เนื้อหาของบทความ
จิตรกรรมอเมริกันผลงานจิตรกรรมอเมริกันชิ้นแรกที่มาหาเรามีอายุย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16; สิ่งเหล่านี้เป็นภาพร่างที่ทำโดยผู้เข้าร่วมการสำรวจวิจัย อย่างไรก็ตามศิลปินมืออาชีพปรากฏตัวในอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เท่านั้น แหล่งรายได้ที่มั่นคงเพียงแหล่งเดียวสำหรับพวกเขาคือภาพเหมือน ประเภทนี้ยังคงครองตำแหน่งผู้นำในการวาดภาพอเมริกันจนถึงต้นศตวรรษที่ 19
ยุคอาณานิคม
ภาพบุคคลกลุ่มแรกซึ่งดำเนินการโดยใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันมีอายุย้อนกลับไปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในเวลานี้ชีวิตของผู้ตั้งถิ่นฐานค่อนข้างสงบ ชีวิตมั่นคง และมีโอกาสฝึกฝนศิลปะปรากฏขึ้น ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือภาพบุคคล นางฟริกและลูกสาวแมรี่(ค.ศ. 1671–1674, แมสซาชูเซตส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะวูสเตอร์) วาดโดยศิลปินชาวอังกฤษที่ไม่รู้จัก ในช่วงทศวรรษที่ 1730 เมืองชายฝั่งตะวันออกมีศิลปินหลายคนที่ทำงานในลักษณะที่ทันสมัยและสมจริงมากขึ้น: Henrietta Johnston ใน Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn ใน Annapolis (1708), Gustav Hesselius ใน Philadelphia (1712), John Watson ใน Perth Amboy ในรัฐนิวเจอร์ซีย์ (1714), Peter Pelham (1726) และ John Smibert (1728) ในบอสตัน ภาพวาดของสองภาพหลังมีอิทธิพลสำคัญต่องานของจอห์น ซิงเกิลตัน คอปลีย์ (ค.ศ. 1738–1815) ซึ่งถือเป็นศิลปินชาวอเมริกันรายใหญ่คนแรก จากการแกะสลักจากคอลเลกชัน Pelham เด็กหนุ่ม Copley ได้รับความเข้าใจเกี่ยวกับการวาดภาพบุคคลในพิธีการของอังกฤษและภาพวาดของ Godfrey Kneller ปรมาจารย์ชาวอังกฤษชั้นนำที่ทำงานประเภทนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 ในรูปภาพ เด็กชายกับกระรอก(ค.ศ. 1765, บอสตัน, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์) คอปลีย์สร้างภาพบุคคลที่เหมือนจริงอย่างน่าอัศจรรย์ อ่อนโยนและแม่นยำอย่างน่าประหลาดใจในการถ่ายทอดพื้นผิวของวัตถุ เมื่อคอปลีย์ส่งงานนี้ไปลอนดอนในปี พ.ศ. 2308 โจชัว เรย์โนลด์สแนะนำให้เขาศึกษาต่อในอังกฤษ อย่างไรก็ตามคอปลีย์ยังคงอยู่ในอเมริกาจนถึงปี พ.ศ. 2317 และยังคงวาดภาพบุคคลต่อไปโดยพิจารณารายละเอียดและความแตกต่างทั้งหมดอย่างระมัดระวัง จากนั้นเขาก็เดินทางไปยุโรปและตั้งรกรากในลอนดอนในปี พ.ศ. 2318; ในสไตล์ของเขากิริยาท่าทางและคุณลักษณะของลักษณะอุดมคติของภาพวาดภาษาอังกฤษในยุคนั้นปรากฏขึ้น ผลงานที่ดีที่สุดในบรรดาผลงานที่คอปลีย์ผลิตในอังกฤษ ได้แก่ ภาพบุคคลในพิธีการขนาดใหญ่ที่ชวนให้นึกถึงผลงานของเบนจามิน เวสต์ รวมถึงภาพวาดด้วย บรู๊ค วัตสันและฉลาม(พ.ศ. 2321 บอสตัน พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์)
สงครามประกาศอิสรภาพและต้นศตวรรษที่ 19
ซึ่งแตกต่างจากคอปลีย์และเวสต์ซึ่งยังคงอยู่ในลอนดอนอย่างถาวร จิตรกรภาพเหมือน กิลเบิร์ต สจ๊วต (พ.ศ. 2298–2371) กลับมาที่อเมริกาในปี พ.ศ. 2335 โดยมีอาชีพในลอนดอนและดับลิน ในไม่ช้าเขาก็กลายเป็นปรมาจารย์ชั้นนำของประเภทนี้ในสาธารณรัฐรุ่นเยาว์ สจ๊วร์ตวาดภาพบุคคลสำคัญทางการเมืองและสาธารณะเกือบทั้งหมดในอเมริกา ผลงานของเขาถูกแสดงอย่างมีชีวิตชีวา อิสระ และร่างภาพ แตกต่างอย่างมากจากสไตล์งานอเมริกันของ Copley
เบนจามิน เวสต์ยินดีรับศิลปินรุ่นเยาว์ชาวอเมริกันเข้ามาในสตูดิโอของเขาในลอนดอน นักเรียนของเขา ได้แก่ Charles Wilson Peale (1741–1827) และ Samuel F. B. Morse (1791–1872) Peale กลายเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์จิตรกรและองค์กรศิลปะครอบครัวในฟิลาเดลเฟีย เขาวาดภาพบุคคล มีส่วนร่วมในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ และเปิดพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ธรรมชาติและจิตรกรรมในฟิลาเดลเฟีย (พ.ศ. 2329) จากลูกทั้งสิบเจ็ดคนของเขา หลายคนกลายเป็นศิลปินและนักธรรมชาติวิทยา มอร์ส ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะผู้ประดิษฐ์โทรเลข ได้วาดภาพบุคคลที่สวยงามหลายภาพ และเป็นหนึ่งในภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในภาพวาดของอเมริกา - หอศิลป์ลูฟวร์. ในงานนี้ มีการจำลองผืนผ้าใบประมาณ 37 ชิ้นในรูปแบบย่อส่วนด้วยความแม่นยำอันน่าทึ่ง งานนี้เหมือนกับกิจกรรมอื่นๆ ของมอร์ส โดยมีเป้าหมายในการแนะนำประเทศรุ่นใหม่ให้รู้จักกับวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ของยุโรป
Washington Alston (1779–1843) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอเมริกันกลุ่มแรกๆ ที่แสดงความเคารพต่อยวนใจ; ในระหว่างการเดินทางอันยาวนานทั่วยุโรป เขาได้วาดภาพพายุทะเล ฉากบทกวีภาษาอิตาลี และภาพบุคคลที่ซาบซึ้ง
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 สถาบันศิลปะอเมริกันแห่งแรกเปิดขึ้น โดยให้การฝึกอบรมวิชาชีพแก่นักเรียนและมีส่วนร่วมโดยตรงในการจัดนิทรรศการ: Pennsylvania Academy of Arts ในฟิลาเดลเฟีย (1805) และ National Academy of Drawing ในนิวยอร์ก (1825) ซึ่งมีประธานาธิบดีคนแรกคือ S. R. Morse . ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 1830 John Trumbull (1756–1843) และ John Vanderlyn (1775–1852) วาดภาพองค์ประกอบขนาดใหญ่ของหัวข้อจากประวัติศาสตร์อเมริกาที่ตกแต่งผนังศาลากลาง Rotunda ในวอชิงตัน
