ส่งผลงานดีๆ ของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง
นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง
โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/
มหาวิทยาลัยเปิดแห่งรัฐมอสโก
คณะภาษาศาสตร์และการสื่อสารระหว่างวัฒนธรรม
ภาควิชาภาษาศาสตร์
ประวัติศาสตร์วรรณกรรมต่างประเทศ
ในหัวข้อ: “ละครของ Ibsen”
มอสโก 2010
- การแนะนำ
- 2. คุณสมบัติของละคร
- 3. ละครตอนปลายของอิบเซ่น
- บทสรุป
การแนะนำ
ช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 20 ในประวัติศาสตร์วรรณคดียุโรปตะวันตกมีความก้าวหน้าทางศิลปะการละครอย่างทรงพลัง ผู้ร่วมสมัยเรียกละครเรื่องนี้ว่า "ละครใหม่" โดยเน้นถึงลักษณะที่รุนแรงของการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้น “ละครใหม่” เกิดขึ้นในบรรยากาศของลัทธิวิทยาศาสตร์ ซึ่งเกิดจากการพัฒนาอย่างรวดเร็วผิดปกติของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ ปรัชญา และจิตวิทยา และเมื่อเปิดโลกทัศน์ใหม่ของชีวิต ก็ได้ซึมซับจิตวิญญาณของการวิเคราะห์ทางวิทยาศาสตร์ที่มีอำนาจทุกอย่างและแพร่หลายไปทั่ว เธอรับรู้ปรากฏการณ์ทางศิลปะที่แตกต่างกันมากมายและได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวทางอุดมการณ์และโวหารและโรงเรียนวรรณกรรมต่างๆ ตั้งแต่ลัทธิธรรมชาติไปจนถึงสัญลักษณ์ “ละครใหม่” ปรากฏขึ้นในรัชสมัยของละครที่ “สร้างมาอย่างดี” ซึ่งห่างไกลจากชีวิตจริง และตั้งแต่แรกเริ่มก็พยายามดึงความสนใจไปยังปัญหาที่ร้อนแรงและเร่งด่วนที่สุด ต้นกำเนิดของละครเรื่องใหม่นี้คืออิบเซ่น, บียอร์นสัน, สตรินด์เบิร์ก, โซล่า, เฮาพท์มันน์, ชอว์, ฮัมซุน, เมเทอร์ลินค์ และนักเขียนที่โดดเด่นคนอื่นๆ ซึ่งแต่ละคนมีส่วนช่วยในการพัฒนาละครเรื่องนี้โดยเฉพาะ จากมุมมองทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรม “ละครใหม่” ซึ่งทำหน้าที่เป็นการปรับโครงสร้างใหม่อย่างสิ้นเชิงของละครแห่งศตวรรษที่ 19 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของละครแห่งศตวรรษที่ 20
1. การเกิดขึ้นของ “ละครใหม่” ในงานของ Ibsen
ในประวัติศาสตร์ของ "ละครใหม่" ของยุโรปตะวันตก บทบาทของนักริเริ่มและผู้บุกเบิกเป็นของนักเขียนชาวนอร์เวย์ เฮนริก อิบเซน (1828-1906) ผลงานทางศิลปะของเขาสัมผัสกับขบวนการวรรณกรรมมากมายและไม่สอดคล้องกับกรอบของขบวนการใดเลย ในช่วงทศวรรษที่ 1860 Ibsen เริ่มต้นด้วยความโรแมนติก ในช่วงทศวรรษที่ 1870 เขากลายเป็นหนึ่งในนักเขียนแนวสัจนิยมชาวยุโรปที่ได้รับการยอมรับ การแสดงสัญลักษณ์ในบทละครของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1890 ทำให้ Ibsen ใกล้ชิดกับนักสัญลักษณ์และแนวโรแมนติกแบบนีโอแห่งปลายศตวรรษมากขึ้น แต่ในงานทั้งหมดของเขา ปัญหาทางสังคมและศีลธรรมนั้นรุนแรง แปลกจากสัญลักษณ์ที่สอดคล้องกันและลัทธิโรแมนติกนิยมใหม่ Ibsen ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้สร้างละครแนวจิตวิทยาและ "ละครแห่งความคิด" ทางปรัชญาซึ่งกำหนดรูปลักษณ์ทางศิลปะของละครโลกสมัยใหม่เป็นส่วนใหญ่
เส้นทางสร้างสรรค์ของ Ibsen ครอบคลุมมากกว่าครึ่งศตวรรษ ในปี พ.ศ. 2392 เขาเขียนละครโรแมนติกเรื่องแรกของเขาเรื่อง "Catalina" และหลังจากนั้น - ในจิตวิญญาณโรแมนติกระดับชาติ - "The Heroic Mound" (1850), "Warriors in Helgeland" (1857) และ "The Struggle for the Throne" ( 1863 ). จุดสุดยอดของงานโรแมนติกของเขาคือละครเชิงปรัชญาและเชิงสัญลักษณ์เรื่อง "Brand" (1866) และ "Peer Gynt" (1867) ซึ่งวางปัญหาเชิงปรัชญาเกี่ยวกับจุดประสงค์และหน้าที่ทางศีลธรรมของมนุษย์และละครเชิงปรัชญาที่อยู่ติดกันในธีมประวัติศาสตร์ , “ซีซาร์และกาลิลี” (พ.ศ. 2416) ซึ่งประกาศแนวคิดเรื่อง "อาณาจักรที่สาม" - โลกแห่งอิสรภาพ ความดี และความงาม แทนที่ลัทธินอกรีตและศาสนาคริสต์
ถึงกระนั้น แม้จะมีความสำคัญอย่างมากต่อละครโรแมนติกของ Ibsen แต่ความสำเร็จทางศิลปะที่สำคัญของเขาอยู่ที่สาขาละครสมจริงในช่วงปี 1870-1890 ซึ่งได้รับการยอมรับอย่างสมควรจากผู้อ่านและผู้ชมทั่วโลก
Ibsen เริ่มย้ายออกจากแนวโรแมนติกในช่วงทศวรรษที่ 1860 ในเรื่อง "The Comedy of Love" (1862) และยิ่งกว่านั้นใน "The Youth Union" (1869) ซึ่งเป็นการเสียดสีที่คมชัดเกี่ยวกับชีวิตทางการเมืองของนอร์เวย์
ในปี 1877 ในละครเรื่อง The Pillars of Society อิบเซ่นได้ก้าวไปสู่การสร้างละครทางสังคมที่วิพากษ์วิจารณ์สภาพจิตวิญญาณของสังคมนอร์เวย์อย่างไร้ความปราณี
ในช่วงระหว่างปี พ.ศ. 2420 ถึง พ.ศ. 2442 Ibsen ได้สร้างละครสิบสองเรื่อง: "The Pillars of Society"; "บ้านตุ๊กตา", 2422; "ผี", 2424; "ศัตรูของประชาชน", 2425; "เป็ดป่า", 2427; "โรสเมอร์สโฮล์ม", 2429; "ผู้หญิงจากทะเล", 2431; "เฮดด้าเกเบลอร์", 2433; "ผู้สร้างโซลเนส", 2435; "ไอยอลตัวน้อย", พ.ศ. 2437; "มิถุนายนกาเบรียลบอร์กแมน", 2439; “When We Dead Awaken” ปี 1899 โดยปกติจะแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม โดยแต่ละกลุ่มมีละครสี่เรื่อง หากในละครของกลุ่มแรก Ibsen มุ่งเน้นไปที่ปัญหาสังคมให้เริ่มต้นด้วย "The Wild Duck" - เกี่ยวกับคุณธรรมและจิตวิทยาโดยเติมเนื้อหาของผลงานด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์ ในเวลาเดียวกัน เขามักจะฝ่าฝืนลักษณะการจัดองค์ประกอบที่เข้มงวดของละครโซเชียลของเขา และให้ความสำคัญกับภูมิทัศน์มากกว่าแต่ก่อน ซึ่งสะท้อนถึงสภาพจิตใจของฮีโร่
เงื่อนไขชี้ขาดสำหรับการเกิดขึ้นของ "ละครใหม่" ในงานของ Ibsen คือการอุทธรณ์ต่อปัญหาของความเป็นจริงสมัยใหม่ ละครแนววิจารณ์สังคมเรื่องแรกของเขาเรื่อง “Pillars of Society” ที่เจาะลึกแนวโน้มการเสียดสีที่มีอยู่ใน “Youth Union” เผยให้เห็นถึงความชั่วร้ายของสังคมชนชั้นกลางที่ขัดขวางไม่ให้บุคคล “เป็นตัวของตัวเอง” และตระหนักถึงชะตากรรมของเขา
ในการวางปัญหาและแก้ไขข้อขัดแย้งใน "ละครเรื่องใหม่" เรื่องแรกของเขา Ibsen อาศัยประสบการณ์ทางศิลปะของเพื่อนร่วมชาติ นักเขียน และนักเขียนบทละคร Bjornstjerne Bjornson (1832-1910) อย่างชัดเจน เขามักถูกเรียกว่า "ผู้บุกเบิก 'ละครใหม่' ในนอร์เวย์"
ตามคำกล่าวของ G. Brandes ในบทละครของบียอร์นสันเรื่อง “Bankruptcy” และ “The Editor” (ทั้งปี 1874) “เป็นครั้งแรกที่ความทันสมัยของเราพูดได้เต็มปาก” A. Strindberg เรียกละครเรื่องเหล่านี้ว่า "สัญญาณพลุ" ของ "ละครเรื่องใหม่" หลังจาก "ล้มละลาย" และ "The Editor" ละครที่มีปัญหาอื่น ๆ ของ Bjornson ได้รับการปล่อยตัว: "The King" (1877), "Leonarda" (1879), "The New System" (1879), "The Gauntlet" (1883), “ เกินกำลังของเรา” "ส่วนที่ 1 และ II (พ.ศ. 2426 และ พ.ศ. 2428) เป็นต้น
2. คุณสมบัติของละคร
อิบเซ่น ละคร ละคร วรรณกรรม
การรับรู้ของ Ibsen และการระบุถึงความขัดแย้งภายในอย่างลึกซึ้งระหว่าง "อุดมคติ" และ "ความเป็นจริง" การปรากฏตัวและแก่นแท้ของโลกโดยรอบได้กำหนดโครงสร้างทางศิลปะของบทละครของเขาเกี่ยวกับความทันสมัย จริงๆ แล้วละครของ Ibsen เริ่มต้นจากช่วงเวลาที่ฉากดราม่าของ Bjornson จบลง รูปแบบย้อนหลังที่มีชื่อเสียงหรือ "การวิเคราะห์ทางปัญญา" ของละครของ Ibsen ทำหน้าที่ในการ "เรียนรู้" ความลับในอดีตของฮีโร่ของเขา ซึ่งเหลืออยู่นอกขอบเขตของการกระทำโดยตรง จะถูกวิเคราะห์และเปิดเผยโดยพวกเขาในกระบวนการของสิ่งที่เกิดขึ้น “การเรียนรู้” ความลับขัดขวางวิถีชีวิตที่สงบและเจริญรุ่งเรืองอย่างมาก หาก Bjornson แม้กระทั่งก่อนที่จะเริ่มเหตุการณ์หลัก ในนิทรรศการ ให้ข้อมูลที่จำเป็นเกี่ยวกับตัวละครในบทละคร ดังนั้นใน Ibsen ตามกฎแล้ว "นิทรรศการ" จะขยายไปสู่การกระทำทั้งหมด และเฉพาะใน ฉากสุดท้ายความลับก็ปรากฏ การเปิดเผยสิ่งที่เกิดขึ้นกับเหล่าฮีโร่ในอดีตนั้นเกิดจากเหตุการณ์ในปัจจุบันและยิ่งความลับในอดีตของพวกเขาถูกเปิดเผยต่อผู้อ่านหรือผู้ชมมากขึ้นเท่าใดเหตุผลที่ทำให้เกิดภัยพิบัติก็จะยิ่งชัดเจนมากขึ้นเท่านั้น กล่าวโดยสรุป ด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคย้อนหลัง Ibsen เผยให้เห็นสภาวะที่แท้จริงที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังความเป็นอยู่ภายนอก “การเรียนรู้” ความลับสำหรับเขาเป็นวิธีที่สำคัญที่สุดในการสำรวจไม่เพียงแต่ตัวละครบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตโดยทั่วไปด้วย ความสมบูรณ์ของการสำแดง ความขัดแย้ง และความเป็นไปได้
ในบทละครของเขา Ibsen มุ่งมั่นเพื่อความสมจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น เขาเน้นย้ำว่าผลงานของเขาได้รับการออกแบบมาเพื่อ "สร้างความประทับใจให้กับผู้อ่านหรือผู้ชมว่านี่คือความเป็นจริง" และเรียกร้องจากผู้กำกับว่าการแสดงบนเวทีของพวกเขา "เป็นธรรมชาติที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้" และ "ทุกสิ่งทุกอย่างควรประทับตราแห่งชีวิตที่แท้จริง" ” ความต้องการความจริงในชีวิตก็มีความสำคัญต่อภาษาในละครของอิบเซ่นเช่นกัน นักเขียนบทละครต้องแน่ใจว่าคำพูดของตัวละครสอดคล้องกับรูปแบบคำพูดของความเป็นจริงทุกประการ สิ่งที่สำคัญสำหรับเขายิ่งกว่านั้นคือการใช้ข้อความย่อยอย่างกว้างขวาง
คำพูดของตัวละครมักจะมีความหมายเพิ่มเติม ซึ่งทำให้กระจ่างเกี่ยวกับกระบวนการทางจิตที่ซับซ้อน ซึ่งบางครั้งพวกเขาเองก็ไม่รู้ตัว นอกจากบทสนทนาแล้ว การหยุดชั่วคราวยังสื่อความหมายในการพูดของตัวละครด้วย ซึ่งบทบาทจะเพิ่มขึ้นอย่างมากในบทละครในภายหลังของนักเขียนบทละคร
“ละครเรื่องใหม่” ของ Ibsen พบรูปแบบทางศิลปะใน A Doll's House ใน "เสาหลักแห่งสังคม" หลักการองค์ประกอบย้อนหลังยังไม่ได้ถูกนำมาใช้อย่างเต็มที่โดยเขา การเปิดเผยของ Bernik ไม่ได้เกิดขึ้นในตอนท้ายของการเล่น แต่เกิดขึ้นในระหว่างการกระทำ ในบ้านตุ๊กตา Thorsten ได้เรียนรู้ "การกระทำ" ของ Nora ที่เกิดขึ้นนานก่อนเหตุการณ์ในละครในองก์สุดท้าย ความตึงเครียดไม่ได้เกิดขึ้นจากการวางอุบายที่น่าตื่นเต้น แต่ส่วนใหญ่มาจากการวิเคราะห์สภาพจิตใจของนางเอกอย่างละเอียดโดยรอคอยการเปิดเผยของเธออย่างใจจดใจจ่อ
ในตอนท้ายของละคร หลังจากการพูดคุยกับสามีของเธอ นอร่าได้ค้นพบเส้นทางใหม่ในชีวิต ตามที่ Shaw กล่าว ต้องขอบคุณการอภิปรายในตอนท้ายของละคร A Doll's House "ได้พิชิตยุโรปและก่อตั้งโรงเรียนศิลปะการละครแห่งใหม่"
ละครเรื่องนี้ได้รับการต้อนรับด้วยความกระตือรือร้นจากผู้อ่าน และได้รับการแปลเป็นภาษาเยอรมัน อังกฤษ ฝรั่งเศส อิตาลี ฟินแลนด์ และรัสเซียทันที ในปีพ.ศ. 2422 ได้มีการจัดแสดงในประเทศนอร์เวย์ จากนั้นในประเทศอื่นๆ และประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องกับผู้ชมทุกแห่ง
ในเวลาเดียวกัน นักวิจารณ์ชาวนอร์เวย์หัวโบราณบางคนกล่าวหาว่านักเขียนบทละครจงใจบ่อนทำลายรากฐานของสังคมด้วย A Doll's House เพื่อตอบสนองต่อพวกเขา Ibsen ในละครเรื่องต่อไปของเขาเรื่อง "Ghosts" แสดงให้เห็นว่าความปรารถนาที่จะช่วยสหภาพครอบครัวที่แตกสลายไม่ว่าจะต้องแลกมาด้วยวิธีใดก็ตาม นางเอกของละคร Fru Alving ผู้ซึ่งทนทุกข์จากการล่วงประเวณีและเมาสุราของสามีของเธอ ต้องการเช่นเดียวกับนอราที่จะออกจากครอบครัวของเธอ แต่ศิษยาภิบาล Manders ชักชวนให้เธออยู่ต่อ
นางอัลวิงไม่เคยตัดสินใจที่จะต่อสู้กับศีลธรรมอันหลอกลวงอย่างเปิดเผย ราคาของการประนีประนอมมโนธรรมของเธอคือความเจ็บป่วยร้ายแรงของออสวอลด์ ลูกชายของเธอ ซึ่งสืบทอดมาจากพ่อที่เสเพลของเขา
เช่นเดียวกับบ้านตุ๊กตา Ghosts ไม่เพียงแต่มีแนวโน้มที่เปิดเผยเท่านั้น แต่ยังเป็นละครแนวจิตวิทยาที่ลึกซึ้งอีกด้วย มันทำให้นางเอกมีลักษณะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนและเฉียบคมอย่างผิดปกติซึ่งค้นพบด้วยความสยองขวัญในตอนท้ายของละครว่าในโศกนาฏกรรมของครอบครัวเธอมีส่วนสำคัญในความผิดของเธอเอง คำพูดของออสวอลด์ที่ว่าในบ้านพ่อแม่ของเขา เขา "ขาดความสุขในชีวิต" ฟังดูเหมือนเป็นการเปิดเผยต่อนางอัลวิง ในขณะนี้ การคาดเดาอันน่าสยดสยองเกิดขึ้นกับเธอ ท้ายที่สุดแล้ว "ความสุขแห่งชีวิต" ดังกล่าวก็เต็มไปด้วยสามีของเธอในวัยหนุ่ม ปฏิบัติตามกฎแห่งศีลธรรมที่เคร่งครัดอย่างเคร่งครัดเธอเองก็ฆ่าความสุขในการเพลิดเพลินกับชีวิตในตัวเขา อิบเซ่นทำให้ความขัดแย้งทางจิตใจในละครรุนแรงขึ้นถึงขีดสุด เขาปล่อยให้นางเอกของเขาอยู่บนธรณีประตูของทางเลือก: เธอควรบรรเทาความทุกข์ทรมานของลูกชายของเธอและตามที่เธอสัญญาไว้ว่าจะวางยาพิษให้เขาหรือทิ้งทุกอย่างไว้เหมือนเดิมและทำให้ความรู้สึกผิดของเธอต่อเขารุนแรงขึ้นอีก?
