Lata życia Van Eycka. Jan van Eyck (Portret pary Arnolfinich). Opis obrazu. Losy portretu po wojnach napoleońskich

09.07.2019

Jan van Eyck i jego starszy brat Hubert van Eyck stali się twórcami holenderskiego renesansu. O Hubercie nie wiadomo prawie nic. Jan był jego uczniem, pełnił funkcję malarza nadwornego w Hadze na dworze Jana Bawarskiego w latach 1422 - 1425. Następnie pracował na dworze księcia Burgundii Filipa Dobrego, podróżował z misjami dyplomatycznymi do Portugalii i Hiszpanii .

Od 1430 r. osiadł w Brugii, gdzie zaangażował się mocno w działalność twórczą. Istnieje kontrowersyjna opinia, że twórczość van Eycka rozpoczęła się od pracy nad miniaturami Księgi godzin Turyn-Mediolan Chegodaev A.D. General History of Arts, tom 3, 1962. s. 586.

Dzieło, które zapoczątkowało renesans w Holandii - Ołtarz Gandawski w katedrze św. Bawona - zostało ukończone w 1432 roku. W jego górnej kondygnacji przedstawiona jest scena Zwiastowania, w dolnej - postacie Jana Chrzciciela i Jana Ewangelisty. Po obu stronach znajdują się portrety darczyńcy Jossa Wade'a, mieszczanina z Gandawy, i jego żony. Kolorystyka zewnętrznej strony ołtarza jest dość powściągliwa, szczególnie w wizerunkach św. Jana, natomiast jego wewnętrzna część wypełniona jest jasnymi i jaskrawymi kolorami. Tutaj, w górnym rzędzie, przedstawiony jest Bóg Ojciec na tronie, po lewej i prawej stronie od Niego Dziewica Maryja i Jan Chrzciciel, pochyleni w modlitwie; następnie po obu stronach aniołowie grają muzykę, a Adam i Ewa uzupełniają rząd. Na niższej kondygnacji pośrodku znajduje się scena kultu baranka ofiarnego, symbolizującego ofiarę Chrystusa za ludzkość, po lewej stronie których znajdują się sprawiedliwi Starego Testamentu, a po prawej apostołowie. Kolejni są papieże i biskupi, a mnisi i świeccy uzupełniają rząd.

W dni powszednie, zamknięty, ołtarz wygląda surowo i powściągliwie. W święta otwierano drzwi ołtarza, a parafianie mogli oglądać sceny pełne wesołych kolorów, wykonane techniką malarstwa olejnego. Centralna kompozycja rozgrywa się na zielonej łące otoczonej gajami, co stanowi obraz nieba na ziemi.

Inne kompozycje ołtarzowe Jana van Eycka są bardziej powściągliwe i kameralne, ale zawierają też harmonijne połączenie renesansowej miłości do życia i średniowiecznej surowości religijnej.

Do najsłynniejszych obrazów van Eycka należą Madonna kanclerza Rolina (ok. 1435) i Madonna kanonika van der Paele (1436). W obu tych obrazach jest pewien rodzaj realizmu mistycznego. W pierwszym dziele w tle widzimy rozległy pejzaż wielkiego miasta z rzeką i bezkresnymi polami, a w centrum kompozycji znajduje się Nicolas Rolin kłaniający się w modlitwie Matce Bożej. Przestrzeń drugiej natomiast skupiona jest w ramach małego, ciasnego kościoła. Tutaj, na prawo od Madonny, stoi Georg van der Paele. W obu kompozycjach wizerunki darczyńców wskazują, że portret stał się gatunkiem niezależnym. Uważa się, że jednym z założycieli tego gatunku był Jan van Eyck, który później stał się jednym z pierwszych głównych mistrzów portretu północnego renesansu.

Jednym ze słynnych portretów van Eycka jest „Tymoteusz”, zwany także „Portretem mężczyzny” (1432). Przedstawia mężczyznę o pozbawionym wyrazu, ale jednocześnie nierozerwalnie tajemniczym spojrzeniu. Przykład ten jest także typowy dla innych dzieł portretowych artysty, na przykład „Człowieka w czerwonym turbanie” (1433) i portretu jego żony Margaret van Eyck (1439).

Przełomowym momentem w twórczości artysty stał się „Portret pary Arnolfinich” (1434), przedstawiający parę małżeńską w chwili zawarcia małżeństwa. Kupiec Giovanni Arnolfini i jego żona Giovanna ukazani są w domowej, codziennej scenerii – w domu. Ale obraz jest wypełniony symbolami i najdrobniejszymi szczegółami, które wskazują na ekskluzywność chwili.

Na przykład na podłodze przedstawiono dwie pary butów – ten drobny szczegół odsyła nas do Starego Testamentu: „I rzekł Bóg: nie przychodźcie tutaj; zdejmij buty z nóg, bo miejsce, na którym stoisz, jest ziemią świętą” (Wj 3,5) Pięcioksiąg Mojżesza. Tora; Stary Testament, Biblia.. Artystka pokazuje, że w tej chwili podłoga ich pokoju jest dla małżonków ziemią świętą, gdyż sprawowany jest tam sakrament małżeństwa. Koncentracja postaw, wyrazu twarzy i złączonych dłoni również wskazuje na powagę tej okazji.

Twórczość Jana van Eycka wprowadziła wiele nowych trendów w rozwoju sztuki pięknej w Holandii i innych krajach Europy. Jest ona jeszcze podporządkowana religijności średniowiecznej, jednak już niesie w sobie zainteresowanie materialną, codzienną stroną codziennego życia człowieka, podkreślając wagę człowieka w świecie.