ในช่วงทศวรรษที่ 1830 ภูมิทัศน์กลายเป็นประเภทที่โดดเด่นของการวาดภาพอเมริกัน โธมัส โคล (1801–1848) วาดภาพธรรมชาติอันบริสุทธิ์ของภาคเหนือ (นิวยอร์ก) เขาแย้งว่าภูเขาที่สภาพอากาศแปรปรวนและป่าในฤดูใบไม้ร่วงที่สดใสเป็นหัวข้อที่เหมาะสมสำหรับศิลปินชาวอเมริกันมากกว่าซากปรักหักพังของยุโรปที่งดงาม โคลยังวาดภาพทิวทัศน์หลายแห่งที่เปี่ยมไปด้วยความหมายทางจริยธรรมและศาสนา ในนั้นมีภาพวาดขนาดใหญ่สี่ภาพ เส้นทางชีวิต(พ.ศ. 2385, วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ) - องค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบที่แสดงภาพเรือลำหนึ่งแล่นไปตามแม่น้ำซึ่งมีเด็กชายนั่งอยู่ จากนั้นเป็นชายหนุ่ม จากนั้นเป็นชาย และในที่สุดก็เป็นชายชรา จิตรกรภูมิทัศน์หลายคนติดตามตัวอย่างของโคลและบรรยายถึงธรรมชาติของชาวอเมริกันในงานของพวกเขา พวกเขามักจะรวมกันเป็นกลุ่มเดียวที่เรียกว่า "โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน" (ซึ่งไม่เป็นความจริงเนื่องจากพวกเขาทำงานทั่วประเทศและเขียนในรูปแบบที่แตกต่างกัน)
ในบรรดาจิตรกรประเภทชาวอเมริกัน ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ William Sidney Mount (1807–1868) ผู้ซึ่งวาดภาพชีวิตของชาวนาในลองไอส์แลนด์ และ George Caleb Bingham (1811–1879) ซึ่งมีภาพวาดที่อุทิศให้กับชีวิตของชาวประมงจาก ริมฝั่งแม่น้ำมิสซูรีและการเลือกตั้งในเมืองเล็กๆ ในจังหวัด
ก่อนสงครามกลางเมือง ศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Frederick Edwin Church (1826–1900) ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Cole's เขาวาดภาพผลงานขนาดใหญ่เป็นส่วนใหญ่ และบางครั้งก็ใช้ลวดลายที่เป็นธรรมชาติมากเกินไปเพื่อดึงดูดและทำให้สาธารณชนตะลึง คริสตจักรเดินทางไปยังสถานที่แปลกตาและอันตรายที่สุด รวบรวมวัสดุเพื่อแสดงภูเขาไฟในอเมริกาใต้และภูเขาน้ำแข็งในทะเลทางเหนือ ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือภาพวาด Niagara Falls (1857, Washington, Corcoran Gallery)
ในช่วงทศวรรษที่ 1860 ผืนผ้าใบขนาดมหึมาของอัลเบิร์ต เบียร์สตัดท์ (ค.ศ. 1830–1902) กระตุ้นให้เกิดความชื่นชมอย่างกว้างขวางในความงามของเทือกเขาร็อคกี้ ด้วยทะเลสาบที่ใสสะอาด ป่าไม้ และยอดเขาที่มีลักษณะคล้ายหอคอย
ยุคหลังสงครามและช่วงเปลี่ยนศตวรรษ
หลังสงครามกลางเมือง การศึกษาจิตรกรรมในยุโรปเริ่มเป็นที่นิยม ในเมืองดุสเซลดอร์ฟ มิวนิก และโดยเฉพาะปารีส มีความเป็นไปได้ที่จะได้รับการศึกษาขั้นพื้นฐานมากกว่าในอเมริกา James McNeil Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) และ John Singer Sargent (1856–1925) ศึกษาที่ปารีส อาศัยและทำงานในฝรั่งเศสและอังกฤษ วิสต์เลอร์อยู่ใกล้กับอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ในภาพวาดของเขาเขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการผสมสีและองค์ประกอบที่แสดงออกและพูดน้อย Mary Cassatt ตามคำเชิญของ Edgar Degas เข้าร่วมในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2422 ถึง พ.ศ. 2429 ซาร์เจนท์วาดภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดของโลกเก่าและโลกใหม่ด้วยท่าทางที่กล้าหาญ หุนหันพลันแล่น และไม่ชัดเจน
ด้านตรงข้ามของสเปกตรัมโวหารกับอิมเพรสชั่นนิสม์ในศิลปะปลายศตวรรษที่ 19 ครอบครองโดยศิลปินสัจนิยมที่วาดภาพหุ่นนิ่งมายา: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederick Peto (1854–1907) และ John Haeberl (1856–1933)
ศิลปินหลักสองคนในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ได้แก่ Winslow Homer (1836–1910) และ Thomas Eakins (1844–1916) ไม่ได้อยู่ในขบวนการทางศิลปะใด ๆ ที่ทันสมัยในเวลานั้น โฮเมอร์เริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1860 โดยแสดงภาพประกอบนิตยสารนิวยอร์ก ในช่วงทศวรรษที่ 1890 เขามีชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพวาดยุคแรกของเขาเป็นภาพชีวิตในหมู่บ้านที่เต็มไปด้วยแสงแดดจ้า ต่อมาโฮเมอร์เริ่มหันไปใช้ภาพและธีมที่ซับซ้อนและน่าทึ่งมากขึ้น: ในภาพ กัลฟ์สตรีม(1899, Metropolitan) บรรยายถึงความสิ้นหวังของกะลาสีเรือผิวดำที่นอนอยู่บนดาดฟ้าเรือในทะเลที่มีพายุและมีปลาฉลามรบกวน ในช่วงชีวิตของเขา Thomas Eakins ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงถึงความเป็นกลางและความตรงไปตรงมามากเกินไป ปัจจุบันผลงานของเขาได้รับการยกย่องอย่างสูงจากภาพวาดที่เข้มงวดและชัดเจน พู่กันของเขาประกอบด้วยภาพนักกีฬาและภาพบุคคลอันจริงใจที่เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจ
ศตวรรษที่ยี่สิบ
ในช่วงต้นศตวรรษ การเลียนแบบอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสมีคุณค่ามากที่สุด รสนิยมสาธารณะถูกท้าทายโดยกลุ่มศิลปินแปดคน: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , เอ.บี. เดวีส์ (1862–1928), มอริซ เพรนเดอร์กาสต์ (1859–1924) และเออร์เนสต์ ลอว์สัน (1873–1939) นักวิจารณ์เรียกพวกเขาว่าเป็นโรงเรียน "ถังขยะ" เนื่องจากชอบวาดภาพสลัมและเรื่องน่าเบื่ออื่นๆ
