Muzyka obca końca XIX - początku XX wieku. Rosyjska kultura muzyczna XIX wieku i jej światowe znaczenie

19.04.2019

główne kierunki sztuki. Powstanie rosyjskiej klasycznej szkoły kompozytorskiej

Wiek XIX wszedł do historii rosyjskiej kultury narodowej jako okres wielkich podbojów sztuki muzycznej, jej pełnego, wszechstronnego rozwoju. Już w latach trzydziestych XIX wieku muzyka rosyjska osiągnęła poziom klasyczny w twórczości Glinki. A w drugiej połowie stulecia szybko wspiął się na wyżyny światowej kultury, wzbogacając świat dziełami o nieprzemijającej wartości artystycznej. W twórczości Glinki i jego następców - Czajkowskiego, Musorskiego, Rimskiego-Korsakowa, Borodina, muzyka stała się prawdziwym wyrazem ludzkich myśli i aspiracji, wynikiem wielowiekowych doświadczeń nagromadzonych w świadomości ludowej.

W swoim historycznym rozwoju rosyjska szkoła kompozytorska XIX wieku przeszła nie tylko szybką, ale i trudną ścieżkę. W rozwoju kultury rosyjskiej w pierwszej połowie XIX wieku wyraźnie rozwijają się dwa etapy, wyraźnie odgraniczone wydarzeniami z 14 grudnia 1825 r.: pierwsza ćwierć wieku - lata wojny ojczyźnianej i dojrzewania dekabryzmu. Cały następny okres, który nastąpił po powstaniu dekabrystów, aż do 1855 r., to koniec wojny krymskiej. W historii sztuki rosyjskiej powstanie dekabrystów przeżyło głęboki kamień milowy. Ideologia dekabryzmu służyła jako gleba, na której wyrosło dzieło Puszkina. Oto bogata, różnorodna twórczość poetów z kręgu Puszkina N.M. Jazykowa, A.A. Delviga, EA Baratyński, D.V. Venivitinova.

Zdecydowanych przesunięć dokonano także w dziedzinie młodszej sztuki muzycznej. W latach dwudziestych Glinka rozpoczął karierę. Nadchodzi wzrost rosyjskich tekstów romantycznych, karmionych twórczością rosyjskich poetów. Występują utalentowani rówieśnicy Glinki, Alyabyev i Verstovsky. Romantyczne opery Wierstowskiego po raz pierwszy pojawiły się na scenie teatralnej i odniosły ogromny sukces, aw twórczości Alyabyeva tworzy się nowy, bogaty psychologicznie gatunek romansu-monologu.

Wszystkie te znaczące zjawiska muzyki rosyjskiej powstały w ścisłym związku z poszukiwaniami estetycznymi, zrodzonymi w atmosferze burzliwych, niepokojących wydarzeń. Dotyczy to przede wszystkim sztuki Puszkina, który miał decydujący wpływ nie tylko na Glinkę, ale na całą ścieżkę rozwoju muzyki rosyjskiej.

Realistyczna estetyka Puszkina, „poety rzeczywistości”, odcisnęła głębokie piętno na rosyjskiej muzyce XIX wieku. Puszkinowska koncepcja dramatu historycznego przygotowała Glince drogę do ludowo-heroicznej opery Iwan Susanin. Rusłan i Ludmiła i Rusałka Puszkina, głęboko ludowe w duchu i stylu, zdeterminowały dalszy rozwój rosyjskiej opery klasycznej Glinki i Dargomyżskiego. Jego liryczne wiersze stały się podstawą rosyjskiego romansu klasycznego.

Zasady estetyki realistycznej, którymi żywiła się myśl muzyczna, stanowiły najważniejszą podstawę twórczej działalności kompozytorów klasycznych. W rosyjskiej muzyce klasycznej. Podobnie jak w dziełach wielkich pisarzy rosyjskich, wszechstronność metody realistycznej przejawiała się ze szczególną kompletnością. Otrzymał określony wyraz w każdej niezależnej dziedzinie sztuki.

Biorąc pod uwagę złożony obraz rozwoju kultury muzycznej XIX wieku, nie należy zapominać o głębokich sprzecznościach, jakie towarzyszyły temu procesowi. Kompozytorzy rosyjscy potwierdzili swoją sztukę, swoje zasady estetyczne w walce z zacofanymi gustami dworu i arystokracji, z dominacją bladej, naśladowczej muzyki, która kwitła w tym środowisku o banalnych gustach „wykształconej” publiczności, zasadniczo niezaangażowanej w wysokiej kulturze muzycznej. Przykładem jest sceniczna historia oper Glinki i Dargomyżskiego, która wywołała ostre potępienie ze strony reakcyjnych krytyków. Walka o klasykę rosyjską nasiliła się jeszcze bardziej w związku z rewolucyjnym ruchem demokratycznym lat 60. Los Bałakiriewa. Zmuszony do wycofania się z działalności muzycznej w sile wieku i talentu, przedwczesna śmierć Musorgskiego - to fakty świadczące o wyjątkowej złożoności drogi twórczej rosyjskich kompozytorów klasycznych.

Wiernymi sojusznikami tych muzyków byli najwybitniejsi krytycy muzyczni, twórcy rosyjskiej nauki muzykologicznej Odojewski, Sierow, Stasow. Ich poglądy ukształtowały się pod bezpośrednim wpływem Glinki. Odojewski był rówieśnikiem i przyjacielem wielkiego kompozytora, Stasow i Serow byli jego młodszymi rówieśnikami i wielbicielami. Przypisuje się im teoretyczne uzasadnienie zasad twórczych szkoły Glinki, ustanowienie w rosyjskiej nauce muzycznej oraz krytykę najważniejszych zasad narodowości i realizmu.

ROSYJSKA KULTURA MUZYCZNA XIX WIEKU

I POŁOWA XIX WIEKU

Tło historyczne. Panowanie Aleksandra I, wojna z Napoleonem, powstanie dekabrystów i prawie 30 lat reakcji, Mikołaj I. Tym samym epoka społecznego zrywu zostaje zastąpiona erą reakcji. Znajduje to odzwierciedlenie we wszystkich rodzajach sztuki, trendy klasyczne są stopniowo zastępowane przez romantyczne.

W literaturze - najpierw Puszkin i jemu współcześni: Delvig, Żukowski, Jazykow, Baratyński, poeci dekabryści. W latach 30-40 - artykuły krytyczne Lermontowa, Gogola, Bielińskiego.

W malarstwie, w trzewiach klasycyzmu, rodzi się i kwitnie romantyzm (Karl Bryullov - „Ostatni dzień Pompejów”).

Architektura i sztuka użytkowa - późny klasycyzm, cesarstwo (Imperium - epoka napoleońska).

W muzyce pierwsze 20 lat mieści się w tradycjach XVIII wieku. W dobie narodowego zrywu rola opery jest zawsze wzmacniana. Teatr muzyczny tego okresu stopniowo się rozwija, a do lat 20. istnieją już różne gatunki:

1) Dramat, czyli tragedia z muzyką (Kozlovsky, Titov, Davydov).

2) Wodewil (z czasów Rewolucji Francuskiej) to lekka komedia z kupletami (Alyabyev, Varlamov, Verstkovsky).

3) Opera historyczna (Włoch Caterino Cavos napisał operę „Ivan Susanin”, która działała do połowy lat 30.).

4) Bajkowo-fantastyczna opera („Lesta - Dniepr Syrenka”, Davydov, Kavos).

5) Balet. Głównie z artystami zagranicznymi. Titov, Kavos, Davydov napisał.

Zwieńczeniem pierwszej połowy XIX wieku była twórczość Glinki, która położyła podwaliny pod rosyjską klasykę muzyczną. Złotym połączeniem tej epoki jest poezja Puszkina i muzyka Glinki.

Ostatni okres (lata 40.-50.): późna twórczość Glinki. Rozkwit twórczości Dargomyżskiego to pierwszy szczyt realizmu w muzyce rosyjskiej. Glinka i Dargomyżski wyrażali na swój sposób romantyzm swoich czasów.

^ Publiczne życie muzyczne.

1) To okres rozkwitu prywatnych salonów muzycznych w domach rosyjskich arystokratów (na przykład salon Odojewskiego, który był oświeconym muzykiem i głębokim krytykiem muzycznym; jego salon odwiedzali także wybitni europejscy muzycy koncertujący, w tym Liszt).

2) Orkiestry i teatry pańszczyźniane nadal istnieją; popularna jest muzyka Mozarta, Haydna, Rossiniego itp.

3) Rośnie plejada rosyjskich muzyków.

4) W 1802 r. Otwarto pierwszą organizację koncertową w Rosji - Towarzystwo Filharmoniczne. Pierwszy okres rozkwitu RMK rozpoczyna się wraz z zakończeniem formowania się rosyjskiego klasycznego stylu muzycznego. Zwieńczeniem tego okresu jest twórczość Glinki.

Rosyjski klasyczny styl muzyczny wchłonął różne źródła:

1) folklor rosyjski i ukraiński;

2) tradycje duchowego śpiewu chóralnego;

3) rosyjska pieśń miejska i codzienny romans (bardzo ważny jest wpływ cygańskiego stylu wykonawczego);

4) tradycyjne zainteresowanie kulturami muzycznymi innych ludów: muzyką wschodnią (orientalizm) oraz polską i hiszpańską;

5) tradycje wiedeńskiej szkoły symfonicznej;

6) doświadczenie opery włoskiej.

