W Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin otworzył wystawę „Bagateli” poświęconą 150. rocznicy powstania artysty. Od 20 grudnia 2016 r. do 12 lutego 2017 r. można ją zwiedzać w Galerii Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku.
Na wystawę jubileuszową zgromadzono unikatowe i rzadko wystawiane dzieła z różnorodnych kolekcji muzealnych i prywatnych. Prezentuje grafiki okresu moskiewskiego (1915-1920), a także być może najbardziej niezwykłe dzieła Kandinsky'ego, powstałe w technice malowania na szkle.
„Amazonka z niebieskimi lwami” 1918 Kandinsky studiował technikę tworzenia malowniczych „okularów” w Bawarii. Takie dzieła nazywał bagatelles, co po francusku oznacza „bibeloty” lub „drobiazgi”. Technika polega na tym, że artysta maluje farbą olejną na odwrotnej stronie szklanej podstawy, uwzględniając optyczne i barwne cechy percepcji.
„Amazonka w górach” 1918 Twórczość artysty powstała na bazie tradycji narodowych dwóch kultur – rosyjskiej i niemieckiej. Ekspozycja w Muzeum Puszkina poświęcona jest moskiewskiemu okresowi życia Wasilija Kandinskiego, który w chwili wybuchu I wojny światowej jako obywatel rosyjski zmuszony był opuścić Niemcy (mieszkał tam od 1896 r.).
Wszystkie dzieła z okresu moskiewskiego Kandinsky został zmuszony do tymczasowego składowania w II Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego przed wyjazdem do Niemiec w grudniu 1921 roku. Po przyjęciu przez artystę obywatelstwa niemieckiego prace znacjonalizowano i rozpowszechniano wśród muzeów radzieckich.
„Biała chmura” 1918 Oprócz dzieł Kandinsky'ego na wystawie znalazło się także siedem dzieł jego żony Niny Kandinsky, które po raz pierwszy prezentowane są rosyjskiej publiczności. Nina Nikołajewna nie była artystką, ale żyjąc obok geniuszu, postanowiła spróbować swoich sił – kopiowała prace męża i eksperymentowała z technikami.
„Jeden głos” 1916 Wiele prac artysty wiąże się z jego żoną. Prezentowana na wystawie słynna akwarela „Jednym głosem” (1916) powstała pod wrażeniem pierwszej rozmowy telefonicznej Wasilija Kandinskiego z jego przyszłą żoną Niną Nikołajewną Andriejewską w maju 1916 r. Głos Niny go oczarował. We wrześniu tego samego roku Kandinsky spotkał ją po raz pierwszy w salach Muzeum Aleksandra III (obecnie Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina). W 1917 roku, po ślubie, nowożeńcy udali się do Finlandii, do słynącego z wodospadu miasta Imatra (w wyniku podróży powstała akwarela „Imatra” (1917)).
Wasilija Kandinsky’ego. „Imatra”, 1917. Ze zbiorów Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin
kurator wystawy,
Kierownik Działu Zbiorów Prywatnych Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkina Natalya Avtonomova opowiedziała Posta-Magazine o moskiewskim okresie twórczości artysty, największej miłości i muzyce jego życia i twórczości.
Okres moskiewski
„W tym roku cały świat świętuje 150 lat od urodzin Wassily'ego Kandinsky'ego , a zbliżająca się wystawa w Galerii Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX i XX wieku jest jednym z wielu wydarzeń rocznicowych. Urodzony w Moskwie, w wieku pięciu lat z powodu choroby ojca przeniósł się z rodzicami do Odessy. Po ukończeniu studiów prawniczych na Uniwersytecie Moskiewskim w wieku trzydziestu lat postanawia poświęcić się sztuce i przenosi się do Monachium, gdzie rozpoczyna naukę w prywatnej pracowni malarstwa Antona Ashbe. Monachium to drugie po Moskwie miasto rodzinne Kandinsky'ego, miasto doskonałej uczelni artystycznej i wielkich możliwości.
W 1914 r. wybuch I wojny światowej zmusił go do ponownego powrotu do Moskwy, gdzie pozostał do 1921 r. Okres moskiewski w twórczości Kandinsky'ego to czas naprawdę wyjątkowy. Trzy lata porewolucyjne były szczególnie intensywne: aktywnie uczestniczy w wystawach i zajmuje się pracą pedagogiczną. W tym momencie, nie rezygnując z abstrakcji, ponownie powraca do malarstwa tematycznego – tworzy drobne szkice i widoki z okien swojego domu. W 1916 roku namalował bardzo ciekawy obraz „Moskwa. Plac Czerwony”, który stał się swego rodzaju punktem wyjścia do jego nowego życia: poznaje swoją przyszłą drugą żonę, Ninę Andreevską. Ich znajomość odbyła się telefonicznie - zadzwoniła do niego, żeby przekazać jakąś książkę lub paczkę, a jej głos wywarł na nim takie wrażenie, że po tej rozmowie napisał akwarelową fantazję „To One Voice”. I to nie przypadek – Kandinsky był niezwykle muzykalny, miał szczególny związek z muzyką. Jako dziecko grał na wiolonczeli, doskonale znał operę, lubił Wagnera i Skriabina, porozumiewał się z przedstawicielem Nowej Szkoły Wiedeńskiej, rewolucjonistą muzycznym Arnoldem Schönbergiem, któremu opowiadał, że w muzyce robi to, co sam ucieleśnia w swoich obrazach.
Kandinsky mieszkał z Niną Andreevską przez trzydzieści lat, pomimo znacznej różnicy wieku (w momencie ich spotkania Nina miała 23 lata, a Kandinsky 50). To była niesamowita para i historia miłosna. Przygotowując wystawę, zaczęłam szukać niektórych ich listów, ale nic nie znalazłam: jak wspomina Nina, „nie rozstawali się ani na jeden dzień”.
„Bagateli”
Okres moskiewski jest również interesujący, ponieważ Kandinsky powraca do malowania na szkle - stara tradycyjna technika, która była powszechna w Bawarii, Czechach, Słowacji i południowej Rosji. Bohaterami tych wątków byli przeważnie święci czczeni przez lud. Kandinsky zainteresował się tą techniką w Monachium, posiadał całą kolekcję bawarskich okularów, które kolekcjonował wraz ze swoim wiernym kolegą, artystą Gabriele Münterem. Sam malował kompozycje na szkle, które obecnie znajdują się w zbiorach monachijskiej galerii Lenbachhaus.
A w 1917 roku, kiedy był szczęśliwy w nowym małżeństwie, właśnie urodził mu się syn, ponownie zajął się malarstwem na szkle. Być może powodem jest jego stan emocjonalny, a może poczuł potrzebę stworzenia jakiegoś intymnego świata w środku głodnego i zimnego roku 1917. Stąd folklor, baśnie „bagatelle” (od francuskiego bagatelle, co oznacza „bibelot”, „drobiazg”) . Początkowo Kandinsky nazywał akwarele, które namalował w 1916 roku w Sztokholmie. Otworzywszy już wówczas nowe przestrzenie w sztuce, niejako bez wysiłku powraca do dawnych przywiązań i tematów, tyle że na innym poziomie i w sposób bardzo swobodny. Można śmiało powiedzieć, że są to oryginalne arcydzieła w swoim małym formacie.