ในปี พ.ศ. 2456 มีสิ่งที่เรียกว่า “Armory Show” จัดแสดงผลงานของปรมาจารย์จากหลากหลายสาขาหลังอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินชาวอเมริกันถูกแบ่งแยก: บางคนหันมาสำรวจความเป็นไปได้ของสีและนามธรรมที่เป็นทางการ ส่วนคนอื่น ๆ ยังคงอยู่ในอกของประเพณีที่สมจริง กลุ่มที่สอง ได้แก่ Charles Burchfield (พ.ศ. 2436–2510), Reginald Marsh (พ.ศ. 2441–2497), Edward Hopper (พ.ศ. 2425–2510), Fairfield Porter (พ.ศ. 2450–2518), Andrew Wyeth (เกิด พ.ศ. 2460) และคนอื่น ๆ ภาพวาดของ Ivan Albright (1897–1983), George Tooker (เกิดปี 1920) และ Peter Bloom (1906–1992) เขียนในรูปแบบของ "ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง" (ความคล้ายคลึงกับธรรมชาติในผลงานของพวกเขานั้นเกินจริง และความเป็นจริงก็คือ ชวนให้นึกถึงความฝันหรือภาพหลอนมากขึ้น) ศิลปินคนอื่นๆ เช่น Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) และ Georgia O'Keeffe (1887–1986) ผสมผสานองค์ประกอบระหว่างความสมจริง ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม และการแสดงออกในผลงานของพวกเขา ผลงานและการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ของศิลปะยุโรป มุมมองทางทะเลของ John Marin (1870–1953) และ Marsden Hartley (1877–1943) ใกล้เคียงกับการแสดงออก ภาพของนกและสัตว์ในภาพวาดของ Maurice Graves (เกิด 1910) ยังคงมี การเชื่อมต่อกับโลกที่มองเห็น แม้ว่ารูปแบบในผลงานของเขาจะบิดเบี้ยวอย่างมากและนำไปสู่การกำหนดเชิงสัญลักษณ์ที่เกือบจะสุดโต่งก็ตาม
หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 การวาดภาพแบบไม่มีวัตถุประสงค์กลายเป็นทิศทางสำคัญในศิลปะอเมริกัน ตอนนี้ความสนใจหลักไปที่พื้นผิวของภาพแล้ว มันถูกมองว่าเป็นเวทีสำหรับการปฏิสัมพันธ์ของเส้น มวล และจุดสี การแสดงออกทางนามธรรมครอบครองสถานที่สำคัญที่สุดในรอบหลายปีเหล่านี้ กลายเป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาและมีความสำคัญระดับนานาชาติ ผู้นำของขบวนการนี้คือ Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) และ Franz Kline (1910–1962) การค้นพบที่น่าสนใจที่สุดประการหนึ่งของการแสดงออกทางนามธรรมคือวิธีการทางศิลปะของ Jackson Pollock ซึ่งหยดหรือโยนสีลงบนผืนผ้าใบเพื่อสร้างเขาวงกตที่ซับซ้อนของรูปแบบเชิงเส้นแบบไดนามิก ศิลปินคนอื่นๆ ของขบวนการนี้ -
หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่ลึกไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ
วอจเซียค บับสกี้
Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาวาดภาพผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ
ชอบสีแต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อสร้างความประทับใจที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่าง ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ
วอร์เรน ช้าง
Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ตลอดสองทศวรรษต่อมา เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2009
ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดบุคคลในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง
ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art
ออเรลิโอ บรูนี่
ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย
ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี
อเล็กซานเดอร์ บาลอส
Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย
เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมทางศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Cathy Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rozin
หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 1995 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและการวาดภาพบุคคลถือเป็นผลงานส่วนใหญ่ของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นทศวรรษ 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ
การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ
อลิสสา มังค์
Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกัน เธอศึกษาการวาดภาพที่ Lorenzo de' Medici Academy ในฟลอเรนซ์
จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอบรรยายในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ โดยสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College
“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันสามารถบิดเบือนร่างกายมนุษย์ได้ ฟิลเตอร์เหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบเชิงนามธรรม โดยมีเกาะหลากสีที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์
ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำที่จัดตั้งขึ้นแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนเห็นได้ชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองแนบกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิด คุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัดเจน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น
เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”
อันโตนิโอ ฟิเนลลี
ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ
ภาพวาดดินสอ " ผู้สังเกตการณ์เวลา“อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่โลกชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในแห่งความชั่วคราวของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการเดินผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่ทิ้งไว้บนผิวหนัง
ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขาเขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคลอีกด้วย
ฟลามิเนีย คาร์โลนี
Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง
ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพเช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย: สตรีทอาร์ต, สัจนิยมของจีน, ลัทธิเหนือจริง และสัจนิยมยุคเรอเนซองส์ ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด
เดนิส เชอร์นอฟ
Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนผู้มีความสามารถ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts โดยสำเร็จการศึกษาในปี 2547
เขามีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการศิลปะเป็นประจำขณะนี้มีมากกว่าหกสิบรายการทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's
เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการระบายสีที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด รายการธีมต่างๆ ในรูปวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย การเรียบเรียงประเภท ภาพประกอบหนังสือ การสร้างใหม่ทางวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ และจินตนาการ
ศิลปินชาวอเมริกันมีความหลากหลายมาก บางคนมีความเป็นสากลอย่างชัดเจน เหมือนกับซาร์เจนท์ เป็นชาวอเมริกันโดยกำเนิด แต่ใช้ชีวิตในวัยผู้ใหญ่เกือบทั้งชีวิตในลอนดอนและปารีส
ในหมู่พวกเขามีชาวอเมริกันแท้ๆ ที่วาดภาพชีวิตของเพื่อนร่วมชาติเท่านั้น เช่น Rockwell
และยังมีศิลปินที่ไม่ใช่ของโลกนี้เช่นพอลล็อคด้วย หรือผู้ที่งานศิลปะกลายเป็นผลผลิตของสังคมผู้บริโภค แน่นอนว่านี่เป็นเรื่องเกี่ยวกับวอร์ฮอล
อย่างไรก็ตาม พวกเขาทั้งหมดเป็นชาวอเมริกัน รักอิสระ กล้าหาญ สดใส อ่านประมาณเจ็ดรายการด้านล่าง
1. เจมส์ วิสต์เลอร์ (1834-1903)
เจมส์ วิสต์เลอร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2415 สถาบันศิลปะในเมืองดีทรอยต์ สหรัฐอเมริกา วิสต์เลอร์แทบจะเรียกได้ว่าเป็นคนอเมริกันจริงๆ เมื่อโตขึ้นเขาอาศัยอยู่ในยุโรป และเขาใช้ชีวิตวัยเด็ก... ในรัสเซีย พ่อของเขาสร้างทางรถไฟในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ที่นั่นเด็กชายเจมส์ตกหลุมรักศิลปะโดยไปเยี่ยมชมอาศรมและปีเตอร์ฮอฟด้วยความผูกพันของพ่อของเขา (ในเวลานั้นพระราชวังเหล่านี้ยังคงเป็นพระราชวังที่ปิดไม่ให้สาธารณชนเข้าชม)
วิสต์เลอร์มีชื่อเสียงในเรื่องใด ไม่ว่าเขาจะเขียนในรูปแบบใดก็ตาม ตั้งแต่ความสมจริงไปจนถึงโทนนิยม* เขาสามารถรับรู้ได้เกือบจะในทันทีด้วยคุณลักษณะสองประการ สีและชื่อดนตรีที่ผิดปกติ
ภาพบุคคลของเขาบางส่วนเป็นการเลียนแบบของปรมาจารย์ผู้เฒ่า เช่น ภาพเหมือนอันโด่งดังของเขา “แม่ของศิลปิน”
เจมส์ วิสต์เลอร์. มารดาของศิลปิน จัดเรียงเป็นสีเทาและสีดำ พ.ศ. 2414 ศิลปินสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งโดยใช้สีตั้งแต่สีเทาอ่อนไปจนถึงสีเทาเข้ม และสีเหลืองเล็กน้อย
แต่นี่ไม่ได้หมายความว่าวิสต์เลอร์ชอบสีดังกล่าว เขาเป็นคนพิเศษ เขาสามารถปรากฏตัวในสังคมได้อย่างง่ายดายโดยสวมถุงเท้าสีเหลืองและถือร่มสีสดใส และนี่คือตอนที่ผู้ชายแต่งกายด้วยชุดสีดำและสีเทาโดยเฉพาะ
เขายังมีผลงานที่เบากว่า “แม่” มากอีกด้วย เช่น “ซิมโฟนีในชุดขาว” นี่คือสิ่งที่นักข่าวคนหนึ่งในนิทรรศการเรียกว่าภาพวาดนี้ วิสต์เลอร์ชอบความคิดนี้ ตั้งแต่นั้นมา เขาได้ตั้งชื่อผลงานของเขาเกือบทั้งหมดทางดนตรี
เจมส์ วิสต์เลอร์. ซิมโฟนีในชุดขาว #1 พ.ศ. 2405 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา แต่แล้วในปี พ.ศ. 2405 ประชาชนกลับไม่ชอบซิมโฟนี อีกครั้ง เนื่องจากโทนสีที่แปลกประหลาดของวิสต์เลอร์ ผู้คนคิดว่ามันแปลกที่วาดภาพผู้หญิงในชุดขาวบนพื้นหลังสีขาว
ในภาพเราเห็นนายหญิงผมแดงของวิสต์เลอร์ ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของพวกก่อนราฟาเอล ท้ายที่สุดแล้วในเวลานั้นศิลปินเป็นเพื่อนกับ Gabriel Rossetti หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิพรีราฟาเอล ความงาม ดอกลิลลี่ องค์ประกอบที่ไม่ธรรมดา (หนังหมาป่า) ทุกอย่างเป็นไปตามที่ควรจะเป็น
แต่วิสต์เลอร์รีบย้ายออกจากลัทธิก่อนราฟาเอลอย่างรวดเร็ว เนื่องจากไม่ใช่ความงามภายนอกที่สำคัญสำหรับเขา แต่เป็นอารมณ์และอารมณ์ และพระองค์ทรงสร้างทิศทางใหม่ - โทนัลลิสต์
ภูมิทัศน์ของเขาในเวลากลางคืนในรูปแบบของวรรณยุกต์เป็นเหมือนดนตรีอย่างแท้จริง ขาวดำหนืด
วิสต์เลอร์เองกล่าวว่าชื่อเพลงช่วยเน้นไปที่ตัวภาพวาด ลายเส้น และสีสัน ขณะเดียวกันโดยไม่ได้คำนึงถึงสถานที่และผู้คนที่ปรากฎ
เจมส์ วิสต์เลอร์. Nocturne สีฟ้าและสีเงิน: Chelsea พ.ศ. 2414 เทตแกลเลอรี ลอนดอน 
แมรี่ แคสแซต. นอนหลับทารก. สีพาสเทลกระดาษ พ.ศ. 2453 พิพิธภัณฑ์ศิลปะดัลลัส สหรัฐอเมริกา แต่เธอยังคงยึดมั่นในสไตล์ของเธอจนถึงที่สุด อิมเพรสชันนิสม์ พาสเทลอ่อนๆ แม่กับลูก.