Lata 60.-70. XIX wieku

1) Tło historyczne: Aleksander II, klęska w wojnie krymskiej, krytyka samowładztwa, powstanie narodowe i zniesienie pańszczyzny (1861). Wiodąca rola demokratycznie nastawionej inteligencji.

2) ^ Estetyka i filozofia: następcy Bielińskiego - Czernyszewski i Dobrolubow; idee populizmu, równości, komuny. Zainteresowanie historią Rosji, problemami społecznymi, życiem ludu.

3) Literatura: złoty wiek - Dostojewski, Turgieniew, Tołstoj, Ostrowski, Saltykow-Szczedrin, krąg czasopisma Sovremennik. Powstanie realizmu w literaturze. Głęboki psychologizm i tematy społeczne, satyra.

4) ^ Sztuki wizualne: podobny zakres tematów. Istnieje sprzeciw wobec Akademii Sztuk Pięknych - Arteli Petersburga, stojących na zasadach realizmu. Od lat 70. działa Stowarzyszenie Wystaw Objazdowych: Kramskoj („Nieznajomy”), Perow („Trojka”, „Odpoczywający myśliwi”), Repin („Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Wozy barkowe nad Wołgą”), Wasniecow („Alyonushka” , „Bogatyrs”), Surikov („Boyar Morozova”, „Poranek egzekucji Streltsy”), Savrasov („Przybyły gawrony”), pejzaże Shishkin, Kuindzhi.

5) Nauka: wybitne odkrycia w naukach przyrodniczych. Sieczenow, Timiriazew, Mendelejew. Nauki muzyczne - Stasov, Serov, Cui, Laroche.

6) ^ Wybitni wykonawcy: bracia Rubinstein; G. Venyavsky, L. Auer - skrzypce-chi. K. Yu Davydov - dyrygent i wiolonczelista. E.F. Napravnik jest kompozytorem i dyrygentem. Osip Petrov, Yu F. Platonova i inni.

7) ^ Publiczne życie muzyczne: od salonów prywatnych po formy masowe i demokratyczne. Towarzystwa Filharmonicznego. Dworska Kaplica Śpiewająca nadal działa. W 1859 r. w Petersburgu, a rok później w Moskwie otwiera się RMS. Została założona przez Antona Rubinsteina. Na podstawie RMO otwarto konserwatoria: w 1862 r. – w Petersburgu, w 1866 r. – w Moskwie. Po raz pierwszy w Rosji muzycy otrzymują wyższe wykształcenie zawodowe. Z drugiej strony Bałakiriew otwiera (z pomocą Stasowa i Łomakina) bezpłatną szkołę muzyczną dla mas i organizuje koncerty. Te 2 szkoły są w opozycji (konserwatoria są wspierane przez cesarza). Bałakiriew dużo dyryguje, także w krajach Europy Wschodniej, co zacieśnia więzi słowiańskie. Do Rosji przyjeżdżają najwięksi muzycy Europy: Schumann, Liszt, Wagner, Berlioz. Kompozytorzy tego okresu z wielkim zainteresowaniem studiowali RNP, przetwarzali i publikowali kolekcje (Bałakiriew, Rimski-Korsakow, Czajkowski).

8) ^ Główne stowarzyszenia muzyczne i główni kompozytorzy:

Koło Balakiriewa (Nowa rosyjska szkoła muzyczna - „Potężna garstka”). W Europie nazywa się to „Piątką”. Kontynuacja tradycji Glinki i Dargomyżskiego + zainteresowanie rosyjską historią, folklorem, a także ideami demokratycznymi. Główni członkowie Potężnej Garstki: Bałakiriew, Musorgski, Cui Rimski-Korsakow, Borodin (tymczasowo dołączyli także Gussakowski, Ładyżeński, Szczerbaczow). Stasow jest inspiratorem ideowym, wybitnym krytykiem sztuki. Pomagał w pracy koła, wspierał młodych kompozytorów, dostarczał im materiałów literackich i historycznych do pracy nad operami.

Koło Antona Rubinsteina - RMS, konserwatoria i profesorowie. Starali się przybliżyć muzykę rosyjską do tradycji zachodnioeuropejskich.

Serow jest kompozytorem, publicystą, analitykiem.

Koło artystyczne prowadzone przez N. Rubinsteina, dramaturga Ostrowskiego, krytyka Odojewskiego + artyści Teatru Małego. Dołączył do nich młody Czajkowski. Napisał muzykę do spektakli „Burza z piorunami”, „Snow Maiden” (Moskwa).

9) ^ Główne gatunki muzyczne: 1. Rozwija się piosenka i romans, pogłębia się psychologizm, komplikuje się język muzyczny, duże miejsce zajmuje temat społeczny (Musorgski). 2. Opera: dominują 3 główne kierunki - historyczny, liryczno-psychologiczny i komiczny. 3. Balet przeżywa odrodzenie w twórczości Czajkowskiego. 4) Muzyka symfoniczna - „The Mighty Handful” rozwija symfonizm ludowy i epicki.

„Raek” - żart muzyczny (1870, słowa Musorgskiego).

Dedykowane Stasowowi (poddał pomysł). Gatunek - broszura muzyczna. Galeria parodii.

Nr 1, Zaremba jest staromodnym i konserwatywnym profesorem-teoretykiem, dyrektorem Konserwatorium Petersburskiego. Muzyka jest imitacją oratorium Haendla „Maccabee”; „moll-tone to grzech przodka, dur-tone to grzech odkupienia”.

Nr 2, Rościsław - krytyk i kompozytor Teofil Tołstoj (Musorgski skrócił swoje nazwisko do „Fif”) Był słabym krytykiem, ale był też miłośnikiem włoskiej opery. Muzyka jest parodią Patona - walca salonowego.

Nr 3, krytyk muzyczny Fomintsev. Stasov miał z nim polemikę w prasie (stąd wskazówka o „nieprzyzwoitym kleksie”). Musorgski przedstawił go w „klasykach”.

Nr 4, kompozytor i krytyk Serow. Tutaj Musorgski cytuje fanfary ze swojej Rognedy, nawiązując do swojego podziwu dla Wagnera. Sierow był oburzony w prasie, że nie dano mu wolnego miejsca na koncertach RMS, że Berlioz nie zaprosił go na obiad, który dał Potężnej Garstce, że nie został mianowany dyrektorem RMS.

Wtedy pojawienie się Euterpe jest aluzją do Wielkiej Księżnej Eleny Pawłownej, która patronowała RMS i konserwatorium, a także wspierała krytyczny muzycznie dziennik Sierowa.

Nr 5, hymn do Muzy - wszyscy razem śpiewają (nr 1 - nr 4) na temat "Pieśni głupców" z "Rognedy". Istota ironii: wszyscy liczą na dotacje (gloryfikacja Euterpe nie jest bezinteresowna).

W pierwszej połowie XIX wieku rosyjska muzyka klasyczna zaczęła się rozwijać. Twórczość Glinki i Dargomyżskiego otwiera okres szybkiego wzrostu narodowej sztuki muzycznej na wyżyny światowej kultury. Rozwój muzyki był częścią ogólnego procesu - powstania całej rosyjskiej sztuki w znaczącym okresie historycznego rozwoju państwa rosyjskiego. Wojna Ojczyźniana 1812 r. i powstanie dekabrystów w 1825 r. spowodowały potężną eksplozję uczuć patriotycznych, wzrost duchowej siły narodu. „Dwunasty rok”, napisał Belinsky, „trzęsąc całą Rosją od końca do końca, obudził jej uśpione siły i odkrył w jej nowych, nieznanych dotąd źródłach siły…”

W tym okresie miała miejsce formacja rosyjskiej literatury klasycznej, muzyki i malarstwa. Wiodąca rola przypadła literaturze. Znakiem epoki było dzieło Puszkina, które zostało przygotowane przez dzieła Żukowskiego, Karamzina, Batiuszkowa, Kryłowa. Puszkin był twórcą rosyjskiego języka literackiego, wyznaczając tym samym dalszą drogę rozwoju literatury narodowej. W tym samym czasie, co Puszkin, Gribojedow, Rylejew, Wiazemski, Delvig, Jazykow, Baratyński komponowali swoje dzieła; później rozpoczyna się twórcze życie Lermontowa, Gogola, Kolcowa, Bielińskiego. W połowie wieku pojawi się nowa generacja pisarzy - Dostojewski, Tołstoj, Niekrasow, Turgieniew, Gonczarow i inni.

Pierwsza połowa XIX wieku to początek rosyjskiego malarstwa klasycznego (obrazy Kiprenskiego, Tropinina, Wenecjanowa, Szczedrina, Bryulłowa, Iwanowa, Fedotowa) i rzeźby (Kłodt i inni), architektury (Woronikhin, Zacharow, Beauvais, Gilardi, Rossi ).

