Wstęp
1. Mały Holender
Holenderska szkoła malarstwa
Malarstwo rodzajowe
4. Symbolika. Martwa natura
Rembrandta van Rijna
Vermeer Delft styczeń
Wniosek
Wstęp
Celem pracy kontrolnej jest:
· W rozwoju potencjału twórczego;
· Kształtowanie zainteresowań sztuką;
· Utrwalanie i uzupełnianie wiedzy.
Sztuka holenderska narodziła się w XVII wieku. Sztuka ta jest uważana za niezależną i niezależną, ma pewne formy i cechy.
Aż do XVII wieku Holandia nie miała własnych znaczących artystów w sztuce, ponieważ. była częścią stanu Flandria. Jednak w tym okresie celebruje się kilku artystów. To artysta i rytownik Luka Leydensky (1494-1533), malarz Dirk Boats (1415-1475), malarz Scorele (1495-1562).
Różne szkoły stopniowo mieszały się i mistrzowie tracili charakterystyczne cechy swoich szkół, a pozostałym artystom holenderskim przestawał być duch narodowej twórczości. Pojawia się wiele różnych i nowych stylów. Artyści starają się malować we wszystkich gatunkach, szukając indywidualnego stylu. Wymazano metody gatunkowe: historyczność nie jest już tak konieczna jak wcześniej. Tworzy się nowy gatunek – porterzy grupowi.
Na początku XVII w., gdy decydowały się losy Holandii, Filip III negocjował rozejm między Hiszpanią a Holandią. Potrzebna była rewolucja, sytuacja polityczna lub militarna. Walka o niepodległość zjednoczyła naród. Wojna wzmocniła ducha narodowego. Podpisane traktaty z Hiszpanią dały Holandii wolność. To skłoniło do stworzenia własnej i wyjątkowej sztuki, wyrażającej esencję Holendrów.
Osobliwością holenderskich artystów było stworzenie prawdziwego obrazu w najdrobniejszych szczegółach - manifestacji uczuć i myśli. To jest fundament szkoły holenderskiej. Staje się sztuką realistyczną i do połowy XVII wieku osiąga wyżyny we wszystkich obszarach.
Dla Holandii podział jest typowy nie tylko na gatunki, ale także na liczne podgatunki. Niektórzy mistrzowie malują sceny z życia mieszczan i oficerów - Peter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), drugi - z życia chłopskiego - Adrian van Ostade (1610-1610-1610-1681). 1685), trzeci – sceny z życia naukowców i lekarzy – Gerrit Dou (1613-1675); malarze pejzażyści – Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), malarze zakątków leśnych – Meindert Hobbema (1638-1609), mistrzowie wnętrz – Peter Janssens (1623-1682). Okresowo pewien gatunek staje się tradycyjny w szkołach artystycznych. Na przykład malarze martwych natur z Harlemu na tak zwane „śniadania” - Pieter Klas (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Artyści ukazują obyczaje i zwyczaje, normy etyczne i moralne ludzkiego postępowania. Często przedstawiane są wydarzenia rodzinne. Pejzażyści i mistrzowie martwej natury przekazują światło w plenerze, w zamkniętych pomieszczeniach umiejętnie oddają fakturę przedmiotów. Malarstwo domowe przoduje za sprawą Jana Steena (1626-1679), Gerharda Terborcha (1617-1681), Pietera de Hoocha (1629-1624).
1. Mały Holender
Mali Holendrzy to grupa artystów XVII wieku, w której „łączą się” malarze pejzażu i codziennego malarstwa rodzajowego o niewielkich rozmiarach (stąd nazwa). Obrazy tego typu przeznaczone były do skromnych wnętrz budynków mieszkalnych. Kupowali je mieszczanie i chłopi. Obrazy takie charakteryzują się poczuciem komfortu w obrazie, subtelnością detali, bliskością osoby i wnętrza.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. i S. van Ruysdael (1628-1682) i (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Klas, V. Kheda, V. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Sten (1626-1679), A. Cuyp (1620-1691) i inni. Każdy z reguły specjalizował się , w jednym konkretnym gatunku. „Mali Holendrzy” kontynuowali tradycję holenderskich mistrzów renesansu, którzy twierdzili, że sztuka powinna nie tylko sprawiać przyjemność, ale także przypominać o wartościach.
Twórczość artystów można podzielić na 3 grupy:
lata 30. XVII w - ugruntowanie się realizmu w malarstwie narodowym (Harlem był wiodącym ośrodkiem sztuki, ważnym czynnikiem był wpływ F. Halsa);
1640-1660 - rozkwit szkoły artystycznej (centrum sztuki przenosi się do Amsterdamu, przyciągając artystów z innych miast, istotny staje się wpływ Rembrandta<#"justify">2. Holenderska szkoła malarstwa
Przez trzy ćwierć wieku rozwój sztuki trwał nadal na północy Holandii, w republice Zjednoczonych Prowincji, zwanej Holandią. W 1609 r. republika ta otrzymała status państwa. Tutaj powstało państwo burżuazyjne.
Włoski artysta Caravaggio (1571-1610) odegrał znaczącą rolę w malarstwie renesansowym. Malował swoje obrazy bardzo realistycznie, a przedmioty i postacie charakteryzowały się wysoką techniką światłocienia.
Artystów było wielu, mieszkali w małych miasteczkach: Haarlem, Delft, Lejda. Każde z tych miast rozwinęło własną szkołę o własnej tematyce gatunkowej, ale Amsterdam odegrał najważniejszą rolę w rozwoju sztuki holenderskiej.
3. Malarstwo rodzajowe
W Holandii wraz z popularnością gatunku pejzażowego pojawiają się nowe: marina – pejzaż morski, pejzaż miejski – weduta, wizerunek zwierząt – malarstwo zwierzęce. Znaczący wpływ na krajobraz wywarła twórczość Pietera Brueghela. (1525-1529). Holendrzy napisali własne, oryginalne piękno natury swojej ojczyzny. W XVII wieku holenderska szkoła malarstwa stała się jedną z wiodących w Europie. Otaczające ludzi przedmioty stały się źródłem inspiracji dla artystów. W sztuce tego czasu zakończono tworzenie systemu gatunków, który rozpoczął się w renesansie. W portretach, malarstwie codziennym, pejzażach i martwych naturach artyści przekazali swoje wrażenia z natury i życia codziennego. Nowy pomysł zaczął mieć gatunek malarstwa codziennego - malarstwo gatunkowe. Gatunek codzienny rozwinął się w dwóch odmianach – chłopskiej i mieszczańskiej (miejskiej). Na obrazach rodzajowych ukazywane było życie osoby prywatnej: biesiady, działalność gospodarcza, granie na muzyce. Artyści zwracali uwagę na wygląd zewnętrzny, pozy, kostiumy. Częścią komfortu stały się przedmioty: mahoniowy stół, szafa, fotel obity skórą, karafka z ciemnego szkła i kieliszek, owoce. Gatunek ten odzwierciedlał zachowanie i komunikację ludzi należących do różnych klas.
Prace Hararda Dowa cieszyły się wówczas dużą popularnością. Pisze skromne sceny z życia drobnomieszczaństwa. Często przedstawia starsze kobiety siedzące przy kołowrotku lub czytające. Wyraźną tendencją Dow jest zapisywanie na swoich małych obrazkach powierzchni przedmiotów – wzorów tkanin, zmarszczek starczych twarzy, rybich łusek itp. (dodatek; ryc.
Ale malarstwo gatunkowe ewoluowało. W okresie jego ponownego powstania dystrybuowano działki o tematyce rekreacyjnej, rozrywkowej, sceny z życia oficerów. Takie obrazy nazywano „śniadaniami”, „bankietami”, „towarzystwami”, „koncertami”. Obraz ten wyróżniał się różnorodnością barw i radosnymi tonami. Oryginałem był gatunek - „śniadanie”. Jest to rodzaj martwej natury, w której charakter ich właścicieli został przekazany poprzez obraz naczyń i różnych potraw.
Gatunek codzienny jest najbardziej wyrazistym i oryginalnym zjawiskiem szkoły holenderskiej, która otworzyła życie codzienne człowieka prywatnego na sztukę światową.
Jan Steen pisał także w gatunku tematu sztuki. Z poczuciem humoru dostrzegał szczegóły życia i relacje międzyludzkie. Na obrazie „Biesiadnicy” sam artysta wesoło i chytrze patrzy na widza, siedząc obok żony, która zasnęła po zabawnej uczcie. A na obrazie, poprzez mimikę i gesty bohaterów, Jan Steen umiejętnie odkrywa fabułę wyimaginowanej choroby.
