Wielcy włoscy artyści. Sekret „realistycznego” malarstwa renesansowego włoskiego malarza renesansu

Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337) tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji, wykorzystywanie pejzażu w tle, co pozwalało im na urealnienie i ożywienie obrazów. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu.
Termin używany do określenia ich kreatywności Protorenesans (1300 - „Trecento”) .

Giotto di Bondone (ok. 1267-1337) – włoski artysta i architekt epoki prarenesansowej. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.


Wczesny renesans (XV w. – Quattrocento).

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschiego (1377-1446), florencki naukowiec i architekt.
Brunelleschi chciał, aby postrzeganie zrekonstruowanych przez niego łaźni i teatrów było bardziej wizualne i próbował stworzyć obrazy z geometryczną perspektywą na podstawie swoich planów z określonego punktu widzenia. W trakcie tych poszukiwań odkryto bezpośrednia perspektywa.

Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.

_________

Kolejnym ważnym krokiem na drodze do renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli postrzegać swoje postacie jako bohaterów o wyraźnych cechach indywidualnych i ludzkiej motywacji do działania.

Najbardziej znani artyści tego okresu to Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanniego Belliniego (1430-1516), Antonello z Messyny (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.

Fresk. Cud ze statrem.

Obraz. Ukrzyżowanie.

Piero Della Francesco (1420-1492). Prace mistrza wyróżnia majestatyczna powaga, szlachetność i harmonia obrazów, uogólnione formy, równowaga kompozycyjna, proporcjonalność, precyzja konstrukcji perspektywicznych oraz miękka paleta pełna światła.

Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo

Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

Wiosna.

Narodziny Wenus.

Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastąpił największy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI w.
Pracuje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafał Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.

Autoportret

Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci osiągnął ogromną umiejętność oddania mimiki ludzkiej twarzy i ciała, sposobów przekazywania przestrzeni i konstruowania kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały.

Madonna Litta. 1490-1491. Ermitaż.

Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480

Madonna z goździkiem. 1478

W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał budowę szkieletu i narządów wewnętrznych, z uwzględnieniem drobnych szczegółów. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa prace naukowe da Vinci wyprzedzały swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższały słynną „Anatomię Graya”.

Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:

Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.

Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Autoportret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego są pełne heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.

Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na całej późniejszej kulturze światowej. Jego działalność związana jest głównie z dwoma włoskimi miastami – Florencją i Rzymem.

Jednak najbardziej ambitne plany artysta mógł zrealizować właśnie w malarstwie, gdzie dał się poznać jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Na zlecenie papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający biblijną historię od stworzenia świata do potopu i zawierający ponad 300 postaci. W latach 1534-1541 w tej samej Kaplicy Sykstyńskiej namalował okazały, dramatyczny fresk „Sąd Ostateczny” dla papieża Pawła III.
Kaplica Sykstyńska 3D.

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego oddali charakter i bogaty świat wewnętrzny swoich bohaterów.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa.

Śpiąca Wenus. 1510

Judyta. 1504g

Tycjan Vecellio (1488/1490-1576) – malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu.

Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Autoportret. 1567

Wenus z Urbino. 1538

Portret Tommaso Mostiego. 1520

Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna, tzw manieryzm.
Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu Parmigianino , Pontormo , Bronzino- mieszkał i pracował na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.

Autoportret. 1540

Portret kobiety. 1530.

Pontormo (1494-1557) – malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.


W latach dziewięćdziesiątych XVI wieku sztuka zastąpiła manieryzm barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).

Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.

Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji.

El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych naśladowców, a jego geniusz odkryto na nowo prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w pracowni Tycjana, jednak jego technika malarska znacznie różni się od techniki jego nauczyciela. Prace El Greco charakteryzują się szybkością i wyrazistością wykonania, co zbliża je do malarstwa współczesnego.

Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne.

Trójca. 1579 Prado.

Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza dramatycznemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na społeczeństwo i kulturę europejską. Renesans znalazł swój wyraz nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.

W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczne przedstawienie ludzkiego ciała, dlatego malowali głównie ludzi i przedstawiali różne tematy religijne. Wynaleziono także zasadę perspektywy, która otworzyła przed artystami nowe możliwości.

Centrum renesansu stała się Florencja, drugie miejsce zajęła Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.

Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Leonardo większość swojego życia pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Wśród nich: „Mona Lisa” (znana także jako „La Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Benois Madonna”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus”.

Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki niepowtarzalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Na osobiste zamówienie papieża Sykstusa IV namalował także ściany Kaplicy Sykstyńskiej. Botticelli napisał słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Takie obrazy to „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.

Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan stał się oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest z portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.

Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta namalował wiele arcydzieł, w tym słynną statuę „Dawida” wykonaną z marmuru. Pomnik ten stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, co było głównym zleceniem papieża Juliusza II. W okresie swojej twórczości więcej uwagi poświęcił architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Forteller”.

Jego twórczość kształtowała się pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne Watykanu, przedstawiające działalność człowieka i przedstawiające różne sceny z Biblii. Do słynnych obrazów Rafaela należą „Madonna Sykstyńska”, „Trzy Gracje”, „Św. Michał i diabeł”.

Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew

Cechy charakterystyczne w sztuce renesansu

Perspektywiczny. Aby dodać trójwymiarowej głębi i przestrzeni do swoich prac, artyści renesansu zapożyczyli i znacznie rozszerzyli koncepcje perspektywy liniowej, linii horyzontu i punktu zbiegu.

§ Perspektywa liniowa. Malowanie z perspektywą liniową przypomina patrzenie przez okno i malowanie dokładnie tego, co widzisz na szybie okna. Obiekty na zdjęciu zaczęły mieć własne rozmiary w zależności od odległości. Te, które były dalej od widza, stawały się mniejsze i odwrotnie.

§ Sylwetka na tle nieba. Jest to linia znajdująca się w odległości, przy której obiekty zmniejszają się do punktu o grubości tej linii.

§ Znikający punkt. Jest to punkt, w którym równoległe linie wydają się zbiegać w dużej odległości, często na linii horyzontu. Efekt ten można zaobserwować stojąc na torach kolejowych i patrząc na tory jadące w oddali. l.

Cienie i światło. Artyści z zainteresowaniem bawili się tym, jak światło pada na przedmioty i tworzy cienie. Cienie i światło można wykorzystać do zwrócenia uwagi na konkretny punkt obrazu.

Emocje. Artyści renesansu chcieli, aby widz patrząc na dzieło coś poczuł, przeżył przeżycie emocjonalne. Była to forma retoryki wizualnej, w ramach której widz czuł inspirację do stania się w czymś lepszym.

Realizm i naturalizm. Oprócz perspektywy artyści starali się, aby obiekty, zwłaszcza ludzie, wyglądały bardziej realistycznie. Studiowali anatomię człowieka, mierzyli proporcje i poszukiwali idealnej formy człowieka. Ludzie wyglądali realnie i okazywali autentyczne emocje, co pozwalało widzowi na wyciągnięcie wniosków na temat tego, co myślą i czują przedstawieni ludzie.

Renesans dzieli się na 4 etapy:

Protorenesans (2. połowa XIII – XIV w.)

Wczesny renesans (początek XV - koniec XV wieku)

Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)

Późny renesans (połowa XVI – lata 90. XVI w.)

Protorenesans

Protorenesans jest ściśle związany ze średniowieczem, właściwie pojawił się w późnym średniowieczu, wraz z tradycjami bizantyjskimi, romańskimi i gotyckimi, okres ten był prekursorem renesansu. Dzieli się on na dwa podokresy: przed śmiercią Giotta di Bondone i po (1337). Włoski artysta i architekt, twórca protorenesansu. Jedna z kluczowych postaci w historii sztuki zachodniej. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła. Giotto stał się centralną postacią malarstwa. Artyści renesansu uważali go za reformatora malarstwa. Giotto nakreślił drogę, po której nastąpił jego rozwój: wypełnienie form religijnych treściami świeckimi, stopniowe przejście od obrazów płaskich do obrazów trójwymiarowych i reliefowych, wzrost realizmu, wprowadzenie do malarstwa plastycznej wolumenu figur, ukazanie wnętrza w malarstwie.

Pod koniec XIII wieku we Florencji wzniesiono główny budynek świątyni - katedrę Santa Maria del Fiore, autorem był Arnolfo di Cambio, następnie prace kontynuował Giotto.

Najważniejsze odkrycia, najzdolniejsi mistrzowie żyli i pracowali w pierwszym okresie. Drugi segment jest związany z epidemią dżumy, która nawiedziła Włochy.

Najwcześniejsza sztuka prarenesansu pojawiła się w rzeźbie (Niccolò i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Malarstwo reprezentują dwie szkoły artystyczne: Florencja i Siena.

Wczesny renesans

Okres tzw. „wczesnego renesansu” obejmuje we Włoszech okres od 1420 do 1500 roku. Sztuka w ciągu tych osiemdziesięciu lat nie porzuciła jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości (średniowiecza), ale próbowała wmieszać w nie elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. Dopiero później, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucają średniowieczne założenia i odważnie sięgają po przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak i w ich szczegółach.

O ile sztuka we Włoszech już zdecydowanie podążała drogą naśladowania klasycznej starożytności, o tyle w innych krajach długo trzymała się tradycji stylu gotyckiego. Na północ od Alp, a także w Hiszpanii, renesans rozpoczyna się dopiero pod koniec XV wieku, a jego wczesny okres trwa mniej więcej do połowy następnego stulecia.

Artyści wczesnego renesansu

Jeden z pierwszych i najwybitniejszych przedstawicieli tego okresu słusznie uważany jest za Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), słynnego włoskiego malarza, największego mistrza szkoły florenckiej, reformatora malarstwa epoki Quattrocento.

Swoją twórczością przyczynił się do przejścia od sztuki gotyckiej do nowej, wychwalając wielkość człowieka i jego świata. Wkład Masaccio w sztukę został odnowiony w 1988 roku, kiedy jego główne dzieło - freski z kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji- przywrócono ich pierwotną formę.

- Zmartwychwstanie syna Teofila, Masaccio i Filippino Lippi

- Pokłon Trzech Króli

- Cud ze statrem

Innymi ważnymi przedstawicielami tego okresu byli Sandro Botticelli. wielki włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

- Narodziny Wenus

- Wenus i Mars

- Wiosna

- Pokłon Trzech Króli

Wysoki renesans

Trzeci okres renesansu - czas najwspanialszego rozwoju jego stylu - nazywany jest zwykle „wysokim renesansem”. Rozciąga się we Włoszech od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie ośrodek wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniósł się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron ​​papieski Juliusza II – człowieka ambitnego, odważnego, przedsiębiorczego, który przyciągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch, zajmował ich licznych i ważnych dzieł oraz dał innym przykład miłości do sztuki. Za tego Papieża i za jego bezpośrednich następców Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: wznosi się w nim wiele monumentalnych budowli, powstają wspaniałe dzieła rzeźbiarskie, maluje się freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarskie; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie wpływając. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, odtwarzana z większą rygorystycznością i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; wspomnienia średniowiecza całkowicie zanikają, a na wszystkich dziełach sztuki spada całkowicie klasyczny ślad. Jednak naśladowanie starożytnych nie zagłusza u artystów ich niezależności, a z wielką zaradnością i żywością wyobraźni swobodnie przerabiają i stosują w swoim dziele to, co uznają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.

Dzieło trzech wielkich włoskich mistrzów wyznacza szczyt renesansu, jest nim Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci wielki włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego. Włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, muzyk, jeden z największych przedstawicieli sztuki Wysokiego Renesansu, świetlisty przykład „człowieka uniwersalnego”

Ostatnia Wieczerza,

Mona Lisa,

-człowiek witruwiański ,

- Madonna Litta

- Madonna na Skałach

-Madonna z wrzecionem

Michał Anioł Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Włoski rzeźbiarz, artysta, architekt [⇨], poeta [⇨], myśliciel [⇨]. . Jeden z największych mistrzów renesansu [ ⇨ ] i wczesnego baroku. Jego dzieła uznano za najwyższe osiągnięcia sztuki renesansu już za życia samego mistrza. Michał Anioł żył prawie 89 lat, czyli całą epokę, od okresu Wysokiego Renesansu do początków Kontrreformacji. W tym okresie papieży było trzynastu – dla dziewięciu z nich wykonywał rozkazy.

Stworzenie Adama

Sąd Ostateczny

i Rafaela Santi (1483-1520). wielki włoski malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

— Szkoła ateńska

-Madonna Sykstyńska

- Przemienienie

- Wspaniały ogrodnik

Późny renesans

Późny renesans we Włoszech obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i lat dwudziestych XVII wieku. Kontrreformacja zatriumfowała w Europie Południowej ( Kontrreformacja(łac. Kontraformacja; z kontra- przeciw i reformacja- transformacja, reformacja) – katolicki ruch kościelno-polityczny w Europie połowy XVI-XVII w., skierowany przeciwko reformacji i mający na celu przywrócenie pozycji i prestiżu Kościoła rzymskokatolickiego.), który z ostrożnością patrzył na wszelkie wolno- myślenia, w tym gloryfikacji ludzkiego ciała i wskrzeszenia ideałów starożytności jako kamieni węgielnych ideologii renesansu. Sprzeczności światopoglądowe i ogólne poczucie kryzysu zaowocowały we Florencji „nerwową” sztuką wymyślonych kolorów i przerywanych linii - manieryzmem. Manieryzm dotarł do Parmy, gdzie pracował Correggio, dopiero po śmierci artysty w 1534 roku. Tradycje artystyczne Wenecji miały własną logikę rozwoju; Palladio (prawdziwe nazwisko) pracował tam do końca lat siedemdziesiątych XVI wieku Andrei di Pietro). wielki włoski architekt późnego renesansu i manieryzmu.( Manieryzm(z włoskiego maniera, sposób) - zachodnioeuropejski styl literacki i artystyczny XVI - pierwszej tercji XVII wieku. Charakteryzuje się utratą renesansowej harmonii między tym, co fizyczne i duchowe, naturą i człowiekiem.) Założyciel palladianizmu ( Palladianizm Lub Architektura palladowa- wczesna forma klasycyzmu, która wyrosła z idei włoskiego architekta Andrei Palladio (1508-1580). Styl opiera się na ścisłym trzymaniu się symetrii, uwzględnieniu perspektywy i zapożyczeniu zasad klasycznej architektury świątynnej starożytnej Grecji i Rzymu.) oraz klasycyzmu. Prawdopodobnie najbardziej wpływowy architekt w historii.

Pierwszym samodzielnym dziełem Andrei Palladio, jako utalentowanego projektanta i utalentowanego architekta, była Bazylika w Vicenzy, w której ujawnił się jego oryginalny, niepowtarzalny talent.

Wśród domów wiejskich najwybitniejszym dziełem mistrza jest Villa Rotunda. Andrea Palladio zbudował go w Vicenzy dla emerytowanego urzędnika Watykanu. Godny uwagi jest fakt, że jest to pierwsza świecko-domowa budowla renesansu, wzniesiona w formie starożytnej świątyni.

Innym przykładem jest Palazzo Chiericati, którego niezwykłość przejawia się w tym, że pierwsze piętro budynku przeznaczono niemal w całości do użytku publicznego, co było zgodne z wymogami ówczesnych władz miejskich.

Wśród słynnych budynków miejskich Palladia nie sposób nie wspomnieć Teatro Olimpico, zaprojektowanego w stylu amfiteatru.

Tycjan ( Tycjan Vecellio) Malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu. Imię Tycjana należy do takich artystów renesansu, jak Michał Anioł, Leonardo da Vinci i Rafael. Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Z miejsca urodzenia (Pieve di Cadore w prowincji Belluno w Republice Weneckiej) nazywany jest czasami tak, Cadore; znany również jako Tycjan Boski.

- Wniebowstąpienie Najświętszej Marii Panny

- Bachus i Ariadna

- Diana i Akteon

- Wenus Urbino

— Porwanie Europy

którego twórczość niewiele miała wspólnego z kryzysem w sztuce Florencji i Rzymu.

Epoka Wysokiego Renesansu (koniec XV – pierwsza ćwierć XVI w.) to czas doskonałości i wolności. Malarstwo, podobnie jak inne formy sztuki tej epoki, charakteryzuje się głęboką wiarą w człowieka, w jego siły twórcze i siłę umysłu. W obrazach mistrzów wysokiego renesansu dominują ideały piękna, humanizmu i harmonii, w nich człowiek jest podstawą wszechświata.

Malarze tego czasu z łatwością posługują się wszelkimi środkami przedstawienia: kolorem wzbogaconym powietrzem, światłem i cieniem oraz rysunkiem swobodnym i ostrym; Mają doskonałą kontrolę nad perspektywą i objętością. Ludzie oddychają i poruszają się na płótnach artystów, ich uczucia i przeżycia wydają się głęboko emocjonalne.

Ta era dała światu czterech geniuszy - Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Tycjana. W ich malarstwie cechy Wysokiego Renesansu - idealność i harmonia w połączeniu z głębią i witalnością obrazów - objawiły się najwyraźniej.

Leonardo da Vinci

15 kwietnia 1452 roku w małym włoskim miasteczku Vinci, położonym niedaleko Florencji, notariuszowi Piero da Vinci urodził się nieślubny syn. Nazwali go Leonardo di ser Piero d'Antonio. Matka chłopca, niejaka Katerina, nieco później wyszła za mąż za chłopa. Ojciec nie zrezygnował z nieślubnego dziecka, przyjął je w swoje wychowanie i zapewnił mu dobre wykształcenie. Rok po śmierci dziadka Leonarda, Antonia, w 1469 r. notariusz wyjechał z rodziną do Florencji.

