>

Tabela gatunków muzycznych. Współczesne gatunki muzyczne. Jego różnorodność obejmuje

Człowiek ma kontakt z muzyką od urodzenia: w dzieciństwie mama śpiewa mu kołysanki, w przedszkolu i szkole – śpiewając piosenki w chórach i na porankach.

Pierwszy dzwonek i rozdanie dyplomów, inicjacja studencka i walc Mendelssohna.

Muzyka jest wieczna, napawa radością i pomaga przetrwać chwile, gdy jest to trudne.

We współczesnym świecie istnieją różne gatunki muzyczne:

  • Klasyczny.
  • Retro.
  • Chanson.
  • Metal.
  • Jazz.
  • Acapello i in.

Wszystkie mają swoich fanów i koneserów, godnych szacunku i miejsca na Olimpie, gdzie królują Muza i Harmonia.

Część osób, preferując muzykę symfoniczną lub sakralną, nie chce słuchać niczego, co dotyczy współczesnej muzyki instrumentalnej czy elektronicznej, uznając ten rodzaj sztuki za swego rodzaju parodię.

W artykule opisano, jakie istnieją gatunki muzyczne i przedstawiono utwory nieznane.

Każda epoka ma swój gatunek muzyczny, niektóre znikają bez śladu, inne przechodzą przez wieki, zyskując nieśmiertelność.

Definicja gatunku muzycznego obejmuje zespół pewnych właściwości i zachowań występujących w świecie sztuki, właściwych dziełu oraz warunków wpływających na jego powstanie.

Gatunek instrumentalny obejmuje utwory wykonywane wyłącznie na instrumentach, bez udziału głosu.

W tabeli przedstawiono listę przykładów głównych klasycznych typów dzieł muzycznych należących do gatunku instrumentalnego:

Wskazano jedynie niewielką listę głównych kierunków muzyki klasycznej, z rozszerzeniami dla każdej kategorii.

Najpopularniejszy gatunek współczesnej muzyki elektronicznej

Pod koniec lat osiemdziesiątych ubiegłego wieku ukształtował się nowy kierunek muzyczny, który mocno wpisał się w kulturę współczesnej – muzyka elektroniczna.

Poniżej znajdują się główne i najpopularniejsze obszary:

  • House - powstały poprzez zmianę brzmienia disco. Charakterystyczną cechą jest częste powtarzanie rytmu rytmu z naprzemiennym próbkowaniem.
  • Soul Full House - identyczny jak poprzedni, ale z dodatkiem wokali.
  • Deep house to lekka muzyka taneczna, łącząca w sobie elementy ambientu i jazzu. Wykonywany na instrumentach klawiszowych z lekkim dodatkiem kobiecego wokalu.
  • Dom garażowy jest identyczny jak poprzedni, z tym że na pierwszym miejscu stawiany jest wokal.
  • Nowa dyskoteka - wykonywana na syntezatorze w stylu rytmicznym.

Notatka! Znanych jest ponad dwadzieścia różnych gałęzi głównych kierunków muzyki, różne kategorie wiekowe mają swój preferowany nurt.

Jakie są gatunki wokalne?

Najbardziej rozbudowanym kierunkiem w muzyce jest gatunek wokalny.

Jego różnorodność obejmuje:

  1. Muzyka kameralna – wykonywana przez niewielką liczbę wokalistów dla wybranej publiczności. Przetłumaczone z łaciny - śpiewanie w pokoju.

    2. Istnieją odmiany tego kierunku:

  • Pieśni ludowe to pieśni komponowane przez lud i przekazywane z pokolenia na pokolenie. Słowa zmieniają się z biegiem czasu, ale muzyka pozostaje ta sama.

    Dzielą się na robocze, wykonywane w pracy, świąteczne - z okazji świąt religijnych lub świeckich, ślubów, pożegnań z wojskiem itp., pieśni, kołysanki, liryczne.

  • Romanse to liryczne piosenki wykonywane na gitarze.
  • Requiem – śpiewy pogrzebowe w świątyniach.
  • Ballady to pieśni pochwalne, które opowiadają o wielkich zwycięstwach.
  • Serenady to wyznania miłości składane przez mężczyzn swoim kochankom.
  • Kant – śpiew polifoniczny, brzmiący przepełniony.
  • Wokalizacja to ćwiczenie ćwiczące struny głosowe.