Na początku lat trzydziestych XX wieku zakończyła się formacja holenderskiego malarstwa gatunkowego. Malarstwo gatunkowe podzielili według podziałów społecznych: wątki z życia mieszczaństwa oraz sceny z życia chłopów i biedoty miejskiej.
Jednym ze znanych artystów tworzących w „gatunku chłopskim” był Adrian van Ostad. We wczesnym okresie twórczości wizerunek chłopów był komiczny. Tak więc na zdjęciu, oświetlonym ostrym światłem, walczący ludzie wydają się nie być żywymi ludźmi, ale marionetkami. Przeciwstawienie barw zimnych i ciepłych, ostre kontrasty światła tworzą na twarzach maski ze złymi emocjami.
Później artysta maluje obrazy o spokojniejszej tematyce, przedstawiające osobę w trakcie jej codziennych zajęć, najczęściej w chwilach odpoczynku. Na przykład obraz wnętrza „Muzycy wiejscy”. Ostade oddaje skupienie „muzyków”, z ledwie zauważalnym humorem przedstawiającym dzieci obserwujące ich przez okno. Brat Adriana, Izaak van Ostade, który zmarł wcześnie, również pracował w „gatunku chłopskim”. Przedstawiał życie wiejskiej Holandii. Obraz „Zimowy widok” przedstawia typowy pejzaż z szarym niebem wiszącym nad ziemią, zamarzniętą rzeką, nad brzegiem której położona jest wioska.
W latach 50. i 60. XVII wieku zawęziła się tematyka malarstwa rodzajowego, zmieniła się ich struktura. Stają się spokojniejsze, bardziej liryczne, bardziej zamyślone. Scenę tę reprezentują prace takich artystów jak: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Ich dzieła charakteryzuje wyidealizowany sposób życia holenderskiej burżuazji. I tak na obrazie wnętrz „Pokój w holenderskim domu” autorstwa Petera Janssensa przedstawiono przytulny pokój zalany światłem słonecznym, którego promienie igrają na podłodze i ścianach. Dobór kompozycji podkreśla jedność człowieka i jego otoczenia.
Holenderscy malarze gatunkowi starali się odzwierciedlić w swoich pracach wewnętrzny świat człowieka. W regularnie występujących sytuacjach potrafili pokazać świat przeżyć. Tak więc Gerard Terborch w filmie „Kieliszek lemoniady” przedstawił subtelny język gestów, dotknięć rąk, kontakt wzrokowy ujawnia całą gamę uczuć i relacji między postaciami.
Subtelność, prawdziwość w odtwarzaniu rzeczywistości holenderscy mistrzowie łączą z niepozornym i codziennym pięknem. Cecha ta jest bardziej widoczna w martwej naturze. Holendrzy nazywali to „stilleven”. W tym rozumieniu mistrzowie widzieli w przedmiotach nieożywionych ukryte życie związane z życiem człowieka, jego życiem, nawykami, upodobaniami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „nieporządku” w układzie rzeczy: pokazali pokrojone ciasto, obraną cytrynę ze skórką wiszącą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – to zawsze wydaje się, że ktoś dotknął tych przedmiotów, tyle tylko, że ich użył, odczuwa się niewidzialną obecność osoby.
Czołowymi mistrzami holenderskiej martwej natury pierwszej połowy XVII wieku byli Pieter Claesz. 1i Willema Heada. Ulubionym tematem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy (załącznik; il. 16) znajdują się przedmioty o różnych kształtach i materiałach – dzbanek do kawy, szklanka, cytryna, srebrny talerz. Przedmioty są ułożone w taki sposób, aby ukazać atrakcyjność i specyfikę każdego z nich. Dzięki różnorodnym technikom Kheda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Tym samym odblaski światła grają inaczej na powierzchni szkła i metalu. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor. W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność oddania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej. Martwe natury Klassa i Khedy są do siebie podobne - to nastrój intymności i komfortu, spokoju w życiu mieszczańskiego domu, w którym panuje dobrobyt. Martwą naturę można uznać za jeden z ważnych tematów sztuki holenderskiej – temat życia osoby prywatnej. Główną decyzję otrzymała na zdjęciu gatunkowym.
Symbolizm. Martwa natura
Wszystkie elementy holenderskiej martwej natury mają charakter symboliczny. Zbiory wydane w XVIII w<#"justify">o rozpadające się płatki w pobliżu wazonu są oznaką słabości;
o zwiędły kwiat jest oznaką zniknięcia uczuć;
o irysy - znak Dziewicy;
o czerwone kwiaty - symbol pokutnej ofiary Chrystusa;
o biała lilia to nie tylko piękny kwiat, ale także symbol czystości Dziewicy Maryi;
o goździk - symbol przelanej krwi Chrystusa;
o biały tulipan - fałszywa miłość.
o granat - symbol zmartwychwstania, symbol czystości;
o jabłka, brzoskwinie, pomarańcze przypominały jesień;
o wino w kieliszku lub dzbanku uosabiało ofiarną krew Chrystusa;
o oliwka jest symbolem pokoju;
o zgniłe owoce są symbolem starzenia się;
o kłosy pszenicy, bluszcz - symbol odrodzenia i cyklu życia.
o szkło jest symbolem kruchości;
o porcelana - czystość;
o butelka jest symbolem grzechu i pijaństwa;
o potłuczone naczynia - symbol śmierci;
o odwrócona lub pusta szklanka oznacza pustkę;
o nóż jest symbolem zdrady;
o srebrne naczynia są uosobieniem bogactwa.
o klepsydra - przypomnienie o przemijaniu życia;
o czaszka przypomina o nieuchronności śmierci;
o kłosy pszenicy - symbole odrodzenia i cyklu życia;
o chleb jest symbolem Ciała Pańskiego;
o broń i zbroja - symbol mocy i potęgi, oznaczenie tego, czego nie można zabrać ze sobą do grobu;
o klucze - symbolizują władzę;
o fajka jest symbolem ulotnych i nieuchwytnych ziemskich przyjemności;
o maska karnawałowa - jest oznaką nieobecności osoby; nieodpowiedzialna przyjemność;
o lustra, szklane kule - symbole próżności, znak refleksji, nierzeczywistości.
Podstawy holenderskiego krajobrazu realistycznego ukształtowały się na początku XVII wieku. Artyści przedstawiali ukochaną przyrodę za pomocą wydm i kanałów, domów i wiosek. Starali się oddać narodowość krajobrazu, atmosferę powietrza i specyfikę pory roku. Mistrzowie coraz częściej podporządkowywali wszystkie elementy obrazu jednemu tonowi. Subtelnie wyczuwali kolory, umiejętnie opanowali przenoszenie przejść od światła do cienia, od tonu do tonu.
Największym przedstawicielem holenderskiego pejzażu realistycznego był Jan van Goyen (1596-1656). Pracował w Lejdzie i Hadze. Artysta lubił przedstawiać doliny i taflę rzek na płótnach o niewielkich rozmiarach. Goyen pozostawił dużo miejsca na niebo z chmurami. Taki jest obraz „Widok na rzekę Waal w pobliżu Nijmegen”, utrzymany w cienkiej brązowo-szarej gamie barw.
Później zmienia się charakterystyczna istota krajobrazów. Staje się nieco szerszy, bardziej emocjonalny. Specyfika pozostaje ta sama - powściągliwa, ale tony nabierają głębi.
Wszystkie nowe cechy stylu pejzażowego zostały zawarte w jego obrazach Jacoba van Ruysdaela (1629-1682). Przedstawiając obszerne drzewa i krzewy, wydawało się, że wysuwają się na pierwszy plan i stają się potężniejsze. Posiadając doskonałe wyczucie perspektywy, Ruisdael umiejętnie oddał rozległe równiny i okolice Holandii. Dobór tonu i oświetlenia wywołuje koncentrację. Ruisdael kochał także ruiny, jako detale dekoracyjne, mówiące o zagładzie, kruchości ziemskiej egzystencji. „Cmentarz Żydowski” to obszar zaniedbany. Ruisdael nie odniósł sukcesu w swoich czasach. Realizm jego obrazów nie odpowiadał gustom społeczeństwa. Artysta, cieszący się obecnie zasłużoną światową sławą, zmarł w biedzie w przytułku w Harlemie.
Malarstwo portretowe. Fransa Halsa
Jednym z wielkich malarzy holenderskich był Frans Hals (ok. 1580-1666). Urodził się w XVII wieku w Antwerpii. Jako bardzo młody artysta trafił do Haarlemu, gdzie dorastał i kształtował się na wzór szkoły Karela Van Mandera. Haarlem był dumny ze swojego artysty, a do jego pracowni sprowadzono znamienitych gości – Rubensa i Van Dycka.