Na sztukę rosyjską pierwszych dziesięcioleci XIX wieku duży wpływ wywarł nowy europejski nurt artystyczny – romantyzm. „Romantyzm to pierwsze słowo, które zapowiadało okres Puszkina” - napisał Belinsky. Niezależność twórczości artysty i dbałość o wewnętrzny świat człowieka, jego zainteresowanie życiem tubylców, jego historią, pieśniami, baśniami i legendami, bunt ducha i umiłowanie wolności, pasja i odwaga wyrazu, entuzjastyczne uniesienie, charakterystyczne dla niego, są ucieleśnione w dziełach tego czasu. Poprzez romantyzm, jego wzmożoną emocjonalność i podmiotowość, sztuka rosyjska zmierzała w kierunku ustanowienia zasad realizmu artystycznego.

Życie muzyczne Rosji od początku XIX wieku zaczyna nabierać nowych cech. Licea, internaty, uniwersytety, koła literackie i artystyczne stają się ważnymi ośrodkami muzycznymi. Miłośnicy sztuki, pisarze, aktorzy, malarze, muzycy zjednoczyli się w tych kręgach. Wykonywano tu nowe utwory, dyskutowano o przedstawieniach operowych i koncertach. Takie spotkania odbywały się w Petersburgu w domach Delviga, Odojewskiego, hrabiego Michaiła Wielgorskiego, w Moskwie - u Gribojedowa, księżniczki Zinaidy Wołkonskiej.

Odżyło życie koncertowe: w 1802 r. w Petersburgu powstała pierwsza rosyjska organizacja koncertowa — Towarzystwo Filharmoniczne, które organizowało publiczne koncerty symfoniczne. Koncerty muzyki kameralnej odbywają się w domach prywatnych, zgromadzeniach szlacheckich i różnych placówkach oświatowych, biorą w nich udział zarówno muzycy rosyjscy, jak i zagraniczni. Nadal znaczącą rolę odgrywają chóry i orkiestry symfoniczne muzyków pańszczyźnianych, które istniały w wielu dobrach szlacheckich.

Jednym z ulubionych gatunków muzyki symfonicznej w tym czasie były uwertury programowe do oper i spektakli dramatycznych, skomponowane przez Kozłowskiego, Dawydowa, Aliabyjewa, Wierstowskiego. Gatunek teatru muzycznego również przechodzi istotne zmiany. Ukochana w XVIII wieku codzienna opera komiczna stopniowo ustępuje miejsca baśniowym operom (Niewidzialny Książę i Ilja Bogatyr Kavosa, Dnieprowska Syrenka Dawidowa) i romantycznym operom (Grób Askolda Wierstowskiego). Wraz z operą szeroko stosuje się wodewil, muzykę do spektakli dramatycznych („tragedie w muzyce”), a także balet, który rozkwitł w Rosji dzięki pracy wielkiego francuskiego choreografa Charlesa Didelota.

Pomyślny rozwój tych gatunków był nierozerwalnie związany z powstaniem rosyjskich szkół wykonawczych w operze (E. Sandunova, O. Petrov, A. Petrova-Vorobyeva), balecie (A. Istomina, E. Kolosova, A. Glushkovsky), dramacie ( E. Semenova, P. Mochalov, M. Shchepkin).

Codzienne domowe muzykowanie staje się powszechne. Melomani zbierali się wieczorami, grali i śpiewali przy akompaniamencie gitary, harfy lub fortepianu. W repertuarze znalazły się pieśni ludowe – chłopskie, miejskie, żołnierskie. Ich aranżacje wykonywało wielu kompozytorów, największą popularnością cieszyły się zbiory Kasina i Rupina. Wykonywane były jako utwory solowe, w duetach, wariacjach instrumentalnych i zespołach. W tym środowisku powstał i rozwinął się ulubiony gatunek epoki - romans .

romans i piosenka

Twórczość romańska kompozytorów pierwszej połowy XIX wieku rozwinęła się na podstawie ludowych pieśni chłopskich, miejskich i ruskich. To właśnie w romansie ukształtowały się cechy rosyjskiego języka muzycznego, narodowego stylu muzycznego. Jego rozwój był ściśle związany z rozkwitem poezji rosyjskiej w epoce Puszkina oraz twórczością Żukowskiego, Wiazemskiego, Baratyńskiego, Delviga, Batiuszkowa, Jazykowa, samego Puszkina i innych poetów. O. Kozłowski pisał swoje romanse na swoich wierszach,

A. Żylin, bracia Titow, Mich. Vielgorsky, A. Verstovsky, A. Aliabiev, A. Varlamov, A. Gurilev, P. Bułakhov, M. Glinka, A. Dargomyzhsky. W ich twórczości rozwinęły się główne gatunki rosyjskiego romansu. Ten romans liryczny - najczęściej spotykane w tej chwili; „Rosyjska piosenka” , która powstała jako imitacja muzyki ludowej; elegia - refleksja liryczno-filozoficzna; romantyczna ballada , którego twórcą w Rosji był Wierstowski; pijąca piosenka zrodzona z marszowych pieśni marszowych i śpiewów o wolności, oświeceniu i patriotyzmie; liryczne romanse o „odległych krajach” , w którym romantyczne obrazy Włoch, Hiszpanii, Kaukazu, Wschodu, a także romanse w tanecznych rytmach (walc, polka, mazurek, polonez, bolerko i inne).

Jednocześnie kształtuje się wyjątkowo oryginalny rosyjski styl wokalny, w którym intonacje i tradycje śpiewu ludowego łączą się z cechami tak popularnej w Rosji włoskiej kultury wokalnej bel canto. Każdy romans tworzy swój indywidualny, łatwy do zapamiętania obraz, dotykając najczulszych strun w sercu słuchacza. Szczerość rosyjskiego romansu jest jego cechą szczególną, wynikającą ze szczerości empatii autora dla jego lirycznego bohatera, z właściwości rosyjskiej duszy.

AA Aliabiew

Los Aleksandra Aleksandrowicza Alyabyeva (1787–1851) był dramatyczny, chociaż pierwsza połowa jego życia nie zapowiadała ciężkich prób. Urodził się w Tobolsku; jego ojciec służył jako gubernator, był uważany za człowieka oświeconego i liberalnego, był wielkim miłośnikiem muzyki. Dziecko otrzymało poważną edukację domową, której obowiązkową częścią była gra na pianinie.

Wraz z przeprowadzką rodziny do Moskwy Aleksander zaczął poważnie studiować muzykę i wkrótce pojawiły się jego pierwsze kompozycje - romanse i utwory fortepianowe.

Na początku wojny ojczyźnianej w 1812 r. Alyabyev zgłosił się na ochotnika do wojska. Walczył u boku legendarnego partyzanckiego poety Denisa Dawydowa, był ranny, szedł ze swoim pułkiem husarskim aż do Paryża; Alyabyev otrzymał rozkazy i medal za męstwo i zasługi wojskowe.

Pod koniec wojny, kontynuując służbę wojskową, mieszka w Petersburgu, a po przejściu na emeryturę osiedla się w Moskwie, gdzie zbliża się do świata artystycznego, komunikuje się z Gribojedowem, Kryłowem, Bestużewem-Marlinskim, Odojewskim, Wierstowski, bracia Wielgorscy. Jako pianista i śpiewak bierze udział w amatorskich koncertach, komponuje muzykę teatralną (opery, wodewil), kameralne utwory instrumentalne, cieszące się dużym zainteresowaniem słuchaczy romanse.

Ale to jasne, twórcze życie zostało przerwane przez śmiertelny wypadek. W 1825 r. w domu Alyabyeva doszło do wielkiej kłótni podczas gry w karty, po której jeden z jej uczestników nagle zmarł. Alyabyev został aresztowany pod zarzutem zabójstwa i po długim procesie, mimo że zbrodnia nie została udowodniona, został skazany na pozbawienie wszelkich praw, tytułu szlacheckiego i zesłanie na Syberię.

Rozpoczęły się długotrwałe wędrówki Alyabyeva. Związek trwał ponad 15 lat; mieszkał w Tobolsku na Kaukazie, w Orenburgu, Kołomnej. Jednak mimo trudnych prób i samotności kompozytor kontynuuje aktywną pracę twórczą. Jeszcze w więzieniu komponuje romanse (m.in. słynny „Słowik”), a także sztuki instrumentalne, muzykę do wodewilu i balet „Czarodziejski bęben”. Na zesłaniu w Tobolsku organizuje wojskową orkiestrę dętą i chór, dyryguje ich występami, pisze muzykę orkiestrową i romanse; takie jak „Irtysz”, „Droga zimowa”, „Dzwony wieczorne” nawiązały do tematu wygnania i stały się lirycznym wyznaniem kompozytora.

Podczas wyjazdu na Kaukaz, dopuszczonego do leczenia, Alyabyev był urzeczony swoją naturą, zwyczajami, muzyką. Nagrał melodie ludowe gruzińskie, ormiańskie, kabardyńskie, azerbejdżańskie, których rytmy i intonacje znalazły następnie odzwierciedlenie w utworach różnych gatunków.