Od najmłodszych lat Leonardo rozwijał pasję do rysowania. Zauważywszy to, ojciec wysyła chłopca na studia do jednego z najsłynniejszych wówczas mistrzów rzeźby, malarstwa i biżuterii, Andrei Verrocchio (1435-1488). Sława warsztatu Verrocchia była niezwykle wielka. Stale napływały liczne zamówienia na obrazy i rzeźby od szlacheckich mieszkańców miasta. To nie przypadek, że Andrea Verrocchio cieszył się dużym autorytetem wśród swoich uczniów. Współcześni uważali go za najbardziej utalentowanego następcę idei renesansu florenckiego w malarstwie i rzeźbie.

Innowacyjność Verrocchio jako artysty wiąże się przede wszystkim z przemyśleniem obrazu, który nabywa od malarza cechy naturalistyczne. Do dziś zachowało się niewiele dzieł z warsztatu Verrocchio. Naukowcy uważają, że w tym warsztacie powstał słynny „Chrzest Chrystusa”. Ponadto ustalono, że pejzaż znajdujący się w tle obrazu oraz anioły po jego lewej stronie należą do pędzla Leonarda.

Już w tej wczesnej twórczości widoczna była indywidualność twórcza i dojrzałość przyszłego sławnego artysty. Pejzaż namalowany ręką Leonarda wyraźnie różni się od obrazów przyrodniczych samego Verrocchia. Należący do młodego artysty, zdaje się spowity lekką mgiełką i symbolizuje bezgraniczność i nieskończoność przestrzeni.

Obrazy stworzone przez Leonarda są również oryginalne. Głęboka znajomość anatomii ludzkiego ciała, a także jego duszy, pozwoliła artyście stworzyć niezwykle wyraziste wizerunki aniołów. Mistrzowskie opanowanie gry światła i cienia pomogło artyście ukazać żywe, dynamiczne postacie. Wygląda na to, że anioły zamarły tylko na chwilę. Minie jeszcze kilka minut - i ożyją, poruszą się, porozmawiają...

Historycy sztuki i biografowie da Vinci twierdzą, że już w 1472 roku Leonardo opuścił warsztat Verrocchia i stał się mistrzem w warsztacie malarskim. Od 1480 roku zwrócił się ku rzeźbie, która według Leonarda była najprostszym sposobem wyrażenia dynamiki ruchów ludzkiego ciała. Od tego czasu pracował w Akademii Sztuk Pięknych – tak nazywała się pracownia mieszcząca się w ogrodzie przy Piazza San Marco, powstała z inicjatywy Wawrzyńca Wspaniałego.

W 1480 roku Leonardo otrzymał zamówienie z kościoła San Donato Scopeto na kompozycję artystyczną „Pokłon Trzech Króli”.

Leonardo nie mieszkał długo we Florencji. W 1482 wyjechał do Mediolanu. Prawdopodobnie duży wpływ na tę decyzję miał fakt, że artysta nie został zaproszony do Rzymu do pracy nad obrazem Kaplicy Sykstyńskiej. Tak czy inaczej, mistrz wkrótce pojawił się przed księciem słynnego włoskiego miasta, Ludovico Sforzą. Mediolańczycy ciepło przyjęli Leonarda. Osiadł i mieszkał przez długi czas w dzielnicy Porta Ticinese. Już w następnym roku, 1483, namalował ołtarz zamówiony do kaplicy Niepokalanej w kościele San Francesco Grande. To arcydzieło stało się później znane jako Madonna na Skałach.

Mniej więcej w tym samym czasie Leonardo pracował nad pomnikiem z brązu dla Francesco Sforzy. Jednak ani szkice, ani próbne szkice i odlewy nie były w stanie wyrazić intencji artysty. Praca pozostała niedokończona.

W latach 1489-1490 Leonardo da Vinci namalował Castello Sforzesco na dzień ślubu Gian Galeazzo Sforzy.

Leonardo da Vinci niemal cały rok 1494 poświęcił nowej dla siebie działalności – hydraulice. Z inicjatywy tego samego Sforzy Leonardo opracowuje i realizuje projekt osuszenia terytorium Równiny Lombardii. Jednak już w 1495 roku największy mistrz sztuk pięknych powrócił do malarstwa. To właśnie ten rok stał się początkowym etapem w historii powstania słynnego fresku „Ostatnia wieczerza”, który zdobił ściany sali refektarzowej klasztoru, znajdującego się w pobliżu kościoła Santa Maria delle Grazie.

W 1496 roku, w związku z najazdem króla Francji Ludwika XII na Księstwo Mediolanu, Leonardo opuścił miasto. Najpierw przenosi się do Mantui, a następnie osiedla w Wenecji.

Od 1503 roku artysta mieszka we Florencji i wraz z Michałem Aniołem pracuje nad obrazem Sali Wielkiej Rady w Palazzo Signoria. Leonardo miał przedstawiać „Bitwę pod Anghiari”. Jednak mistrz, który nieustannie poszukuje twórczych poszukiwań, często porzuca rozpoczętą pracę. Stało się tak w przypadku „Bitwy pod Anghiari” - fresk pozostał niedokończony. Historycy sztuki sugerują, że właśnie wtedy powstała słynna „La Gioconda”.

W latach 1506-1507 Leonardo ponownie mieszkał w Mediolanie. Od 1512 roku rządzi tu książę Maksymilian Sforza. 24 września 1512 roku Leonardo postanawia opuścić Mediolan i osiedlić się ze swoimi uczniami w Rzymie. Tutaj zajmuje się nie tylko malarstwem, ale także studiowaniem matematyki i innych nauk.

Otrzymawszy zaproszenie od króla francuskiego Franciszka I w maju 1513 roku, Leonardo da Vinci przeniósł się do Amboise. Tutaj mieszka aż do śmierci: maluje obrazy, zajmuje się artystyczną dekoracją świąt i pracuje nad praktycznym zastosowaniem projektów mających na celu wykorzystanie rzek Francji.

2 maja 1519 roku umiera wielki artysta. Leonardo da Vinci jest pochowany w kościele Amboise w San Fiorentino. Jednak w szczytowym okresie wojen religijnych (XVI w.) grób artysty został zniszczony i całkowicie zniszczony. Jego arcydzieła, uważane za szczyt sztuki pięknej XV-XVI wieku, pozostają takie do dziś.

Wśród obrazów Da Vinci szczególne miejsce zajmuje fresk „Ostatnia wieczerza”. Historia słynnego fresku jest ciekawa i zaskakująca. Jej powstanie datuje się na lata 1495-1497. Został namalowany na zamówienie mnichów z zakonu dominikanów, którzy chcieli ozdobić ściany refektarza w swoim klasztorze, mieszczącym się w pobliżu kościoła Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Fresk przedstawiał dość znaną historię ewangeliczną: ostatni posiłek Jezusa Chrystusa z dwunastoma apostołami.

To arcydzieło uznawane jest za szczyt całej twórczości artysty. Stworzone przez mistrza obrazy Chrystusa i apostołów są niezwykle jasne, wyraziste i żywe. Pomimo konkretności i realności ukazanej sytuacji, treść fresku okazuje się przepełniona głębokim znaczeniem filozoficznym. Tutaj ucieleśniono odwieczny temat konfliktu dobra ze złem, samozadowolenia i duchowej bezduszności, prawdy i kłamstwa. Uzyskane obrazy są nie tylko zbiorem indywidualnych cech charakteru (każdego osobnika w całej różnorodności jego temperamentu), ale także rodzajem psychologicznego uogólnienia.

Obraz jest bardzo dynamiczny. Publiczność naprawdę czuje podekscytowanie, jakie ogarnęło wszystkich obecnych na posiłku po tym, jak Chrystus wypowiedział prorocze słowa o zbliżającej się zdradzie, której będzie musiał dopuścić się jeden z apostołów. Płótno okazuje się swoistą encyklopedią najsubtelniejszych odcieni ludzkich emocji i nastrojów.

Leonardo da Vinci zakończył dzieło zaskakująco szybko: już po dwóch latach obraz był całkowicie ukończony. Nie podobało się to jednak mnichom: sposób jego wykonania zbytnio odbiegał od przyjętego wcześniej stylu pisma obrazkowego. Innowacja mistrza polegała nie tylko i nie tyle na zastosowaniu farb o nowym składzie. Szczególną uwagę zwraca sposób przedstawienia perspektywy na obrazie. Wykonany specjalną techniką fresk zdaje się rozszerzać i powiększać rzeczywistą przestrzeń. Wydaje się, że ściany pomieszczenia ukazanego na obrazie są kontynuacją ścian klasztornego refektarza.

Zakonnicy nie docenili i nie zrozumieli zamysłu i dokonań twórczych artysty, dlatego nie troszczyli się zbytnio o zachowanie obrazu. Już po dwóch latach od namalowania fresku jego farby zaczęły niszczeć i blaknąć, a powierzchnia ściany z naniesionym obrazem sprawiała wrażenie pokrytej najlepszą tkaniną. Stało się tak z jednej strony na skutek złej jakości nowych farb, z drugiej zaś na skutek ciągłego narażenia na wilgoć, zimne powietrze i parę przedostającą się z kuchni klasztoru. Wygląd obrazu został całkowicie zrujnowany, gdy mnisi postanowili wyciąć w ścianie freskiem dodatkowe wejście do refektarza. W rezultacie obraz został obcięty u dołu.

Próby restauracji arcydzieła podejmowane są od XIII wieku. Wszystko to jednak okazało się daremne, farba nadal się niszczy. Powodem tego jest obecnie pogarszająca się sytuacja środowiskowa. Na jakość fresku wpływa zwiększone stężenie gazów spalinowych w powietrzu, a także substancji lotnych emitowanych do atmosfery przez fabryki i fabryki.

Dziś można wręcz powiedzieć, że wczesne prace konserwatorskie nad obrazem okazały się nie tylko niepotrzebne i pozbawione sensu, ale miały też swoją negatywną stronę. Podczas renowacji artyści często dodawali coś do fresku, zmieniając wygląd postaci przedstawionych na płótnie i przedstawionego wnętrza. Tym samym niedawno wyszło na jaw, że jeden z apostołów początkowo nie miał długiej, zakrzywionej brody. Ponadto czarne płótna przedstawione na ścianach refektarza okazały się niczym więcej niż małymi dywanikami. Tylko
w XX wieku Udało nam się to ustalić i częściowo przywrócić im dekorację.

Współcześni konserwatorzy, wśród których wyróżniała się grupa działająca pod przewodnictwem Carlo Bertelego, postanowili przywrócić freskowi pierwotny wygląd, uwalniając go od elementów zastosowanych później.

Temat macierzyństwa, obrazów młodej matki podziwiającej swoje dziecko, przez długi czas pozostawał kluczowy w twórczości wielkiego mistrza. Prawdziwymi arcydziełami są jego obrazy „Madonna Litta” i „Madonna z kwiatem” („Benois Madonna”). Obecnie „Madonna Litta” przechowywana jest w Państwowym Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Obraz został zakupiony przez cesarza rosyjskiego Aleksandra II w 1865 roku od rodziny włoskiego księcia Antonio Litty, któremu wcześniej został podarowany w prezencie od książąt Visconti. Na rozkaz cara Rosji obraz został przeniesiony z drewna na płótno i zawieszony w jednej z sal słynnego muzeum w Petersburgu.

Badacze sztuki uważają (co potwierdziły badania naukowe), że prace nad stworzeniem obrazu nie zostały dokończone przez samego autora. Ukończył go jeden z uczniów Leonarda, Boltraffio.

Płótno jest najbardziej uderzającym wyrazem tematu macierzyństwa w malarstwie epoki renesansu. Obraz Matki Madonny jest jasny i duchowy. Spojrzenie zwrócone na dziecko jest niezwykle czułe, jednocześnie wyraża
smutek, spokój i spokój wewnętrzny. Matka i dziecko zdają się tu tworzyć swój własny, niepowtarzalny świat, tworząc jedną harmonijną całość. Ogólną ideę obrazu można wyrazić następującymi słowami: dwie żywe istoty, matka i dziecko, zawierają podstawę i sens życia.

Wizerunek Madonny trzymającej dziecko jest monumentalny. Kompletność i wyrafinowanie nadaje mu specjalne, płynne przejście światła i cienia. Delikatność i kruchość sylwetki podkreślają draperie płaszcza zarzuconego na ramiona kobiety. Ukazane w tle obrazu równoważą i dopełniają kompozycję, podkreślając oddzielenie dwojga bliskich sobie osób od reszty świata.

Obraz „Madonna z kwiatem” („Benois Madonna”), ok. 1478 r., został zakupiony od ostatnich rosyjskich właścicieli przez cara Mikołaja II w 1914 r. specjalnie dla Ermitażu. Jego pierwsi właściciele pozostają nieznani. Istnieje tylko legenda, która głosi, że obraz przywiózł do Rosji włoski podróżujący aktor, po czym kupił go w Samarze w 1824 r. kupiec Sapożnikow. Później płótno zostało odziedziczone z ojca na córkę, M. A. Sapozhnikova (przez jej męża - Benoita), od której kupił je cesarz. Od tego czasu obraz nosił dwa imiona: „Madonna z kwiatem” (autora) i „Benois Madonna” (od nazwiska ostatniego właściciela).

Obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem odzwierciedla zwykłe, ziemskie uczucia matki bawiącej się z dzieckiem. Cała scena zbudowana jest na kontraście: śmiejąca się matka i dziecko z całą powagą przyglądające się kwiatowi. Artysta, skupiając się właśnie na tej opozycji, ukazuje pragnienie wiedzy człowieka, jego pierwsze kroki na drodze do prawdy. To jest główna idea płótna.

Gra światła i cienia nadaje całej kompozycji szczególny, intymny ton. Matka i dziecko są we własnym świecie, odcięci od zgiełku ziemi. Pomimo pewnej kanciastości i sztywności przedstawionych draperii, pędzel Leonarda da Vinci jest dość łatwy do rozpoznania po gładkich, miękkich przejściach odcieni użytych farb oraz kombinacji światła i cienia. Płótno utrzymane jest w delikatnych, spokojnych barwach, utrzymanych w jednolitej kolorystyce, co nadaje obrazowi delikatny charakter i wywołuje poczucie nieziemskiej, kosmicznej harmonii i spokoju.

Leonardo da Vinci to uznany mistrz portretu. Do jego najsłynniejszych obrazów należą Dama z gronostajem (około 1483-1484) i Portret muzyka.

Krytycy i historycy sztuki sugerują, że obraz „Dama z gronostajem” przedstawia Cecylię Gallerani, przed ślubem ulubienicę księcia Mediolanu Louisa Moreau. Istnieją informacje, że Cecylia była kobietą bardzo wykształconą, co było wówczas bardzo rzadkie. Ponadto historycy i biografowie słynnej artystki uważają również, że była ona blisko zaznajomiona z Leonardem da Vinci, który pewnego dnia postanowił namalować jej portret.

Obraz ten dotarł do nas dopiero w przepisanej wersji, dlatego naukowcy od dawna wątpili w autorstwo Leonarda. Jednak dobrze zachowane fragmenty obrazu przedstawiające gronostaja i twarz młodej kobiety pozwalają z całą pewnością mówić o stylu wielkiego mistrza da Vinci. Ciekawostką jest to, że gęste ciemne tło, a także niektóre detale fryzury, to dodatkowe rysunki wykonane później.

„Dama z gronostajem” to jeden z najjaśniejszych obrazów psychologicznych w galerii portretów artysty. Cała postać dziewczyny wyraża dynamizm, dążenie do przodu i świadczy o niezwykle silnej woli i silnym charakterze ludzkim. Prawidłowe rysy twarzy tylko to podkreślają.

Portret jest naprawdę złożony i wieloaspektowy, harmonię i kompletność obrazu osiąga się poprzez połączenie kilku elementów w całość: wyrazu twarzy, obrotu głowy, ułożenia rąk. Oczy kobiety odzwierciedlają niezwykłą inteligencję, energię i wnikliwość. Mocno zaciśnięte usta, prosty nos, ostry podbródek – wszystko podkreśla wolę, determinację i niezależność. Pełen wdzięku obrót głowy, otwarta szyja i dłoń z długimi palcami gładząca wdzięczne zwierzę podkreślają kruchość i smukłość całej sylwetki. To nie przypadek, że dama trzyma w ramionach gronostaja. Białe futro zwierzęcia, podobne do pierwszego śniegu, symbolizuje tutaj duchową czystość młodej kobiety.

Portret jest zaskakująco dynamiczny. Mistrzowi udało się trafnie uchwycić moment, w którym jeden ruch powinien płynnie przejść w drugi. I dlatego wydaje się, że dziewczyna zaraz ożyje, odwróci głowę, a jej dłoń będzie ślizgać się po miękkim futrze zwierzęcia...

Niezwykłej wyrazistości kompozycji nadaje wyrazistość linii tworzących postacie, a także mistrzowskie wykorzystanie i wykorzystanie techniki przejścia światła w cień, za pomocą której tworzone są formy na płótnie.

