A.N. Ostrowski urodził się 31 marca (12 kwietnia) 1823 r. w Moskwie, w rodzinie duchownego, urzędnika, a później prawnika Moskiewskiego Sądu Handlowego. Rodzina Ostrowskich mieszkała w Zamoskworieczach, kupieckiej i drobnomieszczańskiej dzielnicy starej Moskwy. Z natury dramaturg był domatorem: prawie całe życie mieszkał w Moskwie, w części Yauza, regularnie wyjeżdżając, z wyjątkiem kilku podróży po Rosji i za granicę, tylko do majątku Szczelikowo w prowincji Kostroma. Tutaj zmarł 2 (14 czerwca 1886) w trakcie pracy nad tłumaczeniem sztuki Szekspira Antoniusz i Kleopatra.
Na początku lat czterdziestych XIX w. Ostrowski studiował na wydziale prawa Uniwersytetu Moskiewskiego, ale nie ukończył kursu, wstępując w 1843 r. do biura Moskiewskiego Sądu Sumiennego. Dwa lata później został przeniesiony do Moskiewskiego Sądu Handlowego, gdzie służył do 1851 roku. Praktyka prawnicza dała przyszłemu pisarzowi obszerny i różnorodny materiał. Niemal we wszystkich jego pierwszych sztukach o nowoczesności rozwija lub zarysowuje wątki kryminalne. Ostrovsky napisał swoje pierwsze opowiadanie w wieku 20 lat, a swoją pierwszą sztukę w wieku 24 lat. Po 1851 roku jego życie związało się z literaturą i teatrem. Jego głównymi wydarzeniami były spory sądowe z cenzurą, pochwałami i karami krytyków, premiery, spory między aktorami o role w sztukach.
Przez prawie 40 lat działalności twórczej Ostrovsky stworzył najbogatszy repertuar: około 50 oryginalnych sztuk teatralnych, kilka utworów napisanych wspólnie. Zajmował się także tłumaczeniami i adaptacjami sztuk teatralnych innych autorów. Wszystko to składa się na „Teatr Ostrowskiego” – tak I.A. Goncharov określił skalę teatru stworzonego przez dramaturga.
Ostrowski z pasją kochał teatr, uważając go za najbardziej demokratyczną i skuteczną formę sztuki. Wśród klasyków literatury rosyjskiej był pierwszym i jedynym pisarzem, który całkowicie poświęcił się dramaturgii. Wszystkie sztuki, które stworzył, nie były „sztuką do czytania” – pisane były dla teatru. Występy sceniczne dla Ostrowskiego są niezmiennym prawem dramaturgii, dlatego jego dzieła przynależą w równym stopniu do dwóch światów: świata literatury i świata teatru.
Sztuki Ostrowskiego ukazywały się w czasopismach niemal równocześnie z ich przedstawieniami teatralnymi i były postrzegane jako jasne fenomeny życia literackiego i teatralnego. W latach sześćdziesiątych XIX wieku wzbudziły takie samo żywe zainteresowanie opinii publicznej, jak powieści Turgieniewa, Gonczarowa i Dostojewskiego. Ostrovsky uczynił dramaturgię „prawdziwą” literaturą. Przed nim w repertuarze rosyjskich teatrów było tylko kilka sztuk, które niejako zeszły na scenę z wyżyn literatury i pozostały samotne („Biada dowcipu” A.S. Griboedowa, „Generał inspektor” i „Małżeństwo” N.V. Gogola). Repertuar teatralny wypełniały albo przekłady, albo dzieła nie różniące się zauważalnymi wartościami literackimi.
W latach 1850-1860. marzenia pisarzy rosyjskich, że teatr powinien stać się potężną siłą edukacyjną, narzędziem kształtowania opinii publicznej, znalazły realny grunt. Dramat ma szerszą widownię. Poszerzył się krąg ludzi piśmiennych – zarówno czytelników, jak i tych, dla których poważna lektura była jeszcze niedostępna, ale teatr jest dostępny i zrozumiały. Tworzyła się nowa warstwa społeczna - inteligencja Raznochinskaya, która wykazywała zwiększone zainteresowanie teatrem. Nowa publiczność, demokratyczna i różnorodna w porównaniu z publicznością pierwszej połowy XIX wieku, nadała „porządek społeczny” dramaturgii społecznej z życia rosyjskiego.
Wyjątkowość pozycji Ostrowskiego jako dramaturga polega na tym, że tworząc sztuki oparte na nowym materiale, nie tylko wychodził naprzeciw oczekiwaniom nowej publiczności, ale także walczył o demokratyzację teatru: w końcu teatr - najmasywniejszy z okulary - w latach 60. XIX w. nadal pozostawała elitarna, nie było jeszcze taniego teatru publicznego. Repertuar teatrów w Moskwie i Petersburgu zależał od urzędników Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Ostrowski, reformując dramaturgię rosyjską, zreformował także teatr. Publiczność swoich sztuk chciał widzieć nie tylko inteligencję i oświeconych kupców, ale także „właścicieli zakładów rzemieślniczych” i „rzemieślników”. Pomysłem Ostrowskiego był Moskiewski Teatr Mały, który ucieleśniał jego marzenie o nowym teatrze dla demokratycznej publiczności.
W twórczym rozwoju Ostrowskiego wyróżnia się cztery okresy:
1) Okres pierwszy (1847-1851)- czas pierwszych eksperymentów literackich. Ostrowski zaczynał w duchu epoki – od prozy narracyjnej. W esejach na temat życia i zwyczajów Zamoskvorechie debiutant odwoływał się do tradycji Gogola i twórczych doświadczeń „szkoły naturalnej” lat czterdziestych XIX wieku. W tych latach powstały pierwsze dzieła dramatyczne, w tym komedia „Bankrut” („Nasi ludzie - osiedlimy się!”), Która stała się głównym dziełem wczesnego okresu.
2) Okres drugi (1852-1855) zwany „Moskwitianinskim”, ponieważ w tych latach Ostrowski zbliżył się do młodych pracowników magazynu „Moskwitianin”: A.A. Grigoriewa, T.I. Filippova, B.N. Almazov i E.N. Edelson. Dramaturg wspierał program ideowy „młodych redaktorów”, którzy starali się uczynić z pisma organ nowego nurtu myśli społecznej – „pochvennichestvo”. W tym okresie powstały tylko trzy sztuki: „Nie siadaj w saniach”, „Ubóstwo nie jest wadą” i „Nie żyj tak, jak chcesz”.
3) Okres trzeci (1856-1860) naznaczony odmową Ostrowskiego poszukiwania pozytywnych początków w życiu patriarchalnej klasy kupieckiej (co było typowe dla sztuk pisanych w pierwszej połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku). Dramaturg, który z wyczuciem dostrzegał zmiany w życiu społecznym i ideologicznym Rosji, zbliżył się do przywódców demokracji raznochinskiej - redakcji magazynu Sovremennik. Twórczym rezultatem tego okresu były sztuki „Kac na czyjejś uczcie”, „Dochodowe miejsce” i „Burza z piorunami”, „najbardziej decydująca”, zgodnie z definicją N.A. Dobrolyubova, dzieło Ostrowskiego.
4) Okres czwarty (1861-1886)- najdłuższy okres twórczości Ostrowskiego. Rozszerzył się zakres gatunkowy, poetyka jego dzieł stała się bardziej zróżnicowana. Od dwudziestu lat powstają sztuki teatralne, które można podzielić na kilka grup tematycznych gatunkowych: 1) komedie z życia kupieckiego („Nie wszystko dla kota jest zapustą”, „Prawda jest dobra, ale szczęście jest lepsze”, „Serce nie jest kamieniem”), 2) komedie satyryczne („W każdym mądrym człowieku jest dość prostoty”, „Gorące serce”, „Szalone pieniądze”, „Wilki i owce”, „Las”), 3) sztuki, które Ostrovsky sam nazwał „obrazami życia Moskwy” i „scenami z życia buszu”: łączy je temat „małych ludzi” („Lepszy stary przyjaciel niż dwa nowe”, „Ciężkie dni”, „Jokery ” i trylogia o Balzaminovie), 4) kroniki historyczne („Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk”, „Tushino” itp.), Wreszcie 5) dramaty psychologiczne („Posag”, „Ostatnia ofiara” itp.). ). Wyróżnia się baśniowa sztuka „Śnieżna dziewica”.
Początki twórczości Ostrowskiego sięgają „szkoły naturalnej” lat czterdziestych XIX wieku, choć moskiewski pisarz nie był organizacyjnie związany ze środowiskiem twórczym młodych petersburskich realistów. Zaczynając od prozy, Ostrovsky szybko zdał sobie sprawę, że jego prawdziwym powołaniem jest dramaturgia. Już wczesne eksperymenty prozatorskie są „inscenizowane”, pomimo najbardziej szczegółowych opisów życia i zwyczajów, charakterystycznych dla esejów „szkoły naturalnej”. Na przykład podstawą pierwszego eseju „Opowieść o tym, jak kwatermistrz zaczął tańczyć, czyli jeden krok od wielkiego do śmiesznego” (1843), jest anegdotyczna scena z całkowicie ukończoną fabułą.
Tekst tego eseju wykorzystano w pierwszej opublikowanej pracy – „Notatkach mieszkańca Zamoskworeckiego” (opublikowanych w 1847 r. w gazecie „Arkusz miasta Moskwy”). To właśnie w Notatkach... Ostrowski, nazywany przez współczesnych „Kolumbem z Zamoskworeczy”, odkrył nieznany dotąd w literaturze „kraj”, zamieszkany przez kupców, drobnomieszczan i drobnych urzędników. „Do tej pory znane było jedynie położenie i nazwa tego kraju” – zauważył pisarz – „co do jego mieszkańców, czyli ich sposobu życia, języka, zwyczajów, stopnia wykształcenia, wszystko to było spowite ciemnością ciemności.” Doskonała znajomość materiału życiowego pomogła prozaikowi Ostrowskiemu stworzyć szczegółowe studium życia kupieckiego i rolnictwa, które poprzedziło jego pierwsze sztuki o klasie kupieckiej. W Notatkach mieszkańca Zamoskworiecka zarysowano dwie charakterystyczne cechy twórczości Ostrowskiego: dbałość o otoczenie codzienne, które determinuje życie i psychologię postaci „spisanych z natury” oraz szczególny, dramatyczny charakter przedstawienia życia codziennego . Pisarz potrafił dostrzec w historiach życia codziennego potencjał, niewykorzystany dla dramatopisarza materiał. Pierwsze sztuki były następstwem esejów o życiu Zamoskvorechie.
Ostrovsky uznał 14 lutego 1847 r. za najbardziej pamiętny dzień w swoim życiu: tego dnia wieczorem u słynnego słowianofilskiego profesora S.P. Szewrewa przeczytał swoją pierwszą krótką sztukę „Obraz rodzinny”. Ale prawdziwym debiutem młodego dramaturga jest komedia „Rozliczymy naszych własnych ludzi!” (oryginalny tytuł - „Bankrut”), nad którym pracował od 1846 do 1849 roku. Cenzura teatralna natychmiast zakazała przedstawienia, ale podobnie jak „Biada dowcipu” A.S. Gribojedowa, od razu stało się wielkim wydarzeniem literackim i z sukcesem zostało przeczytane w Domy w Moskwie zimą 1849/50. przez samego autora i głównych aktorów - P.M. Sadovsky'ego i M.S. Szczepkina. W 1850 r. Komedia została opublikowana w czasopiśmie Moskwitianin, ale wystawiona została dopiero w 1861 r.
