Japońskie figurki Netsuke. Znaczenie i znaczenie. Historia i etnologia. Dane. Wydarzenia. Fikcyjna figurka Figurka z Japonką

10.07.2019

Netsuke(Język japoński) netsuke, netsuke) to mała symboliczna rzeźba. Wykonany jest głównie z kości słoniowej lub drewna. W starożytności Japończycy używali netsuke do mocowania kluczy i portfela do paska kimona, ale netsuke służyło również jako dekoracja odzieży.

W Japonii pierwszy netsuke pojawił się w drugiej połowie XVI - na początku XVII wieku.

Netsuke sashi przedstawiający Jezusa Chrystusa, kość słoniowa, XVII wiek

Netsuke było używane jako zawieszka do tradycyjnego japońskiego ubioru kimona i kosode ( 帯鉗 ), który był pozbawiony kieszeni.

Drobne rzeczy, takie jak woreczek na tytoń czy klucz, umieszczano w specjalnych pojemnikach (zwanych sagemono 下げ物 ). Pojemniki mogły mieć formę woreczków lub małych wiklinowych koszyczków, ale najpopularniejsze były pudełka (inro), które zamykane były na koralik przesuwający się po sznurku (ojime).

Netsuke trzyma inro na obi

(紐解) — otwory netsuke połączone zaworem przelotowym. Netsuke służył zatem zarówno jako rodzaj przeciwwagi, jak i jako elegancka dekoracja odzieży.

Netsuke dołączony do inro, grawer: Katsushika Hokusai

netsuke po prawej stronie

Niektórzy utożsamiają netsuke z okimono, ale nie należy tego robić. Netsuke i okimono są bardzo podobne, ale pod względem celu i symboliki są to zupełnie różne postacie.

Okimono- są to figurki wykorzystywane do wyposażenia i dekoracji wnętrz. Figurki te mogą być wykonane z dowolnego materiału i w przeciwieństwie do netsuke nie mają żadnego wpływu na los człowieka.

Od czasów starożytnych netsuke różniły się typologią i formą. Ta sama różnica między netsuke została zachowana do dziś.

Liczby i rodzaje netsuke

Katabori (形彫) - jest to najbardziej znany i znany dla wielu rodzaj netsuke. Małe rzeźbione figurki przedstawiające zwierzęta i ludzi, grupy wielofigurowe. Ten typ był popularny w XVIII - XIX wieku.

katabori

Anabori (穴彫) - podgrupa katabori. Te netsuke zostały wykonane z muszli, wewnątrz której tworzono historie.

anabori

Sasi (差) - ta forma netsuke jest jedną z najstarszych form. Te netsuke wykonane są w kształcie drążka z oczkiem na sznurek. Mogły być wykonane z różnych materiałów, ale najczęściej wykonywano je z drewna. Sposób użycia tego typu netsuke różnił się od innych.

Jeśli jako przeciwwagę używano katabori, manji i innych, wówczas sashi wsuwano za pasek w taki sposób, aby dziura znajdowała się u dołu, a przez nią przechodził portfel, klucze itp. zawieszane na sznurku. Na górnym końcu wycięto dodatkowo haczyk, który zaczepiał o górną krawędź paska.

Sashi jest zwykle uważana za jedną z form netsuke, jednak według niektórych badaczy jest to modyfikacja rękojeści miecza, na którym zawieszono worek z krzemienia i stali.

Inną bliską analogią do sasi jest adaptacja obi – hasami, wynaleziony w Chinach. Jest w zasadzie podobny do sashi, ma hak na górze, ale zamiast dziury obi-hasami na dole niewielkie okrągłe zgrubienie, do którego przywiązany został przedmiot noszenia.

Pierwsze netsuke-sashi przetrwały do dziś w bardzo małych ilościach. Ponadto pierwsze netsuke-sashi są trudne do odróżnienia obi-hasami. Później, w okresie rozwiniętej sztuki netsuke, forma sashi była prawdopodobnie postrzegana jako archaiczna i nie była często używana.

Sasi

Maska (język japoński 面 mężczyźni) - mały egzemplarz maski Noo. Największa grupa netsuke. Właściwości maski są bardzo podobne do rodzaju katabori.

maska

Manju (饅頭) - te netsuke były wykonane z kości słoniowej i miały kształt koła. Czasami manju składało się z dwóch półkoli. Czasami składa się z dwóch połówek. Obraz nadawany jest poprzez grawerowanie, któremu zwykle towarzyszy czernienie. Swoją nazwę zawdzięcza podobieństwu do okrągłego, płaskiego ciasta ryżowego manju. Jedną z unikalnych odmian manju jest kompozycja złożona z kilku miniaturowych masek teatralnych.

manju

Itaraku- te netsuke robiono z trzciny lub drutu. Utkano je w formie pudełek z dyniami i innych kształtach.

Ryusa(柳左) Opcja formularza manju. Główna różnica między tą formą a zwykłą manju fakt, że w środku jest pusta, a jedna (górna) część wykonana jest techniką rzeźbienia przelotowego.

Gdy Ryusa wykonane z dwóch rozłącznych połówek, materiał wybierano zwykle od środka za pomocą tokarki. Formę tę szczególnie często stosowano w Edo, gdzie mieszkał słynny rzeźbiarz Ryusa (pracował w latach 80. XVIII w.), od którego pochodzi nazwa.

