Wielcy kompozytorzy rosyjscy. Najsłynniejsi kompozytorzy świata: lista nazwisk, krótki przegląd dzieł Znani kompozytorzy zagraniczni

Wiek XX uważany jest za czas wielkich wynalazków, które uczyniły życie ludzi znacznie lepszym i pod pewnymi względami łatwiejszym. Istnieje jednak opinia, że ​​w świecie muzyki nie powstało wówczas nic nowego, a jedynie wykorzystano dzieła poprzednich pokoleń. Lista ta ma obalić tak niesłuszną konkluzję i uhonorować wiele dzieł muzycznych powstałych po 1900 roku oraz ich autorów.

Edgar Varèse - Jonizacja (1933)

Varèse to francuski kompozytor muzyki elektronicznej, który w swojej twórczości wykorzystał nowe brzmienia powstałe na gruncie popularyzacji elektryczności. Eksplorował barwy, rytmy i dynamikę, często posługując się raczej szorstkimi dźwiękami perkusyjnymi. Żadna z kompozycji nie będzie w stanie tak w pełni ułożyć idei twórczości Varèse jak „Ionization”, stworzona na 13 perkusji. Wśród instrumentów znajdują się zwykłe orkiestrowe bębny basowe, werble, a w tym utworze można usłyszeć także ryk lwa i wycie syreny.

Karlheinz Stockhausen - Cyklus (1959)

Stockhausen, podobnie jak Varèse, tworzył czasami dzieła ekstremalne. Na przykład Cyklus to utwór napisany na perkusję. Oznacza „okrąg”. Ta kompozycja nie przez przypadek otrzymała taką nazwę. Można go czytać z dowolnego miejsca i w dowolnym kierunku, a nawet do góry nogami.

George Gershwin - Bluesowa rapsodia (1924)

George Gershwin to prawdziwie amerykański kompozytor. W swoich kompozycjach często używa skal bluesowych i jazzowych, zamiast skal diatonicznych powszechnie stosowanych przez większość muzyków zachodniej tradycji klasycznej. „Rhapsody” Gershwina w bluesowym stylu, jego największe dzieło, dzięki któremu na pewno zapamiętacie go na zawsze. Często służy jako przypomnienie lat dwudziestych XX wieku, epoki jazzu, czasu bogactwa i luksusu. To tęsknota za dobrym czasem, który już minął.

Philip Glass - Einstein na plaży (1976)

Philip Glass to współczesny kompozytor, który nadal tworzy w obfitości. Styl kompozytora to minimalizm, stopniowo rozwijający się w jego muzyce ostinato.
Najsłynniejsza opera Glassa, Einstein na plaży, była wystawiana przez 5 godzin bez przerwy. Trwało to tak długo, że publiczność przychodziła i odchodziła, kiedy chciała. Jest to o tyle interesujące, że nie ma absolutnie żadnej fabuły, a jedynie pokazuje różne sceny opisujące teorie Einsteina i ogólnie jego życie.

Krzysztof Penderecki - Polskie Requiem (1984)

Penderecki to kompozytor, którego pasją było poszerzanie technik i unikalnych stylów gry na instrumentach konwencjonalnych. Być może bardziej znany jest z innego dzieła Lament nad ofiarami Hiroszimy, ale na tej liście znalazło się największe – Polskie Requiem, które łączy w sobie jedną z najstarszych form dzieła muzycznego (autorem pierwszego Requiem był Okeghem, który żył w epoce renesansu) i niekonwencjonalny styl wykonawczy. Penderecki posługuje się tu wrzaskami, krótkimi, ostrymi okrzykami chóru i głosu, a dodatek polskiego tekstu na końcu dopełnia obrazu prawdziwie wyjątkowej sztuki muzycznej.

Alban Berg - Wozzeck (1922)

Berg to kompozytor, który wprowadził serializm do kultury popularnej. Jego opera Wozzeck, oparta na zaskakująco bezbohaterskiej fabule, stała się pierwszą operą utrzymaną w charakterystycznym odważnym stylu XX wieku i tym samym zapoczątkowała rozwój awangardy na scenie operowej.

Aaron Copland - Fanfara dla zwykłego człowieka (1942)

Copland komponował muzykę w stylu odmiennym od stylu swojego amerykańskiego kolegi George'a Gershwina. Podczas gdy wiele prac Gershwina nawiązuje do miast i klubów, Copland wykorzystuje motywy wiejskie, włączając w to prawdziwie amerykańskie motywy, takie jak kowboje.
Najbardziej znanym dziełem Coplanda jest Fanfara dla zwykłego człowieka. Na pytanie, komu dokładnie był on poświęcony, Aaron odpowiedział, że był to zwykły człowiek, gdyż to zwykli ludzie znacząco wpłynęli na zwycięstwo Stanów Zjednoczonych w II wojnie światowej.

John Cage - 4'33" (1952)

Cage był rewolucjonistą – jako pierwszy zaczął wykorzystywać w muzyce nietradycyjne instrumenty, takie jak klawisze i papier. Jego najbardziej uderzającą innowacją jest modyfikacja fortepianu, polegająca na włożeniu do instrumentu podkładek i gwoździ, co dało suche, perkusyjne dźwięki.
4'33" to w zasadzie 4 minuty i 33 sekundy muzyki. Jednak muzyka, którą słyszysz, nie jest odtwarzana przez artystę. Słyszysz przypadkowe dźwięki w sali koncertowej, szum klimatyzacji lub szum samochodów na zewnątrz. To, co uważano za ciszę, nią nie jest – tego uczy szkoła zen, która stała się źródłem inspiracji Cage’a.

