Legendy Odessy. W te święta chciałem opowiedzieć kilka historii związanych ze sztuką tak specyficznego miasta jak Odessa, bo nie tylko samo miasto, ale także jego sztuka jest wyjątkowa.
Wybiła już 33 godzina!
Teatr to improwizacja. Wyjście z trudnej sytuacji z honorem to wielka sztuka. A oto przykład, że odescy aktorzy opanowali taką sztukę. Był taki przypadek w Rosyjskim Teatrze Dramatycznym w Odessie. Iwanowa. Wystawiono sztukę Hauptmanna „Przed zachodem słońca”. Aktor Michajłow jest sam na scenie. Zgodnie z fabułą zegar musi wybić jedenastą. Według planu reżysera jest to fatalna granica, której bohater nie może przekroczyć. Fałszywy zegar na scenie oczywiście nie bije – to za sceną martwa Yura uderza metalowym kijem w miedziany cylinder.
A tutaj, tuż za kulisami, młoda aktorka Sveta Pelikhovskaya przygotowuje się do pojawienia się na swojej scenie - nowa w trupie, przyjechała z Moskwy i do tego prawdziwa piękność. Różdżka Pomereza Yury jest żelazna, ale on sam nie jest żelazny, więc flirtuje z całych sił z śliczną debiutantką, nie zapominając o roli bijącego zegara.
Michajłow ma charakter sceniczny, jest już pełen złych przeczuć. A za kulisami Yura jest pełna emocji. W tym samym czasie Yura regularnie oddzwania. A Michajłow głośno liczy ciosy, bo spodziewa się jedenastego. Fatalny! „Raz, dwa, trzy…” I już jest jedenasta! Ale co to jest?! Zegar wybija dwunastą, potem trzynastą. Michajłow jest bliski omdlenia, ale Jura jest bliska szczytu szczęścia: Pelikowska już usiadła na stole śmierci i pokazała kolano. Z dwudziestym uderzeniem zegara cała publiczność była już zaintrygowana tym zwrotem akcji. Najpierw do siebie, a potem szeptem cała sala też myśli:
- Dwadzieścia siedem, dwadzieścia osiem...
Czyjeś nerwy nie wytrzymują tego i słychać nerwowy śmiech. Chichot zamienia się w śmiech. Sala zaczyna się trząść. Martwa Yura to słyszy i mądrze decyduje: „Może wystarczy!”
Bohater na scenie, jak rozumiesz, znajduje się w najdelikatniejszej sytuacji. Ale wielki artysta ma obowiązek uzasadnić każdą sytuację. Michajłow podchodzi do rampy i łamiącym się głosem rzuca do publiczności:
- Wybiła już trzydziesta trzecia godzina! Jak późno! Boże, co się stanie?!
Szczegóły nomenklatury
Proponowane okoliczności. Najmilsi ludzie, autorzy sztuk, przekazują je aktorom, żeby, nie daj Boże, nie nudzili się podczas akcji. A teraz wyobraźmy sobie, że okoliczności te w dalszym ciągu pogłębiają się ze względu na ówczesne okoliczności. Czas był taki: zbliżaliśmy się do zwycięstwa komunizmu i żeby nikt nie zdecydował się pozostać w drodze, powiedzmy, zaglądając do sklepu, czas dbał o to, aby półki były puste.
A potem autor Victor Pleshak napisał musical „Pasje rycerskie”. Trochę o zabawnych czasach rycerskich. Ale musiała grać w nasze smutne gierki. Musical bardzo przypadł do gustu Odeskiemu Teatrowi Komedii Muzycznej, który wówczas kierował Michaił Vodyanoy. Z produkcją nie było praktycznie żadnych specjalnych problemów, poza jednym. Autor musicalu wymyślił chuligańską serenadę głównego bohatera z kiełbasą. Oznacza to, że bohater musiał śpiewać i żuć. Oczywiste jest, że kawałek gotowanej kiełbasy nie nadawał się do tego. Jedyne, czego potrzebowałem, to kawałek mocno wędzonej kiełbasy. Ale wędzoną kiełbasę uważano wówczas za „imprezową” - dostarczano ją tylko do bufetów zamkniętych komitetów okręgowych i komitetów regionalnych. Michaił Grigoriewicz Vodyanoy osobiście musiał negocjować z dyrektorem zakładu mięsnego, aby zapewnić jeden (słownie) kawałek kiełbasy na występ jako rekwizyt wychodzący (czyli zjedzony).
Boże, jak widz zakochał się w nowym przedstawieniu, pospieszył do teatru, aby zobaczyć na żywo kiełbasę, której wygląd zaczął już być zapominany. Zabrali dzieci jak do muzeum – niech zobaczą, co jedli ich dziadkowie i pradziadkowie. To było prawdziwe święto, bo w dniach, w których wykonywano „Pasję Rycerską”, sala pachniała nie jakimś przypalonym Diorem, ale prawdziwym cervelatem. Ale nie zdarza się, żeby wakacje trwały wiecznie...
Na jednym z przedstawień, już w pierwszych taktach „serenady kiełbaskowej”, zgasły światła. Cóż, na minutę. Nie więcej. Kiedy jednak ponownie rozbłysły reflektory, okazało się, że „kiełbasnej serenady” nie da się już w całości wykonać. Serenada była nadal obecna, ale kiełbasa w tajemniczy sposób zniknęła.
Dochodzenie było długie, dokładne i oparte na zasadach. Ale żadna z dwóch wersji zniknięcia kiełbasy nie mogła przeważyć nad drugą, bo takie były wówczas okoliczności.
Odtwórca głównej roli twierdził, że położył kiełbaskę na scenie tylko na sekundę, żeby poszukać w kieszeni zapałek, ale to wystarczyło, aby nawet duch kiełbasy zniknął. Powstała zatem pierwsza wersja, jakoby wyczuwając boskiego wędzonego ducha, ktoś z orkiestry ukradł rekwizyty.
Ale dyrygent orkiestry, zaproszony do dyrekcji, zaproponował obcięcie głowy jako gwarancję, że w jego orkiestrze zostaną wybrani tylko ludzie święci. Co więcej, nawet pogrążeni w myślach o świętości, wyraźnie słyszeli, jak ktoś przeżuwa z natchnieniem w ciemności na scenie. Ale i ta wersja była chwiejna, bo tylko bardzo duży (przede wszystkim objętościowo) talent był w stanie w ciągu minuty przeżuć kij kiełbasy na sucho. A słaby tenor nie pasował do tych wymiarów.
Ale kiedy podczas następnego przedstawienia i ponownie na początku „serenady kiełbaskowej” ponownie zgasły światła, pojawiła się trzecia wersja dotycząca spisku zaostrzonego przez zamiar kiełbasy. Dyrekcja zdawała sobie sprawę, że spektaklu nie da się wystawić w takim wydaniu, bo trupa teatralna to także ludzie, tylko nie święci, ale głodni i nie mogli zobaczyć, jak na ich oczach zjadany jest kij rzadkiej kiełbasy. Musiałem szukać niezbyt genialnego, ale co najważniejsze, rzadkiego rozwiązania dla musicalu.
Śmiało, targuj się!