Dopiero w 1843 r. Alyabyev z wielkim trudem otrzymał pozwolenie na zamieszkanie w Moskwie, ale pod nadzorem policji i „bez prawa do publicznego występowania”. Prowadzi samotne życie, cały swój czas poświęcając pisaniu. Próby życiowe nie złamały kompozytora. Jego uwagę zwracają wiersze demokratycznego poety N. Ogariewa, poświęcone tematom i wątkom z życia zwykłych ludzi. Pojawiają się romanse „Tawerna”, „Chata”, „Strażnik wiejski”, a także jedno z arcydzieł Alyabyeva - „Żebraczka” (wersety Beranger), w których temat „małego człowieczka”, temat społeczny nierówność, zabrzmiała po raz pierwszy, antycypując dzieła Dargomyżskiego i Musorgskiego. Dzieła te były ostatnimi w życiu kompozytora.

Twórczość Alyabyeva jest różnorodna, obejmuje różne gatunki - opery, balet, wodewil, utwory na orkiestrę, utwory fortepianowe, zespoły kameralne (trio, kwartety), kompozycje chóralne. Ale najważniejsze miejsce wśród jego dzieł zajmują liczne romanse (ponad 150). Jeden z najpopularniejszych powstał w 1825 roku na wersach Delviga "Słowik". Romans należy do gatunku „pieśni rosyjskiej” i jest napisany dwuwierszem z wolnym refrenem i szybkim refrenem. Łagodna, uduchowiona melodia jest ściśle związana z intonacjami rosyjskich pieśni lirycznych, charakteryzuje się zmiennością modalną zaczerpniętą z muzyki ludowej (d-moll - F-dur, C-dur - a-moll). Jej płynne, zaokrąglone czterotaktowe frazy wsparte są skromnym „gitarowym” akompaniamentem:

Powoli, z wyczuciem

Jednocześnie jasne i żywiołowe wnioski fortepianowe zwrotek ostro kontrastują z plastyczną kantyleną wokalną.

Następnie wybitni wykonawcy romansu - Adeline Patti, Henriette Sontag, Polina Viardot, a także wielu rosyjskich śpiewaków - nasycają partię wokalną wirtuozowskimi pasażami i kadencjami. Popularności dzieła sprzyjały fortepianowe aranżacje – wariacje Glinki i transkrypcja Liszta, a także skrzypcowa fantazja Henriego Vietaina.

AE Varlamov

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) urodził się w Moskwie w rodzinie skromnego urzędnika. Zamiłowanie chłopca do muzyki i jego zdolności ujawniły się wcześnie: wyłapując ze słuchu pieśni ludowe, sam nauczył się grać na skrzypcach. Dzięki wybitnym zdolnościom i pięknemu głosowi już w wieku dziesięciu lat został przyjęty jako chórzysta w Petersburskiej Kaplicy Śpiewaków Dworskich. Tutaj Varlamov studiował pod kierunkiem dyrektora kaplicy, wybitnego kompozytora D. S. Bortnyansky'ego. Sukces w śpiewaniu pozwolił mu wkrótce zostać solistą w chórze; uczył się także gry na gitarze, pianinie i wiolonczeli.

Po studiach w kaplicy Varlamov zostaje przydzielony do służby w Holandii jako regent ( Regent - lider i nauczyciel śpiewu chóru śpiewaków) kościoła ambasady rosyjskiej w Hadze. Lata spędzone za granicą wywarły ogromny wpływ na rozwój muzyczny przyszłego kompozytora: często chodzi na opery i koncerty, sam występuje jako śpiewak i gitarzysta.

Po powrocie do Petersburga Varlamov najpierw uczył w Szkole Teatralnej, a następnie ponownie wstąpił do Dworskiej Kaplicy Śpiewającej jako chórzysta i nauczyciel śpiewu. W 1827 poznał Glinkę; komunikacja z nim miała ogromne znaczenie dla aspiracji twórczych młodego muzyka.

Pierwsze romanse i chóry kościelne Varlamova datowane są na koniec lat 20. XIX wieku, ale prawdziwy rozkwit twórczości kompozytorskiej rozpoczyna się po przeprowadzce do Moskwy w 1932 r. teatry. Varlamov szybko zbliżył się do moskiewskiego świata artystycznego, zaprzyjaźnił się z kompozytorami Gurilevem i Verstovskym, pisarzem M. Zagoskinem, aktorami M. Shchepkinem i P. Mochalovem, poetą-aktorem N. Tsyganovem, na którego wierszach stworzył wiele romansów. Wszystkich połączyły wspólne zainteresowania artystyczne i miłość do rosyjskiej piosenki.

Varlamov komponuje wiele utworów wokalnych, które go wychwalały - są to „Och, ty, czas, czas”, „Co to za serce”, „Szczyty górskie”, „Zamieć przetacza się wzdłuż ulicy”, „O świcie nie” obudzić ją”, „Co mam robić, żeby żyć i smucić się”, „Siodłam konia” i inne. Wśród nich jedną z najsłynniejszych była „Czerwona sukieneczka” (wiersze N. Cyganowa), którą według współczesnego „śpiewały wszystkie warstwy społeczne – zarówno w salonie szlachcica, jak iw chłopskiej kurniku ”. Ze względu na swoją służbę Varlamov pisze dużo muzyki teatralnej do tragedii, melodramatów, baletu, a także stale występuje na koncertach jako dyrygent orkiestrowy i chóralny, a także śpiewak. Miał małego, ale pięknego tenora, jego śpiew odznaczał się doskonałą techniką wokalną i niezwykłą szczerością. W 1840 roku Varlamov opublikował The School of Singing, który stał się pierwszym podręcznikiem sztuki wokalnej w Rosji i odegrał ważną rolę w edukacji wielu rosyjskich śpiewaków.

Ostatnie lata kompozytor spędził w Petersburgu, gdzie jego życie było bardzo trudne. Powszechna sława nie pomogła mu ponownie w uzyskaniu służby w kaplicy, a Varlamov i jego rodzina znaleźli się w trudnej sytuacji finansowej. Jego stan zdrowia pogorszył się i zmarł na gruźlicę w 1848 roku.

Varlamov wszedł do historii muzyki rosyjskiej jako autor romansów i pieśni, tworząc około 200 utworów. Wybierając wiersze, zwrócił się do obu rosyjskich poetów - Puszkina, Żukowskiego, Delviga, Lermontowa, Pleszczejewa, Feta, Kolcowa i Goethego, Heinego, Beranger. Głównymi gatunkami kompozytora były „pieśń rosyjska” i liryczny romans. W jego pełnej szczerości pisarstwie współistnieją zadumane zadumy, porywcze romantyczne aspiracje i uniesienia.

Varlamov był jednym z pierwszych kompozytorów, którzy zwrócili się ku poezji Lermontowa, która była zgodna z duchową atmosferą lat trzydziestych i czterdziestych XIX wieku i oddawała ostre niezadowolenie z otaczającego życia i „miłujących wolność marzeń” narodu rosyjskiego. W romansie „Samotny żagiel staje się biały” kompozytorowi udało się oddać te uczucia i nastroje. W jego muzyce słychać „pragnienie burzy” bohatera Lermontowa, jego nieustępliwość i buntowniczość. Szeroka, energetyczna melodia na początku zwrotki od razu osiąga punkt kulminacyjny – dźwięk sól, który jest szczytem jasnej ekspresyjnej kantyleny. Podniecenie uczucia w romansie podkreśla akordowy akompaniament z gonionym rytmem poloneza-bolera:

średnio szybko

GLIN. Gurilew

Aleksander Lwowicz Gurilew (1803-1858) urodził się w Moskwie w muzycznej rodzinie. Jego ojciec L. S. Gurilev, słynny pianista, kompozytor i dyrygent, był muzykiem pańszczyźnianym hrabiego V. Orłowa. Chłopiec rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem ojca, a następnie pobierał lekcje gry na fortepianie i teorii muzyki u J. Fielda i I. I. Genishty, którzy uczyli w rodzinie hrabiego. Od młodości Gurilew grał na skrzypcach i altówce w orkiestrze fortecznej, która na początku XIX wieku była uważana za jedną z najlepszych.

W 1831 r., po śmierci hrabiego Orłowa, rodzina Gurilevów uzyskała wolność. Od tego czasu rozpoczęła się działalność kompozytorska Gurilewa. Dużo też koncertuje jako pianista oraz uczy śpiewu i gry na fortepianie.

Wielki wpływ na kształtowanie się stylu wokalnego Gurilewa miała jego przyjaźń z Warlamowem; połączyła ich wspólna miłość do muzyki ludowej i śpiewu cygańskiego. Wkrótce twórczość kompozytora zaczyna zyskiwać na popularności. Takie romanse, jak „W trudnym momencie życia”, „Szaroskrzydła jaskółka się kręci”, „Mały domek”, „Separacja”, „Dzwon”, „Sarafan”, „Smutek dziewczynki”, zabrzmiały w świeckim życiu izbach oraz w domach urzędników, kupców, mieszczan. Wśród utworów fortepianowych Gurilewa największym upodobaniem cieszyły się miniatury taneczne oraz liczne wariacje na tematy znanych romansów i arii z oper.

Jednak mimo uznania kompozytora nieustannie ścigała potrzeba, choć bywało, że podejmował się każdej pracy w celu zarobku. Trudny los nie ominął Gurilewa: w ostatnich latach życia cierpiał na ciężką chorobę psychiczną. Kompozytor zmarł w Moskwie w 1858 roku.