Entuzjastyczny odbiór pierwszej komedii z życia kupieckiego wynikał nie tylko z faktu, że Ostrowski, „Kolumb z Zamoskvorechye”, posłużył się zupełnie nowym materiałem, ale także zdumiewającej dojrzałości jego warsztatu dramatycznego. Odziedziczywszy tradycje komika Gogola, dramaturg jednocześnie jasno określił swój pogląd na zasady przedstawiania postaci oraz fabułę i kompozycyjne ucieleśnienie materiału codziennego użytku. Tradycja Gogola jest odczuwalna w samej naturze konfliktu: oszustwo kupca Bolszowa jest wytworem życia kupieckiego, moralności własności i psychologii zbuntowanych bohaterów. Bołynow ogłasza upadłość, ale jest to bankructwo fałszywe, będące efektem jego zmowy z urzędnikiem Podchalyuzinem. Transakcja zakończyła się nieoczekiwanie: właściciel, który liczył na podwyższenie kapitału, dał się oszukać urzędnikowi, który okazał się jeszcze większym oszustem. W rezultacie Podkhalyuzin otrzymał zarówno rękę córki kupca Lipoczki, jak i kapitał. Gogolski początek jest wyczuwalny w jednorodności komicznego świata spektaklu: nie ma w nim pozytywnych postaci, jak w komediach Gogola, jedynego takiego „bohatera” można nazwać śmiechem.
Główna różnica między komedią Ostrowskiego a sztukami jego wielkiego poprzednika polega na roli komediowej intrygi i stosunku do niej bohaterów. W „Inside Your Own People” są postacie i całe sceny, które nie tylko nie są potrzebne do rozwoju fabuły, ale wręcz ją spowalniają. Sceny te są jednak nie mniej ważne dla zrozumienia dzieła niż intryga oparta na wyimaginowanym bankructwie Bolszowa. Są niezbędne, aby pełniej opisać życie i zwyczaje kupców, warunki, w jakich toczy się główna akcja. Po raz pierwszy Ostrovsky stosuje technikę powtarzającą się w prawie wszystkich swoich sztukach, w tym w Burzy z piorunami, Lesie i Posagu, czyli rozszerzonej ekspozycji w zwolnionym tempie. Niektóre postacie w ogóle nie są wprowadzone, aby skomplikować konflikt. Te „osoby wyznaczające” (w spektaklu „Nasi ludzie - rozstrzygnijmy!” - swatka i Tishka) są sami w sobie interesujący, jako przedstawiciele środowiska domowego, obyczajów i zwyczajów. Ich funkcja artystyczna jest podobna do funkcji detali domowych w utworach narracyjnych: uzupełniają obraz świata kupieckiego drobnymi, ale jasnymi, kolorowymi akcentami.
To, co codzienne, znane, interesuje dramatopisarza Ostrowskiego nie mniej niż coś niezwykłego, na przykład oszustwo Bolszowa i Podchalyuzina. Znajduje skuteczny sposób na dramaturgiczne przedstawienie życia codziennego, wykorzystując maksymalnie możliwości słowa, które brzmi ze sceny. Rozmowy matki i córki o strojach i zalotnikach, kłótnia między nimi, narzekanie starej niani doskonale oddają zwyczajową atmosferę kupieckiej rodziny, wachlarz zainteresowań i marzeń tych ludzi. Mowa ustna bohaterów stała się dokładnym „lustrem” życia i zwyczajów.
To właśnie rozmowy bohaterów na tematy codzienne, jakby „wyłączone” z akcji fabularnej, odgrywają we wszystkich sztukach Ostrowskiego wyjątkową rolę: przerywając fabułę, wycofując się z niej, zanurzają czytelnika i widza w świat zwykłe relacje międzyludzkie, w których potrzeba komunikacji werbalnej jest nie mniej ważna niż potrzeba jedzenia, jedzenia i ubrania. Zarówno w pierwszej komedii, jak i w kolejnych sztukach Ostrowski często świadomie spowalnia rozwój wydarzeń, uznając za konieczne pokazanie, o czym myślą bohaterowie, w jaką werbalną formę ubierają się ich refleksje. Po raz pierwszy w rosyjskiej dramaturgii dialogi bohaterów stały się ważnym środkiem opisu moralnego.
Niektórzy krytycy uznali nadmierne wykorzystanie codziennych szczegółów za pogwałcenie praw sceny. Uzasadnieniem, ich zdaniem, mogło być jedynie to, że początkujący dramaturg był odkrywcą życia kupieckiego. Ale to „naruszenie” stało się prawem dramaturgii Ostrowskiego: już w pierwszej komedii połączył ostrość intrygi z wieloma codziennymi szczegółami i nie tylko nie porzucił tej zasady później, ale także ją rozwinął, osiągając maksymalny efekt estetyczny obu elementy spektaklu – dynamiczna fabuła i statyczne sceny „potoczne”.
„Własni ludzie – rozstrzygnijmy!” - komedia oskarżycielska, satyra na obyczaje. Jednakże na początku lat 50. XIX w dramaturg doszedł do wniosku, że należy porzucić krytykę kupców z „kierunku oskarżycielskiego”. Jego zdaniem spojrzenie na życie wyrażone w pierwszej komedii było „młode i zbyt twarde”. Teraz uzasadnia inne podejście: Rosjanin powinien cieszyć się, że widzi siebie na scenie, a nie tęsknić. „Reformatorzy znajdą się nawet bez nas” – podkreślił Ostrowski w jednym ze swoich listów. - Aby mieć prawo do poprawiania ludzi bez obrażania ich, konieczne jest pokazanie im, że znasz dobro, które się za nimi kryje; to właśnie robię teraz, łącząc haj z komizmem. „Wysokie” są jego zdaniem ideały ludu, prawdy, które naród rosyjski wypracował w ciągu wielu wieków rozwoju duchowego.
Nowa koncepcja kreatywności zbliżyła Ostrowskiego do młodych pracowników magazynu Moskwitianin (wydawanego przez słynnego historyka M.P. Pogodina). W twórczości pisarza i krytyka A.A. Grigoriewa powstała koncepcja „pochvennichestvo”, wpływowego nurtu ideologicznego lat 50. i 60. XIX wieku. Podstawą „pochvennichestvo” jest dbałość o duchowe tradycje narodu rosyjskiego, tradycyjne formy życia i kultury. Szczególnie interesująca „młoda edycja” „Moskwitianina” była klasą kupiecką: w końcu klasa ta zawsze była niezależna finansowo, nie doświadczyła zgubnego wpływu pańszczyzny, którą „pochvennicy” uważali za tragedię narodu rosyjskiego . To właśnie w środowisku kupieckim, zdaniem „Moskali”, należy szukać autentycznych ideałów moralnych wypracowanych przez naród rosyjski, a nie wypaczonych przez niewolnictwo, jak chłopi pańszczyźniani, i oddzielenie od „ziemi” ludowej, jak szlachta. W pierwszej połowie lat pięćdziesiątych XIX w. Idee te pozostawały pod silnym wpływem Ostrowskiego. Nowi przyjaciele, zwłaszcza A.A. Grigoriew, namawiali go, aby w swoich sztukach o klasie kupieckiej wyrażał „fundamentalny pogląd rosyjski”.
W sztukach „moskiewskiego” okresu twórczości – „Nie siedź we własnych saniach”, „Bieda nie jest wadą” i „Nie żyj tak, jak chcesz” – krytyczne podejście Ostrowskiego do kupców nie zniknęło, ale został znacznie złagodzony. Pojawił się nowy nurt ideologiczny: dramaturg ukazywał obyczajowość współczesnych kupców jako zjawisko historycznie zmienne, próbując dowiedzieć się, co w tym środowisku zachowało się z najbogatszych doświadczeń duchowych zgromadzonych przez naród rosyjski na przestrzeni wieków, a co uległo zdeformowaniu lub zanikowi. .
Jednym ze szczytów twórczości Ostrowskiego jest komedia „Ubóstwo nie jest wadą”, której fabuła opiera się na konflikcie rodzinnym. Gordey Tortsov, władczy kupiec-tyran, poprzednik Dikiego z Burzy, marzy o poślubieniu swojej córki Lyuby z Afrykanem Korszunowem, kupcem nowej, „europejskiej” formacji. Ale jej serce należy do innego – biednego urzędnika Mityi. Brat Gordeya, Lyubim Tortsov, pomaga zburzyć małżeństwo z Korszunowem, a obłudny ojciec w przypływie złości grozi, że wyda swoją zbuntowaną córkę za pierwszą spotkaną osobę. Szczęśliwym zbiegiem okoliczności okazało się, że był to Mitya. Udana fabuła komediowa dla Ostrowskiego to jedynie pełna wydarzeń „skorupa”, która pomaga zrozumieć prawdziwe znaczenie tego, co się dzieje: zderzenie kultury ludowej z „półkulturą”, która rozwinęła się wśród kupców pod wpływem mody „na Europa". Korszunow, obrońca patriarchalnej zasady „ziemi”, główny bohater spektaklu Lubim Torcow jest w przedstawieniu rzecznikiem fałszywej kultury kupieckiej.
Lyubim Torcow, pijak broniący wartości moralnych, przyciąga widza swoją bufonadą i głupotą. Od niego zależy cały przebieg wydarzeń w sztuce, on pomaga każdemu, przyczyniając się także do moralnego „wyzdrowienia” swojego brata tyrana. Ostrowski pokazał mu „najbardziej rosyjskiego” ze wszystkich aktorów. Nie ma żadnych roszczeń do wykształcenia, tak jak Gordey, po prostu myśli rozsądnie i działa zgodnie ze swoim sumieniem. Z punktu widzenia autora to wystarczy, aby wyróżnić się na tle kupieckiego środowiska, stać się „naszą osobą na scenie”.
Sam pisarz wierzył, że szlachetny impuls jest w stanie ujawnić w każdym człowieku proste i jasne cechy moralne: sumienie i życzliwość. Przeciwstawił rosyjską „patriarchalną” moralność niemoralności i okrucieństwu współczesnego społeczeństwa, dlatego świat sztuk teatralnych okresu „moskiewskiego”, pomimo zwykłej dla Ostrowskiego trafności codziennych „instrumentów”, jest w dużej mierze warunkowy, a nawet utopijny. Głównym osiągnięciem dramatopisarza była jego wersja pozytywnego bohatera ludowego. Wizerunek pijanego zwiastuna prawdy, Ljubima Torcowa, bynajmniej nie powstał według wywołujących ból szablonów. To nie jest ilustracja do artykułów Grigoriewa, ale pełnokrwisty obraz artystyczny, nie bez powodu rola Lyubima Torcowa przyciągnęła aktorów wielu pokoleń.