Witold Lutosławski - Koncert na orkiestrę (1954)

Lutosławski to jeden z najwybitniejszych polskich kompozytorów, specjalizujący się w muzyce aleatorycznej. Został pierwszym muzykiem uhonorowanym najwyższym polskim odznaczeniem państwowym – Orderem Orła Białego.
„Koncert na orkiestrę” powstał w wyniku inspiracji kompozytora utworem „Koncert na orkiestrę” Béli Bartóka. Zawiera imitację gatunku barokowego Concerto Grosso przeplatanego polskimi melodiami. Najbardziej uderzające jest to, że utwór ten jest atonalny, nie odpowiada tonacji durowej ani molowej.

Igor Strawiński - Święto wiosny (1913)

Strawiński jest jednym z najwybitniejszych kompozytorów, jaki kiedykolwiek żył. Wydaje się, że zaczerpnął trochę od wielu kompozytorów. Komponował w stylach serializmu, neoklasycyzmu i neobaroku.
Najsłynniejszym utworem Strawińskiego jest Święto wiosny, które odniosło skandaliczny sukces. Na premierze Camille Saint-Saens już na początku wybiegł z sali, zbeształ fagot za zbyt wysoki rejestr, jego zdaniem, instrument został niewłaściwie użyty. Publiczność wygwizdała występ, oburzona prymitywnymi rytmami i wulgarnymi kostiumami. Tłum dosłownie zaatakował wykonawców. To prawda, że ​​​​balet szybko zyskał popularność i zdobył miłość publiczności, stając się jednym z najbardziej wpływowych dzieł wielkiego kompozytora.

Melodie i pieśni narodu rosyjskiego były inspiracją dla twórczości znanych kompozytorów drugiej połowy XIX wieku. Wśród nich był P.I. Czajkowski, M.P. Musorgski, M.I. Glinka i A.P. Borodin. Ich tradycje kontynuowała cała plejada wybitnych postaci muzycznych. Rosyjscy kompozytorzy XX wieku są nadal popularni.

Aleksander Nikołajewicz Skriabin

Kreatywność A.N. Skriabin (1872 - 1915), rosyjski kompozytor i utalentowany pianista, pedagog, innowator, nie może pozostawić nikogo obojętnym. W jego oryginalnej i impulsywnej muzyce można czasem usłyszeć mistyczne momenty. Kompozytora pociąga i przyciąga obraz ognia. Nawet w tytułach swoich dzieł Skriabin często powtarza takie słowa jak ogień i światło. W swoich pracach szukał sposobu na połączenie dźwięku i światła.

Ojciec kompozytora, Nikołaj Aleksandrowicz Skriabin, był znanym rosyjskim dyplomatą, prawdziwym doradcą państwowym. Matka – Lyubov Petrovna Scriabina (z domu Shchetinina), była znana jako bardzo utalentowana pianistka. Ukończyła z wyróżnieniem Konserwatorium w Petersburgu. Jej kariera zawodowa rozpoczęła się pomyślnie, jednak wkrótce po urodzeniu syna zmarła na suchoty. W 1878 r. Mikołaj Aleksandrowicz ukończył studia i został przydzielony do ambasady rosyjskiej w Konstantynopolu. Wychowanie przyszłego kompozytora kontynuowali jego bliscy krewni - babcia Elizaweta Iwanowna, jej siostra Maria Iwanowna i siostra ojca Ljubow Aleksandrowna.

Pomimo tego, że w wieku pięciu lat Skriabin opanował grę na fortepianie, a nieco później zaczął uczyć się kompozycji muzycznych, zgodnie z tradycją rodzinną otrzymał wykształcenie wojskowe. Ukończył 2. Moskiewski Korpus Kadetów. Jednocześnie pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie i teorii muzyki. Później wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył go z małym złotym medalem.

Skriabin na początku swojej działalności twórczej świadomie podążał za Chopinem, wybierając te same gatunki. Jednak już wtedy jego talent był już widoczny. Na początku XX w. napisał trzy symfonie, następnie „Poemat ekstazy” (1907) i „Prometeusz” (1910). Co ciekawe, kompozytor uzupełnił partyturę „Prometeusza” lekką partią klawiszową. Jako pierwszy zastosował muzykę rozrywkową, której celem jest poznanie muzyki metodą percepcji wzrokowej.

Przypadkowa śmierć kompozytora przerwała jego twórczość. Nigdy nie zrealizował swojego planu stworzenia „Tajemnicy” – symfonii dźwięków, kolorów, ruchów, zapachów. W tej pracy Skriabin chciał przekazać całej ludzkości swoje najskrytsze myśli i zainspirować go do stworzenia nowego świata, naznaczonego zjednoczeniem Uniwersalnego Ducha i Materii. Jego najważniejsze dzieła były jedynie wstępem do tego wspaniałego projektu.

Znany rosyjski kompozytor, pianista, dyrygent S.V. Rachmaninow (1873 - 1943) urodził się w zamożnej rodzinie szlacheckiej. Dziadek Rachmaninowa był zawodowym muzykiem. Pierwsze lekcje gry na fortepianie udzielała mu matka, a później zaprosili nauczyciela muzyki A.D. Ornacka. W 1885 roku rodzice skierowali go do prywatnej szkoły z internatem u profesora Konserwatorium Moskiewskiego N.S. Zverev. Porządek i dyscyplina panująca w placówce edukacyjnej miały istotny wpływ na kształtowanie się przyszłego charakteru kompozytora. Później ukończył Konserwatorium Moskiewskie ze złotym medalem. Jeszcze jako student Rachmaninow cieszył się dużą popularnością wśród moskiewskiej publiczności. Ma już na swoim koncie „Pierwszy Koncert fortepianowy”, a także kilka innych romansów i sztuk teatralnych. A jego „Preludium cis-moll” stało się bardzo popularną kompozycją. Świetny PI Czajkowski zwrócił uwagę na dzieło dyplomowe Siergieja Rachmaninowa – operę „Oleko”, którą napisał pod wrażeniem A.S. Puszkina „Cyganie”. Piotr Iljicz wystawił go w Teatrze Bolszoj, próbował pomóc w włączeniu tego dzieła do repertuaru teatru, ale niespodziewanie zmarł.