A jak niezwykły jest widz z Odessy! Musisz być przygotowany na spotkanie z nim. Pamiętam historię opowiedzianą przez jednego z administratorów Rosconcertu o dziwnym nazwisku Rickinglaz i dziwnym wyglądzie – brakowało mu jednego oka. Kiedyś sprowadził do Filharmonii w Odessie słynną orkiestrę pop. Za kulisami Filharmonii nie jest Wersal. Dlatego też niezajęci aktorzy, charakteryzatorzy i administratorzy zwykle stoją przy drzwiach na lewo od głównego wejścia, gdzie palą lub po prostu drapią się po języku. I nagle z głównego wejścia wybiega podekscytowany widz i drżącym głosem pyta:
-Gdzie jest administrator?
- I co się stało? – pyta Rickinglaz, który właśnie rozmawia z głównym administratorem Filharmonii Odesskiej Dimą Kozakiem (z naciskiem na pierwsze „o”).
— W przerwie zgubiłem portfel w przedpokoju. I zawiera prawie 500 rubli.
„Dimochka” – Rickingglaz zwraca się do swojego odeskiego kolegi – „na początku drugiej części ogłośmy widzom, że wydarzyła się sytuacja awaryjna”.
„Lepiej tego nie robić” – odpowiada doświadczony Kozak. - Musimy wymyślić coś innego!
- Och, daj spokój, wezmę to wszystko na siebie!
I tak cała trójka wchodzi na scenę. Kozak bardzo elegancko wpisuje się w pauzę koncertu i zwraca się do publiczności:
— Przyjaciele, właśnie w przedpokoju zaginął portfel z pięcioma setkami rubli. Oto właściciel. Będzie bardzo wdzięczny, jeśli zwróci mu stratę.
Tutaj właściciel portfela stwierdza, że dla pewności należałoby dodać jeszcze jeden ciekawy element i bez presji rzuca w stronę publiczności:
„Dam ćwierć dolara temu, kto mi da portfel”.
„I dam czterdzieści temu, kto mi je da!”
Mądry Dima Kozak zwrócił się do Rickingglaza i powiedział ze smutkiem:
- Idź się targować! Mam przy sobie tylko pięćdziesiąt.
Naoczni świadkowie pamiętają, że koncert ten zakończył się znacznie później niż zwykle, gdyż orkiestra, która straciła cierpliwość, nie wytrzymała i również wzięła udział w aukcji, rywalizując z publicznością.
Czego chcesz - to jest Odessa! Tutaj scena teatralna płynnie wypływa na ulice, tam akcja toczy się dalej, bo teatr jest główną istotą życia tego miasta.
Postscriptum noworoczne
Jeśli, czytelniku, nie jesteś pozbawiony poczucia litości, skieruj całą swoją litość na naszych aktorów - to są męczennicy! Bez względu na pogodę i sytuację 1 stycznia muszą zastosować metodę Chosa, aby zadowolić poranki dzieci. A ten test nie jest dla słabych. A na dowód przytaczam rozdzierającą serce historię pewnej aktorki ukraińskiego teatru w Odessie, której nazwiska nie chcę tutaj ujawniać – sami zrozumiecie dlaczego.
Zatem 1 stycznia. Teatr na Chersonskiej (wówczas Pasteur). Odbywa się noworoczne przedstawienie dla dzieci „Pszczoła” z elfami i skrzatami. W połowie spektaklu następuje najbardziej tragiczny moment: pszczoła (nasza bohaterka w roli głównej) zamiera! Na sali słychać łzy i szloch dzieci. A potem jeden bystry elf woła: „Będziemy na nią tchnąć, a ona ożyje, prawda, dzieci?” - "Tak!!!" – sala krzyczy tysiącami dziecięcych głosów. Elfy pochylają się nad pszczołą i zaczynają na nią oddychać. Ale to jest poranek noworoczny! Stąd hasło „Oddychajmy!” nabiera znaczenia sakramentalnego. Bohaterka, na którą elfy oddychają „po wczoraj”, nie może tego znieść, ale ożywa i powoli zaczyna czołgać się w stronę kulis. I wtedy elf, który nie mógł się przedostać, woła: „Wpuśćcie mnie, ja też muszę na nią tchnąć!” A potem Pszczółka nie może tego znieść i na korytarzu wyraźnie słychać jej bas, lekko ochrypły od kaca: „Nawiasem mówiąc, ja też mogę na ciebie oddychać. Żadna przekąska nie pomoże!
Tak, sztuka to wielka siła. A jeśli nie musisz przyzwyczajać się do tej roli, ale rola jest już w tobie, po prostu ją wydychaj, to jest szczęście. Należy to osiągnąć nawet poprzez stół noworoczny.
Walenty Krapiwa
Jaka jest siła sztuki? Michaił Michajłowicz Priszwin daje nam odpowiedź na to pytanie w powyższym fragmencie. Opisuje, jak patrzy na każde jabłko na drzewie. On ich uosabia i dlatego potrafią się śmiać. Taka bliskość natury, umiejętność jej odczuwania nadaje twórczości Prishvina piękno i ujawnia jego talent. Dzieje się tak nie tylko w przyrodzie. Michaił Michajłowicz pisze, że Sztuka pomaga zrozumieć intymność z nieznajomym na duże odległości: „bez pomocy książki obrazy i dźwięki nie mogłyby się nigdy rozpoznać”. utracone pokrewieństwo”. Oznacza to, że sztuka pomaga znaleźć osobę bliską naszym doświadczeniom i potrafiącą nas zrozumieć. I w ten sposób staje się dla nas drogą, bliską osobą.
Rzeczywiście, ludzie chętniej czytają książki, których bohaterowie są zrozumiałi, ciekawi i do nich podobni.
Sformułowałem to stwierdzenie na podstawie doświadczenia życiowego. Bardzo nie lubię czytać. Wiele książek nie zapada w pamięć na długo.
Władimir Soloukhin słusznie stwierdził: „jeśli nauka jest pamięcią umysłu, to sztuka jest pamięcią zmysłów”. Książki, które najbardziej zapadły mi w pamięć, oparte są na uczuciach. Tak więc jednym tchem przeczytałem dzieło Nikołaja Breszki-Breszkowskiego „Dzika dywizja”. Bohaterowie powieści byli mi bliscy nie tylko przynależnością rodzinną, ale także charakterem. Mogę śmiało powiedzieć, że w niektórych przypadkach zrobiłbym to samo. Jestem osobą, która z natury dąży do sprawiedliwości.
Bardzo mnie zmartwiło, że kapitan Salvatichi, ps. Pan Rumel, zdołał ukryć się przed kontrwywiadem i pozostał bez kary. Przestępca zawsze musi zostać ukarany!
Drugim argumentem potwierdzającym, że sztuka opiera się na uczuciach i w tym tkwi jej siła, może być dzieło Aleksandra Siergiejewicza Puszkina „Córka Kapitana”.
Ojciec Piotra Grinewa, wysyłając syna do służby, mówi mu następujące słowa: „Zadbaj o swój strój i dbaj o swój honor od najmłodszych lat”. I Petrusha przestrzega tej instrukcji do końca życia. Nie ustępuje Pugaczowowi, nie zdradza Ojczyzny, bo przysiągł wierność cesarzowej Katarzynie II i pozostaje jej wierny do końca. Dotrzymuje słowa jak prawdziwy mężczyzna. A wszystkie jego działania mówią o jego sumienności i szybkości reagowania. Jego upór rezonuje ze mną, dlatego spodobała mi się ta praca i chętnie przeczytałbym ją ponownie.
Podsumowując, jeszcze raz pragnę zauważyć, że siła sztuki tkwi w jedności dusz z bohaterami książek, czy też z innymi ludźmi, jeśli chodzi o malarstwo i muzykę. Tak więc Tugarin i Piotr Grinev stali się moimi duchowymi braćmi.