Na wystawie pokazujemy także akwarele z lat 1915-1916 z małego miasteczka Jaransk koło Wiatki, obecnie Kirów. Tam, w muzeum wiedzy lokalnej, około dziesięć lat temu, zupełnie nieoczekiwanie, odkryto sześć akwarel i rysunków, które trafiły tam w latach dwudziestych XX wieku. Ogólnie rzecz biorąc, wiele dzieł z okresu moskiewskiego Kandinsky'ego było rozproszonych po różnych galeriach i muzeach w Rosji i byłych republikach radzieckich. Wynika to z faktu, że opuszczając Rosję w 1921 roku, pozostawił w Moskwie swoje dzieła, które następnie znacjonalizowano i zgodnie z praktyką panującą w latach trzydziestych XX wieku rozesłano po kraju. Tym samym na naszej wystawie pokazujemy trzy szklanki z Muzeum Narodowego Azerbejdżanu w Baku, które przez długi czas były znane badaczom jedynie na czarno-białych fotografiach.”
Intelektualista awangardy i człowiek XIX wieku
„Nina Nikołajewna pisze w swoich wspomnieniach, że po rewolucji Tatlin zwrócił się do Kandinskiego, zapraszając go do wzięcia udziału w budowie nowej kultury. Miał ogromne pole działania: organizowanie wystaw, ochrona zabytków, budowanie muzeów, nauczanie w Państwowym Muzeum Sztuki (II Państwowe Wolne Warsztaty Plastyczne). I choć skumulował te ówczesne trendy, trzeba zrozumieć, że Kandinsky pochodził jeszcze z XIX wieku, nie miał w sobie radykalizmu Rodczenki, z którym nie mogli znaleźć wspólnego języka, choć byli przyjacielscy. W przeciwieństwie do Rodczenki, który postrzegał rozwój malarstwa w sojuszu z architekturą i designem, Kandinsky, ze swoimi symbolistycznymi korzeniami, skłaniał się ku muzyce i poezji. . Ogólnie rzecz biorąc, Wasilija Kandinsky'ego nie jest łatwo studiować - w jego twórczości równie mocne są elementy intelektualne i intuicyjne.
Szczegóły w Posta-Magazine
Wystawa czynna od 20 grudnia do 12 lutego
Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkina, Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX wieku.
ul. Wołhonka, 14
www.arts-museum.ru
Zarchiwizowane. O wystawie w Moskwie
Wasilija Kandinsky’ego. Harmonista. 1917. Szkło, olej. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkin. przez. Kliknij przez
Wystawa „Bagateli” Wasilija Kandinsky’ego
W Moskwie Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkina od 20.12.2016 do 12.02.2017 odbywa się wystawa „Bagateli” Wassilego Kandinsky’ego. Malarstwo na szkle, akwarele i rysunki. 1915-1920”. Nie można tam robić zdjęć, dlatego zdjęcia gromadzone są w Internecie.
Z podsłuchanych rozmów publiczności na wystawie: „Dlaczego nie można było zakryć całą szklanką? Jakieś dziwne”; pytanie do dozorcy: „Co jest zepsute – czy tak zostało pomyślane?”
Kandinsky w grudniu 1921 roku bardzo pospiesznie opuścił kraj. Co się wtedy wydarzyło, wciąż nie jest znane. Kandinsky zgodził się pozostawić swoje prace do tymczasowego przechowywania w II Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego. Pudełko z majątkiem Kandinsky'ego, w tym okularami, nie był już transportowany przez niego samego, ale przez jego przyjaciela. Prawdopodobnie szkło stłukło się w transporcie. Otwierając pudło w muzeum, byli już pobici.
„Bagateli” po francusku oznacza „drobiazgi”, „małe rzeczy”. Często nazwą tą określano małe formy dzieł muzycznych.
Kurator wystaw, kierownik działu zbiorów osobistych Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkina Natalya Borisovna Avtonomova o Kandinskim i wystawie:
Okres moskiewski
„Urodzony w Moskwie, w wieku pięciu lat z powodu choroby ojca przeprowadził się z rodzicami do Odessy.
2.
1911 Wassily Kandinsky w domu (36 de la Ainmillerstrasse), Schwabing, 1911-nd. za: Rainer Metzger, „Monachium 1900 – La Secession, Kandinsky et le Blaue Reiter”, wyd. Hazan 2009 przez
Po ukończeniu studiów prawniczych na Uniwersytecie Moskiewskim w wieku trzydziestu lat postanawia poświęcić się sztuce i przenosi się do Monachium, gdzie rozpoczyna naukę w prywatnej pracowni malarstwa Antona Ashbe. Monachium to drugie po Moskwie miasto rodzinne Kandinsky'ego, miasto doskonałej uczelni artystycznej i wielkich możliwości.
3.
Nina Andreevskaya i Wassily Kandinsky, Dessau. 1929 przez
W 1914 r. wybuch I wojny światowej zmusił go do ponownego powrotu do Moskwy, gdzie pozostał do 1921 r. Okres moskiewski w twórczości Kandinsky'ego to czas naprawdę wyjątkowy. Trzy lata porewolucyjne były szczególnie intensywne: aktywnie uczestniczy w wystawach i zajmuje się pracą pedagogiczną. W tym momencie, nie rezygnując z abstrakcji, ponownie powraca do malarstwa tematycznego – tworzy drobne szkice i widoki z okien swojego domu. W 1916 roku namalował bardzo ciekawy obraz „Moskwa. Plac Czerwony ”, który stał się swego rodzaju punktem wyjścia do jego nowego życia: poznaje swoją przyszłą drugą żonę, Ninę Andreevską.
4.
Ninę Kandyńską. Chodzić. 1917. Na podstawie rysunku Wassily'ego Kandinsky'ego. Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin. Pierwsze spotkanie Wasilija Kandinskiego z Niną Andriejewską odbyło się we wrześniu 1916 roku w Muzeum Aleksandra III, tj. w obecnym głównym budynku Muzeum Puszkina, z którego muzeum jest bardzo dumne. Sześć miesięcy później pobrali się i spędzili razem 27 lat.
Ich znajomość odbyła się telefonicznie - zadzwoniła do niego, żeby przekazać jakąś książkę lub paczkę, a jej głos wywarł na nim takie wrażenie, że po tej rozmowie napisał akwarelową fantazję „To One Voice”. I to nie przypadek – Kandinsky był niezwykle muzykalny, miał szczególny związek z muzyką. Jako dziecko grał na wiolonczeli, doskonale znał operę, lubił Wagnera i Skriabina, porozumiewał się z przedstawicielem Nowej Szkoły Wiedeńskiej, rewolucjonistą muzycznym Arnoldem Schönbergiem, któremu opowiadał, że w muzyce robi to, co sam ucieleśnia w swoich obrazach.
5.
Słowa ze wspomnień Niny Nikołajewnej Kandinsky. Zdjęcie: westi.ru. . Wassily Kandinsky poznał Ninę jesienią 1916 roku, pobrali się w lutym 1917 roku. Pierwsze lata wspólnego życia młodego małżeństwa znalazły odzwierciedlenie nie tylko w twórczości Wassily'ego Kandinsky'ego, ale także w twórczości żony artysty
Kandinsky mieszkał z Niną Andreevską przez trzydzieści lat, pomimo znacznej różnicy wieku (w momencie ich spotkania Nina miała 23 lata, a Kandinsky 50). To była niesamowita para i historia miłosna. Przygotowując wystawę, zaczęłam szukać niektórych ich listów, ale nic nie znalazłam: jak wspomina Nina, „nie rozstawali się ani na jeden dzień”.
„Bagateli”
„Okres moskiewski jest interesujący również dlatego, że Kandinsky powraca do malarstwa na szkle, starej, tradycyjnej techniki, która była powszechna w Bawarii, Czechach, Słowacji i południowej Rosji. Bohaterami tych wątków byli przeważnie święci czczeni przez lud. Kandinsky zainteresował się tą techniką w Monachium, posiadał całą kolekcję bawarskich okularów, które kolekcjonował wraz ze swoim wiernym kolegą, artystą Gabriele Münterem. Sam malował kompozycje na szkle, które obecnie znajdują się w zbiorach monachijskiej galerii Lenbachhaus.
