่อสัตย์และไม่ลำเอียง ภาพวาดของเขาไม่รวมความเป็นทาสและการโกหก พู่กันของเขามีแกลเลอรีภาพวาดบุคคลผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 18 ทั้งหมด มันอยู่ในภาพเหมือนในพิธีที่ Levitsky เปิดเผยตัวเองว่าเป็นปรมาจารย์ เขาพบท่าทางและท่าทางที่แสดงออกซึ่งแสดงถึงขุนนางผู้สูงศักดิ์ ประวัติศาสตร์รัสเซียต่อหน้า - นี่คือสิ่งที่มักเรียกงานของ Levitsky
ภาพวาดโดยศิลปิน: การถ่ายภาพบุคคลของ M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, Mitrofanovs
วลาดิมีร์ ลูคิช โบโรวิคอฟสกี้ (1757-1825)
ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 และ 19 มีความโดดเด่นด้วยการใช้สิ่งที่เรียกว่าภาพเหมือนที่ซาบซึ้ง ศิลปิน Vladimir Lukich Borovikovsky วาดภาพเด็กผู้หญิงที่มีน้ำใจซึ่งวาดภาพบุคคลของเขาด้วยสีอ่อน พวกเธอโปร่งสบายและไร้เดียงสา วีรสตรีของเขาไม่เพียง แต่เป็นผู้หญิงชาวนารัสเซียในชุดแบบดั้งเดิมเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้หญิงที่เคารพนับถือในสังคมชั้นสูงอีกด้วย นี่คือภาพบุคคลของ Naryshkina, Lopukhina, Princess Suvorova, Arsenyeva รูปภาพค่อนข้างคล้ายกัน แต่ก็ไม่อาจลืมได้ โดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนที่น่าทึ่งของตัวละครที่ถ่ายทอด ลักษณะที่แทบจะเข้าใจยากของประสบการณ์ทางอารมณ์ และความรู้สึกอ่อนโยนที่รวมภาพทั้งหมดเข้าด้วยกัน ในผลงานของเขา Borovikovsky เผยให้เห็นความงามทั้งหมดของผู้หญิงในยุคนั้น
มรดกของ Borovikovsky นั้นมีความหลากหลายและกว้างขวางมาก ผลงานของเขามีทั้งภาพบุคคลในพิธีการและภาพวาดขนาดจิ๋วและภาพใกล้ชิด ในบรรดาผลงานของ Borovikovsky สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือภาพวาดของ V. A. Zhukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin และ Pavel I.
ภาพวาดโดยศิลปินชาวรัสเซีย
ภาพวาดของศตวรรษที่ 18 โดยศิลปินชาวรัสเซียเขียนด้วยความรักต่อมนุษย์โลกภายในของเขาและการเคารพในคุณธรรมทางศีลธรรม ในด้านหนึ่งสไตล์ของศิลปินแต่ละคนนั้นมีความเฉพาะตัวมาก แต่ในทางกลับกันก็มีลักษณะที่เหมือนกันหลายอย่างกับคนอื่นๆ ช่วงเวลานี้กำหนดสไตล์ที่เน้นย้ำถึงลักษณะของศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18
ศิลปินรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่:
- "จิตรกรหนุ่ม" ครึ่งหลังของคริสต์ทศวรรษ 1760 ผู้เขียน Ivan Firsov เป็นศิลปินที่ลึกลับที่สุดแห่งศตวรรษที่ 18 ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นเด็กผู้ชายในเครื่องแบบที่กำลังวาดภาพเหมือนของสาวน้อยแสนสวย
- “ การอำลา Andromache ของ Hector” 1773 ผู้เขียน Anton Pavlovich Losenko ภาพวาดครั้งสุดท้ายของศิลปิน แสดงให้เห็นโครงเรื่องจากเพลงที่หกของ Iliad ของ Homer
- “สะพานหินใน Gatchina ใกล้จัตุรัสตำรวจ”, 1799-1801 ผู้เขียน เซมยอน เฟโดโรวิช ชเชดริน ภาพวาดเป็นภาพทิวทัศน์
และยังคง
ศิลปินชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ยังคงพยายามเปิดเผยความจริงและลักษณะที่แท้จริงของผู้คน แม้จะมีเงื่อนไขของการเป็นทาสและความปรารถนาของลูกค้าที่ร่ำรวยก็ตาม แนวภาพบุคคลในศตวรรษที่ 18 รวบรวมลักษณะเฉพาะของชาวรัสเซีย