Dzieło sztuki może przyciągnąć uwagę widza, czytelnika lub słuchacza na dwa sposoby. Jednego określa pytanie „co”, drugiego – pytanie „jak”.
„Co” to przedmiot ukazany w utworze, zjawisko, wydarzenie, temat, materiał, czyli to, co nazywa się treścią dzieła. Kiedy mówimy o rzeczach, które interesują daną osobę, naturalnie rodzi to w niej chęć zagłębienia się w znaczenie tego, co zostało powiedziane. Jednak dzieło bogate w treść niekoniecznie musi być dziełem sztuki. Dzieła filozoficzne, naukowe, społeczno-polityczne mogą być nie mniej interesujące niż artystyczne. Ale ich zadaniem nie jest tworzenie obrazów artystycznych (choć czasami mogą się do nich zwrócić). Jeśli dzieło sztuki przyciąga uwagę wyłącznie swoją treścią, to w tym przypadku jego walory artystyczne (dzieła) schodzą na dalszy plan. Wtedy nawet mniej artystyczne przedstawienie tego, co dla danej osoby jest niezwykle ważne, może głęboko zranić jej uczucia. Dzięki niewymagającemu smakowi osoba może być z tego całkowicie zadowolona. Żywe zainteresowanie opisywanymi wydarzeniami pozwala miłośnikom kryminałów czy powieści erotycznych przeżyć emocjonalnie te wydarzenia w swojej wyobraźni, pomimo nieudolności ich opisu, stereotypowości czy nędzy środków artystycznych zastosowanych w dziele.
To prawda, że w tym wypadku obrazy artystyczne okazują się prymitywne, standardowe, słabo stymulujące samodzielne myślenie widza czy czytelnika i rodzące jedynie mniej lub bardziej stereotypowe kompleksy emocji.
Innym sposobem związanym z pytaniem „jak” jest forma dzieła sztuki, czyli sposoby i środki organizowania i przedstawiania treści. To tu czai się „magiczna moc sztuki”, która przetwarza, przekształca i przedstawia treść dzieła tak, aby ucieleśniała się ona w artystycznych obrazach. Materiał lub temat dzieła sam w sobie nie może mieć charakteru artystycznego ani niefikcyjnego. Obraz artystyczny składa się z materiału stanowiącego treść dzieła sztuki, ale kształtuje się on jedynie dzięki formie, w jaką ten materiał jest ubrany.
Rozważmy charakterystyczne cechy obrazu artystycznego.
Najważniejszą cechą obrazu artystycznego jest to, że wyraża emocjonalny i wartościujący stosunek do przedmiotu. Wiedza o przedmiocie służy jedynie jako tło, na którym wyłaniają się doświadczenia związane z tym obiektem.
I. Erenburg w książce „Ludzie, lata, życie” opowiada o swojej rozmowie z francuskim malarzem Matisse’em. Matisse poprosił Lydię, swoją asystentkę, aby przyniosła rzeźbę słonia. Widziałem, pisze Ehrenburg, rzeźbę murzyńską, bardzo wyrazistą, rzeźbiarz wyrzeźbił z drewna wściekłego słonia. „Podoba Ci się?” – zapytał Matisse. Odpowiedziałem: „Bardzo”. - „I nic ci nie przeszkadza?” - „Nie”. - "Ja też. Ale wtedy przybył Europejczyk, misjonarz, i zaczął uczyć czarnego człowieka: „Dlaczego słonie mają podniesione kły?” Słoń może podnieść trąbę, ale kły mogą podnieść zęby, nie poruszają się.” „Murzyn słuchał…” Matisse zawołał ponownie: „Lidio, proszę, przyprowadź kolejnego słonia”. Chichocząc chytrze, pokazał mi figurkę podobną do tych sprzedawanych w europejskich domach towarowych: „Kły są na swoim miejscu, ale sztuka się skończyła”. Afrykański rzeźbiarz oczywiście zgrzeszył przeciwko prawdzie: przedstawił słonia nie takim, jakim jest naprawdę jest.Ale gdyby wykonał anatomicznie dokładną, rzeźbiarską kopię zwierzęcia, jest mało prawdopodobne, aby osoba patrząca na nie była w stanie doświadczyć, doświadczyć, „poczuć” wrażenie widoku wściekłego słonia... słoń wpada w szał, jego trąba jest podrzucona do góry, wszystko porusza się gwałtownie, uniesione kły, najpotężniejsza część jego ciała, wydają się gotowe spaść na ofiarę. Przenosząc je ze zwykłej normalnej pozycji, rzeźbiarz wywołuje u widza napięcie emocjonalne, co jest oznaką, że obraz artystyczny budzi reakcję w jego duszy.
Z rozpatrzonego przykładu jasno wynika, że obraz artystyczny nie jest jedynie obrazem powstałym w wyniku odbicia obiektów zewnętrznych powstających w psychice. Jego celem nie jest odzwierciedlenie rzeczywistości takiej, jaka jest, ale wywołanie w duszy człowieka doświadczeń związanych z jej postrzeganiem. Widzowi nie zawsze jest łatwo wyrazić słowami to, czego doświadcza. Patrząc na afrykańską figurkę, może to być wrażenie mocy, wściekłości i wściekłości słonia, poczucia zagrożenia itp. Różni ludzie mogą postrzegać i doświadczać tego samego na różne sposoby. Wiele zależy tu od subiektywnych cech jednostki, od jej charakteru, poglądów i wartości. Ale w każdym razie dzieło sztuki może wywołać w człowieku przeżycia tylko wtedy, gdy włącza w dzieło jego wyobraźnię. Artysta nie może sprawić, że ktoś doświadczy pewnych uczuć, po prostu nazywając je. Jeśli po prostu powie nam, że powinniśmy mieć takie a takie uczucia i nastroje, lub nawet szczegółowo je opisze, to jest mało prawdopodobne, że je będziemy mieć. Wzbudza przeżycia, modelując za pomocą języka artystycznego przyczyny, które je zrodziły, czyli nadając tym przyczynom jakąś formę artystyczną. Obraz artystyczny jest modelem przyczyny wywołującej emocje. Jeśli model przyczyny „działa”, czyli obraz artystyczny jest postrzegany i odtwarzany w ludzkiej wyobraźni, wówczas pojawiają się także konsekwencje tej przyczyny - „sztucznie” wywołane emocje. I wtedy następuje cud sztuki – jej magiczna moc oczarowuje człowieka i przenosi go do innego życia, do świata stworzonego dla niego przez poetę, rzeźbiarza, piosenkarza. „Michał Anioł i Szekspir, Goya i Balzac, Rodin i Dostojewski stworzyli modele przyczyn zmysłowych, które są niemal bardziej oszałamiające niż te, które przedstawia nam życie. Dlatego nazywa się ich wielkimi mistrzami.”
Obraz artystyczny to „złoty klucz”, który uruchamia mechanizm doświadczenia. Odtwarzając siłą swojej wyobraźni to, co jest przedstawione w dziele sztuki, odbiorca, czytelnik, słuchacz staje się w większym lub mniejszym stopniu „współautorem” zawartego w nim obrazu artystycznego.