W drugiej połowie lat pięćdziesiątych XIX w. Ostrowski raz po raz nawiązuje do tematu klasy kupieckiej, ale jego stosunek do tej klasy się zmienił. Od idei „moskiewskich” cofnął się o krok, powracając do ostrej krytyki bezwładności środowiska kupieckiego. Żywy obraz kupieckiego tyrana Titycha („Kita Kitycha”) Bruskowa, którego nazwisko stało się powszechnie znane, powstał w satyrycznej komedii Kac na dziwnej uczcie (1856). Jednak Ostrowski nie ograniczył się do „satyry na twarze”. Jego uogólnienia stały się szersze: sztuka przedstawia sposób życia, który zaciekle opiera się wszystkiemu nowemu. Według krytyka N.A. Dobrolyubova jest to „ciemne królestwo”, które żyje według swoich okrutnych praw. Drobni tyrani, obłudnie broniąc patriarchatu, bronią swojego prawa do nieograniczonej arbitralności.
Poszerzył się zakres tematyczny sztuk Ostrowskiego, w jego polu widzenia pojawili się przedstawiciele innych stanów i grup społecznych. W komedii Miejsce dochodowe (1857) po raz pierwszy zwrócił się do jednego z ulubionych tematów rosyjskich komediantów - satyrycznego przedstawienia biurokracji, a w komedii Uczeń (1858) odkrył życie ziemskie. W obu utworach łatwo dostrzec podobieństwa do sztuk „kupczych”. Tym samym bohater „Miejsca dochodowego” Żadow, oskarżyciel sprzedajności urzędników, jest typologicznie bliski poszukiwaczowi prawdy Lyubimowi Torcowowi, a bohaterom „Ucznia” — drobnej właścicielce ziemskiej Ułanbekowej i jej ofierze, uczennicy Nadii — przypominają bohaterów wczesnych sztuk Ostrowskiego i napisanej rok później tragedii Burza.»: Kabanik i Katerina.
Podsumowując wyniki pierwszej dekady twórczości Ostrowskiego, A.A. Grigoriew, polemizując z Dobrolubowową interpretacją Ostrowskiego jako oskarżyciela tyranów i „ciemnego królestwa”, napisał: „Imię dla tego pisarza, dla tak wielkiego pisarza, mimo swoich braków nie jest satyrykiem, lecz poetą ludowym. Słowo określające rozwikłanie jego działalności to nie „tyrania”, ale „narodowość”. Tylko to słowo może być kluczem do zrozumienia jego twórczości. Wszystko inne – mniej lub bardziej wąskie, mniej lub bardziej teoretyczne, arbitralne – zawęża krąg jego twórczości.
Burza z piorunami (1859), która nastąpiła po trzech komediach oskarżycielskich, stała się szczytem dramaturgii okresu przedreformacyjnego Ostrowskiego. Wracając ponownie do obrazu klasy kupieckiej, pisarz stworzył w swoim dziele pierwszą i jedyną tragedię społeczną.
Twórczość Ostrowskiego w latach 60. i 80. XIX wieku niezwykle różnorodny, choć w jego światopoglądzie i poglądach estetycznych nie było tak ostrych wahań jak przed 1861 rokiem. Dramaturgia Ostrowskiego uderza szekspirowskim rozmachem problemów i klasyczną doskonałością form artystycznych. Można zauważyć dwa główne nurty, które wyraźnie manifestują się w jego sztukach: wzmocnienie tragicznego brzmienia tradycyjnych dla pisarza wątków komediowych oraz wzrost psychologicznej treści konfliktów i bohaterów. „Teatr Ostrowskiego”, uznawani za „przestarzałych”, „konserwatywnych” dramaturgów „nowej fali” w latach 90. i 1900. XIX w., faktycznie rozwinął dokładnie te nurty, które stały się wiodące w teatrze początku XX wieku. Nieprzypadkowo, począwszy od Burzy, codzienne i moralistyczne sztuki Ostrowskiego były bogate w symbolikę filozoficzną i psychologiczną. Dramaturg dotkliwie odczuł niedosyt scenicznego „codziennego” realizmu. Nie naruszając naturalnych praw sceny, zachowując dystans między aktorami i widzami – będący podstawą podstaw teatru klasycznego, w swoich najlepszych sztukach zbliżał się do filozoficznego i tragicznego brzmienia powieści powstałych w latach 60. – 70. XIX wieku. przez współczesnych Dostojewskiego i Tołstoja, ku mądrości i organicznej sile artysty, którego wzorem był dla niego Szekspir.
Innowacyjne aspiracje Ostrowskiego są szczególnie widoczne w jego komediach satyrycznych i dramatach psychologicznych. Cztery komedie opowiadające o życiu poreformacyjnej szlachty – Głupoty każdemu mędrcowi, Wilki i owce, Szalone pieniądze i Las – łączy wspólny temat. Przedmiotem satyrycznej kpiny jest w nich niepohamowana żądza zysku, która ogarnęła zarówno tracącą oparcie szlachtę – przymusową pracę chłopów pańszczyźnianych i „szalonych pieniędzy”, jak i ludzi nowej formacji, biznesmenów zarabiających na ruiny upadłej pańszczyzny.
W komediach powstają żywe obrazy „ludzi biznesu”, dla których „pieniądze nie pachną”, a bogactwo staje się jedynym celem życiowym. W sztuce Dość prostoty dla każdego mędrca (1868) taką osobą był zubożały szlachcic Głumow, który tradycyjnie marzy o spadku, bogatej narzeczonej i karierze. Jego cynizm i przedsiębiorczość nie są sprzeczne ze sposobem życia starej szlacheckiej biurokracji: on sam jest brzydkim wytworem tego środowiska. Głumow jest mądry w porównaniu z tymi, przed którymi jest zmuszony się schylić - Mamajewem i Krutitskim, nie ma nic przeciwko wyśmiewaniu ich głupoty i arogancji, potrafi spojrzeć na siebie z zewnątrz. „Jestem mądry, zły, zazdrosny” – wyznaje Głumow. Nie szuka prawdy, a po prostu czerpie korzyści z cudzej głupoty. Ostrovsky ukazuje nowe zjawisko społeczne, charakterystyczne dla poreformacyjnej Rosji: nie „umiar i dokładność” Mołchalinów prowadzą do „szalonych pieniędzy”, ale zjadliwy umysł i talent Chatskich.
W komedii „Szalone pieniądze” (1870) Ostrowski kontynuował swoją „Kronikę moskiewską”. Ponownie pojawił się w nim Egor Głumow ze swoimi fraszkami „dla całej Moskwy”, a także kalejdoskopem satyrycznych moskiewskich typów: świeccy kolesie, którzy przeżyli kilka fortun, damy gotowe do oddania się „milionerom”, miłośnicy darmowego alkoholu , próżniacy i lubieżnicy. Dramaturg stworzył satyryczny portret sposobu życia, w którym honor i uczciwość zastępuje niepohamowana żądza pieniędzy. Pieniądze determinują wszystko: działania i zachowania bohaterów, ich ideały i psychologię. Główną bohaterką spektaklu jest Lydia Cheboksarova, która sprzedaje zarówno swoje piękno, jak i miłość. Nie obchodzi ją, kim będzie – żoną czy utrzymywaną kobietą. Najważniejsze jest, aby wybrać grubszy worek pieniędzy: w końcu jej zdaniem „bez złota nie można żyć”. Przekupna miłość Lidii w „Szalonych pieniądzach” jest tym samym środkiem zarabiania pieniędzy, co umysł Głumowa w sztuce „Wystarczająca prostota dla każdego mędrca”. Ale cyniczna bohaterka, która wybiera bogatszą ofiarę, znajduje się w najgłupszej sytuacji: poślubia Wasilkowa, uwiedziona plotkami o jego kopalniach złota, zostaje oszukana przez Telyatewa, którego fortuna jest tylko mitem, nie gardzi pieszczotami „ tatuś” Kuchumov, wytrącając go z pieniędzy. Jedynym antypodem łapaczy „szalonych pieniędzy” w sztuce jest „szlachetny” biznesmen Wasilkow, który opowiada o „mądrych” pieniądzach uzyskanych dzięki uczciwej pracy, zaoszczędzonych i mądrze wydanych. Ten bohater to nowy typ „uczciwego” burżua, odgadnięty przez Ostrowskiego.
Komedia „Las” (1871) poświęcona jest popularnej w literaturze rosyjskiej lat 70. XIX wieku. temat wyginięcia „szlacheckich gniazd”, w których żyli „ostatni Mohikanie” starej rosyjskiej szlachty.
Obraz „lasu” jest jednym z najbardziej pojemnych obrazów symbolicznych Ostrowskiego. Las to nie tylko tło wydarzeń rozgrywających się w posiadłości położonej pięć mil od miasta powiatowego. Taki jest przedmiot umowy pomiędzy starszą panią Gurmyżską a kupcem Wosmibratowem, który kupuje ziemie ich przodków od zubożałej szlachty. Las jest symbolem duchowych rozlewisk: odrodzenie stolic prawie nigdy nie dociera do leśnego majątku Penki, wciąż panuje tu „świecka cisza”. Psychologiczne znaczenie symbolu ujawnia się, jeśli skorelujemy „las” z „dziką” prostackich uczuć i niemoralnych czynów mieszkańców „szlachetnego lasu”, przez który szlachta, rycerskość i ludzkość nie mogą się przebić. „... - I naprawdę, bracie Arkady, jak weszliśmy do tego lasu, do tego gęstego, wilgotnego lasu? – mówi tragiczny Nieszastliwcew pod koniec spektaklu – Dlaczego my, bracie, spłoszyliśmy sowy i sowy? Co ich powstrzyma! Niech żyją jak chcą! Wszystko tu jest w porządku, bracie, tak jak powinno się być w lesie. Stare kobiety wychodzą za licealistów, młode dziewczyny topią się w gorzkim życiu swoich bliskich: lasu, brata ”(D. 5, yavl. IX).
Las to komedia satyryczna. Komedia objawia się w różnych sytuacjach fabularnych i zwrotach akcji. Dramaturg stworzył na przykład niewielką, ale bardzo aktualną karykaturę społeczną: bohaterowie niemal Gogola opowiadają o działalności ziemstw, popularnych w czasach poreformacyjnych - ponurym mizantropijnym właścicielu ziemskim Bodajewie, przypominającym Sobakiewicza i Milonowie, równie dobrodusznym jak Maniłow. Jednak głównym przedmiotem satyry Ostrowskiego jest życie i zwyczaje „szlachetnego lasu”. Spektakl wykorzystuje sprawdzoną fabułę – historię biednego ucznia Aksyushy, prześladowanego i poniżanego przez obłudną „dobroczyńcę” Gurmyżską. Ciągle mówi o swoim wdowieństwie i czystości, chociaż w rzeczywistości jest złośliwa, zmysłowa i próżna. Sprzeczności między twierdzeniami Gurmyżskiej a prawdziwą istotą jej charakteru są źródłem nieoczekiwanych sytuacji komicznych.