„Portret muzyka” to jedyny portret męski wśród arcydzieł Leonarda da Vinci. Wielu badaczy utożsamia model z regentem katedry w Mediolanie, Franchino Gaffurio. Jednak wielu naukowców zaprzecza tej opinii, twierdząc, że nie jest tu przedstawiony regent, ale zwykły młody człowiek, muzyk. Pomimo obecności pewnych szczegółów charakterystycznych dla techniki pisania da Vinci, historycy sztuki nadal wątpią w autorstwo Leonarda. Wątpliwości te wiążą się prawdopodobnie z wykorzystaniem na płótnie elementów charakterystycznych dla tradycji artystycznych portrecistów lombardzkich.

Technika wykonania portretu pod wieloma względami przypomina twórczość Antonello da Messina. Na tle bujnych kręconych włosów wyraźne, surowe linie twarzy wyróżniają się nieco ostro. Przed publicznością pojawia się inteligentny człowiek o mocnym charakterze, choć jednocześnie w jego spojrzeniu można dostrzec coś nieziemskiego i duchowego. Być może właśnie w tym momencie w duszy muzyka rodzi się nowa, boska melodia, która po pewnym czasie podbije serca wielu osób.

Nie można jednak powiedzieć, że artysta próbuje sztucznie wywyższyć człowieka. Mistrz subtelnie i umiejętnie przekazuje całe bogactwo i szerokość ludzkiej duszy, bez uciekania się do hiperboli i patosu.

Jednym z najsłynniejszych obrazów da Vinci jest słynna „Madonna na Skałach” (1483-1493). Został wykonany przez Leonarda na zlecenie mnichów z kościoła San Francesco Grande w Mediolanie. Kompozycja miała ozdobić ołtarz w kaplicy Niepokalanej.

Istnieją dwie wersje obrazu, jedna z nich przechowywana jest w Luwrze w Paryżu, a druga w Galerii Narodowej w Londynie.

To właśnie Luwr „Madonna Skała” ozdobił ołtarz kościoła. Naukowcy sugerują, że sam artysta podarował go królowi Francji Ludwikowi XII. Uczynił to, zdaniem historyków, w dowód wdzięczności za udział króla w rozwiązaniu konfliktu, jaki powstał pomiędzy odbiorcami obrazów a wykonawcami.

Podarowaną wersję zastąpiono innym obrazem, obecnie znajdującym się w London National Gallery. W 1785 roku kupił go i sprowadził do Anglii niejaki Hamilton.

Cechą charakterystyczną „Madonny na Skale” jest zespolenie postaci ludzkich z krajobrazem. To pierwszy obraz wielkiego artysty, na którym wizerunki świętych harmonijnie splatają się z naturą inspirowaną ich obecnością. Po raz pierwszy w twórczości mistrza postacie ukazane są nie na tle jakiegokolwiek elementu budowli architektonicznej, ale jakby zamknięte w surowym skalistym krajobrazie. To uczucie powstaje także w kompozycji dzięki szczególnej grze świateł i padających cieni.

Wizerunek Madonny ukazany jest tu jako niezwykle duchowy i nieziemski. Miękkie światło pada na twarze aniołów. Artysta wykonał wiele szkiców i szkiców, zanim jego bohaterowie ożyli, a ich obrazy stały się jasne i wyraziste. Jeden ze szkiców przedstawia głowę anioła. Nie wiemy, czy to dziewczynka, czy chłopiec. Ale jedno można powiedzieć z całą pewnością: to istota nieziemska, pełna czułości, życzliwości, czystości. Cały obraz przesiąknięty jest poczuciem spokoju, ciszy i spokoju.

Namalowana później przez mistrza wersja różni się od pierwszej wieloma szczegółami: nad głowami świętych pojawiają się aureole, mały Jan Chrzciciel trzyma krzyż, zmienia się pozycja anioła. A sama technika wykonania stała się jednym z powodów przypisywania autorstwa obrazu uczniom Leonarda. Tutaj wszystkie postacie są pokazane bliżej, w większej skali, a poza tym tworzące je linie okazują się bardziej zauważalne, wręcz ciężkie, bardziej spiczaste. Efekt ten uzyskamy poprzez zagęszczenie cieni i podkreślenie poszczególnych miejsc kompozycji.

Druga wersja obrazu, zdaniem krytyków sztuki, jest bardziej zwyczajna, przyziemna. Być może powodem tego był fakt, że obraz został ukończony przez uczniów Leonarda. Nie umniejsza to jednak wartości płótna. Wyraźnie widać w nim intencję artysty, a także tradycję mistrza w tworzeniu i wyrażaniu obrazów.

Nie mniej interesująca jest historia słynnego obrazu Leonarda da Vinci „Zwiastowanie” (1470). Początki powstania obrazu sięgają wczesnego okresu twórczości artysty, czasów studiów i pracy w pracowni Andrei Verrocchio.

Szereg elementów techniki pisarskiej pozwala z całą pewnością stwierdzić, że autorem słynnego arcydzieła jest Leonardo da Vinci i wyklucza udział w jego pisaniu Verrocchio lub innych jego uczniów. Jednak niektóre detale kompozycji są charakterystyczne dla tradycji artystycznej szkoły Verrocchio. Sugeruje to, że młody malarz, mimo widocznej już wówczas oryginalności i talentu, pozostawał jeszcze w pewnym stopniu pod wpływem swojego nauczyciela.

Kompozycja obrazu jest dość prosta: pejzaż, wiejska willa, dwie postacie – Maryja i anioł. W tle
widzimy statki, jakieś budynki, port. Obecność takich szczegółów nie jest całkowicie typowa dla twórczości Leonarda i nie one są tutaj najważniejsze. Dla artysty ważniejsze jest pokazanie gór ukrytych w oddali, ukrytych za mglistą mgłą i jasnego, niemal przezroczystego nieba. Natchnione obrazy młodej kobiety oczekującej na dobrą nowinę i anioła są niezwykle piękne i delikatne. Linie ich form zaprojektowane są na wzór da Vinci, co pozwoliło niegdyś określić płótno jako arcydzieło pędzla wczesnego Leonarda.

Charakterystyczna dla tradycji słynnego mistrza jest także technika wykonania drobnych detali: wypolerowane ławki, kamienny parapet, stojak na książki ozdobiony misternie poskręcanymi gałązkami baśniowych roślin. Nawiasem mówiąc, za prototyp tego ostatniego uważa się sarkofag grobowca Giovanniego i Piero Medici, który znajduje się w kościele San Lorenzo. Elementy te, nieodłącznie związane ze szkołą Verrocchia i charakterystyczne dla twórczości tego ostatniego, zostały przez da Vinci nieco przemyślane. Są żywe, obszerne, harmonijnie wplecione w ogólną kompozycję. Wydaje się, że autor postawił sobie za cel, opierając się na repertuarze swojego nauczyciela, odsłonić świat swojego talentu, wykorzystując własną technikę i środki artystycznego wyrazu.

Obecnie jedna wersja obrazu znajduje się w Galerii Uffizi we Florencji. Druga wersja kompozycji przechowywana jest w paryskim Luwrze.

Obraz w Luwrze jest skonstruowany nieco bardziej skomplikowanie niż jego wcześniejsza wersja. Wyraźnie widać tu geometrycznie poprawne linie ścian kamiennego parapetu, którego wzór powtarzają ławki znajdujące się za figurą Marii. Wysuwane na pierwszy plan obrazy są wkomponowane w kompozycję w odpowiedni i logiczny sposób. Ubrania Maryi i anioła, w porównaniu z pierwszą opcją, są napisane bardziej wyraziście i konsekwentnie. Maria z nisko pochyloną głową, ubrana w ciemnoniebieską suknię z błękitnym płaszczem narzuconym na ramiona, wygląda jak nieziemska istota. Ciemne kolory stroju podkreślają i wyraźniej podkreślają biel jej twarzy. Nie mniej wyrazisty jest obraz anioła, który przyniósł dobrą nowinę Madonnie. Żółtawy aksamit, bogaty czerwony płaszcz z draperiami płynnie opadającymi w dół dopełniają bajkowy wizerunek dobrego anioła.

W późnej kompozycji szczególnie interesujący jest pejzaż narysowany przez mistrza: rosnące w oddali, pozbawione jakiejkolwiek konwencji, niemal realistycznie widoczne drzewa, jasnoniebieskie, przejrzyste niebo, góry ukryte za lekką mgłą, żywe kwiaty pod stopami anioła.

Obraz „Święty Hieronim” sięga okresu twórczości Leonarda da Vinci w warsztacie Andrei Verrocchio (tzw. florencki okres twórczości artysty). Płótno pozostało niedokończone. Głównym tematem kompozycji jest samotny bohater, pokutujący grzesznik. Jego ciało wyschło z głodu. Jednak jego spojrzenie, pełne determinacji i woli, jest wyraźnym wyrazem wytrwałości i siły duchowej człowieka. W żadnym obrazie stworzonym przez Leonarda nie odnajdziemy dwoistości i dwuznaczności spojrzenia.

Bohaterowie jego obrazów zawsze wyrażają najwyższy stopień bardzo specyficznej, głębokiej pasji i uczucia.

O autorstwie Leonarda świadczy także mistrzowsko pomalowana głowa pustelnika. Jego niezwykłe rozmieszczenie świadczy o doskonałym opanowaniu technik malarskich i znajomości zawiłości anatomii ludzkiego ciała przez mistrza. Choć trzeba zrobić małe zastrzeżenie: artysta pod wieloma względami nawiązuje tu do tradycji Andrei del Castagno i Domenico Veneziano, którzy z kolei wywodzą się od Antonio Pollaiuolo.

Postać Hieronima jest niezwykle wyrazista. Wydaje się, że klęczący pustelnik jest cały skierowany do przodu. Po prawej
w dłoni trzyma kamień, jeszcze chwila - i uderzy się nim w pierś, biczując swoje ciało i przeklinając duszę za popełnione grzechy...

Ciekawa jest także struktura kompozycyjna obrazu. Całość zdaje się być zamknięta w spirali, która zaczyna się od skał, trwa przez postać lwa znajdującego się u stóp pokutnika, a kończy na postaci pustelnika.

Być może najpopularniejszym ze wszystkich arcydzieł światowej sztuki jest La Gioconda. Ciekawostką jest to, że po ukończeniu prac nad portretem artysta nie rozstał się z nim aż do śmierci. Później obraz trafił w ręce króla Francji Franciszka I, który umieścił go w Luwrze.

Wszyscy znawcy sztuki są zgodni co do tego, że obraz powstał w 1503 roku. Jednak nadal istnieją kontrowersje co do prototypu przedstawiającej młodą dziewczynę przedstawioną na portrecie. Powszechnie przyjmuje się (tradycja wywodzi się od słynnego biografa Giorgio Vasariego), że portret przedstawia żonę obywatela Florencji Francesco di Giocondo, Monę Lisę.

Patrząc na zdjęcie, możemy śmiało powiedzieć, że artysta osiągnął doskonałość w kreowaniu ludzkiego wizerunku. Tutaj mistrz odchodzi od przyjętego i powszechnego sposobu wykonywania portretu. Mona Lisa jest namalowana na jasnym tle, a ponadto obrócona o trzy czwarte obrotu, jej wzrok skierowany jest bezpośrednio na widza – co było nowością w ówczesnej sztuce portretowej. Dzięki otwartemu pejzażowi za plecami dziewczyny postać tej ostatniej jawi się jako część krajobrazu, harmonijnie się z nim łącząc. Osiąga się to dzięki specjalnej technice artystycznej i wizualnej stworzonej przez Leonarda i zastosowanej w jego twórczości – sfumato. Jego istota polega na tym, że linie konturu są niewyraźnie zarysowane, rozmyte, co stwarza w kompozycji wrażenie zespolenia, przenikania się jej poszczególnych części.

W portrecie taka technika (połączenie postaci ludzkiej i wielkoformatowego krajobrazu naturalnego) staje się sposobem na wyrażenie idei filozoficznej: świat ludzki jest tak ogromny, wielkoskalowy i różnorodny jak otaczający go świat natury nas. Z drugiej jednak strony główny temat kompozycji można przedstawić także jako niemożność pełnego poznania świata przyrody przez ludzki umysł. Właśnie z tą myślą wielu krytyków sztuki kojarzy ironiczny uśmiech zastygły na ustach Mony Lisy. Zdaje się mówić: „Wszelkie ludzkie wysiłki, by zrozumieć świat, są całkowicie daremne i daremne”.

Według historyków sztuki portret Mony Lisy jest jednym z najwyższych osiągnięć Leonarda da Vinci. W nim artysta naprawdę był w stanie ucieleśnić i najpełniej wyrazić ideę harmonii i ogromu świata, ideę pierwszeństwa rozumu i sztuki.

Michał Anioł Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, włoski malarz, rzeźbiarz, architekt i poeta, urodził się 6 marca 1475 roku w miejscowości Caprese niedaleko Florencji. Ojciec Michała Anioła, Lodovico Buonarroti, był burmistrzem miasta Caprese. Marzył, że wkrótce zastąpi go syn na oficjalnym stanowisku. Jednak wbrew woli ojca Michał Anioł postanawia poświęcić swoje życie malarstwu.

W 1488 roku Michał Anioł udał się do Florencji i wstąpił do tamtejszej szkoły artystycznej, której dyrektorem był wówczas słynny mistrz sztuk pięknych Domenico Ghirlandaio. Rok później, w 1489 roku, młody artysta pracował już w warsztacie założonym przez Lorenza Medici. Tutaj młody człowiek uczy się malarstwa od innego znanego artysty i rzeźbiarza swoich czasów, Bertoldo di Giovanni, który był uczniem Donatello. Podczas tych warsztatów Michał Anioł współpracował z Angelo Poliziano i Pico della Mirandola, którzy wywarli ogromny wpływ na rozwój metody artystycznej młodego malarza. Jednak twórczość Michała Anioła nie ograniczała się do kręgu Wawrzyńca Medycejskiego. Jego talent stale się rozwijał. Uwagę artysty coraz częściej przyciągały duże, heroiczne wizerunki dzieł wielkiego Giotta i Masaccia.

W pierwszej połowie lat 90. W XV wieku pojawiły się pierwsze rzeźby Michała Anioła: „Madonna ze schodów” i „Bitwa centaurów”.

W „Madonnie” widać wpływ ogólnie przyjętego w sztuce tamtych czasów sposobu przedstawienia artystycznego. W dziele Michała Anioła ten sam szczegół dotyczy plastyczności postaci. Jednak już tutaj widać czysto indywidualny warsztat młodego rzeźbiarza, przejawiający się w tworzeniu wzniosłych, heroicznych obrazów.

Na płaskorzeźbie „Bitwa centaurów” nie ma już śladów wpływów zewnętrznych. Praca ta jest pierwszą samodzielną pracą utalentowanego mistrza, ukazującą jego indywidualny charakter pisma. Na płaskorzeźbie przed widzem ukazuje się w całej swej treści mitologiczny obraz bitwy Lapitów z centaurami. Scenę wyróżnia niezwykła dramaturgia i realizm, który wyraża się w trafnie oddanej plastyczności przedstawionych postaci. Rzeźbę tę można uznać za hymn na cześć bohatera, ludzkiej siły i piękna. Pomimo dramatycznego charakteru fabuły, całość kompozycji zawiera w sobie głęboką wewnętrzną harmonię.

Za punkt wyjścia twórczości Michała Anioła badacze sztuki uważają „Bitwę centaurów”. Mówią, że geniusz artysty bierze się z tego dzieła. Płaskorzeźba, której początki sięgają wczesnych dzieł mistrza, jest wyjątkowym odzwierciedleniem całego bogactwa stylu artystycznego Michała Anioła.

W latach 1495-1496 Michał Anioł Buonarroti przebywał w Bolonii. Tutaj zapoznaje się z malarstwem Jacopo della Quercia, które przykuło uwagę młodego artysty monumentalnością tworzonych obrazów.

W 1496 roku mistrz osiadł w Rzymie, gdzie studiował sztukę plastyczną i sposób wykonania niedawno odkrytych rzeźb starożytnych, m.in. „Laokoona” i „Belvedere Torso”. Styl artystyczny starożytnych greckich rzeźbiarzy znalazł odzwierciedlenie w Bachusie Michała Anioła.

W latach 1498-1501 artysta pracował nad stworzeniem grupy marmurowej zwanej „Pieta”, która przyniosła Michałowi Aniołowi sławę jednego z pierwszych mistrzów Włoch. Cała scena przedstawiająca młodą matkę opłakującą ciało zamordowanego syna przesiąknięta jest poczuciem niezwykłego człowieczeństwa i czułości. To nie przypadek, że artysta wybrał na modelkę młodą dziewczynę – obraz uosabiający duchową czystość.

To dzieło młodego mistrza, przedstawiające idealnych bohaterów, znacznie różni się od rzeźb powstałych w XV wieku. Obrazy Michała Anioła są głębsze i bardziej psychologiczne. Uczucia żalu i smutku są subtelnie oddane poprzez szczególny wyraz twarzy matki, ułożenie jej rąk i jej ciała, którego krągłości podkreślają miękkie draperie jej ubrań. Przedstawienie tego ostatniego można zresztą uznać za swoisty krok wstecz w twórczości mistrza: szczegółowe uszczegółowienie elementów kompozycji (w tym przypadku fałd sukni i kaptura) jest cechą charakterystyczną sztuka przedrenesansowa. Całość kompozycji jest niezwykle wyrazista i patetyczna, co jest cechą charakterystyczną twórczości młodego rzeźbiarza.

