Do archiwum. Wystawa z Watykanu Pinakothek w Moskwie.
Część 2 z 4: od Ercole de Roberti do Veronese. Caravaggia. Poussin.
Wszystko działa [*] wystawa „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Belliniego, Rafaela, Caravaggia. Kontynuacja
[*] 35 lub 42 sztuki - w zależności od sposobu liczenia.
Wystawa prezentuje dzieła z sześciu wieków – od XII do XVIII wieku.
Fotografowanie na wystawie było surowo zabronione.
Ercole de Roberti (około 1450, Ferrara - 1496, Ferrara). Cuda św. Vincenzo Ferrera: Uzdrowienie kobiety rodzącej - Wskrzeszenie bogatego Żyda - Uzdrowienie chromego mężczyzny - Uratowanie dziecka z płonącego domu - Wskrzeszenie dziecka zabitego przez obłąkaną matkę. 1473. Predella. Drewno, tempera. 30x215cm.
"W XV wieku Ferrara rozkwitła pod rządami książąt Este, stając się wpływowym centrum kulturalnym renesansowych Włoch. Ercole de Roberti jest jednym z najbardziej oryginalnych artystów szkoły ferrarskiej. Jego predella uważana jest za najbardziej wyrafinowaną predellę renesansu. Jest poświęcony czynom hiszpańskiego świętego Vincenzo Ferrera i pełen tajemniczego i pociągającego ducha Ferrary.
3.
Ercole de Roberti. Poliptyk Predelli Griffoni. Fragment.
„Nabycie. Przed rozbiórką w XVIII w. w kościele San Petronio w Bolonii; od 1839 r. – w Watykanie Pinakoteka nr inw. 40286.
Ta predella, poświęcona czynom św. Vincenzo Ferrera, była częścią ołtarza stworzonego dla kaplicy Floriano Griffoni w głównej świątyni Bolonii, katedrze San Petronio. Ołtarz, zwany poliptykiem Griffoniego, rozebrany w XVIII wieku, pozostaje najdobitniejszym dowodem wspólnej pracy Ercole de Roberti i jego nauczyciela Francesco del Cossa i pokazuje, jak początkującemu artyście udało się nie tylko ugruntować swoją niezależność, ale – według dla Vasariego przewyższył nawet nauczyciela. Ogólny wygląd ołtarza zrekonstruował Roberto Longhi (1934), później wierność jego rekonstrukcji potwierdził przypadkowo znaleziony rysunek z XVIII wieku, wykonany przez Stefano Orlandiego przed rozbiórką poliptyku.
4.
Jedna z możliwych rekonstrukcji ukazująca układ poszczególnych części poliptyku Griffoniego. Nie wiem, o jaką rekonstrukcję chodzi w katalogu / Polittico Griffoni: jedna z sugerowanych rekonstrukcji wskazująca względne położenie różnych paneli. Technologia cyfrowa zastosowana do ponownego zjednoczenia rozproszonego ołtarza.
W centrum poliptyku umieszczono główny wizerunek św. Vincenzo Ferrera [ten obraz Vincenzo Ferrera autorstwa Francesco del Cossa można znaleźć na stronie London National Gallery: Saint Vincent Ferrer, prawdopodobnie około 1473-1475, Francesco del Cossa - ok. Gorbutowicz], hiszpański dominikanin, kanonizowany w 1455 r. Po obu jej stronach znajdują się duże malowidła: dwóch stojących świętych, a w górnym rejestrze dwa półpostaciowe wizerunki świętych oraz medaliony ze scenami Ukrzyżowania (w środku) i Zwiastowania (po bokach). Prace nad ołtarzem zakończono zapewne wkrótce po opłaceniu snycerza Agostino de Marchi za wykonanie ram, czyli po 19 lipca 1473 roku. Dzieło trafiło do zbiorów Watykanu pod nazwą Benozzo Gozzoli, a predella została niedawno uznana za dzieło Ercole de Roberti, choć Vasari wskazywał na jej autorstwo.
5.
Fragment. W Internecie można znaleźć zdjęcia maksymalnej tej jakości. Może gdzieś na osobistych stronach w sieciach społecznościowych coś jest, ale nie mogłem znaleźć / Predella (szczegóły). Panele z poliptyku Griffoni autorstwa Ercole de" Roberti. Poliptyk: 1472-1473. Tempera na desce, wysokość detalu 28 cm. Pinakoteka, Watykan. Wga.hu.
Cossa napisał centralne obrazy, ale predellę całkowicie powierzył Ercole'owi. Jak to było w zwyczaju w warsztatach w epoce Quattrocento, Cossa nakreślił jedynie ogólną kompozycję, w pozostałej części całkowicie opierając się na Ercole. Ten ostatni najwyraźniej zaczął malować predellę od lewej do prawej, podążając za konturami nauczyciela, w miarę postępów, opracowując bardziej szczegółowo figury. Zachowanie Ercole'a jest zbliżone do jego nauczyciela, a niektóre sceny wydają się wręcz bezpośrednimi cytatami z fresków Cossy w Palazzo Schifanoia w Ferrarze: w szczególności można spotkać dziecko jedzące ciasteczka w scenie „Zmartwychwstanie bogatego Żyda” W.
6.
Ercole de' Roberti, I cuda di San Vincenzo Ferrer (szczególnie). Predella della Pala Griffoni, 1473. Musei Watykańskie, Città del Watykan. przez
Wykorzystując architekturę klasyczną, Ercole kieruje się raczej intencjami swojego nauczyciela, a nie upodobaniem do przedstawiania ruin.
Styl Ercole ujawnia się w dramatycznej scenie z krzyczącą kobietą i robotnikami próbującymi ugasić pożar. Ten odcinek został zapożyczony z Palazzo Schifanoia. W jednej ze scen predelli Ercole przedstawia złożoną narrację na dobrze skonstruowanym perspektywicznie, aczkolwiek fantastycznym tle z widokami architektonicznymi i ruinami. W predelli nie ma wyraźnych granic pomiędzy poszczególnymi epizodami, a cała kompozycja bardziej przypomina malowidło narracyjne, charakterystyczne dla cassone (skrzyni ślubnej) czy spalliery (ozdobnego panelu ściennego), niż predelli.
7.
To nie jest Ercole de Roberti, to jest kopia z 1929 roku. Fragment kopii predelli poliptyku Griffoniego przechowywanej w London National Gallery. W Londynie oryginalna predella nosi nazwę Francesco del Cossa, a nie Ercole de Roberti / Sceny z życia św. Wincentego Ferrera. Data wykonana 1929. Według Francesco del Cossa (Carrine Palmieri i Rosa Falcone). Kredyt nabycia: Podarowany przez papieża Piusa XI, 1930. 30,5 x 215 cm. Galeria Narodowa w Londynie. Obraz ten jest kopią panelu predelli ołtarza znajdującego się pierwotnie w kaplicy Griffoni kościoła S. Petronio w Bolonii. XV-wieczny panel centralny autorstwa Francesco del Cossa przedstawia „Świętego Wincentego Ferrera”, który w 1367 r. został dominikaninem i zasłynął jako kaznodzieja i misjonarz. Panele boczne, obecnie w Brera w Mediolanie, przedstawiają św. Piotra i św. Jana Chrzciciela. Projekt jest ujednolicony poprzez architekturę i skalisty krajobraz. Oryginalny panel predelli (Rzym, Muzea Watykańskie) również przypisuje się Ercole de”Roberti.
Wyrafinowana ikonografia, jeszcze nie do końca rozszyfrowana, sugeruje, że artysta musiał kierować się radami uczonych humanistów, takich jak Giovanni Garzoni z Bolonii, autor żywota św. Vincenzo Ferrera, którego kult rozprzestrzenił się po całych północnych Włoszech i był szczególnie silny w Bolonii. W pierwszej scenie po lewej stronie kobieta błaga świętego Vincenzo, aby złagodził jej bóle porodowe.
8.
Potem nadchodzi Zmartwychwstanie bogatego Żyda.
9.
Fragment kopii predelli poliptyku Griffoniego przechowywanej w London National Gallery. 1929 / Galeria Narodowa, Londyn.
Po tej scenie następuje epizod z siedzącym mężczyzną, którego krwawiąca noga Św. Vincenzo uzdrawia z nieba. Następnie znajduje się obraz pożaru, który w porę ugaszono dzięki interwencji świętego.