Od dwudziestego roku życia Rachmaninow wykładał w kilku instytutach, udzielał prywatnych lekcji. Na zaproszenie słynnego filantropa, postaci teatralnej i muzycznej Savvy Mamontov, w wieku 24 lat kompozytor zostaje drugim dyrygentem Moskiewskiej Rosyjskiej Opery Prywatnej. Tam zaprzyjaźnił się z F.I. Chaliapin.

Kariera Rachmaninowa została przerwana 15 marca 1897 roku z powodu odrzucenia przez petersburską publiczność jego nowatorskiej I Symfonii. Recenzje tej pracy były naprawdę druzgocące. Ale kompozytora najbardziej zaniepokoiła negatywna recenzja pozostawiona przez N.A. Rimski-Korsakow, którego opinię Rachmaninow bardzo cenił. Potem popadł w długotrwałą depresję, z której udało mu się wydostać przy pomocy hipnotyzera N.V. Dahla.

W 1901 roku Rachmaninow ukończył swój Drugi Koncert fortepianowy. I od tego momentu rozpoczyna się jego aktywna praca twórcza jako kompozytora i pianisty. Unikalny styl Rachmaninowa łączył rosyjskie pieśni kościelne, romantyzm i impresjonizm. Uważał melodię za główną zasadę wiodącą w muzyce. Znalazło to największy wyraz w ulubionym utworze autora – wierszu „Dzwony”, który napisał dla orkiestry, chóru i solistów.

Pod koniec 1917 roku Rachmaninow wraz z rodziną opuścił Rosję, pracował w Europie, a następnie wyjechał do Ameryki. Kompozytor był bardzo zmartwiony zerwaniem z Ojczyzną. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej dawał koncerty charytatywne, z których dochód został przekazany na Fundusz Armii Czerwonej.

Muzyka Strawińskiego wyróżnia się różnorodnością stylistyczną. Już na samym początku swojej twórczości opierała się na rosyjskich tradycjach muzycznych. A potem w utworach słychać wpływy neoklasycyzmu, charakterystycznego dla muzyki francuskiej tamtego okresu i dodekafonii.

Igor Strawiński urodził się w Oranienbaum (obecnie miasto Łomonosow) w 1882 roku. Ojciec przyszłego kompozytora Fiodora Ignatiewicza jest znanym śpiewakiem operowym, jednym z solistów Teatru Maryjskiego. Jego matką była pianistka i śpiewaczka Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od dziewiątego roku życia nauczyciele udzielali mu lekcji gry na fortepianie. Po ukończeniu gimnazjum, na prośbę rodziców, rozpoczyna studia na wydziale prawa uniwersytetu. Przez dwa lata, od 1904 do 1906, pobierał lekcje u N.A. Rimskiego-Korsakowa, pod którego przewodnictwem napisał pierwsze dzieła - scherzo, sonatę fortepianową, Fauna i suitę Pasterka. Siergiej Diagilew wysoko ocenił talent kompozytora i zaproponował mu współpracę. Efektem wspólnej pracy są trzy balety (w inscenizacji S. Diagilewa) - Ognisty ptak, Pietruszka, Święto wiosny.

Na krótko przed I wojną światową kompozytor wyjechał do Szwajcarii, a następnie do Francji. Rozpoczyna się nowy okres w jego twórczości. Studiuje style muzyczne XVIII wieku, pisze operę Król Edyp, muzykę do baletu Apollo Musagete. Z biegiem czasu jego charakter pisma zmieniał się kilkakrotnie. Kompozytor przez wiele lat mieszkał w USA. Jego ostatnim znanym dziełem jest Requiem. Cechą kompozytora Strawińskiego jest umiejętność ciągłej zmiany stylów, gatunków i kierunków muzycznych.

Kompozytor Prokofiew urodził się w 1891 roku w małej wiosce w guberni jekaterynosławskiej. Świat muzyki otworzyła mu matka, dobra pianistka, która często wykonywała dzieła Chopina i Beethovena. Stała się także prawdziwym mentorem muzycznym dla swojego syna, a ponadto nauczyła go języka niemieckiego i francuskiego.

Na początku 1900 roku młodemu Prokofiewowi udało się uczęszczać do baletu Śpiąca Królewna i słuchać oper Faust i Książę Igor. Wrażenia z występów moskiewskich teatrów zostały wyrażone w jego własnej twórczości. Pisze operę „Olbrzym”, a następnie uwerturę do „Desert Shores”. Rodzice szybko zdają sobie sprawę, że nie mogą już uczyć syna muzyki. Wkrótce, w wieku jedenastu lat, początkujący kompozytor został przedstawiony słynnemu rosyjskiemu kompozytorowi i nauczycielowi S.I. Tanejewa, który osobiście zwrócił się do R.M. Gliera, aby zaangażować się w komponowanie muzyki z Siergiejem. S. Prokofiew w wieku 13 lat zdał egzaminy wstępne do Konserwatorium w Petersburgu. Na początku swojej kariery kompozytor dużo koncertował i koncertował. Jednak jego twórczość wywołała nieporozumienia wśród opinii publicznej. Wynikało to z cech dzieł, które wyrażały się w następujący sposób:

• styl modernistyczny;
• niszczenie ustalonych kanonów muzycznych;
• ekstrawagancja i pomysłowość technik kompozytorskich

W 1918 r. S. Prokofiew wyjechał i wrócił dopiero w 1936 r. Już w ZSRR pisał muzykę do filmów, oper, baletów. Ale po tym, jak został oskarżony, wraz z wieloma innymi kompozytorami, o „formalizm”, praktycznie zamieszkał na wsi, ale nadal pisał dzieła muzyczne. Jego opera „Wojna i pokój”, balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek” stały się własnością kultury światowej.