Hals był niemal wyłącznie portrecistą, ale jego sztuka miała ogromne znaczenie nie tylko dla portretu Holandii, ale także dla kształtowania się innych gatunków. W twórczości Halsa można wyróżnić trzy rodzaje kompozycji portretowych: portret zbiorowy, portret indywidualny zamawiany oraz szczególny rodzaj obrazów portretowych, zbliżony w charakterze do malarstwa gatunkowego.
W 1616 roku Hals maluje obraz „Bankiet oficerów kompanii pułku piechoty św. Jerzego”, w którym całkowicie zrywa z tradycyjnym schematem grupowego tragarza. Tworząc bardzo żywe dzieło, łącząc postacie w grupy i nadając im różne pozy, połączył portret niejako z malarstwem gatunkowym. Praca zakończyła się sukcesem, a artysta został zasypany zamówieniami.
Jego bohaterowie zachowani są na portrecie naturalnie i swobodnie, ich postawa, gesty wydają się niestabilne, a wyraz twarzy będzie się zmieniał. Najbardziej niezwykłą cechą twórczej maniery Halsa jest umiejętność przekazywania charakteru poprzez indywidualną mimikę i gesty, jakby złapane w locie - „Wesoły kumpel do picia”, „Mulat”, „Uśmiechnięty oficer”. Artysta uwielbiał stany emocjonalne pełne dynamiki. Ale w tym momencie, który uchwycił Hals, zawsze zostaje uchwycone to, co najważniejsze, rdzeń obrazu „Cygana”, „Malle Baby”.
Jednak w obrazach Halsa z końca lat 30. i 40. pojawia się zamyślenie i smutek, obcy jego bohaterom portret Willema Heithuysena, a czasem w nastawieniu artysty do nich wkrada się lekka ironia. Radosna akceptacja życia i człowieka stopniowo opuszcza sztukę Halsa.
W malarstwie Halsa były punkty zwrotne. W portretach Halsa, namalowanych w latach 50. i 60., dogłębne mistrzostwo charakterystyki łączy się z nowym wewnętrznym znaczeniem. Jednym z najpotężniejszych dzieł zmarłego Halsa jest portret męski z Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (1650-1652). Kompozycja portretu to pokoleniowy obraz postaci, jej inscenizacja w wyraźnym froncie, spojrzenie skierowane bezpośrednio na widza, czuje się znaczenie jednostki. W postawie mężczyzny odczytuje się zimny autorytet i arogancką pogardę dla wszystkich. Poczucie własnej wartości łączy się w nim z ogromną ambicją. Jednocześnie w spojrzeniu pojawia się nagle cień rozczarowania, jakby w tej osobie był żal za przeszłość - za swoją młodość i młodość jego pokolenia, których ideały zostały zapomniane, a bodźce życiowe przygasły.
Portrety Halsów z lat 50. i 60. wiele odsłaniają w holenderskiej rzeczywistości tamtych lat. Artysta żył długo i był świadkiem odrodzenia się holenderskiego społeczeństwa, zaniku jego demokratycznego ducha. To nie przypadek, że sztuka Halsa wyszła już z mody. Późniejsze prace Halsa z wyczuciem oddają ducha czasu, tak obcego mistrzowi, ale słyszą też jego własne rozczarowanie otaczającą rzeczywistością. W niektórych pracach z tych lat uchwycone jest echo osobistych uczuć starego artysty, który tracił dawną świetność i już widział koniec swojej ścieżki życiowej.
Na dwa lata przed śmiercią, w 1664 r., Hals namalował portrety regentów i regentów (powierników) domu opieki w Haarlemie.
W „Portrecie regentów” wszystkich łączy poczucie rozczarowania i zagłady. W regentach nie ma żywotności, jak na wczesnych portretach grupowych Halsa. Każdy jest sam, każdy istnieje sam. Czarne odcienie z czerwono-różowymi plamami tworzą tragiczną atmosferę.
„Portret regentów” został rozwiązany w innej tonacji emocjonalnej. W niemal nieruchomych pozach bezdusznych, nie znających współczucia staruszki odczuwają autorytet mistrza, a jednocześnie żyje w nich głęboka depresja, poczucie bezsilności i rozpaczy w obliczu zbliżającej się śmierci.
Hals do końca swoich dni zachował nieomylność swoich umiejętności, a sztuka osiemdziesięcioletniego malarza zyskała przenikliwość i siłę.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrand (1606-1669) – największy przedstawiciel złotego wieku malarstwa holenderskiego. Urodzony w Lejdzie w 1606 r. Aby zdobyć wykształcenie artystyczne, artysta przeniósł się do Amsterdamu i wstąpił do warsztatu Petera Lastmana, po czym wrócił do Lejdy, gdzie w 1625 roku rozpoczął samodzielne życie twórcze. W 1631 roku Rembrandt ostatecznie przeniósł się do Amsterdamu, a reszta życia mistrza związana jest z tym miastem.
Twórczość Rembrandta przepojona jest filozoficznym rozumieniem życia i wewnętrznego świata człowieka. Jest to szczyt rozwoju sztuki holenderskiej XVII wieku. Dziedzictwo artystyczne Rembrandta wyróżnia się różnorodnością gatunków. Malował portrety, martwe natury, pejzaże, sceny rodzajowe, obrazy o tematyce historycznej, biblijnej i mitologicznej. Jednak największą głębię twórczości artysty osiąga się w ostatnich latach jego życia. W Uffizi znajdują się trzy dzieła wielkiego mistrza. To autoportret w młodości, autoportret na starość, portret starca (rabina).W wielu późniejszych pracach artysta zanurza całą powierzchnię płótna w półmroku, skupiając uwagę widza na twarz.
Tak Rembrandt przedstawił siebie w wieku 23 lat.
Okres przeprowadzki do Amsterdamu zaznaczył się w twórczej biografii Rembrandta powstaniem wielu studiów męskich i żeńskich.
W 1653 roku przeżywający trudności finansowe artysta przekazał niemal cały swój majątek swojemu synowi Tytusowi, po czym w 1656 roku ogłosił upadłość. Po sprzedaży domu i majątku artysta przeniósł się na obrzeża Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę życia. Najwyraźniej najbliższą mu osobą w tamtych latach był Tytus, ponieważ. jego obrazy są najliczniejsze. Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich losów; on sam odszedł rok później. „Mateusz i anioł” (1661). Być może wzorem anioła był Tytus.
Ostatnie dwie dekady życia Rembrandta były szczytem jego umiejętności jako portrecisty. Modelami są towarzysze artysty (Nicholas Breining
7. Jan Delft Vermeer
holenderskie malarstwo martwa natura
Vermeer Delftsky Jan (1632-1675) – malarz holenderski, największy mistrz holenderskiego gatunku i malarstwa pejzażowego. Vermeer pracował w Delft. Jako artysta rozwijał się pod wpływem Karela Fabriciusa, który zginął tragicznie w eksplozji prochowni.
Wczesne obrazy Vermeera charakteryzują się wzniosłością obrazów ( Chrystus z Martą i Marią ). Silny wpływ na twórczość Vermeera wywarła twórczość mistrza malarstwa gatunkowego Petera de Hoocha. Styl tego malarza jest dalej rozwijany w obrazach Vermeera.
Od drugiej połowy lat 50. Vermeer malował niewielkie obrazy z jedną lub kilkoma postaciami w srebrzystym świetle wnętrza domu ( Dziewczyna z listem Pokojówka z dzbankiem mleka ). Pod koniec lat 50. Vermeer stworzył dwa arcydzieła malarstwa pejzażowego: obraz uduchowiony ulica z błyszczącymi, świeżymi, czystymi kolorami i obrazem Widok na miasto Delft . W latach 60. twórczość Vermeera staje się bardziej wyrafinowana, a malarstwo staje się zimne. ( Dziewczyna z perłowym kolczykiem.
Pod koniec lat 60. artysta często przedstawiał bogato umeblowane pomieszczenia, w których panie i panowie grali muzykę i prowadzili szarmanckie rozmowy.
W ostatnich latach życia Vermeera jego sytuacja finansowa znacznie się pogorszyła. Popyt na obrazy gwałtownie spadł, malarz był zmuszony zaciągnąć pożyczki, aby nakarmić jedenaścioro dzieci i innych członków rodziny. Prawdopodobnie przyspieszyło to zbliżanie się śmierci. Nie wiadomo, co się stało – ostra choroba, czy depresja spowodowana finansami, ale Vermeer został pochowany w 1675 roku w rodzinnym grobowcu w Delft.