Ostatnie sceny opowiadają historię matki, która w przypływie szaleństwa zabiła swojego jedynego syna. Jej mąż przynosi szczątki chłopca do grobowca św. Vincenzo, gdzie dziecko w cudowny sposób wraca do życia.
W scenach występują postacie ubrane zgodnie z najnowszą modą, a ponieważ św. Vincenzo słynął z nawracania i chrzczenia dużej liczby osób z różnych krajów, pojawiają się w nich także osoby ubrane egzotycznie. Widok tłumu przypomina Paolo Uccello i Piero della Francesca.
11.
przez
Predella Ercole to jedna z najbardziej wyrafinowanych dzieł sztuki renesansu. Artysta ukazuje swoją erudycję, odwołując się do sztuki antycznej. Wśród nich znajduje się brązowy „Chłopiec wyciągając drzazgę” (Muzea Kapitolińskie, Rzym), prototyp siedzącego mężczyzny z zranioną nogą oraz Dioscuri z Kwirynału w Rzymie, które przypominają mężczyzn walczących z ogniem w scenie pożaru . Ercole jest bardziej wyrazisty niż jego nauczyciel.
Czuje się w swoim rodzimym żywiole w skali miniatury, jednak jego zamiłowanie do detali nie umniejsza ogólnej monumentalności kompozycji. Artysta twórczo wykorzystał doświadczenia Andrei Mantegny, wykorzystując jego ostre kąty, co widać na wizerunku konia w dolnej krawędzi kadru. Predella jest malowana w jasnych kolorach i z niezwykłą precyzją, którą mieszkańcy Ferrary tak cenili w malarstwie holenderskim i Cosme Tura. Choć krytycy konsekwentnie zwracają uwagę na niespokojną, dramatyczną atmosferę twórczości Ercole'a, prawdziwą cechą charakterystyczną jego stylu jest złocistobrązowe światło, które zalewa jego obrazy i nadaje im metafizyczne napięcie, które antycypuje „piazzi” Giorgio de Chirico, kolejny „irracjonalny” artysta, który tak bardzo kochał melancholijną Ferrarę. "
Wpis w katalogu Muzeów Watykańskich:
Autore: Ercole de "Roberti (Ferrara 1450 ok. - 1496) - già attr. a Benozzo Gozzoli (Firenze 1420 - Pistoia 1497) e a Francesco del Cossa
Opis/Tytuł: Predella: Miracoli di San Vincenzo Ferrer: Il Santo guarisce una storpia; Resuscita una ricca ebrea; Salva un bimbo in una casa incendiata; Resuscita un bimbo ucciso dalla madre impazzita; Guarisce un ferito ad una gamba (già „Miracoli di San Giacinto” di B. Gozzoli)
Datazione: 1473
Materiał: tempera su tavola
Wymiary: cm 30 x 215
Nabycie Periodo: 1908
Nabycie Tipo: Ingresso nella Pinacoteca di Pio X
Provenienza: dalla pala d "altare della Cappella Griffoni eseguita da Francesco del Cossa per la Chiesa di San Petronio a Bologna, smembrata nel sec. XVI; dal 1732 al 1782 ca. in casa Aldovrandi; Venduta nel 1839 da Feliciano Brizzi al Governo Pontificio ed esposta nella Pinacoteca di Gregorio XVI (MORONI G., 1847); nel 1857 ca., nella Pinacoteca di Pio IX
Kolokacja: Edificio della Pinacoteca
Pinakoteka Watykańska
Sala V
12.
Melozzo degli Ambrosi, detto Melozzo da Forlì, (Forlì 1438 - 1494) Un angelo che suona il liuto, 1480 ca. Frammento di affresco staccato, cm 93,5 x 117 nr inw. 40269.14.10. Muzeum Watykańskie. . Obraz w Wikipedii: 4296 x 5323
Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli (1438, Forli - 1494, Forli). 1480. Aniołowie grający muzykę - trzy fragmenty fresków przeniesione do kadorytu.
Melozzo da Forli. Anioł grający na lutni. 1480. 117,5 x 93,5 cm.
„Od początku XIV wieku, czyli od czasu niewoli papieży w Awinionie, Rzym popadał w ruinę, która trwała aż do połowy XV wieku. Upadek Rzymu znalazł swoje odzwierciedlenie także w jego życiu artystycznym: słabość rzymskiej szkoły malarstwa zmusiła papieży do zwrócenia się ku artystom z innych miast.
Melozzo da Forli, pochodzący z małego miasteczka Forli w prowincji Emilia-Romania, został zaproszony do Rzymu przez papieża Sykstusa IV. Stworzył wiele fresków w kościołach rzymskich, dzięki czemu Melozzo można uznać za założyciela szkoły rzymskiej, która rozkwitła w XVI-XVII wieku. Trzy muzyczne anioły prezentowane na wystawie to fragmenty jego malowidła kopuły kościoła Santi Apostoli, ogromnej wielofigurowej kompozycji „Wniebowstąpienie Chrystusa”.
13.
Melozzo da Forli. Angeliego, 1475-1477. przez
Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli. Anioł grający na lutni. 1480. 108,5 x 77,5 cm.
„Fresk „Wniebowstąpienie Chrystusa” był postrzegany przez współczesnych jako triumf władzy papieskiej, która ożywiła Rzym. Boska orkiestra aniołów symbolizowała nieziemskie piękno raju, a abstrakcyjne pojęcie „muzyki nieba” kojarzone jest z filozoficznymi konstrukcjami modelu świata, o których mówili pitagorejczycy i platończycy. Melozzo jako artysta renesansowy łączy w swojej twórczości tradycje starożytne i chrześcijańskie. Jego aniołowie, wielbiąc Pana zgodnie ze słowami Biblii: „Niech twarzami chwalą imię Jego na tympanonie i harfie, niech mu śpiewają, bo Pan sprzyja swemu ludowi, pokornych wysławia zbawieniem” – są idealne, jak starożytne posągi, a jednocześnie żywotne – wyglądają jak młode pazie na dworach władców renesansu”.
14.
przez. Oryginał (4201 x 5276)
Melozzo degli Ambrosi, nazywany Melozzo da Forli. Anioł grający na skrzypcach. 1480.
„Niewiele dzieł Melozza dotarło do nas, większość jego fresków została zniszczona podczas restrukturyzacji, ale z tego, co pozostało, można ocenić skalę jego talentu. „Wniebowstąpienie Chrystusa” jest wyjątkowe, fresk wyróżnia się na tle wszystkich współczesnych obrazów. Fabuła przedstawiająca triumf Zbawiciela wstępującego na niebiański tron w otoczeniu sił niebieskich, ulubiona w sztuce bizantyjskiej, została zapożyczona przez Europę Zachodnią, wspaniale rozkwitła w okresie romańskim, była kontynuowana w gotyku, ale nie odniosła już sukcesu w Quattrocento. Melozzo, sięgając po średniowieczne próbki, tchnął w nie nowe życie i ponownie wprowadził temat Wniebowstąpienia na listę najważniejszych tematów w sztuce, wyprzedzając w ten sposób Michała Anioła, Rafaela, Correggio i malowidła ścienne kopuł barokowych kościołów.
15.
Pietro Vannucci, detto il Perugino, (Città della Pieve ok. 1450 - Fontignano 1523) S. Flavia; S. Placido, 1496 - 99 Tempera trawa su tavola nr inw. 40319, 40320, 40321 -2.1. Muzeum Watykańskie.
Pietro Vannucci, nazywany Perugino (1448, Citta della Pieve - 1523, Fontignano). Święty Placis. 1495-1498. Predella. Drewno, tempera olejna. 35,5 x 30 cm.
„Pochodzący z Umbrii Pietro Perugino na przełomie XV i XVI wieku stał się jednym z najbardziej wpływowych artystów we Włoszech i mając duże warsztaty we Florencji i Perugii, pełne studentów, równie płodny jak był utalentowany, napełnił kościoły Toskanii i Umbrii wieloma swoimi czułymi Madonnami i pobożnymi świętymi. Obraz jest doskonałym przykładem jego dojrzałego stylu.
Znani są dwaj święci Placydy: męczennik, który zginął wraz ze swoją siostrą Flawią za panowania cesarza Dioklecjana w IV wieku oraz uczeń św. Benedykta żyjący w VI wieku. Perugino, łącząc obie legendy, przedstawiało świętego w sutannie, ale z gałązką palmową, symbolizującą męczeństwo, atrybut brata Flawii.
16.
