Jak rozwijał się gatunek muzyki na przełomie XIX i XX wieku? w wyniku syntezy elementów dwóch kultur muzycznych – europejskiej i afrykańskiej. Z elementów afrykańskich można zauważyć polirytmię, wielokrotne powtarzanie głównego motywu, ekspresję wokalną, improwizację, która przeniknęła do jazzu wraz z powszechnymi formami murzyńskiego folkloru muzycznego - tańcami rytualnymi, pieśniami pracy, duchowością i bluesem.
Słowo jazz, pierwotnie "zespół jazzowy", zaczęto stosować w połowie I dekady XX wieku. w południowych stanach nawiązać do muzyki tworzonej przez małe nowoorleańskie zespoły (składające się z trąbki, klarnetu, puzonu, banjo, tuby lub kontrabasu, perkusji i fortepianu) w procesie zbiorowej improwizacji na tematy bluesa, ragtime'u i popularnych piosenek europejskich i tańce.
Aby się zapoznać, możesz słuchać i Cesaria Evora, i , oraz wiele innych.
Więc co jest Kwaśny jazz? To funkowy styl muzyczny z wbudowanymi elementami jazzu, funku z lat 70., hip-hopu, soulu i innych stylów. Może być samplowany, może być „na żywo” i może być mieszanką tych dwóch ostatnich.
Głównie, Kwaśny jazz skupia się na muzyce, a nie na tekście/słowach. To muzyka klubowa, która ma na celu wprawić Cię w ruch.
Pierwszy singiel w dobrym stylu Kwaśny jazz był „Fryderyk leży nieruchomo”, autor Galliano. To była wersja z okładki Curtis Mayfield Freddie nie żyje z filmu „Superlot”.
Wielki wkład w promocję i wspieranie stylu Kwaśny jazz wprowadzony Gillesa Petersona, który był DJ-em w KISS FM. Był jednym z pierwszych, którzy to ustalili Kwaśny jazz etykieta. Pod koniec lat 80-tych i na początku 90-tych było wielu wykonawców Kwaśny jazz, które były jak polecenia „na żywo” - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry i projekty studyjne - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Na zewnątrz, I Zjednoczona Organizacja Przyszłości.
Oczywiście nie jest to styl jazzowy, ale rodzaj jazzowego zespołu instrumentalnego, ale mimo to został uwzględniony w tabeli, ponieważ każdy jazz wykonywany przez „big band” bardzo wyróżnia się na tle poszczególnych wykonawców jazzowych i małe grupy.
Liczba muzyków w big bandach waha się zwykle od dziesięciu do siedemnastu osób.
Powstał pod koniec lat dwudziestych XX wieku i składa się z trzy grupy orkiestrowe: saksofony - klarnety(Bębny) instrumenty dęte blaszane(Mosiądz, wyróżniały się dalsze grupy piszczałek i puzonów), sekcja rytmiczna(Sekcja rytmiczna – fortepian, kontrabas, gitara, instrumenty perkusyjne). Rozkwit muzyki duże zespoły, który rozpoczął się w Stanach Zjednoczonych w latach trzydziestych XX wieku, wiąże się z okresem masowego entuzjazmu dla swingu.
Później, aż do chwili obecnej, występowały big bandy i wykonywały muzykę różnych stylów. Jednak w istocie era big bandów zaczyna się znacznie wcześniej i sięga czasów amerykańskich teatrów minstreli drugiej połowy XIX wieku, które często powiększały kadrę wykonawczą do kilkuset aktorów i muzyków. Słuchać Oryginalny zespół jazzowy Dixieland, zespół jazzowy King Oliver's Creole, orkiestra Glenna Millera i jego orkiestra i docenisz cały urok jazzu w wykonaniu wielkich zespołów.
Styl jazzowy, który rozwinął się na początku - połowie lat 40. XX wieku i otworzył erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na zmianach harmonii, a nie melodii.
Parker i Gillespie wprowadzili superszybkie tempo występów, aby odciągnąć nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Między innymi szokujące zachowanie stało się cechą charakterystyczną wszystkich bebopitów. Zakrzywiona trąbka Dizzy'ego Gillespiego, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp.
Powstały jako reakcja na wszechobecność swingu, bebop w dalszym ciągu rozwijał swoje zasady w zakresie użycia środków ekspresyjnych, ale jednocześnie odkrył szereg przeciwstawnych tendencji.
W przeciwieństwie do swingu, który jest głównie muzyką dużych komercyjnych zespołów tanecznych, bebop jest eksperymentalnym kierunkiem twórczym w jazzie, kojarzonym głównie z praktyką małych zespołów (combo) i antykomercyjnym w swoim kierunku.
Faza bebopu oznaczała znaczącą zmianę punktu ciężkości w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej mainstreamową „muzykę dla muzyków”. Muzycy bopowi woleli złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.
Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista, trębacz, pianiści Buda Powella I Theloniousa Monka, perkusista Maks Roach. Jeśli chcesz Bądź bopem, Słuchać , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.
Jeden ze stylów współczesnego jazzu, powstały na przełomie lat 40. i 50. XX wieku w oparciu o rozwój osiągnięć swingu i bopu. Pochodzenie tego stylu wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem murzyńskiego saksofonisty swingowego. L. Młody, który wypracował „zimny” sposób wydobywania dźwięku (tzw. brzmienie Lestera) sprzeczny z ideałem brzmieniowym gorącego jazzu; po raz pierwszy wprowadził także termin „fajny”. Poza tym przesłanki fajnego jazzu odnajdujemy w twórczości wielu muzyków bebopowych, jak np. C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson i inni.
Jednakże, fajny jazz ma istotne różnice od bop. Przejawem tego było odejście od tradycji gorącego jazzu, za którymi podążał bop, odrzucenie nadmiernej wyrazistości rytmicznej i niestabilności intonacyjnej, od celowego podkreślania specyficznie murzyńskiego koloru. Grałem w tym stylu: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.