ใน Ghosts Ibsen แสดงให้เห็นถึงความเชี่ยวชาญในเทคนิคการสร้างบทละคร โดยใช้มันเพื่อ "เปิดเผยตัวเอง" นางเอกและประณามคำโกหกในที่สาธารณะ ละครเกิดขึ้นได้จากความเข้มข้นสูงสุดของเหตุการณ์ในเวลาและสถานที่ ความสามัคคีของเวลาและสถานที่ เช่นเดียวกับในละครโบราณ แต่ต่างจากอย่างหลัง “Ghosts” ใช้เทคนิคของ “ละครใหม่” ทางปัญญาและจิตวิทยา
ช่วยเพิ่มบทบาทของการอภิปราย อารมณ์ และเนื้อหาย่อยได้อย่างมาก ความเชื่อมโยงที่แยกไม่ออกระหว่างอดีตและปัจจุบันยังแสดงออกผ่านสัญลักษณ์ทางศิลปะอีกด้วย
ในละครเรื่อง “Enemy of the People” การวิพากษ์วิจารณ์แนวคิดและสภาพความเป็นอยู่ที่ไม่เป็นมิตรต่อมนุษย์มาถึงจุดไคลแม็กซ์ Ibsen แสดงให้เห็นความขัดแย้งที่เข้ากันไม่ได้ระหว่างแพทย์สปา Thomas Stockmann ในด้านหนึ่งกับเจ้าหน้าที่ของเมือง ความคิดเห็นของประชาชน และสื่อมวลชนในอีกด้านหนึ่ง
เป็นที่น่าสังเกตว่าในการโต้เถียงกับคู่ต่อสู้ของเขา ดร. สต็อกแมนมักจะหันไปใช้ลักษณะการโต้แย้งของวิทยาศาสตร์ชีวภาพในเวลานั้น เขาเปรียบเทียบสังคมมนุษย์กับโลกของสัตว์ และพูดถึง “คนพุดเดิ้ล” และ “คนพันธุ์ผสม” ที่ยืนอยู่ในระยะต่างๆ ของการพัฒนา มักใช้คำของดาร์วิน “ธรรมชาติที่เพาะปลูก” และ “ธรรมชาติดึกดำบรรพ์” “การต่อสู้เพื่อดำรงอยู่” “การคัดเลือกโดยธรรมชาติ” ” ฯลฯ ผลกระทบของแนวคิดเรื่องการกำหนดระดับทางชีวภาพยังส่งผลต่อบทละคร “ใหม่” เรื่องอื่นๆ ของ Ibsen อีกด้วย ทั้ง Dr. Rank ใน A Doll's House และ Oswald ใน Ghosts ต่างตกเป็นเหยื่อของพันธุกรรมที่ไม่ดีต่อสุขภาพของบิดาของพวกเขา
และถึงแม้ว่าการพูดถึงหัวข้อเรื่องพันธุกรรมนั้นไม่มีทางเป็นลักษณะเฉพาะของ “ละครเรื่องใหม่” ของอิบเซ่น ซึ่งมีความสนใจอย่างมากในเรื่องปัญหาชีวิตฝ่ายวิญญาณของแต่ละบุคคลเป็นหลัก (แม้แต่ใน “Ghosts” ซึ่งเป็นเรื่อง “เป็นธรรมชาติ” ที่สุดของ บทละครของนักเขียนบทละครจุดสนใจของเขาไม่ใช่โรคทางพันธุกรรมของลูกชาย แต่เป็นละครทางจิตวิญญาณของแม่) อย่างไรก็ตามแรงจูงใจตามธรรมชาติที่ฟังอยู่ในนั้นทำให้นักเขียนบทละครนักธรรมชาติวิทยามองเห็นพ่อทางจิตวิญญาณในตัวเขา ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 1880 ปัญหาทางศีลธรรมและจิตใจส่วนใหญ่เกิดขึ้นมาก่อนในงานของ Ibsen และในเวลาเดียวกันบทบาทของสัญลักษณ์ทางศิลปะก็เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วในโครงสร้างของบทละครของเขาจากนั้นก็มีการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรมอีกครั้ง - สัญลักษณ์ - อ้างสิทธิ์ ถึงนักเขียน
สัญลักษณ์ใน “ละครใหม่” ของ Ibsen ปรากฏขึ้นนานก่อนที่สัญลักษณ์จะประกาศตัวเองอย่างเต็มที่ในละคร ก้นเน่าของ "ผู้หญิงอินเดีย" ใน "เสาหลักแห่งสังคม" ไฟในสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าใน "ผี" "แหล่งพิษแห่งชีวิตฝ่ายวิญญาณ" ในละครเรื่อง "ศัตรูของประชาชน" - ทั้งหมดนี้ไม่ได้เป็นเพียงความสดใสเท่านั้น รายละเอียดของความเป็นจริงที่ปรากฎ แต่ยังรวมถึงภาพสัญลักษณ์เชิงกวี ที่นำเสนอปรากฏการณ์ในชีวิตจริงโดยอาศัยความช่วยเหลือของสัญลักษณ์เปรียบเทียบ คำอุปมา และสัญลักษณ์เปรียบเทียบ
“ The Wild Duck” เป็นละครเรื่องแรกของ Ibsen ซึ่งมีการเปิดเผยรูปลักษณ์ทางจิตวิญญาณและชะตากรรมของตัวละครด้วยความช่วยเหลือของสัญลักษณ์เปรียบเทียบและบทกวี ประการแรก หมายถึงรูปภาพของนกบาดเจ็บที่อาศัยอยู่ในห้องใต้หลังคาของบ้าน Ekdahls ชะตากรรมของตัวละครเกือบทุกตัวเกี่ยวข้องกับสัญลักษณ์นี้ในทางใดทางหนึ่ง นักธุรกิจชื่อ Werle ยิงเป็ดป่าตัวหนึ่งขณะล่าสัตว์ แล้วมอบให้กับ Hjalmar ในทำนองเดียวกันเขา "มอบ" Gina ผู้เป็นที่รักของเขาให้เขา เอคดาห์ล นักล่าตัวยงกล่าวถึงสัตว์ที่ได้รับบาดเจ็บว่า “... พวกมันดำดิ่งลงสู่ก้นบึ้ง... ลงไปสู่ส่วนลึกที่สุด... และจะไม่ขึ้นมาอีกเลย” ยาลมาร์ก็เช่นกัน เขารู้สึกขุ่นเคืองกับโชคชะตาและติดอยู่กับภาพลวงตาที่ไร้ผลอย่างสิ้นหวัง สัญลักษณ์นี้เกี่ยวข้องกับภาพของเฮ็ดวิกแตกต่างออกไป เด็กผู้หญิงเชื่อมโยงกับเป็ดป่าด้วยความรู้สึกเป็นเครือญาติภายใน และเมื่อละครจบเธอก็ยอมรับความตายที่ตั้งใจไว้สำหรับเป็ดป่า “ เป็ดป่าคือ Hedwig” Ibsen เขียนเกี่ยวกับนางเอกของเขา ภาพของป่าที่สร้างขึ้นในห้องใต้หลังคาของบ้านก็มีหลายแง่มุมเช่นกัน นี่เป็นสัญลักษณ์ของภาพลวงตาที่ผู้อยู่อาศัยอาศัยอยู่ สำหรับเอคดาล พวกเขาเข้ามาแทนที่ชีวิตในธรรมชาติที่เป็นอิสระ ยัลมาร์ทำหน้าที่เป็นที่หลบภัยจากความผิดหวังในชีวิต สำหรับเฮ็ดวิก นี่คือโลกแห่งเทพนิยายที่มีมนต์ขลังซึ่งให้อาหารแก่จินตนาการแห่งบทกวีของเธอ
ใน Rosmersholm มีการใช้สัญลักษณ์ที่แตกต่างกันออกไป สัญลักษณ์เปรียบเทียบช่วยให้เกิดภาพสัญลักษณ์เกี่ยวกับสภาพจิตใจของฮีโร่ ตามตำนานม้าขาวที่มีชื่อเสียงของ Rosmersholm ปรากฏตัวก่อนที่โชคร้ายจะเกิดขึ้นเป็นสัญลักษณ์อันน่าสยดสยองของความตายและอำนาจทุกอย่างในอดีตซึ่งพลังลึกลับที่นายหญิงแห่งอสังหาริมทรัพย์ซึ่งโยนตัวเองลงไปในวังวนนั้นยังคงอยู่เหนือ จิตวิญญาณของผู้อยู่อาศัย เมื่อ "ความลับ" ของการฆ่าตัวตายอย่างลึกลับถูกเปิดเผยโศกนาฏกรรมอีกครั้งก็เกิดขึ้น - การฆ่าตัวตายของฮีโร่ในละคร Rosmer และ Rebecca ซึ่งแม่บ้านเก่าพูดว่า: "ผู้ตายพาพวกเขาไป"
ใน "Rosmersholm" ไม่เหมือนกับผลงานก่อนหน้านี้ โลกแห่งจิตวิญญาณของตัวละครไม่ได้ถูกสำรวจมากนักผ่านการกระทำในอดีตของพวกเขา แต่ผ่านการชี้แจงถึงแรงจูงใจและแรงจูงใจที่กระตุ้นพวกเขา
การวิเคราะห์ทางจิตวิทยาเชิงลึกมีสัญลักษณ์ที่สะท้อนถึงสภาพจิตใจที่คลุมเครือซึ่งมีอำนาจเหนือตัวละครในละครอย่างไม่อาจต้านทานได้
เริ่มต้นจาก Rosmersholm การสำรวจความลึกของชีวิตจิตใจอาจเป็นงานที่สำคัญที่สุดของนักเขียนบทละคร แต่ปัญหาทางปรัชญาและจริยธรรมยังคงเป็นศูนย์กลางของความสนใจของเขา ปัญหาจริยธรรมของเสรีภาพและความรับผิดชอบส่วนบุคคลถูกกล่าวถึงโดย Ibsen ในละครเรื่อง "The Woman from the Sea", "Hedda Gabler", "John Gabriel Borkman" เอลลิดา หวังเกลใน “The Woman from the Sea” พบกับความเศร้าโศกที่แปลกประหลาดและไม่อาจเข้าใจได้ซึ่งเกิดจากความทรงจำเกี่ยวกับท้องทะเลและการพบปะกับกะลาสีเรือที่ไม่คุ้นเคยซึ่งเธอสาบานด้วยความรักและความซื่อสัตย์ แต่ได้รับการปลดปล่อยจากพลังแห่งความลึกลับและอันตรายถึงชีวิต กองกำลังตามสามีของเธอ ดร. Wangel ซึ่งในตอนแรกพยายามให้เธออยู่ใกล้เขาด้วยการบังคับ ทำให้เธอมีอิสระในการดำเนินการอย่างสมบูรณ์ Hedda Gabler อ้างอิงจาก Ibsen ว่าเป็น "คนสมัยใหม่ประเภทหนึ่งที่ทำอะไรหุนหันพลันแล่น อธิบายไม่ได้ และทนทุกข์ทรมานจากการขาดจุดมุ่งหมายในชีวิต" ถูกทรมานด้วยความปรารถนา "อย่างน้อยหนึ่งครั้งในชีวิตของเธอที่จะตัดสินชะตากรรมของ บุคคลอื่น." การประท้วงของ Hedda ต่อลัทธิปรัชญานิยมในนามของ "ความงามและความสมบูรณ์แบบ" นั้นเจ็บปวดและบิดเบือนไปในทางเสื่อมทราม ในภาพลักษณ์ของจอห์น กาเบรียล บอร์กแมน อิบเซ่นรวบรวมโศกนาฏกรรมของบุคลิกที่ไม่ธรรมดาซึ่งทำให้พลังจิตของเขาสูญเปล่า จากจุดเริ่มต้นความฝันของความสุขสากลและความเป็นอยู่ที่ดีของผู้คนมีความเกี่ยวข้องกับฮีโร่ของบทละครที่มีความปรารถนาอย่างละโมบที่จะ "ยึดแหล่งอำนาจทั้งหมดในประเทศ"
สำหรับบอร์กแมน การแก้แค้นอย่างรุนแรงต่อความปรารถนาที่จะมีอำนาจส่วนบุคคลไม่จำกัด ซึ่งเขาวางไว้เหนือศีลธรรมนั้น ถือเป็นความแก่ที่โดดเดี่ยวและการเสียชีวิตก่อนวัยอันควร
การประณามลัทธิ "บุคลิกภาพที่เข้มแข็ง" ในละครตอนปลายของ Ibsen นั้นขัดแย้งกับแนวคิดของ F. Nietzsche ซึ่งรู้จักเขาจากการนำเสนอของเขา
G. Brandes ในบทความชื่อดังของเขาเรื่อง “Aristocratic Radicalism” (1889)
G. Brandes ผู้ยกย่องชื่อของปราชญ์ชาวเยอรมันไม่เพียงแต่ในสแกนดิเนเวียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั่วยุโรปด้วย รู้สึกกังวลอย่างมากกับความคิดของเขาที่ว่าผู้สร้างวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณที่แท้จริงนั้นเป็นอัจฉริยะส่วนบุคคล ความคิดนี้สะท้อนอยู่ในจิตวิญญาณของนักเขียนบทละครชาวนอร์เวย์ เนื่องจากส่วนใหญ่สอดคล้องกับความเป็นปัจเจกชนของเขา อย่างไรก็ตาม การขาดรากฐานทางจริยธรรมในคำสอนของ Nietzsche การดูหมิ่นประชาธิปไตย และการปฏิเสธศาสนาคริสต์ในฐานะ "ศาสนาของทาส" ทำให้เกิดการประณาม Ibsen ผู้ซึ่งถูกเลี้ยงดูมาในประเพณีมนุษยนิยมของวัฒนธรรมระดับชาติและยุโรป
นอกเหนือจากการหักล้างซูเปอร์แมนของ Nietzsche แล้ว ประเด็นสำคัญในผลงานละครตอนปลายของ Ibsen ก็คือการประเมินค่าอดีตของเหล่าฮีโร่อย่างเจ็บปวด ในปี 1895 อิบเซนเขียนว่า “การได้รับการยอมรับในระดับสากลทำให้ฉันมีความพึงพอใจในระดับหนึ่ง แต่ไม่ได้ทำให้ฉันมีความสุขหรือยินดีเลย” ละครที่ยากลำบากมีประสบการณ์โดยเหล่าฮีโร่ในผลงานล่าสุดของเขา ซึ่งผ่านการปฏิเสธตนเองอย่างโหดร้าย จึงสามารถตระหนักถึงการเรียกทางจิตวิญญาณของพวกเขาและในขณะเดียวกันก็ทนทุกข์ทรมานเพราะไม่สามารถเข้าถึงด้านที่มีความสุขในชีวิตประจำวันด้วยความสุขของมนุษย์ที่เรียบง่าย .