Uważa się, że ta forma, podobnie jak manju, stała się szczególnie rozpowszechniona w związku z trzęsieniami ziemi w okresie Ansei (1854-1860), a zwłaszcza z trzęsieniem ziemi w Edo w 1855 r., kiedy wiele netsuke zostało zniszczonych i pojawiło się zapotrzebowanie na nowe produkty. Łatwość produkcji Ryusa w porównaniu np. katabori Lub kagamibuta i wpłynęło na ich dominującą dystrybucję w tym czasie.

Ryusa

Kagamibuta (鏡蓋)- również podobny do manju, ale jest to płaskie naczynie wykonane z kości słoniowej lub innej kości, rogu, rzadziej drewna, przykryte od góry metalową pokrywką, na którym skupia się główna część zdobniczego wzoru opartego na szerokiej gamie technik. Podpis na takim netsuke jest zwykle podpisem kowala.

kagamibuta

************************************

Oczywiście każdy obraz miał swój własny cel.

Na przykład figurka mędrca zapewniała wytrwałość, odwagę i hart ducha Daruma,

Daikoku z torbą magicznego ryżu obiecał bogactwo,

i obdarzył szczęściem Ebisu z magicznym karpiem w dłoniach (wierzono, że niezależnie od tego, jak trudno jest złapać karpia gołymi rękami, tak trudno jest znaleźć spokój i równowagę).

Szczęście i powodzenia, które zawsze idą w parze, obdarzyła dwucyfrowa liczba - Daikoku I Ebisu.

Osoby poszukujące zdrowia i długowieczności nosiły figurkę boga szczęścia Shawsin który trzymał żeń-szeń i magiczną brzoskwinię.

Ci, którzy mieli cenione pragnienia, zwrócili się do boga szczęścia, zabawy i komunikacji Hotei, to on był zawsze przedstawiany jako siedzący lub stojący, ale zawsze uśmiechnięty. Aby zrealizować plan, trzeba było trzysta razy pogłaskać figurkę po brzuchu, myśląc o tym, czego pragnie.

Podróżnicy zabrali figurkę Futena, który obiecał pomyślny wiatr i szczęście na drodze. Przedstawiano go jako mężczyznę niosącego za plecami torbę i z pogodnym uśmiechem na twarzy.

Samuraj dał. hart ducha, odwaga i odwaga

Królowa nieba, Sivanmu, użyła swojego wachlarza, aby odpędzić wiatry przeciwności.

Kreatywnym ludziom pomogła figurka mężczyzny słuchającego muszli. Ogromna różnorodność liczb, a co za tym idzie ich celów, pozwoliła wybrać to, co było potrzebne w konkretnej sytuacji i wykorzystać ją do rozwiązywania trudności.

Ale te małe rzeczy są znane na całym świecie nie tylko jako szczęśliwe amulety. Faktem jest, że maleńkie, ale bardzo wyraziste netsuke stworzyło wielu prawdziwych artystów, a wtedy te figurki stały się arcydziełami sztuki światowej.

język japoński netsuke: miniaturowe figurki

Dwóch samurajów.

„Chłopiec rysujący boginię szczęścia Ame no Uzume”.
Pamiętajcie o „Wakacjach Krosha”. Od nich dowiedziałem się o netsuke, tj. z książki i filmu)

demon

Netsuke z tajemnicą

Ebisu z rybą i koszem. Początek XX wieku, rzeźba w kościach

Shoushin z laską i brzoskwinią. Koniec XIX - początek XX w., rzeźba w kościach, malarstwo

Przynajmniej z wentylatorem i torbą. Koniec XIX w., rzeźba w kościach, malarstwo

Jurojin ze zwojem. Rzeźbienie kości, czernienie.

Okimono Bishamonten z pagodą. Rzeźba z kości, XIX w.

Jurojin, jeden z siedmiu bogów fortuny

SPRZEDAWCA LALEK DARUMA, MISTRZ YASUYUKI

Kość słoniowa, rzeźba. Druga połowa XIX wieku. Netsuke słynnego mistrza
Yasuyuki przedstawia karykaturalną scenę typową dla ówczesnego Edo. Chłop przyszedł handlować
Edo przed Nowym Rokiem z lalkami Daruma własnego wykonania.

NETSUKE W FORMIE MANJU autorstwa mistrza KOYUSAI. Kość słoniowa. Średnica ok. 4 cm XIX w.

Jak to bywa z mężczyznami, erotyzm był mile widziany)

NETSKE „GEJSZA I DEMON”
Kość słoniowa. Wysokość ok. 4,2 cm Błagam. XIX w. Doskonały przykład twórczości Masatsuge, szkoły Edo. Rzadka historia

AKTOR TEATRALNY ALE W ROLI DEMONA.
Kość słoniowa. Złoty lakier, czerwony lakier, czernienie, złota intarsja i
Matka perły. Wysokość ok. 3,8 cm Początek XIX w. Mistrz Sugoku (Hidetama) Rzadki netsuke

Kanu (Guan Yu) z halabardą, XIX w., rzeźba z kości

AKTOR W ROLI LISA-WEREN.
Wiśnia (?), kość słoniowa. Wysokość ok. 4 cm Pierwsza połowa XIX wieku. Podpisano: Hogyoku.

Krab Netsuke

Gracze w kości

Taniec na dożynkach – Japoński charakterystyczny netsuke z kości słoniowej, przez Tadamoriego

MATKA I DZIECKO. CODZIENNA SCENA.

Kość słoniowa, tonowanie, grawerowanie. Wysokość ok. 4,2 cm Druga połowa XIX wieku. Mistrz Shosai.