  • Nowoczesny:
    • Rock to szeroki gatunek obejmujący metal, punk rock, pop rock, rock and roll, jazz fusion, rock gotycki, hard rock itp.
    • Pop – muzyka popularna: house, disco, trance itp.
    • Rap trudno zaklasyfikować jako wokalny, bo się go czyta, ale ten kierunek jest uważany za wokalny.
    • Muzyka jazzowa i bluesowa.
  • Duchowe – przeznaczone do uzdrowienia duszy; często wykonywane podczas nabożeństw:
    • Liturgie są narracją głównych punktów Pisma Świętego, wykonywaną przez chór.
    • Antyfony to powtarzane na przemian pieśni w dwóch wiodących grupach.
    • Rondel, proprium, ordinarium to części mszy różniące się brzmieniem i przeznaczeniem.
  • Świeckie - mające charakter narodowy, opowiadające o życiu ludzi i państw:
    • Gilyards to szybkie, rytmiczne utwory.
    • Ballady to historie zwycięzców.
    • Villancico – włoskie ballady poetyckie.
  • Klasyczna – wykonywana w przedstawieniach teatralnych:
    • Opera to sceniczne dzieło muzyczne obejmujące śpiew wokalny, występy sceniczne i akompaniament muzyczny.
    • Operetka to opera komiczna, przepełniona scenami tanecznymi i rozmowami.
    • Aria to ukończony, epizodyczny fragment opery lub operetki.
    • Vaudeville to zabawna sztuka muzyczna.
    • Interludium to utwór muzyczny wykonywany w celu wypełnienia pauzy.
    • Kantata jest uroczystym utworem muzycznym.
    • Musical to spektakl zawierający elementy operetki, opery, śpiewu popowego i tańca scenicznego.
    • Chór to zespół muzyczny składający się z dużej liczby wykonawców, któremu często towarzyszy orkiestra.
  • Piosenka Chansona i barda.

    • ruch emocji.

    Dramaturgia muzyczna

    Styl muzyczny

    Forma muzyczna

    4) jako porządek estetyczny w utworze muzycznym, który objawia się formowalnością lub bezforemnością.

    5) jako jedna z gałęzi teorii muzyki.

    Zatem rozważa się dwie kategorie form muzycznych:

    a) w szerokim tego słowa znaczeniu – jako sposób ucieleśnienia treści;

    b) ściśle – jako plan rozmieszczenia funkcjonalnie różnych sekcji i części dzieła muzycznego, które łączą się w całościową kompozycję. Inaczej się to nazywa forma kompozycji lub plan kompozycyjny.

    Forma kompozycji ma dwie strony:

    *) zewnętrzne, związane z treścią muzyczną, gatunkiem i tematem oraz formami istnienia muzyki, co jest szczególnie istotne w przypadku gatunków pierwotnych.

    *) wewnętrzne, związane z ujawnieniem organizacji wewnętrznej, jej stron, elementów.

    Funkcje kompozycji:

    1) semantyczny, określony treścią utworu;

    2) komunikatywny, nastawiony na zarządzanie percepcją słuchacza.

    Metoda analizy i jej formy

    Głównym problemem analizy jest związek pomiędzy formą i treścią. Zadania analityczne:

    a) sformułować, jakie uczucia i emocje wyraża muzyka;

    b) jakie środki zostały w tym celu użyte;

    c) powiązać treść z epoką, w której zrodził się ten styl, gatunek i twórczość kompozytora. Powyższe punkty można potraktować jako odrębne aspekty analizy i podzielić na niezależne formy.

    Formy analizy(według Yu. Chołopowa) :

    1) Analiza jako estetyka praktyczna. Polega na śledzeniu wzorców muzycznych i dokonywaniu ocen. Uwzględnione w analizie postrzeganie i przeżycie estetyczne zjawisk muzycznych nadają pewnej części analiz charakter konkretnego studium estetycznego, estetyki praktycznej.

    2) Analiza-opis. Gatunek ten ma wartość naukową tylko wtedy, gdy opisano nowe zjawisko. Opis to powtórzenie tekstu muzycznego w ogólnie znanych terminach.