3. ละครตอนปลายของอิบเซ่น
คุณลักษณะใหม่ปรากฏในบทกวีของละครช่วงปลายของ Ibsen สิ่งที่เกิดขึ้นกับตัวละครส่วนใหญ่แทบจะไม่สามารถอธิบายได้อย่างมีเหตุผลและได้รับการตีความเชิงสัญลักษณ์ล้วนๆ และเนื้อหาเชิงอุดมการณ์และปรัชญาของบทละครไม่ได้แสดงออกมาในความเป็นจริงเหมือนเมื่อก่อน แต่อยู่ในแผนตามเงื่อนไขทั่วไป และในเวลาเดียวกันแม้ในบทละครที่ "เป็นสัญลักษณ์" ที่สุดเช่น "The Builder Solnes" และ "When We Dead Awaken" แม้จะมีลักษณะของสัญลักษณ์และแม้แต่การไม่มีเหตุผล แต่หลักการวิเคราะห์ทางปัญญายังคงครอบงำอยู่ เช่นเดียวกับ "ละครเรื่องใหม่" ทั้งหมดของ Ibsen พวกเขาโดดเด่นด้วยความน่าสมเพชที่มีมนุษยนิยมสูงซึ่งปฏิเสธลัทธิศิลปะที่ได้รับการขัดเกลาและสวยงาม
และถึงแม้ว่าสัญลักษณ์ของบทละครในเวลาต่อมาดูเหมือนจะเชื่อมโยงพวกเขาอย่างใกล้ชิดกับละคร Symbolist ในเวลานี้ แต่ Ibsen เองก็ต่อต้านการถูกตีความว่าเป็น Symbolist อย่างเด็ดขาด “ฉันไม่ได้มองหาสัญลักษณ์ แต่เป็นการพรรณนาผู้คนที่มีชีวิต” นักเขียนบทละครเน้นย้ำ
“The Builder Solnes” เป็นละครเชิงปรัชญาและจิตวิทยา ดังเช่นเมื่อก่อน อิบเซนแสดงความคิดที่ว่า บุคคลในขณะที่ยังคง "ตัวเอง" ไว้ จะต้องต่อสู้เพื่ออุดมคติแห่งอิสรภาพ ความสุข และความสมบูรณ์แบบ อย่างไรก็ตาม เนื้อหาของบทละครถูกเปิดเผยในการกระทำและความคิดของตัวละคร ซึ่งเต็มไปด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์อันลึกซึ้ง (คำขอของฮิลดาที่มีต่อโซลเนส ความฝันของพวกเขาเกี่ยวกับ "ปราสาทในอากาศบนรากฐานที่เป็นหิน" การขึ้นสู่หอคอยของโซลเนส) และตัวละครเองในขณะที่ยังคงรักษาความเฉพาะเจาะจงและการโน้มน้าวใจของมนุษย์ไว้นั้นถูกมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของความลับที่ไม่รู้จักของจิตวิญญาณ
แอ็กชันของละครเรื่อง “When We Dead Awaken” ซึ่งเป็นผลงานที่ธรรมดาที่สุดในบรรดาผลงานของ Ibsen เผยให้เห็นทั้งในแง่ของความเป็นจริงและเชิงสัญลักษณ์ไปพร้อมๆ กัน การเคลื่อนไหวที่สูงขึ้นจากการกระทำหนึ่งไปอีกการกระทำ จากชายฝั่งทะเลผ่านดินแดนรกร้างไร้ต้นไม้และสู่หน้าผาบนภูเขา บันทึกความปรารถนาทางจิตวิญญาณของวีรบุรุษ
อดีตและปัจจุบันของพวกเขาแสดงออกมาเป็นสัญลักษณ์ (งานประติมากรรม "การฟื้นคืนชีพจากความตาย" การปรากฏตัวของ Irena ซึ่งในช่วงเวลาของการพบกับ Rubek ครั้งใหม่ไม่สามารถฟื้นตัวจากความเจ็บป่วยของเธอการตายของเหล่าฮีโร่ ระหว่างทางไปยอดเขา ฯลฯ) สถานการณ์ในละครนั้นมีความสำคัญสำหรับ Ibsen ไม่ใช่เช่นนั้น แต่เป็นโอกาสที่จะพูดเกี่ยวกับปัญหาระดับโลกของชีวิตและการทำงานของศิลปิน
แต่ไม่ว่าองค์ประกอบใดจะปรากฏใน "ละครเรื่องใหม่ของ Ibsen" รากฐานของมันก็ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง อิบเซ่นสร้างสรรค์ละครสมัยใหม่โดยเต็มไปด้วยประเด็นทางสังคม ปรัชญา และศีลธรรม เขาได้พัฒนารูปแบบทางศิลปะ พัฒนาศิลปะแห่งการสนทนา และนำคำพูดที่มีชีวิตชีวามาใส่ไว้ในนั้น ในภาพเขียนที่สวยงามในชีวิตประจำวันของเขา เขาได้ใช้สัญลักษณ์อย่างกว้างขวาง ซึ่งขยายขอบเขตความเป็นไปได้ทางการมองเห็นของงานศิลปะที่สมจริงอย่างมาก
งานของ Ibsen เป็นจุดเริ่มต้นของละครสมัยใหม่ ชอว์ถือว่าตัวเองเป็นลูกศิษย์ของอิบเซน ผู้ติดตามในยุคแรกของ Ibsen คือ Strindberg และ Hauptmann สัญลักษณ์ของละครของ Ibsen เป็นแรงบันดาลใจให้กับ Maeterlinck ไม่มีใครสามารถหลีกหนีอิทธิพลของ Ibsen ได้ แม้แต่เชคอฟก็ตาม
ลักษณะโวหารใหม่ของบทละครในเวลาต่อมาของ Ibsen รวมอยู่ในระบบศิลปะทั่วไปของละครของเขาในยุค 70 และ 80 สัญลักษณ์ทั้งหมดของพวกเขาและหมอกควันที่คลุมเครือซึ่งล้อมรอบพวกเขาเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของสีโดยรวมและโครงสร้างทางอารมณ์ ทำให้พวกเขามีความสามารถพิเศษด้านความหมาย ในหลายกรณี ผู้ให้บริการสัญลักษณ์ของ Ibsen นั้นเป็นวัตถุหรือปรากฏการณ์ที่สัมผัสได้และเฉพาะเจาะจงอย่างยิ่งซึ่งเชื่อมโยงกันด้วยหัวข้อต่างๆ ไม่เพียงแต่กับแนวคิดทั่วไปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างของโครงเรื่องของบทละครด้วย สิ่งบ่งชี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเรื่องนี้คือเป็ดป่าที่มีปีกที่บาดเจ็บอาศัยอยู่ในห้องใต้หลังคาของบ้านของ Ekdahl เธอรวบรวมชะตากรรมของชายคนหนึ่งที่ชีวิตปราศจากโอกาสในการต่อสู้ที่สูงขึ้นและในขณะเดียวกันก็มีบทบาทสำคัญใน การพัฒนาแอ็คชั่นทั้งหมดในบทละครซึ่งมีชื่อที่มีความหมายลึกซึ้งว่า "เป็ดป่า"
ในปี 1898 แปดปีก่อนการเสียชีวิตของ Ibsen มีการเฉลิมฉลองวันเกิดปีที่เจ็ดสิบของนักเขียนบทละครชาวนอร์เวย์ผู้ยิ่งใหญ่อย่างเคร่งขรึม ชื่อของเขาในเวลานี้คือหนึ่งในชื่อวรรณกรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดทั่วโลก บทละครของเขาถูกฉายในโรงภาพยนตร์ในหลายประเทศ
ในรัสเซีย อิบเซ่นเป็นหนึ่งใน “ผู้เชี่ยวชาญด้านความคิด” ของเยาวชนหัวก้าวหน้าที่เริ่มตั้งแต่ทศวรรษที่ 90 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ผลงานละครของ Ibsen หลายชิ้นได้ทิ้งร่องรอยสำคัญไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงรัสเซีย การแสดงของโรงละครศิลปะมอสโกเรื่อง "Enemy of the People" ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อวันที่ 4 มีนาคม พ.ศ. 2444 เป็นงานสาธารณะที่สำคัญ การผลิต "บ้านตุ๊กตา" ในโรงละครได้รับเสียงสะท้อนอย่างมาก
V.F. Komissarzhevskaya ใน Passage - กับ V.F. Komissarzhevskaya ในบทบาทของ Nora ลวดลายของ Ibsen โดยเฉพาะลวดลายจาก Peer Gynt ได้ยินอย่างชัดเจนในบทกวีของ A. A. Blok “ Solveig คุณมาเล่นสกีกับฉัน…” - นี่คือจุดเริ่มต้นของบทกวีบทหนึ่งของ Blok
และในฐานะที่เป็นบทสรุปของบทกวีของเขาเรื่อง "Retribution" Blok ได้นำถ้อยคำจาก "The Builder of Solnes" ของ Ibsen ที่ว่า "Youth is retribution"
บทสรุป
อย่างไรก็ตาม เทรนด์หลักของ "ละครเรื่องใหม่" ก็คือความปรารถนาที่จะมีการนำเสนอภาพที่น่าเชื่อถือ การแสดงโลกภายในตามความเป็นจริง ลักษณะทางสังคมและชีวิตประจำวันของตัวละครและสิ่งแวดล้อม การระบายสีที่แน่นอนของสถานที่และเวลาของการกระทำคือคุณลักษณะเฉพาะและเป็นเงื่อนไขที่สำคัญสำหรับการแสดงบนเวที “ละครใหม่” กระตุ้นให้เกิดการค้นพบหลักการใหม่ๆ ของศิลปะการแสดง โดยอิงจากข้อกำหนดของการผลิตซ้ำสิ่งที่เกิดขึ้นตามความเป็นจริงและถูกต้องทางศิลปะ ต้องขอบคุณ "ละครใหม่" และการแสดงบนเวทีในสุนทรียภาพทางละคร แนวคิดของ "กำแพงที่สี่" จึงเกิดขึ้นเมื่อนักแสดงอยู่บนเวที ราวกับว่าไม่ได้คำนึงถึงการปรากฏตัวของผู้ชม ตามคำกล่าวของ K.S. Stanislavsky“ ต้องหยุดการแสดงและเริ่มใช้ชีวิตในละครกลายเป็นตัวเอก” และผู้ชมในทางกลับกันที่เชื่อในภาพลวงตาของความจริงนี้รับชมชีวิตที่จดจำได้ง่ายของตัวละครในละครด้วยความตื่นเต้น
“ละครใหม่” พัฒนาประเภทของ “ละครแห่งความคิด” ทางสังคม จิตวิทยา และสติปัญญา ซึ่งกลายเป็นผลงานที่ไม่ธรรมดาในละครแห่งศตวรรษที่ 20 หากไม่มี "ละครใหม่" ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงการเกิดขึ้นของละครแนวแสดงออกหรืออัตถิภาวนิยม หรือโรงละครมหากาพย์ของ Brecht หรือ "ต่อต้านละคร" ของฝรั่งเศส แม้ว่าเวลากว่าศตวรรษจะแยกเราออกจากการกำเนิดของ "ละครเรื่องใหม่" แต่ก็ยังไม่สูญเสียความเกี่ยวข้อง ความลึกซึ้งที่พิเศษ ความแปลกใหม่ทางศิลปะ และความสดใหม่
บรรณานุกรม
1. Dzhivilegov A. , Boyadzhiev G. ประวัติความเป็นมาของโรงละครยุโรปตะวันตก ม., 1991
2. สารานุกรมสัญลักษณ์นิยม: จิตรกรรม ภาพกราฟิก และประติมากรรม
วรรณกรรม. ดนตรี / คอม เจ.แคสซู. ม. 1998
3. สัญลักษณ์ภาษาฝรั่งเศส: ละครและละคร เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2543
4. คาเรลสกี้ เอ.วี. การเปลี่ยนแปลงของออร์ฟัส: การสนทนาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์วรรณคดีตะวันตก ฉบับที่ 1: วรรณคดีฝรั่งเศสแห่งศตวรรษที่ 19 ม.: รัสเซีย สถานะ มนุษยนิยม มหาวิทยาลัย พ.ศ. 2541
5. โรงละครยุโรปตะวันตกตั้งแต่ยุคเรอเนซองส์จนถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 อ.: สสจ. 2544
6. ละครสเปนในยุค 50-70 และการพัฒนาทางสังคมและประวัติศาสตร์ของประเทศ // ไอบีเรียก้า. วัฒนธรรมของชาวคาบสมุทรไอบีเรียในศตวรรษที่ 20 ล., 1989
7. โนเวลลาออสเตรียแห่งศตวรรษที่ 19 ม., 1959
8. ประวัติศาสตร์วรรณคดีเยอรมัน ฉบับ. 1-5. ม., 2505-2519
9. เรื่องสั้นเยอรมันแห่งศตวรรษที่ 20 ม., 1963
10. เซอร์มุนสกี้ วี.เอ็ม. บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์วรรณคดีเยอรมันคลาสสิก ล., 1972
11. อัตราส่วนทองคำ: บทกวีออสเตรียในศตวรรษที่ 19-20 ในการแปลภาษารัสเซีย ม., 1977
12. ประวัติศาสตร์วรรณคดีเยอรมนี ม., 1980
13. ประวัติศาสตร์วรรณกรรมของ GDR ม., 1982
14. Ristikivi K. บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์วรรณคดีเอสโตเนีย ทาลลินน์ 1997
15. บทกวีโรแมนติกของโปแลนด์แห่งศตวรรษที่ 19 ม., 1982
16. ประวัติศาสตร์วรรณคดีโปแลนด์ ฉบับที่ 1-2. ม., 2511-2512
17. เครก G.E. ความทรงจำ บทความ จดหมาย ม. 1988
18. วรรณกรรมและการปฏิบัติทางศิลปะ: Reader / Comp. อ. โซโคลอฟ. ม., 1998
19. แอดโมนี วี.จี. เฮนริก อิบเซ่น. ม., 1956
20. อิบเซน จี. รวบรวมผลงาน ฉบับที่ 1-4. ม., 2499-2501
21. ไฮเบิร์ก เอช. เฮนริก อิบเซ่น. ม., 1975
22. Bely A. วิกฤตแห่งจิตสำนึกและ Henrik Ibsen ในหนังสือ. Bely A. Symbolism เป็นโลกทัศน์ ม., 1994
23. เบอร์ดยาเยฟ เอ็น. เฮนริก อิบเซ่น. ในหนังสือ. Berdyaev N. ปรัชญาแห่งความคิดสร้างสรรค์วัฒนธรรมและศิลปะ ต.2 ม.2537
24. Yursky S. Gedda Gabler กับการก่อการร้ายสมัยใหม่ ในหนังสือ. Yursky S. ความพยายามที่จะคิด ม., 2546
25. เมเทอร์ลินค์ เอ็ม. เล่น ม., 1958
26. เมเทอร์ลินค์ เอ็ม. เล่น ม., 1972
27. Shkunaeva I. โรงละครยุคแรกของ Maurice Maeterlinck; โรงละคร Maeterlinck ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 - ในหนังสือ: Shkunaeva I. ละครเบลเยียมจาก Maeterlinck จนถึงปัจจุบัน ม., 1973
28. เมเทอร์ลินค์ เอ็ม. บลูเบิร์ด ล., 1975
29. Maeterlinck M. จิตใจแห่งดอกไม้ ม., 1995
30. Morshchiner M. S. , Zhitomirskaya Z. V. Henrik Ibsen: ดัชนีบรรณานุกรมสำหรับวันครบรอบ 50 ปีการเสียชีวิตของเขา ม., 1956
31. Khrapovitskaya G. N. Ibsen และละครยุโรปตะวันตกในสมัยของเขา ม., 1979.
32. นอยสโตรเยฟ วี.พี. สตรนด์เบิร์ก. ละครแห่งชีวิต // บทความวรรณกรรมและภาพบุคคล. ม., 1983.
33. Andreev L.G. Maurice Maeterlinck // หนึ่งร้อยปีแห่งวรรณคดีเบลเยียม ม., 1967.
34. ชคูนาเอวา ไอ.ดี. โรงละครยุคแรกของ Maurice Maeterlinck // ละครเบลเยียมตั้งแต่ Maeterlinck จนถึงปัจจุบัน ม., 1973.
35. ซิงเกอร์แมน บี.ไอ. บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ละครแห่งศตวรรษที่ 20 เชคอฟ, สตรนด์เบิร์ก, อิบเซ่น, เมเทอร์ลินค์,
36. เมเทอร์ลินค์ เอ็ม. ไม่ได้รับเชิญ ตาบอด. โมนา บาธ
โพสต์บน Allbest.ru
...เอกสารที่คล้ายกัน
แง่มุมทางทฤษฎีของข้อความย่อยในงานของนักเขียนบทละคร ความคิดริเริ่มของละครของเชคอฟ ข้อมูลเฉพาะของความคิดสร้างสรรค์ของ Ibsen การวิเคราะห์เชิงปฏิบัติในบทละครของอิบเซนและเชคอฟ บทบาทของสัญลักษณ์ในเชคอฟ การแสดงข้อความย่อยในบทละครของอิบเซ่น
งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 30/10/2558
ประวัติศาสตร์วรรณคดียุโรปตะวันตก จุดเปลี่ยนของศตวรรษที่ 20 ศิลปะการละคร ละครแนวธรรมชาติ. โรงเรียนของอิบเซ่น เบอร์นาร์ด ชอว์ ใน "ละครเรื่องใหม่" เส้นทางสร้างสรรค์ของชอว์นักเขียนบทละคร "Pygmalion" โดย B. Shaw ถือเป็นผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของ "ละครเรื่องใหม่"
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 21/10/2551
ประวัติความเป็นมาของกระบวนการแสดงละครในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 การปรากฏตัวของ "ละครใหม่" หลักกวีนิพนธ์เรื่อง “ละครปัญญา” โดย บี. ชอว์ ละครเรื่อง "Pygmalion" และ "Heartbreak House" เป็นตัวอย่างของละครทางปัญญา ภาพสะท้อนของเทคนิค "ความขัดแย้ง" ในบทละคร
วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 23/07/2017
พัฒนาการของละครในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 การก่อตัวของ "ละครใหม่" ปัญหาความปรองดองทางศิลปะและปัญหาชีวิตทางสังคมที่ปรองดอง นำเสนอความขัดแย้งในระดับโลก เหนือกาลเวลา และชั่วนิรันดร์ในละคร แนวคิดในการฟื้นฟูโรงละครลัทธิ
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 19/05/2554
การก่อตัวของ Anton Pavlovich Chekhov ในฐานะนักเขียนบทละคร แนวคิดทางศิลปะ และรูปแบบของความคิดสร้างสรรค์ของเขา คำอธิบายเฉพาะของละครของเชคอฟ วิวัฒนาการของละคร "อีวานอฟ" ตั้งแต่ครั้งแรกจนถึงฉบับที่สอง ศึกษาต้นแบบวรรณกรรมเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของตัวละครหลัก
วิทยานิพนธ์เพิ่มเมื่อ 17/07/2017
ศึกษาขั้นตอนการก่อตัวของละครพื้นบ้าน องค์ประกอบของละครในพิธีกรรมตามปฏิทิน เกมเต้นรำรอบ ลักษณะลักษณะของครอบครัวชาวนาและพิธีแต่งงาน ศึกษาฉากและบทสนทนาการ์ตูนของวีรบุรุษในละครโจรเรื่อง "เรือ"
ทดสอบเพิ่มเมื่อ 22/12/2554
งานของ Ibsen เชื่อมโยงหลายศตวรรษ - ในความหมายที่แท้จริงของคำนี้ ต้นกำเนิดของมันอยู่ที่ช่วงปิดท้ายก่อนการปฏิวัติศตวรรษที่ 18 ในการต่อสู้แบบกดขี่ข่มเหงของชิลเลอร์ และในความดึงดูดใจของรุสโซต่อธรรมชาติและต่อผู้คนทั่วไป
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 16/05/2547
อิงจากบทละคร "A Doll's House" โดย Henrik Ibsen และ "Mistress Julie" โดย August Strindberg ความรักคือความรู้สึกของมนุษย์ที่อธิบายไม่ได้มากที่สุด มีการอุทิศบทกวีและร้อยแก้วหลายเล่ม แต่ก็ไม่เคยเข้าใจอย่างถ่องแท้
หัวข้อเพิ่มเมื่อ 27/02/2548
อิงจากบทละคร "A Doll's House" โดย Henrik Ibsen และ "Mistress Julie" โดย August Strindberg ชายและหญิงเป็นครึ่งหนึ่งของบางสิ่งบางอย่างทั้งหมด และยิ่งพวกเขาเถียงกันว่าใครดีกว่า ใครมีสิทธิมากกว่า พวกเขาก็ยิ่งด้อยกว่ามากเท่านั้น
เรียงความเพิ่มเมื่อ 01/04/2548
เอมิล โซลาเป็นนักเขียน นักประชาสัมพันธ์ และนักเคลื่อนไหวทางการเมืองชาวฝรั่งเศส ผลงานโดย Maupassant, Flaubert, Dickens, Balzac, Bayle (Stendhal), Mérimée, Thackeray, Proust, Mann, Joyce, Ibsen, Verlaine, Rimbaud, Wilde, Collins, Poe, Verne, Sand และBrontë
"ละครใหม่" (อิบเซ่น, ชอว์, เฮาพท์มันน์, เมเทอร์ลินค์)
การก่อตัวในช่วงเปลี่ยนศตวรรษของสิ่งที่เรียกว่า "ดรา-
เรา" ในงานของ Ibsen, Strindberg, Shaw, Hauptmann, Me-
เทอร์ลิงกา ฯลฯ)
ลักษณะเด่นของ “ละครใหม่”:
ความปรารถนาในความถูกต้องของภาพ
ความเกี่ยวข้องและความเฉพาะเจาะจงของประเด็น
ลักษณะทางสังคมของความขัดแย้ง
อิทธิพลของขบวนการและโรงเรียนทางอุดมการณ์และโวหารต่างๆ
แนวเพลงหลัก วิวัฒนาการ.
“ละครใหม่” จุดเริ่มต้นของละครแห่งศตวรรษที่ 20
อิบเซ่นในฐานะผู้ก่อตั้ง ปรัชญาสมัยใหม่และ
ละครจิตวิทยา.
การแบ่งช่วงเวลาของงานของ Ibsen
“ละครแห่งความคิด” และหลักการขององค์ประกอบย้อนหลัง (“วิเคราะห์”) ปัญหาของวิธีการทางศิลปะของ Ibsen (การสังเคราะห์หลักการของความสมจริง, ธรรมชาตินิยม, สัญลักษณ์นิยม)
ความคิดริเริ่มทางอุดมการณ์และศิลปะของบทละคร "A Doll's House (Nora)", "Ghosts", "The Builder Solnes"
ทฤษฎีสุนทรียภาพ นักสัญลักษณ์โรงภาพยนตร์ เมเทอร์ลินค์(หนังสือ
"สมบัติของผู้ต่ำต้อย"):
เข้าใจสาระสำคัญของโศกนาฏกรรม
แนวคิดเกี่ยวกับโลกคู่และหลักการของ "การเสวนาครั้งที่สอง"
ความคิดของร็อค;
"โรงละครแห่งความเงียบงัน"
แรงจูงใจของความคาดหวังในละครเดี่ยว-อุปมา
Maeterlinck "คนตาบอด", "ไม่ได้รับเชิญ", "ที่นั่น ข้างใน"
บี. ชอว์. ช่วงเวลาของความคิดสร้างสรรค์ มีความสำคัญทางวรรณกรรม
กิจกรรมของชอว์หนุ่ม อิทธิพลของลัทธิเฟเบียนที่มีต่อนักเขียน
ชอว์และอิบเซน (“The Quintessence of Ibsenism”) คุณสมบัติละคร-
การแสดง Turgy แห่งยุค 90 (“ชิ้นส่วนที่ไม่พึงประสงค์”, “ชิ้นส่วนที่น่าพึงพอใจ”)
ธีมของการปลดปล่อย ("อาชีพของนางวอร์เรน") นวัตกรรม
วิธีการแสดงละครของชอว์: ประเภทของสังคม-ปัญญา-
ดราม่า-อภิปราย (“The Chocolate Soldier”, “Caesar and Cle-
โอพัตรา", "ปิกเมเลียน") ชอว์และสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ปัญหา
ปัญญาชนในละครเรื่อง “บ้านอกหัก”
วิธีการสร้างสรรค์ของเฮาพท์มันน์ การแบ่งช่วงเวลาของความคิดสร้างสรรค์
ธรรมชาตินิยมของ Hauptmann ยุคแรก (“ก่อนพระอาทิตย์ขึ้น”)
ภาพลักษณ์ของ “มวลฮีโร่” ในละคร “ทอผ้า” นวัตกรรมแห่งการเล่น นีโอโรแมนติกและสัญลักษณ์ในผลงานของ Hauptmann (“ The Sunken Bell”) และ K. Hamsun (“ Hunger”, “ Pan”, “ Victoria”, “ Mysteries”)
ตัวอย่างละครใหม่ : (ถ้ายังไม่ได้อ่านงานนี้อาจจะไม่เข้าใจอะไรสักอย่างให้จำสิ่งที่เป็นตัวหนา)
"บ้านตุ๊กตา" ของ Ibsen - "ละครแห่งความคิด"
ละครเรื่องแรกที่สะท้อนหลักการใหม่ได้อย่างเต็มที่ที่สุดคือ A Doll's House พ.ศ. 2422 (ปีเกิดของ “ละครแห่งความคิด” นั่นก็คือ ดราม่าสังคมจิตวิทยาที่สมจริงกับการปะทะกันทางอุดมการณ์ที่รุนแรง).