Niewidomy usuwający kamień z geta

Kość słoniowa. Wysokość ok. 5,8 cm Pierwsza połowa XIX w. Podpisano: Kogyoku.

Kobieta w ciąży.

MATKA Z DZIECKIEM. Kość słoniowa. Wysokość ok. 4 cm Druga połowa XIX wieku.

FUKUROKUJU, bóg zdrowia, mądrości i długowieczności, PRZYJMUJĄCY GORĄCĄ KĄPIEL
Bukszpan, kość słoniowa. Wysokość ok. 5,3 cm 1840-1860. Podpisano: Toyo.

Dziękuję tak, który nakręcił fajny film!!

Czy zauważyliście, że jest mnóstwo figurek codziennego użytku, kobiecych... coś, co kojarzy się z domem i bliskimi!)

Mam nadzieję, że uznałeś to za interesujące!!) Kapoczka Kapa

Wykorzystane materiały - wiki,

Netsuke(Język japoński) 根付 netsuke, netsuke) - mała symboliczna rzeźba. Wykonany jest głównie z kości słoniowej lub drewna. W starożytności Japończycy używali netsuke do mocowania kluczy i portfela do paska kimona, ale netsuke służyło również jako dekoracja odzieży.

W Japonii pierwszy netsuke pojawił się w drugiej połowie XVI - na początku XVII wieku.

Netsuke sashi przedstawiający Jezusa Chrystusa, kość słoniowa, XVII wiek

Netsuke służyło jako zawieszka do tradycyjnego japońskiego ubioru, kimona i kosode (帯鉗), które nie miało kieszeni.

Drobne rzeczy, takie jak sakiewka czy klucz, umieszczano w specjalnych pojemnikach (tzw. sagemono (下げ物). Pojemniki mogły mieć formę woreczków lub małych wiklinowych koszyczków, jednak najbardziej popularne były pudełka (inro), które zamykano za pomocą koralika który ślizgał się po sznurku (ojime).

Netsuke trzyma inro na obi

Inro mocowano do paska kimona (obi) za pomocą sznurka. Zawiązano go w kółko, złożono na pół i przełożono przez pasek. Do jednego końca powstałej pętli przymocowano netsuke. Węzeł sznurkowy był ukryty w jednym z dwóch Himotoshi(紐解) - otwory netsuke połączone zaworem przelotowym. Netsuke służył zatem zarówno jako rodzaj przeciwwagi, jak i jako elegancka dekoracja odzieży.

Netsuke dołączony do inro, grawer: Katsushika Hokusai

netsuke po prawej stronie

Niektórzy utożsamiają netsuke z okimono, ale nie należy tego robić. Netsuke i okimono są bardzo podobne, ale pod względem celu i symboliki są to zupełnie różne postacie.

Od czasów starożytnych netsuke różniły się typologią i formą. Ta sama różnica między netsuke została zachowana do dziś.

Liczby i rodzaje netsuke

katabori

Anabori (穴彫) - podgrupa katabori. Te netsuke zostały wykonane z muszli, wewnątrz której tworzono historie.

anabori

Sashi jest zwykle uważana za jedną z form netsuke, jednak według niektórych badaczy jest to modyfikacja rękojeści miecza, na którym zawieszono worek z krzemienia i stali.

Sasi

Maska (面 Maine) - mały egzemplarz maski Noo. Największa grupa netsuke. Właściwości maski są bardzo podobne do rodzaju katabori.

maska

manju

Itaraku- te netsuke robiono z trzciny lub drutu. Utkano je w formie pudełek z dyniami i innych kształtach.

Ryusa(柳左） — Opcja formularza manju. Główna różnica między tą formą a zwykłą manju fakt, że w środku jest pusta, a jedna (górna) część wykonana jest techniką rzeźbienia przelotowego.

Ryusa

kagamibuta

Oczywiście każdy obraz miał swój własny cel.

Na przykład figurka mędrca zapewniała wytrwałość, odwagę i hart ducha Daruma ,

Daikoku z torbą magicznego ryżu obiecał bogactwo,

Szczęście i powodzenia, które zawsze idą w parze, obdarzyła dwucyfrowa liczba - Daikoku I Ebisu .

Osoby poszukujące zdrowia i długowieczności nosiły figurkę boga szczęścia Shawsin który trzymał żeń-szeń i magiczną brzoskwinię.

Podróżnicy zabrali figurkę Futena, który obiecał pomyślny wiatr i szczęście na drodze. Przedstawiano go jako mężczyznę niosącego za plecami torbę i z pogodnym uśmiechem na twarzy.

Samuraj dał. hart ducha, odwaga i odwaga

Królowa nieba, Sivanmu, użyła swojego wachlarza, aby odpędzić wiatry przeciwności.

język japoński netsuke: miniaturowe figurki

Netsuke z tajemnicą

Ebisu z rybą i koszem.
Początek XX wieku, rzeźba w kościach

Shoushin z laską i brzoskwinią.
Koniec XIX - początek XX w., rzeźba w kościach, malarstwo

Przynajmniej z wentylatorem i torbą.
Koniec XIX w., rzeźba w kościach, malarstwo

Jurojin ze zwojem.

Rzeźbienie kości, czernienie.

Okimono Bishamonten z pagodą.
Rzeźba z kości, XIX w.

Jurojin, jeden z siedmiu bogów fortuny

SPRZEDAWCA LALEK DARUMA, MISTRZ YASUYUKI

NETSKU W FORMIE MANJU autorstwa mistrza KOYUSAI
Kość słoniowa. Średnica ok. 4 cm XIX w.