7.
Wasilija Kandinsky’ego. „Amazonka z Błękitnymi Lwami”, 1918. Olej na szkle. Państwowe Muzeum Rosyjskie / Amazona com Leões Azuis, 1918, Óleo sobre vidro, Museu Estatal Russo. Kandinsky, Wasilij.
A w 1917 roku, kiedy był szczęśliwy w nowym małżeństwie, właśnie urodził mu się syn, ponownie zajął się malarstwem na szkle. Być może powodem jest jego stan emocjonalny, a może poczuł potrzebę stworzenia jakiegoś intymnego świata w środku głodnego i zimnego roku 1917.
8.
Wasilija Kandinsky’ego. „Amazonka w górach”, 1918. Szkło, olej. Państwowe Muzeum Rosyjskie. przez
Stąd folklor, baśniowe fabuły „bagateli” (od francuskiego bagatelle, co oznacza „bibelot”, „drobiazg”). Początkowo Kandinsky nazywał akwarele, które namalował w 1916 roku w Sztokholmie. Otworzywszy już wówczas nowe przestrzenie w sztuce, niejako bez wysiłku powraca do dawnych przywiązań i tematów, tyle że na innym poziomie i w sposób bardzo swobodny. Można śmiało powiedzieć, że są to oryginalne arcydzieła w swoim małym formacie.
O wystawie
Nieco przetworzone (fragmenty przeróbek itp.) informacje o wystawie, zamieszczone na stronie internetowej i Facebooku muzeum:
W 150. rocznicę urodzin artysty. W roku rocznicy wybitnego artysty XX wieku Wasilija Kandinskiego (1866-1944) Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin pokazuje swoje prace wykonane w unikalnej technice malarstwa na szkle, a także grafiki z lat 1915-1920. To właśnie w tych latach, kiedy Kandinsky mieszka i pracuje w Moskwie, ponownie powraca od dzieł abstrakcyjnych do tematyki.
10.
Wasilija Kandinsky’ego. Biała chmura. 1918. Szkło, olej. 25x31. Państwowe Muzeum Rosyjskie / Biała chmura. 1918. Olej na szkle. 25x31. Państwowe Muzeum Rosyjskie
Na wystawie prezentowane są także akwarele z lat 1915-1916 z małego miasteczka Jaransk koło Wiatki, obecnie Kirów. Tam, w muzeum wiedzy lokalnej, około dziesięć lat temu, zupełnie nieoczekiwanie, odkryto sześć akwarel i rysunków, które trafiły tam w latach dwudziestych XX wieku. Ogólnie rzecz biorąc, wiele dzieł z okresu moskiewskiego Kandinsky'ego było rozproszonych po różnych galeriach i muzeach w Rosji i byłych republikach radzieckich. Wynika to z faktu, że opuszczając Rosję w 1921 roku, pozostawił w Moskwie swoje dzieła, które następnie znacjonalizowano i zgodnie z praktyką panującą w latach trzydziestych XX wieku rozesłano po kraju. I tak na wystawie można zobaczyć trzy szklanki z Muzeum Narodowego Azerbejdżanu w Baku, które przez długi czas były znane badaczom jedynie na czarno-białych fotografiach.”
11.
Wasilija Kandinsky’ego. "Jeździec". Narodowe Muzeum Sztuki Azerbejdżanu, Baku. To nie jest malowanie na szkle: tutaj farba jest nakładana od góry, nad lustrem. przez
Intelektualista awangardy i człowiek XIX wieku
„Nina Nikołajewna pisze w swoich wspomnieniach, że po rewolucji Tatlin zwrócił się do Kandinskiego, zapraszając go do wzięcia udziału w budowie nowej kultury. Miał ogromne pole działania: organizowanie wystaw, ochrona zabytków, budowanie muzeów, nauczanie w Państwowym Muzeum Sztuki (II Państwowe Wolne Warsztaty Plastyczne).
12.
Porcelana malowana według szkiców Wassily'ego Kandinsky'ego. Fabryka Porcelany Dulevo. Lata 20
I choć skumulował te ówczesne trendy, trzeba zrozumieć, że Kandinsky pochodził jeszcze z XIX wieku, nie miał w sobie radykalizmu Rodczenki, z którym nie mogli znaleźć wspólnego języka, choć byli przyjacielscy. W przeciwieństwie do Rodczenki, który postrzegał rozwój malarstwa w sojuszu z architekturą i designem, Kandinsky, ze swoimi symbolistycznymi korzeniami, skłaniał się ku muzyce i poezji.
Ogólnie rzecz biorąc, Wasilija Kandinsky'ego nie jest łatwo studiować - w jego twórczości równie mocne są elementy intelektualne i intuicyjne.
13.
Porcelana malowana według szkiców Wassily'ego Kandinsky'ego. Fabryka Porcelany Dulevo. Lata 20 Foto: Siergiej Kuksin, Rossijskaja Gazeta.
Twórczość Kandinsky'ego powstała w oparciu o tradycje narodowe dwóch kultur - rosyjskiej i niemieckiej. Równie istotne były dla niego dwa miasta – Moskwa i Monachium.
14.
Hinterglasmalerei. Tematyka religijna i wizerunki świętych. Zachodnia Europa. XIX - początek. XX wiek Szkło, olej. Ze zbiorów Władimira Spivakowa. Zdjęcie: Michaił Swiesznikow, westi.ru.
Artysta studiował i doskonalił starożytną technikę „Hinterglasmalerei” na początku lat 1910-tych w Bawarii.
15.
„Obrazy pod szkłem” od wieków są praktyczną i przystępną formą ukazywania tematów religijnych, historycznych, a także scen z życia codziennego.
16.
Jeden z obrazów ludowych Hinterglasmalerei. Tematyka religijna i wizerunki świętych. Zachodnia Europa. XIX - początek. XX wiek Szkło, olej. Ze zbiorów Władimira Spivakowa. Foto: Siergiej Kuksin, Rossijskaja Gazeta.
Hinterglasmalerei / "Obrazy pod szkłem" to odmiany popularnych grafik, czyli obrazów ludowych.
17.
Hinterglasmalerei.
Technika malowania pod szkłem stawia przed sobą złożone zadania optyczne i kolorystyczne – artysta maluje olejem na odwrotnej stronie szklanej podstawy, uwzględniając percepcję kompozycji przez widza od lewej do prawej.
18.
Wasilija Kandinsky’ego. "Dama z kwiatkiem", 1917. Szkło, olej. Narodowe Muzeum Sztuki Azerbejdżanu.
W okresie moskiewskim Kandinsky stworzył serię abstrakcyjnych akwareli i około 27 „okularów”. W scenach prymitywistycznych powraca do tematyki, do maniery swoich wczesnych dzieł symbolistycznych z lat 1908-1909.
Artysta nazwał je „bagatellami”, co po francusku oznacza „drobiazgi”, „drobiazgi”. Często nazwą tą określano małe formy dzieł muzycznych. W „bagatelach” Kandinsky’ego można zauważyć neoromantyczne środki: dekoracyjność, stylizacja, nawiązanie do średniowiecznych obrazów mitologicznych.
19.
Wasilija Kandinsky’ego. Szkic do kompozycji „Czerwony z czarnym”, 1915. Akwarela na papierze. Muzeum Sztuki Wiatka. V.M. Ja jestem. Wasnetsow, Kirow. Foto: Siergiej Kuksin, Rossijskaja Gazeta.