Rosyjscy kompozytorzy XX wieku, żyjący na przełomie wieków, nie tylko zachowali tradycje poprzedniego pokolenia twórczej inteligencji, ale także stworzyli własną, niepowtarzalną sztukę, dla której dzieła P.I. Czajkowski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakow.

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanymi ludźmi i swoim dziedzictwem kulturowym, zawsze znajdowała się w czołówce lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której tradycje kontynuowały szkoły sowieckie i dzisiejsze szkoły rosyjskie, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę i rosyjskiego ducha.

O każdej z tych sławnych postaci można powiedzieć wiele, wszystkich nie spotkały proste, a czasem tragiczne losy, jednak w tej recenzji staraliśmy się podać jedynie krótki opis życia i twórczości kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym krajowym kompozytorem klasycznym, który osiągnął światową sławę. Jego dzieła, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, stały się nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w województwie smoleńskim, kształcił się w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei twórczości Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, A.S. Gribojedow, A.A. Delvig. Impetu twórczego jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX w. i spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów – V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyszedł M.I. Glinka po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich, po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej oraz europejskiej praktyce symfonicznej i operowej organicznie połączone, pojawił się bohater podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. VF Odoevsky określił operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii - okres muzyki rosyjskiej”.
Druga opera – epopeja „Rusłan i Ludmiła” (1842), której utwór powstał na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, była dwuznacznie przyjęty przez publiczność i władze i wywołał przygnębienie M.I. Glinki. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. W jego spuściźnie pozostały romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej była „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki.

Cytat M.I. Glinka: „Aby tworzyć piękno, trzeba być czystym duszą”.

Cytat o M.I. Glince: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołędziu, zawarta jest w fantazji symfonicznej „Kamarinskaja”. PI Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie wyróżniał się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIN (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych rosyjskich kompozytorów drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, nauczycielem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zauważali jego niezwykłą aktywność, entuzjazm i zdolności w różnych kierunkach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim kompozytorem samorodkowym, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyków, wszystkie jego osiągnięcia muzyczne wynikają z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinki (jak wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX wieku), a dwa wydarzenia dały impuls do ścisłego zajęcia się kompozycją na początku lat 60. XIX wieku - po pierwsze, znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopową, a po drugie, spotkanie z M.A. Bałakirewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna Garść”. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował po Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się pod koniec XIX wieku jednym z najbardziej znanych i popularnych rosyjskich kompozytorów w Europie XIX w. XX w.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869–1890), która jest przykładem narodowej epopei heroicznej w muzyce i której on sam nie miał czasu ukończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Głazunow i N.A. Rimski-Korsakow). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedlono główną ideę całego dzieła kompozytora - odwagę, spokojną wielkość, duchową szlachetność najlepszego narodu rosyjskiego i potężną siłę całego narodu rosyjskiego, przejawiającego się w obronie ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewielką liczbę dzieł, jego twórczość jest bardzo różnorodna i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wywarł wpływ na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity zarówno w symfonii, jak i w operze i romansie. Jego główne cechy to gigantyczna siła i szerokość, kolosalny zasięg, szybkość i porywczość, połączone z niesamowitą pasją, delikatnością i pięknem”. V.V. Stasov