ปัญหาสิทธิสตรีกำลังเป็นปัญหามากขึ้น ความไม่เท่าเทียมกันทางสังคมรวมๆแล้ว
องค์ประกอบย้อนหลังสร้างโอกาสในการเจาะลึกถึงแก่นแท้ของความสัมพันธ์ทางสังคมและศีลธรรมซึ่งซ่อนเร้นจากการสอดรู้สอดเห็นเมื่อผู้หญิงกลัวที่จะยอมรับว่าเธอสามารถกระทำการอันสูงส่งที่เป็นอิสระ (ช่วยชีวิตสามีที่ป่วยและปกป้องพ่อที่กำลังจะตายจากความไม่สงบ) และรัฐ กฎหมายและศีลธรรมของราชการถือว่าการกระทำเหล่านี้เป็นอาชญากรรมเท่านั้น
ลายเซ็นปลอมบนใบเรียกเก็บเงินแสดงถึงลักษณะ "ความลับ" ของวิธีการของ Ibsen ชี้แจงสาระสำคัญทางสังคมและศีลธรรม"ความลับ" นี้ก็คือ เนื้อหาที่แท้จริงของละคร.
ความขัดแย้งเกิดขึ้นเมื่อแปดปีก่อนเริ่มการแสดงบนเวที แต่ก็ไม่ตระหนัก เหตุการณ์ที่ผ่านไปต่อหน้าต่อตาเรากลายเป็นการชี้แจงสาระสำคัญของความขัดแย้งที่เกิดขึ้นในอดีต ขัดแย้ง มุมมองอย่างเป็นทางการและความต้องการตามธรรมชาติของมนุษย์
แต่ถึงอย่างไร, ตอนจบของละครไม่ได้ให้ตามปกติของละครก่อนอิบเซน การแก้ไขข้อขัดแย้ง: นอร่าออกจากบ้านสามีโดยไม่พบวิธีแก้ปัญหาเชิงบวก แต่หวังว่าจะเข้าใจอย่างใจเย็นว่าเกิดอะไรขึ้นและตระหนักได้ ความไม่สมบูรณ์ของการกระทำถูกเน้นย้ำโดยข้อเท็จจริงที่ว่าเฮลเมอร์สามีของเธอยังคงรอ "ปาฏิหาริย์แห่งปาฏิหาริย์" - การกลับมาของนอร่าซึ่งเป็นการเกิดใหม่ร่วมกันของพวกเขา
การกระทำที่ไม่สมบูรณ์ “ปลายเปิด”“ เป็นผลมาจากความจริงที่ว่าความขัดแย้งของ Ibsen ไม่ใช่ความแตกต่างที่โดดเดี่ยวซึ่งสามารถกันไว้ภายในกรอบของเวลาที่น่าทึ่ง แต่นักเขียนบทละครได้เปลี่ยนผลงานของเขาให้เป็นเวทีที่มีการพูดคุยถึงปัญหาที่สำคัญที่สุดซึ่งสามารถแก้ไขได้โดยผ่าน ความพยายามของสังคมทั้งหมดและไม่อยู่ในกรอบของงานศิลปะ
ละครย้อนหลังเป็นไคลแม็กซ์ที่เกิดขึ้นหลังจากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นก่อนหน้า และจะตามมาด้วยเหตุการณ์ใหม่
ลักษณะเด่นของละครของอิบเซ่นคือ เปลี่ยนความขัดแย้งทางสังคมโดยเนื้อแท้ให้เป็นความขัดแย้งทางศีลธรรมและแก้ไขความขัดแย้งในด้านจิตวิทยา- ความสนใจมุ่งเน้นไปที่วิธีที่นอร่ารับรู้การกระทำของเธอและการกระทำของผู้อื่น การรับรู้ของเธอเกี่ยวกับโลกและผู้คนเปลี่ยนแปลงไปอย่างไร ความทุกข์ทรมานและความเข้าใจอันเจ็บปวดของเธอกลายเป็น เนื้อหาหลักของงาน
จะมีบทบาทสำคัญในละครแนวจิตวิทยาของอิบเซ่น สัญลักษณ์- สาวน้อยกบฏต่อสังคม เธอไม่อยากเป็นตุ๊กตาในบ้านตุ๊กตา ชื่อละคร “บ้านตุ๊กตา” ก็เป็นสัญลักษณ์เช่นกัน
สัญลักษณ์ "บ้านตุ๊กตา" บ่งบอกถึงแนวคิดหลักของละคร - ความรกร้างของมนุษย์ในมนุษย์
นักเขียนบทละครประสบความสำเร็จในการที่ผู้ชมกลายเป็น "ผู้เขียนร่วม" ของเขาและตัวละครของเขาก็แก้ไขปัญหาที่ทำให้ผู้ชมและผู้อ่านกังวล
21. ละครเรื่อง Peer Gynt ของ Ibsen ตัวละครหลักและชาวนาโทรลล์ ชีวประวัติเฮนริก โยฮัน อิบเซ่น
ภาษาที่Bokmålเขียน (นี่คือประเภทนอร์เวย์) ทิศทางที่เขาเขียน: สัญลักษณ์นิยม, เป็นธรรมชาติ
Heinrich Ibsen มาจากครอบครัวเจ้าของเรือชาวเดนมาร์กที่ร่ำรวยและเก่าแก่ซึ่งย้ายไปนอร์เวย์ประมาณปี 1720 คนุด อิบเซ่น พ่อของนักเขียนบทละครเป็นคนกระตือรือร้นและมีสุขภาพดี มารดาซึ่งเป็นชาวเยอรมันโดยกำเนิดเป็นลูกสาวของพ่อค้าสกีนผู้มั่งคั่ง เป็นคนเคร่งครัด นิสัยแห้งแล้ง และเคร่งศาสนาอย่างยิ่ง ในปี พ.ศ. 2379 คนุด อิบเซ่น ล้มละลาย และชีวิตของครอบครัวที่ร่ำรวยและมั่นคงก็เปลี่ยนไปอย่างมาก อดีตเพื่อนฝูงและคนรู้จักเริ่มห่างหายกันไปทีละน้อย การนินทา การเยาะเย้ย และการกีดกันทุกประเภทเริ่มขึ้น ความโหดร้ายของมนุษย์ส่งผลกระทบอย่างหนักต่อนักเขียนบทละครในอนาคต ไม่เข้าสังคมและดุร้ายโดยธรรมชาติแล้ว ตอนนี้เขาเริ่มแสวงหาความสันโดษมากยิ่งขึ้นและรู้สึกขมขื่นในปีที่ 16 ของชีวิต Ibsen ต้องทำ เด็กฝึกงานที่ร้านขายยาในเมือง Grimstadt ที่อยู่ใกล้เคียง โดยมีประชากรเพียง 800 คน I. หลังจากทิ้ง Skien โดยไม่เสียใจ เขาก็ไม่เคยกลับมาที่นั่นอีกเลย ในร้านขายยาที่เขาพักอยู่เป็นเวลา 5 ปีชายหนุ่มแอบฝันถึงการศึกษาต่อและได้รับปริญญาเอก แนวคิดการปฏิวัติในปี 1848 พบผู้ติดตามที่กระตือรือร้นในตัวเขา ในบทกวีบทแรกของเขา ซึ่งเป็นบทกวีที่กระตือรือร้น เขายกย่องผู้พลีชีพผู้รักชาติชาวฮังการี ชีวิตของ Ibsen ใน Grimstadt เริ่มทนไม่ไหวสำหรับเขามากขึ้นเรื่อยๆ เขาปลุกเร้าความคิดเห็นสาธารณะเกี่ยวกับเมืองนี้ต่อตัวเองด้วยทฤษฎีการปฏิวัติของเขา การคิดอย่างเสรีและความรุนแรง ในที่สุด Ibsen ตัดสินใจลาออกจากร้านขายยาและไปที่คริสเตียเนีย ซึ่งในตอนแรกเขาต้องใช้ชีวิตที่เต็มไปด้วยความยากลำบากทุกประเภท ในคริสเตียเนีย Ibsen ได้พบและเป็นเพื่อนสนิทกับ Bjornson ซึ่งต่อมากลายเป็นคู่ต่อสู้ที่ขมขื่นของเขา Ibsen ร่วมกับ Bjornson, Vigny และ Botten-Hansen ได้ก่อตั้งหนังสือพิมพ์รายสัปดาห์ Andhrimner ในปี พ.ศ. 2394 ซึ่งดำรงอยู่เป็นเวลาหลายเดือน ที่นี่ Ibsen ได้วางบทกวีหลายบทและผลงานเสียดสีละคร 3 องก์เรื่อง "Norma" หลังจากการตีพิมพ์นิตยสารสิ้นสุดลง Ibsen ได้พบกับผู้ก่อตั้งโรงละครพื้นบ้านในเบอร์เกน Ola-Bulem ซึ่งทำให้เขาดำรงตำแหน่งผู้กำกับและผู้อำนวยการของ โรงละครแห่งนี้ เขาอยู่ที่เบอร์เกนเป็นเวลา 5 ปีและในปี พ.ศ. 2400 ก็กลับมาที่คริสเตียเนียและดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการโรงละครด้วย เขาอยู่ที่นี่จนถึงปี พ.ศ. 2406 อิบเซ่นแต่งงานแล้ว ในปีพ.ศ. 2401 และทรงมีความสุขมากในชีวิตสมรส ในปี 1864 หลังจากเกิดปัญหามากมาย Ibsen ก็ได้รับเงินบำนาญของนักเขียนจาก Storting และใช้มันเดินทางไปทางใต้ ครั้งแรกเขาตั้งรกรากในโรมซึ่งเขาอาศัยอยู่อย่างสันโดษจากนั้นจึงย้ายไปที่ตริเอสเตจากนั้นไปที่เดรสเดนและมิวนิกจากที่ที่เขาเดินทางไปเบอร์ลินและยังปรากฏตัวอยู่ที่ช่องคลองสุเอซด้วย ละครโรแมนติกที่โด่งดังที่สุดที่สร้างจากนิยายเกี่ยวกับวีรชนสแกนดิเนเวียและบทละครอิงประวัติศาสตร์ บทกวีเชิงปรัชญาและเชิงสัญลักษณ์ "แบรนด์" (2409) และ "เพียร์จินต์" (2410) ละครสมจริงทางสังคมที่มีความสำคัญอย่างยิ่ง "บ้านตุ๊กตา" ("โนราห์", 2422) ), "ผี" "(2424), "ศัตรูของประชาชน" (2425)
ตัวละครหลัก Peer Gynt เป็นภาพที่ยืมมาจาก Ibsen จากนิทานพื้นบ้านเกี่ยวกับผู้ให้ความบันเทิงที่มีทักษะและ Peer Gynt อันธพาล แต่มีเพียงตัวละครหลักและการชนกันของพล็อตเรื่องเท่านั้นที่นำมาจากนิทานพื้นบ้าน ในละคร Gynt รวบรวมคุณลักษณะทั้งหมดของนอร์เวย์ร่วมสมัย หรืออีกนัยหนึ่งคือ บุคคลทั่วไปในสังคมชนชั้นกลาง เปอร์ขาดความสมบูรณ์ความมั่นคงในชีวิตทั้งหมด ผู้ชายที่กล้าหาญและกล้าหาญที่รักแม่ของเขา ซึ่งสามารถท้าทายเศรษฐีได้ จู่ๆ ก็กลายเป็นนักฉวยโอกาสที่จงใจกลับคำขวัญที่ว่า "เป็นตัวของตัวเอง" และ "มีความสุขกับตัวเอง" ในทำนองเดียวกันเขาเปลี่ยนรูปลักษณ์ของเขา: ด้วยโทรลล์เขาพร้อมที่จะเป็นโทรลล์กับเจ้าของทาสชาวอเมริกัน - เจ้าของทาสกับลิง - ลิง ฯลฯ เพอร์มักจะแสดงให้เห็นถึงความอ่อนแอภายในและความไร้กระดูกสันหลังของเขา ความไม่มีนัยสำคัญของเขาปรากฏในหน้ากากอันยิ่งใหญ่ ความว่างเปล่าและความว่างเปล่าของมันก่อให้เกิดปรัชญา "Gyntian" พิเศษ ชายร่างเล็กได้รับภาพสัญลักษณ์ขนาดใหญ่ เปอร์มุ่งมั่นสู่ความสำเร็จ ความฝัน ชื่อเสียง อำนาจ อยากเป็นกษัตริย์ ละครทั้งหมดของ Ibsen ทุ่มเทให้กับการเปิดเผยโปรแกรมนี้ Peer Gynt เป็นคนเห็นแก่ตัวที่โหดเหี้ยม เกี่ยวข้องกับตัวเขาเองเท่านั้น เมล็ดพันธุ์แห่งความชั่วร้ายที่หว่านในจิตวิญญาณของเขาโดย "โทรลล์" กำลังแตกหน่อ: เพอร์เดินหน้าอย่างดื้อรั้นและไม่ดูหมิ่นวิธีการใด ๆ เพื่อให้บรรลุเป้าหมายของเขา อย่างไรก็ตามความเห็นแก่ตัวของตัวเอกได้รับ "เหตุผลทางปรัชญา" บางอย่าง Gynt ก่ออาชญากรรมเพื่อแสดงให้เห็นถึงความเป็นปัจเจกของเขาอย่างเต็มที่มากขึ้น Gyntian "ฉัน" ในฉากหนึ่งที่แสดงถึงโรงพยาบาลคนบ้าในกรุงไคโร ปรัชญาของตัวเองของ Gynt นั้นถูกเยาะเย้ยอย่างไร้ความปราณี ฮีโร่ของ Ibsen มีความกล้าหาญน้อยกว่าต้นแบบในเทพนิยายของเขา ดังนั้นอย่างน้อยในตอนของ Great Crooked Gynt ที่ยอดเยี่ยมก็กลายเป็นผู้ชนะในขณะที่ในละครเขารอดพ้นจากการขอร้องของแม่ของเขาและหญิงสาว Solveig ที่รักเขาเท่านั้น ในภาพของ Solveig ที่รอคนรักของเธอมาหลายปีผู้เขียนได้สร้างโลกแห่งความรู้สึกพิเศษอันประเสริฐซึ่งเป็นพื้นที่คุ้มครองอันศักดิ์สิทธิ์ที่ฮีโร่ของละครจะได้รับการช่วยเหลือ บางครั้งคนๆ หนึ่งก็ตื่นขึ้นมาใน Gynt - เมื่อพบกับ Solveig ในเวลาที่แม่ของเขาเสียชีวิต แต่ทุกครั้งเขาขาดความมุ่งมั่นที่จะตัดสินใจเลือกสิ่งที่ถูกต้อง ในองก์ที่สี่ของบทละคร เพอร์กลายเป็นนักเก็งกำไรรายใหญ่ สร้างคุณค่าให้กับตัวเองโดยใช้วิธีที่ไร้ยางอายที่สุดในการแสวงหาผลประโยชน์จากระบบทุนนิยม เขาสร้างรายได้ด้วยการค้าทาส ขายรูปเคารพให้กับชาวจีน ขายพระคัมภีร์และขนมปังให้กับมิชชันนารีที่ตั้งใจจะเปลี่ยนชาวจีนให้นับถือศาสนาคริสต์ เพอร์มีเพื่อนสี่คน ซึ่งในจำนวนนี้มิสเตอร์คอตตอนมีความโดดเด่น ผู้ซึ่งรวบรวมเอาประโยชน์ใช้สอยและการปฏิบัติจริงของอังกฤษไว้ด้วยกัน โลกทั้งใบสำหรับเขาเป็นเพียงเป้าหมายของการเก็งกำไรเพื่อดึงผลกำไร ภาพลักษณ์ของ von Eberkopf ก็ไม่ชัดเจนเช่นกัน Eberkopf เป็นผู้ถือจิตวิญญาณแห่งการรุกรานของปรัสเซียน แม้ว่า Eberkopf จะอวดคำศัพท์เชิงปรัชญาเชิงนามธรรม แต่เขาก็พร้อมเสมอสำหรับการกระทำที่รุนแรงเพื่อผลประโยชน์ของเขาเอง เอเบอร์คอฟคือผู้ที่ตัดสินใจปล้น Gynt ที่กำลังหลับอยู่ และยึดเรือยอทช์ของเขาด้วยการติดสินบนลูกเรือของเขา คนเหล่านี้เป็นเพื่อนของ Gynt แต่เขาแทบจะไม่สมควรได้รับสภาพแวดล้อมที่ดีกว่านี้เลย Ibsen เล่าถึงความเสื่อมโทรมทางศีลธรรมของตัวละครหลักโดยเปรียบเขากับหัวหอมป่าที่ว่างเปล่า: "ไม่มีชิ้นส่วนอยู่ข้างใน มีอะไรเหลือบ้าง? เปลือกหนึ่ง” แต่ผู้เขียนก็ไม่ปฏิเสธ Gynt ถึงความเป็นไปได้ในการทำให้ศีลธรรมบริสุทธิ์ Solveig รอคอยคนรักของเธออย่างอ่อนโยนและอดทน เธอคือความรอดของเพอร์ ภาพลักษณ์ของ Solveig ผสานเข้ากับภาพลักษณ์ของบ้านเกิดของ Gynt ชาวนาไม่รู้ว่าจะพูดอะไรเกี่ยวกับพวกเขา พบมันการปรากฏตัวของฝูงชนชาวนาที่ Peer Gynt พบในงานแต่งงานใน Hagstad ชวนให้นึกถึงการพรรณนาชีวิตชาวนาสมัยใหม่น้อยที่สุด ไม่เพียงแต่ในละครโรแมนติกโรแมนติกของนอร์เวย์ยุคแรก ๆ ของ Bjeregard หรือ Riis เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโนเวลลาชาวนาของ Bjornson ด้วย
เด็กชายชาวนาอิจฉาและโกรธ หัวหน้าของพวกเขาคือช่างตีเหล็ก Aslak เป็นคนหยาบคายและคนพาล เด็กผู้หญิงไม่มีความสงสารและความเมตตา ทั้งคนหนุ่มสาวและคนชราไม่รังเกียจที่จะหัวเราะเยาะคนที่โดดเดี่ยวและไม่มีความสุขที่ไม่เหมือนคนอื่นๆ พวกนั้นเอาเพอร์มาล้อเลียนเขา ความต้องการเงินทอง ความมั่งคั่ง ความสุขทางวัตถุที่หยาบกระด้างครอบงำทุกแห่ง อินกริดแต่งงานกับคนเลวทรามเพราะพ่อแม่ของเขาเป็นชาวนาที่ร่ำรวย การปรากฏตัวของฝูงชนในองก์ที่ห้าในฉากการประมูลนั้นไม่น่าดึงดูดพอๆ กัน ความยากจนและความสกปรก การขาดเกียรติ และอย่างน้อยก็มีความเข้าใจในด้านประเสริฐของชีวิต - นี่คือลักษณะเฉพาะของ Mas Mon และ Aslak ผู้เฒ่า ผู้คนและผู้ดูที่รุมเร้าการประมูล การประเมินอย่างดูถูกที่ Peer Gynt ให้กับฝูงชนนี้ในคำอุปมาเรื่องปีศาจและหมูนั้นสมเหตุสมผลอย่างสมบูรณ์
อิบเซ่นมีความเมตตาไม่แพ้กันต่อลวดลายของคติชนและรูปภาพที่นำเสนออย่างล้นหลามในบทละคร เขาใช้สิ่งเหล่านี้ในสองวิธีเพื่อทำลายชื่อเสียงของอุดมการณ์โรแมนติก
โทรลล์ผู้เขียนนำเพอร์มาสู่พวกโทรลล์ - สิ่งมีชีวิตที่น่าอัศจรรย์และน่าเกลียด เป็นศัตรูกับผู้คน - และเห็นเขาพร้อมที่จะยอมรับสูตรของพวกเขาไปตลอดชีวิต - "พอใจกับตัวเอง" ซึ่งตรงกันข้ามกับคติประจำชีวิตของแบรนด์ - "เป็นตัวของตัวเอง" คำขวัญของผู้คนเป็นแรงจูงใจในการปรับปรุงตนเอง สูตรการหมุนรอบเป็นข้อแก้ตัวสำหรับความซบเซา ความพึงพอใจของชนชั้นกลางน้อย การยอมจำนนอย่างโง่เขลาต่อสถานการณ์ และการเสียชีวิตของบุคคล
หัวข้อเรื่อง “Meyerhold และ Ibsen” ยังไม่กลายเป็นหัวข้อของการศึกษาพิเศษ ซึ่งตกไปอยู่ในบริบทของการสนทนาเกี่ยวกับการโต้ตอบของผู้กำกับกับละครเรื่องใหม่ และที่นี่ตามความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ของชีวประวัติการแสดงละครของผู้กำกับ ถัดจาก Chekhov, Hauptmann, Maeterlinck, Blok, Ibsen ถอยกลับไปในเงามืด ในขณะเดียวกัน Ibsen มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของ Meyerhold; ผู้กำกับไม่ลืมเกี่ยวกับอิบเซ่นแม้ว่าเขาจะไม่ได้แสดงละครอีกต่อไปแล้วก็ตาม ต่อไปนี้เป็นหลักฐานจากบันทึกความทรงจำของเซอร์เกย์ ไอเซนสไตน์ในเวลาต่อมา: “เขาชื่นชอบผีของอิบเซ่น เล่นออสวอลด์นับครั้งไม่ถ้วน”* หรือของเขา - จากการบรรยายที่ VGIK ในปี 1933: “Meyerhold มีความรักอย่างมากต่อละคร Nora ของ Ibsen เขาแสดงมันแปดครั้ง”** ในทั้งสองกรณี นักเรียนของเมเยอร์โฮลด์กล่าวเกินจริงถึงจำนวน "ครั้ง" เหล่านี้ แต่การแสดง "นอร่า" ห้าเวทีที่ดำเนินการโดยเมเยอร์โฮลด์นั้นเป็นข้อโต้แย้งที่สมควรแก่การกล่าวเกินจริงโดยไม่สมัครใจ และเมเยอร์โฮลด์ไม่เคยหยุดที่จะ "ชื่นชอบ" "ผี" เลย “ตอนที่ฉันแสดงเรื่อง The Lady of the Camellias” เขาบอกกับ A.K. Gladkov ในช่วงทศวรรษที่ 1930 “ฉันมักจะสนใจในความเชี่ยวชาญด้านจิตวิทยาของ Ibsen อยู่เสมอ<…>หลังจากที่ทำงานใน "The Lady" ฉันก็เริ่มฝันที่จะจัดแสดง "Ghosts" อีกครั้งและเพลิดเพลินไปกับงานศิลปะชั้นสูงของ Ibsen อย่างเต็มที่"*** ปรากฏการณ์ของ Ibsen ในผลงานของ Meyerhold เห็นได้จากความจริงที่ว่าการสื่อสารบนเวทีกับการแสดงละครของเขาบางครั้งกลายเป็นการกระทำเบื้องต้นของรอบต่อไปในเส้นทางของ Meyerhold ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการเปลี่ยนไปสู่ตำแหน่งทางสุนทรีย์ใหม่ ผู้ก่อตั้งละครเรื่องใหม่เปิดทางให้เมเยอร์โฮลด์ใช้ภาษาละครใหม่มากกว่าหนึ่งครั้ง “โนราห์” เวอร์ชันที่ 5 จัดแสดงในเดือนเมษายน พ.ศ. 2465 ห้าวันก่อนการแสดง “The Great Stuffy Cuckold” อันโด่งดัง ซึ่งเป็นการแสดงคอนสตรัคติวิสต์ทางละคร มีความชัดเจนอย่างยิ่งในเรื่องนี้