W 1501 roku Michał Anioł, już znany mistrz rzeźby we Włoszech, ponownie wyjechał do Florencji. To tutaj znajduje się jego marmurowy „Dawid”. W przeciwieństwie do swoich poprzedników (Donatello i Verrocchio) Michał Anioł przedstawił młodego bohatera przygotowującego się właśnie do bitwy. Ogromny posąg (jego wysokość wynosi 5,5 m) wyraża niezwykle silną wolę człowieka, siłę fizyczną i piękno jego ciała. Obraz człowieka w umyśle Michała Anioła przypomina postacie mitologicznych gigantycznych tytanów. David jawi się tu jako ucieleśnienie idei człowieka doskonałego, silnego i wolnego, gotowego pokonać wszelkie przeszkody na swojej drodze. Wszystkie namiętności wrzące w duszy bohatera oddane są poprzez zmianę ciała i wyrazu twarzy Dawida, co świadczy o jego zdecydowanym i silnym charakterze.

To nie przypadek, że posąg Dawida zdobił wejście do Palazzo Vecchio (gmachu władz miejskich Florencji) jako symbol władzy, niezwykłej siły i niezależności państwa-miasta. Cała kompozycja wyraża harmonię silnej ludzkiej duszy i równie silnego ciała.

W 1501 roku wraz z posągiem Dawida pojawiły się pierwsze dzieła malarstwa monumentalnego („Bitwa pod Casciną”) i malarstwa sztalugowego („Madonna Doni” w formacie okrągłym). Ten ostatni znajduje się obecnie w Galerii Uffizi we Florencji.

W 1505 roku Michał Anioł powrócił do Rzymu. Tutaj pracuje przy stworzeniu grobowca papieża Juliusza II. Zgodnie z planem grobowiec miał być okazałą konstrukcją architektoniczną, wokół której miało znajdować się 40 posągów wyrzeźbionych z marmuru i płaskorzeźb z brązu. Jednak po pewnym czasie papież Juliusz II porzucił swój zakon, a wspaniałe plany Michała Anioła nie miały się spełnić. Źródła podają, że klient potraktował mistrza dość niegrzecznie, w wyniku czego ten do głębi urażony zdecydował się opuścić stolicę i ponownie wrócić do Florencji.

Władze florenckie namówiły jednak słynnego rzeźbiarza do zawarcia pokoju z papieżem. Wkrótce zwrócił się do Michała Anioła z nową propozycją - udekorowania sufitu Kaplicy Sykstyńskiej. Mistrz, który uważał się przede wszystkim za rzeźbiarza, niechętnie przyjął zamówienie. Mimo to stworzył obraz, który do dziś jest uznanym arcydziełem sztuki światowej i pozostawił pamięć malarza na wiele pokoleń.

Należy zauważyć, że Michał Anioł pracował nad malowaniem sufitu, którego powierzchnia wynosi ponad 600 metrów kwadratowych. m, zupełnie sam, bez asystentów. Jednak cztery lata później fresk został całkowicie ukończony.

Całą powierzchnię sufitu do malowania podzielono na kilka części. Centralne miejsce zajmuje dziewięć scen przedstawiających stworzenie świata, a także życie pierwszych ludzi. W rogach każdej takiej sceny znajdują się postacie nagich młodych mężczyzn. Po lewej i prawej stronie tej kompozycji znajdują się freski z wizerunkami siedmiu proroków i pięciu wróżbitów. Sufit, sklepienia łukowe i szalunki ozdobione są indywidualnymi scenami biblijnymi. Należy zauważyć, że postacie Michała Anioła mają tutaj różną skalę. Ta specjalna technika techniczna pozwoliła autorowi skupić uwagę widza na najważniejszych odcinkach i obrazach.

Do tej pory badaczy sztuki nurtuje problem ideologicznej koncepcji fresku. Faktem jest, że wszystkie fabuły, które ją tworzą, są napisane z naruszeniem logicznej sekwencji rozwoju fabuły biblijnej. Na przykład obraz „Pijaństwo Noego” poprzedza kompozycję „Oddzielenie światła od ciemności”, choć powinno być odwrotnie. Jednak takie rozproszenie tematów w żaden sposób nie wpłynęło na kunszt artystyczny malarza. Najwyraźniej dla artysty ważniejsze było nie odkrywanie treści opowieści, ale ponowne (jak w posągu „Dawida”) ukazanie harmonii pięknej, wzniosłej duszy człowieka i jego potężnego, silnego ciała.
Potwierdza to wizerunek tytanopodobnego starszego Sabaotha (fresk „Stworzenie Słońca i Księżyca”), tworzącego oprawy.

Niemal na wszystkich freskach opowiadających o stworzeniu świata widzowi przedstawiony jest gigantyczny człowiek, w którym na życzenie twórcy budzi się życie, determinacja, siła i wola. Idea niepodległości przewija się przez obraz „Upadek”, w którym Ewa sięgając po zakazany owoc zdaje się rzucać wyzwanie losowi i wyraża zdecydowane pragnienie wolności. Obrazy fresku „Powódź” są również pełne tej samej sztywności i pragnienia życia, których bohaterowie wierzą w kontynuację życia i rasy.

Wizerunki Sybilli i proroków reprezentują postacie ludzi uosabiających silne uczucia i jasną indywidualność postaci. Mądry Joel jest tu przeciwieństwem zrozpaczonego Ezechiela. Widza uderzają obrazy uduchowionego Izajasza i pięknej Sybilli Delfickiej o dużych, jasnych oczach, ukazane w momencie przepowiedni.

Patos i monumentalność obrazów Michała Anioła zostały zauważone nie raz powyżej. Ciekawostką jest to, że nawet tzw. Postacie pomocnicze okazują się być obdarzone przez mistrza tymi samymi cechami, co główni bohaterowie. Wizerunki młodych mężczyzn, umieszczone w rogach poszczególnych obrazów, są ucieleśnieniem doświadczanej przez człowieka radości życia i świadomości własnej siły duchowej i fizycznej.

Historycy sztuki słusznie uważają obraz Kaplicy Sykstyńskiej za dzieło kończące okres twórczego rozwoju Michała Anioła. Tutaj mistrz tak skutecznie podzielił sufit, że pomimo całej różnorodności tematów fresk jako całość stwarza wrażenie harmonii i jedności obrazów stworzonych przez artystę.

W trakcie pracy Michała Anioła nad freskiem metoda artystyczna mistrza stopniowo się zmieniała. Późniejsze postacie są prezentowane w większych rozmiarach, co znacznie podnosi ich monumentalność. Ponadto tak wielkoskalowy obraz doprowadził do tego, że plastyczność figur stała się znacznie bardziej złożona. Nie miało to jednak żadnego wpływu na wyrazistość obrazów. Być może tutaj, bardziej niż gdziekolwiek indziej, ujawnił się talent rzeźbiarza, który potrafił subtelnie oddać każdą linię ruchu postaci ludzkiej. Wydaje się, że obrazy nie były malowane farbami, ale były mistrzowsko wyrzeźbionymi płaskorzeźbami wolumetrycznymi.

Charakter fresków w różnych częściach sufitu jest inny. Jeśli środkowa część wyraża najbardziej optymistyczne nastroje, to w łukowych sklepieniach znajdują się obrazy ucieleśniające wszystkie odcienie ponurych uczuć: spokój, smutek i niepokój zastępują tu zamęt i odrętwienie.

Interesująca jest także interpretacja Michała Anioła wizerunków przodków Chrystusa. Niektórzy z nich wyrażają poczucie jedności rodziny. Inni wręcz przeciwnie, są pełni gniewu i nienawiści wobec siebie, co nie jest typowe dla biblijnych bohaterów powołanych do niesienia światu światła i dobra. Historycy sztuki uważają późniejsze dobudówki kaplicy za przejaw nowej metody artystycznej, początek jakościowo nowego okresu w twórczości słynnego mistrza malarskiego.

W latach 20 W XVI wieku pojawiły się dzieła Michała Anioła, które miały ozdobić nagrobek papieża Juliusza II. Zamówienie na budowę tego ostatniego otrzymał od spadkobierców papieża słynny rzeźbiarz. W tej wersji grobowiec powinien być nieco mniejszy i mieć minimalną liczbę posągów. Wkrótce mistrz zakończył pracę nad trzema rzeźbami: posągami dwóch niewolników i Mojżesza.

Michał Anioł pracował nad wizerunkami jeńców od 1513 roku. Motywem przewodnim tej pracy jest człowiek walczący z wrogimi mu siłami. Tutaj monumentalne postacie zwycięskich bohaterów zastępują postacie umierające w nierównej walce ze złem. Co więcej, obrazy te okazują się być podporządkowane nie jednemu celowi i zadaniu artysty, ale stanowią splot emocji i uczuć.

Wszechstronność obrazu wyraża się za pomocą unikalnej metody artystycznej i wizualnej zastosowanej przez mistrza. Jeśli wcześniej Michał Anioł starał się pokazać postać lub grupę rzeźbiarską z jednej strony, teraz obraz stworzony przez artystę staje się plastyczny i zmienny. W zależności od tego, po której stronie posągu znajduje się widz, przybiera on określone kształty, a ten lub inny problem staje się bardziej dotkliwy.

Ilustrację powyższego można zobaczyć w „The Bound Prisoner”. Jeśli więc widz obchodząc rzeźbę zgodnie z ruchem wskazówek zegara z łatwością dostrzeże: po pierwsze, postać związanego więźnia z odrzuconą do tyłu głową i bezbronnym ciałem wyraża nieludzkie cierpienie wynikające ze świadomości własnej bezsilności, słabość ludzkiej duszy i ciała. Jednak w miarę dalszego poruszania się po rzeźbie obraz ulega znaczącym zmianom. Znikają dotychczasowe słabości więźnia, jego mięśnie napełniają się siłą, głowa dumnie unosi się. A teraz widz nie ma już wyczerpanego męczennika, ale potężną postać tytanicznego bohatera, który przez jakiś absurdalny przypadek został zakuty w kajdany. Wydaje się, że za chwilę więzy zostaną zerwane. Jednak tak się nie dzieje. Idąc dalej, widz widzi, jak ciało mężczyzny ponownie słabnie, jego głowa opada. I tu znów mamy przed sobą żałosnego więźnia, pogodzonego ze swoim losem.

Tę samą zmienność można odnaleźć w posągu „Umierający więzień”. W miarę jak widz posuwa się naprzód, widzi, jak bijące w agonii ciało stopniowo uspokaja się i staje się odrętwiałe, przywołując na myśl ideę wiecznej ciszy i spokoju.

Rzeźby jeńców charakteryzują się niezwykłą ekspresją, którą tworzą realistyczne oddanie plastycznego ruchu postaci. Ożywają dosłownie na oczach widza. Pod względem siły wykonania posągi jeńców można porównać jedynie z najwcześniejszą rzeźbą artysty „Bitwa centaurów”.

Posąg „Mojżesza” w odróżnieniu od „Więźniów” ma nieco bardziej powściągliwy charakter, ale nie mniej wyrazisty. Tutaj Michał Anioł ponownie zwraca się do stworzenia wizerunku tytanicznego człowieka-bohatera. Postać Mojżesza jest ucieleśnieniem przywódcy, przywódcy, człowieka o niezwykle silnej woli. Jego istota jest najpełniej ujawniona w porównaniu z Dawidem. Jeśli ten ostatni symbolizuje wiarę we własną siłę i niezwyciężoność, to Mojżesz jest tutaj uosobieniem idei, że zwycięstwo wymaga ogromnego wysiłku. To duchowe napięcie bohatera mistrz przekazuje nie tylko groźnym wyrazem twarzy, ale także plastycznością postaci: ostro załamanymi liniami fałd odzieży, zadartymi kosmykami brody Mojżesza .

Od 1519 roku Michał Anioł pracował nad czterema kolejnymi posągami więźniów. Pozostały one jednak niedokończone. Następnie ozdobili grotę w Ogrodach Boboli we Florencji. Posągi są obecnie przechowywane w Akademii Florenckiej. W pracach tych pojawia się nowy temat dla Michała Anioła: związek pomiędzy postacią rzeźbiarską a bryłą kamienia wziętą za materiał źródłowy. Rzeźbiarz przedstawia tutaj ideę głównego celu artysty: uwolnienia obrazu z kamiennych kajdan. Dzięki temu, że rzeźby okazały się niedokończone, a w ich dolnych partiach wyraźnie widoczne są nieprzetworzone kawałki kamienia, widz może zobaczyć cały proces powstawania obrazu. Ukazany jest tu nowy konflikt artystyczny: człowiek i otaczający go świat. Co więcej, konflikt ten nie jest rozwiązywany na korzyść osoby. Wszystkie jego uczucia i namiętności są tłumione przez otoczenie.

Dziełem, które zamknęło etap wysokiego renesansu i jednocześnie stanowiło nowy etap w twórczości Michała Anioła, był obraz Kaplicy Medyceuszy we Florencji. Prace powstawały przez 15 lat, od 1520 do 1534 roku. Na pewien czas artysta zmuszony był zawiesić pracę ze względu na wydarzenia polityczne rozgrywające się wówczas we Włoszech. W 1527 roku w odpowiedzi na klęskę Rzymu Florencja ogłosiła się republiką.

Michał Anioł, jako zwolennik rządu republikańskiego, został wybrany na stanowisko szefa prac fortyfikacyjnych i wniósł wielki wkład w obronę miasta. Kiedy Florencja upadła, a do władzy ponownie doszli Medyceusze, nad słynnym artystą, a teraz także politykiem, zawisła poważna groźba śmierci. Zbawienie przyszło zupełnie niespodziewanie. Papież Klemens VII Medyceuszy, będąc człowiekiem dumnym i próżnym, wyraził chęć pozostawienia potomkom pamięci o sobie i swoich bliskich. Któż inny, jak nie Michał Anioł, słynący ze sztuki malowania wspaniałych obrazów i tworzenia znakomitych posągów, mógłby to zrobić?

Wznowiono zatem prace przy budowie Kaplicy Medyceuszy. Ta ostatnia to niewielka budowla o wysokich ścianach, zwieńczona kopułą na szczycie. W kaplicy znajdują się dwa grobowce: książąt Giuliano z Nemours i Lorenzo z Urbino, usytuowane wzdłuż ścian. Przy trzeciej ścianie, naprzeciw ołtarza, znajduje się posąg Madonny. Po jego lewej i prawej stronie znajdują się rzeźby uosabiające wizerunki świętych Kosmy i Damiana. Ustalono, że wykonali je uczniowie wielkiego mistrza. Badacze sugerują, że to właśnie dla grobowca Medyceuszy wykonano także posągi „Apolla” (inne imię to „Dawid”) i „Przyczajonego chłopca”.

Obok rzeźb książąt, które w niczym nie przypominały swoich pierwowzorów, umieszczono alegoryczne postacie: „Poranek”, „Dzień”, „Wieczór” i „Noc”. Przedstawione są tu jako symbole przemijania czasu ziemskiego i życia ludzkiego. Posągi umieszczone w wąskich niszach wywołują wrażenie depresji, rychłego nadejścia czegoś strasznego i groźnego. Trójwymiarowe postacie książąt, przygniecione ze wszystkich stron kamiennymi ścianami, wyrażają duchowe rozbicie i wewnętrzną pustkę obrazów.

Najbardziej harmonijny w tym zespole jest wizerunek Madonny. Niezwykle wyrazisty i pełen liryzmu, jest jednoznaczny i nie obciążony ponurymi liniami.

Kaplica Medyceuszy jest szczególnie interesująca ze względu na artystyczną jedność form architektonicznych i rzeźbiarskich. Linie budynku i posągi podporządkowane są tutaj jednej idei artysty. Kaplica jest uderzającym przykładem syntezy i harmonii współdziałania dwóch sztuk - rzeźby i architektury, gdzie części jednej harmonijnie uzupełniają się i rozwijają znaczenie elementów drugiej.

W 1534 roku Michał Anioł opuścił Florencję i osiadł w Rzymie, gdzie pozostał do końca życia. Rzymski okres twórczości wielkiego mistrza upłynął w kontekście walki kontrreformacji z ideami gloryfikowanymi przez pisarzy, malarzy i rzeźbiarzy renesansu. Twórczość tych ostatnich wypierana jest przez sztukę manierystów.

W Rzymie Michał Anioł zbliżył się do ludzi tworzących środowisko religijno-filozoficzne, na którego czele stanęła słynna ówczesna włoska poetka Vittoria Colonna. Jednak, podobnie jak w młodości, myśli i pomysły Michała Anioła były dalekie od tych, które krążyły po głowach członków kręgu. W rzeczywistości mistrz żył i pracował w Rzymie w atmosferze nieporozumień i duchowej samotności.

To właśnie w tym czasie (1535-1541) pojawił się fresk „Sąd Ostateczny”, zdobiący ścianę ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej.

Historia biblijna została tu na nowo zinterpretowana przez autora. Obraz Sądu Ostatecznego odbierany jest przez widza nie jako pozytywny początek, triumf najwyższej sprawiedliwości, ale raczej jako powszechna tragedia śmierci całego rodzaju ludzkiego, niczym Apokalipsa. Dramatyzację kompozycji potęgują ogromne postacie ludzkie.

Spontaniczny charakter obrazu w pełni odpowiada zadaniu artysty – ukazaniu osoby zagubionej w ogólnej masie. Dzięki takiemu rozwiązaniu obrazu artystycznego widz ma poczucie samotności w tym świecie i bezsilności wobec wrogich sił, z którymi nie ma sensu walczyć. Tragiczne nuty nabierają bardziej przeszywającego wydźwięku także dlatego, że mistrz nie dysponuje tu solidnym, monolitycznym obrazem zbiorowości ludzi (jakby to było przedstawiane na płótnach artystów późnego renesansu), każdy z nich żyje własnym życiem życie. Za niewątpliwą zasługę malarza można jednak uznać fakt, że ukazał – choć jeszcze niespójną, ale już nie bezosobową – masę ludzką.