Wraz ze stopniowym upadkiem muzyki rockowej, który rozpoczął się na początku lat 70., wraz ze zmniejszeniem przepływu idei ze świata rocka, muzyka fusion stała się prostsza. Jednocześnie wielu zaczęło zdawać sobie sprawę, że jazz elektryczny może stać się bardziej komercyjny, producenci i niektórzy muzycy zaczęli szukać takich połączeń stylów w celu zwiększenia sprzedaży. Naprawdę udało im się stworzyć rodzaj jazzu bardziej przystępnego dla przeciętnego słuchacza. W ciągu ostatnich dwudziestu lat pojawiło się wiele różnych kombinacji, dla których promotorzy i publicyści lubią używać terminu „modern jazz” na określenie „fuzji” jazzu z elementami popu, rytmu i bluesa oraz „muzyki świata”.
Jednak słowo „crossover” trafniej oddaje istotę sprawy. Crossover i fusion osiągnęły swój cel i zwiększyły grono odbiorców jazzu, zwłaszcza dzięki tym, którzy mieli dość innych stylów. W niektórych przypadkach ta muzyka zasługuje na uwagę, chociaż ogólnie zawartość jazzowa w niej jest zredukowana do zera. Przykłady stylu crossover obejmują nagrania wokalne (Al Jarreau) (George Benson) do (Kenny G), „Spyro Gyra” I " " . Jest w tym wszystkim wpływ jazzu, niemniej jednak muzyka ta wpisuje się w dziedzinę pop-artu, który reprezentuje Geralda Albrighta, George’a Duke’a, saksofonista Billa Evansa, Dave’a Grusina,.
Dixieland- najszersze określenie stylu muzycznego pierwszych muzyków jazzowych z Nowego Orleanu i Chicago, którzy nagrywali płyty w latach 1917-1923. Koncepcja ta rozciąga się także na okres późniejszego rozwoju i odrodzenia nowoorleańskiego jazzu – Odrodzenie Nowego Orleanu kontynuowano po latach 30. Niektórzy historycy przypisują Dixieland wyłącznie przy muzyce białych zespołów grających w stylu jazzowym Nowego Orleanu.
W odróżnieniu od innych form jazzu, repertuar muzyków obejmuje utwory Dixieland pozostawał dość ograniczony, oferując nieskończone wariacje tematów w ramach tych samych utworów komponowanych przez pierwszą dekadę XX wieku i obejmował ragtime, blues, one-step, two-step, marsze i popularne melodie. Dla stylu wydajności Dixieland cechą charakterystyczną było skomplikowane wplatanie się poszczególnych głosów w zbiorową improwizację całego zespołu. Solista otwierający solówkę i pozostali soliści, którzy niejako kontynuowali grę, przeciwstawiali się „riffowaniu” reszty instrumentów dętych aż do końcowych fraz, wykonywanym zwykle przez perkusję w formie czterotaktowych refrenów, na które z kolei odpowiadał cały zespół.
Głównymi przedstawicielami tej epoki byli The Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver i jego słynna orkiestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke i Jimmy McPartland. Muzycy Dixielandu zasadniczo poszukiwali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu z przeszłości. Próby te zakończyły się sukcesem i dzięki kolejnym pokoleniom trwają do dziś. Pierwsze z odrodzeń tradycji Dixielandu miało miejsce w latach 40. XX wieku.
Oto tylko kilku jazzmanów, którzy grali w Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.
Odrębną niszę w środowisku stylów jazzowych z początku lat 70. zajmowała niemiecka firma ECM (Wydanie Muzyki Współczesnej- Wydawnictwo Muzyki Współczesnej), które stopniowo stało się ośrodkiem stowarzyszenia muzyków, wyznających nie tyle przywiązanie do afroamerykańskiego pochodzenia jazzu, ile umiejętność rozwiązywania różnorodnych zadań artystycznych, nie ograniczając się do określonego stylu, ale zgodnie z procesem twórczej improwizacji.
Z czasem jednak wypracowało się pewne oblicze firmy, co doprowadziło do wyodrębnienia się artystów tej wytwórni w kierunku zakrojonym na szeroką skalę i wyrazistym kierunku stylistycznym. Nastawienie założyciela wytwórni Manfreda Eichera (Manfreda Eichera) na łączenie różnych idiomów jazzowych, światowego folkloru i nowej muzyki akademickiej w jedno impresjonistyczne brzmienie umożliwiło za pomocą tych środków domagać się głębi i filozoficznego zrozumienia wartości życiowych.
Główne studio nagraniowe firmy mieszczące się w Oslo jest oczywiście skorelowane z wiodącą rolą w katalogu muzyków skandynawskich. Przede wszystkim Norwegowie Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Jednak geografia ECM obejmuje cały świat. Oto Europejczycy Dave Holland, Tomasz Stańko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Michaił Alperin i przedstawiciele kultur pozaeuropejskich Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem i wiele innych. Nie mniej reprezentatywny jest Legion Amerykański - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. Początkowy rewolucyjny impuls wydawnictw firmy przekształcił się z czasem w oderwane od medytacji brzmienie otwartych form ze starannie dopracowanymi warstwami dźwiękowymi.
Część zwolenników głównego nurtu zaprzecza drodze obranej przez muzyków tego kierunku; jednakże jazz jako kultura światowa rozwija się pomimo tych zastrzeżeń i daje bardzo imponujące rezultaty.
W przeciwieństwie do wyrafinowania i chłodu stylu cool, racjonalności progresywności na wschodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych, młodzi muzycy początku lat 50. nadal rozwijali pozornie już wyczerpany styl bebopowy. Charakterystyczny dla lat 50. wzrost samoświadomości Afroamerykanów odegrał w tym trendzie znaczącą rolę. Ponownie zwrócono uwagę na zachowanie wierności afroamerykańskim tradycjom improwizacyjnym. Jednocześnie zachowano wszystkie osiągnięcia bebopu, ale dodano do nich wiele fajnych osiągnięć zarówno w dziedzinie harmonii, jak i struktur rytmicznych. Muzycy nowego pokolenia z reguły posiadali dobre wykształcenie muzyczne. Prąd ten nazywa się „twardy” okazało się całkiem liczne. Dołączyli się trębacze Milesa Davisa, Fatsa Navarro, Clifforda Browna i Donalda Byrda, pianiści Theloniousa Monka i Horacego Silvera, perkusista Arta Blake’a, saksofoniści Sonny’ego Rollinsa i Hanka Mobleya, Cannonball Adderley, kontrabasista Pawła Chambersa i wiele innych.