* ไอเซนสไตน์กับเมเยอร์โฮลด์: 1919-1948 ม., 2548. หน้า 293
** อ้างแล้ว ป.291.
*** Gladkov A. Meyerhold: ใน 2 เล่ม M. , 1990 ต. 2. หน้า 312
แต่ไปตามลำดับกัน หลังจากเริ่มกิจกรรมอิสระใน Kherson ในปี 1902 ในฐานะนักแสดงผู้กำกับและผู้ประกอบการ (ร่วมกับ A. S. Kosheverov) ในฤดูกาลแรก Meyerhold ได้แสดงการแสดง "ตามการแสดงละครของ Art Theatre" ซึ่งในเวลานั้นไม่ถือเป็นการลอกเลียนแบบ แต่มีคุณภาพที่โดดเด่น ต่อมา เมเยอร์โฮลด์เรียกแนวทางนี้อย่างถูกต้องว่า "เป็นการเลียนแบบโรงละครศิลปะอย่างทาส" โดยให้เหตุผลด้วยระยะเวลาอันสั้นและข้อเท็จจริงที่ว่า "มันเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับการกำกับเชิงปฏิบัติ"* เมเยอร์โฮลด์แสดงละครเวที Kherson เกือบทั้งหมดในสี่ฤดูกาลแรกของ Moscow Art Theatre รวมถึงผลงานละครสามเรื่องของ Ibsen แต่ถ้าการสร้างการแสดงของ Chekhov ขึ้นใหม่เป็นไปตามความเข้าใจของ Meyerhold เกี่ยวกับโรงละครของ Chekhov ในเวลานั้น Ibsen สถานการณ์ก็จะแตกต่างออกไป เมเยอร์โฮลด์ไม่ชอบการผลิตละครของเขาที่ Art Theatre ซึ่งเขาได้ประกาศย้อนกลับไปในเดือนมกราคม พ.ศ. 2442 ในจดหมายถึง Vl. I. Nemirovich-Danchenko เกี่ยวข้องกับการซ้อมของ "Hedda Gabler" โดยกล่าวว่า "การเล่นตามแนวโน้ม" ไม่สามารถจัดฉากในลักษณะเดียวกับ "การเล่นตามอารมณ์" ได้ ต่อมาในบทความเชิงโปรแกรมในปี 1907 เรื่อง "เกี่ยวกับประวัติศาสตร์และเทคโนโลยีของโรงละคร" เขาได้กำหนดปัญหาของ Ibsen เกี่ยวกับ Moscow Art Theatre ด้วยความชัดเจนสูงสุด: อิมเพรสชั่นนิสม์ของ "ภาพของ Chekhov ที่ถูกโยนลงบนผืนผ้าใบ" เสร็จสมบูรณ์ในการสร้างสรรค์ นักแสดงโรงละครศิลปะมอสโก; สิ่งนี้ใช้ไม่ได้กับอิบเซ่น พวกเขาพยายามอธิบายเขาให้สาธารณชนฟังราวกับว่าเขา “ไม่ชัดเจนพอสำหรับพวกเขา” ดังนั้นความปรารถนาอย่างต่อเนื่องและเป็นหายนะของ Moscow Art Theatre เพื่อทำให้บทสนทนาที่ "น่าเบื่อ" ของ Ibsen มีชีวิตชีวาด้วยบางสิ่งบางอย่าง - "อาหาร, การทำความสะอาดห้อง, การแนะนำฉากการวาง, การห่อแซนวิช ฯลฯ " “ใน Edda Gabler” เมเยอร์โฮลด์เล่า “ในฉากของเทสมันและป้าจูเลีย มีการเสิร์ฟอาหารเช้า ฉันจำได้ดีว่านักแสดงในบทบาทของ Tesman กินอย่างช่ำชองเพียงใด แต่ฉันไม่ได้ยินคำอธิบายของละครโดยไม่ได้ตั้งใจ **
* Meyerhold V. E. บทความ สุนทรพจน์ จดหมาย บทสนทนา: ใน 2 ชั่วโมง M. , 1968 ตอนที่ 1 หน้า 119
** ไมเยอร์โฮลด์ วี.อี. เฮอริเทจ ฉบับที่ 1. ม., 2541. หน้า 390.
โครงสร้างของละครของ Ibsen ไม่ได้ประกอบด้วยสิ่งเล็กๆ น้อยๆ นับพันที่ทำให้ชีวิตอบอุ่น (“ฟังนะ... เขาไม่มีคำหยาบคาย” Chekhov บอกกับ Stanislavsky “คุณไม่สามารถเขียนบทละครแบบนี้ได้”) แต่ผู้กำกับของ Moscow Art Theatre เชื่อว่าเป็นไปได้มากหากเราเพิ่ม "ความหยาบคาย" ของเราเองเข้าไปซึ่งก็คือเนื้อหนังในชีวิตประจำวัน นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมในการแสดงละครเรื่อง “When We, the Dead, Awaken” เนมิโรวิช-ดันเชนโกจึงใช้รายละเอียดในชีวิตประจำวันของชีวิตในรีสอร์ทมากเกินไป เช่น โต๊ะอาหาร นักปั่นจักรยานชาวฝรั่งเศส และสุนัขที่มีชีวิต ทำให้เขาท้อใจไมเยอร์โฮลด์จากการแสดงละครนั้นไปตลอดกาล . แม้ว่าหลังจากการฉายรอบปฐมทัศน์ของ “The Dead” ที่โรงละครศิลปะมอสโก เขาได้เขียนคำพูดของ Rubek ไว้ในบันทึกประจำวันของเขาตั้งแต่องก์แรก ซึ่งเต็มไปด้วยลางสังหรณ์เชิงสัญลักษณ์ของเขาเองว่า “ทุกสิ่งที่คุณพูดมีความหมายพิเศษบางอย่างซ่อนอยู่”*
* อ้างแล้ว หน้า 573.
จากการแสดง Ibsen สามครั้งของละคร Moscow Art Theatre ที่ปรากฏบนเวที Kherson - "Hedda Gabler", "Doctor Shtokman", "Wild Duck" - มีเพียง "Shtokman" เท่านั้นที่ต้องพึ่งพาต้นฉบับของ Art Theatre อย่างแท้จริง - ชัยชนะเพียงอย่างเดียวสำหรับ Stanislavsky นักแสดงและผู้กำกับในการผลิต Ibsen เวอร์ชัน Kherson ก็เป็นชัยชนะเช่นกัน แน่นอนว่า Alexander Kosheverov-Shtokman ไม่สามารถตาม Shtokman-Stanislavsky ได้ซึ่งมีตัวการ์ตูนเพียงกระตุ้นแรงบันดาลใจในการแต่งโคลงสั้น ๆ ในการแสวงหาความจริงอย่างไม่หยุดยั้ง แต่เขาพยายามอย่างเต็มที่ และตามที่ผู้วิจารณ์ระบุว่า ความประทับใจนั้น “ใหญ่โต ท่วมท้น และน่าตื่นเต้น”* เช่นเดียวกับใน Art Theatre จุดสุดยอดของการแสดงคือองก์ที่สี่โดยที่ Shtokman เผชิญหน้ากับ "ฝูงชนที่มีความหลากหลายมาก" ซึ่งรวมตัวกันตามสูตรของ Moscow Art Theatre และ Meiningen: "บทบาทร่างมากมาย" ผู้วิจารณ์เขียน “ได้รับความไว้วางใจจากศิลปินที่ดีที่สุด และส่วนที่เหลือได้รับการฝึกฝนจนถึงขั้นเป็นศิลปิน” *
* คณะยา [Feigin Ya.]โรงละครศิลปะ "เป็ดป่า". ละคร 5 องก์โดย G. Ibsen // Moscow Art Theatre ในการวิจารณ์ละครรัสเซีย: พ.ศ. 2441-2448 ม., 2548. หน้า 222.
สำหรับ "Hedda Gabler" และ "The Wild Duck" พวกเขาต้องพึ่งพา Art Theatre ด้วยเทคนิคการแสดงละครที่เหมือนกันเท่านั้น ซึ่งปรับให้เข้ากับสถานการณ์ที่เหมือนมีชีวิตจริง เช่นเดียวกับแนวทางการแสดงบนเวทีของ Ibsen เอง ความรู้สึกของเมเยอร์โฮลด์จากละครเหล่านี้แตกต่างออกไปแล้ว แต่เขาก็ยังไม่รู้ว่าจะรวบรวมมันได้อย่างไร ผู้กำกับเมเยอร์โฮลด์ยังไม่พบวิธีที่จะถ่ายทอดบทละครเช่น "The Wild Duck" ดังนั้นเขาจึงสร้างการแสดง Moscow Art Theatre ขึ้นมาใหม่ แต่เมเยอร์โฮลด์ในฐานะนักแสดง และเมเยอร์โฮลด์ซึ่งเป็นศิลปิน สัมผัสได้ถึงความต้องการที่กำลังจะเกิดขึ้นนี้อย่างเฉียบแหลม
* อ้างแล้ว หน้า 572.
ดังนั้น Hjalmar Ekdal ของเขาจึงถูกสร้างขึ้นในบางทีอาจเป็นการทะเลาะวิวาทโดยไม่รู้ตัวกับการแสดงของ V. I. Kachalov ซึ่ง จำกัด ตัวเองอยู่เพียงการเปิดเผยเสียดสีของฮีโร่โดยแสดงให้เห็นว่าเขาเป็น "คนอวดดีและคนโกหก" * ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะที่กระตุ้นให้เกิดการระเบิด ของเสียงหัวเราะอันน่าขยะแขยงในตัวผู้ชม แนวทางที่สมจริงอย่างมีสติสำหรับสิ่งนี้และบทบาทอื่น ๆ ใน "The Wild Duck" ของ Stanislavsky แม้ว่าจะเปิดเผยตามที่นักวิจารณ์ Pyotr Yartsev ผู้ร่วมงานในอนาคตของ Meyerhold ที่โรงละคร Officers ละครของ Ibsen "จนถึงจุดที่ชัดเจนอย่างสมบูรณ์" แต่ “ฆ่าวิญญาณในนั้น”** . เมเยอร์โฮลด์เปรียบเทียบ "ประเภท - ปรสิตที่โง่เขลาตามอำเภอใจ" *** (ตัวเอียงของฉัน - G.T. ) ที่เล่นโดย Kachalov กับชุดคุณสมบัติที่ขัดแย้งกันของฮีโร่ ยัลมาร์ของเขา "น่าหัวเราะ น่าสมเพช เห็นแก่ตัวอย่างร้ายกาจ อ่อนแอเอาแต่ใจ มีเสน่ห์และมีอำนาจ" อัจฉริยะ "ในการขอทานอย่างประณีต" “บางครั้งดูเหมือนว่ายาลมาร์เป็นเช่นนั้นจริงๆ เหมือนกับที่เฮ็ดวิกแสดงภาพเขา เขาประสบกับการตายของหญิงสาวอย่างน่าเศร้า”**** ไม่ใช่ประเภทหรือแม้แต่ตัวละคร แต่เป็นการผสมผสานระหว่างสาระสำคัญของมนุษย์ที่สั่นไหวซึ่งท้ายที่สุดทำให้เมเยอร์โฮลด์ละทิ้งโรงละครประเภทต่างๆ เพื่อสนับสนุนโรงละครสังเคราะห์เชิงสัญลักษณ์ที่เกี่ยวข้องกับการผลิตที่เสนอที่ Studio Theatre บน Povarskaya (1905) ของ Ibsen อีกเรื่องหนึ่งที่เล่นเรื่อง "Comedy" love"*****
* ตัวอักษร Yartsev P. Moscow // อ้างแล้ว ป.226.