Pietro Vannucci, detto il Perugino (Citta della Pieve ok. 1450 r. - Fontignano 1523). S. Flawia; S. Placido, 1496-99 Tempera trawa su tavola nr inw. 40319, 40320, 40321 -2.1. Muzeum Watykańskie.
Pietro Vannucci, nazywany Perugino. Święta Justyna. 1495-1498. Predella. Drewno, tempera olejna. 33,5 x 26 cm.
„Obraz ten, podobnie jak św. Placis, był częścią dużego ołtarza Wniebowstąpienia Chrystusa, wykonanego dla klasztoru San Pietro w Perugii w latach 1495–1500. Z powodu zamieszania ze św. Plakidą do niedawna uważano, że przedstawiana jest św. Flawia, obecnie jednak udowodniono, że jest to św. Justyna, patronka wspólnoty benedyktyńskiej klasztoru San Pietro – korona na jej głowie , księżniczka z urodzenia, jest tradycyjnym atrybutem.
17.
„Święta Justyna” jest tej samej jakości co „Święty Placis”, ale dla historii sztuki te dwa obrazy są również ważne, ponieważ stanowiły część ołtarza Wniebowstąpienia Chrystusa, który powstał właśnie w czasie pracy w warsztacie Perugino pojawił się bardzo młody Rafael.
18.
Raffaello Sanzio (Urbino 1483 - Roma 1520). Speranza - Carità - Fede, Predella Baglioni, 1507. Tempera trawa su tavola, cm 18 x 44 ciscun pannello nr inw. 40330, 40331, 40332 - Fede. Muzeum Watykańskie.
Rafael Santi (1483, Urbino - 1520, Rzym). Wiara i miłosierdzie. 1507. Predella. Drewno (topola), olej. Obydwa mają wymiary 18 x 44 cm.
Rafał. Wiara
„Być może nie ma bardziej wpływowego artysty w historii sztuki niż Rafael. Od trzech i pół wieku jego nazwisko jest synonimem absolutnej doskonałości w sztuce.
Pierwsze krytyczne recenzje pojawiły się w połowie XIX w., wówczas powiększyło się grono jej krytyków, manifesty nowej sztuki obaliły jej autorytet, lecz zaprzeczenie jest rodzajem uznania. To nie przypadek, że dzieła Rafaela umieszczono w centrum sali poświęconej wysokiemu renesansowi i baroku.
19.
Wersja rekonstrukcji ołtarza Baglioni / Raphaël, La Déposition, 1507 / Pala Baglioni. przez, poprzez
Są to dwa z trzech małych grisailles, które tworzyły predellę ołtarza kościoła San Francesco al Prato w Perugii, znanego jako ołtarz Baglioni, pośrodku którego znajdowało się „Złożenie trumny”, obecnie przechowywane w Galerii Borghese.
20.
Raffaello Sanzio. Fede, Predella Baglioni, 1507. Musei Watykańskie.
„Wiara”, boczna część predelli, jawi się jako postać kobieca z kielichem w dłoni, w puttach w bocznych wnękach znajdują się tablice z monogramami imienia Jezus.
21.
Raffaello Sanzio (Urbino 1483 - Roma 1520). Carità, Predella Baglioni, 1507. Tempera trawa su tavola, cm 18 x 44. ciscun pannello nr inw. 40330, 40331, 40332 Speranza. Muzeum Watykańskie.
Rafał. Łaska
„Ołtarz, którego częścią były „Wiara” i „Miłosierdzie”, został zamówiony przez Atalantę Baglioni do kaplicy pogrzebowej, w której spoczywało ciało jej małoletniego syna, brutalnie zamordowanego w wewnętrznych konfliktach dwóch perugijskich rodzin. Rafael otrzymał polecenie wykonania ołtarza w połowie 1506 roku. Było to pierwsze duże samodzielne dzieło, ponieważ wcześniej nie otrzymał zamówień na ołtarze. Bardzo chwalono ołtarz „Złożenie do grobu”, ale zauważono także nowość małej predelli.
22.
Raffaello Sanzio. Carita, Predella Baglioni, 1507. Musei Watykańskie.
W XV wieku predella opowiadała historie, co było przyjętą normą, Rafael zastąpił tę opowieść alegoriami. W centrum znalazło się „Miłosierdzie”, przedstawiane jako matka obejmująca dzieci, otoczone „Wiarą” i „Nadzieją”. Putto po prawej stronie trzyma na ramionach kocioł z ogniem – starożytny symbol pokoju kojarzony z igrzyskami olimpijskimi, a lewy, rozrzucając pieniądze, nawołuje do hojności.
23.
Antonio da Correggio (1490-1534). Chrystus w chwale (część tryptyku). Około 1526-1530. 105 × 98 cm. Pinakoteka Watykańska. przez. Oprawione na wystawie
Antonio Allegri, nazywany Correggio (1489, Correggio - 1534, Correggio). Chrystus w chwale. Między 1525 a 1530 rokiem. Pinnacle - zwieńczenie ołtarza. Płótno, olej. 105 x 98 cm.
„Sława Antonio Correggia za jego życia ograniczała się do Parmy, gdzie skupiały się jego główne dzieła, ale po śmierci stał się jednym z najbardziej szanowanych malarzy włoskich. Obraz ten, ceniony w XVIII i pierwszej połowie XIX w., w XX w. został uznany za kopię i oddany do przechowywania.
24.
Trittico della Misericordia
Dopiero w 2011 roku dokonano jego renowacji, ustalając jednocześnie, że na płótnie z XVI w. oraz na postaci i twarzy Chrystusa widoczne są liczne poprawki autorskie, nieistniejące w kopiach. Autorstwo Correggia uznano za niewątpliwe, a obraz zajął honorowe miejsce w ekspozycji Pi-Nakoteki. Ciekawe jest porównanie „Chrystusa w chwale” z ikoną otwierającą wystawę – wizerunek Correggio kontynuuje rozwój starożytnego typu ikonograficznego wywodzącego się z Bizancjum.
25.
Paolo Caliari, detto il Veronese, (Werona 1528 - Wenecja 1588) Visione di S. Elena, 1580 ca. Olio su tela, cm 166 x 134 nr inw. 40532.
Paolo Cagliari, nazywany Paolo Veronese (1528-1588). Wizja Świętej Heleny. Około 1575-1580. Płótno, olej.
„Obraz Paolo Veronese jest luksusowy w stylu weneckim. Przedstawiona jest Święta Helena, matka Konstantyna, pierwszego chrześcijańskiego cesarza rzymskiego. Według legendy Elenie ukazał się anioł, który skłonił ją do udania się do Jerozolimy w poszukiwaniu krzyża Jezusa. Tradycyjnie przedstawiano świętą prowadzącą robotników kopiących krzyż lub trzymającą w rękach znaleziony krzyż. Veronese natomiast przedstawiała śpiącą Elenę, a w wizji ukazano jej anioła trzymającego krzyż, wezwanego do wskazywania drogi do Ziemi Świętej. Wiek przedstawionych jest sprzeczny z kanonicznym tekstem biografii: Święta Helena, gdy udała się do Jerozolimy, miała wiele lat, a bohaterka Veronese jest młoda. Swobodna interpretacja legendy dała podstawę do założenia, że elegancka Wenecjanka na obrazie, którego wizerunek jest niemal portretem, to żona Veronese, zwanej także Eleną.
Michelangelo Merisi, nazywany Caravaggio (1571-1610). Pozycja w trumnie. Około 1603-1604. Płótno, olej. 300 x 203 cm.
Główną gwiazdą ekspozycji jest obraz „Złożenie do grobu” Caravaggia. W 2011 roku praca była już w Moskwie na wystawie „” w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin. Z jakiegoś powodu nie jest to zbyt dobrze pamiętane w kontekście wystawy w Galerii Trietiakowskiej.