ไม่ต้องสงสัยเลยว่าไม่ว่าศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 จะได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมยุโรปอย่างไร แต่ก็นำไปสู่การพัฒนาประเพณีประจำชาติของรัสเซีย
ฮอลแลนด์ ศตวรรษที่ 17 ประเทศกำลังประสบกับความเจริญรุ่งเรืองอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ที่เรียกว่า "ยุคทอง" ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 หลายจังหวัดของประเทศได้รับเอกราชจากสเปน
ตอนนี้เนเธอร์แลนด์โปรเตสแตนต์ได้ไปตามทางของตนเองแล้ว และแฟลนเดอร์สคาทอลิก (ปัจจุบันคือเบลเยียม) ภายใต้ปีกของสเปนก็เป็นของตนเอง
ในฮอลแลนด์ที่เป็นอิสระ แทบไม่มีใครต้องการภาพวาดทางศาสนา คริสตจักรโปรเตสแตนต์ไม่เห็นด้วยกับการตกแต่งที่หรูหรา แต่เหตุการณ์นี้ "ตกไปอยู่ในมือ" ของการวาดภาพทางโลก
แท้จริงแล้วผู้อยู่อาศัยในประเทศใหม่ทุกคนตื่นขึ้นมาเพื่อรักงานศิลปะประเภทนี้ ชาวดัตช์อยากเห็นชีวิตของตนเองในภาพวาด และศิลปินก็เต็มใจมาพบพวกเขาครึ่งทาง
ไม่เคยมีการแสดงความเป็นจริงโดยรอบมากนัก คนธรรมดา ห้องธรรมดา และอาหารเช้าที่ธรรมดาที่สุดของชาวเมือง
ความสมจริงเจริญรุ่งเรือง จนถึงศตวรรษที่ 20 มันจะเป็นคู่แข่งที่คู่ควรกับนักวิชาการที่มีนางไม้และเทพธิดากรีก
ศิลปินเหล่านี้เรียกว่าชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" ทำไม ภาพวาดมีขนาดเล็กเพราะสร้างขึ้นสำหรับบ้านหลังเล็กๆ ดังนั้นภาพวาดเกือบทั้งหมดของ Jan Vermeer จึงมีความสูงไม่เกินครึ่งเมตร
แต่ผมชอบเวอร์ชั่นอื่นมากกว่า ในประเทศเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 17 ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ชาวดัตช์ "ผู้ยิ่งใหญ่" อาศัยและทำงานอยู่ และคนอื่นๆ ก็ “ตัวเล็ก” เมื่อเทียบกับเขา
แน่นอนว่าเรากำลังพูดถึงเรมแบรนดท์ เริ่มจากเขากันก่อน
1. แรมแบรนดท์ (1606-1669)
แรมแบรนดท์. ภาพถ่ายตนเองเมื่ออายุ 63 ปี 1669 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน แรมแบรนดท์มีประสบการณ์หลากหลายอารมณ์ในช่วงชีวิตของเขา นั่นเป็นสาเหตุที่ทำให้งานช่วงแรกๆ ของเขาสนุกสนานและกล้าหาญมาก และมีความรู้สึกที่ซับซ้อนมากมาย - ในภายหลัง
ที่นี่เขายังเด็กและไร้กังวลในภาพวาด "The Prodigal Son in the Tavern" ซัสเกียภรรยาที่รักของเขาคุกเข่าอยู่ เขาเป็นศิลปินยอดนิยม ออเดอร์กำลังหลั่งไหลเข้ามา..
แรมแบรนดท์. บุตรหลงหายในโรงเตี๊ยม 1635 หอศิลป์ Old Masters, เดรสเดิน แต่ทั้งหมดนี้จะหายไปในเวลาประมาณ 10 ปี ซัสเกียจะตายเพราะการบริโภค ความนิยมจะหายไปเหมือนควัน บ้านหลังใหญ่ที่มีของสะสมที่เป็นเอกลักษณ์จะถูกนำไปเป็นหนี้
แต่เรมแบรนดท์คนเดียวกันจะปรากฏขึ้นซึ่งจะคงอยู่นานหลายศตวรรษ ความรู้สึกที่เปลือยเปล่าของฮีโร่ ความคิดที่ลึกที่สุดของพวกเขา
2. ฟรานส์ ฮัลส์ (1583-1666)
ฟรานส์ ฮัลส์. ภาพเหมือน. 1650 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก Frans Hals เป็นหนึ่งในจิตรกรวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ดังนั้น ฉันจึงจัดประเภทเขาเป็นชาวดัตช์ "ตัวใหญ่" ด้วย
ในฮอลแลนด์ในเวลานั้นเป็นเรื่องปกติที่จะสั่งถ่ายภาพบุคคลเป็นกลุ่ม นี่คือจำนวนผลงานที่คล้ายกันที่แสดงภาพของผู้คนที่ทำงานร่วมกัน: นักแม่นปืนของกิลด์หนึ่ง แพทย์ของเมืองหนึ่ง ผู้จัดการของบ้านพักคนชรา