** อ้างแล้ว ป.227.
***Verigina V.P. บันทึกความทรงจำ L. , 1974. หน้า 79, 80. **** ดู: Meyerhold V. E. เกี่ยวกับประวัติศาสตร์และเทคโนโลยีของโรงละคร (1907) // Meyerhold V. E. บทความ... ตอนที่ 1 หน้า 112
***** ดู: Meyerhold V.E. Heritage ฉบับที่ 1. หน้า 484.
บ่งบอกถึงความไม่พอใจของ Meyerhold ต่อการแปลบทละครของ Ibsen ในภาษารัสเซีย เขาเป็นคนแรกที่แสดง "Hedda Gabler" ในการแปลใหม่โดย A. G. และ P. G. Ganzen โดยก่อนหน้านี้ได้ติดต่อกับ P. G. Ganzen ในหัวข้อนี้ * (ที่ Art Theatre บทละครแปลโดย S. L. Stepanova-Markova **) สิ่งบ่งชี้อีกประการหนึ่งคือความปรารถนาของเขาที่จะเล่นเลฟบอร์ก*** ในจิตวิญญาณของสตานิสลาฟสกี้ ซึ่งท่าทางของเขาซึ่งค่อนข้างคาดไม่ถึงนั้นไม่เหมือนกับตัวละครที่เฉียบคมที่หัวหน้าโรงละครศิลปะมอสโกปลูกฝังให้กับนักแสดงของเขาอย่างสม่ำเสมอ ในบทความปี 1921 เรื่อง "The Loneliness of Stanislavsky" Meyerhold ซึ่งสนับสนุนชื่อที่ประกาศไว้ เล่าถึง "เทคนิคที่ซับซ้อนของการแสดงแนวเมโลดราม่า" ในเลฟบอร์กของเขา ซึ่งสะท้อนถึงการรับรู้ในช่วงปลายของความเชี่ยวชาญในเทคนิคการแสดงของ Art Theatre นักวิจารณ์ Nikolai Efros (ในเอกสาร "K. S. Stanislavsky" , 2461) ความผิดปกติของการแสดงของ "เลฟบอร์กที่เสเพลและฉลาดเฉลียวอย่างเฉลียวฉลาด" ก่อนที่ทุกสิ่งทุกอย่างในการแสดงจะซีดเซียว นอกจากนี้ยังบ่งชี้ว่าเมเยอร์โฮลด์ได้ตระหนักแล้วว่าใน "Hedda Gabler" ครั้งแรกของเขาถึงความไม่เหมาะสมของการปฏิเสธแนวทางปฏิบัติต่อนางเอกของละครซึ่งเขายืนยันในจดหมายดังกล่าวถึง Nemirovich-Danchenko เมเยอร์โฮลด์ยังไม่รู้ว่าจะรวบรวมอภิปรัชญาของความงามบนเวทีได้อย่างไร แต่เขาสังเกตเห็นความสำคัญของความงามนี้ในกระบวนทัศน์ละครของอิบเซนในการให้สัมภาษณ์ในปี 1902 ที่เกี่ยวข้องกับการผลิต Hedda ที่กำลังจะจัดขึ้น****
* ดู: ประวัติความเป็นมาของโรงละครรัสเซีย: ใน 7 เล่ม M. , 1987. ต. 7. หน้า 545
** ดู: บทความของ Meyerhold V. E.... ตอนที่ 2 หน้า 31
*** Efros N.K.S. Stanislavsky: (ประสบการณ์การกำหนดลักษณะ) ป. 2461 หน้า 88
**** ดู: มรดก Meyerhold V. E. ฉบับที่ 1. หน้า 565.
ก่อนเริ่มฤดูกาล Kherson ที่สอง Meyerhold ประกาศว่าต่อจากนี้ไปความสนใจหลักของทีมที่เขานำจะเปลี่ยนไปสู่ละครเรื่องใหม่ไปสู่ทิศทางใหม่ "แยกเปลือกแห่งชีวิตเผยให้เห็นแก่นแท้ที่ซ่อนอยู่เบื้องหลัง - จิตวิญญาณเชื่อมโยงทุกวันสู่นิรันดร์”*
* มรดก Meyerhold V.E. ฉบับที่ 2 ม. 2549 หน้า 48
นี่หมายถึงหลักสูตรสู่สัญลักษณ์การแสดงละครภายใต้อิทธิพลของ Alexei Remizov ซึ่ง "อิทธิพลทางจิต" ที่มีต่อ Meyerhold รุ่นเยาว์นำไปสู่การเชิญคนรู้จักเก่าให้ Kherson เป็นที่ปรึกษาด้านวรรณกรรม (Remizov ยังใช้ความคิดริเริ่มในการเปลี่ยนชื่อองค์กร Kherson เข้าสู่ “หุ้นส่วนละครใหม่”)
เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าประสบการณ์เชิงสัญลักษณ์ครั้งแรกของเมเยอร์โฮลด์คือการผลิต "หิมะ" โดยอาร์ต ปราซีบีสซิวสกี้. โดยส่วนใหญ่แล้วนี่เป็นเรื่องจริงอย่างไม่ต้องสงสัย - Kherson "Snow" มีสัญญาณทั้งหมดของผู้กำกับทั่วไปรวมถึงเรื่องอื้อฉาวที่มาพร้อมกับการแสดงในหอประชุมและในสื่อ แต่เนื่องจากสื่อที่ตีพิมพ์เมื่อเร็วๆ นี้ในเล่มที่ 2 ของการแสดงในตำนานของ May Erhold สัญญาณของภาษาละครใหม่ปรากฏขึ้นครั้งแรกในการผลิต “Women from the Sea” ของ Ibsen เธอจัดการโดยไม่มีเรื่องอื้อฉาว แต่ผู้ชม Kherson ซึ่งคุ้นเคยกับรูปลักษณ์ที่เหมือนมีชีวิตที่แตกต่างกันในฤดูกาลแรกไม่พอใจ ผู้วิจารณ์ด้วย การลบคำของผู้กำกับในคำพูดของเอลลิดาในฉากของเธอกับ Vangel and the Stranger (ไม่ทราบ) ได้ตัดการพัฒนาบทสนทนาที่มีการอธิบายในชีวิตประจำวันออกไปอย่างต่อเนื่อง ทำให้ข้อความในการแปลของ Matern และ Vorotnikov กระชับและมีความหมายอย่างลึกลับ* นักวิจารณ์ไม่ชอบ "ความไม่แน่นอนในบทละครของนักแสดง" รูปภาพซึ่งในความเห็นของเธอ "โดยส่วนใหญ่แล้วมีการกำหนดไว้ไม่ดี ไม่ชัดเจน"** และในขณะเดียวกันก็มีการจัดเรียงทางเรขาคณิตของแต่ละจุด -ฉาก - เอลลิดาต้องตัดสินใจครั้งสุดท้ายในพื้นที่ปิดเล็กๆ ตรงกลางเวที ในช่วงฤดูกาล 1903/04 ห้างหุ้นส่วนกำลังจะจัดการแสดงละครของอิบเซ่นหลายเรื่อง มีการประกาศชื่อ "The Builder Solnes" และ "Brand", "Rosmersholm", "Peer Gynt" และแม้แต่ "Caesar และ the Galilean" แต่ความเจ็บป่วยที่ยืดเยื้อของเมเยอร์โฮลด์และความไม่พอใจกับการแปลทำให้แผนเหล่านี้ขัดขวาง ในความเป็นจริงมีการจัดฉาก “นอร่า”, “ไอยอลน้อย”, “ผี”
* อ้างแล้ว ป.74.
** ยกมา จาก: อ้างแล้ว. ป.75.
เราจะพูดถึง "Nora" เรื่องแรกของ Meyerhold ในภายหลังเกี่ยวกับเวอร์ชันที่สองของ V.F. Komissarzhevskaya สำหรับ “Ghosts” ผลงานมีความสำคัญสำหรับเมเยอร์โฮลด์โดยเฉพาะสำหรับบทบาทของออสวอลด์ที่รอคอยมานาน ซึ่งได้กลายเป็นหนึ่งในผลงานสร้างสรรค์ที่สำคัญที่สุดของเมเยอร์โฮลด์ในฐานะนักแสดง
“Ghosts” (ตามที่เรียกกันว่า “Ghosts” ในการแปลภาษารัสเซียครั้งแรก) ก็รวมอยู่ในแผนสำหรับฤดูกาล Kherson แรกด้วย แต่อยู่ภายใต้การห้ามเซ็นเซอร์ ซึ่งถูกยกเลิกในปลายปี 1903 เท่านั้น และ Meyerhold ก็จัดฉากทันที เล่นให้หลังจากผ่านไประยะหนึ่งเป็นพื้นฐานในการเปรียบเทียบการเล่นของเขากับ Oswalds รัสเซียที่โด่งดังและโด่งดังกว่ามาก - Pavel Orlenev และ Pavel Samoilov ไม่ต้องพูดถึงนักแสดงต่างชาติที่มีชื่อเสียงมากกว่านี้ “เมเยอร์โฮลด์เป็นออสวอลด์ที่ดีที่สุดที่ฉันเคยเห็น” วาเลนตินา เวอริจินากล่าว “เขามีความสง่างามเป็นพิเศษเหมือนชาวต่างชาติที่อาศัยอยู่ในปารีส และเขารู้สึกเหมือนเป็นศิลปิน” ความโศกเศร้าและความวิตกกังวลของเขาเพิ่มขึ้นโดยไม่มีฮิสทีเรีย การเกี้ยวพาราสีของ Regina ไม่ได้มีสีหยาบคายแม้แต่น้อย ในการกระทำครั้งสุดท้าย ได้ยินเสียงความสิ้นหวังอย่างเย็นชาด้วยเสียงแหบแห้ง”* Meyerhold ซึ่งใช้โรคประสาทอ่อน (Treplev, Johannes Fockerath) และพยาธิวิทยา (Ivan the Terrible) อย่างแข็งขันในบทบาทก่อนหน้านี้ของเขาได้แยกพวกเขาออกจากบทบาทนี้ซึ่งดูเหมือนว่าพวกเขาควรจะรวมอยู่ในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่นในการตีความใด ๆ มันและสิ่งนี้ เป็นไปได้มากที่สุดที่เขาบอกว่าไม่เหมือนกับฮีโร่ของ Ibsen ผู้ซึ่งหมกมุ่นอยู่กับพันธุกรรมที่ไม่ดี Meyerhold หมกมุ่นอยู่กับความงามที่ซับซ้อน
* กฤษฎีกา Verigina V.P. ปฏิบัติการ ป.79.
จริงอยู่ โปรดทราบว่าคำอธิบายของนักเรียนของ Meyerhold ไม่ได้หมายถึงการผลิตในปี 1904 แต่หมายถึงการแสดงใน Poltava ฤดูร้อนปี 1906 นั่นคือหลังจากการทดลองเชิงสัญลักษณ์ของ Studio on Povarskaya และในความคาดหมายของ โรงละครบน Ofitserskaya เมเยอร์โฮลด์แสดงบทละครด้วยคีย์สัญลักษณ์เป็นครั้งแรกที่ใช้แนวทางการใช้สีสันเพื่อกำหนดลักษณะตัวละคร ซึ่งต่อมาใช้ใน Hedda Gabler “ออสวอลด์สวมชุดสีดำทั้งการแสดงทั้งสามการแสดง ในขณะที่ชุดของเรจิน่าเรืองแสงสีแดงสด” - มีเพียง “ผ้ากันเปื้อนผืนเล็กเท่านั้นที่เน้นตำแหน่งของเธอในฐานะคนรับใช้”* การผลิตถูกสร้างขึ้นภายใต้สัญลักษณ์ของความเป็นอิสระการพึ่งพาตนเองของงานละคร
* Volkov N. Meyerhold: ใน 2 เล่ม M. , 1929 ต. 1. หน้า 246
การแสดง Poltava ได้รับการจัดเป็นครั้งแรก "โดยไม่มีม่าน* ห้องโถงที่มีเสาถูกนำมาใช้เป็นของตกแต่ง" "บนห้องโถงมีเปียโน ซึ่ง Meyerhold Oswald เป็นผู้แสดงฉากสุดท้าย"* ความเคร่งขรึมที่หนาวเย็นและเทศกาลที่น่าเศร้าของการผลิตสามารถตีความได้ว่าเป็น "การดำรงอยู่ของจิตวิญญาณ" ของฮีโร่ซึ่งในไม่ช้ายูริเบลยาเยฟก็ทำเมื่อวาดภาพ Hedda Gabler ของ Meyerhold ที่แสดงโดย Komissarzhevskaya
ด้วยภาพยนตร์เรื่อง “Hedda Gabler” ซึ่งจัดแสดงในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2449 เมเยอร์โฮลด์ได้เปิดตัวครั้งแรกที่โรงละครเจ้าหน้าที่ ละครเรื่องนี้แสดงโดยคณะของ Meyerhold ในจังหวัดต่างๆ - ใน Kherson และ Tiflis และใน Poltava ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างต่อเนื่องโดยคณะละครของ Meyerhold และใน Poltava - นักวิจารณ์ในเมืองหลวงราวกับตกลงร่วมกันต่อต้านการโจมตีที่เป็นอันตรายของผู้กำกับอย่างเป็นเอกฉันท์ ด้วยความหลงใหลในความงามอันน่าอัศจรรย์ของการแสดง ("ความฝันด้วยสีสัน นิทานพันหนึ่งคืน") เมื่อสัมผัสได้ พวกเขาจึงถามอยู่เสมอว่า: "แต่อิบเซนเกี่ยวข้องอะไรกับมัน ?” *, “อิบเซ่นเกี่ยวข้องกับมันเหรอ?”** เหตุผลของนักสัญลักษณ์ Georgy Chulkov ผู้สนับสนุนภารกิจของ Meyerhold ดูน่าสงสัยเป็นพิเศษในปัจจุบัน ด้วยความพยายามที่จะพิสูจน์ให้เห็นถึง "บรรยากาศที่เสื่อมโทรม" เขาจึงขอให้เพื่อนร่วมงานให้ความสนใจกับข้อเท็จจริงที่ว่าผู้ประเมิน Brakk ซึ่งเป็นผู้จัดอพาร์ทเมนต์ของ Tesmans นั้น "รู้จักรสนิยมของ Hedda"*** หากจะบอกว่า "อพาร์ทเมนท์" นั้นจัดโดย ผู้กำกับ Meyerhold และศิลปิน Nikolai Sapunov ผู้รู้รสนิยมของเขาไม่ได้ตัดสินใจ
* ซิกฟรีด [สตาร์ก อี.เอ.]เปิดโรงละครโดย V. F. Komissarzhevskaya // Meyerhold ในการวิจารณ์โรงละครรัสเซีย: พ.ศ. 2435-2461 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2540 หน้า 428
** อาซอฟ วี. [อาซคินาซี วี.เอ.]เปิดโรงละครโดย V.F. Komissarzhevskaya “ Hedda Gabler” โดย Ibsen // อ้างแล้ว ป.63.
*** Ch. [Chulkov G.I.] โรงละคร V.F. Komissarzhevskaya: “ Hedda Gabler” โดย Ibsen // อ้างแล้ว ป.65.
การรับรู้ผลงานของ Meyerhold ที่ Ofitserskaya โดยการประชุมเชิงปฏิบัติการที่สำคัญของเมืองหลวงนั้นอยู่ภายใต้เกณฑ์การประเมินที่พัฒนาขึ้นในโรงละครของผู้กำกับก่อน ตามที่เขาพูด เนื้อหาและรูปแบบของการแสดงละครมีสาเหตุมาจากการเล่น ดังนั้น A.R. Kugel แม้ว่าเขาจะเชื่อไม่เหมือนกับนักวิจารณ์ละครคนอื่น ๆ ว่าสไตล์ที่กำลังเป็นที่นิยมนั้นค่อนข้างใช้ได้กับการผลิตของ Hedda Gabler แต่เขาเข้าใจสิ่งนี้ในจิตวิญญาณของคำพูดที่ตั้งของ Ibsen โดยเฉพาะซึ่งเป็นลักษณะของสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของ การเล่น ตอนนี้หากผู้กำกับวาดภาพ "เต็นท์ของลัทธิปรัชญานิยมที่มีสไตล์" บนเวทีซึ่งตรงกันข้ามกับอุดมคติของนางเอกทุกอย่างในความเห็นของเขาก็จะยืนอยู่ในที่ของมัน แต่เขา “ไม่ได้ทำให้สภาพแวดล้อมที่เกเบลอร์อาศัยอยู่มีสไตล์ และสิ่งที่เธอคาดว่าจะทำสำเร็จในความฝันของเธอแล้ว บทละครจึงไม่สามารถเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์กลับหัวกลับหาง อุดมคติก็กลายเป็นความจริง มันออกจะติดหูและดังแต่ความหมายก็หายไป นี่คือตัวอย่างของแนวคิดทางศิลปะที่ถูกต้องโดยกลับหัวกลับหาง”*
* โปรไฟล์โรงละคร Kugel A.R. ม. 2472 ส. 84-85
ไม่ต้องพูดถึงความจริงที่ว่าการตีความบทละครของ Ibsen ของ Kugel และภาพลักษณ์ที่สำคัญนั้นไม่สามารถโต้แย้งได้ (นักวิจารณ์ซึ่งต่างจากผู้กำกับดูเหมือนจะไม่ได้รู้สึกว่าความปรารถนาในความงามของ Hedda นั้นไม่เหมาะเลย) การที่ Hedda จมอยู่ใน การตั้งค่าที่เธอได้ทำสำเร็จแล้ว "ในความฝัน" อาจไม่ "พลิกกลับ" ความหมายของบทละคร แต่ทำให้เป็นสากลผ่านการทำให้คุ้นเคย
Kugel ตระหนักดีว่า "ผู้ตรวจสอบรัฐบาล" ของ Meyerhold ในปี 1926 มีความสอดคล้องอย่างลึกซึ้งกับบทกวีของ Gogol โดย Kugel อาจคิดว่าการแปลเรื่องตลกเป็น "ระดับมหานคร" และการแสดง "ความเป็นสัตว์ป่าในรูปลักษณ์ที่สง่างามของธรรมชาติของ Bryullov" เป็นวิธีการที่ใช้ครั้งแรกใน "Hedda Gabler" ” ซึ่งเขาปฏิเสธ ยิ่งไปกว่านั้น ในการแสดงละคร Meyerhold ไม่มีความตั้งใจที่จะละเลยปัญหาที่มีอยู่ในบทละครและ "จิตวิญญาณของผู้แต่ง" (สูตรของ V. Ya. Bryusov) ในคำพูดของเขาเอง เขาเพียงต้องการ “กำจัดความคิดที่ว่าเธอ (เฮดดา) ไม่กระสับกระส่ายจากชีวิตที่คับแคบของชีวิตชนชั้นกลาง ความคิดที่จะปรากฏอย่างแน่นอนหากได้รับสภาพแวดล้อมธรรมดาๆ” โดยเฉพาะ “เต็นท์ของลัทธิปรัชญานิยมที่มีสไตล์” เสนอ โดย Kugel. เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเมเยอร์โฮลด์ที่จะต้องแสดงให้เห็นว่า “ความทุกข์ทรมานของเฮดดาไม่ได้เป็นผลมาจากสิ่งแวดล้อม แต่เป็นผลมาจากความปรารถนาของโลกอีกประการหนึ่ง” * ซึ่งไม่สามารถพึงพอใจได้ในทุกสถานการณ์
* [คำอธิบายสุนทรพจน์ของเมเยอร์โฮลด์ในตอนเย็นของสมาคมวรรณกรรมและศิลปะคณะประวัติศาสตร์และอักษรศาสตร์] // สุนทรพจน์ 2449 10 ธ.ค.
ถึงกระนั้นก็มีนักวิจารณ์คนหนึ่งที่สามารถประเมินการแสดงของเมเยอร์โฮลด์ในฐานะงานละครเวทีที่เป็นอิสระและพึ่งพาตนเองได้ มันคือยูริเบลยาเยฟ “ประสบการณ์กับ Hedda Gabler” เขาเขียน “ทำให้ฉันทึ่งในความกล้าหาญ ผู้กำกับได้ละทิ้งชีวิตประจำวันออกไปจากบทละครโดยสิ้นเชิง และทำสัญลักษณ์ให้กับอิบเซ่นอย่างมีสไตล์ สำหรับการรักษาครั้งนี้เขาต้องทนทุกข์ทรมานมากที่สุด แต่ทั้งความเฉยเมยอย่างเย็นชาของสาธารณชนหรือการดุด่าอย่างเผ็ดร้อนของผู้วิจารณ์ก็ไม่สามารถทำลายแนวคิดนี้ได้ ความคิดหนึ่งซึ่งครั้งหนึ่งเคยเปิดตัวสู่โลก ได้เข้ามามีชีวิตลึกลับที่ลื่นไหลและรบกวนจินตนาการ พวกเขาถามว่า: “บางทีออสตรอฟสกี้และโกกอลอาจจะเป็นสัญลักษณ์ในเร็วๆ นี้” แต่ทำไมในความเป็นจริง จึงไม่พยายามเป็นสัญลักษณ์ของ “พายุฝนฟ้าคะนอง” หรือ “ผู้ตรวจราชการ”?”*
* Belyaev Yu. เกี่ยวกับ Komissarzhevskaya // Meyerhold ในการวิจารณ์โรงละครรัสเซีย ป.79.