Opis obrazu z artykułu na wystawę w Muzeum Puszkina:„Caravaggio osiągnął najwyższą dojrzałość twórczą w roku 1606, kiedy namalował kilka monumentalnych obrazów dla najsłynniejszych kościołów rzymskich, w tym dla katedry św. Piotra. Jednym z najsłynniejszych dzieł tego czasu jest dzieło „Złożenie do grobu” (1606, Muzea Watykańskie, Pinakoteka), które uderza prawdziwością w przekazie uczuć i potężną intensywnością dramatyczną. Jak wynika z dokumentów, aby zrozumieć obraz, niezwykle ważne jest, aby pamiętać o aktywnej roli zakonu oratoriów, do którego należała katedra; ustalili rygorystyczne zasady dotyczące dekoracji kaplic i ikonografii działek. Światło wyciąga bohaterów z ciemnej ciemności, odsłania ich rysy i uczucia: sędziwą matkę Chrystusa, nawróconą grzesznicę Marię Magdalenę, Marię Kleopową, „umiłowanego ucznia” Jana i Nikodema. Grupa postaci tworzy swego rodzaju kompozycję rzeźbiarską, a widz staje się uczestnikiem sceny dzięki kątowi widzenia (od dołu, z kamienia) i spojrzeniu Nikodema, na obrazie którego badacze widzą portret klienta, Pietro Vittriche. Rozkład światła na obrazie jest ściśle przemyślany, dzięki czemu Caravaggio potrafi pokierować okiem widza. Obraz łączy w sobie elementy i postacie z dwóch wątków – „Złożenie do grobu” (na którym według Ewangelii obecni byli Józef z Arymatei, Magdalena i Maria Kleopowa) oraz „Lamentacja” (w którym Matka Boża i św. Jan zwykle przedstawiany jest Ewangelista). Takie zestawienie podyktowane jest programem ikonograficznym kościoła, który odpowiadał planowi samego Filippo Neri, założyciela zakonu oratoriów. Caravaggio dodaje do kompozycji element niosący ze sobą ogromny ładunek emocjonalny – kolosalną kamienną płytę, na której stoją bohaterowie. Jest to kamień zamykający wejście do groty grobowej i jednocześnie kamień namaszczenia, na którym złożono ciało Zbawiciela w celu namaszczenia kadzidłem i pieluszkami, gdzie łzy Matki i krople spadła krew Syna. Tablica bezpośrednio nawiązuje do Chrystusa jako kamienia węgielnego spajającego Stary i Nowy Testament, kamienia, na którym zbudowany jest Kościół, rozumiany jako „Ciało Chrystusa” i symbolicznie reprezentowany tutaj przez Ciało Zbawiciela.
27.
Caravaggia. Pozycja w trumnie, fragment. Około 1603-1604. Pinakoteka Watykan
Opis obrazu w książeczce Państwowej Galerii Trietiakowskiej:„Głównym arcydziełem wystawy jest Złożenie do grobu Caravaggia. To zdjęcie otwiera nowe stulecie. Niezwykła ikonografia kojarzona jest z nawoływaniem do oczyszczenia Kościoła katolickiego i powrotem do prostoty starożytnego chrześcijaństwa, która wywodziła się od wielu postaci kontrreformacji, jednak dzieło to, jak to często bywa, okazało się znacznie bardziej znaczące niż żadnych kalkulacji ideologicznych. Postrzegano go podobnie, jak postrzegano dzieła awangardy na początku XX wieku. „Złożenie do grobu” ze swą otwartą tragedią i siłą prostoty buntowało się przeciwko zinstytucjonalizowanemu dobremu smakowi. Kiedy obraz został otwarty, wielu było oburzonych, ale wielu, w tym artyści i kolekcjonerzy, wśród których byli arystokraci i kardynałowie, z radością przyjęło nową sztukę.
28.
Nicolas Poussin, (Les Andelys 1594 - Roma 1665) Martirio di S. Erasmo, 1628 - 1629. Olio su tela, cm 320 x 186 nr inw. 40394. Musei Watykańskie.
Nicolas Poussin (1594-1665). Męczeństwo Świętego Erazma. 1628-1629.
„Poussin otrzymał zamówienie na ołtarz „Męczeństwo św. Erazma” w 1628 roku i było to jego pierwsze rzymskie zlecenie na wykonanie dużego dzieła dla kościoła. Obraz przeznaczony był do otwartej właśnie po zakończeniu budowy kaplicy w Bazylice św. Piotra, a zamówienie było bardzo prestiżowe. Obraz przedstawia męczeństwo Erazma, pochodzącego z Antiochii, biskupa w mieście Formia w Lacjum pod Rzymem, którego stracono poprzez rozcięcie mu żołądka i wyciągnięcie wnętrzności za pomocą bramy. Kapłan w białej todze wskazuje na Herkulesa, któremu Erazm odmówił oddania czci. Straszliwy naturalizm jest nieco wygładzony przez klasycystę Poussina, ale obraz nadal robi niemal szokujące wrażenie.
29.
Mikołaj Poussin. Martirio di S. Erasmo, 1628-1629. Muzeum Watykańskie.
Poussin za życia uchodził za antagonistę Caravaggia, jednak Męczeństwo św. Erazma, wystawiane w tej samej sali co Złożenie do grobu, nie wchodzi z nim w dyskusję, lecz w złożony, wewnętrzny dialog.
Źródła:
Broszura-broszura „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Belliniego, Rafaela, Caravaggia. 25 listopada 2016 r. - 19 lutego 2017 r
Katalog: Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej. Bellini, Raphael, Caravaggio / Stan. Galeria Trietiakowska. - M., 2016. - 240 s. : chory. ISBN 978-5-89580-152-9
I tak dalej.
Artykuł na stronie internetowej Muzeum Puszkina o wystawie „Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) ze zbiorów Włoch i Watykanu”, 26.11.2011 - 19.02.2012
Dodatkowo:
Wszystkie prace wystawy:
1): od ikony z XII wieku „Błogosławieństwo Chrystusa” do „Opłakiwania Chrystusa” Giovanniego Belliniego. Sala 1.
2): od Ercole de Roberti do Veronese. Caravaggia. Poussin. Hale 1 i 2.
3): XVIII wiek, Obserwacje astronomiczne, Donato Creti. Sala 3.
4): XVII i XVIII wiek – pozostałe malowidła. Sala 2.
Na tej wystawie jest wiele niespotykanych rzeczy. To i 42 eksponaty z wystawy stałej (na wernisażu mówiono, że do Państwowej Galerii Trietiakowskiej przybyło prawie 10% watykańskiej Pinakoteki), rzadko opuszczając swoje rodzime i niemal dosłownie modlone mury. To także element polityczny, który patronuje obecnym objazdom artystycznym na najwyższym szczeblu państwowym (Galerii Trietiakowskiej udało się sprowadzić do Moskwy niemal wszystkie dzieła zamówione z Watykanu, dlatego szereg tematów religijnych zamienia się w niemal ciągłą historię rozwój stylów w sztuce włoskiej od XII do XVIII wieku). To oraz specjalne rozwiązanie scenograficzne dla przestrzeni wystawienniczej - z ogromnym logo podświetlanym od wewnątrz i fałszywymi ścianami, które zmieniają zwykłą geometrię sal na trzecim piętrze Budynku Inżynieryjnego Galerii Trietiakowskiej (projektu „Roma Aeterna” i Agniesz Sterligową). Jedna z nich, podobnie jak plan architektoniczny Bazyliki św. Piotra, ma kształt ośmiokąta, a druga, podobnie jak plac przed główną bazyliką watykańską, jest zaokrąglona.
Zestaw reguł
Najsurowsze zasady akredytacji i fotografii na wystawie również nie mają sobie równych. Podczas pokazu prasowego dziennikarze byli wielokrotnie ostrzegani (a nawet zmuszani do podpisania specjalnego pokwitowania o nienaruszaniu wymogów postawionych przez kierownictwo Muzeów Watykańskich), że obrazów nie można usunąć w całości, a tym bardziej w częściach. Jest to możliwe tylko we wnętrzu, na tle ściany, a jeszcze lepiej, aby kilka płócien wpadało w ramę jednocześnie. Pracownikom telewizji zakazano wbiegania do zakładów z kamerami telewizyjnymi i robienia zbliżeń obrazów. Jest to jednak samo w sobie dość problematyczne ze względu na specyficzny projekt ekspozycji dwóch głównych sal, które są osłonięte od góry drewnianymi panelami. Aby zabezpieczyć obrazy przed zwiedzającymi, projektanci wykonali gładkie, ale wysokie cokoły, wypychając eksponaty nieco bardziej niż wyciągnięte ramię. Przez co wszystkie zyskują dodatkową aurę („odległość bliskości”, jeśli przypomnimy sobie definicję Waltera Benjamina), zamieniając się ostatecznie w obiekty sakralne kultu religijnego.