NETSKE „GEJSZA I DEMON”
Kość słoniowa. Wysokość ok. 4,2 cm Błagam. 19 wiek
Świetny przykład pracy Masatsuge, szkoły Edo. Rzadka historia

Kanu (Guan Yu) z halabardą, XIX w., rzeźba z kości

AKTOR W ROLI LISA-WEREN.
Wiśnia (?), kość słoniowa. Wysokość ok. 4cm.
Pierwsza połowa XIX wieku. Podpisano: Hogyoku.

Netsuke „Chłopiec z książką” (rysunek chłopca)

Krab Netsuke

MATKA I DZIECKO. CODZIENNA SCENA.
Kość słoniowa, przyciemniana,
rytownictwo. Wysokość ok. 4,2 cm Druga połowa XIX wieku. Mistrz Shosai.

Niewidomy usuwający kamień z geta
Kość słoniowa. Wysokość ok. 5,8 cm Pierwsza połowa XIX w. Podpisano: Kogyoku.

MATKA Z DZIECKIEM
Kość słoniowa. Wysokość ok. 4 cm Druga połowa XIX wieku.

TENAG-DŁUGOARMIENNY I Ośmiornica
Róg jelenia. Długość 12 cm Koniec XVIII - początek XIX w. Podpisano: Beisai.

FUKUROKUJU, bóg zdrowia, mądrości i długowieczności, PRZYJMUJĄCY GORĄCĄ KĄPIEL

Bukszpan, kość słoniowa. Wysokość ok. 5,3 cm 1840-1860. Podpisano: Toyo.

Na podstawie mojego wpisu na YouTube nakręcili film! Udostępnianie) Dziękuję za zrobienie fajnego klipu!!

Okimono (jap. 置き物, 置物, dosł. „rzecz do postawienia [na wystawie]”; „rzeźbiona figurka”) to dzieło japońskiej sztuki dekoracyjnej i użytkowej, figurka przeznaczona do dekoracji wnętrz.

Historycznie rzecz biorąc, termin okimono odnosił się do małych rzeźb lub przedmiotów dekoracyjnych umieszczanych w tokonomie tradycyjnego japońskiego domu.

W tradycyjnym europejskim sensie okimono to figurka.

Okimono ma podobną konstrukcję, fabułę i często rozmiarem do netsuke, ale okimono nie ma otworu na sznurek, który można znaleźć w netsuke. Przykładem tradycyjnego okimono jest figurka Daruma.

W szerokim znaczeniu okimono odnosi się do wszystkiego, co umieszcza się na półce w celu dekoracji wnętrza: rzeźby z kości, lalki, wazony z kwiatami itp.

Często okimono są zbliżone fabułą do netsuke, środkami wyrazu i wielkością, lecz w odróżnieniu od nich nie posiadają otworu na sznurek i mogą służyć celom czysto dekoracyjnym.

Okimono, jako rodzaj miniaturowej rzeźby przeznaczonej do dekoracji wnętrz, rozpowszechniło się około XVI wieku, kiedy w architekturze domowej powszechne stało się projektowanie specjalnej niszy (tokonoma), w której znajdował się piękny zwój, ikebana lub małe figurki Buddów i Bodhisattwów zostały umieszczone.

Z biegiem czasu repertuar tematyczny miniaturowych rzeźb poszerzał się i już w rycinach z epoki Edo (1603-1866) można zobaczyć figurki świętych, mnichów, zwierząt cyklu sześćdziesiątkowego i siedmiu bóstw szczęścia jako okimonos . Takie figurki kupowano nie tylko po to, by przyciągnąć szczęście, ale także dla upamiętnienia pielgrzymki do odległej świątyni, jako prezent i po prostu do dekoracji wnętrz.

Po rewolucji Meiji (1866-1869) Japonia, wkraczając na drogę modernizacji, wzięła udział w Światowych Wystawach Przemysłowych. Na Wystawie Światowej w Wiedniu wśród obiektów reprezentujących dorobek kraju, tradycje kulturowe i rzemiosło znalazły się wyrzeźbione z kości słoniowej okimony. Biorąc pod uwagę skalę sali wystawowej, japońscy rzeźbiarze powiększyli rozmiary figurek. Tak pojawił się rodzaj okimono, który na Zachodzie stał się przedmiotem kolekcjonerskim.

Reformy Meiji, które ustanowiły strój europejski jako oficjalny strój, sprawiły, że produkcja netsuke straciła sens. Rzeźbiarze zwrócili się ku okimono, na które po serii Wystaw Światowych wzrosło zapotrzebowanie na rynkach sztuki w Europie i USA. Zainteresowanie Europejczyków rzeźbą miniaturową wyznaczyło nowe wymagania wobec rzeźb kostnych, obecnie przeznaczonych do dekoracji europejskich wnętrz.

Wymiary okimono stały się znacznie większe (od 20 do 50 cm), ich powierzchnia została starannie obrobiona, a co najważniejsze, do europejskiego widza trzeba było zwracać się plastycznym językiem, który zrozumiał. Tak narodził się fenomen japońskiego realizmu, zgodnie z którym pracowali mistrzowie okimono.

Japońskie historie zostały ucieleśnione w autentycznych figurkach, które zostały uderzająco starannie wymodelowane. Tradycje plastyczne, które rozwinęły się w Europie na przestrzeni wieków, zostały przez dziesięciolecia opanowane przez japońskich rzeźbiarzy.