Van Eyck Jan, malarz holenderski. Jeden z twórców sztuki wczesnego renesansu w Niderlandach, Jan van Eyck w latach 1422–1424 pracował przy dekoracji zamku hrabiego w Hadze, w 1425 został nadwornym artystą księcia burgundzkiego Filipa Dobrego, w 1427 odwiedził Hiszpanię, w latach 1428–1429 – Portugalię. Około 1430 roku Jan van Eyck osiadł w Brugii.

Największym dziełem Van Eycka jest słynny „Ołtarz gandawski”, rozpoczęty, jak wynika z późniejszego napisu na drzwiach zewnętrznych, przez starszego brata van Eycka, Huberta (pracował w latach dwudziestych XIV wieku w Gandawie, zmarł około 1426 r.), a ukończony w styczniu 1432 r. van Eyck to jeden z pierwszych mistrzów portretu w Europie, który w swojej twórczości wyłonił się jako niezależny gatunek. Pełnowymiarowe portrety Van Eycka, przedstawiające zazwyczaj modelkę w obrocie o trzy czwarte (Tymoteusz, 1432, Portret mężczyzny w czerwonym turbanie, 1433, oba w National Gallery w Londynie; portret żony artysty Margarethy, 1439, Miejska Galeria Sztuki w Brugii) cechuje ścisła prostota i wyrafinowanie środków wyrazu. Bezstronne, zgodne z prawdą i dokładne oddanie wyglądu człowieka jest w nich podporządkowane czujnemu i wnikliwemu ujawnieniu głównych cech jego charakteru. Jan van Eyck stworzył pierwszy w malarstwie europejskim portret parowy – wizerunek kupca Giovanniego Arnolfiniego i jego żony, nasycony złożoną symboliką, a jednocześnie intymny i liryczny.

Problem udziału artysty Huberta van Eycka w pracach nad ołtarzem pozostaje otwarty: według większości badaczy mógł on rozpocząć prace jedynie w środkowej części ołtarza, ale w ogóle prace wykonał Jan van Eyck. Pomimo obecności archaicznych, gotyckich elementów w wielu scenach ołtarzowych, „Ołtarz Gandawski” otworzył nową erę w rozwoju sztuki holenderskiej. Złożona symbolika religijna przekłada się na konkretne, niezwykle przekonujące i namacalne obrazy. Nagie postacie Adama i Ewy ukazane są na zewnętrznych drzwiach ołtarza z wyjątkowym realizmem i nielakierowaną wyrazistością. Postacie śpiewających i grających muzycznych aniołów na bocznych drzwiach wyróżniają się przekonującą plastyczną namacalnością. Tła pejzażowe sceny „Adoracji Baranka” znajdującej się pośrodku ołtarza wyróżniają się subtelną poezją i umiejętnością oddania przestrzeni i środowiska świetlno-powietrznego.

Szczytem twórczości van Eycka jest monumentalna kompozycja ołtarzowa „Madonna kanclerza Rolina” (ok. 1436, Luwr, Paryż) i „Madonna kanonika van der Paele” (1436, Miejska Galeria Sztuki, Brugia). Rozwijając i wzbogacając dorobek swoich poprzedników, przede wszystkim R. Campina, przekształca tradycyjną scenę kultu Matki Bożej w majestatyczny i barwny obraz widzialnego, rzeczywistego świata, pełnego spokojnej kontemplacji. Artystę w równym stopniu interesuje człowiek w całej jego wyjątkowej indywidualności, jak i otaczający go świat. W jego kompozycjach obrazy portretowe, pejzaż, wnętrze i martwa natura występują na równych prawach i tworzą harmonijną całość. Niezwykła staranność, a jednocześnie ogólność malarstwa ujawnia wewnętrzną wartość i piękno każdego przedmiotu, który w twórczości van Eycka nabiera realnego ciężaru i objętości, charakterystycznej faktury powierzchni. Detale i całość pozostają w organicznej relacji: elementy architektoniczne, wyposażenie, kwitnące rośliny, luksusowe tkaniny zdobione drogimi kamieniami, jakby ucieleśniające cząstki nieskończonego piękna wszechświata: panoramiczny pejzaż pełen światła i powietrza w „Madonnie Kanclerz Rolin” jest postrzegany jako zbiorowy obraz Wszechświata.

Twórczość Van Eycka przepojona jest głębokim rozumieniem istnienia jako logicznego ucieleśnienia Opatrzności Bożej, czego wyrazem była ścisła, przemyślana, a jednocześnie żywotnie naturalna konstrukcja kompozycji, pełna subtelnego poczucia proporcjonalności przestrzennej. Rozwiązanie problemów twórczych, przed którymi stanął van Eyck, wymagało opracowania nowych środków wyrazu artystycznego. Jako jeden z pierwszych opanował plastyczne możliwości malarstwa olejnego, stosując cienkie, półprzezroczyste warstwy farby nakładane jedna na drugą (flamandzki styl wielowarstwowego malarstwa transparentnego). Ta metoda malowania pozwoliła van Eyckowi osiągnąć wyjątkową głębię, bogactwo i jasność koloru, subtelność światła i cienia oraz barwne przejścia. Dźwięczne, intensywne, czyste odcienie kolorów na obrazach van Eycka, przesiąknięte powietrzem i światłem, tworzą jedną harmonijną całość.