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają węglowodory podstawione halogenami, którą po raz pierwszy zbadał w 1861 r., nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski – jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej Garści”. Innowacyjne dzieło Musorgskiego znacznie wyprzedzało swoje czasy.
Urodzony w obwodzie pskowskim. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny, studiował w Petersburgu, był według tradycji rodzinnej wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie dla służby wojskowej, ale dla muzyki, było spotkanie z M.A. Bałakirewem i przyłączenie się do „Potężnej Garści”. Musorgski jest wielki, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach Borys Godunow i Chowanszczina – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe historii Rosji z radykalną nowością, której muzyka rosyjska nie znała przed nim, pokazując w nich połączenie masowych scen ludowych i różnorodne bogactwo typów, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach autora i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Kolejnym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”, w barwnych i pomysłowych miniaturach przesiąknięty jest tematyką refrenu rosyjskiego i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniała go prawdziwa duchowa czystość i bezinteresowność. Jego ostatnie lata były trudne - niespokojne życie, nieuznanie twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, wszystko to zadecydowało o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił stosunkowo niewiele kompozycji, z których część została ukończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowała pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrała ważną rolę w rozwoju stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat posła Musorgskiego: „Dźwięki mowy ludzkiej, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i gwałtu stać się muzyką prawdziwą, dokładną, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o MP Musorgskim: „Aborygeńskie rosyjskie brzmienia we wszystkim, co zrobił Musorgski” N. K. Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tertijowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wyniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykany wcześniej poziom. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca dotyczyła prawa. Czajkowski jest jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych” – studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium w Petersburgu. Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do ludowych postaci „Potężnej Garści”, z którymi utrzymywał dobre twórcze i przyjacielskie stosunki, jednak w jego twórczości nie mniej przesiąknięty jest duch rosyjski, udało mu się w unikalny sposób połączyć Zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi od Michaiła Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, podróżował po Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie, entuzjazmem, przygnębieniem, apatią, drażliwością, gwałtownym gniewem - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Trudno jest wyróżnić coś najlepszego w twórczości Czajkowskiego, ma on na swoim koncie kilka równorzędnych dzieł z niemal wszystkich gatunków muzycznych - opery, baletu, symfonii, muzyki kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób ujawniają się w niej dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odbijają się głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i powinien przynosić chwałę Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką siłę artystyczną, nie zrobiłem jeszcze nawet jednej dziesiątej tego, co mogę. A chcę to zrobić całymi siłami dusza."
„Życie ma urok tylko wtedy, gdy składa się z przemian radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga wielkiej, ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: „Gotowy jestem dniem i nocą pełnić wartę honorową przed werandą domu, w którym mieszka Piotr Iljicz – do tego stopnia go szanuję” A.P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet Cambridge zaocznie i bez obrony rozprawy nadał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego krajowego dziedzictwa muzycznego. Jego osobliwy świat i uwielbienie odwiecznego, wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedność z naturą nie mają odpowiednika w historii muzyki.
Urodzony w guberni nowogrodzkiej, zgodnie z rodzinną tradycją, został oficerem marynarki wojennej, na okręcie wojennym podróżował po wielu krajach Europy i obu Ameryk. Edukację muzyczną pobierał najpierw od matki, następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille’a. I znowu, dzięki M.A. Bałakiriewowi, organizatorowi „Potężnej Garści”, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w dziedzictwie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 dzieł ukazujących różnorodne decyzje gatunkowe, stylistyczne, dramatyczne, kompozytorskie kompozytora, posiadające jednak szczególny styl - przy całym bogactwie elementu orkiestrowego, melodyczne linie wokalne są główne. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposu, za co otrzymał przydomek „gawędziarza”.
Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako finalista dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był założycielem szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i kierownik Konserwatorium w Petersburgu wyprodukował około dwustu kompozytorów, dyrygentów, muzykologów, a wśród nich Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: „Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotnie rosyjską esencję, jego głębokie korzenie folkloryjno-rosyjskie należy dziś szczególnie docenić”. Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki, praktycznie nie ma bezpośredniego cytowania melodii ludowych, ale pozostała rosyjska podstawa intonacji, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skryabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najwybitniejszych osobistości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, ojciec nie mógł zwrócić uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabina wychowywała ciotka i dziadek, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin całkowicie poświęcił się muzyce – jako pianista-kompozytor koncertował w Europie i Rosji, większość czasu spędzając za granicą.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. „Wiersz ekstazy”, składający się z kilku obrazów tematycznych, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego błyskotliwym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, napowietrzonego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia życiowa, ognista pasja, siła woli zawarta w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego układu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu dziełu miał towarzyszyć kolor muzykę, ale premiera ze względów technicznych nie przebiegała bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był pomysł Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Skriabina: „Powiem im (ludziom), że… nie oczekują od życia niczego poza tym, co sami mogą stworzyć… Powiem im, że nie ma powodu do żałoby o tym, żeby nie było straty. „Aby nie bali się rozpaczy, która sama może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto doświadczył rozpaczy i ją zwyciężył”.

Cytat o A.N. Skriabinie: „Twórczość Skriabina była jego czasem wyrażonym w dźwiękach. Kiedy jednak to, co tymczasowe, przemijające, znajduje swój wyraz w twórczości wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe”. G. V. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873 - 1943)

Siergiej Wasiliewicz Rachmaninow to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych szkół kompozytorskich w Moskwie i Petersburgu oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który jako jedyny wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w obwodzie nowogrodzkim, od czwartego roku życia rozpoczął naukę muzyki pod okiem matki. Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej I Symfonii (1897) w Petersburgu zapoczątkowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX w. wyłonił się Rachmaninow z dojrzałym stylem, łączącym rosyjskie pieśni kościelne, wychodzący poza europejski romantyzm, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to nasycone ze złożoną symboliką. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. 2 i 3 koncerty fortepianowe, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w Stanach Zjednoczonych. Przez prawie dziesięć lat po swoim odejściu nic nie komponował, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i dał się poznać jako jeden z najwybitniejszych pianistów swojej epoki i największy dyrygent. Mimo całej burzliwej działalności Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążącą do samotności, a nawet samotności, unikając natrętnej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy nie popełnił błędu opuszczając ją. Nieustannie interesował się wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma, pomagał finansowo. Jego ostatnie kompozycje – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940) stały się efektem jego drogi twórczej, wchłaniając wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu oraz żałobne poczucie nieodwracalnej straty i tęsknoty za domem.

Cytat S.V. Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie po obcym mu świecie”.
„Najwyższą cechą każdej sztuki jest jej szczerość”.
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako wiodącą zasadę w muzyce. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytora. ... Z tego powodu wielcy kompozytorzy przeszłości tak bardzo interesowali się melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V. Rachmaninowie:
„Rachmaninow był stworzony ze stali i złota: stal w jego rękach, złoto w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko kłaniałem się wielkiemu artyście, ale kochałem w nim człowieka”. I. Hoffmana
„Muzyka Rachmaninowa to Ocean. Jego fale – muzyczne – zaczynają się tak daleko za horyzontem, unoszą cię tak wysoko i opuszczają tak powoli… że czujesz tę Moc i Oddech”. A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których zebrane pieniądze przekazał na fundusz Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi najeźdźcami.