W XX wieku, w wyniku wojen światowych, kryzysów gospodarczych i zakazu wydobycia kości słoniowej, liczba mistrzów rzeźbiarskich gwałtownie spadła. Wysoki koszt pracy (wykonanie jednej figurki trwało od kilku miesięcy do kilku lat) uniemożliwiał sprzedaż na rynku krajowym. Reorientacja wyłącznie na eksport doprowadziła do obniżenia poziomu artystycznego okimono: powtarzano modele, pogarszały się właściwości plastyczne przedmiotów.

Okimono wykonane są głównie z drewna, kości słoniowej, brązu i srebra. Kombinacje tych materiałów są powszechne. Aby uzyskać większy efekt dekoracyjny, rzemieślnicy zastosowali inkrustację masą perłową, emaliami, koralem i złotym lakierem. Najcenniejsze są przedmioty wykonane z kości słoniowej, czasem zabarwione roztworem herbaty i ozdobione grawerowanymi wzorami.

Rzeźbiarzami z Okimono byli najczęściej mistrzowie netsuke i rzeźbiarze specjalizujący się w wykonywaniu posągów dla świątyń buddyjskich. Wprowadzenie europejskiego ubioru jako stroju urzędowego i zamknięcie wielu klasztorów buddyjskich wprowadziło bezrobotnych rzeźbiarzy w szeregi mistrzów okimono. Wprowadzili do tego rodzaju sztuki znane tematy, modele, rozwiązania kompozycyjne i techniki rzeźbiarskie. Z kolei zakres tematyczny został zdeterminowany popytem europejskich odbiorców.

Najpopularniejsze historie:

1. Bogowie, postacie wierzeń ludowych Shinto, stworzenia fantastyczne (Siedmiu Bogów Szczęścia, diabły, Tennaga i Ashinaga itp.).
2. Postacie panteonu buddyjskiego i laotańskiego (Budda, Kanon Bodhisattwy, arhaci, sennini).
3. Postacie historyczne (Bodhidharma, Konfucjusz, Yoshitsune i Benkei itp.).
4. Bohaterowie japońskich i chińskich baśni i legend (Momotaro, Urashima Taro, Zhong Kui itp.)
5. Chłopi, rybacy.
6. Muzycy, aktorzy, sarumawasis (trenerzy małp), kaligrafowie, artyści, poeci.
7. Starzy ludzie z dziećmi, kobiety z dziećmi, bawiące się dzieci.
8. Zwierzęta, ptaki, owady, fauna morska.
9. Warzywa, owoce.

Rozkwit dekoracyjnej rzeźby kostnej wiąże się z nazwiskami wybitnych mistrzów, którzy w epoce Meiji przewodzili szkole tokijskiej. Wśród nich są Asahi Gyokuzan (1843-1923) i Ishikawa Komei (1852-1913). Obaj wywodzili się z zawodowych rzeźbiarzy i wykładali rzeźbę w Tokijskiej Akademii Sztuk, zorganizowanej według standardów europejskich.

Ishikawa Komei został przydzielony do kierowania rzeźbą kostną w ramach komitetu powołanego przez cesarza Japonii. Komei miał wielu uczniów i naśladowców, a o jego wkładzie w rozwój rzeźby i uznanie w ojczyźnie świadczy fakt, że jego prace były regularnie wystawiane na wystawach światowych i to w znacznie większych ilościach w porównaniu do innych mistrzów. Morino Korin, Udagawa Kazuo, Ando Rokuzan, Asahi Meido i inni również brali czynny udział w Wystawach Światowych.

W ojczyźnie okimono nie było znaczących zbiorów muzealnych. Niektóre prace znajdują się w Muzeum Narodowym w Tokio, w Galerii Shoto. Próbki okimono znajdują się w Muzeum Miejskim Tokayama (prowincja Hida) oraz w kolekcjach prywatnych. Większość kolekcji okimono powstała poza Japonią.

Wśród zbiorów amerykańskich na uwagę zasługują zbiory kościanych okimono w Muzeum Antropologicznym Uniwersytetu Missouri, grupa drewnianych okimono w ekspozycji Muzeum Uniwersytetu Illinois oraz prywatna kolekcja przemysłowca H. J. Haynesa.

Okimono prezentowane są w Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie, w kolekcji dzieł z epoki Meiji największego brytyjskiego kolekcjonera Nassera D. Khalili. Wśród dużych kolekcji okimono w Niemczech eksperci zwracają uwagę na kolekcje Otto i Ratha Schneidmannów, Kurta S. Ericha.

Pojedyncze egzemplarze znajdują się w zbiorach sztuki orientalnej w muzeach Europy Wschodniej: Muzeum Narodowym w Krakowie (Polska), Państwowym Ermitażu (Rosja), Muzeum Sztuki Zachodniej i Wschodniej. Bogdan i Varvara Khanenko (Kijów, Ukraina), Muzeum Sztuki w Charkowie (Ukraina), Muzeum Kultur Orientu (Zolochev, Ukraina), Odeskie Muzeum Sztuki Zachodniej i Wschodniej (Ukraina).

Huśtać się
Okimono. Kość. początek XX wiek
Zwykli ludzie i syn samuraja bawią się na huśtawce. Chociaż przyszły samuraj jest wyższy od wszystkich innych, nie może grać. Ponieważ w grze liczą się zarówno zwycięstwa, jak i porażki. Zarówno starty, jak i lądowania. Subtelna japońska ironia. Aby zrównoważyć i kontynuować grę, chłopiec ze wsi wspina się na małego samuraja.