ในประเภทนี้ Hals มีความโดดเด่นที่สุด ท้ายที่สุดแล้ว ภาพบุคคลเหล่านี้ส่วนใหญ่ดูเหมือนสำรับไพ่ ผู้คนนั่งที่โต๊ะด้วยสีหน้าเหมือนกันและแค่ดู กับฮัลส์มันแตกต่างออกไป
ดูภาพกลุ่มของเขา “Arrows of the Guild of St. จอร์จ”
ฟรานส์ ฮัลส์. ลูกศรของกิลด์เซนต์ จอร์จ. 1627 พิพิธภัณฑ์ Frans Hals, ฮาร์เลม, เนเธอร์แลนด์ ที่นี่คุณจะไม่พบการทำซ้ำแม้แต่ครั้งเดียวในท่าทางหรือการแสดงออกทางสีหน้า ในขณะเดียวกันก็ไม่มีความสับสนวุ่นวายที่นี่ มีตัวละครมากมาย แต่ก็ไม่มีใครดูฟุ่มเฟือย ขอบคุณการจัดเรียงตัวเลขที่ถูกต้องอย่างน่าอัศจรรย์
และแม้แต่ภาพบุคคลเพียงภาพเดียว Hals ก็เหนือกว่าศิลปินหลายคน รูปแบบของเขาเป็นธรรมชาติ ผู้คนจากสังคมชั้นสูงในภาพวาดของเขาไร้ความยิ่งใหญ่ที่ประดิษฐ์ขึ้น และนางแบบจากชนชั้นล่างก็ดูไม่อับอาย
และตัวละครของเขาก็แสดงอารมณ์ได้ดีมาก พวกเขายิ้ม หัวเราะ และแสดงท่าทาง เช่น “ยิปซี” หน้าตาเจ้าเล่ห์นี้
ฟรานส์ ฮัลส์. ยิปซี. 1625-1630 Hals ก็เหมือนกับ Rembrandt ที่จบชีวิตด้วยความยากจน ด้วยเหตุผลเดียวกัน ความสมจริงของเขาขัดแย้งกับรสนิยมของลูกค้า ใครอยากให้รูปลักษณ์ของตนได้รับการประดับประดา Hals ไม่ยอมรับคำเยินยอโดยสิ้นเชิงและด้วยเหตุนี้จึงลงนามในประโยคของเขาเอง - "Oblivion"
3. เจอราร์ด เทอร์บอร์ช (1617-1681)
เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. ภาพเหมือน. 1668 Royal Gallery Mauritshuis, กรุงเฮก, เนเธอร์แลนด์ Terborch เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านแนวเพลงในชีวิตประจำวัน ชาวเมืองที่ร่ำรวยและไม่รวยมากพูดคุยสบายๆ ผู้หญิงอ่านจดหมาย และฝ่ายจัดหาจะคอยดูการเกี้ยวพาราสี ตัวเลขสองสามตัวที่เว้นระยะห่างกันอย่างใกล้ชิด
ปรมาจารย์คนนี้เป็นผู้พัฒนาหลักคำสอนของประเภทประจำวัน ซึ่งภายหลังจะถูกยืมโดยยาน เวอร์เมียร์, ปีเตอร์ เดอ ฮูช และชาวดัตช์ “ตัวเล็ก” คนอื่นๆ อีกหลายคน
เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. น้ำมะนาวหนึ่งแก้ว 1660 พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก "A Glass of Lemonade" เป็นหนึ่งในผลงานอันโด่งดังของ Terborch มันแสดงให้เห็นข้อดีอีกประการหนึ่งของศิลปิน ภาพผ้าชุดที่สมจริงอย่างเหลือเชื่อ
Terborch ยังมีผลงานที่ไม่ธรรมดาอีกด้วย ซึ่งบ่งบอกถึงความปรารถนาของเขาที่จะก้าวไปไกลกว่าความต้องการของลูกค้า
"Theเครื่องบด" ของเขาแสดงให้เห็นชีวิตของคนที่ยากจนที่สุดในฮอลแลนด์ เราคุ้นเคยกับการเห็นสนามหญ้าอันอบอุ่นสบายและห้องสะอาดในภาพวาดของชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" แต่ Terborch กล้าแสดงฮอลแลนด์ที่ไม่น่าดู
เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. เครื่องบด 1653-1655 พิพิธภัณฑ์แห่งรัฐเบอร์ลิน ดังที่คุณเข้าใจงานดังกล่าวไม่เป็นที่ต้องการ และสิ่งเหล่านี้เป็นเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นได้ยากแม้แต่ในหมู่ Terborch
4. ยาน เวอร์เมียร์ (1632-1675)
ยาน เวอร์เมียร์. เวิร์คช็อปของศิลปิน 1666-1667 พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches เวียนนา ไม่มีใครทราบแน่ชัดว่ายาน เวอร์เมียร์มีหน้าตาเป็นอย่างไร เห็นได้ชัดว่าในภาพวาด "The Artist's Workshop" เขาวาดภาพตัวเอง ความจริงจากด้านหลัง..