Indywidualna twórczość Vermeera po jego śmierci nie została doceniona przez współczesnych. Zainteresowanie nim odżyło dopiero w XIX wieku, dzięki twórczości krytyka i historyka sztuki Etienne’a Theophile’a Thoreta, który „odkrył” Vermeera dla ogółu społeczeństwa.
Wniosek
Odwołanie się do rzeczywistości pomogło poszerzyć możliwości artystyczne sztuki holenderskiej, wzbogaciło jej wątek gatunkowy. Jeśli przed XVII wiekiem tematy biblijne i mitologiczne miały ogromne znaczenie w europejskiej sztuce pięknej, a inne gatunki były słabo rozwinięte, to w sztuce holenderskiej proporcje między gatunkami zmieniają się dramatycznie. Rośnie liczba takich gatunków jak: gatunek codzienny, portret, pejzaż, martwa natura. Same sceny biblijne i mitologiczne w sztuce holenderskiej w dużej mierze tracą swoje dawne formy ucieleśnienia i są obecnie interpretowane jako obrazy codziennego użytku.
Przy wszystkich osiągnięciach sztuka holenderska miała także pewne specyficzne cechy ograniczenia - wąski krąg wątków i motywów. Kolejny minus: tylko niektórzy mistrzowie starali się znaleźć głęboką podstawę w zjawiskach.
Ale w wielu obrazach kompozycyjnych, portretach obrazy mają najgłębszą naturę, a pejzaże pokazują prawdziwą i prawdziwą naturę. Stało się to charakterystyczną cechą sztuki holenderskiej. W ten sposób malarze dokonali wielkiego przełomu w sztuce, opanowawszy trudną i złożoną umiejętność malowania obrazów wewnętrznego świata osoby i doświadczenia.
Test dał mi możliwość sprawdzenia swoich zdolności twórczych, uzupełnienia wiedzy teoretycznej, poznania holenderskich artystów i ich twórczości.
Korepetycje
Potrzebujesz pomocy w nauce jakiegoś tematu?
Nasi eksperci doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Złożyć wniosek wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.
Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.
Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. I katolicka Flandria (obecnie Belgia) pod skrzydłem Hiszpanii – swoją.
W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusu dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.
Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju obudził w sobie miłość do tego typu sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć swoje życie na zdjęciach. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.
Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.
Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.
Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.
Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „duży” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.
Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie Rembrandt miał w swoim życiu szansę doświadczyć najszerszej gamy emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. I tyle skomplikowanych uczuć - w późniejszych.
Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży ukochana żona Saskii. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.
Rembrandta. Syn marnotrawny w tawernie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno Ale to wszystko zniknie za jakieś 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.
Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najskrytsze myśli.
2. Frans Hals (1583-1666)
Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też zaliczyłbym go do grona „dużych” Holendrów.
W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Powstało więc mnóstwo podobnych prac, przedstawiających ludzi pracujących razem: strzelców z tej samej cechu, lekarzy z tego samego miasta, zarządzających domem opieki.
W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Hals był inny.
Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzy".
Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia postawy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki zaskakująco poprawnemu ułożeniu figur.
Tak, a w jednym portrecie Hals przewyższył wielu artystów. Jego modele są naturalne. Ludzie z wyższych sfer na jego obrazach pozbawieni są naciąganej wielkości, a modelki z dołu nie wyglądają na upokorzone.
A jego bohaterowie są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.
Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630 Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał upiększyć swój wygląd. Hals nie poszedł w pochlebstwa i tym samym podpisał własne zdanie - „Zapomnienie”.
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia Terborch był mistrzem rodzimego gatunku. Bogaci i niezbyt mieszczanie rozmawiają powoli, panie czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.
To ten mistrz opracował kanony gatunku krajowego. Które następnie wypożyczą Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.
Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu Szklanka lemoniady to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.
Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co świadczy o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.
Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się, że na zdjęciach „małych” Holendrów widzimy przytulne podwórka i czyste pokoje. Ale Terborch odważył się pokazać nieatrakcyjną Holandię.
Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie Jak rozumiesz, takie prace nie były poszukiwane. A takie przypadki są rzadkością nawet w Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. To prawda, od tyłu.
Dlatego zaskakujące jest to, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Jest to związane z jego arcydziełem „Ulica Delft”.
Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu domu i szyje, podczas gdy dwójka jej dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.
Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca pracę swojej wagi.
Jana Vermeera. Kobieta z ciężarami. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?
Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło delikatnie otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.
A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego dodatkowego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „kruszy się”, a magia zniknie.
Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Piotra de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - gospodarstwo domowe. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.
Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest wielowarstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Służący z dziewczyną na podwórku”.
Piotra de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórku. 1658 Londyńska Galeria Narodowa
Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło kilka dzieł jego konkurenta Vermeera.
Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Mało kto potrafił tak umiejętnie łączyć środowisko i ludzi.
Piotra de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn Należy pamiętać, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” znajduje się obraz w drogiej ramie.
To po raz kolejny mówi o popularności malarstwa wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom zamożnego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jana Stana. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające moralizowanie. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których znaleziono występek.
Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w domyśle ostrzegał go przed okrutnym życiem.
Jana Stana. Chaos. 1663 Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu Stan ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt szczerymi szczegółami. Są ślady gumy do pończoszek, a nie pusty nocnik. I jakoś wcale nie jest tak, że pies leży prosto na poduszce.
Jana Stana. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stana są bardzo profesjonalne. W tym przewyższył wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.
7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)
Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku. Kultura holenderska w XVII wieku
Zwycięstwo rewolucji burżuazyjnej w Holandii Północnej doprowadziło do powstania niepodległego państwa – Republiki Siedmiu Zjednoczonych Prowincji – Holandii (od nazwy najważniejszej z tych prowincji); po raz pierwszy w jednym z krajów Europy ustanowiono ustrój burżuazyjno-republikański. Siłą napędową rewolucji byli chłopi i najbiedniejsza część ludności miejskiej, ale burżuazja, która doszła do władzy, wykorzystała jej podboje.
Wyzwolenie spod jarzma hiszpańskiego absolutyzmu i Kościoła katolickiego, zniszczenie szeregu ograniczeń feudalnych otworzyło drogę do szybkiego wzrostu sił wytwórczych republiki, która według Marksa „była wzorowym krajem kapitalistycznym XVII w. Tylko w Holandii w tym czasie ludność miejska przeważała nad wiejską, jednak głównym źródłem zysków nie był przemysł (choć rozwijała się tu produkcja tekstylna, a zwłaszcza przemysł stoczniowy), ale handel pośredni, który rozwinął się dzięki polityce kolonialnej. W miarę bogacenia się klas rządzących wzrosło ubóstwo mas pracujących, chłopstwo i rzemieślnicy zostali zrujnowani, a do połowy XVII wieku nasiliły się sprzeczności klasowe.
Jednak w pierwszych dziesięcioleciach po ustanowieniu republiki demokratyczne tradycje epoki rewolucyjnej były żywe. Szerokość ruchu narodowowyzwoleńczego, wzrost samoświadomości narodu, radość wyzwolenia spod obcego jarzma zjednoczyły najróżniejsze grupy ludności. Kraj stworzył warunki do rozwoju nauki i sztuki. Zaawansowani myśliciele tamtych czasów, w szczególności francuski filozof Kartezjusz, znaleźli tu schronienie i ukształtował się zasadniczo materialistyczny system filozoficzny Spinozy. Największe osiągnięcia osiągnęli artyści holenderscy, tacy malarze jak Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst i wielu innych mistrzów malarstwa. Artyści holenderscy jako pierwsi w Europie uwolnili się spod opresyjnych wpływów środowiska dworskiego i Kościoła katolickiego i zaczęli tworzyć sztukę demokratyczną i realistyczną, bezpośrednio odzwierciedlającą rzeczywistość społeczną.
Malarstwo holenderskie XVII wieku
Cechą charakterystyczną rozwoju sztuki holenderskiej była znacząca przewaga wśród wszystkich jej rodzajów malarstwa. Obrazy zdobiły domy nie tylko przedstawicieli elity rządzącej społeczeństwem, ale także biednych mieszczan, rzemieślników i chłopów; sprzedawano je na aukcjach i jarmarkach; czasami artyści używali ich jako środka do płacenia rachunków. Zawód artysty nie był rzadkością, malarzy było wielu i zaciekle ze sobą rywalizowali. Niewielu z nich mogło się wyżywić malarstwem, wielu podejmowało się różnych zajęć: Sten był karczmarzem, Hobbema urzędnikiem akcyzowym, Jacob van Ruysdael był lekarzem.