    3) Holistyczne Lub złożona analiza. Metoda V. Zuckermana. Polega na włączeniu do analizy szerokiego zakresu informacji związanych z esejem. Treść i forma są rozpatrywane w nierozerwalnej jedności. Zuckerman: „Analiza jest syntezą nauki i sztuki, ponieważ wymaga nie tylko wiedzy, ale także wrażliwości”.

    4) Analiza ilościowa i pomiarowa. Jest to analiza w dosłownym tego słowa znaczeniu, czyli podział całości na elementy. Tutaj pojawia się problem, ponieważ główny obiekt pomiaru jest nieprecyzyjny.

    W szerszej perspektywie analizy jako takiej nie da się w ogóle oddzielić od syntezy. Są to dwie strony jednego procesu myślenia i poznania. Analiza powinna być nie tylko całościowa, ale oparte na wartościach oznacza to, że musi wykryć obecność połączenia duchowe. Analiza muzyczna nie pozostawia muzyki, jeśli:

    *) przedstawia techniczne środki muzyczne jako estetyczne

    *) zachowuje formę dźwiękową muzyki, czyli operuje przykładami muzycznymi.

    Analiza wartości odsłania figuratywną i emocjonalną stronę muzyki poprzez doświadczenie estetyczne. W metodzie analizy wartości „środki” interpretowane są przede wszystkim w ramach formy muzycznej. Stąd dominuje znaczenie pojęcia formy jako przedmiotu analizy.

    Struktura mowy muzycznej

    Formę muzyczną charakteryzuje hierarchia struktury (wzajemne podporządkowanie). Forma muzyczna składa się z szeregu sekcji, z których każda jest podzielona na podsekcje. Okres zawiera następujące podrozdziały:

    1) zdanie – największą część okresu zakończonego kadencją;

    2) fraza – część zdania oddzielona cezurą;

    3) motyw - minimalny element konstrukcyjny formy związany z jednym mocnym udziałem.

    Struktury kształtów metrycznych

    Dla muzyki jako sztuki tymczasowej ważna jest proporcjonalność, proporcjonalność części. W formie muzycznej wyróżnia się następujące struktury metryczne, w zależności od liczby mocnych uderzeń:

    1) prostopadłość - „części 4-zegarowe” (Sposobin). Kwadratowość jest typowa dla gatunków związanych z ruchem (tańce, marsze);

    2) niekwadratowość – naruszenie zasady prostopadłości (3+3; 6+6 tomów). Charakterystyka rosyjskich pieśni ludowych.

    Prosta dwuczęściowa forma

    Formy proste to formy składające się z 2 lub 3 części, z których każda nie jest bardziej skomplikowana niż kropka. Różnica w stosunku do okresu polega na obecności części rozwojowej. Proste formy wyrosły z muzyki pieśniowej lub tanecznej. Obszar zastosowania: piosenki, miniatury instrumentalne, muzyka gatunkowa i codzienna.

    Prosta, dwuczęściowa forma to forma składająca się z dwóch części lub okresów, gdzie pierwsza część stanowi prezentację myśli muzycznej, a druga jej rozwinięcie i uzupełnienie. Proste dwuczęściowe formy podzielone są na kontrastujące A+B i rozwijający się A+A1.

    1) kontrastujący (bez powtórzeń). Struktura utworu jest refrenem prowadzącym, o charakterze gatunkowym (r.n.p. „Dubinushka”).

    2) rozwinięcie (powtórka): aa1+va1, gdzie drugi odcinek składa się z dwóch konstrukcji: V – aktualizacja i rozwinięcie tematu, tzw. „środek”; a1 - powtórzenie drugiego zdania części pierwszej.

    Prosta, trzyczęściowa forma.

    Prosta forma trzyczęściowa to forma, w której pierwsza część stanowi przedstawienie myśli muzycznej, druga część stanowi jej rozwinięcie lub przedstawienie nowej myśli muzycznej, a trzecia część stanowi uzupełnienie za pomocą repryzy . W zależności od materiału tematycznego części środkowej istnieją 2 odmiany prostej 3-częściowej formy:

    1) rozwojowe (jeden temat) AA1A. Sekcję środkową charakteryzuje niestabilność tonalnie-harmoniczna, unikanie toniki, odchylenia, struktury ułamkowe, sekwencje, polifonizacja tematu (Czajkowski, „Barkarola”).