Twórczość artysty van Eycka, która najdobitniej odtworzyła piękno i żywą różnorodność wszechświata, w dużej mierze wyznaczyła drogę dalszego rozwoju malarstwa holenderskiego, zakres jego problemów i zainteresowań. Potężny wpływ sztuki van Eycka doświadczyli nie tylko Holendrzy, ale także włoscy mistrzowie renesansu (Antonello da Messina).

Pierwsza udokumentowana wzmianka o Janie van Eycku pochodzi z początków lat dwudziestych XIV wieku, kiedy to pracował on w Hadze na zlecenie władcy Holandii Jana Bawarskiego. Od 1425 roku został nadwornym malarzem księcia Burgundii Filipa Dobrego. W jego imieniu odwiedził w latach 1427-1429 Hiszpanię i Portugalię, gdzie miał namalować portrety tutejszych księżniczek, ewentualnych narzeczonych księcia. Niestety portrety te do nas nie dotarły, ale sam fakt podjęcia się takiego zadania wskazuje, że artysta dał się poznać jako zręczny portrecista już w latach dwudziestych XIV wieku.

Zachowane portrety Jana van Eycka pochodzą z następnej dekady. Pozwalają one uznać go za najwybitniejszego mistrza portretu w ówczesnej Europie Północnej. Zasadniczo zmienił tę formę sztuki z pobocznej w niezależny gatunek. Prace te są niewielkich rozmiarów i wykonane w oleju na desce. Znana już wcześniej w Holandii technika malarstwa olejnego została w niezwykły sposób udoskonalona przez van Eycka. Słynny włoski malarz i historyk sztuki XVI wieku Giorgio Vasari uważał nawet holenderskiego mistrza za wynalazcę farb olejnych. W rzeczywistości zastosował nowe kompozycje, uzyskując szczególną głębię i jasność koloru. Na jasną podmalówkę nałożono cienkie przezroczyste warstwy farby, uzyskując efekt niesamowitej czystości i świetlistości kolorystyki.

W większości przypadków van Eyck przedstawia portret portretowanej osoby od klatki do klatki piersiowej, pokazując ją w spokojnym obrocie w trzech czwartych. Tło portretu jest zazwyczaj ciemne, neutralne, natomiast postać, a zwłaszcza twarz rozświetlona jest miękkim, rozproszonym światłem, w którym charakterystyczne cechy wyglądu modelki zyskują niezwykłą życiową realność. Taki jest na przykład jeden z najwcześniejszych z tej serii, „Portret kardynała Albergatiego” (1431-1432, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum). Jest o tyle ciekawy, że jako jedyny zachował się rysunek przygotowawczy artysty, wyraźnie wykonany z życia, ze szczegółowymi notatkami mistrza określającymi kolorystykę portretu. Porównanie portretu malarskiego z rysunkiem pokazuje, że artysta starając się wiernie naśladować naturę, pragnie jednocześnie wydobyć głębsze rysy charakteru modela.

Jeśli na rysunku widz postrzega bohatera jako starszego, dobrodusznego mężczyznę, to na obrazie jawi się jako osoba powściągliwa, powściągliwa, pogrążona w myślach. W poszukiwaniu monumentalności i znaczenia obrazu mistrz wykorzystuje możliwości koloru. Niemal połowę powierzchni malarskiej portretu zajmuje czerwona plama szaty kardynała. Obok innego plastikowego akcentu - świetlistej objętości dużej głowy, stwarza wrażenie szczególnej stabilności siedzącej sylwetki. Podobna technika – połączenie jasnego miejsca ubioru i rozświetlonej światłem twarzy, charakterystyczna jest także dla innych sięgających popiersia portretów mistrza („Portret Margarethy van Eyck, żony artysty”, 1439, Brugia, Muzeum Groeninge ).

Szczególne miejsce w twórczości portretowej Jana van Eycka zajmuje „Portret pary Arnolfinich” (1434, Londyn, National Gallery). Młoda para jest przedstawiona w całej okazałości we wnętrzu własnego pokoju. Prawdziwi ludzie pojawiają się przed widzem w swoim codziennym otoczeniu. Przekonujący, jak zawsze u Eicka, autentyczność wyglądu łączy się tu z poczuciem powagi rozgrywającej się akcji. Majestatyczny spokój póz, demonstracyjny gest stykających się dłoni mężczyzny i kobiety wskazują, że przedstawiony jest moment zawarcia umowy małżeńskiej. Zadziwiająca jest obserwacja artysty, umiejętność przekazania intymnych przeżyć emocjonalnych ukazanych osób, tak jakby stały one nie przed artystą, ale przed ołtarzem. Panna młoda z nieśmiałą i delikatną ufnością podaje rękę panu młodemu. Podobnie cały jego wygląd, spokojna i pewna postawa, gest drugiej ręki wzniesionej w przysiędze, budzi wiarę w siłę i niezawodność zawartego sojuszu. Nowym słowem w sztuce portretowej jest ekspozycja tematów w środowisku domowym, co upodabnia obraz do malarstwa gatunkowego. To prawda, że wiele przedmiotów wraz z cechami czysto codziennymi ma „mówiące” znaczenie symboliczne (na przykład para drewnianych butów symbolizuje nierozłączność, a miotła przy ścianie - czystość panny młodej, pies u stóp tych przedstawiony - alegoria wierności itp.). Przestrzeń pokoju nie jest zamknięta: za wąskim pasem okna, danym pod mocnym kątem, widać kawałek miasta, a okrągłe wypukłe lustro umieszczone pośrodku tylnej ściany zwiększa głębię pomieszczenia, odbijając ludzie wchodzą do drzwi. Podobna technika gry przestrzennej została wkrótce przejęta od van Eycka przez wielu zwolenników.