światło i kolor
Dzięki temu nie zbliżysz się zbytnio do arcydzieł – może z wyjątkiem malutkich grisailles. Rafał, wystawiony w osobnej gablocie, oraz boloński cykl astronomiczny Donato Creti. Jego osiem obrazów eksponowanych jest w dodatkowym, dobrze oświetlonym trzecim pomieszczeniu. Mniej szczęśliwe były obrazy z epoki baroku, które zajmowały największą salę, w której panuje zmierzch.
Oświetlenie ekspozycji, którym muzealnicy nieustannie bawią się przy importowanych projektach, stwarza dodatkowe trudności w odbiorze. Oczywiście ogromne wrażenie robi, gdy promienie światła skierowane na obrazy zamieniają je w okna na górski świat. Jednak takie podejście ma wiele wad związanych z niepokonanym olśnieniem i rozprzestrzenianiem się martwych punktów wewnątrz oprawek. (przestaje pracować z eksponatami o niewielkich rozmiarach, opowiadając niektóre szczególnie narracyjne historie z masą miniaturowych detali.) Na obecnej wystawie oprócz malarstwa protorenesansowego i renesansowego Pietra Lorenzettiego, Alesso di Andrea, Mariotto di Nardo,Giovanniego di Paolo dotyczy to zwłaszcza wydłużonej poziomo dwumetrowej kompozycji „Cuda św. Vincenzo Ferrera” mistrza bolońskiego Ercole de Roberti, który zajmował oddzielną obudowę.
W pierwszej sali, gdzie oświetlenie jest normalne, znajdują się najstarsze – a nawet starożytne – eksponaty. Tutaj pokazane są dwie prace Perugina, duże kompozycje Giovanniego Belliniego(sterczyna „Opłakiwanie Chrystusa z Józefem z Arymatei, Nikodemem i Marią Magdaleną”) oraz lunetą Carla Crivellego, a także jeszcze wcześniej Fra Beato Angelico, Gentile da Fabriano I Margaritone d'Arrezo, którego „Św. Franciszek z Asyżu” z XIII w. nie jest najwcześniejszym dziełem na wystawie (w motto widnieje bardzo bizantyjskie „Błogosławieństwo Chrystusa” szkoły rzymskiej z XII w.). Jednak najbardziej zauważalną ozdobą pierwszej sali są trzy fragmenty fresków Melozzo da Forli z aniołami grającymi na instrumentach muzycznych (w watykańskiej Pinakotece znajduje się 14 takich pojedynczych epizodów, raz pojedynczy obraz przedstawiający Wniebowstąpienie Chrystusa). To ich pełne wdzięku, emblematyczne twarze zdobią plakaty, billboardy, banery i okładkę katalogu.
Wyjaśnienia na dole i spersonalizowane bilety
Teraz, gdy pokazy prasowe już minęły, a sale Galerii Trietiakowskiej zapełniają się zwykłymi zwiedzającymi, ciekawie będzie zobaczyć, jak działają napisy i objaśnienia umieszczone na cokołach: czy będą widoczne w gęstym strumieniu widzów? I wreszcie pojawiła się zupełnie nowa sytuacja w związku ze sprzedażą biletów umożliwiających wstęp na trzecie piętro Budynku Inżynieryjnego przy Ławruszinskiej Alei. Po prostu nie ma internetowej sprzedaży biletów na wystawę watykańską, napisano na stronie internetowej muzeum. Bilety zwykłe, papierowe wyprzedane są do 31 grudnia br. Od 15 grudnia w kasach Galerii Trietiakowskiej rozpocznie się sprzedaż biletów na sesje 2017 (wystawa potrwa do 19 lutego). I te bilety będą nominalne, bo podczas poprzednich, którym towarzyszyły długie kolejki, muzealnicy natknęli się na licznych resellerów, którzy oferowali bilety po kilkukrotnie zawyżonych cenach.
„Roma Aeterna”, czyli „Wieczny Rzym” – to czterdzieści dwa dzieła z pierwszej serii, z których większość rzadko opuszczała Pinakotekę (a niektóre w ogóle nie wychodziły), łącząc siedem wieków historii Watykanu – od czasów 12 do 18. Kurator projektu Arkady Ippolitov jest krytykiem sztuki, kuratorem działu ryciny Ermitażu i autorem, który w swoich książkach na nowo zastanawia się nad wizerunkiem Włoch („Szczególnie Lombardia. Obrazy Włoch XXI”, „Tylko Wenecja. Obrazy Włoch XXI”),
- wybrał niezaprzeczalne arcydzieła na wystawę w Moskwie: tak naprawdę nie ma ani jednego dzieła, które od lat gromadziłoby kurz w magazynach.
Wikimedia Commons Caravaggio. Pozycja w trumnie. OK. 1602-1603
Ekspozycję otwiera „Chrystus Błogosławieństwo” – rzymska ikona z XII wieku, a także jeden z najwcześniejszych wizerunków Franciszka z Asyżu w wykonaniu Margaritone d „Arezzo. Obydwa wyraźnie noszą ślady zarówno estetyki bizantyjskiej, jak i rodzącego się gotyku. - cykl prac Donato Cretiego „Obserwacje astronomiczne” z XVIII wieku, który pochłonął osiem małych obrazów przedstawiających planety Układu Słonecznego. Seria została zamówiona przez artystę hrabiego Luigiego Marsili, który podarował ją papieżowi Klemensowi XI, aby przekonać go o konieczności sponsorowania otwarcia pierwszego laboratorium astronomicznego w Bolonii.
Wikimedia Commons Nicolas Poussin. Męki świętego Erazma. 1628
Pomiędzy nimi znajdują się dzieła składające się na koloryt papieskiej kolekcji: podręcznik „Opłakiwanie Chrystusa” Giovanniego Belliniego, „Sen św. Heleny” Veronese i „Złożenie do grobu” Caravaggia, małe grisailles Rafaela – „ Wiara” i „Miłosierdzie”, ogromny obraz Nicolasa Poussina „Męki Erazma z Bazyliki św. Piotra, a także muzyczne anioły Melozzo da Forli, które zdobią wszystkie „papieskie” pamiątki – od biletów wstępu do Muzeów Watykańskich po pamiątki etui na iPhone'a.
Wikimedia Commons Melozzo da Forli. Anioł z lutnią
Oprócz oczywistego waloru merytorycznego wystawa stała się także gestem dyplomatycznym z rozmachem, co obecnie prezentujemy jako
naturalny wynik wielowiekowego „duchowego połączenia Moskwy z Rzymem”.
O tym, że główne arcydzieła Watykanu trafią do głównego muzeum rosyjskiego, po raz pierwszy dyskutowano trzy lata temu – po spotkaniu prezydenta Rosji Władimira Putina z papieżem Franciszkiem.
Wikimedia Commons Paolo Veronese. „Sen Świętej Heleny”. 1580
W 2017 roku do Watykanu trafi wystawa rosyjskiego malarstwa religijnego ze zbiorów Galerii Trietiakowskiej.
W przeciwieństwie do poprzednich hitowych wystaw, Roma Aeterna będzie pracować w budynku inżynieryjnym galerii przy Lavrushinsky Lane, a nie na Krymsky Val. Wybór mniej przestronnej przestrzeni wystawienniczej wynika z konieczności zachowania niezbędnych warunków wilgotnościowo-klimatycznych niezbędnych do utrzymania eksponatów – w obiekcie zabytkowym są one lepsze niż we współczesnym. Galeria Trietiakowska nie stawia sobie za cel pobicia rekordu Aiwazowskiego, powiedziała Wiedomostiowi Zelfira Tregulova, szefowa Państwowej Galerii Trietiakowskiej. Aby jednak uniknąć kolejek, Galeria Trietiakowska organizuje półgodzinne sesje na wystawie. Na sale będzie mogło wejść 90 osób. Potrwa do 19 lutego 2017 r. Teraz elektroniczne bilety na wystawę, które ukazały się na miesiąc przed jej otwarciem, skończyły się już przed końcem roku, wznowienia sprzedaży można spodziewać się lada dzień.
W poniedziałki wiele moskiewskich muzeów jest zamkniętych. Ale to nie znaczy, że publiczność nie ma możliwości zapoznania się z pięknem. Specjalnie na pierwszy dzień tygodnia redakcja serwisu uruchomiła sekcję „10 niewiadomych”, w której przedstawiamy dziesięć dzieł sztuki światowej ze zbiorów moskiewskich muzeów, połączonych jednym tematem. Wydrukuj nasz przewodnik i nie wahaj się zabrać go do muzeum.