ดังนั้นอิบเซ่นจึงเปิดเผยให้ผู้กำกับทราบถึงเส้นทางแห่งอนาคตของเขา Meyerhold ใช้ค่าคงที่ที่สำคัญของความทันสมัย - มีสไตล์ตามที่ Yu. D. Belyaev พยากรณ์ "เป็นสัญลักษณ์" ทั้ง "พายุฝนฟ้าคะนอง" และ "ผู้ตรวจราชการ"
ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2449 เมเยอร์โฮลด์ได้แก้ไข "A Doll's House" สำหรับ Komissarzhevskaya ซึ่งเป็นละครที่เธอเล่นด้วยชัยชนะมาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2447 ในการผลิตในครัวเรือนโดย A.P. Petrovsky Meyerhold ก็เหมือนกับคนรุ่นราวคราวเดียวกันส่วนใหญ่ ถือว่า Nora Komissarzhevskaya เป็นหนึ่งในบทบาทที่เป็นเอกลักษณ์ของเธอ และเมื่อรู้ว่านักแสดงได้เข้าร่วมเป็นพันธมิตรกับเขาเพราะเธอปฏิเสธชีวิตประจำวันมาโดยตลอด เขาตั้งใจที่จะกลบเกลื่อนมัน โดยให้พื้นที่สำหรับ Komissarzhevskaya ที่จะยังคงอยู่ใน สาระสำคัญทางจิตวิญญาณของภาพ แต่ผู้วิจารณ์การแสดงนี้เพียงไม่กี่คนกลับพยายามแยก "อดีตแม่มด" ออกจากผู้กำกับที่จัดละคร "ท้ายเวที ท่ามกลางลมพัด ในทางแคบ ๆ" และบังคับนักแสดงที่เล่น " ภาพนูนต่ำนูนต่ำ “ไม่ผ่านประตู แต่เข้าไปในพับม่านสีเขียว” * G.I. Chulkov รับรองกับผู้ชมและตัวนักแสดงเองว่า “ในสภาพเวทีใหม่” เธอรู้สึก “มีอิสระและมีแรงบันดาลใจมากขึ้น”** Komissarzhevskaya ไม่คิดอย่างนั้น
*อ้างอิง โดย: Rudnitsky K.L. Theatre on Ofitserskaya // มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ V. E. Meyerhold อ., 1978 ส. 188, 189.
** ยกมา จาก: อ้างแล้ว.
ในฤดูร้อนปี 2450 ก่อนการทัวร์โรงละครที่ Ofitserskaya ที่มอสโคว์ เธอขอให้ผู้กำกับ "เปลี่ยนสีห้องและทำให้มันอบอุ่น" เพื่อให้เกิดความประทับใจตามปกติของ "รังนุ่มสบายที่แยกจากโลกแห่งความเป็นจริง ” จะถูกสร้างขึ้น*. กล่าวอีกนัยหนึ่งนักแสดงหญิงกลับสู่ตำแหน่งเดิม: ศาลาตามปกติทุกวันอีกครั้งและไม่มีการเบี่ยงเบนไปจากคำพูดของผู้เขียน “จำไว้ว่า” เธอสร้างแรงบันดาลใจ “ตอนที่จัดละคร Hedda Gabler ฉันบอกว่าต้องปฏิบัติตามคำแนะนำบนเวทีของเธอเสมอ ตอนนี้ฉันสามารถพูดได้อย่างแน่นอนว่าคำพูดของฉันมีความจริงมากกว่าที่ฉันจินตนาการไว้ ทุกคำพูดของอิบเซ่นมีแสงสว่างบนเส้นทางที่จะเข้าใจสิ่งต่าง ๆ ของเขา”** (ตัวเอน - G.T.) นอกเหนือจากปัญหาพื้นฐานเช่นการรับรู้ของนักแสดงว่าเธอไม่สามารถเล่นนอกชีวิตประจำวันได้ (“แค่เดินบนพื้นเท่านั้น” เธอดูเหมือน “ล่องลอยอยู่ในเมฆ”***) ลองคิดดูว่าทุกคำพูดของ คำพูดของ Ibsen ให้ความกระจ่างถึงความหมายของบทละครของเขา
*อ้างอิง โดย: โวลคอฟ เอ็น. กฤษฎีกา ปฏิบัติการ ต. 1 หน้า 321
** ยกมา จาก: อ้างแล้ว. ป.320.
*** S. Ya. ทัวร์ของ V. F. Komissarzhevskaya “ แสงสว่างแห่งคืนกลางฤดูร้อน” // คำภาษารัสเซีย 1909. 16 ก.ย. อ้าง โดย: Kukhta E. A. Komissarzhevskaya // ศิลปะการแสดงรัสเซียแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2535 ฉบับที่ 1. หน้า 58.
แนวทางการแสดงละครเวทีของนักเขียนบทละครทั้ง "Hedda Gabler" และ "Nora" และบทละครอื่นๆ ของเขาในซีรีส์นี้ทำให้พวกเขาอยู่ในขอบเขตของโรงละครทุกวันของศตวรรษที่ 19 อย่างไม่ต้องสงสัย การทำตามสิ่งเหล่านี้หมายถึงการละทิ้งความเป็นไปได้มากมายในการตีความการกำกับที่บทละครเหล่านี้นำเสนอในศตวรรษที่ 20 แต่ “บ้านตุ๊กตา” ก็มีคำพูดอีกแบบหนึ่งที่เต็มเปี่ยมไปด้วยคำพูดที่นำหน้าหรือมาพร้อมกับคำพูดของนางเอก และสร้างรูปแบบการเคลื่อนไหวและคะแนนความรู้สึกของเธอ คำพูดเหล่านี้ให้แสงสว่างที่สว่างไสวไม่ได้เกี่ยวกับแก่นแท้ของการเล่นโดยรวมมากนัก แต่อยู่ที่บทบาทของนอร่า นั่นเป็นสาเหตุที่นักแสดง รวมทั้ง Komissarzhevskaya พบว่าบทบาทนี้เป็นเรื่องง่ายแม้จะอยู่ในโรงละครของผู้กำกับก็ตาม จำนวนคำพูดดังกล่าวใน A Doll's House แทบจะไร้ขีดจำกัด ตั้งแต่คำพยางค์เดียวที่พูดถึงบทบาททั้งหมดของนอรา—“กระโดดขึ้น” “เร็ว ๆ นี้” “เอามือปิดปาก” ไปจนถึงคำแนะนำที่ยาวและมีประสิทธิภาพแก่นักแสดง: “โนราปิดประตูโถงทางเดิน ถอดชั้นนอกของเธอออก แต่งตัวและหัวเราะต่อไปอย่างเงียบๆ อย่างพึงพอใจ จากนั้นเขาก็หยิบถุงมาการองออกมาจากกระเป๋าแล้วกินเข้าไปสองสามชิ้น เขาเดินไปที่ประตูห้องสามีอย่างระมัดระวังแล้วฟัง”; “ยุ่งกับความคิดของเธอ จู่ๆ เธอก็ระเบิดเสียงหัวเราะเงียบๆ และปรบมือ”; “ ต้องการรีบไปที่ประตู แต่หยุดความไม่แน่ใจ”; “ด้วยสายตาที่เหม่อลอย เขาเดินโซเซไปรอบห้อง คว้าโดมิโนของเฮลเมอร์ ขว้างมันใส่ตัวเอง และกระซิบอย่างรวดเร็ว เสียงแหบแห้ง เป็นจังหวะ” ฯลฯ
แม้แต่ N. Ya. Berkovsky ยังตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องถึงความสำคัญมหาศาลที่การหยุด การแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง และท่าทางมีต่อละครของ Ibsen สำหรับ Meyerhold ทรัพย์สินของ Ibsen ที่สะสมอยู่ใน "The Burrow" กลายเป็นพื้นฐานในการทำความเข้าใจกฎเกณฑ์ของการประพันธ์ละครในช่วงเวลาของลัทธิดั้งเดิม (ทศวรรษ 1910) “ในไม่ช้าพวกเขาจะเขียนกฎหมายลงบนแท็บเล็ตของโรงละครหรือไม่: คำพูดในโรงละครเป็นเพียงรูปแบบบนผืนผ้าใบแห่งการเคลื่อนไหว?”** เขาเขียนในบทความเชิงโปรแกรมเรื่อง “Balagan” ในปี 1912 บทละครของ Ibsen สอดคล้องกับกฎนี้อย่างสมบูรณ์ เช่นเดียวกับ "องค์ประกอบหลักของโรงละคร" ที่ระบุโดย Meyerhold: พลังของหน้ากาก ท่าทาง การเคลื่อนไหว การวางอุบาย"*** “Nora” สามารถจัดแสดงในสถานที่ในประเทศได้ เช่นเดียวกับกรณีในการพิมพ์ครั้งแรกของ Meyerhold ในปี 1903; สามารถมีสไตล์ได้เช่นเดียวกับในกรณีเล่นกับ Komissarzhevskaya; หรือ - ไม่มีฉากเลยเหมือนในปี 1922 - สคริปต์ (ละครใบ้) นั่นคือโครงสร้างการแสดงละครที่แท้จริงของการกระทำนั้นได้รับการเก็บรักษาไว้อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ท้ายที่สุดแล้ว "บ้านตุ๊กตา" ของโนราห์ไม่ใช่ออตโตมันนุ่ม ๆ ของรังแสนสบายซึ่ง Komissarzhevskaya ขอให้ Meyerhold กลับมาหาเธอ แต่เป็นโลกสมมติที่ตามที่นางเอกบอกเธอถูกพ่อของเธอเป็นคนแรกจากนั้นก็สามีของเธอ . เหมือนกับหน้ากากของลูกสาวตุ๊กตาและภรรยาตุ๊กตาที่เธอสวมไว้เพื่อเอาใจพวกเขา
* ดู: บทความ Berkovsky N. Ya. ม.; ล., 1962. ป.230.
** Meyerhold V. E. บทความ... ตอนที่ 1 หน้า 212
*** อ้างแล้ว ป.213.
ใน Kherson ฉบับแรกของ "Nora" ซึ่งจัดแสดงตามกฎของ Art Theatre โดยสรุปซีรีส์การแสดงบนเวทีที่เหมือนมีชีวิตตามปกติผู้กำกับเน้นช่วงเวลาที่น่าตื่นเต้นในการแสดงละคร ที่นี่เราสามารถเห็นร่องรอยของการรับรู้ว่า "โนราห์" เป็นตัวอย่างหนึ่งของการเล่นละครที่เหมาะสม กล่าวคือ ถ้าคุณ "สลัดคำพูดออกไป" (เมเยอร์โฮลด์) ก็จะคงรูปแบบการแสดงโขนไว้อย่างชัดเจน ช่วงเวลาสำคัญถูกจัดฉากไว้เบื้องหน้า ที่นั่นมีเตาผิง - แท่นยิงจรวดสำหรับจัดแสดงละคร (บทสนทนาของนอร่ากับนางลินน์) และสำหรับการไขข้อไขเค้าความเรื่อง (เมื่อเฮลเมอร์ขว้างตั๋วสัญญาใช้เงินที่คร็อกสตัดคืนมาให้เขา) “ เป็นไปไม่ได้หรือที่จะจุดไฟเมื่อ Sazonov (นักแสดงในบทบาทของ Helmer - G. T. ) ขว้างกระดาษไปที่นั่น?” * Meyerhold ถามตัวเองในสำเนาของผู้กำกับและแน่นอนว่านี่ไม่ใช่ความกระหายในความจริง แต่ต้องใช้เอฟเฟ็กต์ละคร
* มรดก Meyerhold V.E. ฉบับที่ 2. หน้า 182.
ใน "นอร่า" ครั้งแรกของเมเยอร์โฮลด์ยังมี "ข้อความแคบ" ซึ่งทำให้เกิดการเยาะเย้ยจากผู้วิจารณ์ฉบับพิมพ์ครั้งที่สองซึ่งมีตัวละครปรากฏขึ้น ผู้กำกับรู้สึกทันทีว่าในละครเรื่องนี้การมาและไปของตัวละคร - Fru Linne, Krogstad, Dr. Rank, Nora เอง - ไม่ได้เดินไปรอบ ๆ เวที แต่เป็นช่วงเวลาสำคัญของการวางอุบายบนเวทีซึ่งสร้างความตึงเครียดในการแสดงละคร - จนถึงการเสียชีวิตของ Dr. Rank และ Nora คนสุดท้ายออกจากบ้านตุ๊กตา “โนรา” ของอิบเซ่นเป็นตัวอย่างในอุดมคติของ “ความถูกต้องเท่านั้น” ตามความเห็นของเมเยอร์โฮลด์ เส้นทางแห่งการเรียบเรียงละคร - “การเคลื่อนไหวทำให้เกิดเครื่องหมายอัศเจรีย์และคำพูด”* และสุดท้าย "โนราห์" ก็สอดคล้องกับการสนับสนุนที่ผู้กำกับเห็นว่าจำเป็นในการรวมองค์ประกอบหลักของโรงละครเข้าด้วยกันในบทละคร - การสนับสนุนในเรื่องนี้ “ผ้าเช็ดหน้าหาย” เขากล่าว “นำไปสู่บท Othello สร้อยข้อมือของ Masquerade เพชรของไตรภาค Sukhovo-Kobylin”** จดหมายนี้เขียนถึง “นอร่า” เขาลืมเติม
* Meyerhold V. E. บทความ... ตอนที่ 1 หน้า 212
**แผ่นละคร Meyerhold V.E. I. // อ้างแล้ว. ตอนที่ 2 หน้า 28
การรับรู้เบื้องต้นของผู้กำกับเกี่ยวกับความสำคัญที่สำคัญของจดหมายที่คร็อกสตัดส่งเข้ากล่องจดหมายนั้นค่อนข้างชัดเจน ในฉากที่ตั้งของ Kherson “Nora” ที่เพิ่งเผยแพร่ไปนั้น “กล่องจดหมาย” บางทีอาจเป็นข้อกำหนดหลักสำหรับพาหนะนี้ สำหรับ Ibsen กล่องนี้เป็นวัตถุนอกเวทีแม้ว่าจะเป็นที่ชัดเจนว่าจุดไคลแม็กซ์ของการเล่นตกอยู่บนทิศทางของเวทีที่เกี่ยวข้องกับตัวอักษรที่ตกลงไป: “ ได้ยินเสียงจดหมายตกลงไปในกล่องจากนั้นก็ก้าวของ Krogstad ได้ยินเสียงลงมาจากบันได ขั้นบันไดค่อยๆ หยุดนิ่งด้านล่าง นอร่าวิ่งกลับเข้าไปในห้องพร้อมกับร้องไห้ออกมาบนโต๊ะหน้าโซฟา หยุดชั่วคราว จดหมาย!..ในกล่อง! (เขาย่องไปที่ประตูหน้าอีกครั้งอย่างขี้อาย) นอนอยู่ตรงนั้น... Torvald, Torvald... ตอนนี้ไม่มีความรอดสำหรับเราแล้ว!
Meyerhold ทำให้กล่องจดหมายเป็น "ตัวละคร" และเป็นเวทีหนึ่งด้วย กล่องขัดแตะนี้มองเห็นได้ชัดเจนจากห้องนั่งเล่นทั้งนักแสดงและผู้ชม เขาเกือบจะกลายเป็นตัวละครหลักของการผลิตซึ่งเป็นศูนย์กลางของแรงโน้มถ่วงของบทละครที่มีประสิทธิภาพซึ่งผู้ชมร่วมกับนอร่า“ ดูว่าจดหมายถึงตายถูกทิ้งลงในกล่องนี้อย่างไรในระหว่างการแสดงครั้งที่สอง ” และเดินตามเขาไปอย่างใกล้ชิดเหมือนกับนอรา โดยมองเห็นได้จากลูกกรง จนกระทั่ง “ในตอนท้ายขององก์ที่สาม เฮลเมอร์ก็หยิบจดหมายออกมา”*
* มรดก Meyerhold V.E. ฉบับที่ 2. หน้า 180.
“โนราห์” ฉบับที่สามและสี่ (ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2461 และเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2463) ถือว่าผ่าน คนแรกจัดแสดงที่โรงละคร Petrograd ของ House of Workers โดยศิลปินหนุ่ม Vladimir Dmitriev นักเรียนของผู้กำกับตาม Kurmastsepa ซึ่งตามการติดตั้งของ Meyerhold ศิลปินละครและผู้กำกับในอนาคตได้ศึกษาร่วมกันเพื่อที่จะเชี่ยวชาญอย่างเท่าเทียมกัน ทักษะวิชาชีพที่แยกจากกันก่อนหน้านี้ เมเยอร์โฮลด์ดูแลงานของนักเรียนของเขา ประการที่สอง - ในโรงละครโซเวียตแห่งแรกที่ตั้งชื่อตาม เลนินในโนโวรอสซีสค์ทันทีหลังจากที่เมเยอร์โฮลด์ได้รับการปล่อยตัวจากคุกใต้ดินแห่งการต่อต้านข่าวกรองของเดนิคิน ในทั้งสองกรณี การเลือก "โนราห์" ถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าโดยคุณสมบัติที่กล่าวมาข้างต้น - โครงสร้างการแสดงละครที่ชัดเจนอย่างยิ่งทำให้การเล่นเป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้สำหรับทั้งการผลิตทางการศึกษาและทางมือถือ
แต่ "โนราห์" ตัวที่ห้าของเมเยอร์โฮลด์ซึ่งได้รับการกล่าวถึงสองครั้งแล้วกลายเป็นตำนานการแสดงละครโดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณบันทึกความทรงจำของ S. M. Eisenstein รายชื่อบุคคลและสิ่งต่างๆ ที่เขาเคยเห็นในสมัยของเขาสองหน้า และการตั้งชื่อของ Chaliapin และ Stanislavsky, Mikhail Chekhov และ Vakhtangov, Shaw และ Pirandello, Gershwin และ Jackie Coogan รับประทานอาหารกลางวันกับ Douglas Fairbanks และนั่งรถไปใน รถยนต์โดยมี Greta Garbo, นายพล Sukhomlinov ในท่าเรือ และนายพล Brusilov เป็นพยานในการพิจารณาคดีนี้ ซาร์นิโคลัสที่ 2 ในพิธีเปิดอนุสาวรีย์ของ Peter I และอีกมากมาย Eisenstein ประกาศว่าไม่มีความประทับใจใด ๆ ที่จะสามารถทำได้ ลบออกจากความทรงจำของเขาและเหนือกว่าผลการซ้อมสามวันของ Meyerhold "Nora" ในโรงยิมบนถนน Novinsky Boulevard:
“ฉันจำการสั่นสะเทือนอย่างต่อเนื่อง
มันไม่หนาว
มันเป็นความตื่นเต้น
เหล่านี้คือเส้นประสาทที่ถูกตึงจนถึงขีดจำกัด”*
* ไอเซนสไตน์ ออน เมเยอร์โฮลด์ ป.288.