W pierwszym akcie Gurmyżska urządza swoiste przedstawienie: chcąc zademonstrować swoją cnotę, zaprasza sąsiadów do podpisania jej testamentu. Według Milonowa „Raisa Pawłowna zdobi całą naszą prowincję surowością swego życia; nasza atmosfera moralna jest, że tak powiem, pachnąca cnotami. „Wszyscy baliśmy się tutaj twojej cnoty” – powtarza Bodaev, przypominając sobie, jak kilka lat temu oczekiwano jej przybycia do posiadłości. W piątym akcie sąsiedzi dowiadują się o nieoczekiwanej metamorfozie, jaka dokonała się w Gurmyżskiej. Pięćdziesięcioletnia dama, która leniwie mówiła o złych przeczuciach i rychłej śmierci („jeśli nie umrę dzisiaj, nie jutro, przynajmniej wkrótce”), ogłasza swoją decyzję o poślubieniu na wpół wykształconego licealisty Aleksego Bulanowa . Uważa małżeństwo za poświęcenie, „aby uporządkować majątek i nie dostać się w niepowołane ręce”. Sąsiedzi nie dostrzegają jednak komedii w przejściu od umierającego testamentu do związku małżeńskiego „niezachwianej cnoty” z „czułym, młodym przemysłem szlacheckiego żłobka”. „To bohaterski wyczyn! Jesteś bohaterką!” - woła żałośnie Milonow, podziwiając obłudną i zdeprawowaną matronę.
Kolejnym węzłem w komediowej fabule jest historia tysiąca rubli. Pieniądze krążyły w kółko, co umożliwiło dodanie ważnych akcentów do portretów najróżniejszych osób. Kupiec Wosmibratow próbował zgarnąć tysiąc, płacąc za zakupione drewno. Nieszastliwcew, sumiennie i „ciesząc się” kupcem („zaszczyt jest nieograniczony. A ty go nie masz”), skłonił go do zwrotu pieniędzy. Gurmyżska dała Bułanowowi „szalony” tysiąc na sukienkę, po czym tragik, grożąc nieszczęsnemu młodzieńcowi fałszywym pistoletem, zabrał te pieniądze, zamierzając je roztrwonić z Arkadym Szastliwcewem. W końcu tysiąc stało się posagiem Aksyushy i ... wróciło do Vosmibratova.
Dość tradycyjna komediowa sytuacja „zmiennokształtnego” pozwoliła przeciwstawić złowrogą komedię mieszkańców „lasu” wysoką tragedią. Nieszczęsny „komik” Nieszczastliwcew, siostrzeniec Gurmyżskiej, okazał się dumnym romantykiem, który na ciotkę i jej sąsiadów patrzy oczami szlachetnego człowieka, zszokowany cynizmem i wulgarnością „sów i sów”. Ci, którzy traktują go z pogardą, uważając go za nieudacznika i renegata, zachowują się jak źli aktorzy i publiczni błazny. „Komicy? Nie, jesteśmy artystami, szlachetnymi artystami, a wy komediantami - Niesczastsew ze złością rzuca im w twarz. - Jeśli kochamy, kochamy tak bardzo; jeśli nie kochamy, kłócimy się lub walczymy; jeśli pomożemy, to ostatni grosz pracy. A ty? Przez całe życie mówiliście o dobru społeczeństwa, o miłości do ludzkości. Co zrobiłeś? Kto był karmiony? Kto był pocieszony? Bawisz się tylko sobą, bawisz się. Wy jesteście komediantami, błaznami, nie my” (D. 5, yavl. IX).
Ostrowski konfrontuje prymitywną farsę Gurmyżskiego i Bułanowa z prawdziwie tragicznym postrzeganiem świata, jaki reprezentuje Nieszastliwcew. W piątym akcie komedia satyryczna ulega przemianie: jeśli wcześniej tragik wyzywająco zachowywał się wobec „błaznów” w błazenski sposób, podkreślając swą pogardę dla nich, złośliwie drwiąc z ich czynów i słów, to w finale spektaklu scena, nie przestając być przestrzenią akcji komediowej, zamienia się w tragiczny teatr jednego aktora, który swój ostatni monolog rozpoczyna jako „szlachetny” artysta wzięty za błazna, a kończy jako „szlachetny zbójnik” z dramatu F. Schillera - według słynnych słów Karla Moora. Cytat z Schillera ponownie mówi o „lasie”, a dokładniej o wszystkich „żądnych krwi mieszkańcach lasów”. Ich bohater chciałby „być wściekły na to piekielne pokolenie”, które spotkał w szlacheckiej posiadłości. Cytat, nierozpoznany przez słuchaczy Nieszastliwcewa, podkreśla tragikomiczny sens tego, co się dzieje. Po wysłuchaniu monologu Milonow woła: „Ale przepraszam, za te słowa możesz zostać pociągnięty do odpowiedzialności!” „Tak, tylko do obozu. Wszyscy jesteśmy świadkami” – Bułanow, „urodzony, by dowodzić” – odpowiada jak echo.
Nieszastliwcew to bohater romantyczny, ma w sobie wiele Don Kichota, „rycerza o smutnym wizerunku”. Wyraża się pompatycznie, teatralnie, jakby nie wierząc w powodzenie swojej walki z „wiatrakami”. „Gdzie ze mną rozmawiasz” – Nieszastwietsew zwraca się do Milonowa. „Czuję się i mówię jak Schiller, a ty jak urzędnik”. Bawiąc się komicznie wypowiedzianymi właśnie słowami Karla Moora o „żądnych krwi mieszkańcach lasu”, uspokaja Gurmyżską, która nie chciała mu podać ręki do pożegnalnego pocałunku: „Nie będę gryźć, nie bój się”. Od ludzi, którzy jego zdaniem są gorsi od wilków, może jedynie uciec: „Ręka, towarzyszu! (Podaje rękę Schastlivtsevowi i odchodzi). Ostatnie słowa i gest Nieszastliwcewa mają charakter symboliczny: podaje rękę przyjacielowi „komikowi” i dumnie odwraca się od mieszkańców „szlachetnego lasu”, z którymi nie jest w drodze.
Bohater „Lasu” jest jednym z pierwszych „wybuchów”, „dzieci marnotrawnych” swojej klasy w literaturze rosyjskiej. Ostrowski nie idealizuje Nieszczastlewcewa, wytykając jego światowe niedociągnięcia: podobnie jak Lubim Torcow nie stroni od hulanek, jest skłonny do oszukiwania i zachowuje się jak arogancki dżentelmen. Ale najważniejsze, że to Nieszastliwcew, jeden z najbardziej ukochanych bohaterów „teatru Ostrowskiego”, wyraża wysokie ideały moralne, zupełnie zapomniane przez błaznów i faryzeuszy z leśnego majątku. Jego poglądy na temat honoru i godności człowieka są bliskie samemu autorowi. Jakby rozbijając „lustro” komedii, Ostrowski ustami prowincjonalnego tragika o smutnym nazwisku Nieszastliwcew chciał przypomnieć ludziom o niebezpieczeństwie kłamstwa i wulgarności, które z łatwością zastępują prawdziwe życie.
Jedno z arcydzieł Ostrowskiego, dramat psychologiczny Posag (1878), podobnie jak wiele jego dzieł, jest sztuką „kupniczą”. Wiodące miejsce zajmują w nim ulubione motywy dramatopisarza (pieniądze, handel, kupiecka „odwaga”), tradycyjne typy, które pojawiają się niemal w każdej jego sztuce (kupcy, drobny urzędnik, dziewczyna na wydaniu i jej matka, pragnące „sprzedać” córkę po wyższej cenie, prowincjonalny aktor). Intryga przypomina także zastosowane wcześniej ruchy fabularne: o Larisę Ogudalovą walczy kilku rywali, z których każdy ma swoje „zainteresowanie” dziewczyną.
Jednak w przeciwieństwie do innych dzieł, takich jak komedia „Las”, w której biedny uczeń Aksyusha był jedynie „osobą sytuacyjną” i nie brał czynnego udziału w wydarzeniach, bohaterka „Posagu” jest centralną postacią grać. Larisa Ogudalova to nie tylko piękna „rzecz” bezwstydnie wystawiona na aukcję przez jej matkę Haritę Ignatievnę i „kupiona” przez zamożnych kupców w mieście Briakhimov. Jest osobą niezwykle utalentowaną, myślącą, głęboko odczuwającą, rozumiejącą absurdalność swojego stanowiska, a jednocześnie o sprzecznej naturze, próbującą gonić „dwie zające”: pragnie zarówno wielkiej miłości, jak i bogatego, pięknego życia. Współistnieją w nim idealizm romantyczny i marzenia o filisterskim szczęściu.
Główną różnicą między Larisą a Kateriną Kabanovą, z którą często jest porównywana, jest wolność wyboru. Ona sama musi dokonać własnego wyboru: zostać utrzymaną kobietą bogatego kupca Knurowa, uczestniczką śmiałych rozrywek „genialnego dżentelmena” Paratowa lub żoną dumnej nicości – urzędnika „z ambicjami” Karandyszewa. Miasto Briachimow, podobnie jak Kalinow w „Burzy z piorunami”, to także miasto „na wysokim brzegu Wołgi”, ale nie jest to już „ciemne królestwo” złej, tyrańskiej siły. Czasy się zmieniły – oświeceni „nowi Rosjanie” w Bryachimowie nie poślubiają bezdomnych kobiet, ale je kupują. Bohaterka sama może zdecydować, czy wziąć udział w targu. Przed nią przechodzi cała „parada” zalotników. W przeciwieństwie do nieodwzajemnionej Kateriny, opinia Larisy nie jest lekceważona. Jednym słowem nadeszły „czasy ostatnie”, których tak bardzo obawiał się Kabanikha: upadł dawny „porządek”. Larisa nie musi błagać narzeczonego Karandyszewa, tak jak Katerina błagała Borysa („Zabierz mnie stąd ze sobą!”). Sam Karandyshev jest gotowy zabrać ją z dala od pokus miasta - do odległego Zabołotye, gdzie chce zostać sędzią pokoju. Bagno, które jej matka wyobraża sobie jako miejsce, gdzie oprócz lasu, wiatru i wyjących wilków nie ma nic, wydaje się Larisie wiejską idyllą, rodzajem bagnistego „raju”, „cichego zakątka”. W dramatycznych losach bohaterki, historycznych i światowych, tragedia niespełnionej miłości i drobnomieszczańskiej farsy splatają się, subtelny dramat psychologiczny i żałosny wodewil. Motywem przewodnim spektaklu nie jest siła otoczenia i okoliczności, jak w Burzy, ale motyw odpowiedzialności człowieka za własny los.
„Posag” to przede wszystkim dramat o miłości: to ona stała się podstawą intrygi fabularnej i źródłem wewnętrznych sprzeczności bohaterki. Miłość w „Posagu” to pojęcie symboliczne, wieloznaczne. „Szukałam miłości i nie znalazłam” – taki gorzki wniosek wyciąga Larisa pod koniec spektaklu. Ma na myśli miłość-współczucie, miłość-zrozumienie, miłość-litość. W życiu Larisy prawdziwą miłość zastąpiła „miłość” wystawiona na sprzedaż, miłość jest towarem. Targowanie się w sztuce odbywa się właśnie dzięki niej. Tylko ci, którzy mają więcej pieniędzy, mogą kupić taką „miłość”. Dla „zeuropeizowanych” kupców Knurowa i Wozhewatowa miłość Larisy jest przedmiotem luksusowym, który kupuje się, aby zapewnić im życie „europejskim” szykiem. Małostkowość i roztropność tych „dzieci” Diky objawia się nie w bezinteresownym znęcaniu się za grosz, ale w brzydkiej umowie miłosnej.