    2) kontrastowy (dwuciemny) ABA. Część środkowa to okres o charakterze nieekspozycyjnym, w którym nie ma pełni, w końcu narasta niestabilna harmonia (Czajkowski, romans „Wśród hałaśliwej kuli”).

    Istnieją dwa rodzaje powtórek:

    a) dokładne (dosłowne, statyczne, da capo);

    b) zmodyfikowany - urozmaicony, rozszerzony lub skrócony (rzadko).

    Odmiana prostej, trzyczęściowej formy - trzypięcioczęściowy utwór ABABA (Liszt, „Sny o miłości”).

    Złożone kształty

    Składają się z 2 lub 3 części, z których każda (przynajmniej jedna) ma prosty kształt. Ma wyraźny kontrast przeciwległych sfer figuratywnych.

    Złożona dwuczęściowa forma

    Obszar zastosowania - wokal kameralny, muzyka operowa, rzadziej - muzyka instrumentalna (Mozart, Fantazja d-moll). Występuje w dwóch odmianach:

    1) nieuznane lub uznane AA1(Bach, HTC II, preludia nr 2,8,9,10,15,20; Skriabin, preludia op.11 nr 3,16,21);

    2) kontrastujące AB. ( Bach, HTC I, preludia nr 3, 21. Integralność formy ułatwia nierówność części:

    a) część 1 – wprowadzająca, część 2 – główna (Glinka, cavatina i rondo Antonidy z opery „Iwan Susanin”). Albo w Chórze Myśliwych (Weber, opera „Magiczny strzelec”): część 2 – refren.

    Złożona, trzyczęściowa forma

    Jest to renomowana forma, składająca się z 3 części, z których każda jest prostą formą. Formularz ten zawiera dwa kontrastujące obrazy, po których następuje naprawa pierwszego. Historia powstania: muzyka instrumentalna i wokalna XVII wieku – cykle taneczne, aria da capo. Obszar zastosowania: środkowe części cykli sonatowo-symfonicznych, indywidualne dzieła instrumentalne, romanse, arie, chóry. Odmiany:

    1) JAK 2) AA1A(aria da capo) 3) ABCA(dla romantyków)

    Cecha pierwszej części: brak kontrastu - jednobarwna forma 2- lub 3-częściowa.

    Historycznie rzecz biorąc, istniały dwa typy części środkowej:

    1) środkowa część z trio , gdzie prezentacja nowego materiału przeważa nad rozwojem. Konstrukcja ta jest stabilna, kompletna w formie i strukturze tonalno-harmonicznej, wyraźnie oddzielona cezurą od części zewnętrznych (Rachmaninow, Preludium g-moll).

    2) część środkowa – epizod , gdzie rozwój przeważa nad prezentacją. Konstrukcja ta jest niestabilna tonalnie, harmonicznie i strukturalnie, z płynnym przejściem do repryzy (Czajkowski, „Luty”).

    Dla romantyków różnica między triem a odcinkiem jest zamazana.

    Typy powtórzeń:

    1) dokładny (Mozart, Symfonia g-moll, część III)

    2) zróżnicowane (Chopin, nokturn Des-dur)

    3) dynamiczny, zawierający figuratywne przemyślenie materiału tematycznego części pierwszej i nowy kontrast figuratywny (Chopin, Nokturn c-moll).

    Kod– opracowany dodatek po repryzie. Pełni ostatnią funkcję syntezującą. Główne cechy: punkt narządu tonicznego, zwroty plagalne.

    Forma odmiany

    Forma wariacyjna to forma polegająca na przedstawieniu tematu i jego powtórzeniu w zmodyfikowanej formie: AA1A2… Liczba części nie jest ograniczona. Znaczenie polega na ujawnieniu różnych stanów graficznych nieodłącznie związanych z tematem.

    Pochodzenie – związane z tradycją ludową. Obszar zastosowania: utwory samodzielne, fragmenty cykli sonatowo-symfonicznych.

    Należy rozróżnić wariację (jest to sposób rozwinięcia tematu) od wariacji, czyli formy wariacyjnej.

    Historyczne typy odmian:

    1) Wariacje w stylu vintage(XVI – XVII wiek). Odmiany Basso ostinato. 2 typy:

    A) passacaglia– duża forma, Maestoso Stały temat w basie jest zmienny.