Wszystkie dzieła z okresu moskiewskiego Kandinsky został zmuszony do tymczasowego składowania w II Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego przed wyjazdem do Niemiec w grudniu 1921 roku.
20.
Wasilija Kandinsky’ego. „Kompozycja nieobiektywna”, 1915. Muzeum Sztuki Wiatka. V.M. Ja jestem. Wasnetsow, Kirow. przez
Po przyjęciu przez artystę obywatelstwa niemieckiego prace znacjonalizowano i rozpowszechniano wśród muzeów radzieckich.
Oprócz dzieł Kandinsky'ego na wystawie znalazło się także siedem prac jego żony Niny Kandinsky - sześć ze zbiorów Muzeum Puszkina i jedna z Muzeum Azerbejdżanu, które po raz pierwszy zostały pokazane rosyjskiej publiczności.
22.
Wasilija Kandinsky’ego. Kompozycja J. „Jeden głos”. 1916. Akwarela na papierze. 31x20,5. Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin.
Prezentowana na wystawie słynna akwarela mistrza „To One Voice”, 1916, powstała po pierwszej rozmowie telefonicznej Wasilija Kandinskiego z jego przyszłą żoną Niną Nikołajewną Andriejewską w maju 1916 r. We wrześniu tego samego roku Kandinsky spotkał ją po raz pierwszy w salach Muzeum Aleksandra III – obecnie Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin.
23.
Wasilija Kandinsky’ego. Imatra. 1917. Papier, akwarela, pędzel. 22,9 x 28,9. Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin.
W 1917 roku po ślubie nowożeńcy udali się do Finlandii, do miasteczka Imatra słynącego z wodospadu. W wyniku podróży powstała akwarela „Imatra” z 1917 r.
24.
Ninę Kandyńską. Śpiąca kobieta. 1918. Na podstawie rysunku Wassily'ego Kandinsky'ego. Szkło, olej. Muzeum Puszkina. Zdjęcie: Michaił Swiesznikow, westi.ru.
Z dziewięciu dzieł małego formatu w technice malarstwa na szkle i aplikacji, znajdujących się w zbiorach Muzeum Puszkina, sześć dzieł wiąże się z imieniem żony Kandinskiego. Jej doświadczenia w tym gatunku związane są z domowym kręgiem rodzinnym, ze wspólnymi działaniami twórczymi. Pierwsza praca Niny „Spacer” (jest na ilustracji 4), zgodnie z napisem pozostawionym przez Kandinsky'ego na odwrocie, została ukończona 2 kwietnia 1917 roku. Część malowniczego szkła wykonała sama na podstawie wczesnych rysunków męża.
25.
Ninę Kandyńską. Wazon z kwiatami. 1918. Muzeum Puszkina.
100. rocznica powstania „Czarnego kwadratu” Kazimierza Malewicza. Głównym wydarzeniem artystycznym przełomu 2016 i 2017 roku była wystawa w Bazylejskiej Fundacji Beyeler (Fondation Beyeler) „Kandinsky, Marc & Der Blaue Reiter” (Kandinsky, Marc i „The Blue Rider”).
Franciszek Marek. Duże niebieskie konie. 1911
Centrum Sztuki Walkera w Minneapolis
Na wystawie prezentowanych jest ponad 90 eksponatów, około jedna trzecia z nich poświęcona jest legendarnemu almanachowi sztuki „Błękitny Jeździec”, pozostałe to obrazy pochodzące z muzeów i kolekcji prywatnych w Europie Zachodniej, Rosji i USA. Są to nie tylko dzieła Kandinsky'ego i Marka, ale także płótna ich podobnie myślących ludzi, członków stowarzyszenia artystycznego Blue Rider: Aleksieja von Jawlensky'ego, jego żony Marianny Verevkiny, dziewczyny Kandinsky'ego Gabriele Münter, Augusta Macke, Heinricha Campendonka, Włodzimierz Burliuk.
A jednak nazwa wystawy jest uzasadniona: nie bez powodu Kandinsky, nawiązując do Franza Marca, powiedział: „Niebieski jeździec to my dwoje”. Wybrali tę nazwę, która przeszła do historii sztuki światowej, oddając się swoim zachciankom, żartując: „Nazwę „Blue Rider” wymyśliliśmy przy stoliku kawowym w ogrodzie w Sindeldorfie. Oboje kochaliśmy błękit, Marek – konie , Ja - jeźdźcy. Nazwa przyszła sama z siebie” – wspomina Kandinsky.
Nazwa narodziła się łatwo, ale zaczęła się poważna sprawa: „Błękitny Jeździec” zabierał artystów w nieznane krainy, zrzeszał śmiałych innowatorów, którzy obalili podwaliny zrębów sztuki figuratywnej, ale jednocześnie byli głębokimi teoretykami – budowali własne koncepcje estetyczne, studiowali dziedzictwo artystyczne średniowiecza i sztukę prymitywną.
Członkowie stowarzyszenia Blue Rider na tarasie domu Kandinsky'ego w Monachium, 1911
Od lewej do prawej: Maria i Franz Marc, Bernard Köhler, Heinrich Campendonk, Thomas von Hartmann.
W centrum- Wasilija Kandinsky’ego. Zdjęcia wykonała Gabriele Münter.
Przywróćmy kronikę wydarzeń.
W 1908 roku Wassily Kandinsky i jego dziewczyna Gabriele Münter wrócili do Monachium z długiej podróży po Europie i wynajęli mieszkanie w artystycznej dzielnicy Schwabing przy Ainmillerstrasse 36. W sierpniu tego roku Kandinsky z Münterem i Jawlensky z Verevkiną spędzili kilka tygodni szkicując Murnau - bawarskie miasto położone 50 km od Monachium.
Wasilija Kandinsky’ego. Błękitna Góra, 1908-09. Fragment
Muhei Solomon R. Guggenheim, Nowy Jork
W 1909 roku pod przewodnictwem Kandinsky'ego utworzono w Monachium „Stowarzyszenie Nowej Sztuki” (Neuen Künstlervereinigung München), w skład którego wchodziło wielu przyszłych członków „Błękitnego Jeźdźca” – Jawlensky, Münter, Verevkina i inni.
Wasilija Kandinsky’ego. Wydma. 1909
Prywatna kolekcja
Latem 1909 roku Munter kupił willę w Murnau, zwaną później przez miejscowych Russenhaus – „Domem Rosyjskim”, w której wraz z Kandinskim spędzała miesiące letnie do 1914 roku. Malownicze widoki na miasteczko otoczone alpejskimi szczytami, sama willa, uroczy ogród – to wszystko było nieustannym źródłem inspiracji i niejednokrotnie uwieczniane było przez właścicieli „Rosyjskiego Domu” i ich przyjaciół-artystów. 
Wasilija Kandinsky’ego. Ulica w Murnau. 1908
Kolekcja Merzbachera
Jednak „schwytany” nie jest do końca właściwym słowem. Według Muntera mieszkańcy Domu Rosji balansowali pomiędzy tworzeniem czegoś znajomego, pochodzącego z natury, mniej lub bardziej impresjonistycznego, a abstrakcją, kwintesencją, wyciągiem z rzeczywistości. W Murnau artyści, każdy na swój sposób, szukają drogi od ekspresjonizmu do abstrakcji. Kandinsky idzie najdalej: na jego płótnach nieobiektywność coraz odważniej ujarzmia i pochłania realny krajobraz, aż w końcu rozpływa się on w jasnych plamach i wściekłych liniach.