ดังนั้นจึงน่าแปลกใจที่ความจริงใหม่จากชีวิตของนายท่านเพิ่งเป็นที่รู้จัก มีความเชื่อมโยงกับผลงานชิ้นเอกของเขา “ถนนเดลฟต์”
ยาน เวอร์เมียร์. ถนนเดลฟท์. 1657 Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัม ปรากฎว่าเวอร์เมียร์ใช้ชีวิตวัยเด็กบนถนนสายนี้ บ้านในภาพเป็นของป้าของเขา เธอเลี้ยงลูกห้าคนที่นั่น บางทีเธออาจจะกำลังเย็บผ้าอยู่ที่หน้าประตูบ้าน ขณะที่ลูกสองคนของเธอเล่นบนทางเท้า เวอร์เมียร์เองก็อาศัยอยู่ในบ้านตรงข้าม
แต่บ่อยครั้งที่เขาพรรณนาถึงการตกแต่งภายในของบ้านเหล่านี้และผู้อยู่อาศัย ดูเหมือนว่าโครงเรื่องของภาพวาดจะเรียบง่ายมาก นี่คือหญิงสาวสวยชาวเมืองผู้มั่งคั่งกำลังตรวจสอบการทำงานของตาชั่งของเธอ
ยาน เวอร์เมียร์. ผู้หญิงที่มีตาชั่ง 1662-1663 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน เหตุใดเวอร์เมียร์จึงโดดเด่นท่ามกลางชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" นับพันคน?
เขาเป็นปรมาจารย์แห่งแสงที่ไม่มีใครเทียบได้ ในภาพวาด “ผู้หญิงมีเกล็ด” แสงนุ่มนวลปกคลุมใบหน้า ผ้า และผนังของนางเอก ทำให้ภาพมีจิตวิญญาณที่ไม่รู้จัก
และองค์ประกอบภาพวาดของเวอร์เมียร์ได้รับการตรวจสอบอย่างรอบคอบ คุณจะไม่พบรายละเอียดที่ไม่จำเป็นแม้แต่นิดเดียว ก็เพียงพอแล้วที่จะลบหนึ่งในนั้นภาพจะ "แตกสลาย" และความมหัศจรรย์จะหายไป
ทั้งหมดนี้ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเวอร์เมียร์ คุณภาพอันน่าทึ่งเช่นนี้ต้องอาศัยความอุตสาหะ ปีละ 2-3 ภาพเท่านั้น ส่งผลให้ไม่สามารถเลี้ยงดูครอบครัวได้ เวอร์เมียร์ยังทำงานเป็นพ่อค้างานศิลปะ โดยขายผลงานของศิลปินคนอื่นๆ
5. ปีเตอร์ เดอ ฮูช (1629-1884)
ปีเตอร์ เดอ ฮูช. ภาพเหมือน. 1648-1649 Rijksmuseum, อัมสเตอร์ดัม Hoch มักถูกเปรียบเทียบกับ Vermeer พวกเขาทำงานในเวลาเดียวกันมีช่วงเวลาหนึ่งในเมืองเดียวกันด้วยซ้ำ และในประเภทเดียว - ทุกวัน ใน Hoch เรายังเห็นร่างหนึ่งหรือสองตัวในสนามหญ้าหรือห้องดัตช์อันอบอุ่นสบาย
ประตูและหน้าต่างที่เปิดอยู่ทำให้พื้นที่ภาพวาดของเขาเป็นชั้นๆ และสนุกสนาน และตัวเลขก็เข้ากับพื้นที่นี้ได้อย่างกลมกลืนกันมาก ตัวอย่างเช่นในภาพวาดของเขาเรื่อง "Maid with a Girl in the Courtyard"
ปีเตอร์ เดอ ฮูช. สาวใช้กับหญิงสาวที่ลานบ้าน 1658 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน
จนถึงศตวรรษที่ 20 Hoch ได้รับการยกย่องอย่างสูง แต่มีเพียงไม่กี่คนที่สังเกตเห็นผลงานชิ้นเล็ก ๆ ของ Vermeer คู่แข่งของเขา
แต่ในศตวรรษที่ 20 ทุกอย่างเปลี่ยนไป ความรุ่งโรจน์ของ Hoch จางหายไป อย่างไรก็ตาม เป็นการยากที่จะไม่ยอมรับความสำเร็จในการวาดภาพของเขา มีเพียงไม่กี่คนที่สามารถรวมสภาพแวดล้อมและผู้คนเข้าด้วยกันได้อย่างมีประสิทธิภาพ
ปีเตอร์ เดอ ฮูช. ผู้เล่นการ์ดในห้องที่มีแสงแดดส่องถึง 1658 รอยัลอาร์ตคอลเลคชัน, ลอนดอน โปรดทราบว่าในบ้านที่เรียบง่ายบนผืนผ้าใบ "ผู้เล่นการ์ด" มีภาพวาดแขวนอยู่ในกรอบราคาแพง
นี่เป็นการแสดงให้เห็นอีกครั้งว่าภาพวาดเป็นที่นิยมในหมู่ชาวดัตช์ทั่วไปเพียงใด ภาพวาดประดับบ้านทุกหลัง ไม่ว่าจะเป็นบ้านของชาวเมืองผู้มั่งคั่ง ชาวเมืองที่เจียมเนื้อเจียมตัว และแม้แต่ชาวนา