Siergiej Siergiejewicz Paratow, najbardziej ekstrawagancki i lekkomyślny spośród kupców przedstawionych w sztuce, jest postacią parodystyczną. To „kupiec Pechorin”, łamacz serc z zamiłowaniem do melodramatycznych efektów. Uważa swój związek z Larisą Ogudalovą za eksperyment miłosny. „Chcę wiedzieć, jak szybko kobieta zapomina o namiętnie kochanej osobie: następnego dnia po rozstaniu z nim, tydzień lub miesiąc później” – wyznaje Paratow. Jego zdaniem miłość nadaje się tylko do „użytku domowego”. Własna „przejażdżka na wyspę miłości” Paratowa z posagiem Larisy była krótkotrwała. Zastąpiły ją hałaśliwe szaleństwa z Cyganami i małżeństwo z bogatą panną młodą, a raczej z jej posagiem - kopalniami złota. „Ja, Moky Parmenych, nie mam niczego cennego; Znajdę zysk, więc sprzedam wszystko, wszystko” – taka jest zasada życiowa Paratowa, nowego „bohatera naszych czasów” o manierach złamanego sprzedawcy z modnego sklepu.
Narzeczony Larisy, „ekscentryczny” Karandyshev, który stał się jej zabójcą, jest osobą żałosną, komiczną, a jednocześnie złowrogą. Miesza się w absurdalnym zestawieniu „kolorów” różnych obrazów scenicznych. To karykatura Otella, parodia „szlachetnego” zbójnika (na balu kostiumowym „przebrał się za rabusia, wziął w ręce siekierę i rzucał na wszystkich brutalne spojrzenia, zwłaszcza Siergieja Siergieja”), a jednocześnie swego czasu „kupiec szlachecki”. Jego ideałem jest „powóz z muzyką”, luksusowy apartament i obiady. To ambitny urzędnik, który wpadł w szaleńczą ucztę kupiecką, podczas której otrzymał niezasłużoną nagrodę - piękną Larisę. Miłość Karandyszewa, „rezerwowego” pana młodego, jest miłością-marnością, miłością-ochroną. Dla niego Larisa to także „rzecz”, którą się przechwala, prezentując całemu miastu. Sama bohaterka spektaklu postrzega jego miłość jako upokorzenie i zniewagę: „Jakże jesteś dla mnie obrzydliwy, gdybyś tylko wiedział!... Dla mnie najpoważniejszą zniewagą jest Twój patronat; Nie usłyszałem od nikogo żadnych innych obelg.
Główna cecha, która pojawia się w wyglądzie i zachowaniu Karandyszewa, jest dość „czechowska”: jest to wulgarność. To właśnie ta cecha nadaje postaci urzędnika ponury, złowieszczy posmak, pomimo jego przeciętności w porównaniu z innymi uczestnikami targu miłosnego. Larisę zabija nie prowincjonalny Otello, nie żałosny komik, który łatwo zmienia maski, ale ucieleśniona w nim wulgarność, która – niestety! - stał się dla bohaterki jedyną alternatywą dla miłosnego raju.
Żadna cecha psychologiczna u Larisy Ogudalowej nie została ukończona. Jej duszę wypełniają mroczne, niejasne impulsy i namiętności, których ona sama nie do końca rozumie. Nie jest w stanie dokonać wyboru, zaakceptować ani przekląć świata, w którym żyje. Myśląc o samobójstwie, Larisa nigdy nie była w stanie rzucić się do Wołgi, jak Katerina. W odróżnieniu od tragicznej bohaterki Burzy jest ona jedynie uczestniczką wulgarnego dramatu. Paradoksem spektaklu jest jednak to, że to wulgarność, która zabiła Larisę, uczyniła z niej w ostatnich chwilach życia także bohaterkę tragiczną, górującą nad wszystkimi bohaterami. Nikt jej nie kochał tak, jak by chciała - umiera słowami przebaczenia i miłości, przesyłając całusy ludziom, którzy niemal zmusili ją do wyrzeczenia się najważniejszej rzeczy w jej życiu - miłości: „Ty musisz żyć, ale ja muszę ...umrzeć. Nie narzekam na nikogo, nie obrażam się na nikogo… wszyscy jesteście dobrymi ludźmi… Kocham was wszystkich… wszystkich… kocham ”(przesyła całusa). Dopiero „głośny chór cygański”, symbol całego „cygańskiego” trybu życia, w jakim żyła, odpowiedział na to ostatnie, tragiczne westchnienie bohaterki.
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski to wielki rosyjski dramaturg. Jego liczne dzieła wniosły znaczący wkład w powstanie rosyjskiego teatru. Ostrowski był członkiem Akademii Nauk w Petersburgu.Lata młodości Aleksandra Ostrowskiego
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski urodził się w Moskwie na Malajach Ordynce 31 marca (12 kwietnia, nowy styl) 1823 r. Jego ojciec – Nikołaj Fiodorowicz – był synem księdza i postanowił pójść w ślady ojca i zostać nadwornym kucharzem, udało mu się jednak dorosnąć do rangi doradcy tytularnego, dlatego w 1839 r. otrzymał tytuł tytuł szlachecki. Matka Aleksandra – Ljubow Iwanowna Savvina – była córką kościelnego, zmarła wcześnie, gdy młody dramaturg miał zaledwie 8 lat. Rodzina Aleksandra była dość liczna, ale dzięki staraniom głowy rodziny dość zamożna. Dużą wagę przywiązywano do edukacji dzieci, większość zajęć odbywała się w domu.Po śmierci żony Nikołaj Fiodorowicz postanawia poślubić baronkę Emilię Andreevnę von Tessin. Dziewczyna pochodziła ze szlacheckiej rodziny szwedzkiego szlachcica. Kobieta nie obrażała adoptowanych dzieci, a wręcz przeciwnie, potrafiła otoczyć je bezgraniczną miłością i troską. Macocha przyczyniła się również do tego, aby dzieci otrzymały kompetentną i wysokiej jakości edukację. Aleksander spędził całe swoje dzieciństwo, a nawet odrobinę młodości w Zamoskvorechye. Jego rodzina posiadała pokaźną bibliotekę, w której dzieci mogły spędzać cały dzień. Aleksander z entuzjazmem czytał książki i wreszcie zdał sobie sprawę, że jego powołaniem jest pisanie. Jednak Mikołaj był przeciwny hobby syna i nalegał na zawód prawnika. Ojcu udało się jeszcze zapewnić, że Aleksander wstąpił do I Gimnazjum Moskiewskiego w 1835 r., a w 1840 r. został jednym ze studentów wydziału prawa Uniwersytetu Moskiewskiego. Jednak Aleksander nigdy nie ukończył pełnego kursu, ponieważ udało mu się narobić sobie wroga w kadrze nauczycielskiej. Opuścił uczelnię w 1943 roku. Ojciec jednak nie ustąpił synowi i zwerbował go, aby służył jako skryba na dworze. Aleksander pozostał na tym stanowisku do 1851 roku. 
Twórczość Ostrowskiego
Pomimo wzlotów i upadków losu Aleksander nie mógł porzucić swojej pasji pisania. Całkowicie pogrążył się w twórczości, a w 1846 roku był w stanie napisać niejedną scenę z życia kupców. W tym samym roku zaczął opracowywać fabułę komedii „Niewypłacalny dłużnik”. Nieco później nazwę zmieniono na „Własni ludzie – osiedlajmy się!”. Podczas pisania sztuki Aleksander został fałszywie oskarżony o plagiat przez Dmitrija Goriewa. Zasłużona sława w świecie literatury zyskuje dramatopisarza wraz z wydaniem sztuki „Własni ludzie - osiedlajmy się!”. Dzieło ukazało się w 1850 r. Ostrovsky otrzymał pozytywne opinie na temat tego dzieła od tak wielkich pisarzy, jak N.V. Gogol i I.A. Goncharov. Warto wziąć pod uwagę, że wraz ze sławą pisarzowi przyszły także nowe próby życiowe. Spektakl został zakazany przez Mikołaja I, a sam Aleksander został pozbawiony stanowiska i umieszczony pod nadzorem policji. Wraz z dojściem do władzy Aleksandra II dzieło ponownie pozwolono na wystawienie w 1861 roku. Kolejną uznaną przez publiczność sztuką Ostrowskiego była praca „Nie wsiadaj do sań”. Został napisany w 1852 roku, a wystawienie go w styczniu 1854 roku w Petersburgu. Od 1853 roku dzieła Ostrowskiego wystawiano co sezon przez prawie 30 lat w teatrach Aleksandryjskim Małym i Petersburgu.
W 1856 roku Ostrovsky został zatrudniony na stałe w czasopiśmie Sovremennik. Za zgodą wielkiego księcia Konstantina Nikołajewicza Ostrowski wyrusza w długą podróż po ziemiach rosyjskich. Dramaturg opisuje życie ludzi na obszarach carskiej Rosji. Udało mu się dokładniej przestudiować Wołgę i jej przedłużenie do Niżnego Nowogrodu. W 1859 r. Hrabia G. A. Kushelev - Bezborodko przyczynił się do wydania zbioru dzieł Ostrowskiego w dwóch tomach, który mógł uzyskać doskonałe recenzje i akceptację samego Dobrolyubova. Następnie Ostrowskiego zaczęto nazywać założycielem „ciemnego królestwa”.
Świat mógł zobaczyć popularne dzieło „Burza z piorunami” w 1860 r., Dla którego pisarz opublikował artykuł „Promień światła w ciemnym królestwie”.
Później Ostrowski zaczął studiować historię Czasu Kłopotów. Pierwszą nagrodę – Nagrodę Uvarowa – otrzymał dramatopisarz w 1863 roku. W tym samym czasie został przyjęty na członka Akademii Nauk w Petersburgu. Ostrowskiemu udało się założyć koło artystyczne, które zapoczątkowało karierę wielu wybitnych rosyjskich artystów. Aleksander miał doskonałe stosunki z wieloma pisarzami tamtych czasów, takimi jak Turgieniew, Saltykow-Szchedrin, Tołstoj, Dostojewski i wielu innych. 
Ostrovsky był prezesem słynnego Towarzystwa Rosyjskich Pisarzy i Kompozytorów Dramatycznych, którego początki sięgają 1874 roku. Udało mu się pozostać na tym stanowisku aż do śmierci. Dzięki jego pomocy warunki dla artystów zostały znacznie uproszczone. Od 1885 roku był kierownikiem repertuaru teatrów moskiewskich, a także kierownikiem szkoły teatralnej.
Przez całe życie Ostrovsky miał problemy finansowe, choć jego sztuki przynosiły znaczne dochody. W 1883 r. cesarz imperium rosyjskiego Aleksander III mógł przyznać dramatopisarzowi znaczną emeryturę w wysokości 3000 rubli, ale nie poprawiło to bytu materialnego pisarza. Ostrovsky chciał zrealizować wiele twórczych pomysłów, ale jego zdrowie tylko pogorszyło się z powodu ciągłej ciężkiej pracy. Śmierć dopadła dramatopisarza 14 czerwca 1886 roku. Zmarł w swojej posiadłości Szczelkowo, został pochowany w pobliżu swojego ojca Mikołaja. Później obok Aleksandra pochowano jego żonę i córkę.