W sztuce „obiektywnej” (pięknej) – malarstwie, rzeźbie, dramacie, filmie, powieści czy opowiadaniu itp. – obraz artystyczny budowany jest na podstawie obrazu, opisu pewnych zjawisk, które istnieją (lub są przedstawiane jako istniejące) ) w prawdziwym świecie . Emocje, jakie wywołuje taki artystyczny obraz, są dwojakie. Z jednej strony odnoszą się do treści obrazu artystycznego i wyrażają ocenę człowieka na temat tych rzeczywistości (przedmiotów, przedmiotów, zjawisk rzeczywistości), które znajdują odzwierciedlenie w obrazie. Z drugiej strony odnoszą się do formy, w jakiej ucieleśnia się treść obrazu, i wyrażają ocenę walorów artystycznych dzieła. Emocje pierwszego rodzaju to uczucia „sztucznie” wywołane, które odtwarzają przeżycia rzeczywistych zdarzeń i zjawisk. Emocje drugiego rodzaju nazywane są estetycznymi. Są one związane z zaspokojeniem potrzeb estetycznych człowieka – potrzebą wartości takich jak piękno, harmonia, proporcjonalność. Postawa estetyczna to „emocjonalna ocena tego, jak dana treść jest zorganizowana, skonstruowana, wyrażona, ucieleśniona w formie, a nie samej treści”.
Obraz artystyczny jest w istocie nie tyle odzwierciedleniem zjawisk rzeczywistości, ile wyrazem ich ludzkiego postrzegania, związanych z nimi doświadczeń oraz emocjonalnego i wartościującego stosunku do nich.
Ale po co ludziom sztucznie wzbudzane emocje, rodzące się w procesie postrzegania obrazów artystycznych? Czy nie mają dość doświadczeń związanych z prawdziwym życiem? W pewnym stopniu jest to prawdą. Monotonne, monotonne życie może powodować „głód emocjonalny”. I wtedy człowiek odczuwa potrzebę dodatkowych źródeł emocji. Ta potrzeba popycha ich do poszukiwania w grze „emocji emocji”, do świadomego podejmowania ryzyka i dobrowolnego tworzenia niebezpiecznych sytuacji.
Sztuka zapewnia ludziom możliwość posiadania „dodatkowego życia” w wyimaginowanych światach artystycznych obrazów.
„Sztuka «przeniosła» człowieka w przeszłość i przyszłość, «przesiedliła» go w inne kraje, pozwoliła «odrodzić się» w inny, stać się na jakiś czas Spartakusem i Cezarem, Romeem i Makbetem, Chrystusem i Demonem, a nawet Biały Kieł i Brzydkie Kaczątko; zmieniła dorosłego w dziecko i starca, pozwoliła każdemu poczuć i poznać to, czego nigdy nie byłby w stanie pojąć i doświadczyć w swoim prawdziwym życiu.
Emocje, jakie dzieła sztuki wywołują w człowieku, nie tylko sprawiają, że jego postrzeganie obrazów artystycznych jest głębsze i bardziej ekscytujące. Jak wykazał V.M. Allahverdov emocje to sygnały pochodzące z obszaru nieświadomości do sfery świadomości. Sygnalizują, czy otrzymane informacje wzmacniają „model świata”, który wykształcił się w głębi podświadomości, czy też przeciwnie, ujawniają jego niekompletność, niedokładność i niespójność. „Przenosząc się” w świat obrazów artystycznych i doświadczając w nim „dodatkowych żyć”, człowiek otrzymuje szerokie możliwości sprawdzenia i wyjaśnienia „modelu świata”, który uformował się w jego głowie na podstawie wąskiego osobistego doświadczenia. Sygnały emocjonalne przebijają się przez „pas ochronny” świadomości i zachęcają osobę do uświadomienia sobie i zmiany swoich wcześniej nieświadomych postaw.
Dlatego emocje, jakie wywołuje sztuka, odgrywają tak ważną rolę w życiu człowieka. Emocjonalne doświadczenia „dodatkowych żyć” prowadzą do poszerzenia horyzontów kulturowych człowieka, wzbogacenia jego doświadczeń duchowych i udoskonalenia jego „modelu świata”.
Często słyszymy, jak ludzie, patrząc na obraz, zachwycają się jego podobieństwem do rzeczywistości („Jabłko jest jak prawdziwe!”; „Na portrecie stoi jak żywy!”). Powszechna jest opinia, że sztuka – przynajmniej „obiektywna” – polega na umiejętności osiągnięcia podobieństwa między obrazem a tym, co przedstawione. Już w starożytności opinia ta stanowiła podstawę „teorii naśladownictwa” (po grecku – mimesis), zgodnie z którą sztuka jest imitacją rzeczywistości. Z tego punktu widzenia ideałem estetycznym powinno być maksymalne podobieństwo obrazu artystycznego do przedmiotu. W starożytnej greckiej legendzie zachwyt publiczności wywołał artysta, który namalował krzak jagodami tak podobnymi, że ptaki gromadziły się, aby się nimi ucztować. A dwa i pół tysiąca lat później podejrzewano Rodina, że osiągnął zadziwiającą prawdziwość poprzez pokrycie nagiego mężczyzny tynkiem, wykonanie jego kopii i przedstawienie go jako rzeźby.
Jednak obraz artystyczny, jak widać z powyższego, nie może być po prostu kopią rzeczywistości. Oczywiście pisarz czy artysta, który postanawia przedstawić jakiekolwiek zjawiska rzeczywistości, musi to zrobić w taki sposób, aby czytelnicy i widzowie mogli je chociaż rozpoznać. Ale podobieństwo do tego, co jest przedstawione, wcale nie jest główną zaletą obrazu artystycznego.
Goethe powiedział kiedyś, że jeśli artysta narysuje pudla bardzo podobnego, to można się cieszyć pojawieniem się innego psa, ale nie dzieła sztuki. A Gorki o jednym ze swoich portretów, który wyróżniał się fotograficzną dokładnością, ujął to w ten sposób: „To nie jest mój portret. To portret mojej skóry.” Fotografie, odlewy dłoni i twarzy, figury woskowe mają na celu jak najwierniejsze odwzorowanie oryginałów.
Jednak dokładność nie czyni z nich dzieł sztuki. Co więcej, emocjonalno-wartościowy charakter obrazu artystycznego, jak już wykazano, zakłada odejście od bezstronnego obiektywizmu w przedstawianiu rzeczywistości.
Obrazy artystyczne są mentalnymi modelami zjawisk, a podobieństwo modelu do odtwarzanego przez niego przedmiotu jest zawsze względne: każdy model musi różnić się od oryginału, w przeciwnym razie byłby to po prostu drugi oryginał, a nie model. „Artystyczne panowanie nad rzeczywistością nie udaje, że jest samą rzeczywistością – to odróżnia sztukę od iluzjonistycznych sztuczek mających oszukać oko i ucho”.
Odbierając dzieło sztuki, zdaje się, że „odsuwamy na bok fakt, że niesiony przez nie obraz artystyczny nie jest zbieżny z oryginałem. Akceptujemy obraz tak, jakby był ucieleśnieniem prawdziwego przedmiotu, „zgadzamy się” nie zwracać uwagi na jego „fałszywy charakter”. Taka jest konwencja artystyczna.
Konwencja artystyczna to świadomie przyjęte założenie, w którym „nierzeczywista”, stworzona przez sztukę przyczyna doświadczenia staje się zdolna do wywoływania doświadczeń, które sprawiają wrażenie „tak jak rzeczywiste”, choć mamy świadomość, że mają one sztuczne pochodzenie. „Będę ronił łzy nad fikcją” – tak Puszkin wyraził efekt artystycznej konwencji.