6. แจน สตีน (1626-1679)
แจน สตีน. ถ่ายภาพตนเองด้วยพิณ 1670 พิพิธภัณฑ์ Thyssen-Bornemisza, มาดริด Jan Steen อาจเป็นชาวดัตช์ "ตัวน้อย" ที่ร่าเริงที่สุด แต่รักคำสอนเรื่องศีลธรรม เขามักจะพรรณนาถึงร้านเหล้าหรือบ้านที่ยากจนซึ่งมีสิ่งเลวร้ายอยู่
ตัวละครหลักของมันคือผู้สำส่อนและหญิงสาวผู้มีคุณธรรมง่าย เขาต้องการสร้างความบันเทิงให้กับผู้ชม แต่กลับเตือนเขาให้ระวังชีวิตที่เลวร้าย
แจน สตีน. มันเป็นระเบียบ 1663 พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches เวียนนา Sten ยังมีผลงานที่เงียบกว่าอีกด้วย เช่น "ห้องน้ำตอนเช้า" แต่ที่นี่ศิลปินก็ทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยรายละเอียดที่เปิดเผยเกินไป มีร่องรอยของยางยืดในถุงน่อง ไม่ใช่หม้อเปล่า และมันไม่เหมาะสมเลยที่สุนัขจะนอนบนหมอน
แจน สตีน. ห้องน้ำตอนเช้า 1661-1665 Rijksmuseum, อัมสเตอร์ดัม แต่ถึงแม้จะดูไร้สาระ แต่โทนสีของ Sten ก็มีความเป็นมืออาชีพมาก ด้วยเหตุนี้เขาจึงเหนือกว่า “ชาวดัตช์ตัวน้อย” หลายคน ดูสิว่าถุงน่องสีแดงเข้ากันได้อย่างลงตัวกับแจ็กเก็ตสีน้ำเงินและพรมสีเบจสดใสอย่างไร
7. จาค็อบส์ ฟาน รุยส์เดล (1629-1882)
ภาพเหมือนของรุยส์เดล ภาพพิมพ์หินจากหนังสือศตวรรษที่ 19 รายละเอียด หมวดหมู่ : วิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรมในช่วงปลายศตวรรษที่ 16-18 Published 02/06/2017 15:37 Views: 2498 บทความของเราจะเน้นไปที่ศิลปินสองคน: ยาน ฟาน โกเยนและ เจค็อบ ฟาน รุยสเดล.
ทั้งสองอาศัยอยู่ในยุคของการปลดปล่อยฮอลแลนด์จากแอกต่างประเทศ และนี่คือยุคทองของการวาดภาพของชาวดัตช์ มันเป็นศิลปะของฮอลแลนด์ที่แนวเพลงต่อไปนี้เริ่มพัฒนา: ภาพบุคคล, ภูมิทัศน์, ชีวิตประจำวัน, หุ่นนิ่ง ตอนนั้นไม่มีใครสังเกตเห็นสิ่งนี้แม้แต่ในศูนย์กลางศิลปะที่โดดเด่น - ในอิตาลีหรือฝรั่งเศส ศิลปะดัตช์แห่งศตวรรษที่ 17 กลายเป็นปรากฏการณ์อันเป็นเอกลักษณ์ในโลกศิลปะของยุโรปในศตวรรษที่ 17 ปรมาจารย์ชาวดัตช์ปูทางให้กับศิลปินจากโรงเรียนศิลปะแห่งชาติอื่นๆ ในยุโรป
ยัน ฟาน โกเยน (1596-1656)
Terborch "ภาพเหมือนของฟานโกเยน" (ค.ศ. 1560)
ยัน ฟาน โกเยนเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกๆ ที่พรรณนาธรรมชาติอย่างเป็นธรรมชาติ เรียบง่าย โดยไม่ต้องปรุงแต่ง เขาเป็นผู้สร้างภูมิทัศน์แห่งชาติของชาวดัตช์ ธรรมชาติของประเทศของเขาทำให้เขามีวิชาเพียงพอที่จะอยู่ได้ตลอดชีวิต
Jan van Goyen เกิดในปี 1596 ในเมืองไลเดนในครอบครัวของช่างทำรองเท้า
แม้ว่า Jan van Goyen จะใช้เวลาอยู่ที่ปารีสในวัยเด็ก แต่ความรักในภูมิทัศน์ที่เรียบง่ายนั้นไม่เป็นที่รู้จักในฝรั่งเศส ดังนั้นจึงแทบจะไม่คุ้มที่จะพูดถึงอิทธิพลของตัวแทนภาพวาดฝรั่งเศสที่มีต่องานของเขา
ในบ้านเกิดของเขาเขามีครูสอนวาดภาพหลายคน แต่เขาใช้เวลาเพียงปีเดียวในเวิร์คช็อปของ Isaiah van de Velde และเขาสื่อสารกับที่ปรึกษาคนอื่น ๆ น้อยลงด้วยซ้ำ