Dla rozwoju nowego stylu istotna była kolejna innowacja techniczna, polegająca na pojawieniu się płyt długogrających. Teraz możesz nagrywać długie solówki. Dla muzyków stało się to pokusą i trudnym sprawdzianem, ponieważ nie każdy jest w stanie w pełni i zwięźle wypowiadać się przez długi czas. Trębacze jako pierwsi wykorzystali te zalety, modyfikując styl Dizzy'ego Gillespiego na spokojniejszą, ale głębszą grę. Najbardziej wpływowi byli Gruby Navarro I Clifforda Browna. Muzycy ci skupili się nie na wirtuozowskich, szybkich pasażach w górnym rejestrze, ale na przemyślanych i logicznych liniach melodycznych.
Hot jazz uważany jest za muzykę nowoorleańskich pionierów drugiej fali, których największa aktywność twórcza zbiegła się z masowym exodusem nowoorleańskich muzyków jazzowych na północ, głównie do Chicago. Proces ten, który rozpoczął się wkrótce po zamknięciu Storyville w związku z przystąpieniem Stanów Zjednoczonych do I wojny światowej i ogłoszeniem z tego powodu Nowego Orleanu jako portu wojskowego, zapoczątkował tzw. erę Chicago w historii jazzu . Głównym przedstawicielem tej szkoły był Louis Armstrong. Wciąż występując w King Oliver Ensemble, Armstrong dokonał rewolucyjnych zmian w koncepcji improwizacji jazzowej, odchodząc od tradycyjnych schematów improwizacji zbiorowej na rzecz wykonywania pojedynczych partii solowych.
Już sama nazwa tego gatunku jazzu związana jest z intensywnością emocjonalną charakterystyczną dla sposobu wykonania tych partii solowych. Termin Hot był pierwotnie synonimem jazzowej improwizacji solowej, aby podkreślić różnicę w podejściu do solówki, która miała miejsce na początku lat dwudziestych. Później, wraz z zanikiem improwizacji zbiorowej, pojęcie to kojarzono ze sposobem wykonania materiału jazzowego, w szczególności ze specjalnym brzmieniem, które wyznacza instrumentalny i wokalny styl wykonania, tzw. sposoby rytmizacji i specyficzne cechy intonacyjne.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z pojawieniem się „free jazzu”. Chociaż elementy Wolny jazz istniało na długo przed pojawieniem się samego terminu, w „eksperymentach” Colemana Hawkinsa, Pee Wee Russella i Lenny’ego Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych, dzięki staraniom takich pionierów jak saksofonista i pianista Cecila Taylora, kierunek ten ukształtował się jako styl niezależny.
Co ci dwaj muzycy zrobili z innymi, m.in Johna Coltrane’a, Alberta Eulera i społeczności takie jak Orkiestra Sun Ra oraz grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble składała się z różnych zmian w strukturze i klimacie muzyki.
Wśród innowacji wprowadzonych z wyobraźnią i wielką muzykalnością była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna zasadnicza zmiana nastąpiła w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i rytm nie były już istotnym elementem w tym odczytaniu jazzu. Kolejny kluczowy element był powiązany z atonalnością. Teraz powiedzenie muzyczne nie było już budowane na zwykłym systemie tonalnym.
Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjny, jak na początku.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z pojawieniem się „free jazzu”.
Nowoczesny kierunek stylistyczny, który powstał w latach 70. na gruncie jazz-rocka, będącego syntezą elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru.
Najciekawsze kompozycje jazz-rocka charakteryzują się improwizacją połączoną z rozwiązaniami kompozycyjnymi, wykorzystaniem harmonicznych i rytmicznych zasad muzyki rockowej, aktywnym ucieleśnieniem melodii i rytmu Wschodu, wprowadzeniem elektronicznych środków przetwarzania i syntezy dźwięk w muzykę.
W tym stylu rozszerzył się zakres stosowania zasad modalnych, poszerzył się zestaw różnych modów, w tym egzotycznych. W latach 70. jazz-rock stał się niezwykle popularny, wkroczyły w niego najaktywniejsze siły muzyczne. Bardziej rozwinięty w odniesieniu do syntezy różnych środków muzycznych, jazz-rock nazwano „fusion” (stop, fusion). Dodatkowym impulsem do „fusion” był kolejny (nie pierwszy w historii jazzu) ukłon w stronę europejskiej muzyki akademickiej.
W wielu przypadkach fusion staje się właściwie połączeniem jazzu ze zwykłym popem i lekkim rytmem i bluesem; krzyżowanie. Ambicje muzyki fusion w zakresie muzycznej głębi i wzmocnienia pozostają niespełnione, chociaż poszukiwania są kontynuowane w rzadkich przypadkach, na przykład w zespołach takich jak „Tribal Tech” i zespoły Chicka Corei. Słuchać: Prognoza pogody, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, from New Niacin, Tunnels, CAB.
Nowoczesny boj nawiązuje do popularnych stylów jazzu lat 70. i 80., w którym akompaniatorzy grają w stylu black pop soul, a improwizacje solowe mają bardziej kreatywny i jazzowy charakter. Większość saksofonistów tego stylu posługuje się własnym zestawem prostych fraz, na które składają się bluesowe krzyki i jęki. Opierają się na tradycji przejętej z solówek na saksofonie w nagraniach wokalnych rytmicznych i bluesowych, jak King Curtis w „Coasters” Młody Walker z grupami wokalnymi wytwórni Motown, Dawid Sanborn z „Blues Band” Paula Butterfielda. Wybitna postać tego gatunku - często grająca solo w tym stylu Hanka Crawforda z funkowym akompaniamentem. Większość muzyki , i ich uczniowie stosują to podejście. , działają także w stylu „modern funk”.
Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest to środek wyrazu w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na ciągłych odchyleniach rytmu od udziałów referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. XX w. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej.
oryginalna definicja „jazz rockowy” była najczystsza: połączenie jazzowej improwizacji z energią i rytmami muzyki rockowej. Do 1967 roku światy jazzu i rocka istniały niemal oddzielnie. Ale do tego czasu rock staje się bardziej kreatywny i bardziej złożony, pojawia się rock psychodeliczny, muzyka soul. W tym samym czasie część muzyków jazzowych znudziła się czystym hardbopem, ale nie chcieli też grać muzyki awangardowej, trudnej w odbiorze. W rezultacie te dwa różne idiomy zaczęły wymieniać się pomysłami i łączyć siły.
Od 1967 gitarzysta Larry'ego Coryella, wibrafonista Gary'ego Burtona, w 1969 perkusista Billy'ego Cobhama wraz z grupą „Dreams”, w której grali bracia Brecker, zaczęli odkrywać nowe obszary stylu.
Pod koniec lat 60. Miles Davis miał potencjał, aby przejść w stronę jazz-rocka. Był jednym z twórców jazzu modalnego, w oparciu o który wykorzystując rytmy 8/8 i instrumenty elektroniczne robi nowy krok nagrywając płyty „Bitches Brew”, „In a Silent Way”. Razem z nim w tym czasie tworzy się genialna galaktyka muzyków, z których wielu staje się później fundamentalnymi postaciami tego kierunku – (John McLaughlin), Joe Zawinula(Joe Zawinul) Herbiego Hancocka. Charakterystyczna dla Davisa asceza, zwięzłość i filozoficzna kontemplacja okazały się w nowym stylu jak najbardziej pożądane.
Na początku lat 70 jazz-rocka miał swoją własną, odrębną tożsamość jako kreatywny styl jazzowy, choć wyśmiewany przez wielu purystów jazzowych. Głównymi grupami nowego kierunku były „Powrót do wieczności”, „Raport pogodowy”, „Orkiestra Mahavishnu”, różne zespoły Milesa Davisa. Grali wysokiej jakości jazz-rocka, który łączył w sobie ogromny zestaw technik zarówno jazzowych, jak i rockowych. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- zdecydowanie warto posłuchać, żeby zrozumieć, jak różnorodna jest muzyka progresywna i jazz-rockowa.
Styl rap jazzowy była próbą połączenia muzyki afroamerykańskiej minionych dekad z nową dominującą formą teraźniejszości, która pozwoliłaby oddać hołd i tchnąć nowe życie w pierwszy element tej muzyki – fusion – a także poszerzyć horyzonty drugiego . Rytmy jazz-rapu zostały w całości zapożyczone z hip-hopu, natomiast próbki i tekstury dźwiękowe pochodziły głównie z cool jazzu, soul-jazzu i hard bopu.
Ten styl był najfajniejszy i najbardziej znany w hip-hopie, a wielu artystów wykazywało afrocentryczną świadomość polityczną, dodając temu stylowi historycznej autentyczności. Biorąc pod uwagę intelektualny charakter tej muzyki, nie jest zaskoczeniem, że jazz-rap nigdy nie stał się ulubieńcem imprez ulicznych; ale wtedy nikt o tym nie myślał.
Przedstawiciele jazz-rapu sami nazywali siebie zwolennikami bardziej pozytywnej alternatywy dla ruchu hardcorowego/gangsta, który na początku lat 90-tych wyparł rap z czołowych pozycji. Starali się szerzyć hip-hop wśród słuchaczy, którzy nie mogą zaakceptować ani zrozumieć rosnącej agresji miejskiej kultury muzycznej. Tym samym jazz-rap znalazł większość swoich fanów w akademikach, a także zyskał wsparcie wielu krytyków i fanów białego alternatywnego rocka.
Zespół Języki ojczyste (Afrika Bambaataa)– ten nowojorski kolektyw afroamerykańskich grup rapowych – stał się potężną siłą reprezentującą ten styl rap jazzowy i obejmuje takie grupy jak A Tribe Called Quest, De La Soul i Bracia z dżungli. Wkrótce rozpoczęli pracę Cyfrowe planety I gwiazda gangu również zyskał rozgłos. W połowie lat 90. rap alternatywny zaczął rozpadać się na wiele podstylów, a jazz-rap rzadko stawał się elementem nowego brzmienia.
Jazz to muzyka pełna pasji i pomysłowości, muzyka, która nie zna granic i ograniczeń. Stworzenie takiej listy jest niezwykle trudne. Ta lista była pisana, przepisana, a potem przepisana jeszcze raz. Dziesięć to zbyt ograniczona liczba dla gatunku muzycznego takiego jak jazz. Jednak niezależnie od ilości, ta muzyka jest w stanie tchnąć życie i energię, obudzić się z hibernacji. Cóż może być lepszego niż odważny, niestrudzony, rozgrzewający jazz!
1. Louisa Armstronga
1901 - 1971
Trębacz Louis Armstrong jest ceniony za żywy styl, pomysłowość, wirtuozerię, ekspresję muzyczną i dynamiczny spektakl. Znany ze swojego chrapliwego głosu i kariery trwającej ponad pięć dekad. Wpływ Armstronga na muzykę jest nieoceniony. Ogólnie rzecz biorąc, Louis Armstrong uważany jest za największego muzyka jazzowego wszechczasów.
Louis Armstrong z Velmą Middleton i jego gwiazdami - Saint Louis Blues
2. Duke’a Ellingtona
1899 - 1974
Duke Ellington to pianista i kompozytor, który od prawie 50 lat jest liderem zespołu jazzowego. Ellington wykorzystywał swój zespół jako muzyczne laboratorium do swoich eksperymentów, w których demonstrował talenty członków zespołu, z których wielu pozostało z nim na długo. Ellington jest niezwykle utalentowanym i płodnym muzykiem. W ciągu swojej pięćdziesięcioletniej kariery napisał tysiące kompozycji, w tym muzykę filmową i muzyczną, a także wiele znanych standardów, takich jak „Cotton Tail” i „It Don’t Mean a Thing”.