W Sądzie Ostatecznym Michał Anioł prezentuje niezwykle wyrazistą technikę kolorystyczną. Kontrast jasnych, nagich ciał i ciemnego, czarnoniebieskiego nieba potęguje wrażenie tragicznego napięcia i depresji w kompozycji.

Michał Anioł. Sąd Ostateczny. Fresk z Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Fragment. 1535-1541

W latach 1542-1550 Michał Anioł pracował przy malowaniu ścian kaplicy Paoliny w Watykanie. Wielki mistrz malarz namalował dwa freski, z których jeden został później nazwany „Nawróceniem Pawła”, a drugi „Ukrzyżowaniem Piotra”. W tym ostatnim, w postaciach obserwujących egzekucję Piotra, w pełni reprezentowana jest idea milczącej zgody, bezczynności i poddania się człowieka swojemu losowi. Ludzie nie mają ani siły fizycznej, ani psychicznej, aby w jakiś sposób przeciwstawić się przemocy i złu.

Pod koniec lat trzydziestych XVI w. Pojawia się kolejna rzeźba Michała Anioła - popiersie Brutusa. Dzieło to stanowiło wyjątkową odpowiedź słynnego mistrza na morderstwo despotycznego księcia Alessandro Medici, którego dopuścił się jego krewny Lorenzo. Niezależnie od prawdziwych motywów, działanie tego ostatniego zostało z radością przyjęte przez artystę, zwolennika Republikanów. Wizerunek Brutusa przepełniony jest obywatelskim patosem, przedstawianego jako szlachetnego, dumnego, niezależnego mistrza, człowieka o wielkiej inteligencji i ciepłym sercu. Tutaj Michał Anioł zdaje się powracać do obrazu osoby idealnej o wysokich walorach duchowych i intelektualnych.

Ostatnie lata twórczości Michała Anioła upłynęły w atmosferze utraty przyjaciół i bliskich oraz jeszcze bardziej zaostrzonej reakcji opinii publicznej. Innowacje kontrreformatorów nie mogły nie wpłynąć na dzieła mistrza, w których przejawiały się najbardziej postępowe idee renesansu: humanizm, umiłowanie wolności, nieposłuszeństwo losowi. Dość powiedzieć, że decyzją jednego z zagorzałych wielbicieli kontrreform, Pawła IV Caraffy, dokonano zmian w kompozycji „Sądu Ostatecznego” słynnego malarza. Papież uznał nagie postacie osób przedstawionych na fresku za obsceniczne. Na jego polecenie uczeń Michała Anioła, Daniele da Volterra, zakrył nagość niektórych obrazów Michała Anioła draperią peleryn.

Ostatnie prace Michała Anioła – cykl rysunków i rzeźb – przepojone są ponurym i bolesnym nastrojem samotności i upadku wszelkich nadziei. To właśnie te dzieła najwyraźniej odzwierciedlają wewnętrzne sprzeczności uznanego mistrza.

Tym samym Jezus Chrystus w Piecie z Palestriny ukazany jest jako bohater złamany pod naporem sił zewnętrznych. Ten sam obraz w „Piecie” („Złożenie do grobu”) z katedry florenckiej jest już bardziej przyziemny i humanizowany. To już nie jest bohater Titanica. Okazuje się, że dla artysty ważniejsze jest ukazanie duchowej siły, emocji i przeżyć bohaterów.

Załamane kontury ciała Chrystusa, wizerunek matki pochylonej nad martwym ciałem syna, Nikodem opuszczający ciało
Jezusa do grobu – wszystko podporządkowane jest jednemu zadaniu: ukazaniu głębi ludzkich przeżyć. Co więcej, prawda
Zaletą tych prac jest to, że mistrz przezwycięża rozłam obrazów. Osoby na zdjęciu łączy poczucie głębokiego współczucia i gorycz straty. Ta technika Michała Anioła została rozwinięta na kolejnym etapie rozwoju sztuki włoskiej, w dziełach artystów i rzeźbiarzy późnego renesansu.

Za szczyt ostatniego etapu twórczości Michała Anioła można uznać rzeźbę, nazwaną później „Pieta Rondanini”. Pokazane tutaj obrazy są przedstawiane jako ucieleśnienie czułości, duchowości, głębokiego smutku i smutku. Tutaj temat ludzkiej samotności w świecie, w którym jest tak wielu ludzi, brzmi bardziej dotkliwie niż kiedykolwiek.

Te same motywy można usłyszeć w późniejszej grafice wielkiego mistrza, dla którego rysunek był podstawową podstawą rzeźby, malarstwa i architektury.

Obrazy grafik Michała Anioła nie różnią się niczym od bohaterów jego monumentalnych kompozycji: tutaj przedstawieni są ci sami majestatyczni bohaterowie-tytani. W ostatnim okresie swojej twórczości Michał Anioł zwrócił się w stronę rysunku jako niezależnego gatunku artystycznego i wizualnego. Tak więc w latach 30-40. W XVI wieku powstały najbardziej uderzające i wyraziste kompozycje mistrza, takie jak „Upadek Faetona” i „Zmartwychwstanie Chrystusa”.

Na przykładach dzieł graficznych można łatwo prześledzić ewolucję metody artystycznej mistrza. Jeśli pierwsze rysunki wykonane piórem zawierają bardzo konkretne wizerunki postaci o dość ostrych konturach, to późniejsze obrazy stają się bardziej niewyraźne i miękkie. Ta lekkość powstaje dzięki temu, że artysta posługuje się albo sangwinikiem, albo włoskim ołówkiem, za pomocą którego powstają cieńsze i delikatniejsze linie.

Jednak późniejsze dzieło Michała Anioła naznaczone jest nie tylko tragicznie beznadziejnymi obrazami. Obiekty architektoniczne wielkiego mistrza pochodzące z tego czasu zdają się kontynuować tradycje renesansu. Jego Katedra św. Piotra i zespół architektoniczny Kapitolu w Rzymie są ucieleśnieniem renesansowych idei wysokiego humanizmu.

Michelangelo Buonarroti zmarł w Rzymie 18 lutego 1564 roku. Jego ciało w najściślejszej tajemnicy wywieziono ze stolicy i wysłano do Florencji. Wielki artysta został pochowany w kościele Santa Croce.

Twórczość mistrza malarstwa i rzeźby odegrała dużą rolę w kształtowaniu i rozwoju metody artystycznej wielu naśladowców Michała Anioła. Wśród nich są Rafael, manieryst, który często kopiował linie obrazów stworzonych przez słynnego malarza. Nie mniej ważna dla artystów epoki baroku była twórczość Michała Anioła. Błędem byłoby jednak stwierdzenie, że wizerunki baroku (osoby niesionej do przodu nie przez wewnętrzne impulsy, ale przez siły zewnętrzne) są podobne do bohaterów Michała Anioła, gloryfikujących humanizm, wolę i wewnętrzną siłę człowieka.

Rafał Santi

Rafael Santi urodził się w małym miasteczku Urbino w 1483 roku. Nie udało się ustalić dokładnej daty urodzin wielkiego malarza. Według niektórych źródeł urodził się 26 lub 28 marca. Inni uczeni twierdzą, że datą urodzin Rafaela był 6 kwietnia 1483 r.

Pod koniec XV wieku Urbino stało się jednym z największych ośrodków kulturalnych w kraju. Biografowie sugerują, że Raphael studiował u swojego ojca, Giovanniego Santiego. Od 1495 roku młody człowiek pracował w warsztacie artystycznym mistrza Urbino Timoteo della Vite.

Za najwcześniejsze dzieła Rafaela, które przetrwały do ​​dziś, uważa się miniatury „Sen rycerza” i „Trzy Gracje”. Już w tych dziełach w pełni odzwierciedlają się humanistyczne ideały głoszone przez mistrzów renesansu.

W „Śnie rycerza” następuje swoiste przemyślenie mitologicznego tematu Herkulesa, który staje przed wyborem: Męstwo czy przyjemność?.. U Rafaela Herkules jest przedstawiony jako śpiący młody rycerz. Przed nim stoją dwie młode kobiety: jedna z księgą i mieczem w dłoniach (symbole wiedzy, męstwa i wyczynów zbrojnych), druga z kwitnącą gałęzią, uosabiającą przyjemności i przyjemności. Całość kompozycji osadzona jest na tle pięknego krajobrazu.

„Trzy Gracje” ponownie przedstawiają starożytne obrazy, zaczerpnięte najprawdopodobniej ze starożytnej greckiej kamei (obraz na kamieniu szlachetnym lub półszlachetnym).

Mimo że we wczesnych pracach młodego artysty widać wiele zapożyczeń, indywidualność twórcza autora jest już tu wyraźnie widoczna. Wyraża się to w liryzmie obrazów, szczególnej organizacji rytmicznej dzieła i miękkości linii tworzących postacie. Jako artysta wysokiego renesansu mówi o nim niezwykła harmonia przedstawionych obrazów, a także klarowność i klarowność kompozycyjna, charakterystyczna dla wczesnych dzieł Rafaela.

W 1500 roku Rafael opuścił rodzinne miasto i udał się do Perugii, głównego miasta Umbrii. Tutaj uczy się malarstwa w pracowni Pietro Perugino, założyciela umbryjskiej szkoły artystycznej. Współcześni Rafaela świadczą: zdolny uczeń tak głęboko przejął styl malarski swojego nauczyciela, że ​​ich obrazów nie można było nawet odróżnić. Bardzo często Raphael i Perugino realizowali zlecenie, pracując wspólnie nad obrazem.

Błędem byłoby jednak stwierdzenie, że pierwotny talent młodego artysty w tym okresie w ogóle się nie rozwinął. Potwierdza to słynna „Madonna Conestabile”, powstała około 1504 roku.

Na tym obrazie po raz pierwszy pojawia się wizerunek Madonny, który później zajmie jedno z czołowych miejsc w twórczości artysty. Madonna namalowana jest na tle wspaniałego krajobrazu z drzewami, wzgórzami i jeziorem. Obrazy łączy fakt, że wzrok Madonny z Dzieciątkiem skierowany jest na książkę, którą czyta młoda matka. O kompletności kompozycji świadczą nie tylko postacie głównych bohaterów, ale także sam kształt obrazu – tondo (okrągły), który wcale nie ogranicza swobody obrazów. Są obszerne i lekkie. Wrażenie naturalności i realizmu powstaje dzięki zastosowaniu w kompozycji jasnych, zimnych kolorów i ich specjalnych kombinacji: ciemnoniebieskiego peleryny Madonny, przejrzystego błękitu nieba, zielonych drzew i wody jeziora, ośnieżonych gór z białymi szczytami. Wszystko to, patrząc na zdjęcie, stwarza poczucie czystości i delikatności.

Innym, równie znanym dziełem Rafaela, również pochodzącym z wczesnego okresu jego twórczości, jest obraz powstały w 1504 roku zatytułowany „Zaręczyny Maryi”. Obraz znajduje się obecnie w Galerii Brera w Mediolanie. Szczególnie interesująca jest tutaj struktura kompozycyjna. Religijno-rytualna ceremonia zaręczyn została przez malarza przeniesiona z widocznych w oddali ścian kościoła na ulicę. Sakrament odbywa się pod czystym, jasnoniebieskim niebem. W centrum obrazu znajduje się ksiądz, po lewej i prawej stronie od niego Maryja i Józef, obok których w małych grupkach stoją młode dziewczęta i chłopcy. Kościół, umieszczony w perspektywie kompozycji, stanowi swego rodzaju tło, na którym rozgrywają się zaręczyny. Jest symbolem łaski Bożej i łaski wobec Maryi i Józefa. Logiczną kompletność obrazu nadaje półokrągła rama płótna w jego górnej części, powtarzająca linię kopuły kościoła.

Postacie na obrazie są niezwykle liryczne, a jednocześnie naturalne. Bardzo dokładnie i subtelnie oddane są tu ruchy i plastyczność ludzkiego ciała. Uderzającym tego przykładem jest znajdująca się na pierwszym planie kompozycji postać chłopca łamiącego laskę na kolanie. Maryja i Józef wydają się widzowi pełne wdzięku, niemal eteryczne. Ich duchowe twarze są pełne miłości i czułości. Pomimo pewnej symetrii w układzie postaci, płótno nie traci swojego lirycznego brzmienia. Obrazy stworzone przez Rafaela to nie diagramy, to żywi ludzie w całej różnorodności ich uczuć.

To właśnie w tym utworze po raz pierwszy, w porównaniu z poprzednimi utworami, ujawnił się talent młodego mistrza w umiejętności subtelnego organizowania rytmu kompozycji. Dzięki tej właściwości obrazy obiektów architektonicznych harmonijnie wpisują się w całościowy obraz, które są nie tylko elementem krajobrazu Rafaela, ale także dorównują głównym bohaterom, ujawniając ich istotę i charakter.

Stosowanie przez artystę farb o określonej tonacji podyktowane jest także chęcią stworzenia w dziele szczególnego rytmu. Tak więc kompozycja „Zaręczyny Maryi” zbudowana jest tylko na czterech kolorach.

Złociste odcienie żółci, zieleni i czerwieni, połączone w strojach bohaterów, krajobrazie, architekturze i nadając niezbędny rytm całej kompozycji, tworzą harmonię z jasnoniebieskimi odcieniami nieba.

Wkrótce pracownia artystyczna Perugino staje się zbyt mała, aby umożliwić dalszy rozwój talentu malarza. W 1504 roku Rafael zdecydował się przenieść do Florencji, gdzie rozwijały się idee i estetyka sztuki wysokiego renesansu. Tutaj Rafael zapoznaje się z dziełami Michała Anioła i Leonarda da Vinci. Można śmiało powiedzieć, że byli to nauczyciele młodego malarza na tym etapie kształtowania się jego metody twórczej. W twórczości tych mistrzów młody artysta znalazł coś, czego nie było w szkole umbryjskiej: oryginalny styl tworzenia obrazów, wyrazistą plastyczność przedstawionych postaci, bardziej obszerne przedstawienie rzeczywistości.

Nowe rozwiązania artystyczne i wizualne znalazły odzwierciedlenie już w dziełach Rafaela powstałych w 1505 roku. Portrety słynnego wówczas filantropa z Florencji Angelo Doniego i jego żony przechowywane są obecnie w Galerii Pitti. Obrazy pozbawione są heroicznego patosu i hiperbolizacji. To zwykli ludzie, obdarzeni jednak najlepszymi cechami ludzkimi, do których zaliczają się determinacja i silna wola.

Tutaj, we Florencji, Rafael namalował serię obrazów poświęconych Madonnie. Pojawiają się jego obrazy „Madonna w zieleni”, „Madonna ze szczygłem”, „Madonna Ogrodniczka”. Kompozycje te są wariacjami jednego dzieła. Wszystkie obrazy przedstawiają Madonnę z Dzieciątkiem i małym Janem Chrzcicielem. Postacie umieszczone są na tle bajecznie pięknego krajobrazu. Obrazy Raphaela są niezwykle liryczne, miękkie i delikatne. Jego Madonna jest ucieleśnieniem przebaczającej, pogodnej miłości macierzyńskiej. W pracach tych pojawia się pewna doza sentymentalizmu i nadmiernego zachwytu nad zewnętrznym pięknem bohaterów.

Charakterystyczną cechą metody artystycznej malarza w tym okresie jest brak jasnej wizji koloru, charakterystycznej dla wszystkich mistrzów szkoły florenckiej. Na płótnach nie ma dominujących kolorów. Obrazy prezentowane są w pastelowych kolorach. Kolor nie jest tu dla artysty najważniejszy. Okazuje się, że ważniejsze jest dla niego jak najdokładniejsze przekazanie linii tworzących figurę.

Pierwsze przykłady malarstwa monumentalnego Rafaela powstały we Florencji. Wśród nich najciekawsza jest Madonna z Janem Chrzcicielem i św., powstała w latach 1506-1507. Mikołaja” (lub „Madonna z Ansidei”). Na metodę twórczą artysty duży wpływ miało malarstwo malarzy florenckich, głównie Leonarda da Vinci i Fra Bartolomeo.

W 1507 roku, chcąc porównać się z najlepszymi mistrzami szkoły florenckiej, takimi jak Leonardo da Vinci i Michał Anioł, Rafael stworzył dość duże płótno, zwane „Złożeniem do grobu”. Niektóre elementy obrazów kompozycji są powtórzeniami dzieł znanych malarzy. Zatem głowa i ciało Chrystusa zapożyczone są z rzeźby Michała Anioła „Pieta” (1498-1501), a wizerunek kobiety podtrzymującej Marię z obrazu „Madonna Doni” tego samego mistrza. Wielu krytyków sztuki nie uważa tego dzieła Rafaela za oryginalne, ujawniające jego oryginalny talent oraz specyfikę metody artystycznej i wizualnej.

Pomimo ostatniej nieudanej pracy, osiągnięcia artystyczne Rafaela były znaczące. Wkrótce współcześni zauważyli i rozpoznali twórczość młodego artysty, a sam autor został zrównany z wybitnymi mistrzami malarzy renesansu. W 1508 roku pod patronatem słynnego architekta Bramantego, rodaka Rafaela, malarz udał się do Rzymu, gdzie znalazł się w gronie zaproszonych na dwór papieski.