W Galerii Trietiakowskiej otwarto wystawę „Roma Aeterna. Arcydzieła Pinakoteki Watykańskiej”. Na wystawie znajdują się dzieła Giovanniego Belliniego, Melozzo da Forli, Perugino, Raphaela, Caravaggia, Guido Reniego, Guercino, Nicolasa Poussina – łącznie 42 dzieła z 460 przechowywanych w kolekcji. Większość z nich nigdy nie opuściła murów wiecznego miasta i jest nieznana ogółowi społeczeństwa.
Rafaela „Wiara” i „Miłosierdzie”, 1507
Galeria zdjęć
Po raz pierwszy Muzea Watykańskie pokazują w Rosji najlepszą część swojej kolekcji - arcydzieła XII-XVIII wieku. I po raz pierwszy Pinakoteka przywiozła 42 dzieła z 460 – jedną dziesiątą kolekcji. W 2017 roku Galeria Trietiakowska pokaże w Watykanie jedne z najlepszych arcydzieł rosyjskiej sztuki religijnej. Ta wymiana kulturalna powinna pokazać, jak blisko jest malarstwo europejskie i rosyjskie.
Cała ekspozycja zajmowała trzy sale Korpusu Inżynieryjnego. Na dzieło centralne wybrano dwa małe dzieła grisaille (monochromatyczne), które włączyły się w kompozycję ołtarza Baglioni w kościele San Francesco al Prato w Perugii. „Wiara” – postać kobieca z kielichem (atrybutem religijnym) w dłoni, otoczona puttami, czyli inaczej aniołkami. Mają w rękach monogramy – inicjały Jezusa. A Miłosierdzie jest matką obejmującą dzieci. Putti po prawej stronie trzyma na ramionach kocioł z ogniem, starożytny symbol pokoju, nawiązujący do historii igrzysk olimpijskich. Takie połączenie ze starożytnością dla artystów renesansu i epok późniejszych nie było przypadkowe: nawet w chrześcijańskiej sztuce religijnej mistrzowie znaleźli podobieństwa z kulturą starożytnych Rzymian i Greków.
Trzecim obrazem ołtarzowym był obraz „Nadziei”. Te trzy małe dzieła, a także utwór „Złożenie do grobu”, stały się pierwszym większym zamówieniem Rafaela i od razu przyniosły mu sukces i uznanie.
Michelangelo Merisi, nazywany przez Caravaggia „Złożeniem do grobu”, około 1603-1604
Najważniejszym i prawdopodobnie najbardziej znanym dziełem na wystawie jest Złożenie do grobu Caravaggia. Artysta stał się głównym innowatorem swojego pokolenia. jasno oświetlone postacie jego bohaterów przebijają się przez otaczającą ciemność, co tworzy niesamowitą emocjonalną intensywność dramatyczną w każdym dziele. Ikonografia fabuły „Złożenie do grobu” jest bardzo nietypowa: ta scena nigdy nie była przedstawiana w ten sposób.
Co ciekawe, Caravaggio nigdy nie przedstawiał swoich świętych w aureolach, jak to było w zwyczaju: jego modelami byli biedni i włóczędzy, których spotykał na ulicach i tawernach, a nie zawodowi opiekunowie. Ale ich twarze zawsze wyrażały to, czego artysta potrzebował, wszystkie trudy i życie odbijały się w ich dużych rysach, głębokich zmarszczkach czy potarganych włosach. Caravaggio nigdy nie pozwalał na przypadkowe szczegóły: wydaje się, że ręka Chrystusa jest wolna i opuszczona, a gest palców jest przypadkowy. Widz widzi jednak dokładnie trzy palce, co wskazuje, że Chrystus spędzi w Grobie trzy dni.
Nicolas Poussin, Męczeństwo świętego Erazma, 1628
Obraz „Męczeństwo św. Erazma” był pierwszym poważnym zleceniem Poussina w Rzymie. Przeznaczona była na jedną z kaplic Bazyliki św. Piotra, której budowa właśnie dobiegła końca. Tak okrutna scena z rozpruciem żołądka i owinięciem jelit wokół kołnierza uderzała współczesnych swoim naturalizmem, odpowiadała jednak prawdziwości opowieści biblijnej. Poussin stał się jednym z głównych artystów klasycyzmu, antagonistą malarstwa barokowego Caravaggia i jego zwolenników. Dlatego nieprzypadkowo obrazy znajdują się na wystawie naprzeciwko siebie. Staje się więc zauważalne, że dramatyzm Poussina w niczym nie ustępuje intensywności emocjonalnej Caravaggia, choć artyści podchodzili do tego efektu zupełnie inaczej.
Giovanni Bellini Opłakiwanie Chrystusa z Józefem z Arymatei, Nikodemem i Marią Magdaleną, ok. 1471-1474
Bellini był największym malarzem XV-wiecznej szkoły malarskiej weneckiej. Współczesny, a nawet poprzednik Rafaela i Leonarda, w niczym nie ustępował im w doskonałości swojej sztuki. Jeden z pierwszych we Włoszech zaczął malować olejami, techniką przywiezioną do Wenecji przez holenderskich artystów, a w samym jego malarstwie wyczuwalne są nuty północnego renesansu: wyrazistość linii i wyrafinowane proporcje antycypują wizerunki autorów północnych . Złożona kompozycja, kąt, nacisk na gesty i podkreślona elegancja dłoni zadziwiły jego współczesnych.
Paolo Cagliari, nazywany przez Paolo Veronese „Wizją Świętej Heleny”, około 1575-1580
Veronese to kolejny przedstawiciel szkoły weneckiej. Święta ukazana jest w luksusowej sukni, utrzymanej w duchu mody XVI-wiecznej. Według legendy Elenie ukazał się anioł i kazał jej udać się do Rzymu w poszukiwaniu krzyża Jezusa. Zwykle ten spisek był przedstawiany inaczej: Elena zdawała się prowadzić robotników kopiących krzyż. Veronese pisze, że śpi, z aniołem trzymającym krzyż w dłoniach. Krytycy sztuki uważają, że wzorem dla artysty stała się jego żona.
Guido Reni, Św. Mateusz i Anioł, ok. 1620 r
Na wystawie prezentowane są dwie prace Guido Reniego. Wizerunek św. Mateusza z aniołem jest charakterystyczny dla całej twórczości Reniego: jego portrety świętych, wykonane z karawagowskich kontrastów światła i cienia, kosztowały dużo pieniędzy i cieszyły się dużą popularnością. Podobnie jak Caravaggio, pisze swoich świętych nie jako spokojnych i beznamiętnych prawych ludzi, ale jako postacie żywe i emocjonalne. Mateusz ukazany jest w momencie tworzenia Ewangelii, której tekst zapisuje za aniołem.
Melozzo da Forli „Muzyczne anioły”. Freski z kościoła Santi Apostoli, 1480
Galeria zdjęć
Melozzo stał się założycielem rzymskiej szkoły malarstwa, która rozkwitła w XVI-XVII wieku. „Muzyczne Anioły” z Forlì stały się jedną z głównych marek turystycznych Watykanu. Ich wizerunki można znaleźć wszędzie, od pamiątek po oficjalne symbole. Fresk ten znajdował się w rzymskim kościele Santi Apostoli i zdobił jego kopułę. Obraz służył jako ucieleśnienie koncepcji „muzyki nieba” i uwielbienia Pana, cytat z Biblii: „Niech twarzami na tympanonie i harfie chwalą Jego imię, niech Mu śpiewają na Pan sprzyja swemu ludowi, wysławia pokojowych zbawieniem.”
Antonio Allegri, nazywany Correggio, „Chrystus w chwale”
Taki wizerunek Chrystusa był rzadkością we włoskiej tradycji malarskiej, ale często można go było spotkać w ikonach bizantyjskich. Dlatego obraz wydaje się tak podobny do starożytnych ikon rosyjskich, które stały się kontynuacją tradycji bizantyjskich: frontalność kompozycji, złote tło, samo położenie ciała Chrystusa - wszystko to można znaleźć w ikonografii prawosławnej. Za życia Correggio sława ograniczała się do rodzinnego miasta – Parmy, dziś jednak jego prace stanowią dla badaczy niepowtarzalną szansę na prześledzenie powiązań między wschodnimi i zachodnimi obrazowymi tradycjami chrześcijaństwa.