Najważniejszym dziełem Jana van Eycka, które przyniosło mu największą sławę, jest monumentalny, wieloczęściowy poliptyk zwany „Ołtarzem Gandawskim” (nazwany tak od lokalizacji – Katedra św. Bawona w Gandawie).

Zanim przejdziemy do historii tego wyjątkowego dzieła, warto powiedzieć kilka słów o historii samej formy ołtarza obrazowego. W Europie Północnej zaczyna się rozwijać dopiero od końca XIV wieku. Ostre sklepienia gotyckiej świątyni niezbyt sprzyjały malowaniu przestrzeni wewnętrznej. Bariery ołtarzowe zdobiono najczęściej rzeźbą – okrągłą lub reliefową. Stopniowo uformował się rodzaj ołtarza złożony z kilku malowanych drewnianych drzwi, które można było zamknąć, aby lepiej zachować środkową część, która zachowała rzeźbiarski charakter. Dalszy rozwój kompozycji ołtarzowej doprowadził na początku XV wieku do powstania ołtarza czysto malowniczego. Często malowanie drzwi zewnętrznych wykonywano w kolorze grisaille (monochromatycznym), jakby imitującym rzeźbę. Główna treść skupiła się teraz na wewnętrznych częściach składania. Tutaj artysta mógł ujawnić cały swój talent kompozytorski i kolorystyczny.

Jak wynika z inskrypcji na ramie poliptyku gandawskiego, prace nad nim rozpoczął około połowy lat dwudziestych XIV wieku starszy brat Jana, Hubert van Eyck. Wiadomo jednak niezawodnie, że już w 1426 roku Hubert zmarł. Tym samym cała główna praca nad stworzeniem majestatycznego ołtarza spadła na młodszego brata, który ukończył go w 1432 roku. To dzieło reprezentowało nowe słowo w sztuce Europy Północnej. W tych partiach nie powstało nigdy nic o podobnej wielkości, złożoności kompozycji, zakresie przedstawianego obrazu, nie mówiąc już o porywającej doskonałości kunsztu malarskiego. Złożoność konstrukcji ołtarza jest niezwykła. Złożony z wielu pojedynczych paneli przedstawiających różne sceny z życia niebieskiego i ziemskiego, daje jednocześnie holistyczny obraz wszechświata, jakim wydawał się ówczesnym ludziom. Parafianie katedry mogli zobaczyć ołtarz w dwóch stanach: w dni powszednie jego główna część wewnętrzna była zamykana drzwiami; w wakacje odsłaniały się, wprowadzając widza w najgłębsze tajemnice istnienia, a także odsłaniając oku najcenniejszą część malarstwa.

Zarówno wewnętrzna, jak i zewnętrzna część poliptyku podzielona jest poziomo na dwie kondygnacje, z których każda składa się z kilku niezależnych obrazów. Malowanie drzwi zewnętrznych jest niemal monochromatyczne. Dolny poziom przedstawia pojedyncze postacie: pośrodku wizerunki dwóch Janów – Chrzciciela i Ewangelisty, wykonane w technice grisaille w formie posągów. Wzdłuż krawędzi klęczące postacie – portrety klienta ołtarza i jego żony. Tylko ich szkarłatne ubrania w różnych odcieniach są podkreślone kolorem. Górną kondygnację zajmuje niemal w całości scena Zwiastowania, zaprojektowana w bardzo niekonwencjonalny sposób. W drzwiach zewnętrznych umieszczono postacie Maryi i Archanioła, w środkowych dominuje opuszczona, jasna przestrzeń zwykłego pokoju, a w otwartym oknie widać ulice typowego holenderskiego miasta z gęsto stojącymi pod sobą wysokimi domami. czyste wieczorne niebo. W ten sposób widzowi przedstawiono życie toczące się na ziemi.

Kiedy ołtarz się otworzył, widz znalazł się w zupełnie innym świecie - świecie niebiańskim, którego nie można zobaczyć w prawdziwym życiu, a można go sobie wyobrazić jedynie wyobraźnią artysty-twórcy. Ale wyobraźnia ta opierała się na żywych wrażeniach rzeczywistości, co pomogło mistrzowi stworzyć spektakl, który urzeka poczuciem niewyczerpanego bogactwa ziemskiej i niebiańskiej egzystencji. Nawet nie zaglądając do poszczególnych kompozycji, widz znalazł się na łasce lśniących barw, promiennej barwy i harmonii światła.

Główna, największa kompozycja poliptyku znajduje się pośrodku niższego poziomu. Ukazana jest tu scena kultu Baranka ofiarnego – symbolu Chrystusa, który przyjął śmierć na krzyżu, aby odpokutować za grzechy ludzkości. Wokół ołtarza stoją święci i apostołowie, sprawiedliwi i dziewice, w bocznych drzwiach stoją żołnierze Chrystusa i pustelnicy, sprawiedliwi sędziowie i pielgrzymi. Wszystko to dzieje się w słonecznym krajobrazie, na pięknej zielonej łące usianej kwiatami, otoczonej gajami, gdzie północna roślinność łączy się z palmami i drzewami pomarańczowymi. Odległości toną w błękitnej mgle, na czystym niebie pojawiają się sylwetki wież miejskich i kościołów. To Niebiańskie Jeruzalem, a cały krajobraz jest ucieleśnieniem idei o raju. Ale te idee opierają się na tak głębokiej wiedzy i miłości do prawdziwej ziemskiej rzeczywistości, a przyroda i ludzie są przekazywani z taką żywotnością i charakterem, z tak wielką miłością i uwagą dla każdej twarzy, każdego kwiatu, czego nie widziano w sztuce Europa Północna przed Janem van Eyckiem.