ยาน ฟาน โกเยน "ภูมิทัศน์กับเนินทราย" (1630-1635) พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches (เวียนนา)
การสร้าง
ในตอนแรก โกเยนวาดภาพหมู่บ้านชาวดัตช์หรือพื้นที่โดยรอบด้วยพืชพรรณ จากนั้นทิวทัศน์ชายฝั่งทะเลก็เริ่มมีอิทธิพลเหนือภาพวาดของเขา ซึ่งท้องฟ้าและน้ำครอบครองพื้นที่ภาพเขียนส่วนใหญ่
ยาน ฟาน โกเยน "วิวแม่น้ำ" (1655) มอริเชียส (กรุงเฮก)
ต้นไม้ กระท่อม หรืออาคารในเมืองมีบทบาทรองในภาพวาดของเขา แต่มีรูปลักษณ์ที่งดงามมาก เช่นเดียวกับเรือใบและเรือพายขนาดเล็กที่มีร่างของชาวประมง ผู้ถือหางเสือเรือ และผู้โดยสาร
ภาพวาดของโกเยนส่วนใหญ่มีความซ้ำซากจำเจ ศิลปินชอบความเรียบง่ายของสี แต่ในขณะเดียวกันสีของเขาก็กลมกลืนกัน เขาลงสีเป็นชั้นบางๆ
ยัน ฟาน โกเยน "ทิวทัศน์แม่น้ำแมร์เวดใกล้ดอร์เดรชท์ (ประมาณ ค.ศ. 1645) Rijksmuseum (อัมสเตอร์ดัม)
ผลงานในเวลาต่อมาของศิลปินมีความโดดเด่นด้วยจานสีเกือบเอกรงค์ และพื้นที่โปร่งแสงทำให้พวกเขามีความลึกและมีเสน่ห์เป็นพิเศษ
ยัน ฟาน โกเยน ภูมิทัศน์ที่มีต้นโอ๊กสองต้น (ค.ศ. 1641) Rijksmuseum (อัมสเตอร์ดัม)
ภาพวาดของเขาดูน่าพึงพอใจเพราะความเรียบง่ายและความสมจริง ศิลปินสร้างผืนผ้าใบศิลปะค่อนข้างมาก แต่งานของเขาไม่ได้รับการตอบแทนอย่างคุ้มค่าเสมอไป ดังนั้น Goyen จึงต้องหาเงินด้วยวิธีอื่น: เขาซื้อขายดอกทิวลิป มีส่วนร่วมในการประเมินและการขายงานศิลปะ อสังหาริมทรัพย์ และที่ดิน แต่ความพยายามในการเป็นผู้ประกอบการมักจะไม่นำไปสู่ความสำเร็จ
ยาน ฟาน โกเยน "ฉากฤดูหนาวบนน้ำแข็ง"
ตอนนี้ผลงานของเขาได้รับการชื่นชมและพิพิธภัณฑ์ใด ๆ ก็ถือว่าภาพวาดของเขาเป็นนิทรรศการที่มีคุณค่า
ภาพวาดหลายชิ้นของ Jan van Goyen ก็อยู่ในอาศรมเช่นกัน: "ทิวทัศน์ของแม่น้ำ Maas ใกล้ Dortrecht", "ชายฝั่ง Scheveningen ใกล้กรุงเฮก", "ภูมิทัศน์ฤดูหนาว", "วิวแม่น้ำ Maas”, “วิวหมู่บ้าน”, “ทิวทัศน์ที่มีต้นโอ๊ก” ฯลฯ
ยัน ฟาน โกเยน "ภูมิทัศน์ด้วยต้นโอ๊ก"
นอกเหนือจากการวาดภาพแล้ว Goyen ยังมีส่วนร่วมในการแกะสลัก (การแกะสลักประเภทหนึ่งบนโลหะ) และการวาดภาพ
ในปี 1632 Goyen และครอบครัวของเขาย้ายไปที่กรุงเฮกซึ่งเขาอาศัยอยู่จนกระทั่งสิ้นสุดชีวิตของเขา - จนถึงปี 1656
ยาค็อบ ฟาน รุยส์เดล (1628/1629-1682)
Jacob Isaacs van Ruisdael เกิดและเสียชีวิตในเมือง Haarlem (เนเธอร์แลนด์) ไม่มีภาพเหมือนของเขาที่รอดชีวิตมาได้ ภาพนี้เป็นเพียงการคาดเดาเท่านั้น
ปัจจุบัน Ruisdael ถือเป็นศิลปินภูมิทัศน์ชาวดัตช์ที่สำคัญที่สุด แต่ในช่วงชีวิตของเขา พรสวรรค์ของเขาไม่ได้รับการชื่นชมอย่างเพียงพอ ครูของเขาอาจเป็นลุงของเขา ซึ่งเป็นศิลปิน โซโลมอน ฟาน รุสเดล
Ruisdael ยังเป็นศัลยแพทย์ฝึกหัด ซึ่งทำงานในอัมสเตอร์ดัม
การสร้าง
ศิลปินถ่ายทอดอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์ผ่านภูมิทัศน์อย่างชำนาญ และสำหรับเขา องค์ประกอบใด ๆ ของภูมิทัศน์มีความสำคัญ: กิ่งไม้ที่โค้งงอตามลมกระโชก, ใบหญ้าที่แหลกสลาย, เมฆฟ้าร้อง, เส้นทางที่เหยียบย่ำ... และส่วนประกอบทั้งหมดเหล่านี้ถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืนในภาพวาดของเขาเป็นภาพเดียว ธรรมชาติ.