Szybki rozwój malarstwa holenderskiego w XVII wieku tłumaczono nie tylko popytem na obrazy ze strony tych, którzy chcieli ozdobić nimi swoje domy, ale także ich postrzeganiem jako towaru, środka zysku, źródła spekulacji. Pozbywszy się bezpośredniego klienta – Kościoła katolickiego lub wpływowego feudalnego filantropa – artysta był całkowicie zależny od wymagań rynku. Gusty społeczeństwa burżuazyjnego z góry wyznaczyły ścieżki rozwoju sztuki holenderskiej, a artyści, którzy im się sprzeciwiali, broniąc swojej niezależności w sprawach twórczych, znaleźli się w izolacji, przedwcześnie umierając w potrzebie i samotności. Co więcej, byli to z reguły najbardziej utalentowani mistrzowie. Wystarczy wspomnieć nazwiska Halsa i Rembrandta.
Głównym przedmiotem obrazu dla holenderskich artystów była otaczająca rzeczywistość, która nigdy wcześniej nie znalazła tak pełnego odzwierciedlenia w twórczości malarzy innych szkół narodowych. Odwoływanie się do najróżniejszych aspektów życia doprowadziło do utrwalenia się tendencji realistycznych w malarstwie, w którym wiodące miejsce zajmował gatunek codzienny oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im bardziej zgodnie z prawdą, im głębiej artyści odzwierciedlali realny świat, który się przed nimi otwierał, tym większe znaczenie miały ich prace.
Każdy gatunek miał swoje własne gałęzie. I tak na przykład wśród malarzy pejzażystów byli malarze morscy (przedstawiający morze), malarze preferujący widoki płaskich miejsc lub leśnych zarośli, byli mistrzowie specjalizujący się w pejzażach zimowych i pejzażach przy świetle księżyca: wśród malarzy gatunkowych artyści, którzy przedstawiał chłopów, mieszczan, sceny uczt i życia domowego, sceny myśliwskie i jarmarki; byli mistrzowie wnętrz kościelnych i różnego rodzaju martwych natur - „śniadań”, „deserów”, „sklepów” itp. Wpłynęły na to cechy ograniczeń malarstwa holenderskiego, zawężając liczbę zadań dla jego twórców. Ale jednocześnie koncentracja każdego z artystów na konkretnym gatunku przyczyniła się do udoskonalenia warsztatu malarza. Tylko najwięksi z holenderskich artystów pracowali w różnych gatunkach.
Formacja realistycznego malarstwa holenderskiego nastąpiła w walce z nurtem włoskim i manieryzmem. Przedstawiciele tych nurtów, każdy na swój sposób, ale wyłącznie na zewnątrz, zapożyczali techniki artystów włoskich, głęboko obce tradycjom narodowego malarstwa holenderskiego. Na wczesnym etapie kształtowania się malarstwa niderlandzkiego, obejmującym lata 1609-1640, tendencje realistyczne ujawniały się wyraźniej w gatunku portretowym i codziennym.
Krajobraz Holandii
Zasady holenderskiego krajobrazu realistycznego ukształtowały się w pierwszej tercji XVII wieku. Zamiast warunkowych kanonów i wyidealizowanej, wyimaginowanej natury w malarstwie mistrzów kierunku włoskiego, twórcy realistycznego pejzażu zwrócili się w stronę ukazywania prawdziwej natury Holandii z jej wydmami i kanałami, domami i wioskami. Nie tylko uchwycili charakter okolicy wszystkimi znakami, tworząc typowe motywy krajobrazu narodowego, ale także starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotne powietrze i przestrzeń. Przyczyniło się to do rozwoju malarstwa tonalnego, podporządkowania wszystkich elementów obrazu jednemu tonowi.
Jednym z największych przedstawicieli holenderskiego pejzażu realistycznego był Jan van Goyen (1596-1656). Pracował w Lejdzie i Hadze. Ulubione motywy artysty Jana van Goyena w jego małych pejzażach: doliny i tafla wody szerokich rzek z miastami i wioskami na brzegach w szare, pochmurne dni. Dużo miejsca (około dwie trzecie zdjęcia) Jan van Goyen opuścił niebo z wirującymi chmurami nasyconymi wilgocią. Taki jest obraz „Widok na rzekę Waal pod Nijmegen” (1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), utrzymany w cienkiej brązowo-szarej gamie kolorów.
Szczególny rodzaj krajobrazu przedstawiającego zwierzęta, pastwiska z krowami, owce stworzył Paul Potter (1625-1654). Artysta, doskonale przestudiowawszy zwyczaje zwierząt, często robił im zbliżenia, starannie rozpisując fakturę każdego materiału, miękką wełnę i najdrobniejsze detale. Takie są obrazy „Byk” (1647, Haga, Mauritshuis), „Pies na łańcuchu” (St. Petersburg, Ermitaż).
Holenderska martwa natura
Wraz z malarstwem pejzażowym w XVII wieku w Holandii rozpowszechniła się martwa natura, która wyróżniała się intymnym charakterem. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur różnorodne przedmioty, wiedzieli, jak je doskonale skomponować, aby wydobyć cechy każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka.
Holenderscy malarze XVII wieku Pieter Claesz (około 1597 - 1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne warianty „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kielichy do połowy wypełnione winem, z niesamowitym umiejętnym oddaniem koloru, objętości, faktury każdego przedmiotu. Niedawną obecność człowieka wyczuwa się w nieładzie, przypadkowym uporządkowaniu rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna ujednolica tematy i nadaje szczególną dźwięczność czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki.
Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy, ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych przedmiotów szlachetnych, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypaleniem barw .
Martwa natura w dalszym rozwoju podąża tymi samymi drogami, co cała sztuka holenderska, tracąc swą demokrację, duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i kunszcie wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego.
Degeneracja społeczna, dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII w., dają początek tendencji do zbieżności z poglądami estetycznymi szlachty francuskiej, prowadzą do idealizacji obrazów artystycznych, ich wyrafinowania. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego upadku. Mocno wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.
Sztuka francuska XVII wieku
W sztuce francuskiej XVII wieku najpełniejsze odzwierciedlenie znalazły idee dotyczące człowieka i jego miejsca w społeczeństwie, zrodzone przez czas powstawania scentralizowanych monarchii w Europie. Klasyczny kraj absolutyzmu, który zapewnił rozwój stosunków burżuazyjnych, Francja przeżyła rozkwit gospodarczy i stała się potężną potęgą europejską. Walka o zjednoczenie narodowe z feudalną samowolą i anarchią przyczyniła się do wzmocnienia wysokiej dyscypliny umysłu, poczucia odpowiedzialności jednostki za swoje czyny i zainteresowania problemami państwa. Filozof Kartezjusz rozwinął teorię woli, głosząc dominację ludzkiego umysłu. Nawoływał do samowiedzy i podboju natury, uznając świat za racjonalnie zorganizowany mechanizm. Racjonalizm stał się cechą charakterystyczną kultury francuskiej. W połowie XVII wieku rozwinął się narodowy język literacki, który potwierdzał zasady logicznej przejrzystości, ścisłości i poczucia proporcji. W twórczości Corneille’a i Racine’a francuska tragedia klasyczna osiągnęła apogeum. W swoich dramatach Molière odtwarza „komedię ludzką”. Francja przeżywała rozkwit kultury narodowej, nieprzypadkowo Voltaire nazwał wiek XVII „wielkim”.
Kultura francuska XVII wieku ukształtowała się w warunkach ustanowienia absolutyzmu. Jednak jego różnorodność i niespójność zdeterminowały szeroki ruch na rzecz zjednoczenia narodowego. Znalazł żywe odpowiedzi na ostre konflikty społeczne, które towarzyszyły narodzinom nowego społeczeństwa. W pierwszej połowie XVII w. podstawami państwa zachwiały powstania chłopskie i miejskie, duży ruch demokratyczny parlamentarnej Frondy. Na tej podstawie zrodziły się utopie, marzenia o idealnym społeczeństwie opartym na prawach rozumu i sprawiedliwości oraz wolnomyślicielska krytyka absolutyzmu. Rozwój sztuki francuskiej w XVII wieku przebiegał dwuetapowo, zbiegając się z pierwszą i drugą połową stulecia.