8. Igor Fiodorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fiodorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych światowych kompozytorów XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej, w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i podporządkowując własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską. Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale rozwój był szybki – seria trzech baletów: Ognisty ptak (1910), Pietruszka (1911) i Święto wiosny (1913) natychmiast wyniosła go do grona kompozytorów pierwszej wielkości .
W 1914 opuścił Rosję, jak się okazało niemal na zawsze (w 1962 odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, i ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja seryjna”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.
Strawiński był osobą bardzo wykształconą, towarzyską i obdarzoną wspaniałym poczuciem humoru. Do kręgu jego znajomych i korespondentów należeli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni, mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Pieśni za zmarłych) (1966) wchłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły - każde z jego dzieł jest wyjątkowe , ale stale wracał do konstrukcji, w których widać rosyjskie pochodzenie, słychać rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Przez całe życie mówię po rosyjsku, mam rosyjski styl. Może w mojej muzyce nie jest to od razu widoczne, ale jest w niej wpisane, jest w jej ukrytej naturze”

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem… Duch rosyjski jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego z ziemi rosyjskiej i żywotnie z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (rower):
Będąc w Nowym Jorku, Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał swoje nazwisko na znaku.
- Nie jesteś krewnym kompozytora? – zapytał kierowcę.
- Czy istnieje kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew – jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista, dyrygent.
Urodzony w obwodzie donieckim, od dzieciństwa związany z muzyką. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudownych dzieci” muzycznych, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia) w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienie jego indywidualnego, zasadniczo antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu, paradoks polega na tym, że pomimo akademickich kanonów, konstrukcja jego kompozycji pozostała wierna zasadom klasycznym, a następnie stała się powstrzymująca siła modernistycznego, zaprzeczającego wszystkiemu sceptycyzmu. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył tournée międzynarodowe, m.in. odwiedził ZSRR, by w 1936 powrócić do ojczyzny.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa została zmuszona ustąpić miejsca realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisze opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle dokładna z nowymi obrazami i pomysłami, położyła podwaliny pod radziecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. niemal jednocześnie wydarzyły się trzy tragiczne wydarzenia: pod zarzutem szpiegostwa jego pierwsza żona, Hiszpanka, została aresztowana i zesłana do obozów; wydano dekret Biura Politycznego Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików, w którym zaatakowano Prokofiewa, Szostakowicza i innych i oskarżono ich o „formalizm” i niebezpieczeństwa związane z ich muzyką; nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, udał się na emeryturę do kraju i praktycznie go nie opuścił, ale nadal komponował.
Do najjaśniejszych dzieł okresu sowieckiego należały opery „Wojna i pokój”, „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Na straży świata”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; praca na fortepianie.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i szerokością tematów, oryginalnością jego myślenia muzycznego, świeżością i oryginalnością składała się na całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarła potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Cytat S.S. Prokofiewa:
„Czy artysta może stać z dala od życia?.. Jestem przekonany, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, powołany jest do służenia człowiekowi i narodowi... Przede wszystkim musi być obywatelem jego sztukę, śpiewajcie o ludzkim życiu i prowadźcie człowieka do jaśniejszej przyszłości...
„Jestem przejawem życia, które daje mi siłę przeciwstawić się wszystkiemu, co nieduchowe”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno każdemu z nas zdarzają się jakieś niepowodzenia, zwątpienia, po prostu zły nastrój. I w takich momentach, nawet jeśli Nie gram i nie słucham Prokofiewa, ale po prostu o nim myślę, dostaję niesamowitego zastrzyku energii, czuję wielką chęć do życia, do działania” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo lubił szachy i wzbogacał grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, wśród których wynalazł „dziewięć” szachów – planszę 24x24 z umieszczonymi na niej dziewięcioma zestawami figur.

10. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz to jeden z najbardziej znaczących i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu, pierwsze lekcje muzyki pobierał u matki, ukończył Konserwatorium w Petersburgu, po wejściu do którego jego rektor Aleksander Głazunow porównał go do Mozarta - zaimponował wszystkim doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i darem kompozytorskim . Już na początku lat dwudziestych, pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światową sławę zyskał Szostakowicz po zwycięstwie w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed realizacją opery „Lady Makbet z rejonu mceńskiego”, Szostakowicz pracował jako niezależny artysta – „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ostre potępienie tej opery w 1936 r. i represje w 1937 r. położyły podwaliny pod późniejszą nieustanną walkę wewnętrzną Szostakowicza o chęć wyrażania własnych poglądów własnymi środkami w obliczu narzucania przez państwo kierunków w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość są ze sobą bardzo ściśle powiązane, był chwalony przez władze i prześladowany przez nie, piastował wysokie stanowiska i został z nich usunięty, został nagrodzony i był o krok od aresztowania siebie i swoich bliskich.
Jako człowiek miękki, inteligentny, delikatny, swoją formę wyrazu zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł możliwie otwarcie opowiedzieć prawdę o czasie. Ze wszystkich rozległych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł), najbardziej dramatyczne są symfonie 5,7,8,10,15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz otwiera się w muzyce kameralnej.
Mimo że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nie podróżował za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozpowszechniona na całym świecie, była wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej dopiero nadejdzie.

Cytat D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka zdolna jest wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane humanitarne idee”.