เขาเขียนเป็นจังหวะเล็กๆ เขาชอบวาดภาพป่าทึบ หนองน้ำ น้ำตก เมืองหรือหมู่บ้านเล็กๆ ในดัตช์ และเหนือสิ่งอื่นใดคือท้องฟ้าแห่งชัยชนะ ภูมิทัศน์ของ Ruisdael นั้นสามารถเข้าใจได้สำหรับทุกคนไม่ว่าจะสัญชาติใดก็ตาม เพราะพวกเขาแสดงออกถึงความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติที่ทุกคนมีร่วมกัน
Ruisdael สร้างสรรค์ภาพวาดประมาณ 450 ภาพ แหล่งข้อมูลอื่นๆ ระบุหมายเลข 600 ภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ของเขาเน้นไปที่ธรรมชาติของประเทศเนเธอร์แลนด์ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา แต่เขายังวาดภาพป่าต้นโอ๊กในเยอรมนีและน้ำตกในนอร์เวย์ด้วย
ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงรุ่งเรืองของยุคศักดินาในรัสเซีย ในเวลานี้ ระบบศักดินา-ทาสกำลังเข้มแข็งขึ้น และความสัมพันธ์ระหว่างชนชั้นกระฎุมพีก็เกิดขึ้นพร้อมๆ กันภายในระบบเดียวกัน การพัฒนาอย่างรวดเร็วของเมืองและสังคมโดยรวมนำไปสู่ความเจริญรุ่งเรืองของวัฒนธรรม การวาดภาพยังได้รับความเข้มแข็งในรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ความเข้มข้นของมวลชนในเมืองใหญ่เริ่มขึ้นซึ่งเป็นเหตุผลหลักที่ทำให้วัฒนธรรมมีการพัฒนาอย่างรวดเร็ว ขอบเขตอันไกลโพ้นของชาวรัสเซียก็กว้างขึ้นเช่นกันเมื่อเริ่มต้นการผลิตภาคอุตสาหกรรมซึ่งบังคับให้พวกเขามองดูพื้นที่ห่างไกลของประเทศอย่างใกล้ชิด องค์ประกอบทางโลกต่างๆ แทรกซึมอยู่ในภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ภาพวาดกำลังได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อยๆ
ผลกระทบของคริสตจักรต่องานศิลปะ
คริสตจักรยังตระหนักถึงอิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของศิลปะ โดยเฉพาะการวาดภาพ ตัวแทนของนักบวชพยายามควบคุมภาพวาดโดยพยายามให้อยู่ภายใต้ความเชื่อทางศาสนา ปรมาจารย์พื้นบ้าน - จิตรกรที่คิดว่าเบี่ยงเบนไปจากศีลที่จัดตั้งขึ้น - ถูกข่มเหง
การวาดภาพในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียยังห่างไกลจากแนวโน้มที่สมจริงและมีการพัฒนาช้ามาก ในเบื้องหน้ายังคงมีวิสัยทัศน์ของการวาดภาพที่เป็นนามธรรม ดันทุรัง และเชิงเปรียบเทียบ ไอคอนและภาพวาดมีลักษณะพิเศษคือการมีฉากเล็กๆ และวัตถุรอบๆ ภาพหลักมากเกินไป ลักษณะเฉพาะของเวลานั้นคือคำจารึกที่อธิบายบนภาพเขียน
บุคลิกภาพและภาพวาดของศตวรรษที่ 17
เมื่อกล่าวถึงภาพวาดในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซีย ไม่อาจพลาดที่จะพูดถึงศิลปิน Simon Fedorovich Ushakov ซึ่งเป็นผู้เขียนภาพวาดที่มีชื่อเสียงเช่น "The Saviour Not Made by Hands", "The Trinity" และ "Planting the Tree of the รัฐรัสเซีย” ปรากฏการณ์ที่น่าทึ่งในการวาดภาพคือความสนใจของมนุษย์ในฐานะปัจเจกบุคคล ภาพวาดที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียพูดถึงเรื่องนี้