Jedna z najlepszych prywatnych kolekcji okimono w Europie należy do kolekcjonera i filantropa Aleksandra Feldmana (Charków, Ukraina). Łącznie zawiera ponad 300 dzieł rzeźby miniaturowej, w tym wysoce artystyczne dzieła tak wybitnych japońskich rzeźbiarzy jak Udagawa Kazuo, Ishikawa Komei, Morino Korin, Ando Rokuzan, Kanya Kuniharu, Chikaaki. Do perełek tej kolekcji należą rzeźby „Matka karmiąca dziecko” Kazuo (1900-1910), „Sprzedawca kwiatów” Komei (1900) i „Czapla” Korina (1900).

Prace Kazuo były wystawiane na kilku międzynarodowych wystawach i słusznie zyskały sławę jako „japońska Madonna”. W obrazie młodej matki można dostrzec podobieństwo do słynnej Madonny Benois Leonarda da Vinci. Mistrz stworzył kilka jego wersji - z brązu (jeden egzemplarz znajduje się w kolekcji Nassera D. Khalili), z drewna i kości. Najcenniejszy jest oczywiście model wyrzeźbiony z kości słoniowej, który zdobi kolekcję A. Feldmana.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ru/e/e8/Kazuo-mother.jpg

Maksym Gorki również zbierał okimona. W jego domowej kolekcji znajdowały się figurki wykonane z kości i brązu. Wśród okimono wykonanych z kości słoniowej pisarz wspomniał o figurce starca z małpą. Rzeźbę z brązu reprezentowały figurki Buddów.

Historycznie rzecz biorąc, termin okimono odnosił się do małych rzeźb lub przedmiotów dekoracyjnych umieszczanych w tokonomie tradycyjnego japońskiego domu. W szerokim znaczeniu okimono odnosi się do wszystkiego, co umieszcza się na półce w celu dekoracji wnętrza: rzeźby z kości, lalki, wazony z kwiatami itp.

Okimono ma podobną konstrukcję, fabułę i często rozmiarem do netsuke, ale okimono nie ma otworu na sznurek, który jest obecny w netsuke.

Legendy Japonii w rzeźbie

Skrzydlaty Tenin. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpis mistrza Gyokudo.

Motyw dziewczynki-łabędzia jest szeroko rozpowszechniony w sztuce japońskiej. Nazywa się ją „żoną żurawia” (tsuru nyo:bo), „niebiańską żoną” (tennin nyo:bo) lub hagoromo („pierzastą szatą”).

Wizerunek Tennina można spotkać w całej Japonii w baśniach lub lokalnych legendach, w których łabędzie zamieniają się w piękne kobiety.
Motyw ten po raz pierwszy pojawił się w kilku opisach w VIII wieku, a swoje klasyczne ucieleśnienie znalazł w sztuce teatru Noo.

Istnieje inna wersja legendy: każdego ranka łabędzie (sirotori) schodziły z nieba i zamieniały się w piękne dziewczyny; zebrali kamienie, zbudowali tamę i wieczorem odlecieli. Motyw ten nadał nazwę wiosce o tej samej nazwie, Shirotori, która istnieje do dziś.

„Siedmiu bogów szczęścia” w mitologii japońskiej to bóstwa obdarzające wysokimi cnotami i przynoszące szczęście: Ebisu, Daikomu-ten, Hotei, Jurojin, Fukuroju, Bishamon-ten, Bensai-ten. Kult „siedmiu bogów szczęścia” zaczął kształtować się na początku XV wieku wśród ludności miejskiej Japonii pod wpływem wierzeń Shinto, Chin i Indii. Głównym źródłem informacji o siedmiu bóstwach są dobrze znane postacie z licznych dzieł chińskiej literatury i malarstwa, „siedmiu mędrców z gaju bambusowego”.

Bogini Kannon. Okres Meiji (1868-1912)

Interpretacja „siedmiu bóstw szczęścia” wyraźnie ukazuje charakterystyczną japońską interpretację buddyzmu: bóstwa buddyjskiego panteonu powinny zapewniać „dobra na tym świecie” (długowieczność, dobrobyt). Najwcześniejsze przedstawienie „siedmiu bogów szczęścia” pochodzi od buddyjskiego mnicha z XV wieku. Uważa się, że gdy na początku roku odprawiany jest określony rytuał, „Siedmiu Bogów Szczęścia” zapewnia człowiekowi dobrobyt przez cały rok.

Rysunek „Guan Yu (Kang Wu)”. Japonia, okres Meiji (1868-1912)

Istnieje legenda, że w 1856 roku pomógł stłumić powstanie prowadzone przez Tai-pinga Tianguo, występując przed wojskami rządowymi na ziejącym ogniem smoku. Nic dziwnego, że wizerunki Guan Yu służyły chińskim wojownikom jako wyjątkowe talizmany. Ponieważ męstwo i odwaga są szanowane przez wielu ludzi, Guan Yu był czczony w Chinach przez buddystów, taoistów i konfucjanistów. Mieszkańcy miasta wieszali jego obrazy w swoich sklepach i sklepach. Wizerunek nieustraszonego wojownika w powszechnej świadomości stał się symbolem orędownika. Legendy przypisywały Guan Yu zdolność wywoływania deszczu podczas suszy, powstrzymywania powodzi, uspokajania demonów i ochrony ludzi przed chorobami. Mówią, że może pojawić się przy łóżku chorego i umieścić w dłoni chorego magiczne, uzdrawiające złote pigułki.