เพื่อประโยชน์ในการวาดภาพ Cassatt จึงละทิ้งความเป็นแม่ แต่ด้านความเป็นผู้หญิงของเธอก็ปรากฏให้เห็นมากขึ้นในผลงานอันอ่อนโยนเช่น "Sleeping Child" เป็นเรื่องน่าเสียดายที่สังคมอนุรักษ์นิยมเคยเผชิญหน้ากับเธอด้วยทางเลือกเช่นนี้
3. จอห์น ซาร์เจนท์ (1856-1925)
จอห์น ซาร์เจนท์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2435 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก จอห์น ซาร์เจนท์มั่นใจว่าเขาจะเป็นจิตรกรภาพบุคคลไปตลอดชีวิต อาชีพการงานของฉันเป็นไปด้วยดี พวกขุนนางเข้าแถวรับคำสั่งจากเขา
แต่แล้ววันหนึ่ง ตามสังคม ศิลปินก็ก้าวล้ำเส้นไป ตอนนี้เป็นเรื่องยากสำหรับเราที่จะเข้าใจว่าสิ่งใดที่ยอมรับไม่ได้ในภาพยนตร์เรื่อง “Madame X”
จริงอยู่ ในเวอร์ชั่นดั้งเดิม นางเอกได้ปลดสายรัดข้างหนึ่งลง ซาร์เจนท์ "เลี้ยงดู" เธอ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ช่วยอะไร ออเดอร์เริ่มแห้งแล้ว
จอห์น ซาร์เจนท์. มาดามเอช. พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก พ.ศ. 2421 ประชาชนเห็นสิ่งลามกอนาจารอะไร? และความจริงที่ว่าซาร์เจนท์แสดงภาพนางแบบด้วยท่าทีมั่นใจในตัวเองมากเกินไป นอกจากนี้ผิวที่โปร่งแสงและหูสีชมพูยังมีคารมคมคายมาก
ในภาพดูเหมือนจะบอกว่าผู้หญิงที่มีเพศสัมพันธ์เพิ่มขึ้นนี้ไม่รังเกียจที่จะยอมรับความก้าวหน้าของผู้ชายคนอื่น อีกอย่างคือจะแต่งงานแล้ว
น่าเสียดายที่ผู้ร่วมสมัยไม่เห็นผลงานชิ้นเอกที่อยู่เบื้องหลังเรื่องอื้อฉาวนี้ ชุดเดรสสีเข้ม ผิวสีแทน ท่าโพสแบบไดนามิก - การผสมผสานที่เรียบง่ายซึ่งมีเพียงช่างฝีมือที่มีความสามารถที่สุดเท่านั้นที่จะพบได้
แต่เมฆทุกก้อนก็มีซับเงิน ซาร์เจนท์ได้รับอิสรภาพเป็นการตอบแทน ฉันเริ่มทดลองกับอิมเพรสชั่นนิสม์มากขึ้น เขียนถึงเด็กในสถานการณ์ฉุกเฉิน นี่คือลักษณะที่ปรากฏของงาน "คาร์เนชั่น ลิลลี่ ลิลลี่ โรส"
ซาร์เจนท์ต้องการเก็บภาพช่วงเวลาพลบค่ำโดยเฉพาะ ดังนั้นฉันจึงทำงานเพียง 2 นาทีต่อวันเมื่อมีแสงสว่างเพียงพอ ทำงานในฤดูร้อนและฤดูใบไม้ร่วง และเมื่อดอกไม้เหี่ยวเฉาฉันก็แทนที่ด้วยดอกไม้ประดิษฐ์
จอห์น ซาร์เจนท์. ดอกคาร์เนชั่น ลิลลี่ ลิลลี่ กุหลาบ พ.ศ. 2428-2429 เทตแกลเลอรี่, ลอนดอน ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา ซาร์เจนท์ได้พัฒนารสนิยมแห่งอิสรภาพจนเขาเริ่มละทิ้งการถ่ายภาพบุคคลไปโดยสิ้นเชิง แม้ว่าชื่อเสียงของเขาจะได้รับการฟื้นฟูแล้วก็ตาม เขาถึงขั้นไล่ลูกค้ารายหนึ่งอย่างหยาบคาย โดยบอกว่าเขายินดีที่จะทาสีประตูบ้านของเธอมากกว่าใบหน้าของเธอ
จอห์น ซาร์เจนท์. เรือสีขาว. พ.ศ. 2451 พิพิธภัณฑ์บรูคลิน สหรัฐอเมริกา ผู้ร่วมสมัยปฏิบัติต่อซาร์เจนท์ด้วยการประชด ถือว่าล้าสมัยไปในยุคสมัยใหม่ แต่เวลาทำให้ทุกอย่างเข้าที่
ตอนนี้ผลงานของเขามีค่าไม่น้อยไปกว่าผลงานของนักสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงที่สุด ไม่มีอะไรจะพูดเกี่ยวกับความรักของสาธารณชน นิทรรศการผลงานของเขามักจะขายหมดเสมอ
4. นอร์แมน ร็อคเวลล์ (2437-2521)
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ภาพเหมือน. ภาพประกอบสำหรับ The Saturday Evening Post ฉบับวันที่ 13 กุมภาพันธ์ 1960 เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงศิลปินที่ได้รับความนิยมในช่วงชีวิตของเขามากกว่า Norman Rockwell ชาวอเมริกันหลายชั่วอายุคนเติบโตมาพร้อมกับภาพประกอบของเขา รักพวกเขาด้วยสุดจิตวิญญาณของฉัน
ท้ายที่สุดแล้ว Rockwell ก็แสดงให้เห็นถึงคนอเมริกันธรรมดาๆ แต่ในขณะเดียวกันก็แสดงชีวิตในด้านบวกที่สุดด้วย ร็อคเวลล์ไม่ต้องการแสดงพ่อที่ชั่วร้ายหรือแม่ที่ไม่แยแส และคุณจะไม่ได้พบกับเด็กที่ไม่มีความสุขร่วมกับเขา