Życie osobiste Ostrowskiego
Wiadomo, że pisarz był zafascynowany piękną aktorką L. Kositską, ale dziewczyna kategorycznie odrzuciła uczucia dramatopisarza. Ostrowski był także w związku cywilnym z dziewczyną z prostej rodziny – Agafią Iwanowna. Mimo że kobieta ta nie była wykształcona, zawsze potrafiła wysłuchać pisarza i podzielić się jego przeżyciami i uczuciami. Ich przeznaczeniem było żyć razem przez 20 lat. Ostrowski później poślubił aktorkę Marię Bakhmetyevą. Udało mu się urodzić dramatopisarza czterech synów i dwie córki.To nazwisko A. N. Ostrowskiego stoi u podstaw rozwoju rosyjskiego teatru dramatycznego. Jego dramaty do dziś cieszą się dużą popularnością ze względu na niezwykły smak jego talentu jako pisarza i dramaturga, który zawsze czuł, czego oczekiwała od niego świecka publiczność. Dlatego interesujące jest wiedzieć, jaką osobą był Aleksander Ostrowski. Jego książki zawierają ogromne dziedzictwo twórcze. Do jego najsłynniejszych dzieł: „Winny bez winy”, „Posag”, „Burza z piorunami”, „Wilki i owce”, „Snow Maiden”, „Kac na czyjejś uczcie”, „Po co pójdziesz, znajdziesz”, „Twoi ludzie - rozstrzygnijmy”, „Szalone pieniądze” itp.
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski. krótki życiorys
Aleksander Nikołajewicz urodził się wiosną 31 marca (12 kwietnia) 1823 r. Wychowywał się na Malajach Ordynce w Moskwie. Jego ojciec był synem księdza i nazywał się Nikołaj Fiodorowicz. Po otrzymaniu wykształcenia seminaryjnego w Kostromie rozpoczął studia w Moskiewskiej Akademii Teologicznej. Nigdy jednak nie został księdzem, lecz zaczął wykonywać zawód prawnika w instytucjach sądowych. Z czasem awansował do rangi doradcy tytularnego i otrzymał tytuł szlachecki.
Biografia Ostrowskiego (krótka) mówi, że matka Ostrowskiego, Ljubow Iwanowna, zmarła, gdy miał 7 lat. W rodzinie pozostało sześcioro dzieci. W przyszłości opiekę nad rodziną przejęła macocha, Emilia Andreevna von Tesin, będąca córką szwedzkiego szlachcica. Rodzina Ostrowskich niczego nie potrzebowała, wiele uwagi poświęcono edukacji i wychowaniu dzieci.
Dzieciństwo
Prawie całe swoje dzieciństwo Ostrovsky spędził w Zamoskvorechye. Jego ojciec miał dużą bibliotekę, chłopiec wcześnie zaczął studiować literaturę rosyjską i poczuł potrzebę pisania, ale ojciec chciał, aby jego syn został prawnikiem.
W latach 1835–1940 Aleksander studiował w moskiewskim gimnazjum. Następnie wstąpił na Uniwersytet Moskiewski i zaczął studiować jako prawnik. Ale kłótnia z nauczycielem nie pozwoliła mu ukończyć ostatniego roku na uniwersytecie. A potem jego ojciec załatwił mu służbę w sądzie. Pierwsza pensja, jaką otrzymał, wynosiła 4 ruble, ale potem wzrosła do 15 rubli.
kreacja
Co więcej, biografia Ostrowskiego (krótka) wskazuje, że sławę i popularność Aleksandra Ostrowskiego jako dramaturga przyniosła sztuka „Nasi ludzie - rozstrzygnijmy!”, Opublikowana w 1850 r. Ta sztuka została zatwierdzona przez I. A. Gonczarowa i N. V. Gogola. Ale kupcom moskiewskim się to nie podobało i kupcy poskarżyli się władcy. Następnie na osobisty rozkaz Mikołaja I jego autor został zwolniony ze służby i wzięty pod dozór policyjny, który usunięto dopiero za Aleksandra II. A w 1861 roku sztuka ponownie pojawiła się na scenie.
W haniebnym okresie Ostrowskiego pierwsza sztuka wystawiona w Petersburgu nosiła tytuł „Nie wsiadaj do sań”. Biografia Ostrowskiego (krótka) zawiera informację, że przez 30 lat jego sztuki wystawiano w Petersburgu Aleksandryjskim i Moskiewskim Małym Teatrze. W 1856 roku Ostrovsky rozpoczął pracę w magazynie Sovremennik.
Ostrowski Aleksander Nikołajewicz. Dzieła sztuki
W 1859 r. Ostrowski, przy wsparciu G. A. Kushelewa-Bezborodki, opublikował pierwszy zbiór dzieł w dwóch tomach. W tym miejscu rosyjski krytyk Dobrolyubov zauważy, że Ostrovsky jest dokładnym przedstawieniem „ciemnego królestwa”.
W 1860 r., Po „burzy z piorunami”, Dobrolyubov nazwie go „promieniem światła w ciemnym królestwie”.
Rzeczywiście Aleksander Ostrowski wiedział, jak urzekać swoim niezwykłym talentem. Burza z piorunami stała się jednym z najbardziej uderzających dzieł dramaturga, z którego pisaniem wiąże się także jego osobisty dramat. Prototypem głównej bohaterki spektaklu była aktorka Ljubow Pawłowna Kositska, z którą przez długi czas pozostawał w bliskim związku, choć oboje nie byli wolnymi ludźmi. Była pierwszą osobą, która wcieliła się w tę rolę. Obraz Kateriny Ostrova uczynił go na swój sposób tragicznym, więc odzwierciedlił w nim całe cierpienie i udrękę duszy Rosjanki.
Kolebka Talentów
W 1863 r. Ostrowski otrzymał Nagrodę Uvarowa i został wybranym członkiem korespondentem Akademii Nauk w Petersburgu. Później, w 1865 roku, zorganizował Koło Artystyczne, które stało się kolebką wielu talentów.
Ostrowski przyjął w swoim domu tak wybitnych gości, jak F. M. Dostojewski, L. N. Tołstoj, P. I. Czajkowski, M. E. Saltykov-Shchedrin, I. S. Turgieniew itp.
W 1874 r. Pisarz-dramaturg założył Towarzystwo Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych i Kompozytorów Operowych, którego prezesem pozostał Ostrowski aż do śmierci. Pełnił także funkcję komisji związanej z nowelizacją regulaminu zarządzania teatrem, co doprowadziło do nowych zmian, dzięki którym znacznie poprawiła się pozycja artystów.
W 1881 r. w Teatrze Maryjskim odbyło się benefisowe przedstawienie opery „Śnieżna dziewczyna” N. A. Rimskiego-Korsakowa. (Krótka) biografia Ostrowskiego świadczy, że w tym momencie Ostrowski był niewypowiedzianie zadowolony z muzycznego akompaniamentu wielkiego kompozytora.
Ostatnie lata
W 1885 roku dramaturg zaczął zarządzać repertuarem moskiewskich teatrów i kierował szkołą teatralną. Ostrowski prawie zawsze miał problemy finansowe, chociaż pobierał dobre opłaty za sztuki, a cesarz Aleksander III wyznaczył emeryturę. Ostrovsky miał wiele planów, dosłownie spalił się w pracy, co odbiło się na jego zdrowiu i pozbawiło witalności.
Zmarł 2 czerwca 1886 roku w swoim majątku Szczelykowo koło Kostromy. Miał 63 lata. Jego ciało pochowano obok grobu ojca w kościele św. Mikołaja Cudotwórcy w obwodzie kostromskim we wsi Nikoło-Bereżki.
Wdowa, aktorka Maria Andreevna Bachmetiewa, trzej synowie i córka otrzymali rentę od cara Aleksandra III.
Jego majątek w Szczełykowie jest obecnie pomnikiem i muzeum przyrodniczym Ostrowskiego.
Wniosek
Ostrovsky stworzył własną szkołę teatralną z holistyczną koncepcją produkcji teatralnej. Głównym elementem jego teatru było to, że nie zawierał on sytuacji ekstremalnych, ale przedstawiał sytuacje życiowe, które wpływają na życie i psychologię człowieka tamtych czasów, które Aleksander Nikołajewicz Ostrowski znał bardzo dobrze. W krótkiej biografii opisano, że teatr Ostrowskiego miał wiele pomysłów, ale do ich realizacji potrzebna była nowa estetyka sceniczna i nowi aktorzy. Wszystko to później przypomnieli sobie K. S. Stanisławski i M. A. Bułhakow.
Dramaty Ostrowskiego posłużyły za podstawę filmowych adaptacji filmów i seriali telewizyjnych. Należą do nich film „Małżeństwo Balzaminova”, nakręcony w 1964 r. na podstawie sztuki „Co pójdziesz, znajdziesz” w reżyserii K. Voinowa, film „Okrutny romans”, nakręcony w 1984 r. na podstawie „Posagu” w reżyserii Eldar Ryazanow. W 2005 roku Evgeny Ginzburg nakręcił film Anna na podstawie sztuki Winny bez winy.
Ostrovsky stworzył obszerny repertuar dla rosyjskiej sceny teatralnej, który obejmował 47 bardzo oryginalnych sztuk. Współpracował z utalentowanymi młodymi dramatopisarzami, m.in. P. M. Nevezhinem i N. Ya. Sołowjowem. Dramaturgia Ostrowskiego stała się narodowa ze względu na swoje pochodzenie i tradycje.
(1823-1886)
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski urodził się w 1823 roku w Moskwie: w Zamoskworieczach, w starej dzielnicy kupieckiej i biurokratycznej. Ojciec przyszłego dramaturga, wykształcony i zdolny urzędnik dworski, a następnie znany prawnik w moskiewskich kręgach handlowych, zgromadził znaczny majątek; wspinając się po szczeblach kariery, otrzymał prawa dziedzicznego szlachcica, został właścicielem ziemskim; jasne jest, że chciał wypuścić syna również ze strony prawnej.
Aleksander Ostrowski otrzymał w domu dobre wykształcenie – od dzieciństwa był uzależniony od literatury, mówił po niemiecku i francusku, dobrze znał łacinę, chętnie studiował muzykę. Pomyślnie ukończył gimnazjum i w 1840 roku wstąpił na wydział prawa Uniwersytetu Moskiewskiego. Ale Ostrowskiemu nie podobała się kariera prawnika, nieodparcie pociągała go sztuka. Starał się nie przegapić żadnego występu: dużo czytał i kłócił się o literaturę, namiętnie zakochał się w muzyce. Jednocześnie próbował pisać wiersze i opowiadania.
Po ochłodzeniu się, aby studiować na uniwersytecie, Ostrovsky opuścił nauczanie. Przez kilka lat, za namową ojca, pełnił funkcję podrzędnego urzędnika w sądzie. Tutaj przyszły dramaturg widział dość ludzkich komedii i tragedii. W końcu rozczarowany działalnością sądową Ostrovsky marzy o zostaniu pisarzem.