Jeśli niższy poziom, ze wszystkimi podstawowymi ideami mistycznymi, zasadniczo gloryfikuje piękno ziemskiej egzystencji z całą jej różnorodnością i zmiennością, to w głównych obrazach wyższego poziomu przedstawiana jest wieczna i niezmienna doskonałość istot niebieskich. W centrum uroczyście majestatyczny obraz Boga Ojca, po bokach Matka Boża jako ucieleśnienie kobiecego piękna i godności oraz Jan Chrzciciel - poprzednik Chrystusa. Są uwielbieni grając i śpiewając aniołowie. Dźwięczne plamy kolorowych szat wysadzanych drogimi kamieniami, połysk złota i brokatu oraz aksamitne wzory tworzą olśniewający obraz, który nagle zamyka się na krawędziach nagimi postaciami przodków ludzkości - Adama i Ewy. Pomimo piękna ich ciał, ukazanych przez artystę z niespotykaną dotąd prawdziwością, kontrast naturalistycznej nagości i bujnego, królewskiego ubioru potęguje poczucie podatności ludzi na grzech. Jednocześnie, stawiając przodków na tym samym poziomie, co stwórca wszystkich rzeczy, mistrz wywyższa całą ludzkość.

W kolejnych latach Jan van Eyck niejednokrotnie zwracał się ku tworzeniu obrazów o charakterze religijnym, choć nie tak okazałym i monumentalnym jak Ołtarz Gandawski. Spośród tych dzieł najbardziej znane to „Madonna kanclerza Rolina” (ok. 1435, Paryż, Luwr) i „Madonna kanonika van der Paele” (1436, Brugia, Muzeum Groeninge). Jak wskazują tytuły, obrazy przedstawiają klientów zwracających się do Matki Bożej. Tutaj artysta ponownie demonstruje swoje genialne umiejętności jako portrecista. Wygląd każdej osoby jest głęboko indywidualny. Na twarzy kanclerza Burgundii Nicolasa Rolina wyraźnie widać autorytet i pewność siebie. Pochodzący ze skromnej rodziny, wysoką pozycję osiągnął dzięki swojej inteligencji, wiedzy i zręczności w sprawach politycznych i finansowych. Inne cechy są podkreślane w kanonie van der Paele. To też jest człowiek silnego ducha, ale jest stary i chory, twarz ma pomarszczoną zmarszczkami, na skroniach widać sklerotyczne żyłki, ale w oczach widać upór i stanowczość woli.

Zadania przestrzenne na tych dwóch obrazach są rozwiązywane odmiennie, co może wynikać także z różnicy w położeniu i statusie klientów. Pełen siły i energii kanclerz ukazany jest w pomieszczeniu, którego tylną ścianę przecina arkada, zza której rozpościera się widok na odległy krajobraz: głęboką rzekę sięgającą w głąb przestrzeni obrazowej, miasto na jego brzegach i postacie ludzi. I chociaż, podobnie jak w „Ołtarzu gandawskim”, poszczególne detale mają znaczenie symboliczne, w całości przeważa zachwyt artysty, a wraz z nim widza wielkością, pięknem i różnorodnością ziemskiego świata. Kanonik van der Paele pojawia się przed Madonną siedzącą na tronie w zamkniętej, ciasnej przestrzeni. Prowadzi z nią skoncentrowany dialog wewnętrzny i jest całkowicie oderwany od zainteresowań i pokus otaczającej go rzeczywistości.

Sztuka Jana van Eycka z urzekającym przekonaniem wyrażała naturalne piękno istnienia, duchową godność i wartość osoby ludzkiej. Wywarło to ogromny wpływ na dalszy rozwój malarstwa zarówno w jego rodzinnym kraju, jak i w innych krajach Europy.

Lilia Aleszyna

Dzieła mistrzów malarstwa minionych wieków, powstałe w czasach, gdy nie wynaleziono jeszcze aparatu fotograficznego, są jednym z najbardziej wiarygodnych źródeł informacji o życiu, zwyczajach, wyglądzie, upodobaniach smakowych i innych szczegółach życia naszych przodkowie. Często wprawiają badaczy w zakłopotanie i powodują kontrowersje, które nie ucichają od dziesięcioleci. Jednym z takich obrazów jest obraz namalowany przez flamandzkiego malarza Jana van Eycka.

„Portret pary Arnolfinich” jest wystawiany w London National Gallery, która nabyła go w 1842 roku za jedyne 730 funtów.

Kilka słów o Janie van Eycku

Artysta urodził się pomiędzy 1385 a 1390 rokiem w mieście Maaseik w północnej Holandii. Jako młody człowiek współpracował ze swoim starszym bratem Hubertem. Był także odnoszącym sukcesy artystą i jest uważany za jednego z autorów słynnego Ołtarza Gandawskiego. W 1425 roku mistrz Jan został nadwornym malarzem księcia Burgundii Filipa III Dobrego. W 1431 roku kupił dom w Brugii, w którym mieszkał aż do śmierci.

Uważany jest błędnie za twórcę malarstwa olejnego. W rzeczywistości po prostu ulepszył tę technikę, ale niewątpliwie zrobił wiele, aby stała się głównym nurtem w Holandii, skąd rozprzestrzeniła się na Niemcy i Włochy.