Symbol roku:) Brązowy tygrys. Japonia, okres Taisho (1912-1926)

Lampa z wizerunkiem smoka i irysów. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpis mistrza Miyao Eisuke.

W japońskich legendach i mitach smok reprezentuje potężne boskie siły.
Jeśli smok jest traktowany z należytym szacunkiem i szacunkiem, może hojnie podziękować osobie, ponieważ smoki są uważane za bajecznie bogate. Na przykład w legendzie o Smoczym Królu młody samuraj w nagrodę za uratowanie córki smoka otrzymuje złoty placek, którego niezależnie od tego, ile go oderwiesz, nigdy się nie zmniejsza.

W Japonii wizerunki smoków ozdabiają buddyjskie świątynie i fontanny do ablucji przed nabożeństwem.
Smok, jako postać w japońskiej mitologii ludowej i folklorze, ma w kulturze japońskiej dwa znaczenia wizerunkowe: z jednej strony jest jedną z inkarnacji bóstwa wody, z drugiej zaś jest całkowicie niezależnym, wysoce czczone bóstwo, które odgrywa ogromną rolę w kulturze japońskiej.

Kwiaty irysa są szczególnie czczone w Japonii.

Wiąże się z nimi wiele zwyczajów i rytuałów. Na przykład w średniowieczu urzędnicy nosili peruki wykonane z liści irysa, a dzieci używały pęczków irysów jako bicza i rywalizowały o to, kto uderzy je najgłośniej. Do sake dodawano także rozdrobnione liście, tworząc rytualny napój. Japończycy wierzą, że naszyjnik z liśćmi irysa zapobiega przeziębieniom i oczyszcza z grzechów. Do dziś kwiaty irysa zdobią fryzury, stroje, artykuły gospodarstwa domowego i wnętrza.
Tej starożytnej roślinie poświęcone jest specjalne święto - Święto Irysa (Shobu no sekku), które obchodzone jest 5 maja. Inna nazwa tego dnia to Dzień Chłopców (Tango no sekku). Zależność tutaj jest prosta. Liście tęczówki są w kształcie miecza, cienkie i płaskie, przypominające ostrze zimnej broni. Dlatego irys w Japonii uosabia ducha samuraja i symbolizuje sukces i zdrowie, a amulety wykonane z irysa chronią chłopców - przyszłych wojowników - przed chorobami i dodają im odwagi.

Rzeźba cesarza Jimmu. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpis mistrza Kisetsu.

Pierwszy cesarz Jimmu jest szczególnie czczony w Japonii, poświęcono mu wiele świątyń.
Historia jego pojawienia się ma swoje korzenie w starożytnym japońskim micie o pochodzeniu świata. Jimmu Tenno (Niebiański Władca) (660-585 p.n.e.) – pierwszy cesarz Japonii, przodek wszystkich Japończyków. Cesarz Japonii uważany jest za przedstawiciela Bóstwa Słońca Amaterasu na Ziemi i tylko dzięki niemu realizuje się połączenie między ludźmi a Bóstwami.

„Chłopcy z torbami pełnymi bogactwa i bambusowymi gałęziami”. Japonia, okres Meiji (1868-1912). Warsztaty Miyao.

Rzeźby przedstawiają dwóch symetrycznie ustawionych chińskich chłopców z dużymi torbami na plecach i bambusowymi gałęziami w dłoniach. Wizerunek chłopców w symbolice chińskiej i japońskiej ma dla właściciela życzliwe znaczenie: życzą ci zdrowego potomstwa. Obrazy dużych worków oznaczają bogactwo. Bambus jest symbolem elastyczności i długowieczności.

Wazon z wizerunkiem karpi. Japonia, okres Taisho (1912-1926).

W mitologii japońskiej karpie są uosobieniem siły i wytrwałości w dążeniu do celu oraz symbolizują odwagę i wytrzymałość, wytrwałość i wytrwałość. Takie postrzeganie wizerunku karpia wynika z faktu, że celowo pokonuje on bystrza rzeki, aby dotrzeć do ujścia.
Podobnie jak ta ryba poruszająca się pod prąd i wspinająca się po wodospadzie, tak człowiek musi pokonać przeszkody życiowe i wyrobić sobie markę. Dlatego przedmioty z wizerunkami karpia są odpowiednie dla tych, którzy chcą mieć silny charakter i cechy takie jak odwaga i cierpliwość.

Lao Tzu na bizonie. Japonia, późny okres Edo (1600-1868).

Lao Tzu (Stare Dziecko, Mądry Starzec) to starożytny chiński filozof żyjący na przełomie VI i V wieku p.n.e. e., jeden z założycieli ruchu taoizmu, autor traktatu „Tao Te Ching” (Kanon Drogi i Łaski, inna nazwa to „Trzy wozy” - napisane na bambusie zajmowały trzy wozy)

Hotei z torbą i laską. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpis mistrza Kasetsu.