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ทั้งครอบครัวในวันหยุดและจากวันหยุด ภาพประกอบในนิตยสาร Evening Saturday Post 30 สิงหาคม 1947 พิพิธภัณฑ์ Norman Rockwell ในเมือง Stockbridge รัฐแมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา ผลงานของเขาเต็มไปด้วยอารมณ์ขัน สีสันที่หลากหลาย และถ่ายทอดสีหน้าของชีวิตได้อย่างเชี่ยวชาญ
แต่เป็นภาพลวงตาว่างานนี้เป็นเรื่องง่ายสำหรับ Rockwell ในการสร้างภาพวาดหนึ่งภาพ ก่อนอื่นเขาอาจถ่ายรูปวัตถุของเขามากถึงร้อยภาพเพื่อจับท่าทางที่ถูกต้อง
ผลงานของ Rockwell มีอิทธิพลอย่างมากต่อจิตใจของชาวอเมริกันหลายล้านคน ท้ายที่สุดแล้ว เขามักจะพูดออกมาผ่านภาพวาดของเขา
ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 เขาตัดสินใจที่จะแสดงให้เห็นว่าทหารในประเทศของเขาต่อสู้เพื่ออะไร ยังได้สร้างภาพวาด "Freedom from Want" อีกด้วย ในรูปแบบของวันขอบคุณพระเจ้า ซึ่งสมาชิกในครอบครัวทุกคนได้รับอาหารเพียงพอและอิ่มเอมใจ มาร่วมแสดงความยินดีในวันหยุดของครอบครัว
นอร์แมน ร็อคเวลล์. อิสรภาพจากความต้องการ พ.ศ. 2486 พิพิธภัณฑ์นอร์แมน ร็อกเวลล์ ในเมืองสต็อคบริดจ์ รัฐแมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา หลังจากทำงานที่ Saturday Evening Post มา 50 ปี ร็อคเวลล์ก็ออกจากนิตยสาร Look ที่มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น ซึ่งเขาสามารถแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับประเด็นทางสังคมได้
ผลงานที่โดดเด่นที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ “The Problem We Live With”
นอร์แมน ร็อคเวลล์. ปัญหาที่เราอยู่ด้วย พ.ศ. 2507 พิพิธภัณฑ์นอร์แมน ร็อกเวลล์ เมืองสต็อคบริดจ์ สหรัฐอเมริกา นี่คือเรื่องจริงของเด็กสาวผิวดำที่ไปโรงเรียนคนผิวขาว เนื่องจากมีการออกกฎหมายว่าผู้คน (และสถาบันการศึกษาด้วย) ไม่ควรถูกแบ่งแยกด้วยเชื้อชาติอีกต่อไป
แต่ความโกรธของชาวเมืองนั้นไม่มีขีดจำกัด ระหว่างทางไปโรงเรียน เด็กหญิงถูกตำรวจคุ้มกัน นี่คือช่วงเวลา "ประจำ" ที่ Rockwell แสดงให้เห็น
หากคุณต้องการสัมผัสชีวิตชาวอเมริกันในแสงที่ประดับประดาเล็กน้อย (ตามที่พวกเขาอยากเห็น) อย่าลืมชมภาพวาดของ Rockwell
บางทีในบรรดาจิตรกรทั้งหมดที่นำเสนอในบทความนี้ Rockwell อาจเป็นศิลปินชาวอเมริกันมากที่สุด
5. แอนดรูว์ ไวเอธ (1917-2009)
แอนดรูว์ ไวเอธ. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2488 สถาบันการออกแบบแห่งชาติ นิวยอร์ก ต่างจาก Rockwell ตรงที่ Wyeth ไม่ได้มีทัศนคติเชิงบวก เป็นคนสันโดษโดยธรรมชาติ เขาไม่พยายามตกแต่งสิ่งใดๆ ในทางตรงกันข้าม เขาบรรยายภาพทิวทัศน์ที่ธรรมดาที่สุดและสิ่งที่ไม่ธรรมดา แค่ทุ่งข้าวสาลี แค่บ้านไม้ แต่เขายังสามารถมองเห็นบางสิ่งที่มหัศจรรย์ในตัวพวกเขาได้
ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “โลกของคริสติน่า” ไวเอทแสดงชะตากรรมของผู้หญิงคนหนึ่งซึ่งเป็นเพื่อนบ้านของเขา เธอคลานไปรอบๆ ฟาร์มของเธอด้วยความเป็นอัมพาตตั้งแต่เด็ก
ดังนั้นในภาพนี้จึงไม่มีอะไรโรแมนติกเหมือนอย่างที่เห็นในตอนแรก หากมองใกล้ ๆ ผู้หญิงคนนั้นจะผอมเพรียวอย่างเจ็บปวด และรู้ว่าขาของนางเอกเป็นอัมพาตก็เข้าใจด้วยความเศร้าว่าเธอยังห่างไกลจากบ้านมากแค่ไหน
เมื่อมองแวบแรก ไวเอทเขียนสิ่งที่ธรรมดาที่สุด นี่คือหน้าต่างเก่าของบ้านเก่า ผ้าม่านโทรมที่เริ่มกลายเป็นเศษเล็กเศษน้อยแล้ว ป่าด้านนอกหน้าต่างมืด
แต่ทั้งหมดนี้มีความลึกลับอยู่บ้าง รูปลักษณ์อื่นบ้าง