Duke’a Ellingtona i Johna Coltrane’a
3. Milesa Davisa
1926 - 1991
Miles Davis to jeden z najbardziej wpływowych muzyków XX wieku. Wraz ze swoimi zespołami Davis jest centralną postacią muzyki jazzowej od połowy lat czterdziestych XX wieku, w tym be-bopu, cool jazzu, hard bopu, jazzu modalnego i jazzu fusion. Davis nieustannie przesuwał granice artystycznej ekspresji, dlatego często utożsamiany jest z jednym z najbardziej innowacyjnych i szanowanych wykonawców w historii muzyki.
Kwintet Milesa Davisa
4. Charliego Parkera
1920 - 1955
Wirtuoz saksofonisty Charlie Parker był wpływowym solistą jazzowym i czołową postacią w rozwoju be-bopu, formy jazzu charakteryzującej się szybkimi tempami, wirtuozerską techniką i improwizacją. W swoich skomplikowanych liniach melodycznych Parker łączy jazz z innymi gatunkami muzycznymi, w tym bluesem, muzyką latynoską i klasyczną. Parker był ikoniczną postacią subkultury beatowej, ale przekroczył swoje pokolenie, stając się uosobieniem bezkompromisowego, intelektualnego muzyka.
Charliego Parkera
5. Nat King Cole
1919 - 1965
Znany ze swojego jedwabistego barytonowego głosu Nat King Cole wniósł emocjonalność jazzu do popularnej muzyki amerykańskiej. Cole był jednym z pierwszych Afroamerykanów, który prowadził program telewizyjny, w którym uczestniczyli artyści jazzowi, tacy jak Ella Fitzgerald i Eartha Kitt. Cole, fenomenalny pianista i wybitny improwizator, był jednym z pierwszych artystów jazzowych, który stał się ikoną popu.
Nata Kinga Cole’a
6. Johna Coltrane’a
1926 - 1967
Pomimo stosunkowo krótkiej kariery (pierwszy akompaniament w wieku 29 lat w 1955, oficjalnie rozpoczęcie kariery solowej w wieku 33 lat w 1960, a śmierć w wieku 40 lat w 1967) saksofonista John Coltrane jest najważniejszą i kontrowersyjną postacią jazzu. Pomimo swojej krótkiej kariery, dzięki swojej sławie Coltrane miał okazję nagrywać w obfitości, a wiele jego nagrań zostało opublikowanych pośmiertnie. Coltrane radykalnie zmienił swój styl w ciągu swojej kariery, nadal jednak pozostaje kultowy zarówno ze względu na swoje wczesne, tradycyjne brzmienie, jak i bardziej eksperymentalne brzmienie. I nikt, niemal z religijnym zaangażowaniem, nie wątpi w jego znaczenie w historii muzyki.
Johna Coltrane’a
7 Theloniousa Monka
1917 - 1982
Thelonious Monk to muzyk o wyjątkowym stylu improwizacji, drugi po Duke'u Ellingtonie najbardziej rozpoznawalnym wykonawcą jazzowym. Jego styl charakteryzowały się energicznymi, perkusyjnymi liniami przeplatanymi surową, dramatyczną ciszą. Podczas swoich występów, podczas gdy reszta muzyków grała, Thelonious wstał od klawiatury i tańczył przez kilka minut. Po stworzeniu klasycznych kompozycji jazzowych „Round Midnight”, „Straight, No Chaser” Monk zakończył swoje dni we względnym zapomnieniu, ale jego wpływ na współczesny jazz jest zauważalny do dziś.
Thelonious Monk – Okrągła północ
8. Oskar Peterson
1925 - 2007
Oscar Peterson to nowatorski muzyk, który wykonał wszystko, od klasycznej ody Bacha po jeden z pierwszych baletów jazzowych. Peterson otworzył jedną z pierwszych szkół jazzowych w Kanadzie. Jego „Hymn do wolności” stał się hymnem ruchu na rzecz praw obywatelskich. Oscar Peterson był jednym z najbardziej utalentowanych i najważniejszych pianistów jazzowych swojego pokolenia.
Oscar Peterson – C Jam Blues
9. Wakacje Billie
1915 - 1959
Billie Holiday to jedna z najważniejszych postaci jazzu, choć nigdy nie pisała własnej muzyki. Holiday zamieniła „Embraceable You”, „I'll Be Seeing You” i „I Cover the Waterfront” w słynne standardy jazzowe, a jej wykonanie „Strange Fruit” uważane jest za jedno z najlepszych w historii amerykańskiej muzyki. Choć jej życie było pełne tragedii, improwizacyjny geniusz Holiday w połączeniu z jej delikatnym, nieco chropawym głosem wykazał niespotykaną dotąd głębię emocji, nieporównywalną z innymi wokalistkami jazzowymi.
Billie Holiday
10. Zawroty głowy Gillespie
1917 - 1993
Trębacz Dizzy Gillespie to bebopowy innowator i mistrz improwizacji, a także pionier jazzu afro-kubańskiego i latynoskiego. Gillespie współpracował z różnymi muzykami z Ameryki Południowej i Karaibów. Z głęboką pasją traktował tradycyjną muzykę krajów afrykańskich. Wszystko to pozwoliło mu na wprowadzenie bezprecedensowych innowacji do interpretacji współczesnego jazzu. Przez całą swoją długą karierę Gillespie nieprzerwanie koncertował i urzekał publiczność swoim beretem, okularami w rogowych oprawkach, opuchniętymi policzkami, beztroską i niesamowitą muzyką.
Dizzy Gillespie feat. Charliego Parkera
11. Dave Brubeck
1920 – 2012
Dave Brubeck jest kompozytorem i pianistą, promotorem jazzu, działaczem na rzecz praw obywatelskich i badaczem muzyki. Obrazoburczy wykonawca rozpoznawalny po jednym akordzie, niespokojny kompozytor, który przesuwa granice gatunku i buduje pomost pomiędzy przeszłością a przyszłością muzyki. Brubeck współpracował z Louisem Armstrongiem i wieloma innymi znanymi muzykami jazzowymi, a także wywarł wpływ na awangardowego pianistę Cecila Taylora i saksofonistę Anthony'ego Braxtona.