Juliusz II, zasiadający wówczas na tronie papieskim, dał się poznać jako człowiek próżny, zdecydowany i o silnej woli.
To za jego panowania w wyniku wojny panowanie papieskie znacznie się rozszerzyło. Tę samą „ofensywną” politykę prowadzono w stosunku do rozwoju kultury i sztuki. Tym samym na dwór papieski zapraszano najsłynniejszych artystów, rzeźbiarzy i architektów. Ozdobiony licznymi budynkami architektonicznymi Rzym zaczął zauważalnie się przekształcać: Bramante zbudował katedrę św. Piotra; Michał Anioł, zawieszając tymczasowo budowę grobowca Juliusza II, rozpoczął malowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej. Stopniowo wokół Papieża utworzył się krąg poetów i naukowców, głoszących wysokie humanistyczne zasady i idee. W takiej atmosferze znalazł się Rafael Santi, który przyjechał z Florencji.

Po przybyciu do Rzymu Rafael rozpoczął prace nad malowaniem apartamentów papieża (tzw. zwrotka). Freski powstały w latach 1509-1517. Od dzieł o podobnym charakterze innych mistrzów odróżnia je szereg cech. Przede wszystkim jest to skala obrazów. Jeśli u poprzednich malarzy na jednej ścianie znajdowało się kilka małych kompozycji, to u Rafaela każdy obraz otrzymuje osobną ścianę. W związku z tym przedstawione postacie również „rosły”.

Następnie należy zwrócić uwagę na bogactwo fresków Rafaela w różnorodne elementy dekoracyjne: sufity ozdobione sztucznym marmurem i złoceniem, kompozycje fresków i mozaik, podłogi malowane misternymi wzorami. Taka różnorodność nie stwarza jednak wrażenia nadmiaru i chaosu. Elementy dekoracyjne umieszczone na swoim miejscu i umiejętnie zaaranżowane wywołują poczucie harmonii, porządku i pewnego rytmu nadanego przez mistrza. W wyniku takich innowacji twórczych i technicznych obrazy stworzone przez artystę na jego obrazach są wyraźnie widoczne dla widza, dzięki czemu zyskują niezbędną klarowność i klarowność.

Wszystkie freski miały być podporządkowane wspólnemu tematowi: gloryfikacji Kościoła katolickiego i jego głowy. Pod tym względem obrazy opierają się na tematyce biblijnej i scenach z historii papiestwa (z wizerunkami Juliusza II i jego następcy Leona X). Jednak u Rafaela takie specyficzne obrazy zyskują uogólnione znaczenie alegoryczne, odsłaniając istotę humanistycznych idei renesansu.

Szczególnie interesująca z tego punktu widzenia jest Stanza della Segnatura (pokój podpisowy). Freski kompozycji są wyrazem czterech obszarów duchowej aktywności człowieka. Tak więc fresk „Spór” przedstawia teologię, „Szkoła ateńska” – filozofię, „Parnas” – poezję, „Mądrość, wstrzemięźliwość i siła” – sprawiedliwość. Górną część każdego fresku zwieńcza alegoryczny wizerunek postaci uosabiającej odrębny rodzaj działalności. W narożach sklepień znajdują się niewielkie kompozycje nawiązujące tematyką do konkretnego fresku.

Kompozycja obrazu Stanza della Segnatura opiera się na połączeniu scen biblijnych i starożytnych greckich (biblijnych - „Upadek”, starożytnych - „Zwycięstwo Apolla nad Marsjaszem”). Już sam fakt, że do dekoracji sal papieskich wykorzystano połączenie motywów mitologicznych, pogańskich i świeckich, świadczy o stosunku ówczesnego człowieka do dogmatów religijnych. Freski Rafaela wyrażały prymat tego, co świeckie nad kościelno-religijnym.

Najbardziej uderzającym i najpełniej refleksyjnym freskiem kultu religijnego był obraz „Spór”. Tutaj kompozycja zdaje się być podzielona na dwie części: niebo i ziemię. Poniżej, na ziemi, znajdują się postacie ojców kościoła, a także duchownych, starszych i młodzieży. Ich obrazy są niezwykle naturalne, co powstaje poprzez realistyczne przeniesienie plastyczności ciał, zwrotów i ruchów postaci. Wśród masy twarzy łatwo rozpoznać Dantego, Savonarolę i malarza Fra Beato Angelico.

Nad postaciami ludzkimi znajdują się wizerunki symbolizujące Trójcę Świętą: Boga Ojca, tuż pod nim Jezusa Chrystusa z Matką Bożą i Janem Chrzcicielem, pod nimi gołębica – uosobienie Ducha Świętego. W centrum całości kompozycji, jako symbol komunii, znajduje się opłatek.

W Sporze Rafael jawi się jako niezrównany mistrz kompozycji. Pomimo wielu symboli obraz wyróżnia się niezwykłą wyrazistością obrazów i jasnością myśli autora. Symetrię układu figur w górnej części kompozycji łagodzą niemal chaotycznie rozmieszczone figury w dolnej części. Dlatego pewna szkicowość na obrazie tego pierwszego staje się ledwo zauważalna. Przekrojowym elementem kompozycyjnym jest tu półkole: półkole świętych i apostołów umieszczone w górnej części na chmurach oraz, jako jego echo, półkole swobodnych i bardziej naturalnych postaci ludzkich w dolnej części obrazu.

Za jeden z najlepszych fresków i dzieł Rafaela z tego okresu twórczości uważany jest obraz „Szkoła ateńska”. Fresk ten jest ucieleśnieniem wysokich ideałów humanistycznych związanych ze sztuką starożytnej Grecji. Artysta przedstawił znanych starożytnych filozofów i naukowców. Centralną część kompozycji stanowią postacie Platona i Arystotelesa. Ręka Platona wskazuje na ziemię, a Arystoteles na niebo, symbolizując nauki starożytnych filozofów.

Po lewej stronie Platona znajduje się postać Sokratesa, prowadzącego rozmowę z grupą osób, spośród których wyraźnie wyróżnia się twarz młodego Alcybiadesa, którego ciało chroni muszla, a głowę nakrywa hełm. Na schodach stoi Diogenes, założyciel cynickiej szkoły filozoficznej. Przedstawiany jest tu jako żebrak stojący u wejścia do świątyni i proszący o jałmużnę.

Na dole kompozycji znajdują się dwie grupy osób. Po lewej stronie postać Pitagorasa w otoczeniu uczniów. Po prawej stronie Euklides rysuje coś na tablicy łupkowej, również w otoczeniu uczniów. Na prawo od ostatniej grupy znajdują się Zoroaster i koronowany Ptolemeusz z kulami w rękach. Obok autor umieścił swój autoportret oraz postać malarza Sodomy (to on zaczął malować Stanza della Segnatura). Na lewo od środka artysta umieścił zamyślonego Heraklita z Efezu.

W porównaniu z obrazami na fresku Dispute postacie Szkoły Ateńskiej są znacznie większe i bardziej monumentalne. To bohaterowie obdarzeni niezwykłą inteligencją i wielkim hartem ducha. Głównymi obrazami fresku są Platon i Arystoteles. O ich znaczeniu decyduje nie tylko i nie tyle miejsce w kompozycji (zajmują centralne miejsce), ale mimika i szczególna plastyczność ciała: postacie te mają iście królewską postawę i chód. Ciekawostką jest to, że prototypem wizerunku Platona był Leonardo da Vinci. Wzorem do malowania wizerunku Euklidesa był architekt Bramante. Prototypem Heraklita była postać przedstawiona przez Michała Anioła na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. Niektórzy naukowcy sugerują, że mistrz skopiował wizerunek Heraklita od samego Michała Anioła.

Tu także zmienia się temat: fresk brzmi jak swoisty hymn na cześć ludzkiego umysłu i ludzkiej woli. Dlatego wszystkie postacie umiejscowione są na tle okazałych budynków architektonicznych, symbolizujących nieskończoność ludzkiego umysłu i twórczej myśli. Jeśli bohaterowie „Sporu” są bierni, to obrazy prezentowane w „Szkole Ateńskiej” są aktywnymi i energicznymi budowniczymi ich życia, transformatorami światowego porządku społecznego.

Ciekawe są także rozwiązania kompozycyjne fresku. Tym samym postacie Platona i Arystotelesa znajdujące się w tle, ze względu na to, że są ukazane w ruchu, są głównymi na zdjęciu. Dodatkowo stanowią dynamiczne centrum kompozycji. Wystające z głębi zdają się przesuwać do przodu w kierunku widza, co stwarza wrażenie dynamiki i rozwoju kompozycji otoczonej półkolistym łukiem.

Prace nad malowidłem za komnatą pieczęci Stanza d'Eliodoro prowadził Rafał w latach 1511-1514. Tematem fresków w tej sali były legendy biblijne i fakty z historii papiestwa, ozdobione opowieściami, w których główne miejsce zajmowała Boża opatrzność i cuda.

Pomieszczenie otrzymało swoją nazwę po ukończeniu prac dekoracyjnych nad freskiem „Wypędzenie Eliodora”, którego fabuła oparta była na historii syryjskiego wodza Eliodora, który chciał ukraść bogactwo przechowywane w zamku jerozolimskim. Powstrzymał go jednak niebiański jeździec. Fresk przypominał, jak wojska papieża Juliusza II pokonały i haniebnie wypędziły armię francuską z Państwa Kościelnego.

Fresk ten nie wyróżnia się jednak siłą wyrazu zamysłu twórczego artysty. Dzieje się tak prawdopodobnie dlatego, że całość kompozycji podzielona jest na dwie odrębne części. Po lewej stronie przedstawiono pięknego jeźdźca, który wraz z dwoma aniołami próbuje pokonać Eliodora. Po prawej stronie fresku znajduje się Juliusz II leżący na noszach. Wśród podtrzymujących nosze malarz przedstawił słynnego niemieckiego malarza Albrechta Durera. Pomimo rzekomego heroicznego patosu fabuły, obrazy Raphaela są tutaj całkowicie pozbawione dynamiki i dramatyzmu.

Nieco mocniejszy w charakterze i doskonalszy w strukturze kompozycyjnej jest fresk zatytułowany „Msza w Bolsenie”. Fabuła opiera się na historii niewierzącego księdza, któremu podczas udzielania sakramentu opłatek poplamił się krwią. Świadkami tego cudu na płótnie Rafaela byli papież Juliusz II, stacjonujący za nim kardynałowie i szwajcarska gwardia.

Charakterystyczną cechą tego dzieła słynnego artysty był większy stopień naturalności i autentyczności w przedstawieniu postaci w porównaniu do poprzednich dzieł. To już nie są abstrakcyjne postacie, uderzające swoim zewnętrznym pięknem, ale bardzo prawdziwi ludzie. Najbardziej uderzającym dowodem na to są wizerunki Szwajcarów ze straży papieskiej, których twarze są pełne wewnętrznej energii i wyrażają silną ludzką wolę. Jednak ich uczucia nie są twórczym wynalazkiem artysty. To są bardzo prawdziwe ludzkie emocje.

W tej pracy autor dużą wagę przywiązuje do koloru, treści kolorystycznej płótna i obrazów. Malarzowi zależy teraz nie tylko na dokładnym oddaniu konturów postaci, ale także na nasyceniu barw obrazów, ukazaniu ich wewnętrznego świata poprzez określoną tonację.

Równie wyrazisty jest fresk „Wystawienie Piotra”, przedstawiający scenę wyzwolenia apostoła Piotra przez anioła. Historycy sztuki uważają, że obraz ten jest symbolem bajecznego wyzwolenia legata papieskiego Leona X (późniejszego papieża) z niewoli francuskiej.

Szczególnie interesujące w tym fresku jest znalezione przez autora rozwiązanie kompozycyjno-kolorystyczne. Odwzorowuje oświetlenie nocne, co podkreśla dramatyczny charakter całej kompozycji. Ujawnienie treści i większą pełnię emocjonalną obrazu znacznie ułatwia precyzyjnie dobrane tło architektoniczne: loch zbudowany z masywnych cegieł, ciężkie sklepienie łukowe, grube kratowe kraty.

Czwarty i ostatni fresk w Stanza d'Eliodoro, zwany później „Spotkaniem papieża Leona I z Attylą”, został wykonany na podstawie szkiców Rafaela przez jego uczniów, Giulio Romano i Francesco Penniego. Prace prowadzono w latach 1514-1517. Sam mistrz, który w tym czasie stał się niezwykle popularnym artystą, którego sława rozeszła się po całych Włoszech i który otrzymał wiele zamówień, nie był w stanie dokończyć prac nad dekoracją komnaty papieskie. Ponadto Rafael w tym czasie został mianowany głównym architektem katedry św. Piotra, a także nadzorował wykopaliska archeologiczne prowadzone wówczas w Rzymie i okolicach.

Malowidła zdobiące Stanza del Incendio powstały na podstawie opowieści z historii papiestwa. Spośród wszystkich fresków chyba tylko jeden zasługuje na szczególną uwagę – „Pożar w Borgo”. Opowiada o pożarze, jaki miał miejsce w jednej z rzymskich dzielnic w roku 847. W jego gaszeniu brał wówczas udział papież Leon IV. Fresk ten wyróżnia nadmierny patos i sztuczny dramatyzm w przedstawieniu osób próbujących uciec przed katastrofą: syna niosącego ojca, młodego mężczyzny wspinającego się po murze, dziewczynki trzymającej dzbanek.

Freski zwrotek watykańskich wyraźnie pokazują ewolucję twórczości Rafaela: artysta stopniowo przechodzi od idealnych obrazów swoich wczesnych dzieł do dramatu, a jednocześnie zbliża się do życia w dziełach późnego okresu (kompozycje tematyczne i portrety).

Niemal natychmiast po przybyciu do Rzymu, w 1509 r., Rafael, kontynuując temat Madonny, namalował płótno „Madonna Alba”. W porównaniu do postaci z Madonny Conestabile, obrazy z Madonny Alba są znacznie bardziej złożone. Maryja ukazana jest tu jako młoda kobieta o silnym charakterze, energiczna i pewna siebie. Ruchy dziecka są równie silne. Obraz wykonany jest w formie tondo. Jednak postacie są tu narysowane w całości, co nie było typowe dla okrągłych płócien. Takie ustawienie figur nie prowadzi jednak do powstania statycznych obrazów. Zarówno one, jak i cała kompozycja, ukazane są dynamicznie. To uczucie powstaje dzięki temu, że mistrz subtelnie i dokładnie oddaje plastyczne ruchy ludzkiego ciała.

Szczególne znaczenie dla rozwoju metody twórczej artysty miał obraz „Madonna w fotelu” (lub „Madonna della Sedia”), którego prace ukończono około 1516 roku. Nieco wyidealizowany wizerunek Madonny osadzony jest tu ze względu na wprowadzenie do kompozycji konkretnych, rzeczywistych elementów. Na przykład pierś Maryi przykryta jest szeroką, jasną chustą z frędzlami. Takie szaliki były wówczas ulubionym strojem wszystkich włoskich chłopek.

Postacie Madonny, Dzieciątka Chrystus i małego Jana Chrzciciela umieszczone są blisko siebie. Wydaje się, że obrazy płynnie przechodzą jeden w drugi. Cały obraz jest nasycony niezwykle jasnym uczuciem lirycznym. Zawsze żywy temat miłości macierzyńskiej wyraża się tu nie tylko w spojrzeniu Maryi, ale także w plastyczności Jej postaci. Kształt tondo nadaje całej kompozycji logiczną kompletność. Postacie Maryi i Dzieciątka, umieszczone na okrągłym płótnie, są symbolem jedności dwojga najbliższych sobie osób: matki i dziecka. Ten
Malarstwo Rafaela zostało uznane przez współczesnych za szczyt malarstwa sztalugowego, nie tylko ze względu na strukturę kompozycyjną, ale także ze względu na subtelne oddanie plastycznej linii obrazów.

Od lat 10 XVI wiek Rafał pracuje nad kompozycjami na ołtarze. Tak więc w 1511 roku pojawia się „Madonna z Foligno”. A w 1515 roku słynny artysta zaczął tworzyć płótno, które później miało przynieść malarzowi chwałę wielkiego mistrza i podbić serca niejednego pokolenia ludzi. Madonna Sykstyńska to obraz, który wyznaczył ostatni etap rozwoju metody artystycznej Rafaela. Temat macierzyństwa otrzymał tu, w porównaniu z poprzednimi utworami, największe rozwinięcie i najpełniejsze ucieleśnienie.

Po wejściu do katedry wzrok widza od razu przykuwa majestatyczna postać Madonny niosącej na rękach Dzieciątko Jezus. Efekt ten uzyskano dzięki specjalnemu układowi kompozycyjnemu postaci. Lekko odsłonięta kurtyna, widoki świętych Sykstusa i Barbary zwrócone ku Maryi – wszystko to ma na celu uwydatnienie i uczynienie młodej matki centrum kompozycji.

Odsłaniając wizerunek Madonny, Rafael odszedł od artystów renesansu. Madonna zwraca się tu bezpośrednio do widza. Nie zajmuje się dzieckiem (jak Madonna Leonarda da Vinci) i nie jest zajęta sobą (jak bohaterki wczesnych dzieł mistrza). Ta Maria, poruszając się po śnieżnobiałych chmurach w stronę widza, prowadzi z nim rozmowę. W jej szeroko otwartych oczach widać matczyną miłość, pewne zamęt, beznadziejność, pokorę i głęboką troskę o przyszły los syna. Ona, niczym jasnowidz, wie wszystko, co stanie się z jej dzieckiem. Jednak aby ocalić ludzi, jego matka jest gotowa go poświęcić. Obraz Dzieciątka Chrystus jest obdarzony tą samą powagą. Cały świat zdaje się być zawarty w jego oczach, on niczym prorok opowiada nam o losach ludzkości i swoich.