นี่เป็นเรื่องเกี่ยวกับการซ้อม ข้อมูลที่เหลืออยู่เกี่ยวกับการผลิตนั้นน่าประทับใจไม่น้อย ความจริงก็คือ Meyerhold ซึ่งเกี่ยวข้องกับการปิด RSFSR First Theatre โดยไม่ยุติธรรม (โดยทันทีหลังจากรอบปฐมทัศน์ของ "Youth Union" ของ Ibsen) ทำงานในโรงยิมแช่แข็งของโรงยิมเก่าโดยไม่ต้องมีเวทีสำหรับ ซึ่งเขาสามารถเตรียมได้จริงโดย "สามีซึ่งภรรยามีชู้ผู้ใจบุญ" และ “โนรา” ซ้อมในอีกสามวันก็ถูกกำหนดให้จับภาพสถานที่นี้ (สถานที่เดิมของเขาที่ Sadovo-Triumfalnaya) ร่วมมือกับ Nezlobinite ซึ่งนั่งอยู่โดยไม่มีเวที (บทบาทหลักแสดงโดยนักแสดง Nezlobinsky ที่ตัวสั่นจากความหนาวเย็นและความกลัว) Meyerhold ส่งนักเรียนห้าคนของเขาในวันที่ฉายรอบปฐมทัศน์โดยไม่แจ้งให้ทราบล่วงหน้า - S. Eisenstein, A. Kelberer , V. Lutse, V. Fedorov และ Z. Reich - ยึดเวทีและเตรียมการติดตั้งสำหรับการแสดงในตอนเย็นตามคำแนะนำของแผนของเขา การติดตั้งนี้ทำให้แม้แต่ผู้ชมละครที่มีประสบการณ์ต้องตะลึง เมเยอร์โฮลด์เพียงหันด้านในออกจากทิวทัศน์ที่ถูกทิ้งไว้ด้านหลังเวที - บางส่วนของศาลา, กฎตะแกรง ฯลฯ - เพื่อให้จารึกมองดูผู้ชม - "Nezlobin No. 66", "side 538" ฯลฯ นอกจากนี้ยังใช้เฟอร์นิเจอร์โรงละครที่ค่อนข้างไร้สาระ - โดยทั่วไปแล้วเก้าอี้ที่เต็มไปด้วยฝุ่นและแตกหักซึ่งพบในกระเป๋าของเวที - เพื่อจัดระเบียบคะแนนการเล่น ท่ามกลางเสียงหัวเราะที่เป็นมิตรของผู้ชม นักแสดงในบทบาทของเฮลเมอร์ผู้สงบนิ่งและสงบนิ่งกล่าวคำพูดที่โด่งดัง: “ที่นี่ดี โนราห์ สบายดี”* แม้แต่วลาดิมีร์ บลัม นักวิจารณ์ผู้ชำนาญการของ Meyerhold ในขณะนั้นก็ยังอดไม่ได้ที่จะถามว่า "ผลงานนี้เป็นเรื่องล้อเลียนหรือหลอกลวง"**
* ในวันสามีซึ่งภรรยามีชู้ // โปสเตอร์ TIM พ.ศ. 2469 ลำดับที่ 1 หน้า 3
** Sadko [Blum V.I.] “โนรา” ใน “โรงละครของนักแสดง” // อิซเวสเทีย 2465.
ใช่ "โนราห์" ที่ห้าของเมเยอร์โฮลด์ในบางแง่มุมเป็นการล้อเลียนบางแห่งที่มีการหลอกลวง - ละครเรื่องนี้เรียกว่า "โศกนาฏกรรมของนอร่าเฮลเมอร์หรือวิธีที่ผู้หญิงจากครอบครัวชนชั้นกลางเลือกความเป็นอิสระและการทำงาน" และเธอก็เล่นเป็นพิเศษ - นักปฏิวัติหญิงของ Bronislava Rutkovskaya นายกรัฐมนตรีของ Nezlobin เป็นนักร้องที่หรูหราแห่งยุคอาร์ตนูโว ผู้สนใจ Meyerhold ไม่มากไปกว่าด้านล่างของทิวทัศน์ของ Nezlobin แต่ห้าวันต่อมาทั้งสามคนของ Meyerhold ซึ่งโด่งดังในทันที - Ilyinsky, Babanova, Zaichikov - "Il-ba-zai" ตามที่ A. A. Gvozdev เรียกมันว่าจะปรากฏตัวบนเวทีสนามรบและในการผลิตที่ไม่มีใครเทียบได้ของ "The Generous Cuckold" ” จะแสดงให้สาธารณชนเห็นว่าการกระทำของ "เปลื้องผ้า" โรงละครที่ดำเนินการใน "โนราห์" นั้นเป็นโหมโรงของคอนสตรัคติวิสต์และดำเนินการเพื่อนักแสดงเพื่อที่เขาเช่นเดียวกับ Komissarzhevskaya ครั้งหนึ่งในบทบาทของนอร่า กลายเป็นเจ้าแห่งเวทีอีกครั้ง
ชีวิตของชายผู้มีความสามารถผู้นี้ซึ่งทำงานในศตวรรษที่ 19 ได้รับการถักทอจากความขัดแย้งที่น่าทึ่งที่สุด ชื่อของเขาคืออิบเซ่น เฮนริก นี่คือหนึ่งในนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียงที่สุดของโรงละครยุโรปตะวันตกซึ่งอาศัยอยู่ในปี 1828-1906 เขาเป็นแชมป์ของการปลดปล่อยแห่งชาติและการฟื้นฟูวัฒนธรรมในนอร์เวย์ เขาใช้ชีวิตอยู่ในรูปแบบการเนรเทศตัวเองเป็นเวลายี่สิบเจ็ดปีในเยอรมนีและอิตาลี ที่นั่นนักเขียนบทละครได้ศึกษานิทานพื้นบ้านของนอร์เวย์ด้วยความรักและความหลงใหลอย่างมากจากนั้นในบทละครของเขาเองเขาก็ได้ทำลายรัศมีโรแมนติกของเทพนิยายพื้นบ้าน เขาสร้างโครงเรื่องขึ้นมาอย่างเข้มงวดในบางครั้งจนมักมีอคติและความลำเอียง อย่างไรก็ตาม สำหรับฮีโร่ของเขาไม่มีรูปแบบที่แน่นอนในชีวิต พวกเขาทั้งหมดยังมีชีวิตอยู่และมีหลายแง่มุม
Henrik Ibsen: หนังสือและคุณลักษณะของวรรณกรรมของเขา
ผลงานของเขาโดยทั่วไปสามารถตีความได้หลากหลายรูปแบบ เนื่องจากความสัมพันธ์พื้นฐานของอิบเซน เฮนริกในการอยู่ร่วมกันกับ "เหล็ก" และตรรกะที่ค่อนข้างมีแนวโน้มในการพัฒนาพล็อตเรื่อง เขาได้รับการยอมรับไปทั่วโลกว่าเป็นนักเขียนบทละครเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวที่สมจริง แต่นักสัญลักษณ์ถือว่างานของเขาเกิดจากการเคลื่อนไหวของพวกเขา และทำให้เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการเกี่ยวกับสุนทรียภาพ Ibsen ยังได้รับฉายาว่า "Freud in Drama" นักเขียนยังโดดเด่นด้วยความแข็งแกร่งขนาดมหึมาของเขาซึ่งทำให้เขาสามารถผสมผสานธีมที่หลากหลายที่สุดและแม้แต่ขั้วโลกในละครของเขา วิธีการแสดงออกทางศิลปะ ความคิดและประเด็นต่างๆ
ชีวประวัติ
Henrik Johan เกิดในปี 1828 ในเมือง Skien ในจังหวัดนอร์เวย์ ในครอบครัวที่ร่ำรวย แต่เกือบสิบปีต่อมา พ่อของเขาล้มละลาย และสถานการณ์ครอบครัวของพวกเขาเปลี่ยนไปอย่างมาก เมื่อพบว่าตัวเองอยู่ในสังคมชั้นต่ำ เด็กชายได้รับบาดเจ็บสาหัสทางจิตใจ ทั้งหมดนี้จะสะท้อนให้เห็นในงานต่อไปของเขาในภายหลัง
เขาเริ่มทำงานเมื่ออายุ 15 ปีเพื่อหาเลี้ยงตัวเอง ในปี พ.ศ. 2386 Ibsen ไปที่เมือง Grimstad ซึ่งเขาได้งานเป็นเภสัชกรฝึกหัด เงินเดือนมีน้อย ดังนั้นชายหนุ่มจึงมองหาวิธีต่างๆ ในการสร้างรายได้และการตระหนักรู้ในตนเอง จากนั้นอิบเซน เฮนริกก็พยายามเขียนบทกวี คำบรรยายเสียดสี และวาดภาพล้อเลียนของชนชั้นกลางกริมสตัด และเขาก็ไม่ผิด - ในปี 1847 เขาได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่เยาวชนหัวก้าวหน้าและหัวรุนแรงของเมือง
จากนั้น ด้วยความประทับใจในการปฏิวัติที่แผ่ขยายไปทั่วยุโรปตะวันตกในปี 1848 Ibsent ได้นำเนื้อเพลงทางการเมืองมาใช้ในงานกวีของเขา และได้รับแรงบันดาลใจให้เขียนบทละคร “Catilina” (1849) ซึ่งเต็มไปด้วยแรงจูงใจในการต่อสู้กับเผด็จการ ละครเรื่องนี้ไม่ประสบความสำเร็จ แต่มันทำให้เขามีความปรารถนาที่จะมีส่วนร่วมในวรรณกรรม ศิลปะ และการเมืองมากขึ้น
Christiania และบทละคร
ในปี 1850 Ibsen Henrik ย้ายไปที่ Christiania (ออสโล) และต้องการเรียนที่มหาวิทยาลัย แต่เขาหลงใหลอย่างมากกับชีวิตทางการเมืองในเมืองหลวง เขาเริ่มสอนที่โรงเรียนวันอาทิตย์ของคนงาน เข้าร่วมในการประท้วง ร่วมมือกับหนังสือพิมพ์ของคนงาน สิ่งพิมพ์ของนักเรียน และมีส่วนร่วมในการสร้างนิตยสาร Andhrimner ตลอดเวลานี้ผู้เขียนไม่ได้ขัดจังหวะงานของเขาในละครเรื่อง "Bogatyrsky Mound" (1850), "Norma or Love of a Politician" (1951), "Midsummer's Night" (1852)
ในเวลาเดียวกัน Henrik Johan ได้พบกับนักเขียนบทละครชาวนอร์เวย์ผู้โด่งดังและผู้ได้รับรางวัลโนเบล Bjornstjerne Bjornson พวกเขามีผลประโยชน์ร่วมกันโดยอาศัยการฟื้นฟูเอกลักษณ์ประจำชาติ ในปี พ.ศ. 2395 เขาได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของโรงละครแห่งชาตินอร์เวย์ในเบอร์เกน อิบเซ่นยังคงอยู่ในตำแหน่งนี้จนถึงปี พ.ศ. 2400 (หลังจากนั้นเขาถูกแทนที่โดยบี. บียอร์นสัน) การพลิกผันครั้งนี้ถือเป็นความสำเร็จที่ไม่ธรรมดาสำหรับนักเขียนบทละครซึ่งประกอบด้วยไม่มากนักในความจริงที่ว่าบทละครอันงดงามของเขาได้รับการเตรียมการผลิตทันที แต่ในการศึกษาเชิงปฏิบัติของ "อาหาร" ของละครจากภายใน สิ่งนี้ช่วยพัฒนาทักษะของนักเขียนบทละครและเปิดเผยความลับทางวิชาชีพต่างๆ มากมาย
ก้าวใหม่ของความคิดสร้างสรรค์
ในช่วงเวลานี้ผู้เขียนเขียนบทละคร "Fru Inger of Estrot" (1854), "Feast in Solhaug" (1855), "Olav Liljekrans" (1856) เป็นครั้งแรกที่เขารู้สึกปรารถนาที่จะลองร้อยแก้วซึ่งไม่ได้ทำให้เขาประสบความสำเร็จ แต่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาอาชีพของนักเขียนบทละครอิบเซ่น ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2400 ถึง พ.ศ. 2405 เขาเป็นหัวหน้าโรงละครในคริสเตียเนียและมีส่วนร่วมในกิจกรรมสาธารณะซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อต่อสู้กับกระแส "โปรเดนมาร์ก" ในคณะ เนื่องจากประกอบด้วยนักแสดงชาวเดนมาร์ก ดังนั้นการแสดงจึงแสดงในภาษาของพวกเขา แต่แล้วอิบเซ่น เฮนริกก็ยังคงชนะการต่อสู้ครั้งนี้เมื่อเขาออกจากโรงละคร ในปีพ. ศ. 2406 คณะละครของทั้งสองโรงละครได้รวมตัวกันหลังจากนั้นการแสดงก็เริ่มแสดงในภาษานอร์เวย์ งานเขียนของเขาไม่เคยหยุดแม้แต่นาทีเดียว
กิจกรรมที่หลากหลายของ Ibsen ดังที่ปรากฏนั้นถูกกำหนดโดยปัญหาทางจิตที่ซับซ้อนร้ายแรงมากกว่าตำแหน่งทางสังคม ปัญหาหลักของนักเขียนคือองค์ประกอบทางการเงิน เพราะเขาแต่งงานในปี พ.ศ. 2401 และในปี พ.ศ. 2402 ลูกชายของเขาก็เกิด ตลอดชีวิตของเขานักเขียนต้องการที่จะบรรลุตำแหน่งทางสังคมที่ดีคอมเพล็กซ์ในวัยเด็กของเขามีบทบาท แต่ทั้งหมดนี้เชื่อมโยงกับคำถามเรื่องการตระหนักรู้ในตนเองและกระแสเรียกโดยธรรมชาติ ปัจจัยสำคัญในงานของเขาคือเขาเขียนบทละครที่ดีที่สุดนอกบ้านเกิด
ในปี พ.ศ. 2407 เขาได้รับเงินบำนาญที่เขาแสวงหามานาน จากนั้นเขาก็ไปอิตาลี แต่เขาขาดเงินทุนโดยสิ้นเชิง และเขาหันไปขอความช่วยเหลือจากเพื่อน ๆ ซ้ำแล้วซ้ำเล่า ในโรมเขาเขียนบทละครสองเรื่อง - "Brand" (1865) และ "Peer Gynt" (1866) ซึ่งกล่าวถึงหัวข้อของการตัดสินใจด้วยตนเองและการตระหนักรู้ของมนุษย์ Hero Brand เป็นนักยึดนิยมสูงสุดผู้พร้อมที่จะเสียสละตัวเองและคนที่เขารักเพื่อทำภารกิจให้สำเร็จ แต่พระเอก Gynt เป็นคนโถที่ปรับตัวเข้ากับทุกสถานการณ์ การเปรียบเทียบบุคลิกภาพขั้วโลกดังกล่าวแสดงให้เห็นภาพที่ชัดเจนของความสัมพันธ์ทางศีลธรรมของ Ibsent
ละครที่โด่งดังที่สุด
ละครเรื่องแรกของ Henrik Ibsen "Brand" ประสบความสำเร็จในหมู่นักโรแมนติกแนวปฏิวัติ ละครเรื่องที่สอง "Pierre Gynt" ถูกมองในแง่ลบอย่างมากและดูหมิ่นด้วยซ้ำ จี-เอช. Andersen เรียกมันว่าเป็นงานที่แย่ที่สุดที่เขาเคยอ่านมา แต่เวลาทำให้ทุกอย่างเข้าที่ และกลิ่นอายโรแมนติกก็กลับมาอีกครั้ง และสิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการประพันธ์ดนตรีที่เขียนตามคำขอของ Ibsen โดย Edvard Grieg “Brand” และ “Pierre Gynt” เป็นบทละครในช่วงเปลี่ยนผ่านที่ทำให้ผู้เขียนหันไปสู่ความสมจริงและความรักทางสังคม จากนั้นเขาได้เขียนบทละครเรื่อง "Pillars of Society" (พ.ศ. 2420), "บ้านตุ๊กตา" (พ.ศ. 2424), "ผี" (พ.ศ. 2424), "ศัตรูของประชาชน" (พ.ศ. 2425) เป็นต้น ในผลงานต่อ ๆ มาของเขา นักเขียนบทละครหยิบยกประเด็นของความเป็นจริงสมัยใหม่ ความหน้าซื่อใจคดของการปลดปล่อยสตรี การค้นหาวิธีแก้ปัญหาร่วมกันในขอบเขตทางสังคม ความภักดีต่ออุดมคติ ฯลฯ
นักเขียนบทละครเสียชีวิตด้วยโรคหลอดเลือดสมองในปี พ.ศ. 2449 เขาอายุ 78 ปี
เฮนริก อิบเซ่น “ผี”: บทสรุป
ฉันอยากจะอยู่กับผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา Henrik Ibsen ได้สร้าง "Ghosts" ดังที่กล่าวไปแล้วในปี 1881 เนื้อเรื่องเกี่ยวกับการเปิดเผยความลับอยู่ตลอดเวลา ตัวละครหลักคือภรรยาม่ายของกัปตันอัลวิง - นางอัลวิง ในเมืองที่พวกเขาอาศัยอยู่ ความคิดเห็นของคู่แต่งงานของพวกเขานั้นสมบูรณ์แบบ จู่ๆ เธอก็เล่าความจริงเกี่ยวกับชีวิตครอบครัวของเธอให้บาทหลวงแมนเดอร์สฟัง ซึ่งเธอปลอมตัวมาอย่างเชี่ยวชาญมาก จริงๆ แล้ว สามีของเธอเป็นคนใจกว้างและขี้เมา บางครั้งเธอยังต้องดื่มเป็นเพื่อนกับเขาด้วยซ้ำ เพื่อที่เขาจะได้ไม่ออกจากบ้าน นางทำเช่นนี้เพื่อไม่ให้บุตรชายของพวกเขาต้องอับอาย และดูเหมือนว่าเธอจะบรรลุสิ่งที่ต้องการแล้ว สามีของเธอเสียชีวิต ผู้คนพูดถึงเขาในฐานะบุคคลที่น่านับถือ และเธอก็ไม่มีอะไรต้องกังวลอีกต่อไป อย่างไรก็ตาม ตอนนี้เธอเริ่มสงสัยอย่างมากว่าเธอกำลังทำสิ่งที่ถูกต้องหรือไม่
ออสวาลด์
จากนั้นลูกชายของพวกเขาก็มาจากฝรั่งเศส - Oswald ศิลปินผู้น่าสงสารซึ่งดูเหมือนพ่อของเขาและยังเป็นแฟนตัวยงของการดื่มอะไรร้อนๆ วันหนึ่งผู้เป็นแม่เห็นออสวอลด์กำลังรบกวนสาวใช้ เมื่อมองแวบแรก ดูเหมือนว่าสามีผู้ล่วงลับของเธอซึ่งครั้งหนึ่งเคยลวนลามสาวใช้ด้วย เธอตกใจมากจึงร้องลั่น...
ในไม่ช้าความลับอันเลวร้ายอีกอย่างก็ถูกเปิดเผย - ออสวอลด์ป่วยด้วยอาการป่วยทางจิตขั้นร้ายแรง ต่อหน้าต่อตาแม่ของเขา เขาคลั่งไคล้และชดใช้ความผิดบาปของพ่อเขา ในฐานะนักเขียน Ibsen มั่นใจว่ากฎดังกล่าวมีอยู่จริงในชีวิต หากการลงโทษไม่เกิดแก่บุคคลในช่วงชีวิตของเขา ลูกและหลานของเขาก็จะต้องชดใช้
ความทันสมัย
Henrik Ibsen ยังคงมีความเกี่ยวข้อง เป็นที่รัก และเป็นที่นิยมบนเวที “ The Returned” เป็นละครที่ทำซ้ำเนื้อหาของ "Ghosts" ซึ่งเป็นโครงเรื่องที่เป็นสัญลักษณ์ของการกลับคืนสู่โลกแห่งความตายที่ปกครองคนเป็น ละครเรื่องนี้ฉายในโรงภาพยนตร์หลายแห่ง แต่การผลิตสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ โดยที่นักแสดงคนเดียวกันเปลี่ยนหน้ากากอยู่ตลอดเวลา ซึ่งแสดงถึงแง่มุมที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงของแก่นแท้ของมนุษย์ อย่างไรก็ตามเป็นที่น่าสังเกตว่าละครเรื่อง "Ghosts" ของ Henrik Ibsen ยังคงได้รับการยกย่องในโลกว่าเป็นหนึ่งในผลงานละครชิ้นเอกที่ไม่มีใครเทียบได้มากที่สุด