Dave'a Brubecka
12. Benny Goodman
1909 – 1986
Benny Goodman to muzyk jazzowy, lepiej znany jako „King of Swing”. Stał się popularyzatorem jazzu wśród białej młodzieży. Jego pojawienie się zapoczątkowało pewną erę. Goodman był osobą kontrowersyjną. Nieustannie dążył do perfekcji, co znalazło odzwierciedlenie w jego podejściu do muzyki. Goodman był nie tylko wirtuozem gry – był twórczym klarnecistą i innowatorem ery jazzu przed bebopem.
Benny'ego Goodmana
13. Karol Mingus
1922 – 1979
Charles Mingus to wpływowy kontrabasista jazzowy, kompozytor i lider zespołu jazzowego. Muzyka Mingusa to mieszanka gorącego i uduchowionego hard bopu, gospel, muzyki klasycznej i free jazzu. Jego ambitna muzyka i potężny temperament sprawiły, że Mingus zyskał przydomek „wściekłego człowieka jazzu”. Gdyby był tylko gitarzystą smyczkowym, niewiele osób znałoby dziś jego imię. Był najprawdopodobniej największym kontrabasistą wszechczasów, który zawsze trzymał rękę na pulsie dzikiej siły wyrazu jazzu.
Karola Mingusa
14. Herbiego Hancocka
1940 –
Herbie Hancock zawsze będzie jednym z najbardziej szanowanych i kontrowersyjnych muzyków jazzowych – podobnie jak jego pracodawca/mentor Miles Davis. W przeciwieństwie do Davisa, który stale szedł do przodu i nigdy nie oglądał się za siebie, Hancock zygzakuje pomiędzy niemal elektronicznym i akustycznym jazzem, a nawet r'n'b. Pomimo elektronicznych eksperymentów miłość Hancocka do fortepianu nie osłabła, a jego styl gry na pianinie ewoluuje w coraz bardziej sztywne i złożone formy.
Herbiego Hancocka
15. Wyntona Marsalisa
1961 –
Najsłynniejszy muzyk jazzowy od 1980 roku. Na początku lat 80. Wynton Marsalis stał się objawieniem, gdy młody i bardzo utalentowany muzyk postanowił zarabiać na życie grając akustyczny jazz, a nie funk czy R'n'B. Od lat 70. XX wieku w jazzie brakowało nowych trębaczy, ale niespodziewana sława Marsalisa zainspirowała nowe zainteresowanie muzyką jazzową.
Wynton Marsalis – Rustiques (E. Bozza)
Jazz– rodzaj sztuki muzycznej, który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku w wyniku zmieszania się afrykańskiej kultury muzycznej czarnych niewolników i europejskiej. Z pierwszej kultury ten rodzaj muzyki zapożyczył improwizację, rytm, wielokrotne powtarzanie głównego motywu, a z drugiej – harmonię, brzmienia w tonacji molowej i durowej. Warto zauważyć, że takie elementy folkloru afrykańskich niewolników sprowadzonych do Ameryki jak tańce rytualne, pieśni służbowe i kościelne, blues znajdują także odzwierciedlenie w melodiach jazzowych.
Spory o pochodzenie jazzu wciąż trwają. Wiadomo na pewno, że rozprzestrzeniła się na cały świat z USA, a jej klasyczny kierunek wywodzi się z Nowego Orleanu, gdzie 26 lutego 1917 roku została nagrana pierwsza płyta jazzowa przez Original Dixieland Jazz Band.
W pierwszej dekadzie XX wieku w południowych stanach Stanów Zjednoczonych szczególną popularnością cieszyły się zespoły muzyczne wykonujące oryginalne improwizacje na tematy bluesa, ragtime'u i piosenek europejskich. Nazywano ich „zespołem jazzowym” i stąd wzięło się słowo „jazz”. W skład tych grup wchodzili muzycy grający na różnorodnych instrumentach, m.in.: trąbce, klarnecie, puzonie, banjo, tubie, kontrabasie, perkusji i fortepianie.
Jazz ma kilka charakterystycznych cech, które odróżniają go od innych gatunków muzycznych:
- rytm;
- huśtać się;
- instrumenty imitujące ludzką mowę;
- rodzaj „dialogu” pomiędzy instrumentami;
- specyficzny wokal, intonacyjnie przypominający rozmowę.
Jazz stał się integralną częścią przemysłu muzycznego, rozprzestrzeniając się na całym świecie. Popularność melodii jazzowych doprowadziła do powstania ogromnej liczby zespołów je wykonujących, a także do pojawienia się nowych kierunków w tym gatunku muzyki. Do chwili obecnej znanych jest ponad 30 takich stylów, wśród których najpopularniejsze to blues, soul, ragtime, swing, jazz-rock, jazz symfoniczny.
Dla tych, którzy chcą poznać podstawy tego typu sztuki muzycznej, decyzja o zakupie klarnetu, trąbka, banjo, puzon lub inny instrument jazzowy będzie świetnym początkiem drogi do opanowania tego gatunku. Później saksofon znalazł się w składzie orkiestr i zespołów jazzowych, które dziś można kupić nawet w sklepie internetowym. Oprócz wymienionych powyżej w skład grupy jazzowej mogą wchodzić także etniczne instrumenty muzyczne.
Jazz – w tym słowie kryje się nie tylko określenie kolejnego stylu muzycznego, kryje się w nim cała historia nowej muzyki, która po raz pierwszy zabrzmiała na początku XX wieku. Korzenie jazzu można doszukiwać się znacznie wcześniej, jednak jego rozwój jako indywidualny styl nastąpił stosunkowo niedawno. Powstał w USA w czasie, gdy kraj doświadczał ucisku Murzynów, prześladowań tej części populacji, co w dużej mierze znalazło wyraz w kompozycjach jazzowych.