Kiedy dzieło sztuki budzi w człowieku określone emocje, nie tylko je przeżywa, ale także rozumie ich sztuczne pochodzenie. Zrozumienie ich sztucznego pochodzenia pomaga im znaleźć ulgę w refleksji. Pozwoliło to L.S. Wygotski powiedział: „Emocje związane ze sztuką są emocjami inteligentnymi”. Związek ze zrozumieniem i refleksją odróżnia emocje artystyczne od emocji wywołanych realnymi okolicznościami życiowymi.
V. Nabokov w swoich wykładach o literaturze mówi: „Właściwie cała literatura jest fikcją. Wszelka sztuka jest oszustwem... Świat każdego większego pisarza jest światem fantasy, mającym własną logikę, własne konwencje...” Artysta wprowadza nas w błąd, a my chętnie ulegamy zwiedzeniu. Według wyrażenia francuskiego filozofa i pisarza J.-P. Sartre poeta kłamie, aby powiedzieć prawdę, czyli wzbudzić szczere, zgodne z prawdą przeżycie. Wybitny reżyser A. Tairow żartował, że teatr to kłamstwo wyniesione do rangi systemu: „Bilet, który kupuje widz, jest symboliczną zgodą na oszustwo: teatr zobowiązuje się oszukać widza; widz, naprawdę dobry widz, podejmuje się ulegać zwiedzeniu i dać się oszukać... Ale oszukiwanie sztuki - staje się prawdą dzięki autentyczności ludzkich uczuć.
Istnieją różne rodzaje konwencji artystycznych, m.in.:
„znaczący” – oddziela dzieło sztuki od otoczenia. Temu zadaniu służą warunki określające obszar percepcji artystycznej – scena teatru, cokół rzeźby, rama obrazu;
„kompensujący” – wprowadza w kontekst obrazu artystycznego ideę jego elementów, które nie są ukazane w dziele sztuki. Ponieważ obraz nie jest zgodny z oryginałem, jego odbiór zawsze wymaga domysłów w wyobraźni tego, czego artysta nie mógł pokazać lub celowo pozostawił bez komentarza.
Taka jest na przykład konwencja czasoprzestrzenna w malarstwie. Odbiór obrazu zakłada, że widz wyobraża sobie w myślach trzeci wymiar, co umownie wyraża się perspektywą na płaszczyźnie, rysuje w jego wyobraźni drzewo odcięte krawędzią płótna, wprowadza w statyczny obraz upływ czasu i odpowiednio tymczasowe zmiany, które są przekazywane w obrazie przy użyciu pewnego rodzaju konwencjonalnych środków;
„akcentujący” - podkreśla, uwypukla, wyolbrzymia istotne emocjonalnie elementy obrazu artystycznego.
Malarze często osiągają to poprzez wyolbrzymianie rozmiaru obiektu. Modigliani maluje kobiety z nienaturalnie dużymi oczami, które wychodzą poza twarz. Na obrazie Surikowa „Mienszykow w Bieriezowie” niesamowicie ogromna postać Mienszykowa stwarza wrażenie skali i mocy tej postaci, która była „prawą ręką” Piotra;
„uzupełniający” - zwiększający różnorodność symbolicznych środków języka artystycznego. Tego typu konwencja jest szczególnie istotna w sztuce „nieobiektywnej”, gdzie obraz artystyczny powstaje bez uciekania się do przedstawienia jakichkolwiek przedmiotów. Niefiguratywne środki symboliczne czasami nie wystarczą do skonstruowania obrazu artystycznego, a konwencja „uzupełniająca” poszerza ich zakres.
Tym samym w balecie klasycznym ruchy i pozy, naturalnie kojarzone z przeżyciami emocjonalnymi, uzupełniane są konwencjonalnymi, symbolicznymi sposobami wyrażania określonych uczuć i stanów. W muzyce tego typu dodatkowymi środkami są na przykład rytmy i melodie, które nadają narodowy posmak lub przypominają wydarzenia historyczne.
Symbol to szczególny rodzaj znaku. Używanie znaku jako symbolu pozwala nam poprzez obraz konkretnej, indywidualnej rzeczy (zewnętrzny wygląd symbolu) przekazać myśli o charakterze ogólnym i abstrakcyjnym (głęboki sens symbolu).
Zwrócenie się ku symbolom otwiera przed sztuką szerokie możliwości. Za ich pomocą dzieło sztuki może zostać wypełnione treściami ideologicznymi, wykraczającymi daleko poza konkretne sytuacje i zdarzenia, które są w nim bezpośrednio ukazane. Dlatego sztuka, jako wtórny system modelowania, szeroko posługuje się różnorodną symboliką. W językach sztuki środki symboliczne używane są nie tylko w ich bezpośrednim znaczeniu, ale także w celu „zakodowania” głębokich, „wtórnych” znaczeń symbolicznych.
Z semiotycznego punktu widzenia obraz artystyczny to tekst niosący estetycznie zaprojektowaną, bogatą emocjonalnie informację. Dzięki zastosowaniu języka symbolicznego informacja ta jest prezentowana na dwóch poziomach. Po pierwsze, wyraża się ona bezpośrednio w zmysłowo postrzeganej „tkaninie” obrazu artystycznego – w wyglądzie konkretnych osób, działań, przedmiotów ukazanych w tym obrazie. Po drugie, należy go uzyskać poprzez penetrację symbolicznego znaczenia obrazu artystycznego, poprzez mentalną interpretację jego treści ideowej. Dlatego obraz artystyczny niesie w sobie nie tylko emocje, ale także myśli. O emocjonalnym oddziaływaniu obrazu artystycznego decyduje wrażenie, jakie na nas wywierają zarówno informacje, które otrzymujemy na pierwszym poziomie, poprzez percepcję bezpośrednio nam przekazanego opisu konkretnych zjawisk, jak i informacje, które uchwycimy na drugim poziomie poprzez interpretację symboliki obrazu. Oczywiście zrozumienie symboliki wymaga dodatkowego wysiłku intelektualnego. Ale to znacznie wzmacnia wrażenia emocjonalne, jakie wywierają na nas obrazy artystyczne.
Symboliczna treść obrazów artystycznych może mieć bardzo różny charakter. Ale zawsze w jakimś stopniu jest obecny. Dlatego obrazu artystycznego nie można sprowadzić do tego, co jest w nim przedstawione. Zawsze „mówi” nam nie tylko o tym, ale także o czymś innym, co wykracza poza konkretny, widzialny i słyszalny przedmiot, który jest w nim reprezentowany.
W rosyjskiej bajce Baba Jaga to nie tylko brzydka stara kobieta, ale symboliczny obraz śmierci. Bizantyjska kopuła kościoła to nie tylko architektoniczna forma dachu, ale symbol sklepienia niebieskiego. Płaszcz Gogola Akakiego Akakiewicza to nie tylko ubranie, ale symboliczny obraz daremności marzeń biednego człowieka o lepszym życiu.
Symbolikę obrazu artystycznego można oprzeć przede wszystkim na prawach ludzkiej psychiki.
Zatem postrzeganie koloru przez ludzi ma modalność emocjonalną związaną z warunkami, w jakich dany kolor jest zwykle obserwowany w praktyce. Kolor czerwony - kolor krwi, ognia, dojrzałych owoców - wzbudza poczucie niebezpieczeństwa, aktywności, pociągu erotycznego i pragnienia błogosławieństw życia. Zielony - kolor trawy i liści - symbolizuje wzrost witalności, ochronę, niezawodność, spokój. Czerń odbierana jest jako brak jasnych barw życia, kojarzy się z ciemnością, tajemnicą, cierpieniem, śmiercią. Ciemny fiolet – mieszanka czerni i czerwieni – wywołuje ciężki, ponury nastrój.