แอนดรูว์ ไวเอธ. ลมจากทะเล. พ.ศ. 2490 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา นี่คือวิธีที่เด็ก ๆ รู้วิธีมองโลกด้วยใจที่เปิดกว้าง ไวแอตต์ก็ดูเหมือนกัน และเราอยู่กับเขา
ภรรยาของเขาจัดการเรื่องทั้งหมดของไวเอท เธอเป็นผู้จัดงานที่ดี เธอเป็นผู้ติดต่อกับพิพิธภัณฑ์และนักสะสม
มีความโรแมนติกเล็กน้อยในความสัมพันธ์ของพวกเขา รำพึงต้องปรากฏตัว และเธอก็กลายเป็นเฮลกาที่เรียบง่าย แต่มีรูปลักษณ์ที่ไม่ธรรมดา นี่คือสิ่งที่เราเห็นในงานต่างๆ มากมาย
แอนดรูว์ ไวเอธ. Braids (จากซีรี่ส์ "Helga") 2522 ของสะสมส่วนตัว ดูเหมือนว่าเราจะเห็นเพียงภาพถ่ายของผู้หญิงคนหนึ่งเท่านั้น แต่ด้วยเหตุผลบางอย่างมันยากที่จะแยกตัวออกจากเธอ รูปลักษณ์ของเธอซับซ้อนเกินไป ไหล่ของเธอตึง ราวกับว่าเราตึงเครียดภายในร่วมกับเธอ พยายามหาคำอธิบายสำหรับความตึงเครียดนี้
ด้วยการพรรณนาถึงความเป็นจริงในทุกรายละเอียด ไวเอทได้มอบอารมณ์ที่ไม่สามารถปล่อยให้ใครก็ตามเฉยเฉยได้อย่างน่าอัศจรรย์
ศิลปินไม่ได้รับการยอมรับมาเป็นเวลานาน ด้วยความสมจริง แม้จะมหัศจรรย์ แต่ก็ไม่เข้ากับกระแสสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20
เมื่อคนงานพิพิธภัณฑ์ซื้อผลงานของเขา พวกเขาพยายามที่จะทำมันอย่างเงียบๆ โดยไม่ดึงดูดความสนใจ ไม่ค่อยมีการจัดนิทรรศการ แต่ด้วยความอิจฉาของคนสมัยใหม่ พวกเขามักจะประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม ผู้คนมากันเป็นฝูง และพวกเขาก็ยังมา
6. แจ็คสัน พอลล็อค (1912-1956)
แจ็คสัน พอลล็อค. 1950 ภาพถ่ายโดย Hans Namuth Jackson Pollock ไม่สามารถละเลยได้ เขาก้าวข้ามเส้นบางๆ ในงานศิลปะ หลังจากนั้นภาพวาดก็ไม่เหมือนเดิมอีกต่อไป เขาแสดงให้เห็นว่าในงานศิลปะโดยทั่วไปสามารถทำได้โดยไม่มีขอบเขต เมื่อฉันวางผ้าใบลงบนพื้นแล้วสาดสีลงไป
และศิลปินชาวอเมริกันคนนี้เริ่มต้นด้วยงานศิลปะนามธรรมซึ่งยังสามารถสืบย้อนเป็นรูปเป็นร่างได้ ในงานของเขาในยุค 40 "Stenographic Figure" เราจะเห็นโครงร่างของทั้งใบหน้าและมือ และแม้แต่สัญลักษณ์ที่เราเข้าใจในรูปของกากบาทและศูนย์
แจ็คสัน พอลล็อค. รูปชวเลข. พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2485 (MOMA) ผลงานของเขาได้รับการยกย่อง แต่ผู้คนก็ไม่รีบร้อนที่จะซื้อมัน เขายากจนพอๆ กับหนูในโบสถ์ และเขาก็ดื่มอย่างไร้ยางอาย แม้จะแต่งงานกันอย่างมีความสุขก็ตาม ภรรยาของเขาชื่นชมความสามารถของเขาและทำทุกอย่างเพื่อความสำเร็จของสามี
แต่ในตอนแรกพอลลอคมีบุคลิกที่แตกสลาย ตั้งแต่เยาว์วัย การกระทำของเขาชัดเจนแล้วว่าความตายก่อนวัยอันควรคือโชคชะตาของเขา
ความแตกสลายนี้จะนำไปสู่การเสียชีวิตในที่สุดเมื่ออายุ 44 ปี แต่เขาจะมีเวลาปฏิวัติวงการศิลปะและมีชื่อเสียง
แจ็คสัน พอลล็อค. จังหวะฤดูใบไม้ร่วง (หมายเลข 30) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน พ.ศ. 2493 ในเมืองนิวยอร์ก ประเทศสหรัฐอเมริกา และเขาได้ทำเช่นนี้ในช่วงสองปีแห่งความสุขุม เขาสามารถทำงานได้อย่างมีประสิทธิผลในปี พ.ศ. 2493-2495 เขาทดลองอยู่นานจนมาถึงเทคนิคหยด
เขาวางผ้าใบขนาดใหญ่บนพื้นโรงนาของเขา และเดินไปรอบๆ ราวกับอยู่ในภาพวาด และสาดหรือเทสีเพียงอย่างเดียว
ผู้คนเริ่มเต็มใจที่จะซื้อภาพวาดที่แปลกตาเหล่านี้จากเขาเนื่องจากมีความคิดริเริ่มและความแปลกใหม่อย่างไม่น่าเชื่อ
แจ็คสัน พอลล็อค. เสาสีน้ำเงิน. หอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลีย กรุงแคนเบอร์รา พ.ศ. 2495 พอลลอคส์เต็มไปด้วยชื่อเสียงและตกอยู่ในภาวะซึมเศร้า โดยไม่เข้าใจว่าจะก้าวต่อไปอย่างไร ส่วนผสมที่ร้ายแรงของแอลกอฮอล์และความซึมเศร้าทำให้เขาไม่มีโอกาสรอดชีวิต วันหนึ่งเขาเมามากหลังพวงมาลัย ครั้งสุดท้าย.