Wasilija Kandinsky’ego. Obermarkt ulica z górami w Murnau. 1908
Prywatna kolekcja
Gabriela Muntera. Ogród w Murnau. 1910
Muzeum Sztuki w Wiesbaden, Niemcy
Aleksiej von Jawlenski. Murnau, krajobraz z pomarańczową chmurą. 1909
Prywatna kolekcja
Aleksiej von Jawlenski. Jesień w Murnau. 1909
Muzeum Sprengla w Hanowerze
Wasilija Kandinsky’ego. Ogród w Murnau. 1910
Galeria Lenbachhaus w Monachium
Wasilija Kandinsky’ego. Ogród w Murnau II. 1910
Spotkanie Merzbachera
Wasilija Kandinsky’ego
Artysta musi mieć coś do powiedzenia, bo jego zadaniem nie jest opanowanie formy, ale
ale dostosowanie tej formy do treści.
Wasilija Kandinsky’ego. „O duchowości w sztuce”, 1910
Wasilija Kandinsky’ego. Improwizacja 7. 1910
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie
Wasilija Kandinsky’ego. Improwizacja 10. 1910
Fundacja Beylera w Bazylei
Wasilija Kandinsky’ego. Improwizacja 12. 1910
Bawarska Kolekcja Malarstwa Państwowego, Monachium
Wasilija Kandinsky’ego. Improwizacja 13. 1910
Galeria Sztuki Karlsruhe, Niemcy
Wasilija Kandinsky’ego. Kajakarstwo. 1910
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie
Wasilija Kandinsky’ego. Dwóch jeźdźców i leżąca postać. 1909-1910
Spotkanie Merzbachera
Wasilija Kandinsky’ego. Fragment kompozycji II. 1910
Spotkanie Merzbachera
Wasilija Kandinsky’ego. Deszczowy krajobraz. 1913
Owocny rok 1909 zakończył się pierwszą wystawą „Stowarzyszenia Nowej Sztuki”, która zainspirowała przebywającego w pewnej twórczej izolacji Franza Marca do odważnego urzeczywistniania swoich oryginalnych pomysłów. Na początku 1910 roku Marek zdecydował się na skromną wystawę indywidualną, po zwiedzeniu której August Macke wraz z kilkoma innymi artystami udał się do jego pracowni – tak nawiązała się przyjaźń pomiędzy Markiem i Macke, którą przerwała dopiero I wojna światowa.
Franciszek Marek
„Nigdy nie malowałem niebieskiego krzewu tylko dla efektu dekoracyjnego, robiłem to po prostu
aby pełniej wyrazić istotę konia, który stoi przed tym krzakiem.”
Franza Marca, 1911
Franciszek Marek. Marzenie. 1912
Franciszek Marek. Pies leżący na śniegu. 1911
Marka Foantsa. Krajobraz z koniem. 1910
Muzeum Folkwang w Essen
Franciszek Marek. Biały byk. 1911
Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku
Franciszek Marek. Czarny Lis. 1911
Muzeum Von der Heydt, Wuppertal, Niemcy
Tymczasem druga wystawa Towarzystwa Sztuki Nowej we wrześniu 1910 roku wywołała dość ostrą krytykę, jedną z nielicznych pozytywnych recenzji napisał Franz Marc. Pod koniec roku Mark i Macke poznali artystów Stowarzyszenia Nowej Sztuki, z wyjątkiem Kandinsky'ego, który w tym czasie był nieobecny.
Augusta Macke’a
„Niezgłębione pomysły I są w zrozumiałej formie”
Augusta Macke’a. 1912
Augusta Macke’a. Spacer wśród kwiatów. 1912
Państwowa Galeria Sztuki w Berlinie
Zabawki syna artysty, małego Waltera. 1912
Muzeum Staedela we Frankfurcie nad Menem
Augusta Macke’a. Promenada: ludzie w ogrodzie. 1914
Augusta Macke’a. Skaczący husaria. 1913
Muzeum Thyssen-Bornemis w Madrycie
Heinricha Campendonka. Balkon. 1913
Spotkanie Merzbachera
1 stycznia 1911 roku na przyjęciu sylwestrowym u Marianne Verevkin Kandinsky wreszcie spotkał Franza Marca. Kandinsky wkrótce zrezygnował z funkcji prezesa „Stowarzyszenia Nowej Sztuki” z powodu nie dających się pogodzić różnic, a w czerwcu podzielił się z Markiem pomysłem wydawania corocznego ilustrowanego almanachu, zawierającego poważne artykuły i kronikę, który obaj mieli redagować.
Współautorzy, przy żywym udziale przyjaciół i osób o podobnych poglądach, pracowali nad tym projektem przez całe lato i jesień 1911 roku. Elisabeth Erdman-Make, żona Augusta Macke, wspominała niezapomniane chwile tej wspólnej pracy, dyskusje rękopisów, gorące debaty i entuzjazm, który ogarnął wszystkich zaangażowanych w publikację almanachu.
Wassily Kandinsky i Franz Marc na okładce almanachu „The Blue Rider”
na tarasie domu Kandinsky'ego w Monachium
. 1911
„Cała ta działalność, która nazywa się sztuką, nie zna granic
i narodowości,
należy tylko do ludzkości”
Wassily Kandinsky i Franz Marc, 1911
Okładka antologii „Błękitny Jeździec”. 1912
Tymczasem w grudniu 1911 roku obraz Kandinsky'ego „Kompozycja 5” został odrzucony przez organizatorów trzeciej wystawy „Stowarzyszenia Nowej Sztuki” ze względów formalnych. W odpowiedzi Kandinsky wycofał się ze stowarzyszenia, część przyjaciół w ramach solidarności poszła za nimi. Redakcja „Błękitnego Jeźdźca” postanowiła zorganizować własną wystawę. „Spróbujemy stanąć w centrum ruchu nowoczesnego” – napisał Franz Marc do swojego brata.
W tym samym czasie monachijskie wydawnictwo „Piper” opublikowało dzieło konceptualne Kandinsky'ego
„O duchowości w sztuce”.
Na przełomie lat 1911-12 Kandinsky i Mark zorganizowali w dwa tygodnie własną, alternatywną dla Stowarzyszenia Sztuki Nowej, wystawę Blue Rider. W katalogu znalazły się 43 prace czternastu artystów. W 1912 roku wystawa podróżowała po Niemczech, a następnie po całej Europie: można ją było oglądać w Kolonii, Berlinie, Bremie, Frankfurcie, Hamburgu, a na początku 1914 roku dotarła do krajów skandynawskich.
Strony almanachu „Błękitny Jeździec”
W lutym 1912 roku otwarto drugą wystawę Błękitnego Jeźdźca, kładącą nacisk na rysunek i grafikę drukowaną, i niemal jednocześnie, w nakładzie 1200 egzemplarzy, ukazał się czterostronicowy prospekt poświęcony przyszłemu almanachowi.
Strony almanachu „Niebieski jeździec”
z traktatem Kandinsky'ego „O kwestii formy”
11 maja 1912 roku światło dzienne ujrzał almanach Blue Rider, wydany przez monachijskie wydawnictwo Piper. Almanach ukazał się w trzech wersjach: „zwykłej”, „luksusowej” (dla redaktorów – Kandinsky’ego i Marka – z ręcznie malowanymi stronami autora i ręcznie drukowanymi rycinami) i „muzealnej” (w 10 egzemplarzach, z oryginalnym dziełem jednego z uczestniczących artystów w załączeniu).