Badacze percepcji barw, pomimo pewnych różnic w interpretacji poszczególnych barw, dochodzą w zasadzie do podobnych wniosków na temat ich skutków psychologicznych. Według Frielinga i Auera kolory charakteryzują się w następujący sposób.
Po drugie, obraz artystyczny można zbudować na symbolice historycznie utrwalonej w kulturze.
Z biegiem historii okazało się, że kolor zielony stał się kolorem sztandaru islamu, a europejscy artyści, przedstawiając zielonkawą mgłę za Saracenami przeciwstawiającymi się krzyżowcom, symbolicznie wskazują na leżący w oddali świat muzułmański. W malarstwie chińskim kolor zielony symbolizuje wiosnę, a w tradycji chrześcijańskiej bywa symbolem głupoty i grzeszności (szwedzki mistyk Szwecjaberg twierdzi, że głupcy w piekle mają zielone oczy; jeden z witraży katedry w Chartres przedstawia zielonoskóry i zielonooki Szatan).
Inny przykład. Piszemy od lewej do prawej i ruch w tym kierunku wydaje się normalny. Kiedy Surikow przedstawia szlachciankę Morozową na saniach podróżujących od prawej do lewej, jej ruch w tym kierunku symbolizuje protest przeciwko przyjętym postawom społecznym. Jednocześnie na mapie zachód jest po lewej stronie, wschód po prawej. Dlatego w filmach o Wojnie Ojczyźnianej wróg zwykle naciera z lewej strony, a wojska radzieckie z prawej.
Po trzecie, tworząc obraz artystyczny, autor może nadać mu znaczenie symboliczne w oparciu o własne skojarzenia, które czasami nieoczekiwanie rzucają światło na znane rzeczy z nowej perspektywy.
Opis styku przewodów elektrycznych zamienia się tu w filozoficzną refleksję nad syntezą (a nie tylko „splotem”!) przeciwieństw, nad martwym współistnieniem (jak to bywa w życiu rodzinnym bez miłości) i rozbłyskiem życia w chwili śmierci . Obrazy artystyczne zrodzone ze sztuki często stają się ogólnie przyjętymi symbolami kulturowymi, swoistymi standardami oceny zjawisk rzeczywistości. Tytuł książki Gogola „Martwe dusze” jest symboliczny. Maniłow i Sobakiewicz, Plyushkin i Korobochka - wszyscy oni to „martwe dusze”. Symbolami byli Tatiana Puszkina, Czatski Gribojedowa, Famusow, Mołchalin, Obłomow i Obłomowizm Gonczarowa, Juduszka Gołowlew Saltykowa-Szczedrina, Iwan Denisowicz Sołżenicyna i wielu innych bohaterów literackich. Bez znajomości symboli, które weszły do kultury ze sztuki przeszłości, często trudno jest zrozumieć treść współczesnych dzieł sztuki. Sztuka jest dogłębnie przesiąknięta skojarzeniami historycznymi i kulturowymi, a dla tych, którzy ich nie dostrzegają, często symbolika obrazów artystycznych wydaje się nieprzystępna.
Symbolikę obrazu artystycznego można stworzyć i uchwycić zarówno na poziomie świadomości, jak i podświadomie, „intuicyjnie”. Jednak w każdym przypadku należy to zrozumieć. Oznacza to, że odbiór obrazu artystycznego nie ogranicza się jedynie do przeżycia emocjonalnego, ale wymaga także zrozumienia i zrozumienia. Co więcej, gdy w odbiorze obrazu artystycznego bierze udział intelekt, wzmacnia to i rozszerza efekt tkwiącego w nim ładunku emocjonalnego. Emocje artystyczne doświadczane przez osobę rozumiejącą sztukę są emocjami organicznie związanymi z myśleniem. Tutaj teza Wygotskiego jest uzasadniona w jeszcze jednym aspekcie: „emocje sztuki są emocjami inteligentnymi”.
Dodać też należy, że w utworach literackich treść ideologiczna wyraża się nie tylko w symbolice obrazów artystycznych, ale także bezpośrednio w ustach bohaterów, w komentarzach autora, niekiedy rozrastając się do całych rozdziałów zawierających refleksje naukowe i filozoficzne (Tołstoj w „Wojnie i pokoju”, T. Manna w „Czarodziejskiej górze”). To kolejny dowód na to, że percepcji artystycznej nie można sprowadzić wyłącznie do oddziaływania na sferę emocji. Sztuka wymaga zarówno od twórców, jak i odbiorców swojej twórczości nie tylko przeżyć emocjonalnych, ale także wysiłku intelektualnego.
Każdy znak, ponieważ jego znaczenie może być dowolnie ustalane przez osobę, może być nośnikiem różnych znaczeń. Dotyczy to także znaków werbalnych – słów. Jak wykazał V.M. Allahverdova „nie można wymienić wszystkich możliwych znaczeń słowa, ponieważ znaczenie tego słowa, jak każdego innego znaku, może być dowolne. Wybór znaczenia zależy od świadomości, która postrzega to słowo. Ale „arbitralność relacji znak-znaczenie” nie oznacza nieprzewidywalności. Znaczenie raz przypisane danemu znakowi musi być w dalszym ciągu przypisywane temu znakowi, jeśli zachowany zostanie kontekst jego pojawienia się. Zatem kontekst, w którym jest używany, pomaga nam zrozumieć, co oznacza znak.
Kiedy zabieramy się za przekazywanie wiedzy na dany temat drugiemu, staramy się, aby treść naszego przekazu została zrozumiana jednoznacznie. W nauce w tym celu wprowadza się ścisłe zasady określające znaczenie używanych pojęć i warunki ich stosowania. Kontekst nie pozwala na wyjście poza te zasady. Sugeruje się, że wniosek opiera się wyłącznie na logice, a nie na emocjach. Wszelkie drugorzędne odcienie znaczeniowe, nieokreślone definicjami, są wyłączone z rozważań. Podręcznik do geometrii lub chemii musi przedstawiać fakty, hipotezy i wnioski w taki sposób, aby wszyscy studiujący go uczniowie jednoznacznie i w pełnej zgodności z zamierzeniami autora odebrali jego treść. W przeciwnym razie mamy zły podręcznik. Inaczej jest w przypadku sztuki. Tutaj, jak już wspomniano, głównym zadaniem nie jest przekazywanie informacji o niektórych przedmiotach, ale wpływanie na uczucia, wzbudzanie emocji, dlatego artysta szuka skutecznych w tym zakresie środków symbolicznych. Bawi się tymi środkami, łącząc te subtelne, skojarzeniowe odcienie ich znaczenia, które pozostają poza ścisłymi logicznymi definicjami i których odwołanie nie jest dopuszczalne w kontekście dowodu naukowego. Aby obraz artystyczny robił wrażenie, budził zainteresowanie i budził emocje, buduje się go za pomocą niestandardowych opisów, nieoczekiwanych porównań, wyrazistych metafor i alegorii.