Giovanniego Arnolfini’ego

Mężczyzna przedstawiony na słynnym obrazie artysty Jana van Eycka to zamożny kupiec z włoskiego miasta Lucca. Już we wczesnej młodości Giovanni Arnolfini wyjechał do Brugii, gdzie założył kilka fabryk tekstylnych produkujących drogie ubrania dla arystokratów. Ponadto zajmował się transakcjami kupna/sprzedaży biżuterii, m.in. z monarchami europejskimi. Uważa się, że pod koniec życia Arnolfini zbankrutował. Nadal jednak cieszył się autorytetem wśród kupców i zamożnych rzemieślników Brugii i często był nawet zapraszany jako arbiter do rozstrzygania sporów gospodarczych.

Opis obrazu Jana van Eycka „Portret pary Arnolfinich”

Płótno przedstawia mężczyznę i kobietę stojących w pewnej odległości od siebie w sypialni miejskiego domu. Młody mężczyzna (Giovanni Arnolfini miał w momencie malowania 34 lata) przedstawiony jest niemal frontalnie. Jego prawa ręka jest uniesiona do poziomu ramion, jakby miał zamiar złożyć przysięgę. Jego pani stoi zwrócona w lewo. Pomieszczenie, w którym się znajdują, jest widoczne jakby z góry. Zatem obraz nie ma jednego punktu zbieżności osi poziomej i pionowej.

Centrum semantyczne obrazu Jana van Eycka „Portret pary Arnolfinich” stanowią złączone dłonie bohaterów. Ich kontakt wygląda bardzo ceremonialnie. Malarz umieścił ręce niemal pośrodku płótna, nadając im tym samym szczególne znaczenie.

Opis figurek

Obie postacie z obrazu Jana van Eycka („Portret pary Arnolfinich”) ubrane są w odświętne stroje. Przy damskiej toalecie widać starannie wyprostowany długi tren, co oznacza, że należy ona do zamożnych mieszczan. Ma okrągły brzuch. Według ekspertów to, podobnie jak jej postawa w postaci tzw. gotyckiej krzywizny, najprawdopodobniej nie jest oznaką ciąży, ale hołdem dla mody, podkreślającym w ten sposób główną zaletę kobiety - płodność.

Mężczyzna ma na sobie cylindryczny kapelusz z szeroką koroną, haczyk z aksamitu w kolorze wina czerwonego, podbity futrem oraz bieliznę wykonaną z drogiego czarnego materiału. Mimo bogatego ubioru widać, że mężczyzna nie jest arystokratą. Świadczą o tym jego drewniane buty, które nosili spacerujący, natomiast przedstawiciele stanu szlacheckiego jeździli konno lub poruszali się na noszach.

Wnętrze

Obraz Van Eycka „Portret pary Arnolfinich” wyróżnia się starannym przedstawieniem wszystkich szczegółów przedstawionego pokoju. Na podłodze widz widzi kosztowny orientalny dywan, żyrandol na suficie, okrągłe lustro na ścianie, przeszkloną górną część okna i ławkę z pomarańczami. Wszystko to wskazuje, że właściciel jest osobą zamożną. Dominującym elementem aranżacji jest łóżko z baldachimem.

Tajemnica pięknej damy

Jeśli z mężczyzną granym przez Van Eycka („Portret pary Arnolfinich”) wszystko jest jasne, to tożsamość damy stoi pod znakiem zapytania.

Niektórzy historycy sztuki uważają obraz za dokument potwierdzający małżeństwo kupca. Zatem ta pani musi być jego żoną. Wiadomo, że w 1426 roku Arnolfini poślubił 13-letnią Konstancję Trentę. Jednak w 1433 roku zmarła, czyli w chwili malowania nie żyła. Potem albo została przedstawiona pośmiertnie na obrazie, albo jest to druga żona Arnolfiniego, o której nie zachowały się żadne dokumenty.

Istnieje również opinia, że damą na portrecie jest Margarita van Eyck, a mężczyzną sam artysta. Za pośredni dowód tej hipotezy uważa się obecność na płótnie obrazu figurki św. Małgorzaty, który znajduje się obok twarzy damy. Jednocześnie istnieje inna wersja. Według niej Małgorzata była patronką rodzących, a jej wizerunek obok wnęki oznacza życzenie szybkiego uzupełnienia rodziny.

Cechy charakterystyczne

Portret pary Arnolfinich ma kilka charakterystycznych cech. W szczególności uważany jest za jeden z najwcześniejszych świeckich portretów małżeńskich w historii malarstwa europejskiego. Przed powstaniem tego płótna artyści nie dążyli do tak dokładnego przedstawiania drobnych szczegółów i szczegółów życia codziennego, jak zaczęli to robić po pojawieniu się obrazów Jana van Eycka.

Technika

Tworząc „Portret pary Arnolfinich” Jan van Eyck użył farb olejnych. Jak już wspomniano, technika ta była wówczas nowym słowem w malarstwie. Umożliwiło to nakładanie kolejnych przezroczystych warstw farby i osiągnięcie jedności pociągnięć, uzyskując zmiękczone kontury. Ponieważ olej jest płynny, schnie znacznie dłużej niż dotychczas stosowana tempera, dzięki czemu możliwe jest osiągnięcie najwyższego realizmu, a nawet iluzji trójwymiarowej przestrzeni.

Symbolika

W średniowieczu artyści przedstawiali na swoich płótnach różne przedmioty i znaki, które przekazywały współczesnym im informacje o zaletach lub przywarach przedstawionych osób.