Sztuka Europy Zachodniej w XVIII wieku
Wiek XVIII jest w Europie Zachodniej ostatnim etapem długiego przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. W połowie stulecia zakończył się proces pierwotnej akumulacji kapitału, we wszystkich sferach świadomości społecznej toczyła się walka i dojrzewała sytuacja rewolucyjna. Później doprowadziło to do dominacji klasycznych form rozwiniętego kapitalizmu. W ciągu stulecia dokonano gigantycznego rozbicia wszelkich społecznych i państwowych podstaw, koncepcji i kryteriów oceny starego społeczeństwa. Powstało cywilizowane społeczeństwo, pojawiła się prasa periodyczna, powstały partie polityczne, toczyła się walka o wyzwolenie człowieka z okowów światopoglądu feudalno-religijnego.
W sztukach wizualnych wzrosło znaczenie bezpośrednio realistycznego przedstawienia życia. Sfera sztuki rozszerzyła się, stała się aktywnym rzecznikiem idei wyzwoleńczych, przepełnionym aktualnością, duchem walki, piętnującym przywary i absurdy nie tylko feudalnego, ale także rodzącego się społeczeństwa burżuazyjnego. Proponowała także nowy, pozytywny ideał nieskrępowanej osobowości człowieka, wolnej od hierarchicznych idei, rozwijającej indywidualne zdolności, a jednocześnie obdarzonej szlachetnym poczuciem obywatelstwa. Sztuka stała się narodowa, skierowana nie tylko do kręgu wyrafinowanych koneserów, ale do szerokiego środowiska demokratycznego.
| Sztuki piękne XVIII wieku w najlepszych dziełach charakteryzują się analizą najsubtelniejszych ludzkich doświadczeń, reprodukcją niuansów uczuć i nastrojów. Intymność, liryzm obrazów, ale także analityczna obserwacja (czasami bezlitosna) to cechy charakterystyczne sztuki XVIII wieku. zarówno w gatunku portretu, jak i w malarstwie codziennym. Te cechy artystycznego postrzegania życia stanowią wkład XVIII wieku w rozwój światowej kultury artystycznej, choć należy przyznać, że osiągnięto to kosztem utraty powszechnej kompletności w obrazowaniu życia duchowego, integralności w ucieleśnienie estetycznych poglądów społeczeństwa, charakterystycznych dla malarstwa Rubensa, Velazqueza, Rembrandta, Poussina. | |
Główne tendencje rozwoju społecznego i ideologicznego Europy Zachodniej w XVIII wieku objawiały się nierównomiernie w różnych krajach. O ile w Anglii rewolucja przemysłowa, która miała miejsce w połowie XVIII wieku, utrwaliła kompromis między burżuazją a szlachtą, o tyle we Francji ruch antyfeudalny miał charakter bardziej masowy i przygotowywał rewolucję burżuazyjną. Wspólnym dla wszystkich krajów był kryzys feudalizmu, jego ideologia, powstanie szerokiego ruchu społecznego - Oświecenia z jego kultem pierwotnej nienaruszonej Natury i Umysłu, który ją chroni, z krytyką współczesnej skorumpowanej cywilizacji i marzeniem harmonii dobroczynnej natury i nowej demokratycznej cywilizacji, zmierzającej w stronę stanu naturalnego.
Wiek XVIII to wiek Rozumu, niszczycielskiego sceptycyzmu i ironii, wiek filozofów, socjologów, ekonomistów; rozwinęły się nauki ścisłe przyrodnicze, geografia, archeologia, historia i filozofia materialistyczna związana z technologią. Wkraczając w życie psychiczne epoki, wiedza naukowa stworzyła dla sztuki podstawę dokładnej obserwacji i analizy rzeczywistości. Oświeceni głosili, że celem sztuki jest naśladowanie natury, ale uporządkowanej, ulepszonej natury (Didero, A. Pope), oczyszczonej rozumem ze szkodliwych skutków cywilizacji stworzonej przez człowieka, stworzonej przez reżim absolutystyczny, nierówności społecznych, bezczynności i luksusu. Racjonalizm myśli filozoficzno-estetycznej XVIII wieku nie stłumił jednak świeżości i szczerości uczuć, lecz zrodził dążenie do proporcjonalności, wdzięku i harmonijnej kompletności artystycznych zjawisk sztuki, od zespołów architektonicznych po Sztuka użytkowa. Oświeceni przywiązywali wielką wagę w życiu i sztuce do uczucia - skupienia najszlachetniejszych dążeń ludzkości, uczucia tęskniącego za celowym działaniem, zawierającego siłę, która rewolucjonizuje życie, uczucia zdolnego do ożywienia pierwotnych cnót „osoby fizycznej” ( Defoe, Rousseau, Mercier), kierując się prawami naturalnymi, naturą.
Aforyzm Rousseau „Człowiek jest wielki tylko w swoich uczuciach” wyraził jeden z niezwykłych aspektów życia społecznego XVIII wieku, który dał podstawę do dogłębnej, wyrafinowanej analizy psychologicznej w realistycznym portrecie i gatunku, krajobraz liryczny jest przepojona poezją uczuć (Gainsborough, Watteau, Bernay, Robert), „powieść liryczna”, „wiersze prozą” (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), osiąga swój najwyższy wyraz we wzroście muzyki (Handel , Bach, Gluck, Haydn, Mozart, włoscy kompozytorzy operowi). Z jednej strony „mali ludzie” stali się bohaterami dzieł artystycznych malarstwa, grafiki, literatury i teatru XVIII wieku – ludźmi, jak wszyscy inni, umieszczonymi w zwykłych warunkach epoki, nie zepsutych dobrobytem i przywilejami, poddane zwykłym, naturalnym poruszeniom duszy, zadowalające się skromnym szczęściem. Artyści i pisarze podziwiali ich szczerość, naiwną bezpośredniość duszy, bliską naturze. Z drugiej strony uwaga skupiona jest na ideale wyemancypowanego, cywilizowanego intelektualisty, wygenerowanym przez kulturę oświeceniową, analizie jego indywidualnej psychologii, sprzecznych stanach psychicznych i uczuciach z ich subtelnymi niuansami, nieoczekiwanymi impulsami i refleksyjnymi nastrojami.
Wnikliwa obserwacja, wyrafinowana kultura myślenia i odczuwania są charakterystyczne dla wszystkich gatunków artystycznych XVIII wieku. Artyści starali się uchwycić różne odcienie sytuacji z życia codziennego, oryginalne, indywidualne obrazy, skłaniające się ku rozrywkowej narracji i urzekającemu spektaklowi, ostrym, sprzecznym akcjom, dramatycznym intrygom i wątkom komediowym, wyrafinowanej grotesce, błazenady, pełnych wdzięku pastorałek, galanteryjnych uroczystości.
Nowe problemy wysunięto także w architekturze. Zmniejszyło się znaczenie budownictwa sakralnego, wzrosła natomiast rola architektury cywilnej, znakomicie prostej, unowocześnionej, pozbawionej nadmiernej imponacyjności. W niektórych krajach (Francja, Rosja, częściowo Niemcy) rozwiązano problemy planowania miast przyszłości. Narodziły się utopie architektoniczne (graficzne pejzaże architektoniczne – Giovanni Battista Piranesi i tzw. „architektura papierowa”). Charakterystyczny stał się typ prywatnej, zazwyczaj kameralnej zabudowy mieszkalnej oraz miejskich zespołów budynków użyteczności publicznej. Jednocześnie w sztuce XVIII wieku, w porównaniu z epokami poprzednimi, spadło syntetyczne postrzeganie i kompletność ujęcia życia. Zerwane zostało dotychczasowe powiązanie malarstwa i rzeźby monumentalnej z architekturą, nasiliły się w nich cechy malarstwa sztalugowego i dekoracyjności. Przedmiotem szczególnego kultu była sztuka życia codziennego, formy dekoracyjne. Jednocześnie wzrosło wzajemne oddziaływanie i wzajemne wzbogacanie się różnych rodzajów sztuki, dorobek jednego rodzaju sztuki był swobodniej wykorzystywany przez inne. Zatem wpływ teatru na malarstwo i muzykę był bardzo owocny.