Oryginalna maska tubylcza (Gabon, XIX w.), ta sama maska na stronie almanachu
Włodzimierz Burliuk. Wiosenny krajobraz z kwitnącymi drzewami. 1911
Prywatna kolekcja
Sala wystawowa poświęcona almanachowi „Błękitny Jeździec”
Analogie: rysunek Franza Marca i rycina Hansa Baldunga Greena,
Niemiecki
artysta renesansowy
Fantastyczne zwierzęta. Chiny, XVIII wiek
Muzeum Domu Franza Marca, Kochel am See, Niemcy
Franciszek Marek. Dwa koty. 1913
Pocztówka dla Lilly Klee. Prywatna kolekcja
Franciszek Marek. Cztery lisy. 1913
Pocztówka dla Wassily'ego Kandinsky'ego.
Galeria Lenbachhaus w Monachium
Rozpoczęto przygotowania do drugiego numeru almanachu, który jednak nigdy nie został opublikowany. Powodem były nie tylko pojawiające się nieporozumienia w redakcji: 1 sierpnia 1914 roku wybuchła I wojna światowa. Rosyjscy artyści, jako obywatele wrogiego państwa, musieli pilnie opuścić Niemcy. Kandinsky wraca do Rosji, Jawlenski i Wieriewkina znajdują schronienie w Szwajcarii. Marka i Macke'a wezwano na front. Działalność Stowarzyszenia Błękitnych Jeźdźców dobiegła gwałtownego końca.
Franciszek Marek. Mała kompozycja 1. 1913
Kolekcja prywatna, Szwajcaria
Franciszek Marek. Stajnie. 1913
Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku
Franciszek Marek. Żółta krowa. 1911
Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku
Franciszek Marek. Światowa krowa. 1913
Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku
Franciszek Marek. Pies, kot i lis. 1912
Muzeum Sztuki, Mannheim, Niemcy
Franciszek Marek. Straszny zając. 1912
Kolekcja prywatna, Salzburg
26 września August Macke zginął na froncie zachodnim. Miał 27 lat.
W październiku 1914 roku Franz Marc, zszokowany śmiercią przyjaciela, napisał do Kandinsky'ego: „Mam straszne przeczucie, że ta wojna, jak potężny, wzburzony potok, leżała między nami i oddzielała nas. Trudno nam się rozróżnić na przeciwnych stronach. banki.” I tak się stało: 4 marca 1916 roku trzydziestosześcioletni Franz Mark został śmiertelnie ranny w bitwie pod Verdun.
Franciszek Marek. Wilki (Wojna na Bałkanach). 1913
Galeria Sztuki Albricht-Knoch w Buffalo
„Forma jest zewnętrznym wyrazem treści wewnętrznej”.
Wasilija Kandinsky’ego. „W kwestii formy”. 1912
Wasilija Kandinsky’ego. Improwizacja 35. 1914
Muzeum Sztuki w Bazylei
Wasilija Kandinsky’ego. Fuga. 1914
Fundacja Beylera w Bazylei
Wasilija Kandinsky’ego. Skład VII. 1913
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie
Kandinsky wrócił do Niemiec w 1921 roku jako nauczyciel w weimarskim Bauhausie, nigdy jednak nie wrócił do Monachium ani Murnau. Gabriele Münter po rozstaniu z Kandinskym mieszkała przez pewien czas w Sztokholmie, a następnie ponownie osiadła w Murnau. W 1957 roku przekazała monachijskiej galerii Lenbachhaus (Städtische Galerie im Lenbachhaus) unikalną kolekcję dzieł Kandinsky'ego i innych członków stowarzyszenia Blue Rider. Słynny „Dom Rosyjski” w Murnau został odrestaurowany w pierwotnej formie i zamieniony w muzeum.
Wasilija Kandinsky’ego. Improwizacja „Powódź”. 1913
Galeria Lenbachhaus w Monachium
Wasilija Kandinsky’ego. Malowanie trzema plamami. 1914
Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie
Wystawę w Bazylei można uznać za podwójny jubileusz: w 2016 roku przypadła 150. rocznica urodzin Wassily'ego Kandinsky'ego i 100. rocznica śmierci Franza Marca. Ale nawet dzisiaj sztuka abstrakcyjna, która stała się już klasyką, nie jest akceptowana i rozumiana przez wszystkich widzów. Na pożegnanie – mądre słowa Wasilija Kandinsky’ego:
„...każdą nową wartość ludzie przyjmują wrogo. Próbują sobie z nią poradzić poprzez wyśmiewanie i oszczerstwa. Osoba, która tę wartość wniosła, będzie przedstawiana jako śmieszna i niehonorowa. Będzie wyśmiewana, będzie karcona. To jest horrorem życia.
Radość życia to niepowstrzymane, ciągłe zwycięstwo nowych wartości. To zwycięstwo powoli staje się faktem. Nowa wartość podbija ludzi bardzo powoli. Kiedy w oczach wielu stanie się to niezmienne, wówczas z nieuniknionego dzisiaj stanie się przeszkodą na drodze do jutra.
Wasilija Kandinsky’ego. „Na kwestię formy” .
1912
materiały
Natalia Awtonomowa
WYSTAWY
Numer czasopisma:
W 2016 roku światowe środowisko artystyczne obchodziło 150. rocznicę urodzin twórcy i teoretyka sztuki abstrakcyjnej Wassily'ego Kandinsky'ego (1866-1944). W jego ojczyźnie rocznicę poświęcono szereg wystaw w głównych rosyjskich muzeach i międzynarodowych konferencji na wiodących uniwersytetach w Moskwie.
Jubileusz rozpoczął się niezwykłym projektem „Wasily Kandinsky. Kontrapunkt: „Kompozycja VI” - „Kompozycja VII”, przygotowana przez Państwową Galerię Trietiakowską we współpracy z Państwowym Muzeum Ermitażu i Muzeum Sztuki Współczesnej Garaż. Po raz pierwszy po legendarnej osobistej retrospektywie artysty w Moskwie i Leningradzie w 1989 roku, w jednej przestrzeni wystawienniczej zaprezentowano dwa słynne arcydzieła - abstrakcyjne wyrażenia z 1913 roku. Eksperymentalny format ekspozycji pozwolił na przeprowadzenie swego rodzaju dialogu pomiędzy obrazami powstałymi w ciągu jednego roku. Konsekwentnie pokazali ewolucję drogi twórczej mistrza, ucieleśniając w innym tonie i różnorodności form artystycznych intensywność emocjonalną i dramaturgię, która rozwinęła się w Europie w przededniu I wojny światowej. W ramach tej wystawy w Garażu odbyło się międzynarodowe seminarium „Kto się boi Kandinsky’ego? Reprezentując Wassily'ego Kandinsky'ego w XXI wieku”, która poruszała kwestie przemyślenia dziedzictwa Kandinsky'ego i klasycznej rosyjskiej awangardy w kontekście współczesnej praktyki muzealnej i kuratorskiej. Autorzy pierwszych wystaw retrospektywnych artysty oraz kuratorzy ostatnich projektów opowiedzieli o swoich lekturach twórczości Kandinsky'ego, o planach i pomysłach na programy wystaw.
Jesienią tego samego roku w Państwowym Muzeum Rosyjskim (RMM) otwarto dużą, jubileuszową wystawę artysty, przedstawiającą jego działalność twórczą w Rosji. Zawiera dzieła mistrza ze zbiorów muzeów metropolitalnych i regionalnych oraz ze zbiorów prywatnych, przy czym szczególną uwagę zwraca się na narodową genezę i korzenie jego twórczości. Treść projektu została zasadniczo poszerzona poprzez włączenie do ekspozycji prac osób o podobnych poglądach i współpracowników artysty, członków licznych stowarzyszeń.