W młodości Ostrowskiego chłopi i kupcy ubierali się, jedli, pili i bawili inaczej niż ludzie z klas oświeconych. Nawet powszechna wiara prawosławna nie jednoczyła ich w pełni z wykształconymi. Na ziemi rosyjskiej było tak, jakby istniały dwa różne, mało powiązane, mało rozumiane dla siebie światy. Ale w połowie XIX wieku granice tych światów zaczęły się stopniowo załamywać. Wykształceni ludzie zaczęli szukać sposobów na zapełnienie luki, na przywrócenie nie tyle państwa - i tak! - ile duchowej i kulturalnej jedności narodu rosyjskiego. A prości ludzie, wierni staremu sposobowi życia, wraz z rozwojem życia biznesowego, coraz częściej zmuszeni są stawić czoła nowoczesnemu państwu. Musiałem zwracać się do sądów o rozstrzygnięcie sporów majątkowych i spadkowych, o uzyskanie zezwoleń na rybołówstwo i handel w różnych instytucjach. Funkcjonariusze oszukali ich, zastraszyli i okradli. Dlatego najmądrzejsi zaczęli uczyć swoje dzieci, zaczęli przystosowywać się do „europejskiego” życia. Ale początkowo tylko różne zewnętrzne aspekty klas wyższych były często mylone z edukacją.
Bogaci ludzie, którzy jeszcze wczoraj żyli po staremu, i nowe wymagania, jakie władczo narzuca im współczesne życie, są podstawą komediowych konfliktów młodego Ostrowskiego, i to nawet tych, w których śmieszne przeplata się ze smutnym: w końcu dziwactwa tych w władzy są nie tylko śmieszne, ale i niebezpieczne dla biednych: zależnych i uciskanych.
Jego ogólnorosyjska sława rozpoczęła się od drugiej komedii - „Zbierzmy naszych ludzi razem!” (lub „Bankrut” 1849) Sztuka odniosła ogromny sukces wśród czytelników po opublikowaniu jej w czasopiśmie „Moskovityanin”. Jednak jego produkcję zakazano na polecenie samego cara Mikołaja 1. Zakaz cenzury obowiązywał jedenaście lat.
Już w komedii „Własni ludzie - osiedlajmy się!” pojawiły się główne cechy dramaturgii Ostrowskiego: umiejętność ukazania ważnych ogólnorosyjskich problemów poprzez konflikt rodzinny, stworzenie żywych i rozpoznawalnych postaci nie tylko głównych, ale także drugoplanowych. W jego sztukach brzmi soczysta, żywiołowa mowa ludowa. I każdy z nich - nie jest prostym, dającym do myślenia zakończeniem.
Po: jak w komedii „Własni ludzie - osiedlajmy się!” powstał tak ponury obraz, Ostrovsky chciał pokazać pozytywnych bohaterów, zdolnych przeciwstawić się niemoralności i okrucieństwu współczesnych stosunków. Bał się zaszczepić w swoich okularach poczucie beznadziejności. To właśnie te postacie, wzywające do współczucia, pojawiają się w komedii „Nie siadaj na saniach” (1853) (pierwsza sztuka Ostrowskiego, która wyszła na scenę) i „Ubóstwo nie jest wadą” (1954).
W 1956 roku Ostrowski podróżował wzdłuż Wołgi: od źródła rzeki do Niżnego Nowogrodu. Otrzymane wrażenia karmiły jego twórczość przez wiele lat. Znalazły one także odzwierciedlenie w Burzy z piorunami (1959), jednej z jego najsłynniejszych sztuk. Akcja spektaklu rozgrywa się w fikcyjnym, odległym miasteczku Kalinovo. Ostrovsky pokazał w sztuce nie tylko zewnętrzne okoliczności tragedii: powagę teściowej, brak woli męża i jego przywiązanie do wina; obojętny formalny stosunek kalinowitów do wiary; nie tylko władcza chamstwo bogatych kupców, bieda i przesądy mieszkańców. Najważniejsze w sztuce jest życie wewnętrzne bohaterki, pojawienie się w niej czegoś nowego, wciąż dla niej niejasnego. Dramat Ostrowskiego niejako uchwycił Rosję ludową w punkcie zwrotnym, u progu nowej ery historycznej.
W latach 60. w dziele Ostrowskiego pojawia się także bohater szlachcica. Ale takiego, który jest zajęty nie poszukiwaniem prawdy, ale udaną karierą. Na przykład w komedii „Dość głupoty każdemu mędrcowi” znajduje się cała galeria szlachetnych typów, którzy na różne sposoby doświadczają zniesienia pańszczyzny. Głównymi bohaterami „Lasu” są dwie osoby ze szlacheckiej rodziny Gurmyżskich: bogata właścicielka ziemska w średnim wieku, która roztrwoni majątek wraz z kochankami, a jej siostrzeniec jest aktorem.
W najnowszych dziełach Ostrowskiego kobieta coraz częściej znajduje się w centrum wydarzeń. Pisarz zdaje się być zawiedziony moralnymi zasługami aktywnego bohatera, „człowieka biznesu”, którego zainteresowania i witalność zbyt często zostają całkowicie pochłonięte przez walkę o sukces materialny. Pod koniec swojej kariery twórczej napisał dramat „Bogate narzeczone”, ale najsłynniejsza sztuka Ostrowskiego dotyczy losu: jak to wówczas wyrażano, „dziewczyny w wieku małżeńskim” – „Posag” (1878)
W ostatnich dziesięcioleciach swojego życia Ostrovsky stworzył rodzaj artystycznego pomnika teatru narodowego. W 1972 roku napisał komedię wierszowaną „Komik XVII wieku” o narodzinach pierwszego rosyjskiego teatru. Ale sztuki Ostrowskiego o współczesnym teatrze są znacznie bardziej znane - „Talenty i wielbiciele” (1981) i „Winny bez winy” (1983). Tutaj pokazał, jak kuszące i trudne jest życie aktorów.
Pracując na rosyjskiej scenie przez prawie czterdzieści lat, Ostrovsky stworzył cały repertuar – około pięćdziesięciu sztuk. Dzieła Ostrowskiego wciąż pozostają na scenie. A po stu pięćdziesięciu latach nietrudno dostrzec w pobliżu bohaterów jego sztuk.
Ostrovsky zmarł w 1886 roku w swojej ukochanej posiadłości Trans-Wołga Shchelykovo, która znajduje się w gęstych lasach Kostromy: na pagórkowatych brzegach małych krętych rzek. Życie pisarza toczyło się przeważnie w tych kluczowych miejscach Rosji: gdzie od najmłodszych lat mógł obserwować pierwotne zwyczaje i obyczaje, wciąż w niewielkim stopniu dotknięte współczesną cywilizacją miejską, i słyszeć rodzimą mowę rosyjską.
Aleksander Nikołajewicz Ostrowski urodził się 31 marca (12 kwietnia) 1823 r. w Moskwie. Jego ojciec, absolwent Moskiewskiego Seminarium Teologicznego, służył w moskiewskim sądzie miejskim. Zajmował się procesami prywatnymi w sprawach majątkowych i gospodarczych. Matka z rodziny duchownej, córka kościelnego i proswira, zmarła, gdy przyszły dramaturg miał osiem lat. Ostrovsky spędza dzieciństwo i wczesną młodość w Zamoskworieczach – szczególnym zakątku Moskwy, w którym panuje kupiecko-drobnomieszczański styl życia. Aleksander już jako dziecko był uzależniony od czytania, otrzymuje dobre wykształcenie w domu, zna grekę, łacinę, francuski, niemiecki, a później - angielski, włoski, hiszpański. Kiedy Aleksander miał trzynaście lat, jego ojciec ożenił się po raz drugi z córką zrusyfikowanego szwedzkiego barona, który nie był zbyt zajęty wychowywaniem dzieci z pierwszego małżeństwa męża. Wraz z jej przybyciem sposób życia domowego ulega zauważalnej zmianie, życie oficjalne zostaje przerysowane w szlachetny sposób, zmienia się otoczenie, w domu słychać nowe przemówienia.
Do tego czasu przyszły dramaturg przeczytał prawie całą bibliotekę ojca. Z lat 1835-1840 - Ostrowski studiuje w Pierwszym Moskiewskim Gimnazjum. W 1840 roku, po ukończeniu gimnazjum, wstąpił na wydział prawa Uniwersytetu Moskiewskiego. Na uniwersytecie student prawa Ostrowski miał szczęście słuchać wykładów takich koneserów historii, prawoznawstwa i literatury, jak T.N. Granovsky, N.I. Kryłow, M.P. Pogodin. Tutaj po raz pierwszy bogactwo kronik rosyjskich zostaje odkryte przed przyszłym autorem „Minina” i „Wojewody”, język pojawia się przed nim w perspektywie historycznej. Ale w 1843 r. Ostrowski opuścił uniwersytet, nie chcąc ponownie przystąpić do egzaminu. Następnie wstąpił do biura Moskiewskiego Sądu Konstytucyjnego, później służył w Sądzie Handlowym (1845–1851). To doświadczenie odegrało znaczącą rolę w twórczości Ostrowskiego. Drugą uczelnią jest Teatr Mały. Uzależniwszy się od sceny już w gimnazjum, Ostrowski stał się stałym bywalcem najstarszego rosyjskiego teatru. 1847 - Ostrovsky publikuje na moskiewskiej liście miast pierwszy szkic przyszłej komedii „Nasi ludzie - rozstrzygnijmy” pod tytułem „Niewypłacalny dłużnik”, następnie komedię „Malowanie szczęścia rodzinnego” (później „Obraz rodzinny”) i esej w prozie „Notatki mieszkańca Zamoskvoreckiego” . „Najbardziej pamiętnym dniem w moim życiu” – wspomina Ostrowski – „był 14 lutego 1847 r.… Od tego dnia zacząłem uważać się za pisarza rosyjskiego i już bez wątpienia i wahania wierzyłem w swoje powołanie”. Uznanie Ostrowskiego pochodzi z komedii „Nasi ludzie – rozstrzygnijmy” (oryginalny tytuł – „Bankrut”, ukończony pod koniec 1849 r.). Jeszcze przed publikacją zyskał popularność (w odbiorze autora i P.M. Sadowskiego), wywołał aprobatę ze strony H.V. Gogol, I.A. Goncharova, T.H. Granowski i inni „Zaczął niezwykle…” – zeznaje I.S. Turgieniew. Jego pierwsza duża sztuka „Own People – Let's Settle” zrobiła ogromne wrażenie. Nazywano ją rosyjską „Tartuffe”, „brygadierem” XIX w., kupieckim „biada dowcipu” w porównaniu z „inspektorem”; Wczoraj nieznane jeszcze nazwisko Ostrowskiego znalazło się obok nazwisk największych komików – Moliera, Fonvizina, Gribojedowa, Gogola.