Ale ludzie są inni. Mają różne doświadczenia życiowe, różne zdolności, gusta, pragnienia i nastroje. Pisarz dobierając środki wyrazu do stworzenia obrazu artystycznego, opiera się na swoich wyobrażeniach o sile i naturze ich oddziaływania na czytelnika. Wykorzystuje je i ocenia w świetle swoich poglądów w określonym kontekście kulturowym. Kontekst ten wiąże się z epoką, w której żyje pisarz, z problemami społecznymi, które nurtują ludzi tej epoki, z kierunkiem zainteresowań i poziomem wykształcenia społeczeństwa, do którego autor się zwraca. A czytelnik postrzega te środki w swoim własnym kontekście kulturowym. Różni czytelnicy, na podstawie kontekstu i po prostu indywidualnych cech, mogą na swój sposób postrzegać obraz stworzony przez pisarza.
W dzisiejszych czasach ludzie podziwiają malowidła jaskiniowe przedstawiające zwierzęta wykonane rękami bezimiennych artystów z epoki kamienia, ale kiedy na nie patrzą, widzą i doświadczają czegoś zupełnie innego niż to, co widzieli i przeżyli nasi odlegli przodkowie. Niewierzący może podziwiać „Trójcę” Rublowa, jednak postrzega tę ikonę inaczej niż wierzący, co nie oznacza, że jego postrzeganie ikony jest błędne.
Jeśli obraz artystyczny wywoła w czytelniku dokładnie te doświadczenia, które autor chciał wyrazić, on (czytelnik) doświadczy empatii.
Nie oznacza to jednak, że przeżycia i interpretacje obrazów artystycznych są całkowicie dowolne i mogą być dowolne. Przecież powstają na bazie obrazu, z niego wynikają i to obraz wyznacza ich charakter. Warunkowość ta nie jest jednak jednoznaczna. Związek między obrazem artystycznym a jego interpretacjami jest taki sam, jak związek między przyczyną a jej skutkami: ta sama przyczyna może wywołać wiele konsekwencji, ale nie żadnych, lecz tylko te, które z niej wynikają.
Istnieją różne interpretacje obrazów Don Juana, Hamleta, Chatsky'ego, Obłomowa i wielu innych bohaterów literackich. W powieści L. Tołstoja Anna Karenina obrazy głównych bohaterów opisane są z niesamowitą wyrazistością. Tołstoj jak nikt inny potrafi przedstawić czytelnikowi swoich bohaterów tak, aby stali się niejako jego bliskimi znajomymi. Wydawałoby się, że pojawienie się Anny Arkadyevny i jej męża Aleksieja Aleksandrowicza, ich duchowy świat, zostaje nam ujawnione do głębi. Jednak czytelnicy mogą mieć do nich różne podejście (a w powieści ludzie traktują ich inaczej). Niektórzy aprobują zachowanie Kareniny, inni uważają je za niemoralne. Niektórzy bardzo nie lubią Karenina, inni postrzegają go jako osobę niezwykle wartościową. Sam Tołstoj, sądząc po motto powieści („Zemsta jest moja i ja odpłacę”), zdaje się potępiać swoją bohaterkę i sugerować, że ponosi ona sprawiedliwą zapłatę za swój grzech. Ale jednocześnie w istocie całym podtekstem powieści budzi dla niej współczucie. Co jest wyższe: prawo do miłości czy obowiązek małżeński? W powieści nie ma jednoznacznej odpowiedzi. Możesz współczuć Annie i obwiniać jej męża, ale możesz też zrobić odwrotnie. Wybór należy do czytelnika. A pole wyboru nie ogranicza się tylko do dwóch skrajnych opcji – pośrednich jest zapewne niezliczona ilość.
Zatem każdy pełnoprawny obraz artystyczny jest wieloznaczny w tym sensie, że pozwala na istnienie wielu różnych interpretacji. Wydają się być w nim potencjalnie osadzone i ujawniać jego treść, oglądane z różnych punktów widzenia i w różnych kontekstach kulturowych. Aby zrozumieć sens dzieła sztuki, potrzebne jest nie empatia, ale współtworzenie, a ponadto zrozumienie związane z osobistym, subiektywnym, indywidualnym postrzeganiem i przeżywaniem obrazów artystycznych zawartych w dziele.
Sztuka wyraża się na wiele sposobów: w kamieniu, farbie, dźwiękach, słowach i tym podobnych. Każda z jej odmian, oddziałując na różne narządy zmysłów, może wywrzeć silne wrażenie na człowieku i stworzyć takie obrazy, które zostaną wyrzeźbione na zawsze.
Od wielu lat toczy się debata na temat tego, która forma sztuki ma największą siłę wyrazu. Jedni wskazują na sztukę słowa, inni na malarstwo, jeszcze inni nazywają muzykę subtelną, a zarazem najbardziej oddziałującą na ludzką duszę sztuką.
Wydaje mi się, że jest to kwestia indywidualnego gustu, który, jak mówią, nie budzi kontrowersji. Jedynym niepodważalnym faktem jest to, że sztuka ma jakąś tajemniczą władzę i władzę nad człowiekiem. Co więcej, władza ta rozciąga się zarówno na autora, twórcę, jak i na „konsumenta” wytworów działalności twórczej.
Artysta czasami nie może spojrzeć na świat oczami zwykłego człowieka, na przykład bohatera opowiadania M. Kotsyubińskiego „Kwiat jabłoni”. Jest rozdarty między dwiema rolami: ojca pogrążonego w żałobie z powodu choroby córki i artysty, który nie może powstrzymać się od spojrzenia na wydarzenia związane z upadkiem swojego dziecka jako na materiał na przyszłą historię.
Czas i słuchacz nie są w stanie zatrzymać działania sił sztuki. W „Starożytnej opowieści” Łesi Ukraińskiej można zobaczyć, jak siła pieśni i słów śpiewaka pomaga rycerzowi zdobyć serce ukochanej. Następnie widzimy, jak słowo, wysokie słowo pieśni, obala rycerza, który z tronu zmienił się w tyrana. A takich przykładów jest wiele.
Oczywiście nasi klasycy, wyczuwając subtelne poruszenia ludzkiej duszy, chcieli nam pokazać, jak artysta może wpłynąć na człowieka, a nawet cały naród. Dzięki takim przykładom możemy lepiej zrozumieć nie tylko siłę sztuki, ale także docenić kreatywność w człowieku.
Jak sztuka wpływa na człowieka? Jak wpływa na światopogląd i postrzeganie całej otaczającej przestrzeni? Dlaczego po niektórych utworach przechodzą ciarki po skórze, a scena w filmie wywołuje łzy na policzkach? Na te pytania nikt nie da dokładnej odpowiedzi - sztuka może obudzić w człowieku najróżniejsze i często bardzo sprzeczne uczucia.
Czym jest sztuka?
Istnieje precyzyjna definicja sztuki - jest to proces lub wynik ekspresji w manifestacji artystycznej, a także twórcza symbioza, która przekazuje określone uczucia i emocje przeżywane w określonym momencie. Sztuka jest wieloaspektowa. Potrafi przekazać przeżycia jednej osoby, a nawet nastrój całego narodu w określonym przedziale czasu.
Siła prawdziwej sztuki tkwi przede wszystkim w jej oddziaływaniu na człowieka. Zgadzam się, jedno zdjęcie może wywołać wiele doświadczeń i wrażeń, które między innymi mogą być dość sprzeczne. Sztuka jest rodzajem odzwierciedleniem prawdziwej istoty człowieka. I nie ma w ogóle znaczenia, czy jest wielkim artystą, czy koneserem malarstwa.
Środki sztuki i jej rodzaje
Przede wszystkim należy zdecydować się na rodzaje dzieł sztuki, a jest ich całkiem sporo. Tak więc głównymi z nich są muzyka, literatura, malarstwo, teatr, cyrk, kino, rzeźba, architektura, fotografia, a także grafika i wiele innych.