Najwięksi kompozytorzy wszech czasów na świecie: zestawienia chronologiczne i alfabetyczne, odniesienia i dzieła

100 wielkich kompozytorów świata

Lista kompozytorów w porządku chronologicznym

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henryk Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Handel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Jan Sebastian Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. Józef Haydn (1732 -1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeusz Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franciszek Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vincenzo Bellini (1801-1835)
27. Hektor Berlioz (1803 -1869)
28. Michaił Iwanowicz Glinka (1804 -1857)
29. Feliks Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 -1869)
33. Franciszek Liszt (1811 -1886)
34. Ryszard Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanisław Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Aleksander Nikołajewicz Serow (1820 -1871)
40. Cesar Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Johann Strauss (1825 -1899)
44. Anton Grigoriewicz Rubinstein (1829 -1894)
45. Johannes Brahms (1833 -1897)
46. ​​​​Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Aleksiejewicz Bałakiriew (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Modest Pietrowicz Musorgski (1839 -1881)
52. Piotr Iljicz Czajkowski (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janaczek (1854 -1928)
59. Anatolij Konstantinowicz Lyadov (1855 -1914)
60. Siergiej Iwanowicz Tanejew (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Wilk (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Ryszard Strauss (1864 -1949)
67. Aleksander Tichonowicz Greczaninow (1864 -1956)
68. Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Aleksander Nikołajewicz Skryabin (1872 -1915)
72. Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow (1873 -1943)
73. Arnold Schönberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Nikołaj Karłowicz Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartok (1881 -1945)
77. Nikołaj Jakowlewicz Myaskowski (1881 -1950)
78. Igor Fedorowicz Strawiński (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Siergiej Siergiejewicz Prokofiew (1891 -1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Dariusz Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paweł Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Izaak Osipowicz Dunajewski (1900 -1955)
89. Aram Iljicz Chaczaturian (1903 -1978)
90. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906 -1975)
91. Tichon Nikołajewicz Chrennikow (ur. 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Gieorgij Wasiliewicz Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinowicz Szczedrin (ur. 1932)
96. Krzysztof Penderecki (ur. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (ur. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) i Paul McCartney (ur. 1942)
100. Żądło (ur. 1951)

ARCYDZIEŁA MUZYKI KLASYCZNEJ

Najsłynniejsi kompozytorzy świata

Lista kompozytorów w kolejności alfabetycznej

Wielcy kompozytorzy, których nazwiska są powszechnie znane na całym świecie, stworzyli ogromną liczbę cennych dzieł. Ich dzieła są naprawdę wyjątkowe. Każdy z nich posiada indywidualny i niepowtarzalny styl.

Wielcy kompozytorzy świata (zagraniczni). Lista

Poniżej znajdują się zagraniczni kompozytorzy różnych stuleci, których nazwiska są znane na całym świecie. Ten:

• A. Vivaldiego.
• J. S. Bacha.
• W. A. ​​Mozart.
• I. Brahms.
• J. Haydna.
• R. Schumana.
• F. Schuberta.
• L. Beethovena.
• I. Straussa.
• R. Wagnera.
• G. Verdiego.
• A. Berga.
• A. Schönberga.
• J. Gershwina.
• O. Messiaena.
• C. Ivesa.
• B. Brittena.

Wielcy kompozytorzy świata (Rosjanie). Lista

Stworzył dużą liczbę operetek, pracował z lekkimi formami muzycznymi o charakterze tanecznym, w czym odnosił duże sukcesy. Dzięki Straussowi walc stał się w Wiedniu tańcem niezwykle popularnym. Nawiasem mówiąc, piłki nadal się tam trzymają. W spuściźnie kompozytora znajdują się polki, balety i kadryle.

I G. Verdi – wielcy, którzy stworzyli ogromną liczbę oper, które zdobyły szczerą miłość publiczności.

Najwybitniejszym przedstawicielem modernizmu w muzyce tego stulecia był Niemiec Ryszard Wagner. Jego dziedzictwo operowe jest bogate. Tannhauser, Lohengrin, Latający Holender i inne opery są nadal aktualne, popularne i wystawiane.

Włoski kompozytor Giuseppe Verdi to postać niezwykle majestatyczna. Nadał włoskiej operze nowy oddech, pozostając jednocześnie wiernym operowym tradycjom.

Rosyjscy kompozytorzy XIX wieku

M. I. Glinka, A. P. Borodin, M. P. Musorgski, P. I. Czajkowski to wielcy kompozytorzy muzyki klasycznej XIX wieku, którzy żyli i tworzyli swoje dzieła w Rosji.

Twórczość Michaiła Iwanowicza Glinki określiła narodowe i światowe znaczenie w historii muzyki rosyjskiej. Jego twórczość, wyrosła na rosyjskich pieśniach ludowych, ma charakter głęboko narodowy. Słusznie uważany jest za innowatora, przodka rosyjskiej klasyki muzycznej. Glinka owocnie pracował we wszystkich swoich operach Iwan Susanin (Życie dla cara) oraz Rusłan i Ludmiła otworzyły drogę dwóm wiodącym kierunkom. Duże znaczenie w rozwoju sztuki muzycznej miały jego dzieła symfoniczne: „Kamarinskaya”, „Waltz-Fantasy” i wiele innych.

Aleksander Porfirjewicz Borodin to wielki rosyjski kompozytor. Jego twórczość jest niewielka pod względem zakresu, ale znacząca pod względem treści. Centralne miejsce zajmują bohaterskie obrazy historyczne. Ściśle splata głęboki liryzm z epicką rozmachem. Opera „Książę Igor” łączy w sobie cechy ludowego dramatu muzycznego i opery epickiej. Jego pierwsza i druga symfonia wyznaczają nowy kierunek w symfonii rosyjskiej – heroiczno-epopetyczny. W dziedzinie tekstów kameralnych stał się prawdziwym innowatorem. Jego romanse: „Morze”, „Za brzegi dalekiej ojczyzny”, „Pieśń ciemnego lasu” i wiele innych. Borodin wywarł znaczący wpływ na swoich wyznawców.