Rafał. Madonna Sykstyńska. 1515-1519

Wizerunek Maryi jest pełen dramatyzmu i niezwykle wyrazisty. Jest jednak pozbawiony idealizacji i nie obdarzony cechami hiperbolicznymi. Poczucie pełni i kompletności obrazu powstaje tu dzięki dynamice kompozycji, która wyraża się poprzez dokładne i wierne oddanie plastyczności postaci oraz draperii ubiorów bohaterów. Wszystkie postacie są przedstawione, żywe, mobilne, jasne. Twarz Marii, niczym Dzieciątka Chrystus o bezdziecinnie smutnych oczach, wyraża całą gamę uczuć, zmieniających się jedna po drugiej dosłownie na oczach widza: smutek, niepokój, pokora, a w końcu determinacja.

Wśród historyków sztuki kwestia prototypu Madonny Sykstyńskiej pozostaje wciąż otwarta. Niektórzy badacze utożsamiają ten wizerunek z wizerunkiem młodej kobiety z portretu „Dama w zasłonie” (1514). Jednak według świadectw współczesnych artysty Maryja na obrazie „Madonna Sykstyńska” reprezentuje bardziej uogólniony typ kobiety, ideał rafaelowski, niż konkretny obraz kogokolwiek.

Wśród prac portretowych Rafaela dużym zainteresowaniem cieszy się portret papieża Juliusza II, namalowany w 1511 r. Rzeczywista osoba ukazana jest tu jako swego rodzaju ideał, co było cechą charakterystyczną metody twórczej malarza.

Na szczególną uwagę zasługuje portret hrabiego Baldassare Castiglione, powstały w 1515 roku, przedstawiający człowieka spokojnego, zrównoważonego, harmonijnie rozwiniętego. Rafael jawi się tu jako wspaniały mistrz koloru. Używa skomplikowanych zestawień kolorystycznych i przejść tonalnych. To samo mistrzostwo cienia wyróżnia także inne dzieło malarza: portret kobiecy „Dama w welonie” („La donna velata”, 1514), w którym dominującym kolorem jest biała farba (wyróżnia się śnieżnobiała suknia kobiety jasna zasłona).

Znaczącą część twórczości Rafaela zajmują dzieła monumentalne. Wśród jego późniejszych podobnych dzieł najciekawszy jest fresk „Triumf Galatei”, który w 1515 roku zdobił ściany Willi Farnesina (dawniej będącej własnością bogacza Chigi). Obraz ten wyróżnia się niezwykle radosnym nastrojem. Obrazy dosłownie przepełnione są szczęściem. Podobny ton powstaje dzięki zastosowaniu specjalnego połączenia jasnych, nasyconych kolorów: nagie białe ciała harmonijnie łączą się tutaj z przezroczystym błękitnym niebem i błękitnymi falami morza.

Ostatnim monumentalnym dziełem Rafaela była dekoracja ścian łukowatej galerii, znajdującej się na drugim piętrze Pałacu Watykańskiego. Wystrój sal ozdobiono obrazami i mozaikami wykonanymi ze sztucznego marmuru. Tematy fresków artysta zaczerpnął z legend biblijnych oraz tzw. groteski (malowidła odkryte na starożytnych greckich grobowcach - grotach). W sumie są 52 obrazy. Połączono je później w cykl pod ogólnym tytułem „Biblia Rafaela”. Ciekawostką jest również to, że prace nad dekoracją sal Pałacu Watykańskiego słynny artysta prowadził wraz ze swoimi uczniami, wśród których poczesne miejsce zajmowali Giulio Romano, Francesco Penni, Perino del Vaga, Giovanni da Udine.

Późniejsze obrazy sztalugowe Rafaela były swego rodzaju odbiciem i wyrazem narastającego kryzysu twórczego mistrza. Podążając drogą coraz większej dramatyzacji obrazów tworzonych przez mistrzów wysokiego renesansu, pozostając jednocześnie wiernym ustalonym już metodom artystycznego przedstawienia, Rafael dochodzi do sprzeczności stylowych. Jego środki i sposoby wyrażania myśli okazują się zbyt małe, aby stworzyć jakościowo nowe, doskonalsze obrazy z punktu widzenia oddania ich wewnętrznego świata i zewnętrznego piękna. Żywymi przykładami ilustrującymi ten okres twórczości Rafaela są „Niesienie krzyża” (1517), cykl „Święte rodziny” (około 1518) i kompozycja ołtarzowa „Przemienienie”.

Jest całkiem możliwe, że tak utalentowany malarz jak Rafael znalazłby wyjście z tak twórczego impasu, gdyby nie nagła śmierć, która zszokowała wszystkich współczesnych mistrza. Raphael Santi zmarł 6 kwietnia 1520 roku w wieku 37 lat. Odbył się wspaniały pogrzeb. Prochy wielkiego malarza pochowano w Panteonie w Rzymie.

Dzieła Rafaela do dziś pozostają arcydziełami sztuki światowej. Obrazy te, będące przykładem sztuki klasycznej, miały za zadanie ukazać ludzkości doskonałe, nieziemskie piękno. Przedstawiały widzowi świat, w którym człowiek owładnięty jest wysokimi uczuciami i myślami. Twórczość Rafaela jest rodzajem hymnu na cześć sztuki, która przemienia człowieka, czyniąc go czystszym, jaśniejszym, piękniejszym.

Tycjan (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio urodził się w rodzinie wojskowej w małym miasteczku Pieve di Cadore, położonym w górach i będącym częścią posiadłości weneckiej. Naukowcom nie udało się dokładnie ustalić daty i roku urodzin Tycjana. Niektórzy uważają, że jest to rok 1476-1477, inni - 1485-1490.

Naukowcy sugerują, że rodzina Vecellio była starożytna i dość wpływowa w mieście. Dostrzegając wczesne zdolności malarskie chłopca, jego rodzice postanowili wysłać Tiziano do warsztatu artystycznego mistrza mozaiki weneckiej. Po pewnym czasie młody Vecellio został skierowany na studia do warsztatu najpierw Gentile Belliniego, a następnie Giovanniego Belliniego. W tym czasie młody artysta poznał Giorgione, którego wpływ znalazł odzwierciedlenie w jego wczesnych pracach.

Całą twórczość artysty można podzielić na dwa okresy: pierwszy – tzw. Dzhordzhonevsky - do 1515-1516. (kiedy wpływ Giorgione najmocniej wyraża się w twórczości malarza); drugi - z lat 40. XVI w. (w tym czasie Tycjan był już uznanym mistrzem reprezentującym sztukę późnego renesansu).

Podążając za wczesnym rozwojem metody artystycznej Giorgione i malarzy renesansu, Tycjan na nowo zastanawia się nad sposobami rozwiązywania problemów artystycznych. Spod pędzla artysty wyłaniają się nowe obrazy, znacząco różniące się od wysublimowanych i wyrafinowanych postaci, na przykład Rafaela i Leonarda da Vinci. Bohaterowie Tycjana są przyziemni, pełni, zmysłowi i mają w dużej mierze pierwiastek pogański. Wczesne obrazy artysty wyróżniają się dość prostą kompozycją, przenikniętą jednak niezwykle radosnym nastrojem i świadomością bezchmurnego szczęścia, pełni i nieskończoności ziemskiego życia.

Wśród dzieł tego okresu, które najpełniej wyrażają metodę twórczą artysty, jednym z najbardziej uderzających jest płótno „Miłość ziemska i niebiańska” datowane na lata 10. XX w. 16 wiek. Dla autora ważne jest nie tylko oddanie fabuły, ale także pokazanie pięknego krajobrazu, który przywołuje na myśl spokój i szczęście życia oraz zmysłowe piękno kobiety.

Postacie kobiece są niewątpliwie wysublimowane, ale nie są wyabstrahowane z życia i nie są przez autorkę idealizowane. Namalowany w delikatnych barwach i umieszczony w tle pejzaż stanowi doskonałe tło dla pełnych wdzięku i eleganckich, a jednocześnie bardzo realnych, specyficznych wizerunków kobiet: Miłości ziemskiej i Miłości niebiańskiej. Umiejętnie skomponowana kompozycja i subtelne wyczucie koloru pomogły artyście stworzyć niezwykle harmonijne dzieło, którego każdy element podporządkowany jest pragnieniu autora ukazania naturalnego piękna ziemskiej przyrody i człowieka.

W późniejszym dziele Tycjana, datowanym na 1518 rok, „Assunta” (czyli „Wniebowstąpienie Marii”) nie ma tej spokojnej kontemplacji i spokoju, jak w dziele „Miłość ziemska i niebiańska”. Jest tu więcej dynamiki, siły, energii. Centralną postacią kompozycji jest Maryja, ukazana jako młoda kobieta pełna ziemskiego piękna i siły. Wzrok apostołów jest skierowany na nią, której obrazy wyrażają tę samą wewnętrzną witalność i energię. Swego rodzaju hymnem na cześć ludzkiego piękna i silnego ludzkiego uczucia jest kompozycja „Bachus i Ariadna” (z cyklu „Bachanalia”, 1523).

Gloryfikacja ziemskiego piękna kobiecego stała się tematem kolejnego dzieła Tycjana, zatytułowanego „Wenus z Urbino”. Powstał w 1538 roku. Mimo że nie ma absolutnie żadnej wzniosłości i duchowości obrazu, ta ostatnia nadal nie umniejsza wartości estetycznej płótna. Wenus jest tu naprawdę piękna. Jej uroda jest jednak przyziemna i naturalna, co odróżnia obraz stworzony przez Tycjana od Wenus Botticellego.

Błędem byłoby jednak stwierdzenie, że obrazy z wczesnego okresu rozwoju twórczości artysty gloryfikowały jedynie zewnętrzne piękno człowieka. Cały ich wygląd ukazuje harmonijną osobę, której piękno zewnętrzne utożsamiane jest z pięknem duchowym i stanowi drugą stronę równie pięknej duszy.

Z tego punktu widzenia najciekawszy jest wizerunek Jezusa Chrystusa na płótnie „Denar Cezara”, powstałym w latach 1515–1520. Jezus Tycjana w ogóle nie jest ukazany jako istota boska, wzniosła, niebiańska. Natchniony wyraz jego twarzy sugeruje, że przed widzem stoi szlachetny człowiek o doskonałej organizacji umysłowej.

Tę samą duchowość przepełniają wizerunki powstałe w kompozycji ołtarzowej „Madonna z Pesaro”, powstałej w latach 1519–1526. Ci bohaterowie nie są diagramami ani abstrakcjami. Stworzenie żywego, prawdziwego obrazu znacznie ułatwia użycie przez mistrza różnorodnych kolorów: śnieżnobiałej narzuty Maryi, błękitu nieba, szkarłatu, jaskrawoczerwonego, złotych ubrań bohaterów, bogatego zielonego dywanu. Taka różnorodność tonów nie wprowadza chaosu do kompozycji, a wręcz przeciwnie, pomaga malarzowi stworzyć harmonijny i harmonijny system obrazów.

W latach dwudziestych XVI w. Tycjan stworzył pierwsze dzieło o charakterze dramatycznym. To słynny obraz „Złożenie do grobu”. Wizerunek Chrystusa interpretowany jest tutaj w taki sam sposób, jak na obrazie „Denar Cezara”. Jezus ukazany jest nie jako istota, która zstąpiła z nieba, aby ocalić ludzkość, ale jako całkowicie ziemski bohater, który poległ w nierównej walce. Pomimo całej tragedii i dramatyzmu fabuły płótno nie wywołuje u widza nastroju beznadziejności. Wręcz przeciwnie, obraz stworzony przez Tycjana jest symbolem optymizmu i bohaterstwa, uosabiającym wewnętrzne piękno człowieka, szlachetność i siłę jego ducha.

Charakter ten znacząco odróżnia to dzieło artysty od jego późniejszego dzieła o tym samym tytule, datowanego na rok 1559, w którym optymistyczne nastroje zastępuje beznadziejna tragedia. Tutaj, a także na innym obrazie Tycjana – „Zabójstwo św. Piotra Męczennika”, którego powstanie datuje się na lata 1528–1530, mistrz stosuje nową metodę przedstawienia artystycznego. Przedstawione na płótnach obrazy natury (zachód słońca ukazany w ciemnych, ponurych barwach w „Złożeniu do grobu” i drzewa uginające się pod silnymi podmuchami wiatru w „Zabójstwie św. Piotra Męczennika”) okazują się swoistym wyrazicielem ludzkie uczucia i namiętności. Wielka Matka Natura poddaje się tutaj Suwerennemu Człowiekowi. We wspomnianych kompozycjach Tycjan zdaje się potwierdzać tezę: wszystko, co dzieje się w przyrodzie, jest spowodowane działaniem człowieka. Jest panem i władcą świata (łącznie z przyrodą).

Nowym etapem w rozwoju umiejętności artysty w tworzeniu kompozycji wielofigurowych było płótno zatytułowane „Wprowadzenie do świątyni” datowane na lata 1534-1538. Pomimo tego, że Tycjan namalował tu wiele obrazów, wszystkie okazują się łączyć w kompozycyjną całość poprzez zainteresowanie doniosłym wydarzeniem rozgrywającym się na ich oczach - wprowadzeniem Maryi do świątyni. Postać głównej bohaterki od postaci pobocznych (ale nie mniej znaczących) oddzielają przestrzenne pauzy: od tłumu ciekawskich ludzi i księży oddzielają ją stopnie klatki schodowej. Świąteczny nastrój, poczucie ważności tego, co się dzieje, budują w kompozycji gesty i plastyczność postaci. Jednak dzięki umieszczeniu na pierwszym planie postaci sprzedawcy jaj, zmniejszony zostaje nadmierny patos dzieła i wzmocnione zostaje wrażenie realizmu i naturalności opisywanej przez artystę sytuacji.

Charakterystyczną cechą metody artystycznej i wizualnej Tycjana okresu od lat 30. XX wieku jest wprowadzenie do kompozycji wizerunków ludowych. XVI wiek. To takie obrazy pomagają mistrzowi stworzyć prawdziwy obraz.

Najbardziej twórczy pomysł pokazania harmonijnej osoby, pięknej zarówno duszy, jak i ciała, został zawarty w pracach portretowych Tycjana. Jednym z pierwszych dzieł tego typu jest „Portret młodzieńca w rękawiczce”. Powstanie płótna datuje się na okres od 1515 do 1520 roku. Wizerunek młodego mężczyzny reprezentuje całe pokolenie ludzi tamtych czasów - renesansu. Portret ucieleśnia ideę harmonii ludzkiego ducha i ciała. Szerokie ramiona, swobodna plastyczność ciała, swobodnie rozpięty kołnierzyk koszuli, spokojna pewność siebie wyrażająca spojrzenie młodego mężczyzny – wszystko to ma na celu oddanie głównej myśli autora o radości ludzkiego istnienia i szczęściu zwykłego człowieka, który nie zna smutek i nie jest rozdzierany przez wewnętrzne sprzeczności.

Ten sam typ harmonijnie ułożonej szczęśliwej osoby można zobaczyć na płótnach „Violante” i „Portret Tommaso Mosti” (oba z lat 1515-1520).

W portretach powstałych znacznie później widz nie spotka się już z prostotą i wyraźną określonością charakteru wizerunków, typową dla tego typu dzieł z okresu 1515-1520. Istota późniejszych postaci Tycjana, w porównaniu z postaciami pierwotnymi, jest znacznie bardziej złożona i wieloaspektowa. Uderzającym przykładem zmiany metody artystycznej autora jest obraz „Portret Ippolito Riminaldiego”, powstały pod koniec lat czterdziestych XVI wieku. Portret przedstawia młodego mężczyznę, którego twarz otoczona małą brodą wyraża głęboką wewnętrzną walkę uczuć i emocji.

Obrazy stworzone przez Tycjana w tym okresie nie są typowe dla sztuki wysokiego renesansu: są złożone, w dużej mierze sprzeczne i dramatyczne. To bohaterowie kompozycji pt. „Portret papieża Pawła III z Alessandro i Ottavio Farnese”. Obraz powstał w latach 1545-1546. Papież Paweł III ukazany jest jako osoba przebiegła i nieufna. Z niepokojem i złością obserwuje Ottavio, swojego siostrzeńca, znanego na dworze pochlebca i hipokrytę.

Tycjan dał się poznać jako niezwykły mistrz kompozycji artystycznej. Istota charakterów ludzkich ujawnia się w tej pracy poprzez wzajemne oddziaływanie bohaterów, poprzez ich gesty i pozy.

Portret przedstawiający Karola V (1548) zbudowany jest z połączenia majestatycznych elementów dekoracyjnych i realistycznych. Wewnętrzny świat modelki pokazany jest z mistrzowską precyzją. Widz rozumie, że przed nim stoi specyficzna osoba o złożonym charakterze, której głównymi cechami są zarówno wielka inteligencja i hart ducha, jak i przebiegłość, okrucieństwo i hipokryzja.

W prostszych z punktu widzenia konstrukcji kompozycyjnej portretach Tycjana cała uwaga widza skupiona jest na wewnętrznym świecie obrazu. Przykładowo możemy przytoczyć obraz „Portret Aretino” z 1545 r. Wzorem dla artysty był znany wówczas w Wenecji człowiek, Pietro Aretino, który zasłynął z niezwykłej żądzy pieniędzy i ziemskich przyjemności. Mimo to bardzo cenił sztukę, sam był autorem szeregu artykułów publicystycznych, dużej liczby komedii, opowiadań i wierszy (choć nie zawsze
przyzwoita treść).