7. แอนดี้ วอร์ฮอล (1928-1987)
แอนดี้ วอร์โฮล. 1979 ภาพถ่ายโดย Arthur Tress เฉพาะในประเทศที่มีลัทธิการบริโภคเช่นเดียวกับในอเมริกาเท่านั้นที่สามารถถือกำเนิดศิลปะป๊อปอาร์ตได้ และแน่นอนว่าผู้ริเริ่มหลักคือ Andy Warhol
เขามีชื่อเสียงจากการนำสิ่งที่ธรรมดาที่สุดมาเปลี่ยนให้เป็นงานศิลปะ นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับซุปแคมป์เบลล์หนึ่งกระป๋อง
ทางเลือกไม่ใช่เรื่องบังเอิญ แม่ของวอร์ฮอลเลี้ยงซุปนี้ให้ลูกชายของเธอทุกวันเป็นเวลานานกว่า 20 ปี แม้กระทั่งตอนที่เขาย้ายไปนิวยอร์คและพาแม่ไปด้วย
แอนดี้ วอร์โฮล. กระป๋องซุปแคมป์เบลล์ โพลีเมอร์การพิมพ์ด้วยมือ 32 ภาพ ภาพละ 50x40 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2505 (MOMA) หลังจากการทดลองนี้ Warhol เริ่มสนใจการพิมพ์สกรีน จากนั้นเป็นต้นมา เขาได้ถ่ายรูปดาราดังและวาดภาพด้วยสีต่างๆ
นี่คือลักษณะที่มาริลีนมอนโรทาสีอันโด่งดังของเขาปรากฏตัว
มีการผลิตดอกไม้กรดมาริลินจำนวนนับไม่ถ้วน วอร์ฮอลนำงานศิลปะมาสู่กระแส ตามที่ควรจะเป็นในสังคมผู้บริโภค
แอนดี้ วอร์โฮล. มาริลิน มอนโร. การพิมพ์ซิลค์สกรีนกระดาษ พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในนิวยอร์ก พ.ศ. 2510 (MOMA) วอร์ฮอลไม่ได้วาดภาพใบหน้าขึ้นมาเลย และอีกครั้งหนึ่ง มันก็ไม่ได้ปราศจากอิทธิพลจากผู้เป็นแม่ เมื่อตอนเป็นเด็ก ระหว่างที่ลูกชายของเธอป่วยเป็นเวลานาน เธอนำสมุดระบายสีมาให้เขา
งานอดิเรกในวัยเด็กนี้เติบโตขึ้นจนกลายมาเป็นจุดเด่นของเขาและทำให้เขาร่ำรวยมหาศาล
เขาไม่เพียงวาดภาพป๊อปสตาร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานชิ้นเอกของรุ่นก่อนด้วย ฉันก็เข้าใจเหมือนกัน
“วีนัส” เหมือนมาริลีนทำหลายอย่างมาก ความพิเศษเฉพาะตัวของงานศิลปะถูก "ลบ" ให้เป็นผงโดยวอร์ฮอล ทำไมศิลปินถึงทำเช่นนี้?
เพื่อเผยแพร่ผลงานชิ้นเอกเก่า ๆ ? หรือในทางกลับกัน พยายามลดคุณค่าของมันลง? ทำให้ป๊อปสตาร์เป็นอมตะ? หรือเติมชีวิตชีวาด้วยการประชด?
แอนดี้ วอร์โฮล. ดาวศุกร์ของบอตติเชลลี งานพิมพ์ซิลค์สกรีน อะครีลิค แคนวาส 122x183 ซม. 2525. พิพิธภัณฑ์ E. Warhol ในเมืองพิตต์สเบิร์ก สหรัฐอเมริกา ผลงานสีสันของเขาอย่างมาดอนน่า เอลวิส เพรสลีย์ หรือเลนินบางครั้งก็เป็นที่รู้จักมากกว่าภาพถ่ายต้นฉบับ
แต่ผลงานชิ้นเอกก็แทบจะไม่ถูกบดบัง ในทำนองเดียวกัน “วีนัส” อันเก่าแก่ยังคงไม่มีค่า
วอร์ฮอลเป็นพวกชอบสังสรรค์ ชอบสังสรรค์ และดึงดูดคนชายขอบจำนวนมาก ผู้ติดยา นักแสดงที่ล้มเหลว หรือเพียงแค่บุคคลที่ไม่สมดุล หนึ่งในนั้นยิงเขาหนึ่งครั้ง
วอร์ฮอลรอดชีวิตมาได้ แต่ 20 ปีต่อมา เนื่องจากผลของบาดแผลที่เขาเคยประสบ เขาจึงเสียชีวิตเพียงลำพังในอพาร์ตเมนต์ของเขา
หม้อหลอมของสหรัฐฯ
แม้จะมีประวัติศาสตร์ศิลปะอเมริกันโดยย่อ แต่ก็มีขอบเขตกว้าง ในบรรดาศิลปินชาวอเมริกัน มีอิมเพรสชั่นนิสต์ (ซาร์เจนท์) นักสัจนิยมที่มีมนต์ขลัง (ไวเอธ) นักวาดภาพแนวนามธรรม (พอลลอค) และผู้บุกเบิกศิลปะป๊อปอาร์ต (วอร์ฮอล)
คนอเมริกันรักเสรีภาพในการเลือกในทุกสิ่ง หลายร้อยนิกาย หลายร้อยชาติ รูปแบบศิลปะหลายร้อยแบบ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมมันถึงเป็นจุดหลอมเหลวของสหรัฐอเมริกา
ติดต่อกับ
ภาพวาด "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)" โดย David Hockney ถูกขายในการประมูลของ Christie ในนิวยอร์กด้วยราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์ 90 ล้าน 315.5 พันดอลลาร์
David Hockney (เกิด 9 กรกฎาคม พ.ศ. 2480) เป็นศิลปิน ศิลปินกราฟิก และช่างภาพชาวอังกฤษ ซึ่งใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตในสหรัฐอเมริกา เขาเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะป๊อปในทศวรรษ 1960 เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีอิทธิพลมากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20
David Hockney วัย 81 ปี กลายเป็นศิลปินที่มีชีวิตค่าตัวแพงที่สุด บ้านประมูลแห่งนี้ประเมินมูลค่าภาพวาดดังกล่าวไว้ที่ 80 ล้านดอลลาร์ บีบีซีเขียน ซึ่งมากกว่าสถิติก่อนหน้าของ Hockney เกือบสามเท่า ในเดือนพฤษภาคมปีนี้ ผลงานของเขา "Pacific Coast Highway and Santa Monica" (1990) ถูกขายในราคา 28.5 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Sotheby's
“Pool with Two Figures” กลายเป็นผลงานที่แพงที่สุดโดยนักเขียนที่มีชีวิตซึ่งขายในการประมูล และ Hockney กลายเป็นศิลปินที่มีชีวิตที่แพงที่สุด
ก่อนหน้านี้ ชื่อนี้จัดขึ้นโดยศิลปินชาวอเมริกันวัย 63 ปี Jeff Koons เจ้าของผลงาน “Balloon Dog (Orange)” ที่ทำจากสแตนเลส ถูกขายในการประมูลของ Christie ในปี 2013 ในราคา 58 ล้านดอลลาร์
- ศิลปินข้างถนนชาวอเมริกัน Ron English “Slave Labor” ในราคา 730,000 ดอลลาร์ และสัญญาว่าจะทาสีขาวทั้งหมด
- จี้มุกประดับเพชรของสมเด็จพระราชินีมารี อองตัวเนตแห่งฝรั่งเศส (ค.ศ. 1755-1793)
- บ้านประมูลของคริสตี้ขายได้ในราคา 432.5 พันดอลลาร์