W listopadzie 2016 roku w Instytucie Historii Sztuki Rosyjskiej Akademii Sztuk odbyły się XXVII Czytania Alpatowa poświęcone twórczemu, naukowemu i pedagogicznemu dziedzictwu artysty, a w grudniu na Moskiewskim Uniwersytecie Państwowym, Rosyjskim Państwowym Uniwersytecie Humanistycznym oraz Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Muzeum Puszkina (Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina) odbyła się międzynarodowa konferencja „Wasily Kandinsky: synteza sztuk, synteza kultur”. W reportażach poruszano i omawiano problemy dialogu międzykulturowego, relacji nauki i sztuki, analizy uniwersalnego języka form w malarstwie, muzyce i poezji.
W Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin w grudniu 2016 roku otworzył rocznicową wystawę „Bagateli” Wasilija Kandinskiego. Malarstwo na szkle, akwarele i rysunki. 1915-1920”, poświęconej moskiewskiemu okresowi jego twórczości. Uczestnikami projektu są Państwowe Muzeum Rosyjskie (cztery prace na szkle: „Amazonka z Błękitnymi Lwami”, „Amazonka w górach” (oba - 1918) i inne), Muzeum Sztuki Wiatka. V.M. Ja jestem. Wasnetsow i Muzeum Krajoznawcze w Jarańsku („Kompozycja nieobiektywna”, „Szkic kompozycji „Czerwone i czarne”, „Akwarela”, „Rysunek” (wszystkie - 1915 r.) i inne), Państwowe Muzeum Ceramiki i Muzeum „Osiedle Kuskovo z XVIII wieku” oraz Muzeum Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuki i Przemysłu im. S.G. Stroganowa (porcelana z malowaniem według szkiców W. Kandinskiego, lata 20. XX w.), a także Narodowe Muzeum Sztuki Azerbejdżanu („Dama z kwiatkiem”, „Jeździec”, oba - 1917). W sumie na wystawie znalazło się ponad 70 dzieł Kandinsky'ego. Po raz pierwszy na wystawie w takim tomie zaprezentowano jego prace wykonane w unikalnej technice malarstwa na szkle, a także grafiki z lat 1915-1920. To właśnie w tych latach Kandinsky powrócił do tematu.
Po raz pierwszy rosyjskiej publiczności pokazano siedem prac żony Kandinsky'ego, Niny Nikołajewnej (sześć ze zbiorów Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina i jedno z Narodowego Muzeum Sztuki Azerbejdżanu).
Przed wyjazdem do Niemiec w grudniu 1921 r. Kandinsky został zmuszony do pozostawienia wszystkich dzieł okresu moskiewskiego do tymczasowego przechowywania w II Muzeum Nowego Malarstwa Zachodniego. Po przyjęciu przez artystę w 1928 roku obywatelstwa niemieckiego jego dzieła znacjonalizowano i rozpowszechniano wśród muzeów sowieckich.
Ścieżka życiowa Kandinsky'ego była długa i dramatyczna. Dwukrotnie został emigrantem: najpierw jako Rosjanin, potem jako obywatel Niemiec. W okresie nazizmu jego prace uznano za „sztukę zdegenerowaną” i muzea niemieckie się ich pozbyły, natomiast w muzeach rosyjskich ze względu na politykę ideologiczną długo trzymano je w funduszach i nie były pokazywane widzowi .
Twórczość Kandinsky'ego powstała w oparciu o tradycje narodowe dwóch kultur - rosyjskiej i niemieckiej. Równie ważne są dla niego dwa miasta – Moskwa i Monachium. Urodził się w Moskwie i zdobył wykształcenie uniwersyteckie. Będąc za granicą niemal co roku wracał do rodzinnego miasta, czerpiąc siłę i inspirację z jego piękna i oryginalności. Monachium, centrum europejskiej edukacji artystycznej, przyniosło mu pierwsze sukcesy i uznanie jako organizator „Machijskiego Towarzystwa Nowej Sztuki” i „Błękitnego Jeźdźca”. Pierwsza wojna światowa pokrzyżowała plany twórcze Kandinsky'ego – jako Rosjanin musiał opuścić Niemcy. Artysta spędził dwa miesiące w Szwajcarii i dopiero we wrześniu 1914 roku mógł wrócić do Rosji. W Niemczech Kandinsky pozostawił około 250 obrazów i 600 prac graficznych.
Od grudnia 1914 do grudnia 1921 Kandinsky mieszkał w Moskwie. To siedem szczęśliwych i tragicznych lat jego życia. Na początku 1916 roku odbyła się jego osobista wystawa w Szwecji i ostatnie spotkanie z Gabrielą Münter. Są to lata znalezienia nowej rodziny z Niną Andreevską i utraty syna Wsiewołoda (1917–1920), trudności finansowych i wielu innych.
We wrześniu 1916 roku w Muzeum Sztuk Pięknych Aleksandra III (obecnie Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina) Kandinsky po raz pierwszy spotkał swoją przyszłą żonę Ninę Andreevską, córkę kapitana armii rosyjskiej, który zginął w pobliżu Port Arthur. Wcześniej, w maju, odbyli rozmowę telefoniczną. Kandinsky zakochał się w nieznanym głosie i namalował akwarelę „Do jednego głosu” (Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina). Po ślubie nowożeńcy udali się do Finlandii, do miejscowości Imatra słynącej z wodospadu. Namalowano akwarelę „Imatra” (Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), oddającą bajecznie idylliczny nastrój małżeństwa.
W latach 1915-1921 artysta nie stworzył ani jednego programu malarskiego. Był to czas poszukiwań, powrotu od abstrakcji do obiektywności. Artystka zajmowała się akwarelą, rysunkiem, ryciną oraz pod wpływem bawarskiej tradycji ludowej „Hinterglasmalerei” wykonywała prace na szkle. Technika malowania pod szkłem jest złożonym układem optycznym i kolorystycznym, gdy artysta maluje farbami olejnymi na odwrotnej stronie szklanej podstawy, uwzględniając percepcję kompozycji przez widza od lewej do prawej. Tradycja ta znana jest od XIV wieku i była popularna w sztuce ludowej XIX wieku w Austrii, Bawarii, Czechach i południowych regionach Rosji. Kandinsky z entuzjazmem kolekcjonował stare niemieckie ikony na szkle, popularnych grafikach i drewnianych zabawkach. W latach 1911-1912 namalował cykl kompozycji religijnych na szkle w stylu neoprymitywistycznym. Szczególnie urzekł go wizerunek św. George, wojownik węży. Romantyczny wizerunek jeźdźca stał się osobistym emblematem Kandinsky'ego, wyrazem walki i przełomu. Wystawa prezentuje luboki ze zbiorów Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkina i monachijska fotografia Kandinsky'ego siedzącego przy stole, nad którym na ścianie umieszczona jest jego kolekcja popularnych grafik i malowniczych okularów.
W okresie moskiewskim Kandinsky stworzył serię abstrakcyjnych akwareli i dużą liczbę „okularów”. W scenach prymitywistycznych powraca do tematyki, do maniery swoich wczesnych dzieł symbolistycznych z lat 1908-1909. Artysta nazwał je „bagatellami”, co po francusku oznacza „drobiazgi”, „drobiazgi”. Często nazwą tą określano małe formy dzieł muzycznych. Znane są „bagatele” Beethovena, Liszta, Dvoraka, współczesnych kompozytorów Bartoka i Weberna. W „bagatelach” Kandinsky’ego można zauważyć neoromantyczne środki: dekoracyjność, stylizacja, nawiązanie do średniowiecznych obrazów mitologicznych. Pomimo tego, że mają charakter fabularny, trudno jest ustalić powiązanie z tym czy innym konkretnym wątkiem baśniowym czy mitologicznym. W swoim artystycznym wcieleniu Kandinsky posługiwał się abstrakcyjnymi motywami liniowymi i kolorowymi. Na wystawie w świat „bagateli” widza wprowadzają południowoniemieckie obrazy religijne na szkle z przełomu XIX i XX w. (z kolekcji Władimira Spivakowa) oraz ozdobne czarno-białe ryciny przedstawiające stare waleczne damy i rycerzy z zbiór „Wiersze bez słów” (1903-1904, zbiór A. i M. Chapkin).