Modest Pietrowicz Musorgski to kolejny wielki rosyjski kompozytor XIX wieku. Był członkiem kręgu Bałakirewa, zwanego „Potężną Garścią”. Pracował owocnie w różnych gatunkach. Jego opery są piękne: „Khovanshchina”, „Boris Godunov”, „Jarmark Sorochinsky”. W jego twórczości przejawiały się cechy indywidualności twórczej. Jest właścicielem wielu romansów: „Kalistrat”, „Seminator”, „Kołysanka dla Eremushki”, „Sierota”, „Svetik Savishna”. Uchwycają wyjątkowe charaktery narodowe.

Piotr Iljicz Czajkowski – kompozytor, dyrygent, pedagog.

W jego twórczości wiodły gatunki operowe i symfoniczne. Treść jego muzyki jest uniwersalna. Jego opery Dama pik i Eugeniusz Oniegin to arcydzieła rosyjskiej muzyki klasycznej. Centralne miejsce w jego twórczości zajmuje także symfonia. Już za jego życia jego dzieła stały się znane na całym świecie.

Przedstawiciele nowej szkoły wiedeńskiej

A. Berg, A. Webern, A. Schoenberg to wielcy kompozytorzy, którzy żyli i tworzyli swoje dzieła przez cały XX wiek.

Alban Berg zasłynął na całym świecie dzięki swojej niesamowitej operze Wozzeck, która wywarła ogromne wrażenie na słuchaczach. Pisał go przez kilka lat. Jego premiera odbyła się 14 grudnia 1925 r. Dziś Wozzeck jest klasycznym przykładem opery XX wieku.

Anton Webern to austriacki kompozytor, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli nowej szkoły wiedeńskiej. W swoich pracach posługiwał się techniką szeregową i dodekafonową. Nieodłączna jest zwięzłość i zwięzłość myśli, koncentracja środków muzycznych i ekspresyjnych. Jego twórczość wywarła silny wpływ na Strawińskiego, Bouleza, Gubajdulinę i wielu innych kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Arnold Schoenberg jest wybitnym przedstawicielem takiego nurtu muzycznego, jak ekspresjonizm. Autor techniki szeregowej i dodekafonowej. Jego kompozycje: II Kwartet Smyczkowy (fis-moll), „Dramat z muzyką na chór i orkiestrę”, opera „Mojżesz i Aaron” i wiele innych.

J. Gershwina, O. Messiaena, C. Ivesa

To wielcy kompozytorzy XX wieku, znani na całym świecie.

George Gershwin to amerykański kompozytor i pianista. Ogromną popularność zyskał dzięki wielkoformatowemu dziełu Porgy and Bess. To opera „folkloryczna”. Scenariusz powstał na podstawie powieści Dubosa Haywarda. Nie mniej znane są jego dzieła instrumentalne: „Rapsodia w stylu bluesowym na fortepian i orkiestrę”, „Amerykanin w Paryżu”, „Druga rapsodia” i wiele innych.

Olivier Messiaen – francuski kompozytor, organista, pedagog, teoretyk muzyki. W swoich niezwykłych pracach teoretycznych nakreślił nowe i dość złożone zasady kompozycji muzycznej. Idee teologiczne znalazły odzwierciedlenie w jego dziełach. Bardzo fascynowały go głosy ptaków. Dlatego stworzył „Katalog ptaków” na fortepian.

Charles Ives to amerykański kompozytor. Na jego twórczość wpłynęła muzyka ludowa. Dlatego jego styl jest niezwykle wyjątkowy. Stworzył pięć symfonii, pięć sonat skrzypcowych, dwie sonaty fortepianowe, kantatę „Niebiańska kraina” i wiele innych dzieł.

Rosyjscy kompozytorzy XX wieku

S. S. Prokofiew, I. F. Strawiński, D. D. Szostakowicz to wielcy kompozytorzy XX wieku.

Siergiej Siergiejewicz Prokofiew – kompozytor, dyrygent, pianista.

Jego muzyka jest różnorodna pod względem treści. Zawiera teksty i epikę, humor i dramat, psychologię i charakterystykę. Twórczość operowa i baletowa wyznaczyła nowe zasady i techniki dramaturgii muzycznej. Jego opery to Hazardzista, Miłość do trzech pomarańczy, Wojna i pokój. Prokofiew zajmował się gatunkiem muzyki filmowej. Powszechnie znana jest jego kantata „Aleksander Newski”, stworzona we współpracy z reżyserem S. Eisensteinem.

Igor Fiodorowicz Strawiński – emigracyjny kompozytor, dyrygent.

Jego twórczość dzieli się na okres rosyjski i zagraniczny. Jego najjaśniejsze balety: „Pietruszka”, „Święto wiosny”, „Ognisty ptak”. Strawiński wniósł także wielki wkład w gatunek symfoniczny.

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz – kompozytor, pedagog, pianista. Jego twórczość jest wieloaspektowa pod względem gatunkowym i treści figuratywnych. Zwłaszcza jego znaczenie jako kompozytora-symfonisty. Jego piętnaście symfonii odzwierciedla złożony świat ludzkich uczuć, pełen doświadczeń, zmagań, tragicznych konfliktów. Jego opera „Katerina Izmailova” jest znakomitym dziełem tego gatunku.

Wniosek

Muzyka wielkich kompozytorów pisana jest w różnych gatunkach, zawiera wieloaspektowe wątki, stale aktualizowane techniki odpowiadające konkretnej epoce. Niektórzy kompozytorzy wyróżnili się w kilku gatunkach, inni zaś z powodzeniem zajęli się niemal wszystkimi dziedzinami. Z całej galaktyki wielkich kompozytorów trudno wyróżnić tych najlepszych. Wszyscy wnieśli znaczący wkład w historię światowej kultury muzycznej.