Twórczość wokalna Gurilewa obejmuje około 90 romansów i zbiór „47 rosyjskich pieśni ludowych” w opracowaniu na głos i fortepian. On, podobnie jak Varlamov, preferował gatunek „rosyjskiej piosenki” i liryczny romans. Jego muzykę cechuje łagodna elegancja, senność i szczera szczerość wypowiedzi.

Piosenka "Dzwonek"(wiersze I. Makarowa) charakteryzuje kompozytora zamyślonym, lirycznym nastrojem, kojarzonym z obrazami rosyjskiej natury i dalekiej podróży, tak szeroko śpiewanej przez rosyjską poezję. Tutaj objawiła się jedna z głównych cech „rosyjskich pieśni” Gurilewa - użycie eleganckiego rytmu walca w połączeniu z prostą i powściągliwą melodią, jej subtelną, przejmującą intonacją:

Powtórzenie figury rytmicznej akompaniamentu jest czasami zabarwione cienką dźwiękowo-wyobraźnią kreską - łagodną oktawą staccato w górnym rejestrze.

Romanse i pieśni Alyabyeva, Varlamova, Gurilewa miały ogromny wpływ na twórczość jego współczesnych - Glinki i Dargomyzhsky'ego. Później tradycje ich tekstów, dbałość o wewnętrzny świat człowieka będą kontynuowane w genialnych romansach Czajkowskiego.

Pytania i zadania

1. Jakie wydarzenia wpłynęły na życie społeczne i kulturalne Rosji w pierwszej połowie XIX wieku?

2. Wymień kompozytorów, pisarzy, malarzy, architektów i rzeźbiarzy tamtych czasów.

3. Jakie zmiany zaszły w życiu muzycznym Rosji od początku XIX wieku?

4. Wymień najpopularniejsze gatunki muzyczne tej epoki. Jaka była treść domowego tworzenia muzyki?

5. Wymień gatunki romansu rosyjskiego pierwszej połowy XIX wieku oraz ich autorów - kompozytorów i poetów.

6. Opowiedz nam o życiu i twórczości Alyabyeva, Varlamova, Gurilewa.

Michaił Iwanowicz Glinka

1804 - 1857

Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym rosyjskim kompozytorem o światowym znaczeniu. Twórczość Glinki zakończyła formowanie się narodowej szkoły kompozytorskiej, a jednocześnie otworzyła nowe drogi muzyce rosyjskiej, która w XIX wieku zajmowała jedno z czołowych miejsc w kulturze europejskiej. W twórczości Glinki żywotny wyraz znalazł rozwój rosyjskiej kultury narodowej, wywołany wydarzeniami wojny ojczyźnianej 1812 roku. Podobnie jak Puszkin, Glinka tworzył sztukę piękną i harmonijną, sławiącą piękno i radość życia, triumf rozumu, dobroci i sprawiedliwości.

W swojej twórczości Glinka zwrócił się do różnych gatunków muzycznych - opery, romansu, utworów symfonicznych, zespołów kameralnych, utworów fortepianowych i innych kompozycji. Najważniejszymi cechami muzyki Glinki były ekspresyjność i plastyczność melodii, subtelność harmonii i harmonia formy oraz elegancja instrumentacji. Jego język muzyczny, pochłonąwszy osobliwe cechy rosyjskich pieśni ludowych i włoskiego bel canto, wiedeńskiej szkoły klasycznej i sztuki romantycznej, stał się podstawą narodowego stylu rosyjskiej muzyki klasycznej.

Biografia

Dzieciństwo i młodość. Glinka urodził się 20 maja (w starym stylu) 1804 r. We wsi Nowospasskoje w guberni smoleńskiej. W majątku rodziców otaczała go miłość i troska, a pierwsze dziecięce wrażenia związane z rosyjską przyrodą, wiejskim życiem i pieśniami ludowymi zaważyły na całym jego dalszym losie. „Najżywszy poetycki zachwyt” wypełnił jego duszę biciem dzwonów i śpiewem kościelnym. Chłopiec wcześnie zetknął się również z muzyką profesjonalną, słuchając domowych koncertów małej orkiestry muzyków pańszczyźnianych, należącej do jego wuja, z którą często grał ze słuchu. Dużo później kompozytor wspominał w swoich Notatkach:

„... Kiedyś grali kwartet Kruzel (B. Crusell – fiński kompozytor i klarnecista wirtuoz, starszy rówieśnik Glinki) z klarnetem; ta muzyka zrobiła na mnie niezrozumiałe, nowe i rozkoszne wrażenie - przez cały dzień pozostawałem w jakimś stanie gorączkowym, pogrążonym w niewytłumaczalnym, ospale słodkim stanie, a następnego dnia na lekcji rysunku byłem rozkojarzony; Na następnej lekcji roztargnienie wzmogło się jeszcze bardziej, a nauczyciel, zauważając, że rysuję już zbyt niedbale, wielokrotnie mnie karcił, a w końcu jednak, odgadnąwszy, o co chodzi, powiedział mi kiedyś, że zauważył, że ja myślał tylko o muzyce: co robić?- Odpowiedziałam, - muzyka- moja dusza/»

W tym samym czasie Glinka zaczęła uczyć się gry na pianinie, a następnie na skrzypcach. Edukacja domowa, typowa dla rodzin szlacheckich na początku XIX wieku, obejmowała różnorodne przedmioty; młody Glinka dobrze rysował, pasjonował się geografią i podróżami, studiował literaturę, historię i języki obce (później władał ośmioma językami).

Wydarzenia Wojny Ojczyźnianej 1812 roku wywarły na chłopcu niezatarte wrażenie. W czasie najazdu napoleońskiego rodzina Glinków została zmuszona do opuszczenia majątku i przeniesienia się do Orła. Ale po powrocie do domu zasłyszane opowieści o bohaterstwie narodu rosyjskiego i wyczynach partyzantów z rejonu smoleńskiego pozostały mu w pamięci na całe życie.

Dom we wsi Novospaskom, gdzie urodził się Glinka

Od 1818 r. Glinka kontynuował naukę w jednej z najlepszych placówek oświatowych w Petersburgu - Szlacheckiej Szkole z Internatem przy Głównym Instytucie Pedagogicznym. Szkoła z internatem słynęła z postępowo myślących nauczycieli i zaawansowanych naukowców, wśród których wybitny rosyjski prawnik A.P. Kunicyn, jeden z ulubionych nauczycieli Puszkina, wyróżniał się odważnym talentem i oryginalnością. Wychowawcą Glinki w szkole z internatem był VK Kuchelbecker, przyjaciel Puszkina z liceum, poeta i przyszły dekabrysta. Komunikacja z nim przyczyniła się do rozwoju uczuć miłości Glinki do sztuki ludowej i zainteresowania poezją. W tym samym czasie Glinka poznał także Puszkina, który często odwiedzał Kuchelbeckera i jego młodszego brata Lwa w pensjonacie.

Lata studiów upłynęły w atmosferze gorących sporów literackich i politycznych z przyjaciółmi, co odzwierciedlało niepokojący duch tamtych czasów. W Szlachetnej Szkole z Internatem, podobnie jak w Carskim Siole Liceum, ukształtowały się osobowości przyszłych „rebeliantów” - bezpośrednich uczestników tragicznych wydarzeń z 14 grudnia 1825 r.

Podczas pobytu w pensjonacie rozwój talentu muzycznego Glinki był kontynuowany. Bierze lekcje gry na fortepianie i skrzypcach oraz teorii muzyki u najlepszych pedagogów petersburskich (w tym kilka lekcji gry na fortepianie u J. Fielda), stale uczestniczy w koncertach kameralnych i symfonicznych, operowych i baletowych, bierze udział w pierwsze kroki w pisaniu.

Wczesny okres twórczości. Po ukończeniu internatu w 1822 roku Glinka przebywa jakiś czas w Nowospasskoje, gdzie próbuje swoich sił jako dyrygent z orkiestrą domową wuja, ucząc się sztuki pisania orkiestrowego. Latem przyszłego roku udaje się na leczenie na Kaukaz, co przyniosło wiele żywych wrażeń. Następnie przez kilka lat Glinka mieszka w Petersburgu. Po krótkim okresie pełnienia funkcji urzędnika w biurze Rady Kolei, wkrótce rezygnuje, by całkowicie poświęcić się swojej głównej i ulubionej rozrywce – muzyce.

Ogromne znaczenie dla formacji artystycznej kompozytora miała jego znajomość i stała komunikacja z największymi poetami i pisarzami - Puszkinem, Delvigiem, Gribojedowem, Żukowskim, Mickiewiczem, Odojewskim, a także z najlepszymi muzykami tamtych czasów: Glinka często spotyka się i gra muzykę z Varlamovem, braćmi Vielgorsky.

Anna Petrovna Kern, w której domu często bywał Glinka, mówiła w swoich wspomnieniach o sztukach wykonawczych kompozytora:

„Glinka… ukłonił się w sposób wyrazisty, pełen szacunku i zasiadł do fortepianu. Można sobie wyobrazić, ale trudno opisać moje zdziwienie i zachwyt, gdy rozległy się cudowne dźwięki genialnej improwizacji... Klawisze Glinki zaśpiewały pod dotknięciem jego małej rączki. Opanował instrument tak umiejętnie, że mógł wyrazić dokładnie to, czego chciał; nie sposób było nie zrozumieć, co śpiewają klawisze pod jego miniaturowymi paluszkami... W dźwiękach improwizacji słychać było zarówno ludową melodię, jak i charakterystyczną tylko dla Glinki czułość, i figlarną wesołość, i zamyślenie. Słuchaliśmy tego, bojąc się ruszyć, a po zakończeniu pozostawaliśmy przez długi czas w cudownym zapomnieniu.