Donato Creti, Seria „Obserwacje astronomiczne”
Galeria zdjęć
Niezwykły cykl obrazów przedstawiających obserwacje wszystkich znanych wówczas planet Układu Słonecznego powstał na początku XVIII wieku jako prezent dla papieża Klemensa XI. Hrabia Luigi Ferdinando Marsili miał nadzieję, że po takim prezencie papież przeznaczy pieniądze na budowę obserwatorium w Bolonii. Miasto to, posiadające jeden z najstarszych uniwersytetów w Europie, uważane było już za centrum oświecenia i kultury. Jednocześnie jego kontekst przyrodniczo-filozoficzny mocno wyróżnia się na tle całej gamy prezentowanych na wystawie dzieł religijnych, a klimat malarstwa „szlachetnych uroczystości” łączy te dzieła ze sztuką francuską epoki Ludwika XIV. Dlatego dla serii Kreti zarezerwowane jest osobne pomieszczenie.
Giovanni Francesco Barbieri (Guercino) „Niewiara św. Tomasza”
W ekspozycji „Roma Aeterna” można zobaczyć jednocześnie dwa dzieła Guercino – „Pokutującą Magdalenę” i „Niewiarę św. Tomasza”. Obydwa były niezwykle popularne w sztuce renesansu i w czasach późniejszych. Obrazy namalowane na ten temat przez różnych artystów różniły się różnym stopniem dramatyzmu: niektórzy mistrzowie przedstawiali Tomasza głęboko zanurzającego palce w ranie Chrystusa, dzięki czemu uzyskali u widza niezwykle jasne, niemal fizyczne wrażenie. Guercino idzie w drugą stronę: gest jego Tomasza nie jest tak odważny: dramat osiąga się poprzez kontrasty światła i cienia oraz zestawienia krwistoczerwonych i bogatych w błękit szat świętych. Nie jest to zaskakujące, ponieważ Guercino uważany jest za jednego z najlepszych kolorystów szkoły bolońskiej XVII wieku.
Przyjaciele, dzień dobry. W sobotę mieliśmy szczęście odwiedzić wyjątkową wystawę arcydzieł Watykanu, macie jeszcze okazję ją zobaczyć przez dwa miesiące, nie przegapcie tego.
Wystawa odbywa się w Budynku Inżynieryjnym Państwowej Galerii Trietiakowskiej (ul. Ławruszinskiego, 12) od 25 listopada 2016 r. do 19 lutego 2017 r. Niestety nie będzie już można kupić biletów za pośrednictwem strony internetowej, ale można bezpiecznie przyjść do muzeum i kupiliśmy bilet od razu na miejscu, w kasie, pomimo dużej liczby zwiedzających, nie widzieliśmy kolejek.
Tryb pracy:
Wtorek, środa, niedziela od 10.00 do 18.00 (wejście do 17.00)
Czwartek, piątek, sobota od 10.00 do 21.00 (wejście do 20.00)
Poniedziałek jest dniem wolnym.
Zaplanuj zwiedzanie wystawy na kilka godzin, jedna godzina to zdecydowanie za mało.
Szczerze mówiąc, nadal jestem pod ogromnym wrażeniem, nawet nie wiem od czego zacząć. Prezentowane są dzieła od XII do XVIII wieku. To dziesiąta część kolekcji, która obejmuje 460 dzieł. Co ciekawe, wiele obrazów po raz pierwszy opuściło swoje rodzime mury, biorąc pod uwagę, że nie każdego w obliczu zaostrzenia polityki gospodarczej stać na wyjazd za granicę, uważam, że mamy dużo szczęścia i polecam skorzystać z tego szansa, na pewno nie pozostaniesz obojętny. Niestety na wystawie obowiązuje całkowity zakaz fotografowania, dlatego wszystkie zdjęcia zaczerpnęłam z Internetu, a opis z broszury z wystawy oraz z pamięci to, co udało mi się zapamiętać z audioprzewodnika.
Ekspozycję rozpoczyna najrzadsza starożytna ikona „Chrystus Błogosławieństwo”, stworzona w drugiej połowie XII wieku przez mistrza pracującego w Rzymie pod wpływem malarstwa bizantyjskiego. Przed wejściem do Pinakoteki przebywała w kościele Santa Maria in Campo Marzio, jednym z najstarszych w Rzymie. Mistrz rzymski przedstawił Jezusa Chrystusa na obraz Pantokratora, czyli władcy Wszechświata, a ikona będąca analogią do starożytnych rosyjskich wizerunków Wszechmogącego Zbawiciela, zachowuje pamięć o jedności Kościoła chrześcijańskiego przed schizmy, czyli przed podziałem na katolicką i prawosławną, i ukazuje bezpośredni związek sztuki włoskiej i rosyjskiej, wywodzący się z tego samego źródła.
Kontynuuje ekspozycję Margaritone di Magnano, zwanej Margaritone d'Arezzo ok. 1216-1290).
Święty Franciszek z Asyżu. 1250-1270. Obraz ołtarzowy. Drewno, tempera, złoto. 127,2×53,9 cm.
„Margaritone d'Arezzo, która urodziła się przed Giotto i Duccio, jest jednym z najwybitniejszych malarzy średniowiecznych Włoch. Obraz trafił do wszystkich podręczników historii sztuki jako wybitny przykład stylu późnoromańskiego, ale jest też ciekawy dlatego, że jest jednym z najwcześniejszych przedstawień św. Franciszka z Asyżu, wykonanym wkrótce po jego kanonizacji w 1228 roku. Święty Franciszek odegrał kluczową rolę w historii Kościoła zachodniego i nie bez powodu obecny papież, który stał się pierwszym Franciszkiem w historii Watykanu, wybrał swoje imię. Dzieło to mogło być dokładnie tym, co Vasari w swojej „Biografii Margaritone” opisał jako namalowane z natury, dlatego można je uznać za niemal jeden z pierwszych portretów w malarstwie włoskim.
Byłem zszokowany zarówno samymi ikonami, jak i ich bezpieczeństwem, pomyślcie o tym, bo to XII-XIII wiek!
Nie będę się rozwodził nad wszystkimi eksponatami, zwrócę uwagę tylko na te, które najbardziej zapadły mi w pamięć i zadziwiły kunsztem. Kontynuując oględziny pierwszego pomieszczenia, chciałbym zwrócić uwagę na 3 freski Melozzo degli Ambrosi, zwanego Melozzo da Forli (1438-1494).
Anioły grające na lutni. 1480. Fragmenty fresku wyjęte ze ściany. Odpowiedni rozmiar: 117×93,5 cm.
Artysta „…został zaproszony do Rzymu przez papieża Sykstusa IV. Stworzył wiele fresków w kościołach rzymskich, dzięki czemu Melozzo można uznać za założyciela szkoły rzymskiej, która rozkwitła w XVI-XVII wieku. Trzy muzyczne anioły to fragmenty jego malowidła na kopule kościoła Santi Apostoli, ogromnej wielopostaciowej kompozycji „Wniebowstąpienie Chrystusa”.
Fresk był odbierany przez współczesnych jako triumf władzy papieskiej, która odrodziła Rzym. Boska orkiestra aniołów symbolizowała nieziemskie piękno raju, a abstrakcyjne pojęcie „muzyki nieba” kojarzone jest z filozoficznymi konstrukcjami modelu świata, o których mówili pitagorejczycy i platończycy. Melozzo jako artysta renesansowy łączy w swojej twórczości tradycje starożytne i chrześcijańskie. Jego aniołowie, wielbiąc Pana zgodnie ze słowami Biblii: „Niech twarzami chwalą imię Jego na tympanonie i harfie, niech mu śpiewają, bo Pan sprzyja swemu ludowi, pokornych wysławia zbawieniem” – są idealne, jak starożytne posągi, a jednocześnie żywotne – wyglądają jak młode pazie na dworach władców renesansu”.
Fresk „Anioł grający na skrzypcach”, niewiele dzieł Melozza dotarło do nas, większość jego fresków zmarła podczas restrukturyzacji, ale z tego, co pozostało, można ocenić skalę jego talentu. Melozzo, sięgając po średniowieczne próbki, tchnął w nie nowe życie, uprzedzając Michała Anioła, Rafaela i Correggio oraz malowidła na kopułach barokowych kościołów.
Na uwagę zasługuje także dzieło Gentile da Fabriano (ok. 1370-1427).