Pracując nad swoim słynnym obrazem van Eyck posługiwał się także językiem symboli. „Portret pary Arnolfinich” jest nadal uważany za jedno z najtrudniejszych do interpretacji dzieł malarstwa światowego, ponieważ eksperci do dziś nie mogą dojść do porozumienia co do tajnego znaczenia niektórych szczegółów wnętrza:

Żyrandol. Lampa na obrazie „Portret pary Arnolfinich” wykonana jest z metalu. Płonie w nim tylko jedna świeca. Znajduje się nad człowiekiem. W zgaśnięciu drugiej świecy niektórzy historycy dostrzegają wskazówkę, że obraz przedstawia zmarłą kobietę.
Pies. U stóp pary stoi szczeniak rasy brukselskiej. Jest bliżej kobiety i uosabia jej wierność mężowi.
Okno. Choć bohaterowie ubrani są w ciepłe ubrania podszyte futrem, w tle widać wiśnię z mnóstwem dojrzałych owoców. Najprawdopodobniej powinno to oznaczać pragnienie płodności w małżeństwie.
Pomarańcze. To kolejny symbol płodności. Można je było także wykorzystać do podkreślenia wysokiego statusu majątkowego rodziny.

Lustro

Głównym elementem symbolicznym przedstawionym na obrazie „Portret pary Arnolfinich” jest lustro. Przedstawia odbicie głównych bohaterów, a także dwóch innych osób. Niektórzy badacze twierdzą, że artysta przedstawił się w lustrze.

Uważa się, że są to świadkowie małżeństwa, które w tamtych czasach mogło nastąpić bez udziału księdza poprzez podpisanie umowy małżeńskiej. Nawiasem mówiąc, historycy dostrzegają oznakę nierównego małżeństwa w tym, że kobieta i mężczyzna wyciągnęli do siebie lewe ręce. W średniowieczu w Europie takie związki oznaczały, że w przypadku śmierci męża wdowa i jej dzieci nie mogły ubiegać się o spadek, lecz otrzymywały jedynie niewielką stałą część jego majątku. W niektórych krajach istniało nawet prawne pojęcie „małżeństwa leworęcznego”.

Nie mniej interesująca jest rama lustra. Znajdują się w nim medaliony przedstawiające sceny Męki Pańskiej. Co ciekawe, w średniowieczu historie te interpretowano jako zaślubiny Zbawiciela z Kościołem.

Historia płótna do XIX wieku

Obraz „Portret pary Arnolfinich” ma skomplikowaną historię. Nie wiadomo, czy został przekazany klientowi, czy nie. Według zachowanych dokumentów na początku XVI wieku portret był własnością hiszpańskiego dworzanina Don Diego de Guevary, mieszkającego na stałe w Holandii. Podarował go Stadtholderowi Niderlandów Hiszpańskich, Małgorzacie Austriackiej. Kazała wyposażyć go w dwoje drewnianych drzwi.

W 1530 roku obraz „Portret pary Arnolfinich” odziedziczyła kolejna namiestniczka, Maria Węgierska, która w 1556 roku przetransportowała go do Hiszpanii. Kolejnym właścicielem obrazu był Filip II. Do 1700 roku obraz znajdował się w Alcazarze, rezydencji hiszpańskich monarchów. Na szczęście, gdy w 1734 roku wybuchł tam pożar, Portret Arnolfini, którego symbolika do dziś budzi kontrowersje, znajdował się już w Pałacu Królewskim. Potem jego ślady zaginęły.

Losy portretu po wojnach napoleońskich

Płótno odnaleziono w 1815 roku. Nowy właściciel, brytyjski pułkownik James Hay, opowiadał wszystkim, że kupił obraz w Brukseli. Wielu badaczy uważa jednak, że „Portret pary Arnolfinich” znajdował się w konwoju z dziełami sztuki, które Francuzi wysyłali do Paryża jako trofea. Zostało zdobyte przez Brytyjczyków po klęsce wojsk Józefa Bonaparte. Brytyjczycy, zamiast zwrócić obrazy i posągi do Madrytu, załadowali je na statek płynący do Londynu. Podobno James Hay, który wówczas dowodził 16. Dywizją Dragonów i brał udział w bitwie z armią swojego brata Napoleona, przywłaszczył sobie kilka skonfiskowanych obrazów, w tym słynne dzieło van Eycka.

Na tym nie zakończyła się historia obrazu „Portret pary Arnolfinich”. W 1816 roku pułkownik Hay sprowadził go do Londynu i przekazał przyszłemu królowi Jerzemu IV „do przetestowania”. Wiadomo, że płótno wisiało w komnatach księcia regenta aż do wiosny 1818 roku, po czym wróciło do właściciela. W 1828 roku pułkownik oddał obraz na przechowanie przyjacielowi i przez następne 13 lat nic nie było wiadomo o jego losach.

W 1842 r. obraz zakupiono do Londyńskiej Galerii Narodowej za dość skromną sumę i do 1856 r. wystawiano tam pod tytułem „Flamandczyk i jego żona”. Później zmieniono napis na znaku. Dziś obraz we wszystkich katalogach pojawia się jako „Portret Pary Arnolfinich”, a przed nim zawsze gromadzą się tłumy widzów.

Niektóre dokumenty wskazują, że „Portret Pary Arnolfinich” miał drewnianą górną okładkę, na której widniał wizerunek nagiej dziewczyny dokonującej rytualnej ablucji panny młodej. Przechowywany był w kolekcji obrazów kardynała Ottavianiego, lecz obecnie zaginął. Opisał to włoski historyk Fazio w swoim dziele De viris ilustribus.