Kiedy śpiewał... romanse, brał tyle za duszę, że robił z nami, co chciał: oboje płakaliśmy i śmialiśmy się do jego woli. Miał bardzo mały głos, ale potrafił nadać mu niezwykłą wyrazistość i towarzyszył mu takim akompaniamentem, że nas słyszano. W jego romansach można było usłyszeć bliskie, umiejętne naśladowanie dźwięków natury, głos czułej namiętności, melancholii i smutku, i słodki, nieuchwytny, niewytłumaczalny, ale zrozumiały dla serca.

Wraz z tym początkujący kompozytor poświęca dużo czasu na samodzielne studiowanie literatury operowej i symfonicznej. Po pierwszych niedoskonałych eksperymentach pojawiły się tak żywe kompozycje, jak romanse „Nie kuś” (słowa E. Baratyńskiego), „Biedny śpiewak” i „Nie śpiewaj, piękna, przede mną” (oba do słów Puszkina ), sonata na altówkę z fortepianem i inne utwory instrumentalne. Chcąc rozwijać i doskonalić swoje umiejętności, Glinka wyjechał w 1830 roku za granicę.

Droga do mistrzostwa. Przez cztery lata Glinka odwiedził Włochy, Austrię i Niemcy. Będąc z natury osobą życzliwą, towarzyską i entuzjastyczną, łatwo nawiązywał kontakty z ludźmi. We Włoszech Glinka zbliżył się do takich luminarzy włoskiej sztuki operowej jak Bellini i Donizetti, poznał Mendelssohna i Berlioza. Chętnie chłonąc różne wrażenia, porwany pięknem włoskiej opery romantycznej, kompozytor studiuje dociekliwie i poważnie. W kontakcie z pierwszorzędnymi śpiewakami entuzjastycznie pojmuje wielką sztukę bel canta w praktyce.

We Włoszech Glinka nadal dużo komponuje. Spod jego pióra wychodzą dzieła różnych gatunków: Pathetic Trio, sekstet na fortepian i instrumenty smyczkowe, romanse Noc wenecka i Zwycięzca, a także szereg wariacji fortepianowych na tematy popularnych oper włoskich. Ale wkrótce w duszy kompozytora rodzą się inne aspiracje, o czym świadczą Zapiski: „Wszystkie sztuki, które napisałem dla zadowolenia mieszkańców Mediolanu… przekonały mnie tylko, że nie idę własną drogą i że szczerze nie mógłbym być Włoski . Tęsknota za ojczyzną doprowadziła mnie stopniowo do pomysłu pisania po rosyjsku.

Opuszczając Włochy latem 1833 roku, Glinka najpierw odwiedził Wiedeń, następnie przeniósł się do Berlina, gdzie zimą 1833-1834 doskonalił swoją wiedzę pod kierunkiem słynnego niemieckiego teoretyka muzyki Zygfryda Dehna.

Centralny okres twórczości. Wiosną 1834 r. Glinka wrócił do Rosji i zaczął realizować swój ukochany plan, który powstał za granicą, - stworzenie narodowej opery opartej na krajowej fabule. Tą operą był Iwan Susanin, której premiera odbyła się w Petersburgu 27 listopada 1836 roku. Pisarz i krytyk muzyczny V. F. Odoevsky wysoko ocenił to wydarzenie w muzyce rosyjskiej: „Dzięki operze Glinki coś, czego od dawna szukano i nie znaleziono w Europie, jest nowym elementem w sztuce - i rozpoczyna się nowy okres w jej historii: okres muzyka rosyjska. Powiedzmy sobie szczerze, że taki wyczyn to nie tylko kwestia talentu, ale i geniuszu!

Sukces zainspirował kompozytora i zaraz po premierze Iwana Susanina rozpoczął pracę nad nową operą Rusłan i Ludmiła. Glinka nauczył się wiersza Puszkina w młodości i teraz płonął pragnieniem ucieleśnienia jasnych baśniowych obrazów w muzyce. Kompozytor marzył, by sam poeta napisał libretto, ale los postanowił inaczej. Śmierć Puszkina zniweczyła pierwotne plany Glinki, a tworzenie opery przeciągało się przez prawie sześć lat. Inne okoliczności życiowe również nie sprzyjały procesowi twórczemu. W 1837 r. Mikołaj I dla zachęty mianował Glinkę kapelmistrzem Chóru Dworskiego. Ta służba, która początkowo pociągała kompozytora swoją stroną twórczą, zaczęła go stopniowo obciążać licznymi obowiązkami biurokratycznymi, w wyniku czego zrezygnował. Małżeństwo Glinki, które zakończyło się postępowaniem rozwodowym, okazało się nieudane. Wszystkie te wydarzenia coraz bardziej komplikowały życie kompozytora. Glinka zrywa dawne znajomości ze świeckiego społeczeństwa i szuka schronienia w świecie artystycznym. Jego najbliższym przyjacielem zostaje słynny pisarz i dramaturg N. Kukolnik. W swoim domu Glinka komunikuje się z artystami, poetami, dziennikarzami i znajduje wybawienie od ataków i plotek jego nieżyczliwych z wyższych sfer.

Kompozytor i krytyk muzyczny A. N. Sierow pozostawił w swoich wspomnieniach wyrazisty portret Glinki z tego okresu:

„… Brunetka o bladej, śniadej, bardzo poważnej, zamyślonej twarzy, otoczonej wąskimi, kruczoczarnymi bokobrodami; czarny frak zapinany do samej góry; Białe rękawiczki; postawa dostojna, dumna...

Jak wszyscy prawdziwi artyści, Glinka miał nerwowy temperament. Najmniejsza irytacja, cień czegoś nieprzyjemnego nagle wytrącały go z równowagi; w społeczeństwie, które nie było dla niego, on, nawet do samego siebie, zdecydowanie nie był w stanie grać muzyki. Wręcz przeciwnie, w gronie ludzi szczerze kochających muzykę, żarliwie z nią sympatyzujących... bardziej odległych od konwencjonalnej, zimnej etykiety i pustej ceremonii salonów z wyższych sfer, Glinka oddychał swobodnie, swobodnie oddając się całkowicie sztuce , zachwycił wszystkich, bo sam został porwany, a im dalej, tym bardziej został porwany, ponieważ pociągał innych.

Jednocześnie w tych trudnych latach, pracując nad Rusłanem, kompozytor stworzył wiele innych kompozycji; są wśród nich romanse do słów Puszkina „Pamiętam cudowną chwilę” i „Pianka nocna”, cykl wokalny „Pożegnanie z Petersburgiem” i romans „Wątpliwość” (oba do słów Lalkarza), a także muzyka do tragedia lalkarza „Książę Chołmski”, pierwsza wersja (na fortepian) „Walc Fantazja”. Działalność Glinki jako śpiewaka i nauczyciela śpiewu sięga tego samego czasu: śpiewacy D. Leonova, S. Gulak-Artemovsky poznawali tajniki mistrzostwa na jego etiudach i ćwiczeniach oraz z jego udziałem; O. Petrov i A. Petrova-Vorobyeva (pierwsi wykonawcy ról Susanina i Wani) skorzystali z jego rad.

Ostatecznie ukończono operę Rusłan i Ludmiła i 27 listopada 1842 roku, dokładnie sześć lat po premierze Iwana Susanina, wystawiono ją w Petersburgu. Ta premiera wywołała u Glinki wiele urazy. Cesarz i jego orszak opuścili salę przed zakończeniem przedstawienia, co zdeterminowało „opinię” arystokratycznej publiczności. Wokół nowej opery w prasie wybuchła gorąca dyskusja. Doskonałą odpowiedzią na nieżyczliwych Glince był artykuł V. F. Odoevsky'ego i wers z niego: „Och, uwierz mi! Na rosyjskiej muzycznej ziemi wyrósł luksusowy kwiat - to wasza radość, wasza chwała. Niech robaki spróbują wpełznąć na jego łodygę i ją poplamić, robaki spadną na ziemię, ale kwiat pozostanie. Dbaj o niego: jest delikatnym kwiatem i kwitnie tylko raz na sto lat.

„Rusłan i Ludmiła” - „wielka opera magiczna” (zgodnie z definicją autora) - stała się pierwszą rosyjską baśniowo-epicką operą. Misternie splata różnorodne obrazy muzyczne - liryczne i epickie, fantastyczne i orientalne. Przepojona słonecznym optymizmem opera wyraża odwieczne idee zwycięstwa dobra nad złem, wierności obowiązkowi, triumfu miłości i szlachetności. Glinka, według naukowca i krytyka B. Asafiewa, „zaśpiewał wiersz Puszkina w epicki sposób”, w którym niespieszny, jak w bajce, epicki rozwój wydarzeń opiera się na kontraście zastępujących się kolorowych obrazów. Tradycje „Rusłana i Ludmiły” Glinki urozmaicili później kompozytorzy rosyjscy. Epickie, malowniczość ożyła w nowy sposób w operze „Kniaź Igor” i „Bogatyr Symfonia” Borodina, a bajeczność znalazła swoją kontynuację w wielu dziełach Rimskiego-Korsakowa.