Jak działa sztuka? beznamiętny, w przeciwieństwie do muzyki czy malarstwa, które potrafią wywołać wiele emocji i przeżyć. Tylko prawdziwe arcydzieła mogą przyczynić się do ukształtowania szczególnego światopoglądu i postrzegania otaczającej rzeczywistości. Na szczególną uwagę zasługują środki wyrazu sztuki (rytm, proporcja, forma, ton, faktura itp.), które pozwalają w pełni docenić dane dzieło.
Wszechstronność sztuki
Jak już wspomniano, sztuka jest wieloaspektowa. Szczególnie wymownie świadczą o tym zachowane od niepamiętnych czasów arcydzieła rzeźby i architektury, sztuki zdobniczej i użytkowej, muzyki i literatury, malarstwa i grafiki, a także nieśmiertelne kino i przedstawienia teatralne. a badania historyczne pokazują, że najstarsze cywilizacje starały się wyrazić swoje „ja” poprzez rysunki na skałach, rytualne tańce wokół ognia, tradycyjne stroje itp.
Sztuka nie ma na celu jedynie wywoływania określonego uczucia. Metody te mają służyć celom bardziej globalnym - ukształtowaniu specjalnego wewnętrznego świata osoby, która potrafi dostrzec piękno i stworzyć coś podobnego.
Muzyka jest odrębną formą sztuki
Być może ten rodzaj sztuki zasługuje na osobną, dużą kategorię. Z muzyką spotykamy się cały czas, już nasi najstarsi przodkowie odprawiali rozmaite rytuały przy rytmicznych dźwiękach oryginalnych instrumentów. Muzyka może mieć przeróżny wpływ na człowieka. Dla niektórych może być środkiem wyciszenia i relaksu, dla innych stanie się bodźcem i impulsem do dalszych działań.
Co więcej, naukowcy od dawna doszli do wniosku, że muzyka jest doskonałym dodatkowym środkiem rehabilitacji pacjentów i doskonałą okazją do osiągnięcia spokoju ducha. Dlatego na oddziałach często odtwarzana jest muzyka, wzmacniająca wiarę w szybki powrót do zdrowia.
Obraz
Wpływowa siła sztuki to największa siła, która może radykalnie zmienić światopogląd człowieka i znacząco wpłynąć na kształtowanie się jego wewnętrznego świata. Zamieszanie kolorów, bogactwo barw i harmonijnie dobrane odcienie, gładkie linie i wielkoformatowe objętości – to wszystko jest dziełem sztuki.
W skarbcach galerii i muzeów przechowywane są światowej sławy arcydzieła artystów. Obrazy wywierają niesamowity wpływ na wewnętrzny świat człowieka, potrafią wniknąć w najskrytsze zakamarki świadomości i zasiać ziarno prawdziwych wartości. Ponadto, tworząc niepowtarzalne dzieła sztuki, człowiek wyraża własne doświadczenia i dzieli się swoją wizją otaczającej rzeczywistości z całym światem. Każdy wie, że leczeniu niektórych chorób układu nerwowego często towarzyszą zajęcia rysunkowe. Sprzyja to uzdrowieniu i pokojowi pacjentów.
Poezja i proza: o wpływowej sile literatury
Z pewnością każdy wie, że słowo w swej istocie ma niesamowitą moc - może uleczyć zranioną duszę, uspokoić, dać radosne chwile, ogrzać, tak samo słowo może zranić człowieka, a nawet zabić. Słowo otoczone piękną sylabą ma jeszcze większą moc. Mówimy o literaturze we wszystkich jej przejawach.
Arcydzieła światowej klasyki to ogromna liczba niesamowitych dzieł, które w takim czy innym stopniu wpłynęły na życie prawie każdego człowieka. Dramat, tragedia, poezja, wiersze i ody – wszystko to w różnym stopniu odbijało się w duszy każdego, kto mógł dotknąć dzieł klasyków. Oddziaływanie sztuki na człowieka – zwłaszcza literatury – jest wieloaspektowe. I tak na przykład w niespokojnych czasach pisarze swoimi wierszami wzywali ludzi do walki, a swoimi powieściami przenosili czytelnika w zupełnie inny świat, pełen innych kolorów i postaci.
Dzieła literackie kształtują wewnętrzny świat człowieka i nieprzypadkowo w naszych czasach, pełnych innowacji i postępu technologicznego, zachęca się człowieka do ponownego zanurzenia się w niezwykle przytulną atmosferę, jaką tworzy dobra książka.
Wpływ sztuki
Postęp nie stoi w miejscu, tak jak sztuka. Różne epoki charakteryzują się pewnymi trendami, które w mniejszym lub większym stopniu znajdują odzwierciedlenie w wielu dziełach. Co więcej, często to trendy w modzie kształtowały wizerunek i sposób życia ludności. Wystarczy przypomnieć, jak kierunki architektury wyznaczały kanony budownictwa i wyposażenia wnętrz. Wpływająca siła sztuki przyczyniła się nie tylko do powstania budynków w określonym stylu, ale także ukształtowała powszechne gusta ludności.
Na przykład w dziedzinie architektury istnieje nawet osobliwa klasyfikacja okresów historycznych: renesans, rokoko, barok itp. W jaki sposób sztuka wpływa w tym przypadku na człowieka? Kształtuje preferencje smakowe człowieka, jego styl i sposób zachowania, dyktuje zasady projektowania wnętrz, a nawet styl komunikacji.
Wpływ sztuki współczesnej
Trudno mówić o sztuce współczesnej. Nie wynika to bynajmniej ze specyfiki XXI wieku, wypełnionego innowacjami i unikalnymi nowinkami technologicznymi. Kiedyś wielu pisarzy i artystów nie było uznawanych za geniuszy, a ponadto często uważano ich za szaleńców. Jest całkiem możliwe, że za kilkaset lat nasi współcześni będą uważani za geniuszy swoich czasów.
Niemniej jednak dość trudno jest prześledzić tendencje w sztuce współczesnej. Wielu jest skłonnych wierzyć, że obecne dzieła są jedynie rozkładem starych. Czas pokaże, w jaki sposób sztuka wpływa w tym przypadku i jak wpływa na kształtowanie się osobowości. A dla twórców bardzo ważne jest kształtowanie i kultywowanie poczucia piękna w społeczeństwie.
Jak działa sztuka?
Mówiąc o sile oddziaływania tego zjawiska, nie można poprzestać na pojęciach dobra i zła. Sztuka we wszystkich swoich przejawach nie uczy odróżniania dobra od zła, światła od ciemności i bieli od czerni. Sztuka kształtuje wewnętrzny świat człowieka, uczy go rozróżniać pojęcia dobra i zła, rozmawiać o życiu, a także porządkować swoje myśli, a nawet widzieć świat w wieloaspektowym aspekcie. Książki zanurzają w zupełnie inny świat marzeń i fantazji, kształtują człowieka jako osobę, a także zmuszają do przemyślenia wielu rzeczy i innego spojrzenia na pozornie zwyczajne sytuacje.
Dzieła architektów, malarzy, pisarzy i muzyków, które przetrwały do dziś, wymownie mówią o nieśmiertelności prawdziwych arcydzieł. W pełni pokazują, jak bezsilny jest czas wobec bezcennych dzieł klasyków.
Prawdziwej sztuki nie można ignorować, a jej siła może nie tylko kształtować świat wewnętrzny, ale także radykalnie zmienić życie człowieka.