Kolejna ciekawostka: badając obraz van Eycka w promieniowaniu podczerwonym, okazało się, że wszystkie detale przypisywane symbolice zostały dodane pod koniec pracy na płótnie. Inaczej mówiąc, nie były one częścią planu artysty, lecz pojawiły się później, być może na prośbę klientów.

Teraz znasz treść obrazu Van Eycka „Portret pary Arnolfinich”. Z pewnością na długo pozostanie w centrum uwagi wszystkich miłośników rozwiązywania zagadek historycznych, więc niewykluczone, że czekają nas głośne sensacje.

Każdy, nawet ten bardzo daleki od sztuki, choć raz w życiu słyszał to nazwisko: Jan van Eyck. Jego obrazy można nazwać doskonałymi w technice i doborze kolorów, w fabule i realizmie. Z łatwością mogłyby ozdobić najlepsze kolekcje, a ludzie znający się na malarstwie twierdzą, że płótna artysty mają ukryty sens i są przepełnione tajemnicą, którą chce się rozwikłać.

Trochę o geniuszu pędzla

Wybitny artysta żyjący i tworzący we wczesnej epoce, Jan van Eyck, którego obrazy można studiować godzinami, urodził się w Holandii (obecnie miasto Maaseik znajduje się w Belgii) pod koniec XIV wieku. Położył wówczas podwaliny pod nowy ruch w malarstwie – art nova, a podstaw uczył go znany w kręgach miłośników sztuki brat Hubert. O dobrym wykształceniu Jana świadczą inskrypcje, jakie pozostawił na swoich dziełach. Były to słowa w rodzimym języku flamandzkim, francuskim, greckim, łacińskim i hebrajskim. Artysta przywiązywał także dużą wagę do najdrobniejszych szczegółów, co daje prawo ocenić zdolność obserwacji i bystrość umysłu van Eycka.

Uznanie w ciągu życia

Wiadomo na pewno, że Jan van Eyck, którego obrazy zachwycają ludzi w XXI wieku, cieszył się popularnością także wśród współczesnych. W 1422 roku pracował na dworze Jana Bawarskiego w Hadze, gdzie malował komnaty hrabiego. To prawda, że nie zachowało się ani jedno dzieło. Następnie mistrz przeniósł się do Flandrii i wstąpił na służbę księcia Burgundii, dla którego pracował przez szesnaście lat.

Filip Dobry często wydawał artyście tajne polecenia, co świadczy o dużym zaufaniu księcia do malarza. Hojnie obdarowywał artystę prezentami i pokaźnymi wpłatami pieniężnymi. W imieniu tego samego Filipa Jan wziął udział w misji dyplomatycznej w Portugalii, której celem była rozmowa pomiędzy owdowiałym księciem a księżniczką Izabelą. Równolegle z pracą na dworze Jan van Eyck wykonywał polecenia kościołów i klasztorów.

Innowacyjny artysta

Z czego jeszcze znany jest Jan van Eyck (oraz nazwiska wymienimy w naszym artykule)? Przez wielu uważany jest za wynalazcę farb olejnych i popularyzatora technik malarstwa olejnego w Starym Świecie. W rzeczywistości mistrz tylko ulepszył takie kompozycje koloryzujące, czyniąc je szybkoschnącymi i nadającymi możliwość nakładania w kilku warstwach (w tym przezroczystych). Dlatego wydawało się, że jego płótna zdawały się świecić od środka.

Najbardziej znane dzieła

Jan van Eyck namalował wiele obrazów. „Madonna w Kościele” to jedna z wczesnych prac, wykonana została techniką nakładania warstw naprzemiennych na przeszlifowany biały tynk gruntowy pokryty werniksem. Dlatego ma niesamowity efekt wewnętrznego blasku. Małe płótno przedstawia Matkę Bożą z Dzieciątkiem Jezus w budynku kościelnym. Na pierwszym planie kobieca sylwetka Madonny, która na głowie nosi kosztowną koronę. Jan bardzo szczegółowo narysował fałdy koron, wnętrze świątyni oraz grę światła i cienia. Obecnie to arcydzieło przechowywane jest w Rzymie.

Jan van Eyck malował obrazy, które mogą wydawać się dziwne. Za taki właśnie uważa się obraz „Portret pary Arnolfinich” (1434). Na pierwszy rzut oka jest to zwyczajny obraz przedstawiający mężczyznę i kobietę w chwili zawarcia małżeństwa. Jednak podpis artysty w widocznym miejscu, sceny z życia Chrystusa na lustrze, tylko jedna świeca nad nowożeńcami itd. nie wyglądają całkiem standardowo. Na obrazie znajduje się wiele różnych symboli: pomarańcze oznaczają bogactwo, pies - wierność, świeca - wszystkowidzące oko i światło Chrystusa. Dziś dzieło to znajduje się w London National Gallery.

Jakie inne obrazy stworzył Jan van Eyck? Zdjęcia niektórych z nich można zobaczyć w artykule:

„Ołtarz gandawski”, namalowany w 1432 roku wspólnie z bratem.
„Tymoteusz” (1432).
„Matka Boża kanclerza Rolina” (1436).
„Portret mężczyzny z goździkiem” (1435).
„Święta Barbara” (1437) i inne.

W sumie malarz stworzył około stu dzieł o tematyce religijnej i niezliczoną ilość portretów. Jego obrazy przyciągają wzrok swoim wewnętrznym blaskiem, a także subtelnym kunsztem, jaki opanował wielki Jan van Eyck. Nie bez powodu uważany jest za jednego z prawdziwych geniuszy pędzla.