Życie sceniczne „Rusłana i Ludmiły” nie było szczęśliwe. Opera zaczęła być wystawiana coraz rzadziej ze względu na gwałtownie rosnący entuzjazm arystokratycznej publiczności dla opery włoskiej, a po kilku latach na długo zniknęła z repertuaru.

Późny okres życia i twórczości. W 1844 Glinka wyjechał do Paryża, gdzie spędził około roku. Życie artystyczne francuskiej stolicy robi na nim ogromne wrażenie; spotyka się z francuskimi kompozytorami Giacomo Meyerbeerem, a także Hectorem Berliozem, który z powodzeniem wykonywał na swoich koncertach fragmenty oper Glinki i opublikował pochwalny artykuł o rosyjskim kompozytorze. Glinka był dumny z przyjęcia, jakie go spotkało w Paryżu: „… jestem pierwszym rosyjskim kompozytorem, który przedstawił paryskiej publiczności moje nazwisko i moje utwory napisane w Rosji i dla Rosji” – napisał w liście do matki.

Wiosną 1845 r., specjalnie nauczony hiszpańskiego, Glinka wyjechał do Hiszpanii. Przebywał tam przez dwa lata: zwiedził wiele miast i regionów, poznał zwyczaje i kulturę tego kraju, nagrał hiszpańskie melodie ludowych śpiewaków i gitarzystów, a nawet nauczył się tańców ludowych. Efektem podróży były dwie uwertury symfoniczne: Jota z Aragonii i Noc w Madrycie. Równolegle z nimi w 1848 r. Pojawiła się słynna „Kamarinskaya” - orkiestrowa fantazja na tematy dwóch rosyjskich pieśni. Z tych dzieł wywodzi się rosyjska muzyka symfoniczna.

Przez ostatnią dekadę Glinka mieszkał na przemian w Rosji (Nowospasskoje, Petersburg, Smoleńsk), to za granicą (Warszawa, Paryż, Berlin). W tych latach narodziły się nowe trendy w sztuce rosyjskiej, związane z rozkwitem, zdaniem W. Bielińskiego, „naturalnej” (realistycznej) szkoły literackiej. Przenikają twórczość Turgieniewa, Dostojewskiego, Ostrowskiego, Saltykowa-Szczedrina, Tołstoja i innych pisarzy. Nurt ten nie umknął uwadze kompozytora – wyznaczył kierunek jego dalszych poszukiwań artystycznych.

MI Glinka ze swoją siostrą LI Shestakovą (1852)

Charakterystyka rosyjskiej kultury muzycznej
19 wiek.
Muzyka rosyjska XIX wieku - to jasna i błyskotliwa epoka
w rozwoju kultury muzycznej. Jest z nią związana
formacja kompozytora narodowego i
szkoła sceniczna o światowym znaczeniu.
Zapoznanie z najlepszymi dokonaniami muzycznymi Zachodu
Europa miała korzystny wpływ na jej ogólny charakter
rozwój oraz oryginalność i oryginalność pod wieloma względami
decydowały o trzymaniu się tradycji ludowych.
W 19-stym wieku nowe gatunki wokalne i
muzyka symfoniczna. Poczyniono wielkie postępy
w sztuce operowej. Kreatywność tak wspaniałych Rosjan
kompozytorzy tacy jak MI Glinka, M.P. Musorgski,
AP Borodin, NA Rimski-Korsakow, PI Czajkowski,
wszedł do skarbca światowej kultury muzycznej.

Michaił Iwanowicz Glinka - założyciel rosyjskiej klasyki muzycznej

położył podwaliny pod język rosyjski
symfonia;
zaczął dwa
kierunki rosyjskie
opery – ludowy dramat muzyczny i
baśń operowa, epopeja operowa.
Pismo MI Glinka
opera „Rusłan i Ludmiła”
IE Repin

Kameralna muzyka wokalna. romanse
„Nie kuś”;
"Wątpliwość";
„Nie śpiewaj, piękna, ze mną”;
„Pamiętam cudowną chwilę”.
Muzyka symfoniczna
„Kamarinskaja”;
„Jota aragońska”;
„Noc w Madrycie”;
Rosyjska Opera Narodowa
„Życie dla cara” („Iwan Susanin”).
Bajka operowa
„Rusłan i Ludmiła”.

„Potężna gromada” 1850
MAMA. Bałakiriew (1836 - 1910);
Ts.A. Cui (1835 - 1918);
AP Borodin (1833 - 1887);
POSEŁ. Musorgski (1839 - 18810;
NA. Rimskiego-Korsakowa (1844-1908).

Organizator i ideowy
opanuj to
przyjazny związek utworzony w
koniec lat pięćdziesiątych XIX wieku stał się
Milij Aleksiejewicz
Bałakiriew (1836-1910) -
znakomity pianista i
kompozytor, który ma
zjednoczyć się wokół
tylko melomani, ale
i utalentowanych wykonawców
i kompozytorów.

muzyka do tragedii „Król Lear”, poematy symfoniczne „Tamara” do wierszy M.Yu. Lermontowa, „Rus” i „W Czechach”, „Uwertura hiszpańska”, „Uwertura N

muzyka do tragedii „Król Lear”, symfoniczna
wiersz „Tamara” do wierszy M.Yu. Lermontow,
„Rus” i „W Czechach”, „Uwertura hiszpańska”,
„Uwertura na tematy trzech pieśni rosyjskich”. Dla
fortepian, twój ulubiony musical
narzędziem stworzył orientalną fantazję
„Islamey”, zainspirowany wrażeniami z
podróżować po Kaukazie. Czterdzieści romansów, sonat,
mazurki, nokturny i walce, zbiory rosyjskie
piosenki to najlepsze osiągnięcia
kompozytor.

Aleksiej Porfiriewicz Borodin
(1833-1887), będąc głównym naukowcem
– chemik, poświęcił cały swój czas
badania naukowe. Według niego
wyznanie, komponowanie
miał tylko muzykę
okres choroby. musical
twórczą spuściznę kompozytora
mały, ale znaczący wkład w
rozwój rosyjskiego musicalu
kultura.
Portret kompozytora i
chemik
AP Borodin.
Repin I.E.
Trzy symfonie 1867, 1876, 1887;
15 romansów na rosyjskich wierszach
poeci;
Jedyna opera „Książę
Igora"

Jedyna opera „Książę Igor”, nad którą Borodin pracował przez 18 lat, stała się jednym z najbardziej uderzających osiągnięć rosyjskiej sztuki operowej. os

Jedyna opera „Książę Igor”, nad którą Borodin
pracował przez 18 lat, stał się jednym z najbardziej uderzających osiągnięć
Rosyjska sztuka operowa. Podstawa jego powstania
służył jako wybitny zabytek starożytnej literatury rosyjskiej
„Opowieść o kampanii Igora”.

Portret kompozytora
poseł Musorgski. IE Repin.
Znakomity i niepowtarzalny
twórcze dziedzictwo Modesta
Pietrowicz Musorgski (1839-1881). Jego krótkie życie było
oznaczone jasnym
pracuje w terenie
symfoniczne i operowe
muzyka. Po ukończeniu szkoły
chorąży straży, on
odmówił genialnego wojska
karierę iw 1858 udał się do
zrezygnować z jednej myśli
- poświęcić się całkowicie
muzyka.

Symfonia „Noc na Łysej Górze”;
Suita „Obrazki z wystawy”;
Piosenki „Kalistrat”, „Kołysanka Eremuszki”, „Pchła”;
Opery Borys Godunow, Khovanshchina, Sorochinskaya
sprawiedliwy"

Jasna strona rosyjskiego
kultura muzyczna XIX wieku.
Związany z twórczością Mikołaja
Andriejewicz Rimski -
Korsakow (1844-1908). Początek
była jego kariera muzyczna
genialny. W 1867 on
pisze symfonię
"Sadko" na podstawie słynnego
Nowogrodzka epopeja. Za rok
pisze kompozytor
Portret kompozytora
NA Rimskiego-Korsakowa.
obraz symfoniczny
Sierow Walentyn
„Antar” na fabule Araba
ludowe opowieści.
Później, w 1888 r., Rimski-Korsakow ponownie zwrócił się do
motywy orientalne w suicie „Szeherezada”
średniowieczne opowieści arabskie ze słynnej kolekcji
„Tysiąca i jednej nocy”

Opery Panna Pskowa, Oblubienica cara, Legenda
niewidzialne miasto Kiteż i dziewica Fevronia,
„Snow Maiden”, „Opowieść o Caru Saltanie”, „Złoty
kogucik”, „Kashchei the Immortal”, „Majowa noc”,
„Noc przed Bożym Narodzeniem”, „Mozart i Salieri”;
Około 80 romansów („Wyszedł deszczowy dzień”, „Nie wiatr,
wiatr z góry.