Historia jazzu
Już w XVII wieku do Ameryki sprowadzono pierwszych niewolników z Afryki. Ludzi tych wykorzystywano na plantacjach do najcięższych prac. Czarni niewolnicy nie mieli praktycznie żadnych praw, zadowalając się tym, co mieli. Jedyne pocieszenie i radość odnaleźli w muzyce.
Afrykanie mają świetne wyczucie rytmu, dzięki czemu potrafią śpiewać do rytmu. W tych godzinach, kiedy dano im trochę odpoczynku, ciemnoskórzy niewolnicy śpiewali, towarzysząc sobie uderzeniami w puszki, puszki, klaszcząc w dłonie itp. Tak powstały pierwsze motywy muzyki, która w przyszłości będzie nazywana jazzem.
Historia rozwoju jazzu
Rozwój jazzu - Nowy Orlean
W kosmopolitycznym mieście Nowy Orlean miał miejsce rozwój różnych kultur, co doprowadziło do powstania nowej formy sztuki muzycznej. Okres od 1900 do 1917 roku nazywany jest powszechnie czasem jazzu tradycyjnego, czyli nowoorleańskiego.
W tej chwili ten styl zyskuje szczególną popularność. Jego fanami są nie tylko czarni faceci, ale także biali Amerykanie. Jednym z najbardziej znanych wykonawców muzyki jazzowej jest urodzony w Nowym Orleanie Louis Armstrong.
Swing jest środkiem wyrazu w jazzie
Wraz z początkiem ery swingu wiele małych zespołów przekształciło się w większe grupy. Dzięki rozwojowi tego wyrazistego medium muzyka jazzowa sprawia obecnie wrażenie ogromnej energii wewnętrznej, która znajduje się w stanie niestabilnej równowagi.
Bebop – nowoczesny jazz
Kolejny styl, który stopniowo rozwijał się w muzyce jazzowej. Jest to tempo dość szybkie, wyróżniające się także złożonymi improwizacjami, które powstają poprzez zmianę nie melodii, ale samej harmonii.
darmowy jazz
Koniec lat pięćdziesiątych i początek sześćdziesiątych to czas free jazzu, który obejmował odwrót od zachodnich współbrzmień i rytmu. Odtąd główny nacisk położono na poszukiwanie większej wolności słowa.
Upadek muzyki jazzowej
Pod koniec lat 60. XX wieku popularność tego stylu muzycznego spadła. Choć wielu wykonawców próbowało wskrzesić ten styl, wprowadzając współczesnych słuchaczy w świat jazzu, nie udało im się to. Z tego powodu muzycy jazzowi zostali w tym okresie bez pracy, a duża liczba klubów jazzowych została w tym okresie zamknięta.
odrodzenie
Jednak z biegiem czasu jazz stopniowo powracał. Dziś cieszy się zainteresowaniem słuchaczy z całego świata, niezależnie od narodowości. Odrodziły się tradycje jazzowe, styl ten ponownie stał się popularny.
Warto zauważyć, że w jazzie nie ma stałej kompozycji. Zawsze istnieje zespół solistów, co odróżnia ten styl od wszystkich innych.
Jazz rozwinął się także w naszym kraju, pojawiając się w latach 20. XX wieku. Specjalną orkiestrę zorganizował Valentin Parnakh. Dziesięć lat później jazz zaczął zyskiwać szczególną popularność wśród mieszkańców ZSRR, głównie za sprawą występów zespołu kierowanego przez Leonida Utesowa.
Jazz jako odrębny styl muzyczny żyje do dziś. Ma wielu fanów, którzy są gotowi dać z siebie wszystko, aby mógł się rozwijać i istnieć przez wiele kolejnych lat.
Jazz to ruch muzyczny, który powstał pod koniec XIX wieku w Stanach Zjednoczonych. Od muzyki popularnej mas po sztukę wysoce intelektualną, jazz miał i nadal ma ogromny wpływ na tradycje muzyczne i kulturalne całego świata.
W latach dwudziestych jazz był uosobieniem muzyki popularnej w Stanach Zjednoczonych, ale znajdował się na drugim końcu skali wartości muzycznych, w porównaniu z muzyką komercyjną. Jazz, przechodząc przez główne etapy swojego rozwoju, łącząc się z innymi gatunkami muzycznymi różnych kultur, w połowie XX wieku przyjął nowoczesne formy, stając się muzyką dla intelektualistów.
Współcześnie jazz należy do sfery sztuki wysokiej, uważany jest za prestiżowy gatunek muzyczny, który w dalszym ciągu wywiera wpływ na muzykę współczesną, czerpiąc z niej pewne elementy dla własnego rozwoju (na przykład elementy hip-hopu i tak dalej).
Historia jazzu
Historia jazzu sięga końca XIX wieku. W swej istocie jazz jest połączeniem wielu kultur muzycznych i tradycji narodowych plemion afrykańskich sprowadzonych do Stanów Zjednoczonych jako niewolnicy. Jazz charakteryzuje się złożonym rytmem muzyki afrykańskiej i europejską harmonią.
Jazz narodził się w Nowym Orleanie, mieście na południu Stanów Zjednoczonych. Pierwszym znanym stylem jazzu był „Nowy Orlean”, który uważany jest za tradycyjny w stosunku do innych kierunków. W pierwszych dwóch dekadach XX wieku jazz był muzyką regionalną. Stopniowo rozprzestrzenił się na inne regiony Stanów Zjednoczonych. Ułatwiły to statki wycieczkowe, które wznosiły się na Mississippi. Aby rozbawić publiczność, na statkach grały orkiestry jazzowe, których muzyka podobała się ogółowi społeczeństwa. Tak więc jazz stopniowo przeszedł na inny konkretnie St. Louis, Kansas City i Memphis.
Muzycy jazzowi z Nowego Orleanu odbyli także tournée po USA, docierając nawet do Chicago. Od 1914 roku regularnie koncertował w Chicago jeden ze słynnych ówczesnych muzyków jazzowych, Jerry Roll Morton. Nieco później cała biała orkiestra jazzowa (Dixieland) pod dyrekcją Toma Browna przeniosła się do Chicago. Na początku lat dwudziestych centrum rozwoju jazzu w USA przeniosło się do Chicago i pojawił się nowy styl - „Chicago”.