W starożytnej mitologii japońskiej Hotei jest bogiem szczęścia, obfitości i beztroskiego życia, który jest także obrońcą dzieci. W XVII wieku został kanonizowany w Japonii i stał się jednym z Siedmiu Bogów Fortuny. Uważa się, że z góry określa losy ludzi i pomaga w spełnieniu cenionych pragnień.
Prototypem Hotei jest chiński mnich buddyjski o imieniu Qi-Tsi z IX-X wieku, który zasłynął z przepowiadania szczęśliwych znaków i był uważany za ziemską inkarnację Maitrei. Miał nietypowy wygląd (niski wzrost, duży wystający brzuch) i wyróżniał się specyficznym zachowaniem (po klasztorach chodził półnagi z lnianym workiem na plecach). Legenda głosi, że tam, gdzie się pojawił, ludziom przyszło szczęście, zdrowie i pomyślność. Zwyczajowo przedstawiano Hotei jako uśmiechniętego grubasa z ogoloną głową w klasztornej szacie i z ogromną torbą. Gdyby ktoś zapytał, co jest w torbie, odpowiedziałby: „Mam w niej cały świat”. Jego płatki uszu mają wydłużony kształt. Hotei jest zawsze bosy, a jego gruby brzuch nie jest bynajmniej wynikiem nadmiernego spożycia jedzenia, ale ucieleśnieniem jego qi, jego nieuniknionej witalności.

Jurojin i następca tronu chińskiego. Japonia, 1937. Wspólne dzieło mistrzów Takeyuki i Ryozan.

Uważa się, że prototypem japońskiego bóstwa Jurojina był chiński założyciel taoizmu – Laozi. Jest zwykle przedstawiany jako starzec z długą białą brodą. Atrybuty bóstwa Jurojin obejmują najczęściej laskę, zwój, laskę Ruyi i długowieczne zwierzęta, takie jak jeleń, żółw i bocian. Uważa się, że zwój Jurojin zawiera informacje o wszystkich stworzeniach żyjących na ziemi oraz tajemnice długowieczności i nieśmiertelności. Różdżka Ruyi to różdżka spełnienia życzeń i szczęśliwych znaków. Z chińskiego „ruyi” można przetłumaczyć jako „cokolwiek chcesz”. Uważa się, że przynosi szczęście i spełnia życzenia. Różdżka Ruyi często ma kształt magicznego grzyba Lingji.
Na tej kompozycji Jurojin trzyma laskę i zwój. Różdżka Ruyi jest w rękach chłopca. Z hieroglifów wyrytych na zwoju (dosł. Zwój od chińskiego „Syna Niebios”) można wywnioskować, że zwój ten przeznaczony był do szkolenia młodego cesarza. Również ze wzoru na ubraniu i czapce chłopca jasno wynika, że przed nami stoi młody cesarz Chin, którego mentorem jest bóstwo Jurojin.

Konfucjusz. Japonia, okres Meiji (1868-1912). Warsztaty Satsuma.

Konfucjusz (551-479 p.n.e.) urodził się w Chinach, w prowincji Shandong. Główne poglądy filozofa zostały zawarte w książce „Rozmowy i sądy” („Lun Yu”), będącej zapisem wypowiedzi i rozmów Konfucjusza z jego najbliższymi uczniami i naśladowcami. Kiedy konfucjanizm stał się dominującą doktryną w Chinach (po 136 rpne), filozofa okrzyknięto „nauczycielem 10 tysięcy pokoleń”, a jego kult był oficjalnie wspierany aż do 1911 roku (początek burżuazyjnej rewolucji Xinhai).

Kadzidełko przedstawiające Kirina i feniksy. Japonia, okres Meiji (1868-1912)

W mitologii japońskiej Kirin to stworzenie z głową smoka, ciałem jelenia i skrzydłami, mające kopyta konia, jeden róg na głowie i pięciokolorową skórę. Według legendy Kirin jest dobrodusznym zwierzęciem, które nigdy nie nadepnie na żywe rośliny i nie wyrządzi krzywdy żadnemu żywemu zwierzęciu. Dlatego wizerunek Kirina promuje sprzyjające wydarzenia w życiu.
Według chińskiej legendy Kirin pojawił się przy łóżku matki Konfucjusza, gdy ta miała urodzić swojego słynnego syna. Chińczycy uważają, że obrazy Kirina w domu służą ochronie właścicieli domu przed wpływem zewnętrznych negatywnych sił. Chroniąc właściciela, Kirin odbiera całą negatywną energię, która pochodzi z zewnątrz.
Feniks to uniwersalny symbol nieśmiertelności we wszystkich mitologiach świata, symbol odrodzenia w ogniu. Legenda głosi, że gdy feniks czuje zbliżającą się śmierć, buduje gniazdo z drewna kadzidłowego i żywicy, które następnie wystawia na palące promienie słońca, aż spala się na popiół w ich płomieniach. Następnie z jego szczątków powstaje nowy feniks. Ten „ognisty ptak” symbolizuje boskość władzy królewskiej, szlachetność i wyjątkowość. Według tradycji w Japonii feniks jest symbolem słońca i symbolem cesarza.

Okimono Hotei. Warsztaty Satsuma. Japonia, okres Meiji (1868-1912)

Święto Setsubun. Japonia, okres Meiji (1868-1912) Podpis mistrza Gyokushu.

Mistrz odtwarza scenę święta Setsubun – jednego z najstarszych świąt w kraju, które obchodzone jest w Japonii w nocy z 3 na 4 lutego. Tej nocy w domach odbywa się ceremonia Mame-maki („rzucania fasoli”).
Zwykle ten zaszczytny rytuał odprawia właściciel domu, mówiąc „Oni wa soto – fuku wa uchi”, co oznacza „diabły na zewnątrz, szczęście w domu”. Następnie ziarna są zbierane i spożywane jako rytualne pożywienie zapobiegające wszelkiego rodzaju chorobom. Uważa się, że aby w nadchodzącym roku zachować zdrowie i odnieść sukces w biznesie, należy zjeść tyle fasoli, ile masz lat i o jedną więcej.

Oryginalny post i komentarze pod adresem