Muzyczne wyznanie duszy.
Piotra Iljicza Czajkowskiego.
N.D. Kuzniecow
Tylko 53 lata zawierały życie
wybitny kompozytor rosyjski
Piotr Iljicz Czajkowski (1840 -
1893) oraz w obszernej liście
dziesięć stworzonych przez niego dzieł
opery, trzy balety, dziewięć
Symfonia programowa
utwory, koncerty, kwartety,
muzyka do dramatu
spektakle, ponad sto romansów i
wiele innych pism.
Czajkowski jest właścicielem słów:
„Inspiracją jest gość, który
nie lubi odwiedzać leniwych; ona
jest wśród tych, którzy rozpoznają
jej".

Czajkowskiemu udało się odnaleźć własny, niepowtarzalny i oryginalny styl, który wyznaczył mu szczególne miejsce w historii światowej kultury muzycznej. w około

Czajkowskiemu udało się znaleźć swój niepowtarzalny i oryginalny
styl, który zadecydował o jego szczególnym miejscu w historii świata
kultura muzyczna.
W dziedzinie muzyki symfonicznej rozwinął gatunek
program poemat symfoniczny („fantasy” lub
uwertury-fantazje). Programy symfoniczne
„fantazje” służyły jako dzieła literackie Dantego
„Francesca da Rimini”, „Romeo i Julia” Szekspira;
"Burza",; Hamleta i Manfreda Byrona.
Opery zajmują ważne miejsce w twórczości Czajkowskiego.
Najlepsze dzieła operowe kompozytora - „Eugeniusz Oniegin”
i Dama pik.
Cykl sztuk „Pory roku” świadczy o tym, co niesamowite
talent muzyczny i malarski kompozytora, któremu się to udało
tworzyć obrazy rodzimej rosyjskiej przyrody.

Bajecznie - nastrojowo rozświetlone światłem
muzyka baletowa P.I. Czajkowskiego, w którym nie występuje
tylko jako genialny reformator, ale także jako
pionier Krytyk muzyczny G.A. Laroche napisał:
muzyka "Jezioro łabędzie" - najlepszy balet jaki kiedykolwiek miałem -
Czy kiedykolwiek słyszałeś…" W 1889 roku Czajkowski tworzy muzykę do baletu
„Śpiąca królewna” oparta na baśni francuskiego pisarza
C. Perraulta. Kilka lat później pisze muzykę do dwuaktówki
spektakl baletowy „Dziadek do orzechów”.
Wielka wartość artystyczna
romanse Czajkowskiego. „Czy dzień króluje ...” do słów A. N. Apukhtina,
„To było wczesną wiosną…”, „Błogosławię cię, lasy…” i
„W środku hałaśliwej piłki…” do słów A. K. Tołstoja. Cienki
Znane są również wariacje rosyjskich pieśni ludowych „Gdybym wiedział,
gdyby tylko wiedziała...”, „Byłam na polu, a trawy nie było…” Tradycje
P. I. Czajkowskiego w muzyce został z powodzeniem rozwinięty przez A.
K. Glazunov SI Taneev, NG Rubinshtein i SV Rachmaninov

W muzyce wokalnej dominuje głos.
Muzyka symfoniczna to muzyka przeznaczona dla
w wykonaniu orkiestry symfonicznej.
Opera to utwór muzyczny, w którym
słowo, akcja sceniczna i muzyka.
Symfonizm to kreatywność w dziedzinie komponowania muzyki.
Symfonia - Duży utwór muzyczny na orkiestrę.
Kameralna muzyka wokalna - muzyka w wykonaniu małego
grupa muzyków instrumentalnych i/lub
wokaliści.
Uwertura instrumentalna wstęp do teatru
wydajność.
Fantazja - początek improwizacji, dowolna
rozwój myśli muzycznej.
Suita - utwór muzyczny z kilku
różnorodne sztuki, które łączy jedność idei.
Spektakl to ukończony utwór muzyczny
rozmiar

1. Jaka była pierwotna nazwa opery
M. Glinka, obecnie znany jako „Iwan
Zuzanna?
a) „Życie dla króla”
b) „Umrzyj, ale nie poddawaj się”
c) „Śmierć za Ojczyznę”.

2. Który kompozytor był autorem opery
„Khovanshchina”?
a) A. Dorgamyżski
b) M. Musorgski
c) S. Rachmaninow.

3. Jak nazywa się społeczność kreatywna
rosyjscy kompozytorzy?
a) „Potężna gromada”
b) „Potężna społeczność”
c) „Rosyjskie sezony”.

4. Jak nazywa się praca
starożytna literatura rosyjska, która leży w
na podstawie fabuły opery Borodina „Książę
Igor?
a) „Zadońszczyzna”
b) „Opowieść o minionych latach”
c) „Opowieść o kampanii Igora”

5. Który z kompozytorów jest
twórca rosyjskiego musicalu
klasyka?
a) M. Glinka
b) A. Borodina
c) M. Musorgski

Testuj odpowiedzi.

1. Życie dla króla.
2. M. Musorski.
3. Potężna garstka.
4. „Słowo o kampanii Igora”.
5. M. Glinka.

XIX wiek nazywany jest „złotym wiekiem” kultury rosyjskiej. Jest to okres potężnego rozkwitu wszystkich aspektów duchowego komponentu kulturowego. Dotyczy to również muzyki. Tradycje kultury muzycznej rozwinęły się już pod koniec XVIII wieku, aw następnym stuleciu wybitni kompozytorzy stali się twórcami wielu nowych nurtów i gatunków. „Złoty wiek” w muzyce związany jest z nazwiskami:

A.Alyabeva,
M.Glinka,
A. Dargomyżski,
P. Czajkowski,
S. Rubinstein,
M. Musorgski,
A. Borodina,
N. Rimskiego-Korsakowa.

Tradycyjnie mówi się o muzyce rosyjskiej pierwszej i drugiej połowy XIX wieku.

Muzyka pierwszej połowy XIX wieku

Uważa się, że w tym okresie w Rosji powstała narodowa szkoła muzyczna. A pierwsze imię w tym względzie to A. Alyabyev, którego „Słowik” jest znany całemu światu. Nie mniej znane są jego „Wieczorne dzwony”, „Zimowa droga”, „Kochałem cię”.

Twórczość muzyczna kompozytora stanowi ogromny wkład w kulturę muzyczną Rosji w tzw. epoce przedglinkowej.

M. Glinka jest uważany za twórcę rosyjskiej muzyki klasycznej. Stoi u początków dwóch kierunków – muzycznego dramatu ludowego i bajecznie epickiej opery. Uważał, że muzykę tworzą ludzie, a kompozytor jest tylko aranżerem. Melodia jego utworów była prawdziwie rosyjska, wyrażając aspiracje ludu. Bohater jego opery Życie za cara, czyli Iwan Susanin, po raz pierwszy był patriotycznym chłopem. Sceny z życia starożytnej Rusi i baśnie orientalne obfitują w operę Rusłan i Ludmiła. M. Glinka napisał wiele romansów do wierszy tak wybitnych poetów, jak W. Żukowski, M. Lermontow, E. Baratyński.

W tym samym duchu pracował A. Dargomyżski, który umocnił realizm w muzyce rosyjskiej. Jest właścicielem pierwszego ludowo-domowego muzycznego dramatu operowego „Syrenka”. Kompozytor stworzył w nim wizerunek młynarza – małego człowieczka, któremu nie sposób nie współczuć. W swoich romansach i pieśniach Dargomyżski przekazywał złożone duchowe sprzeczności i odzwierciedlał problemy społeczne rosyjskiego społeczeństwa.

Uwaga 1

W połowie XIX wieku rosyjskie tradycje realizmu w pełni ukształtowały się w muzyce. Świat był coraz bardziej świadomy znaczenia kultury rosyjskiej, a jej muzyczne obrazy zostały zasymilowane przez kulturę światową.

Muzyka drugiej połowy XIX wieku

Ten okres jest uważany za potężny rozkwit rosyjskiej kultury muzycznej. Powstanie odbywa się na tle zaostrzonych sprzeczności społecznych, które doprowadziły do reform, aw rezultacie do wielkiej aktywności publicznej.

W tym czasie w Petersburgu otwarto pierwsze rosyjskie konserwatorium, którego dyrektorem był A. Rubinshtein. A cztery lata później, w Moskwie, konserwatorium również rozpoczyna pracę pod kierunkiem brata Antona Rubinsteina, Mikołaja.

Ich pierwsi absolwenci, wśród których był P. Czajkowski, stali się dumą kraju i gloryfikowali go. W tym okresie szczególne miejsce zajmuje stowarzyszenie znanych kompozytorów, które nazywano „Potężną garstką” lub „Nową szkołą rosyjską”. Jego założycielem był Bałakiriew, oprócz niego było jeszcze czterech kompozytorów: Cui, Musorgski, Borodin i Rimski-Korsakow.

Ich pozycje estetyczne kształtowały się pod wpływem znanego rosyjskiego krytyka muzycznego i artystycznego W. Stasowa. Uważali się za naśladowców wielkiego M. Glinki iw swojej twórczości kontynuowali muzyczne tradycje muzyki klasycznej, które ustanowili Glinka i Dargomyżski.

Uwaga 2

Kompozytorzy „Potężnej garstki” rozwinęli rosyjską muzykę narodową i uważali, że ich głównym zadaniem jest prawdziwe odzwierciedlenie życia ludzi w muzyce, która byłaby zrozumiała dla masowego słuchacza.