Sztuka XVIII wieku przeszła dwa etapy. Pierwsza trwała do lat 1740-1760. Charakteryzuje się przekształceniem form późnobarokowych w dekoracyjny styl rokoko. Oryginalność sztuki pierwszej połowy XVIII wieku – w połączeniu dowcipnego i drwiącego sceptycyzmu i wyrafinowania. Sztuka ta z jednej strony jest wyrafinowana, analizuje niuanse uczuć i nastrojów, dąży do eleganckiej intymności, powściągliwego liryzmu, z drugiej zaś skłania się w stronę „filozofii przyjemności”, w stronę bajecznych obrazów Wschodu – Arabów, Chińczycy, Persowie. Równolegle z rokokiem rozwinął się nurt realistyczny, który dla niektórych mistrzów nabrał ostro oskarżycielskiego charakteru (Hogarth, Swift). Jasno manifestowano walkę prądów artystycznych w szkołach narodowych. Drugi etap wiąże się z pogłębieniem sprzeczności ideologicznych, wzrostem samoświadomości, aktywnością polityczną burżuazji i mas. Na przełomie lat 1760-1770. Akademia Królewska we Francji sprzeciwiała się sztuce rokokowej i próbowała wskrzesić ceremonialny, idealizujący styl sztuki akademickiej końca XVII wieku. Gatunki waleczne i mitologiczne ustąpiły miejsca gatunkom historycznym z fabułami zapożyczonymi z historii Rzymu. Wezwano ich do podkreślenia wielkości monarchii, która utraciła swój autorytet, zgodnie z reakcyjną interpretacją idei „oświeconego absolutyzmu”. Przedstawiciele myśli zaawansowanej zwrócili się ku dziedzictwu starożytności. We Francji hrabia de Caylus zapoczątkował erę badań naukowych w tej dziedzinie („Kolekcja starożytności”, 7 tomów, 1752-1767). W połowie XVIII wieku niemiecki archeolog i historyk sztuki Winckelmann (Historia sztuki starożytnej, 1764) nalegał, aby artyści powrócili do „szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości sztuki starożytnej, noszącej w sobie odzwierciedlenie wolności Grecy i Rzymianie epoki republiki.” Francuski filozof Diderot znalazł w historii starożytnej spiski potępiające tyranów i wzywające do powstania przeciwko nim. Powstał klasycyzm, kontrastujący dekoracyjność rokoka z naturalną prostotą, subiektywną dowolnością namiętności - znajomością praw realnego świata, poczuciem proporcji, szlachetnością myśli i czynów. Artyści najpierw studiowali sztukę starożytnej Grecji przy nowo odkrytych zabytkach. Głoszenie idealnego, harmonijnego społeczeństwa, prymat obowiązku nad uczuciami, patos rozumu to wspólne cechy klasycyzmu XVII i XVIII wieku. Jednak klasycyzm XVII wieku, który powstał na gruncie zjednoczenia narodowego, rozwinął się w warunkach rozkwitu społeczeństwa szlacheckiego. Klasycyzm XVIII wieku charakteryzuje się antyfeudalną orientacją rewolucyjną. Miał on na celu zjednoczenie postępowych sił narodu w walce z absolutyzmem. Poza Francją klasycyzm nie miał tak rewolucyjnego charakteru, jak w pierwszych latach rewolucji francuskiej.
Równolegle z klasycyzmem, doświadczając jego wpływów, nurt realistyczny nadal żył. Zarysowano w nim tendencje racjonalistyczne: artyści dążyli do uogólnienia zjawisk życiowych.
W drugiej połowie XVIII wieku narodził się sentymentalizm ze swoim kultem uczuć i namiętności, podziwem dla wszystkiego, co proste, naiwne, szczere. Narodził się pokrewny nurt przedromantyczny w sztuce, zainteresowanie średniowieczem i formami sztuki ludowej. Przedstawiciele tych ruchów podkreślali wartość szlachetnych i aktywnych uczuć człowieka, ujawniali dramat jego konfliktów z otoczeniem, skłaniając go do ingerencji w prawdziwe sprawy publiczne w imię triumfu sprawiedliwości. Torowali drogę „do poznania ludzkiego serca i magicznej sztuki przedstawiania oczom powstania, rozwoju i upadku wielkiej namiętności” (Lessing) oraz wyrażali rosnące zapotrzebowanie na sztukę wzburzoną, patetyczną.
Sztuka XIX wieku
W XIX wieku kapitalizm stał się formacją dominującą nie tylko w Europie, ale także na innych kontynentach. To właśnie w tym okresie gwałtownie nasiliła się walka między dwiema kulturami – postępową demokracją i reakcyjną burżuazją. Wyrażając zaawansowane idee tamtych czasów, sztuka realistyczna XIX wieku potwierdziła walory estetyczne rzeczywistości, wychwalała piękno prawdziwej natury i człowieka pracującego. Realizm XIX wieku różnił się od poprzednich stuleci tym, że bezpośrednio odzwierciedlał w sztuce główne sprzeczności epoki, społeczne warunki życia ludzi. Stanowiska krytyczne wyznaczyły podstawy metody sztuki realistycznej w XIX wieku. Jego najkonsekwentniejszym wcieleniem była sztuka realizmu krytycznego – najcenniejszy wkład w kulturę artystyczną epoki.
Poszczególne dziedziny kultury XIX wieku rozwijały się nierównomiernie. Literatura światowa (Victor Hugo, Honoré Balzac, Henri Stendhal, Fiodor Dostojewski, Lew Tołstoj), muzyka (Johann Beethoven, Fryderyk Chopin, Ryszard Wagner) osiąga najwyższe wyżyny. Jeśli chodzi o architekturę i sztuki użytkowe, po wzroście, który zdefiniował styl Empire, obie te sztuki przeżywają kryzys. Następuje rozpad form monumentalnych, jedność stylistyczna jako integralny system artystyczny, obejmujący wszystkie rodzaje sztuki. Najpełniejszemu rozwojowi ulegają formy sztalugowe w malarstwie, grafice i częściowo rzeźbie, które w swoich najlepszych przejawach skłaniają się ku formom monumentalnym.
Wraz z tożsamością narodową w sztuce każdego kraju kapitalistycznego wzmacniają się cechy wspólne: krytyczna ocena zjawisk życiowych, historyzm myślenia, czyli głębsze obiektywne zrozumienie sił napędowych rozwoju społecznego, zarówno przeszłych etapów historycznych, jak i obecny. Jednym z głównych osiągnięć sztuki XIX wieku jest rozwój tematów historycznych, w których po raz pierwszy ujawnia się rola nie tylko indywidualnych bohaterów, ale także mas ludowych, a dokładniej środowisko historyczne odtworzony. Szeroko stosowane są wszelkiego rodzaju portrety, gatunki codzienne, krajobrazy o wyraźnym charakterze narodowym. Okres świetności przeżywa grafika satyryczna.
Wraz ze zwycięstwem kapitalizmu wielka burżuazja staje się główną siłą zainteresowaną ograniczaniem i tłumieniem realistycznych i demokratycznych tendencji w sztuce. Twórczość czołowych postaci kultury europejskiej Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet była często prześladowana. Ekspozycje wypełnione były dopracowanymi pracami tzw. artystów salonowych, czyli tych, którzy w salonach sztuki zajmowali dominujące miejsce. Aby zadowolić gusta i wymagania mieszczańskich klientów, kultywowali powierzchowne opisy, motywy erotyczne i rozrywkowe, ducha apologii dla fundamentów burżuazyjnych i militaryzmu.
Już w latach sześćdziesiątych XIX wieku Karol Marks zauważył, że „produkcja kapitalistyczna jest wrogo nastawiona do niektórych gałęzi produkcji duchowej, takich jak sztuka i poezja”. Sztuka interesuje burżuazję głównie albo jako dochodowa inwestycja (kolekcjonerstwo), albo jako przedmiot luksusowy. Oczywiście istnieli kolekcjonerzy, którzy naprawdę rozumieli sztukę i jej cel, ale byli to nieliczni, wyjątki od reguł. Generalnie burżuazja, pełniąc rolę trendsettera i głównego konsumenta sztuki, narzucała artystom swoje ograniczone rozumienie sztuki. Rozwój masowej produkcji na dużą skalę, jej bezosobowość i zależność od rynku, pociągnął za sobą tłumienie kreatywności. Podział pracy w produkcji kapitalistycznej sprzyja jednostronnemu rozwojowi jednostki i pozbawia samą pracę twórczej integralności. Mówiąc o wrogości kapitalizmu do sztuki, Marks i Engels nie mieli na myśli ogólnej niemożności postępu artystycznego w XIX i XX wieku. Twórcy komunizmu naukowego wychwalali w swoich pismach osiągnięcia np. realizmu krytycznego XIX wieku.