Tycjan postanowił przedstawić taką osobę w jednym ze swoich dzieł. Jego Aretino to złożony realistyczny obraz, który zawiera najróżniejsze, czasem nawet sprzeczne uczucia i cechy charakteru.

Tragiczny konflikt człowieka z wrogimi mu siłami ukazuje obraz „Oto człowiek” napisany w 1543 roku. Inspiracją dla fabuły była coraz bardziej nasilająca się reakcja społeczna zwolenników kontrreformacji we Włoszech w tym czasie, skierowana przeciwko humanistycznym ideom renesansu. W kompozycji wizerunek Chrystusa jako nosiciela wysokich uniwersalnych ideałów przeciwstawiony jest Piłatowi, ukazanemu jako cyniczny, zły i brzydki. W tym
Po raz pierwszy w dziele pojawiają się nuty zaprzeczenia zmysłowym, ziemskim przyjemnościom i radościom.

Tycjanowski. Portret papieża Pawła III z Alessandro i Ottavio Farnese. 1545-1546

Ten sam uderzający kontrast cechuje wizerunki płótna „Danae”, namalowanego około 1554 roku. Dzieło wyróżnia się wysokim stopniem dramatyzmu. Autor, jak poprzednio, wychwala w nim piękno i szczęście człowieka. Jednak to szczęście jest tymczasowe i chwilowe. Na obrazie nie ma niezmienności nastroju i spokojnego spokoju bohaterów, które wyróżniają stworzone wcześniej obrazy („Miłość ziemska i niebiańska”, „Wenus z Urbino”).

Tematem przewodnim pracy jest zderzenie piękna i brzydoty, tego, co wysokie i niskie. A jeśli młoda dziewczyna wyraża wszystko, co w człowieku najbardziej wzniosłe, wówczas stara panna, próbując złapać monety złotego deszczu, uosabia najniższe cechy ludzkie: interes własny, chciwość, cynizm.

Dramat w kompozycji podkreśla pewne połączenie ciemnych i jasnych tonów. Artysta za pomocą farby umieszcza w obrazie akcenty semantyczne. Tak więc młoda dziewczyna symbolizuje piękno i jasne uczucia. A stara kobieta, otoczona ponurymi ciemnymi tonami, zawiera wyraz podstawowej zasady.

Ten okres twórczości Tycjana charakteryzuje się nie tylko tworzeniem sprzecznych, pełnych dramatyzmu obrazów. W tym samym czasie artysta namalował szereg prac, których tematem była urzekająca uroda kobiety. Jednak wciąż trzeba zwrócić uwagę na fakt, że utwory te pozbawione są owego optymistycznego i afirmującego życie nastroju, jaki brzmi na przykład w „Miłości ziemskiej i niebieskiej” czy „Bachanaliach”. Wśród obrazów najciekawsze to „Diana i Akteon”, „Pasterz i nimfa” (1559), „Wenus z Adonisem”.

Jednym z najlepszych dzieł Tycjana jest obraz Maria Magdalena Kajusz, powstały w latach 60. XX wieku. 16 wiek. Wielu artystów renesansu zwróciło się ku tej biblijnej historii. Tycjan jednak reinterpretuje wizerunek pokutującej Marii Magdaleny. Postać młodej kobiety, tryskająca pięknem i zdrowiem, wyraża raczej nie chrześcijańską skruchę, ale raczej smutek i tęsknotę za utraconym na zawsze szczęściem. Człowiek jak zawsze jest piękny w Tycjanie, jednak jego dobrostan, spokój i spokój ducha zależą od sił zewnętrznych. To oni, ingerując w los człowieka, niszczą harmonię ducha. To nie przypadek, że wizerunek pogrążonej w żalu Magdaleny ukazany jest na tle ponurego krajobrazu, który wieńczy ciemne niebo z wiszącymi czarnymi chmurami – zapowiedź
pseudonimy burzy.

Ten sam motyw ludzkiego cierpienia pojawia się w późniejszych dziełach słynnego mistrza: „Koronowaniu cierniem” (1570) i ​​„Św. Sebastiana” (1570).

W „Koronacji cierniowej” artysta ukazuje Jezusa w obrazie zwykłego człowieka, przewyższającego swoich oprawców pod względem fizycznym i, co najważniejsze, moralnym.

Jest jednak sam i tylko dlatego nie może zostać zwycięzcą. Dramat i napięcie emocjonalne sceny potęguje ponura, ciemna kolorystyka.

Wątek samotnego bohatera w konflikcie z otaczającym go światem pojawia się także w dziele „Św. Sebastiana”. Główny bohater ukazany jest tu jako majestatyczny tytan – obraz charakterystyczny dla sztuki renesansu. Jednak i tak zostaje pokonany.

Niezależną rolę odgrywa tu pejzaż, symbolizujący siły wrogie bohaterowi. Pomimo dramatycznego charakteru fabuły, całość kompozycji przesiąknięta jest afirmującym życie nastrojem.

Swego rodzaju hymnem na cześć ludzkiego umysłu, mądrości i wierności przyjętym ideałom jest autoportret mistrza, powstały w latach 60. XX wieku. XVI wiek

Jednym z najbardziej wyrazistych obrazów Tycjana jest „Pieta” (lub „Opłakiwanie Chrystusa”), namalowana około 1576 roku. Postacie pogrążonych w smutku kobiet są tu przedstawione na tle kamiennej niszy i ponurego krajobrazu. Maryja, niczym posąg, zamarła w żalu. Obraz Magdaleny jest niezwykle jasny i dynamiczny: postać kobiety skierowana ku przodowi, uniesiona ręka, rozczochrane ogniście rude włosy, lekko otwarte usta, z których zaraz wybuchnie krzyk rozpaczy. Jezus ukazany jest nie jako boska istota niebiańska, ale jako osoba bardzo realna, pokonana w nierównej walce z siłami wrogimi światu ludzkiemu. Tragedia obrazów wyraża się na obrazie za pomocą przejść tonowych i światła i cienia. Główni bohaterowie zostają jakby wyrwani przez promienie światła z ciemności nocy.

To dzieło Tycjana gloryfikuje człowieka obdarzonego głębokimi uczuciami. Płótno „Pieta” było rodzajem pieśni pożegnalnej poświęconej bystrym, wzniosłym i majestatycznym bohaterom stworzonym w okresie renesansu.

Wielki malarz, który dał światu piękne obrazy, zmarł 27 sierpnia 1576 roku, prawdopodobnie na skutek zarazy. Pozostawił po sobie wiele obrazów, które do dziś zadziwiają kunsztem wykonania i subtelnym wyczuciem koloru. Tycjan jawi się nam także jako wspaniały psycholog, znawca ludzkiej duszy. Wśród jego uczniów byli tacy artyści jak Jacopo Nigreti (Palma Starsza), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma Młodszy.

Sandro Botticellego(1 marca 1445 - 17 maja 1510) - człowiek głęboko religijny, działał we wszystkich ważniejszych kościołach Florencji i w Kaplicy Sykstyńskiej na Watykanie, ale w historii sztuki zapisał się przede wszystkim jako autor wielkoformatowych poezji płótna o tematyce inspirowanej klasyczną starożytnością - „Wiosna” i „Narodziny Wenus”. .

Przez długi czas Botticelli pozostawał w cieniu pracujących po nim gigantów renesansu, aż w połowie XIX wieku został ponownie odkryty przez brytyjskich prerafaelitów, którzy szanowali kruchą liniowość i wiosenną świeżość jego dojrzałych płócien jako najwyższy punkt w rozwoju sztuki światowej.

Urodzony w rodzinie zamożnego mieszkańca miasta, Mariano di Vanni Filipepi. Otrzymał dobre wykształcenie. Studiował malarstwo u mnicha Filippo Lippiego i przejął od niego tę pasję do przedstawiania poruszających motywów, która wyróżnia historyczne obrazy Lippiego. Następnie pracował dla słynnego rzeźbiarza Verrocchio. W 1470 roku zorganizował własny warsztat..

Subtelność i precyzję linii przejął od swojego drugiego brata, który był jubilerem. Przez pewien czas uczył się u Leonarda da Vinci w warsztacie Verrocchio. Oryginalną cechą talentu Botticellego jest jego skłonność do fantastyki. Jako jeden z pierwszych wprowadził do sztuki swoich czasów starożytne mity i alegorie, ze szczególnym zamiłowaniem zajmował się tematyką mitologiczną. Szczególnie imponująca jest jego Wenus, która naga w muszli unosi się po morzu, a bogowie wiatrów obsypują ją deszczem róż i wypychają muszlę na brzeg.

Freski, które rozpoczął w 1474 roku w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, uważane są za najlepsze dzieło Botticellego. Ukończył wiele obrazów na zamówienie Medyceuszy. W szczególności namalował sztandar Giuliano de 'Medici, brata Wawrzyńca Wspaniałego. W latach 1470–1480 portret stał się niezależnym gatunkiem w twórczości Botticellego („Człowiek z medalem”, ok. 1474; „Młody człowiek”, 1480 r.). Botticelli zasłynął dzięki subtelnemu gustowi estetycznemu i takim dziełom jak „Zwiastowanie” (1489–1490), „Opuszczony” (1495–1500) itp. W ostatnich latach życia Botticelli najwyraźniej porzucił malarstwo.

Sandro Botticelli został pochowany w rodzinnym grobowcu w kościele Ognisanti we Florencji. Zgodnie ze swoją wolą został pochowany w pobliżu grobu Simonetty Vespucci, która zainspirowała najpiękniejsze wizerunki mistrza.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15 kwietnia 1452 r., wieś Anchiano, niedaleko miasta Vinci, niedaleko Florencji – 2 maja 1519 r. – wielki włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, jeden z najwybitniejszych najwięksi przedstawiciele renesansu w sztuce wysokiej, świetlisty przykład „człowieka uniwersalnego”.

Nasi współcześni znają Leonarda przede wszystkim jako artystę. Ponadto możliwe jest, że da Vinci mógł być także rzeźbiarzem: badacze z Uniwersytetu w Perugii – Giancarlo Gentilini i Carlo Sisi – twierdzą, że odnaleziona w 1990 roku głowa z terakoty jest jedynym dziełem rzeźbiarskim Leonarda da Vinci, jakie powstało do nas. Jednak sam da Vinci w różnych okresach swojego życia uważał się przede wszystkim za inżyniera lub naukowca. Nie poświęcał zbyt wiele czasu sztuce pięknej i pracował raczej powoli. Dlatego dziedzictwo artystyczne Leonarda nie jest duże, a wiele jego dzieł zaginęło lub zostało poważnie uszkodzonych. Jednak jego wkład w światową kulturę artystyczną jest niezwykle ważny nawet na tle kohorty geniuszy, jaką wydał włoski renesans. Dzięki jego twórczości sztuka malarstwa weszła w jakościowo nowy etap swojego rozwoju. Artyści renesansu poprzedzający Leonarda zdecydowanie odrzucili wiele konwencji sztuki średniowiecznej. Był to ruch w stronę realizmu i wiele już osiągnięto w badaniu perspektywy, anatomii i większej swobodzie rozwiązań kompozycyjnych. Jednak w malarstwie, pracy z farbą, artyści nadal zachowywali się dość konwencjonalnie i powściągliwie. Linia na obrazie wyraźnie zarysowała obiekt, a obraz miał wygląd namalowanego rysunku. Najbardziej konwencjonalny był krajobraz, który odgrywał rolę drugorzędną. .

Leonardo zrealizował i ucieleśniał nową technikę malarską. Jego linia ma prawo być nieostra, bo tak to widzimy. Zdawał sobie sprawę ze zjawiska rozpraszania światła w powietrzu i pojawiania się sfumato – mgły pomiędzy widzem a przedstawianym przedmiotem, łagodzącej kontrasty kolorystyczne i linie. W rezultacie realizm w malarstwie wszedł na jakościowo nowy poziom. . malarstwo renesansowe Botticellego Renesans

Rafał Santi(28 marca 1483 - 6 kwietnia 1520) - wielki włoski malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Syn malarza Giovanniego Santiego wstępną edukację artystyczną odbywał w Urbino u swojego ojca Giovanniego Santiego, jednak już w młodym wieku trafił do pracowni wybitnego artysty Pietro Perugino. To właśnie artystyczny język i obrazowość obrazów Perugino, z ich upodobaniem do symetrycznej, zrównoważonej kompozycji, przejrzystości rozwiązań przestrzennych oraz miękkości koloru i oświetlenia, wywarły zasadniczy wpływ na styl młodego Rafaela.

Trzeba też zastrzec, że styl twórczy Rafaela zawierał syntezę technik i odkryć innych mistrzów. Początkowo Rafael opierał się na doświadczeniach Perugino, później z kolei na ustaleniach Leonarda da Vinci, Fra Bartolomeo, Michała Anioła. .

Wczesne dzieła („Madonna Conestabile” 1502-1503) przepojone są wdziękiem i delikatnym liryzmem. Wychwalał ziemską egzystencję człowieka, harmonię sił duchowych i fizycznych w obrazach sal Watykanu (1509-1517), osiągając nienaganne poczucie proporcji, rytmu, proporcji, eufonii kolorów, jedności postaci i majestatu tła architektoniczne..

We Florencji Rafael, po zetknięciu się z dziełami Michała Anioła i Leonarda, nauczył się od nich anatomicznie prawidłowego przedstawienia ludzkiego ciała. W wieku 25 lat artysta trafia do Rzymu i od tego momentu rozpoczyna się okres największego rozkwitu jego twórczości: wykonuje w Pałacu Watykańskim monumentalne obrazy (1509-1511), w tym niekwestionowane arcydzieło mistrza – fresk „Szkoła Ateńska”, pisze kompozycje ołtarzowe i obrazy sztalugowe, wyróżnia się harmonią koncepcji i wykonania, pracuje jako architekt (przez pewien czas Rafael kierował nawet budową katedry św. Piotra). W niestrudzonym poszukiwaniu swojego ideału, ucieleśnionego dla artysty w postaci Madonny, tworzy swoje najdoskonalsze dzieło - „Madonnę Sykstyńską” (1513), symbol macierzyństwa i samozaparcia. Obrazy i murale Rafaela zostały docenione przez współczesnych, a Santi wkrótce stał się centralną postacią życia artystycznego Rzymu. Z artystą chciało związać się wielu szlachciców Włoch, w tym bliski przyjaciel Rafaela, kardynał Bibbiena. Artysta zmarł w wieku trzydziestu siedmiu lat na niewydolność serca. Niedokończone obrazy Willi Farnesina, loggi watykańskie i inne prace zostały wykonane przez uczniów Rafaela według jego szkiców i rysunków.

Jeden z największych przedstawicieli sztuki wysokiego renesansu, którego obrazy charakteryzują się podkreśloną równowagą i harmonią całości, wyważoną kompozycją, wyważonym rytmem i delikatnym wykorzystaniem możliwości kolorystycznych. Nienaganne opanowanie linii oraz umiejętność uogólniania i podkreślania najważniejszego uczyniły Rafaela jednym z najwybitniejszych mistrzów rysunku wszechczasów. Dziedzictwo Rafaela posłużyło jako jeden z filarów kształtowania się europejskiego akademizmu. Zwolennicy klasycyzmu – bracia Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov i wielu innych artystów – wychwalali dziedzictwo Rafaela jako najdoskonalsze zjawisko w sztuce światowej…

Tycjan Vecellio(1476/1477 lub 1480-1576) – włoski malarz renesansu. Imię Tycjana należy do takich artystów renesansu, jak Michał Anioł, Leonardo da Vinci i Rafael. Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Ze względu na miejsce urodzenia (Pieve di Cadore w prowincji Belluno) czasami nazywany jest da Cadore; znany również jako Tycjan Boski...

Tycjan urodził się w rodzinie Gregorio Vecellio, męża stanu i przywódcy wojskowego. W wieku dziesięciu lat został wysłany wraz z bratem do Wenecji na studia u słynnego artysty mozaiki Sebastiana Zuccato. Kilka lat później jako praktykant wstąpił do warsztatu Giovanniego Belliniego. Studiował u Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) i wielu innych artystów, którzy później stali się sławni.

W 1518 r. Tycjan namalował obraz „Wniebowstąpienie Matki Bożej”, w 1515 r. – Salome z głową Jana Chrzciciela. W latach 1519-1526 namalował szereg ołtarzy, w tym ołtarz rodziny Pesaro.

Tycjan żył długo. Do ostatnich dni nie ustawał w pracy. Tycjan namalował swój ostatni obraz, Opłakiwanie Chrystusa, na swój własny nagrobek. Artysta zmarł na zarazę w Wenecji 27 sierpnia 1576 roku, zarażony od syna podczas opieki nad nim.

Cesarz Karol V wezwał Tycjana na swoje miejsce, otoczył go honorem i szacunkiem i nieraz mówił: „Mogę stworzyć księcia, ale skąd wziąć drugiego Tycjana?” Kiedy pewnego dnia artysta upuścił pędzel, Karol V podniósł go i powiedział: „Nawet dla cesarza to zaszczyt służyć Tycjanowi”. Zarówno królowie hiszpańscy, jak i francuscy zaprosili Tycjana do zamieszkania na swoim dworze, ale artysta po wykonaniu zamówień zawsze wracał do rodzinnej Wenecji.Na cześć Tycjana nazwano krater na Merkurym. .