Posiadając wybitny temperament społeczny, Ostrovsky przez całe życie aktywnie walczył o stworzenie realistycznego teatru nowego typu, o prawdziwie artystyczny repertuar narodowy, o nową etykę aktora. W 1865 r. Utworzył Moskiewskie Koło Artystyczne, założył i kierował Towarzystwem Rosyjskich Pisarzy Dramatycznych (1870), napisał liczne „Notatki”, „Projekty”, „Rozważania” do różnych wydziałów, proponując podjęcie pilnych działań w celu powstrzymania upadku sztuka teatralna. Twórczość Ostrovsky miał decydujący wpływ na rozwój rosyjskiego dramatu i rosyjskiego teatru. Jako dramaturg i reżyser Ostrovsky przyczynił się do powstania nowej szkoły realistycznego aktorstwa, promocji galaktyki aktorów (zwłaszcza w Moskiewskim Teatrze Małym: rodzina Sadowskich, S.V. Wasiliew, L.P. Kositskaya, później - G.N. Fedotova, M.N. Ermolova i inni). Biografia teatralna Ostrowskiego wcale nie pokrywała się z jego biografią literacką. Widzowie zapoznawali się z jego sztukami w zupełnie innej kolejności, w jakiej były pisane i drukowane.
Zaledwie sześć lat po rozpoczęciu publikowania przez Ostrowskiego, 14 stycznia 1853 roku, kurtyna podniosła się podczas prawykonania komedii „Nie wsiadaj na sanie” w Teatrze Małym. Sztuka pokazana publiczności jako pierwsza była szóstą ukończoną sztuką Ostrowskiego. W tym samym czasie dramaturg zawarł cywilne małżeństwo z dziewczyną Agafią Iwanowną Iwanową (która miała od niego czworo dzieci), co doprowadziło do zerwania stosunków z ojcem. Według naocznych świadków była to miła, serdeczna kobieta, której Ostrowski zawdzięczał znaczną część swojej wiedzy o życiu w Moskwie. W 1869 roku, po śmierci Agafii Iwanowny na gruźlicę, Ostrowski zawarł nowe małżeństwo z aktorką Teatru Małego Marią Wasiljewą. Z drugiego małżeństwa pisarz miał pięcioro dzieci. Członek korespondent Cesarskiej Akademii Nauk w Petersburgu (1863) Poglądy literackie Ostrowskiego ukształtowały się pod wpływem estetyki V.G. Bieliński. Dla Ostrowskiego, podobnie jak dla innych pisarzy rozpoczynających działalność w latach 40., artysta jest swoistym badaczem-fizjologiem, który specjalnemu badaniu poddaje różne części organizmu społecznego, otwierając przed współczesnymi mu jeszcze niezbadane obszary życia. W polu otwartym tendencje te znalazły wyraz w szeroko rozpowszechnionym w literaturze lat czterdziestych i pięćdziesiątych gatunku tzw. „eseju fizjologicznego”.
Ostrowski był jednym z najzagorzalszych przedstawicieli tego trendu. Wiele z jego wczesnych dzieł zostało napisanych w formie „szkicu fizjologicznego” (szkice życia poza Moskwą; szkice dramatyczne i „obrazy”: „Obraz rodzinny”, „Poranek młodzieńca”, „Przypadek niespodziewany”; później , w 1857 r., - „Bohaterowie się nie zgodzili”. W bardziej złożonym załamaniu cechy tego stylu znalazły także odzwierciedlenie w większości innych dzieł Ostrowskiego: studiował życie swojej epoki, obserwując je jak pod mikroskopem, jak uważny badacz-eksperymentator. Świadczą o tym wyraźnie dzienniki jego podróży po Rosji, a zwłaszcza materiały z wielomiesięcznej podróży (1865) wzdłuż górnej Wołgi w celu wszechstronnego rozpoznania regionu. Opublikowany raport Ostrovsky'ego z tej podróży oraz szkice notatek stanowią rodzaj encyklopedii informacji na temat gospodarki, składu ludności, zwyczajów i obyczajów tego regionu. Jednocześnie Ostrovsky nie przestaje być artystą - po tej podróży pejzaż Wołgi jako poetycki motyw przewodni pojawia się w wielu jego sztukach, począwszy od „Burzy z piorunami”, a skończywszy na „Posagu” i „Województwie (Sen na Wołga)”. Dodatkowo pojawia się pomysł na cykl spektakli „Noce nad Wołgą” (częściowo zrealizowany). Winni bez winy to ostatnie arcydzieło Ostrowskiego. W sierpniu 1883 roku, właśnie w czasie pracy nad tą sztuką, dramatopisarz pisał do brata: „Troska o pisanie: jest wiele na początek, są dobre wątki, ale… są niewygodne, trzeba coś wybrać mniejszy.Już żyję swoim życiem.Kiedy będę miał czas, żeby się przemówić i pójść do grobu, nie robiąc wszystkiego, co mogłem? Pod koniec życia Ostrowski w końcu osiągnął dobrobyt materialny (otrzymał dożywotnią emeryturę w wysokości 3 tysięcy rubli), aw 1884 roku objął stanowisko szefa repertuaru teatrów moskiewskich (dramaturg marzył o służbie teatrowi przez całe życie ). Ale jego zdrowie zostało nadwątlone, jego siły się wyczerpały. Ostrovsky nie tylko uczył, ale także studiował.
Liczne eksperymenty Ostrowskiego w dziedzinie przekładu literatury dramatycznej starożytnej, angielskiej, hiszpańskiej, włoskiej i francuskiej świadczyły nie tylko o jego doskonałej znajomości literatury dramatycznej wszystkich czasów i narodów, ale słusznie zostały uznane przez badaczy jego twórczości za rodzaj szkoły umiejętności dramatycznych, przez którą Ostrowski przeszedł przez całe życie (zaczął w 1850 r. od tłumaczenia komedii Szekspira Poskromienie złośnicy). Śmierć przyłapała go na tłumaczeniu tragedii Szekspira „Antoni i Kleopatra”) 2 (14 czerwca 1886 r.) w posiadłości Szczelykowo w regionie Kostroma z powodu choroby dziedzicznej - dusznicy bolesnej. Zszedł do grobu, nie czyniąc wszystkiego, co mógł, a uczynił bardzo wiele. Po śmierci pisarza Duma Moskiewska utworzyła czytelnię im. A.N. Ostrowski. 27 maja 1929 roku w Moskwie, na Placu Teatralnym przed budynkiem Teatru Małego, gdzie wystawiano jego sztuki, odsłonięto pomnik Ostrowskiego (rzeźbiarz N.A. Andreev, architekt I.P. Mashkov). JAKIŚ. Ostrovsky jest wymieniony w rosyjskiej Księdze Rekordów „Divo” jako „najbardziej płodny dramaturg” (1993). Twórczość Ostrowskiego można podzielić na trzy okresy: 1. – (1847–1860), 2. – (1850–1875), 3. – (1875–1886). OKRES PIERWSZY (1847-1860) Zawiera sztuki ukazujące życie przedreformacyjnej Rosji. Na początku tego okresu Ostrovsky aktywnie współpracował jako redaktor i krytyk z magazynem Moskwitianin, publikując w nim swoje sztuki. Zaczynając od kontynuatora oskarżycielskiej tradycji Gogola („Nasi ludzie – rozstrzygnijmy”, „Biedna panna młoda”, „Nie dogadywaliśmy się”), następnie, częściowo pod wpływem głównego ideologa magazynu Moskwitianin A.A. Grigoriewa w sztukach Ostrowskiego zaczynają brzmieć motywy idealizacji rosyjskiego patriarchatu, zwyczajów starożytności („Nie wsiadaj do sań” (1852), „Bieda nie jest wadą” (1853), „Nie żyj tak, jak chcesz ” (1854). Te nastroje Krytyczny patos Ostrowskiego został stłumiony od 1856 r. Ostrowski, stały współpracownik magazynu Sovremennik, zbliżał się do postaci demokratycznego dziennikarstwa rosyjskiego. kac „(1855), „Miejsce dochodowe” (1856 ), „Burza z piorunami” (1859). OKRES DRUGI (1860–1875) Zawiera sztuki odzwierciedlające życie Rosji po reformie. Ostrowski nadal pisze codzienne komedie i dramaty („Ciężkie dni”, 1863 , „Jokers”, 1864, „Otchłań”, 1865), wciąż niezwykle uzdolniony, ale raczej utrwalający już odnalezione motywy niż opanowujący nowe. W tym czasie Ostrowski zwrócił się także do problemów historii narodowej, do tematu patriotycznego. Na podstawie studiów nad szeroką gamą źródeł tworzy cykl sztuk historycznych: „Kozma Zacharyich Minin – Sukhoruk” (1861; wydanie 2 1866), „Wojewoda” (1864; wydanie 2 1885), „Dmitrij pretendent i Wasilij Szujski” (1866), „Tuszino” (1866). Ponadto powstaje cykl komedii satyrycznych („Prostoty wystarczy dla każdego mądrego człowieka” (1868), „Ciepłe serce” (1868), „Szalone pieniądze” (1869), „Las” (1870), „Wilki i owce” (1875). Wśród sztuk drugiego okresu wyróżnia się dramatyczny poemat wierszowany „Śnieżna dziewica” (1873) - „wiosenna opowieść” z definicji autora, stworzona na podstawie ludowe opowieści, wierzenia, zwyczaje OKRES TRZECI (1875 - 1886) Prawie wszystkie dzieła dramatyczne Ostrowskiego z lat 70. i początku 80. ukazują się w czasopiśmie „Otechestvennye Zapiski”. W tym okresie Ostrowski tworzy znaczące dramaty społeczno-psychologiczne i komedie o tragicznych wydarzeniach losy bogato uzdolnionych, wrażliwych kobiet w świecie cynizmu i egoizmu („Posag”, 1878, „Ostatnia ofiara”, 1878, „Talenty i wielbiciele”, 1882 itd.) Tutaj pisarz rozwija nowe formy sceniczne ekspresyjność, pod pewnymi względami wyprzedzająca sztuki A. P. Czechowa: zachowując charakterystyczne cechy swojej dramaturgii, Ostrowski stara się ucieleśnić „wewnętrzną walkę” w „inteligentnej, subtelnej komedii” (zob. „A.N. Ostrovsky we wspomnieniach swoich współczesnych”, 1966, s. 13-13. 294). Dramaturg zapisał się w historii literatury rosyjskiej nie tylko jako „Kolumb z Zamoskworieczy”, jak go nazywała krytyka literacka, ale twórca rosyjskiego teatru demokratycznego, który do praktyki teatralnej zastosował osiągnięcia rosyjskiej prozy psychologicznej XIX wieku. Ostrovsky jest rzadkim przykładem długowieczności scenicznej, jego sztuki nie schodzą ze sceny – to znak prawdziwie ludowego pisarza. Dramaturgia Ostrowskiego zawierała w sobie całą Rosję – jej sposób życia, zwyczaje, historię, baśnie, poezję. Trudno nam nawet sobie wyobrazić, o ile biedniejsze byłoby nasze wyobrażenie o Rosji, o Rosjaninie, o rosyjskiej naturze, a nawet o nas samych, gdyby świat twórczości Ostrowskiego dla nas nie istniał. Nie z zimną ciekawością, ale z litością i złością patrzymy na życie ucieleśnione w sztukach Ostrowskiego. Współczucie dla pokrzywdzonych i oburzenie na „ciemne królestwo” – oto uczucia, których doświadczył dramatopisarz i które niezmiennie w nas wzbudza. Jednak nadzieja i wiara, które zawsze żyły w tym niezwykłym artyście, są nam szczególnie bliskie. I wiemy – ta nadzieja jest w nas, to jest wiara w nas.
Twórczość repertuarowa Ostrowskiego, dramaturg