Za koniec ery czystego jazzu uważa się rok 1928, początek Wielkiego Kryzysu w Stanach Zjednoczonych. W tym okresie bez pracy pozostało wiele osób, w tym muzycy zespołów jazzowych. Sam jazz jako kierunek muzyczny przestał istnieć w czystej postaci, pozostając jedynie w niektórych miastach na południu kraju.
W chicagowskim okresie rozwoju jazzu popularność zyskał jeden z głównych muzyków jazzowych, Louis Armstrong.
Czysty jazz został zastąpiony swingiem - rodzajem muzyki jazzowej, którą wykonywały duże zespoły liczące 10 i więcej osób, big bandy. Swing to orkiestrowy styl muzyki. Zdobył dużą popularność w całym kraju. W tym okresie jazzu zaczęto słuchać i grać w niemal każdym mieście Stanów Zjednoczonych. Swing to bardziej styl taneczny niż czysty jazz. Dlatego jego popularność była szersza. Era swingu trwała od początku lat 30. do połowy lat 40. XX wieku. Najpopularniejszym wykonawcą swingu w USA była orkiestra pod dyrekcją Benny'ego Goodmana. Ponadto popularne były także orkiestry z udziałem Louisa Armstronga, Duke'a Ellingtona, Glenna Millera i innych jazzmanów.
Swing stracił popularność w trudnym czasie wojny. Było to spowodowane brakiem personelu do przejęcia ogromnych big bandów i niecelowością ekonomiczną takie zespoły.
Swing wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój jazzu, w szczególności bebopu, bluesa i muzyki pop.
15 lat później swing został wskrzeszony dzięki wysiłkom Duke'a Ellingtona i Counta Basiego, którzy odtworzyli swoje big-bandy z czasów świetności stylu. Ponadto na odrodzenie swingu mieli wpływ Frank Sinatra i Nat King Cole.
Bop
Na początku lat 40. w środowisku jazzowym w USA pojawił się nowy kierunek – bebop. To muzyka szybka i złożona, charakteryzująca się improwizacjami opartymi na wysokich umiejętnościach wykonawców. Do założycieli tego stylu należą Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk i inni. Bebop jest swoistą reakcją muzyków jazzowych na popularność swingu i próbą uchronienia ich kompozycji przed nadinterpretacją przez amatorów poprzez komplikowanie muzyki.
Bebop uważany jest za awangardowy styl jazzu, trudny dla publiczności, przyzwyczajonej do prostoty swingu. Kolejną różnicą jest skupienie się na soliście, na jego wirtuozowskim opanowaniu instrumentu. Bebop jest z natury całkowicie antykomercyjny. W tym czasie następuje zwrot w rozwoju jazzu z muzyki popularnej w kierunku muzyki dla elity.
Bebop stworzył małe orkiestry jazzowe współczesne, tzw. combo, składające się z trzech osób. Odkrył także takie nazwiska jak Chick Corea, Michael Legrand, Miles Davis, Dexter Gordon, John Coltrane i inni.
Dalszy rozwój jazzu
Bebop nie zastąpił swingu, istniał równolegle z muzyką big bandową, która przedostała się do mainstreamu. W okresie powojennym istniały słynne orkiestry. Ich muzyka zyskała nowy rozwój, wchłaniając najlepsze tradycje innych stylów i nurtów jazzowych, a także muzykę popularną różnych . Obecnie występy orkiestr Lincoln Center, Carnegie Hall, a także Chicago Jazz Ensemble i Smithsonian Orchestra są znane na całym świecie.
Inne style jazzu
Jazz ulegał ciągłym przemianom pod wpływem innych nurtów muzycznych, tworząc nowe trendy:- fajny jazz - zupełne przeciwieństwo bebopu ucieleśniał fajny jazz, którego oderwane i „zimne” brzmienie po raz pierwszy ucieleśniał muzyka Milesa Davisa;
- jazz progresywny – rozwijany równolegle z bebopem, był także próbą odejścia od muzyki big bandowej poprzez udoskonalanie kompozycji;
- hard bop - odmiana bebopu w większym stopniu oparta na bluesie, rozwinięta w północno-wschodnich Stanach Zjednoczonych (Detroit, Nowy Jork, Filadelfia), kompozycje są bardziej sztywne i ciężkie, ale nie mniej agresywne i wymagające umiejętności wykonawcy;
- jazz modalny - eksperymenty Milesa Davisa i Johna Coltrane'a z podejściem do melodii jazzowej;
- soulowy jazz;
- Funk jazzowy;
- free jazz – nowatorski ruch, jeden z najbardziej kontrowersyjnych nurtów w jazzie, uważany za założycieli Ornette’a Colemana i Cecila Taylora, charakteryzuje się zmianami w strukturze i wyczuciu komponentu muzycznego, odrzuceniem sekwencji akordów, jak jak również atonalność;
- fusion - fuzja jazzu z różnymi dziedzinami muzyki - popem, rockiem, soulem, funkiem, rytmem i bluesem i innymi, co wpłynęło na powstanie stylu fusion, czyli jazz-rocka;
- postbop - dalszy rozwój bebopu z pominięciem free jazzu i innych eksperymentów jazzowych;
- acid jazz to nowa koncepcja w muzyce jazzowej, jazzie z domieszką funku, hip-hopu i rytmu.
Festiwale jazzowe w USA
W Stanach Zjednoczonych, kolebce jazzu, odbywają się różne festiwale poświęcone temu stylowi muzyki. Najbardziej znany to New Orleans Jazz Festival, który odbywa się późną wiosną w Nowym Orleanie na Congo Square.
Jazz słusznie uważany jest za najtrudniejszą do odbioru formę muzyczną. Słuchanie jazzu wymaga aktywności mózgu, aby móc określić wszystkie progresje muzyczne i konstrukcje harmoniczne. Tym samym jazz uznawany jest za jeden z instrumentów wpływających na zdolności intelektualne.