Demokratyczna linia sztuki, ukazująca rolę narodu jako siły napędowej historii i potwierdzająca walory estetyczne demokratycznej kultury narodu, przechodzi przez szereg etapów rozwoju. Na pierwszym etapie, od Wielkiej Rewolucji Francuskiej lat 1789-1794 do roku 1815 (czas narodowo-wyzwoleńczej walki narodów przeciwko agresji napoleońskiej), wyzyskowa istota społeczeństwa burżuazyjnego nie była jeszcze w pełni uświadomiona. Sztuka demokratyczna kształtuje się w walce z pozostałościami szlacheckiej kultury artystycznej, a także z przejawami ograniczeń ideologii burżuazyjnej. Największe osiągnięcia sztuki tamtych czasów kojarzono z rewolucyjnym patosem mas, które wierzyły w zwycięstwo ideałów wolności, równości i braterstwa. To rozkwit rewolucyjnego klasycyzmu i narodziny sztuki romantycznej i realistycznej.
Drugi etap, trwający od 1815 do 1849 roku, przypada na czas ustanowienia systemu kapitalistycznego w większości krajów europejskich. W zaawansowanej sztuce demokratycznej tego etapu dokonuje się przejście do zdecydowanej krytyki wyzysku istoty społeczeństwa burżuazyjnego. Jest to okres największego rozkwitu rewolucyjnego romantyzmu i kształtowania się sztuki realizmu krytycznego.
Wraz z zaostrzeniem sprzeczności klasowych między burżuazją a proletariatem, osiągającym apogeum podczas Komuny Paryskiej (1871), antagonizm między reakcyjną kulturą burżuazyjną i demokratyczną staje się jeszcze bardziej wyraźny. Pod koniec XIX wieku krytyka kapitalistycznego sposobu życia, zarówno w literaturze, jak i dziełach sztuki, prowadzona jest z punktu widzenia rosnącego światopoglądu rewolucyjnego proletariatu.
Podobne informacje.
Malarstwo holenderskie do końca XVI wieku było nierozerwalnie związane z flamandzkim i nosiło potoczną nazwę „szkoły holenderskiej”. Obaj, będąc odgałęzieniem malarstwa niemieckiego, uważają braci van Eycków za swoich przodków i przez długi czas podążają w tym samym kierunku, rozwijając tę samą technikę, dzięki czemu artyści holenderscy niczym nie różnią się od swoich Flandrii i Brabancji odpowiedniki.
Kiedy Holendrzy pozbyli się ucisku Hiszpanii, malarstwo holenderskie nabiera charakteru narodowego. Holenderskich artystów wyróżnia reprodukcja natury ze szczególną miłością w całej jej prostocie i prawdzie oraz subtelne wyczucie koloru.
Holendrzy jako pierwsi zdali sobie sprawę, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca.
Wśród pejzażystów interpretujących swą rodzimą naturę szczególnie szanowany jest Jan van Goyen (1595-1656), który wraz z Ezaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym (1595-1661) uważany jest za założyciel holenderskiego krajobrazu.
Ale artystów holenderskich nie można podzielić na szkoły. Wyrażenie „holenderska szkoła malarstwa” jest bardzo warunkowe. W Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, które były wolnymi korporacjami, chroniącymi prawa swoich członków i nie wpływającymi na działalność twórczą.
Imię Rembrandta (1606-1669) świeci szczególnie jasno w historii, w którego osobowości skoncentrowały się wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego, a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego gatunkach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach.
W XVII wieku z powodzeniem rozwinęło się malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty odnotowano nawet w starej szkole niderlandzkiej. W tym gatunku nazwiska Cornelisa Bega (1620-64), Richarda Brackenbürga (1650-1702), Cornelisa Dusarta (1660-1704), Henryka Rokesa, zwanego Sorg (1621-82),
Artystów malujących sceny z życia wojskowego można zaliczyć do malarzy gatunkowych. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wowerman (1619-68)
W specjalnej kategorii można wyróżnić mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaż z wizerunkiem zwierząt.Najsłynniejszym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Alberta Cuypa (1620-91).
Z największą uwagą artyści Holandii traktowali morze.
W twórczości Willema van de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynnego syna Willema van de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Bakhuizena (1631-1708) ich specjalnością było malowanie gatunków morskich.
W dziedzinie martwej natury Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondekuter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) ) zyskał największą sławę.
Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie.
Z początkiem XVIII w. zaczyna się jego upadek, powodem są gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV. Zamiast bezpośredniego związku z naturą, miłości do tubylców i szczerości, ustala się dominacja z góry przyjętych teorii, umowności, naśladownictwa luminarzy szkoły francuskiej. Głównym dystrybutorem tego niefortunnego kierunku był Fleming Gerard de Leresse (1641-1711), który osiadł w Amsterdamie,
Do upadku szkoły przyczynił się także słynny Adrian van de Werff (1659-1722), którego matowa barwa jego obrazów wydawała się niegdyś szczytem doskonałości.
Wpływy obce wywierały duży wpływ na malarstwo holenderskie aż do lat dwudziestych XIX wieku.
Następnie holenderscy artyści zwrócili się ku swojej starożytności - ku ścisłej obserwacji natury.
Najnowsze malarstwo holenderskie jest szczególnie bogate w malarzy pejzażystów. Są wśród nich Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Kukkoek (1803-62), Anton Mauve (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) i inni.
Wśród najmłodszych malarzy morskich w Holandii palma należy do Johannesa Schhotela (1787-1838).
Wouters Verschoor (1812-74) wykazał się wielkimi umiejętnościami w malowaniu zwierząt.
W naszym sklepie internetowym możesz kupić reprodukcje obrazów holenderskich artystów.
Tymczasem jest to szczególny obszar kultury europejskiej warty bardziej szczegółowego zbadania, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii tamtych czasów.
Historia wyglądu
Jasni przedstawiciele sztuki zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy kulturolodzy nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie kojarzy się ze skalą talentów, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do „dużego” stylu z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwracali się do otaczającego ich świata i ludzi, posługiwali się malarstwem bogatym w tony.
Kamienie milowe rozwoju
Historię powstania malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy w sztuce narodowej zakorzenił się realizm. Drugi okres malarstwa holenderskiego przypadł na lata 1640-1660. To czas, w którym przypada prawdziwy rozkwit tutejszej szkoły artystycznej. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.
Warto zauważyć, że ośrodki kultury zmieniały się przez ten czas. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Halsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze dzieła wykonali Rembrandt i Vermeer.
sceny z życia codziennego
Wymieniając najważniejsze gatunki malarstwa holenderskiego, zdecydowanie należy zacząć od życia codziennego – najbardziej uderzającego i oryginalnego w historii. To Flamandowie otworzyli na świat sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Oudenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie z tamtych czasów opowiada także o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i kuflu piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego złotego światłocienia. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leyster, Molenaer i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czyli Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsu zastosował jasne kolory, zamieniając codzienność w święto, a de Hoocha inspirowała się prostotą życia rodzinnego, zalanego rozproszonym światłem dziennym. Późni przedstawiciele tego gatunku, w tym tacy holenderscy mistrzowie, jak Van der Werf i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem często tworzyli nieco pretensjonalne tematy.
Przyroda i krajobrazy
Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy powstał w twórczości takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać wiejskie zakątki w pewnym srebrzystym świetle. W pracach na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do malarzy morskich w XVII wieku należeli Porcellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle przekazać pewne sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.
W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie wykorzystał piękno holenderskiego krajobrazu, przedstawiając go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, stał się następcą swoich tradycji. Koninck malował panoramy, van der Neer natomiast zajmował się tworzeniem nocnych pejzaży oraz przekazywaniem światła księżyca, wschodów i zachodów słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli angażować się w obcą przyrodę – Bot, van Laer, Venix, Berchem i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Pionierem gatunku był Sanredam, którego najlepszymi naśladowcami są bracia Berkheide i Jan van der Heyden.
Obraz wnętrz
Sceny z kościołami, pałacami i pomieszczeniami gospodarczymi można nazwać odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności. Wnętrza pojawiły się na malarstwie drugiej połowy XVII wieku autorstwa mistrzów Delft – Haukgesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego kierunku. Artyści posługując się techniką Vermeera przedstawili sceny skąpane w słońcu, pełne emocji i wolumenu.
Malownicze naczynia i przybory kuchenne
Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza obraz śniadań. Po raz pierwszy sztuką zajęli się Klas i Kheda z Harlemu, którzy malowali nakryte stoły luksusową zastawą. Malowniczy bałagan i szczególne oddanie przytulnego wnętrza wypełnia srebrzysto-szare światło, charakterystyczne dla wyrobów srebrnych i cynowych. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury o bujnych kwiatach, a w Hadze mistrzowie odnieśli szczególne sukcesy w przedstawianiu ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry sąsiadują z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwe natury w kuchni demokratycznej stały się znakiem rozpoznawczym szkoły artystycznej w Rotterdamie.