ควรสังเกตว่าภาพเหมือนกลายเป็นสมบัติของมวลชนตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 เท่านั้นและก่อนหน้านั้นมีเพียงผู้ที่ใกล้ชิดกับอำนาจสูงสุดเท่านั้นที่สามารถทิ้งความทรงจำของตัวเองไว้บนผืนผ้าใบของศิลปินได้ ภาพวาดพิธีการและการตกแต่งจำนวนหนึ่งถูกสร้างขึ้นในพื้นที่สาธารณะขนาดใหญ่ เช่น สถาบันศิลปะ วุฒิสภา กองทัพเรือ และพระราชวังอิมพีเรียล ครอบครัวสามารถสั่งถ่ายภาพบุคคลได้ แต่พวกเขาไม่ได้แสดง แต่ปล่อยให้พวกเขาอยู่ในแวดวง พวกเขาสามารถตกแต่งได้แม้กระทั่งอพาร์ทเมนต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่ยากจนของสมาชิกกลุ่มปัญญาชนที่พยายามติดตามเทรนด์และแฟชั่นในสังคม
อิทธิพลของวัฒนธรรมยุโรปตะวันตกต่อการวาดภาพของรัสเซีย
ควรสังเกตว่าการวาดภาพในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียเปลี่ยนไปมากโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องการวาดภาพบุคคล โลกแห่งความจริงที่มีโชคชะตาและกระบวนการที่แท้จริงเริ่มปรากฏให้เห็น ทุกสิ่งทุกอย่างกลายเป็นเรื่องฆราวาสและมีชีวิตชีวามากขึ้น อิทธิพลมหาศาลมาจากตะวันตก รสนิยมทางสุนทรีย์แห่งตะวันตกเริ่มค่อยๆ ไหลเข้าสู่รัสเซีย สิ่งนี้ไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับศิลปะโดยทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะต่างๆ เช่น อาหาร รถม้า เสื้อผ้า และอื่นๆ อีกมากมาย การถ่ายภาพพอร์ตเทรตกลายเป็นงานอดิเรกที่นิยมกันมากขึ้น เป็นเรื่องแฟชั่นที่จะนำภาพวาดพระมหากษัตริย์มาเป็นของขวัญแด่กษัตริย์ นอกจากนี้ ทูตไม่รังเกียจที่จะซื้อภาพเหมือนที่พวกเขาสนใจในเมืองหลวงของโลก ต่อมาไม่นานก็ได้รับความนิยมในการเลียนแบบทักษะการวาดภาพบนผืนผ้าใบของศิลปินต่างประเทศ “Titular Books” เล่มแรกปรากฏขึ้น ซึ่งแสดงภาพเหมือนของกษัตริย์ต่างชาติและรัสเซีย
แม้ว่าการต่อต้านจากบางวงการจะเพิ่มขึ้นเป็นสัดส่วนโดยตรงกับความนิยมในศิลปะพื้นบ้านที่เพิ่มขึ้น แต่ก็เป็นไปไม่ได้เลยที่จะจำกัดการเคลื่อนไหวดังกล่าว ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ การวาดภาพในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียได้รับแรงผลักดันอย่างมาก หนึ่งในเวิร์กช็อปหลักของศูนย์ศิลปะคือซึ่งมีภาพวาดมากกว่าหนึ่งร้อยภาพวาดโดยปรมาจารย์สองโหลภายใต้การนำของ Loputsky, Wuchters และ Bezmin ผลงานของพวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มที่ขัดแย้งกันในการวาดภาพ ภาพวาดบางภาพจัดทำในรูปแบบทางการ และอีกภาพเป็นสไตล์ยุโรปตะวันตก
ความแปลกใหม่ในการถ่ายภาพบุคคล
การวาดภาพในศตวรรษที่ 17 ในรัสเซียเปลี่ยนรูปลักษณ์ ประเภทของการถ่ายภาพบุคคลแบบฆราวาสได้รับรูปแบบใหม่ มนุษย์กลายเป็นประเด็นหลักของศิลปะ สรุปได้ว่าบทบาทของบุคคลในฐานะบุคคลเพิ่มมากขึ้น “ใบหน้า” ที่เป็นที่ยอมรับจะจางหายไปในพื้นหลังและทำให้ความสัมพันธ์ในชีวิตประจำวันและบุคลิกภาพโดยรวมเปลี่ยนไป บุคคลที่แท้จริงมีค่าควรแก่บทกวี ไม่ใช่แค่พระเจ้าหรือนักบุญเท่านั้น ภาพเหมือนในพิธีออกจากเวทีศิลปะรัสเซียแล้ว แน่นอนว่าอิทธิพลของเขายังไม่สิ้นสุดในวันนี้ แต่ก็มีนัยสำคัญน้อยลง ในช่วงยุคเพทริน มันก็พบสถานที่สำหรับตัวเองบนดินรัสเซีย และยังมีอยู่เทียบเท่ากับภาพวาดของชาวยุโรปอีกด้วย
บทสรุป
นี่คือวิธีที่ภาพวาดของศตวรรษที่ 17 พัฒนาขึ้นในรัสเซีย โดยสรุปเราสามารถสรุปได้ว่าในศตวรรษนี้เองที่จุดเปลี่ยนเกิดขึ้นในงานศิลปะซึ่งมีอิทธิพลต่อวัฒนธรรมของประเทศและการพัฒนาต่อไป