W latach 1916–1918 Kandinsky stworzył około 27 prac na szkle. I zgodnie z wymogami techniki malowania pod szkłem artysta najpierw wykonał rysunki, a następnie przeniósł kompozycję na odwrotną stronę szkła. Zachowało się kilka takich par, składających się z prac przygotowawczych i samych kieliszków: „Dama z kwiatkiem”, „Matka Boża z Dzieciątkiem”, „Akordeonista” (wszystkie - 1917 r.). Tematycznie są to galanteryjne sceny z damami i panami wypoczywającymi na łonie natury na tle szlacheckich posiadłości i zbiorników wodnych, motywy pasterskie z pasącymi się na łące krowami. W kompozycjach „Dwie damy. Achtyrka” i „Złota Chmura” artysta uczynił głównymi bohaterami swoją żonę Ninę i jej siostrę Tatianę, które spędziły razem lato 1917 roku w pobliżu Abramcewa, niedaleko słynnego majątku Achtyrka pod Moskwą. Skaczące Amazonki są przedstawione na trzech szklankach. Panie podane są w skomplikowanych ujęciach, umiejętnie sterują końmi, jakby zamrożone w skoku i unoszące się nad ziemią, nad posiadłościami, parkami z rzeźbami lwów i górami. Bagatele na szkle marki Kandinsky poświęcone są bohaterom epoki biedermeieru lub motywom narodowym z rosyjskich baśni. Cechuje je ironiczna interpretacja, często o „zabawnym” początku, kiedy humorystyczna kpina autora zamienia się w groteskę.
Wraz z akwarelami tematycznymi powstał cykl abstrakcyjnych kompozycji graficznych. Dla Kandinsky'ego były one swego rodzaju „ćwiczeniami” przed napisaniem dużych obrazów programowych. Akwarele z lat 1915-1920 zapisały się w historii jego twórczości jako małe graficzne arcydzieła, zachwycające kunsztem wykonania i wirtuozerią artystycznego wyrazu. Niektóre akwarele nawiązują do abstrakcyjnych wyrażeń lat 1910-tych, inne zawierają nowe, ściśle geometryczne elementy. Kompozycje te mają chłodniejszą kolorystykę, dominuje w nich racjonalna zasada. Trend geometryczny obecny jest także w projektach Kandinsky'ego, w szkicach obrazów na porcelanie. Na wystawie prezentowane są filiżanki i spodki z malowidłami wykonanymi według tych szkiców na początku lat dwudziestych XX wieku na terenie dawnych fabryk Imperial i Dulevo.
Sześć arkuszy graficznych Kandinsky'ego 1915-1919 ze zbiorów Muzeum Sztuki Wiatka. V.M. Ja jestem. Wasnetsow i Jarańskie Muzeum Krajoznawcze zostały wystawione w 1921 roku na Trzeciej Wystawie Sztuki Objazdowej w mieście Sowietsk w obwodzie kirowskim. Wśród 55 uczestników (ponad 300 dzieł) znaleźli się znani mistrzowie - Varvara Bubnova, Alexander Drevin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Nikolai Feshin, David Shterenberg i inni. Trasa wystawy przebiegała przez miasta obwodu kirowskiego. W związku z zakończeniem finansowania w jednym z miast, Jarańsku, wystawa „zatrzymała się”, a wszystkie prace trafiły do zbiorów lokalnego muzeum historycznego. I dopiero całkiem niedawno, na początku XXI wieku, w muzeum odkryto akwarele Kandinsky'ego, które przechowywał jako dzieła nieznanego artysty. Zostały one przypisane i zaprezentowane środowisku artystycznemu.
Spośród czterech dzieł malarstwa na szkle i czterech aplikacji prezentowanych na wystawie w Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkina pięć dzieł wiąże się z imieniem Niny Kandinsky. Swego rodzaju „inicjacja w sztukę” była dla młodej żony Kandinsky’ego malowaniem na szkle. Jej doświadczenia w tym gatunku zdeterminowane są przez środowisko rodzinne, wspólne działania twórcze. Malownicze okulary „Chodząc” i „Śpiąc” (oba - 1917) wykonała według wczesnych rysunków Kandinsky'ego, „Scena z faetonem” z Muzeum Azerbejdżanu - według rysunku nieznanego autora. Na aplikacjach wykonanych z połysku
folia przedstawia fantastyczne, orientalne postacie, interpretowane w ironiczny sposób. Całość układa się w swego rodzaju tryptyk: „Trzy bożki”, „Na psie”, „Na fotelu”. Najbardziej wzruszająca i naiwna z aplikacji - „Bukiet” - wykonana jest z tektury falistej, na której odwrocie znajduje się napis-rozpoznanie: „Mojemu nieskończenie ukochanemu Vasikowi od Niny, zawsze Twój. Gratulacje 15 lipca 1918 r. 15 lipca – imieniny Wassily’ego Kandinsky’ego.
Przez prawie 30 lat małżeństwa para nigdy się nie rozstała. Łączyła ich miłość i szczególne wzajemne zrozumienie. „Kiedy Kandinsky umarł” – napisała Nina Nikołajewna w swoich wspomnieniach – „pomyślałam:„ To koniec wszystkiego ”… W moich oczach żaden człowiek nie mógł znieść porównania z Kandinskim. Dlatego całą swoją energię skupiłam na pracy na rzecz jego dziedzictwa, co dało mi nową siłę, a moje życie – nowy, wspaniały sens.
Z okazji rocznicy artysty wydawnictwo Sztuka XXI wieku przygotowało tłumaczenie książki wspomnień Niny Kandinsky Kandinsky i ja, która po raz pierwszy zapozna rosyjską publiczność z okresem Bauhausu i Paryża w życiu i twórczości wielkiego mistrza.
Ilustracje
Wasilij KANDINSKY. Harmonista. 1917
Szkło, olej. 23,5 × 19,6. Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin
Wasilij KANDINSKY. Imatra. 1917
Papier, akwarela, pędzel. 22,9 × 28,9. Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin
Wasilij KANDINSKY. Kompozycja J. „Jeden głos”. 1916
Papier, akwarela. 31×20,5. Muzeum Puszkina im. JAK. Puszkin
Wasilij KANDINSKY. Rysunek. 1915
Papier, atrament. 33,6 × 22,8. Regionalne Muzeum Wiedzy Lokalnej w Jarańsku
Wasilij KANDINSKY. Akwarela. 1915
Papier, akwarela. 21x26,8. Regionalne Muzeum Wiedzy Lokalnej w Jarańsku
Wasilij KANDINSKY. Nieobiektywny skład. 1915
Papier, akwarela. 33,7 × 22,4. Muzeum Sztuki Wiatka. V.M. Ja jestem. Wasnetsow
Wasilij KANDINSKY. Szkic kompozycji „Czerwony z czarnym”. 1915
Papier, akwarela. 23×33,9. Muzeum Sztuki Wiatka. V.M. Ja jestem. Wasnetsow
Wasilij KANDINSKY. Złota chmura. 1918
Szkło, olej. 24 × 31. Czas