Sceny z życia św. Mikołaja Cudotwórcy: Św. Mikołaj uspokaja burzę i ratuje statek. OK. 1425. Predella. Drewno, tempera. Ale jest to interesujące nie tyle ze względu na fabułę, ile na fakt, że autor przedstawia tutaj ziemię jako okrągłą, co na tamte czasy jest bezwarunkową innowacją. Spójrz na linię horyzontu. 
No cóż, nie mogę nie zwrócić uwagi na jeden z centralnych eksponatów pierwszej sali autorstwa Giovanniego Belliniego (ok. 1432-1516). Opłakiwanie Chrystusa z Józefem z Arymatei, Nikodemem i Marią Magdaleną. OK. 1471-1474. Góra ołtarza. Drewno, olej. 107×84cm.
„Bellini jest najważniejszym artystą szkoły weneckiej XV wieku. Ten obraz jest jednym z jego arcydzieł. Była zwieńczeniem dużego ołtarza, a w swojej kompozycji Bellini robi zdecydowany krok w kierunku spokojnej wielkości wysokiego renesansu, wyprzedzając wielu współczesnych artystów florenckich. Dzieło jest awangardowe już przez sam fakt, że zostało namalowane farbą olejną, techniką zupełnie nową we Włoszech, przywiezioną właśnie do Wenecji z Holandii. Oryginalna jest także ikonografia. Zwykle główną osobą w scenie Lamentacji jest Dziewica Maryja. Przedstawia także jedynie Józefa z Arymatei wspierającego Jezusa od tyłu, św. Nikodema i Marię Magdalenę. Zamyślona cisza, w której zanurzeni są bohaterowie, podkreślona napięciem splecionych rąk, nadaje tej scenie rzadką psychologiczną ostrość.
Patrząc na obraz Carlo Crivellego (1435-1494). Żałoba. 1488. Luneta. Drewno, tempera, złoto. W ogóle długo nie mogłam zrozumieć techniki w jakiej został wykonany, praca tutaj jest tak delikatna, że sprawia wrażenie jakby obraz był utkany z brokatu, jest niesamowity, nigdy wcześniej czegoś takiego nie widziałam.
„Carlo Crivelli, wenecjanin z urodzenia, wcześnie opuścił swoje rodzinne miasto i zasłynął w regionie Marche. Za życia cieszył się popularnością, później jednak został zapomniany i odkryty na nowo dopiero pod koniec XIX wieku. Ta luneta, wieńcząca wielki ołtarz, jest jednym z jego najbardziej uderzających dzieł. Dla wyrazistości artysta idzie do oczywistych naruszeń proporcji, a aby spleść ręce Jezusa, Dziewicy Marii i Magdaleny, Crivelli sprawia, że prawa ręka Chrystusa jest znacznie dłuższa niż lewa. Pochylona w węzeł dłoni twarz Magdaleny, zniekształcona płaczem, staje się emocjonalnym centrum obrazu. W dziele wyczuwalny jest najsilniejszy wpływ północnego gotyku, który charakteryzuje się niesamowitym napięciem przeżyć psychologicznych, charakterystycznym dla mistycznych ruchów religijnych XV wieku.
większość dzieł wraz z fabułą przenosi nas tam, gdzie miały miejsce narodziny Chrystusa i inne wydarzenia
Przechodząc do drugiej sali wystawy, chcę zacząć od opisu obrazu, który zrobił na mnie największe wrażenie, a mianowicie obrazu Guido Reniego „Święty Mateusz i Anioł”, 1635-1640. Wymiary obrazu to 85×68 cm, olej na płótnie. Święty Mateusz, pierwotnie imieniem Lewi, jeden z dwunastu apostołów i autor pierwszej ewangelii. Reni malowała ten obraz przez około pięć lat już w wieku dorosłym. „Święty Mateusz i Anioł” uznawany jest za jedno z najważniejszych dzieł artysty ostatniego okresu jego twórczości. Magia spojrzenia Mateusza i anioła jest uderzająca, gdy jedno słucha drugiego, z jaką niezwykłą dokładnością i wdziękiem artysta potrafił przekazać w swoich poglądach złożoną gamę uczuć obojga.
Drugim obrazem pod względem siły oddziaływania na mnie był przypisywany Pensionante del Saraceni obraz „Wyrzeczenie się św. Piotra”. Obraz do 1943 roku uznawany był za dzieło Caravaggia, później jednak przypisano go uczniowi Carlo Saraceni, jednego z głównych przedstawicieli wczesnego karawagizmu. Nazwisko studenta nie zostało jeszcze ustalone, a umownie nazywa się go „Pensionante del Saraceni”, co po włosku oznacza „gość Saraceni”. Jego płótna wyróżniają się na tle dzieł innych karawagistów: artysta nie pogrąża tła w ciemności, lecz rozświetla cały obraz równomiernym, opalizującym światłem. Fabuła obrazu to ewangeliczna opowieść o zaparciu się apostoła Piotra. W noc poprzedzającą aresztowanie Jezus przepowiedział mu, że trzykrotnie się zaprze przed pierwszymi kogutami. Służąca podeszła do Piotra, który czekał na wieści w bramie domu arcykapłana, dokąd zabrano aresztowanego Jezusa, i rozpoznawszy go, powiedziała: „I jest z Jezusem Galilejskim”, ale apostoł zaprzeczył. na zdjęciu twarz Piotra jest w cieniu, jakby ukrywał swój wstyd.
Jednym z głównych dzieł drugiej sali jest dzieło Michała Anioła Merisiego, zwanego Caravaggio, „Złożenie do grobu”, które artysta namalował dla rzymskiej świątyni Santa Maria della Valicella. Uważana jest za jedną z najlepszych w swojej twórczości. Kompozycja „Złożenia do grobu” jest zbudowana w taki sposób, że oglądający ją widz mimowolnie staje się częścią obrazu. Kamienny grób, w którym chcą złożyć Chrystusa, jest zwrócony w stronę widza jednym z narożników – ten narożnik niejako przełamuje cienką barierę pomiędzy światem obrazu a zwyczajną rzeczywistością. Wrażenie potęguje ostry łokieć Nikodema trzymającego Jezusa za nogi. Wydaje się, że chcą przenieść nieruchome ciało Chrystusa na tego, kto patrzy na obraz.
Młoda Maria zamarła w niemym krzyku, wznosząc ręce ku niebu, włosy sterczały jej w różne strony – najwyraźniej wyrywała je w jęczeniu. Głowa Marii Magdaleny jest żałobnie opuszczona, ukrywa łzy, zamartwiając się stratą. Matka Jezusa nie płacze i nie krzyczy, w milczeniu patrzy na twarz syna, wiedząc, że już nigdy go nie zobaczy. Twarze mężczyzn są skupione i smutne.
Jan, marszcząc brwi, spogląda w martwą twarz swego Mistrza, a silny i krępy Nikodem spogląda w dół na dno grobowca, uginając się pod ciężarem ciała Jezusa. Ciało Chrystusa pozbawione jest trupich odcieni, jest blade, jakby utraciło wszelkie barwy życia. 
Oczywiście jednym z najważniejszych eksponatów wystawy są dwa małe grisaille autorstwa Rafaela Santiego, które stanowiły predellę ołtarza kościoła San Francesco al Prato w Perugii, zwanego ołtarzem Baglioni, w którego centrum znajdował się Złożenie do grobu, obecnie przechowywane w Galerii Borghese. „Wiara”, boczna część predelli, jawi się jako postać kobieca z kielichem w dłoni, putta w bocznych wnękach zawierają tablice z mogramami imienia Jezus.
W Sali Trzeciej prezentujemy serię „obserwacji astronomicznych” Słońca, Księżyca, Merkurego, Wenus, Marsa, Jowisza, Satupa i Komety. Niezwykły cykl obrazów umieszczonych w jednej ramie, przedstawiających nocne obserwacje wszystkich znanych wówczas planet Układu Słonecznego, stworzył boloński artysta Donato Creti na zamówienie astronoma-amatora hrabiego Luigiego Ferdinando Marsili. Hrabia postanowił wysłać obrazy papieżowi Klemensowi 11, mając nadzieję, że w ten sposób przekona go do przeznaczenia pieniędzy na budowę obserwatorium w Bolonii i osiągnął swój cel, środki zostały przydzielone.
Na wystawie prezentowanych jest znacznie więcej dzieł godnych i niepowtarzalnych, a Wy, przyjaciele, macie jeszcze dwa miesiące, aby ją odwiedzić i zobaczyć wszystkie te dzieła na własne oczy, życzę wam powodzenia.