    B) chaconne– kameralny, liryczny. Zwykle zawarte w dużej formie. Niezmieniona formuła harmoniczna jest zmienna.

    Pod koniec XVII w. zatarły się różnice między passacaglią a chaconne (Bach, Chaconne d-moll; Handel, Passacaglia z suity g-moll nr 7).

    2) Ścisłe różnice. Odmiany VKSh. Odmiany figuratywne, ozdobne.

    Funkcje motywu:

    1) rejestr środkowy, 2) tempo umiarkowane, 3) faktura akordów,

    4) wyraźna funkcjonalność tematu, 5) pieśniowy i taneczny charakter tematu,

    6) forma – prosta dwuczęściowa, rzadziej – trzyczęściowa, jeszcze rzadziej – kropka.

    Zasada zmienności: odtworzenie tematu jako całości, wzbogacając go o szczegóły.

    Temat się zmienia: wzór melodyczny, rytm, faktura, tempo itp.

    Niezmienione pozostają: plan harmoniczny, forma , tonacja (można jednorazowo zastąpić tą samą nazwą lub równolegle).

    Techniki rozwijania melodii: a) ozdoby, B) intonować, V) transformacja wariantowa. (Mozart, Sonata A-dur nr 11, część I).

    3) Darmowe odmiany. Zadomowili się w twórczości kompozytorów romantycznych na początku XIX wieku. Odmiany gatunkowe. Każda wariacja jest jak niezależna zabawa oparta na temacie. Motyw jest tylko pretekstem do tworzenia kontrastowych obrazów. Zasada wariacji: element tematyczny jest przedmiotem samodzielnego rozwoju (Rachmaninow, „Rapsodia na temat Paganiniego”).

    Podwójne odmiany.

    Są to wariacje na dwa tematy. Tematy mogą się różnić indywidualnie lub jeden po drugim (Glinka, „Kamarinskaya”).

    Odmiany Glinki(ostinato sopranowe).

    Temat pozostaje ten sam, zmienia się akompaniament (Glinka, Chór Perski z opery „Rusłan i Ludmiła”).

    Forma sonatowa

    Forma sonatowa to forma, w której I część (ekspozycja) opiera się na kontraście tonalnym dwóch głównych tematów. Dział 2 (rozwój) intensywnie je rozwija. Część trzecia (repryza) łączy tematy w jedność tonalną.

    Forma sonatowa jest najwyższą spośród instrumentalnych form homofonicznych, przejmując cechy wszystkich innych form. Dzięki swojej skomplikowanej strukturze forma sonatowa jest w stanie odzwierciedlić jasne kontrasty figuratywne, ucieleśnić złożoną treść w rozwoju i pokazać jakościową zmianę w obrazach.

    Forma sonatowa ukształtowała się ostatecznie w twórczości kompozytorów Wyższej Szkoły Artystycznej. Stosowany jest w skrajnych partiach cykli sonatowo-symfonicznych, jako forma jednoczęściowych programowych dzieł orkiestrowych (uwertura, fantastyka, malarstwo, wiersz), jako forma uwertury operowej. Rzadko spotykany w muzyce wokalnej (aria Rusłana z opery „Rusłan i Ludmiła” Glinki).

    Forma sonatowa zawiera trzy obowiązkowe części: ekspozycję, rozwinięcie i kodę. Oprócz nich mogą istnieć dodatkowe - wprowadzenie i kod.

    Ekspozycja

    To pokaz obrazów muzycznych, początek dramatu. Opiera się na kontraście tonalnym (tematycznym) części głównej i drugorzędnej. Należy rozróżnić pojęcia imprezy i tematu: impreza to fragment ekspozycji lub powtórki. Temat to materiał muzyczny charakteryzujący obraz.

    Główna impreza– częściej o charakterze aktywnym, o silnej woli (ruch wzdłuż dźwięków akordowych, impulsywny rytm). Często zawiera wewnętrzny kontrast różnych elementów.

    Partia boczna– często o charakterze lirycznym. Zwykle jest to melodyjny motyw taneczno-gatunkowy. Czasem część poboczna składa się z kilku tematów (Beethoven, Symfonia „Eroica”, część I). Często partia boczna zawiera pęknięcie (przesunięcie) - wprowadzenie elementów partii głównej, partii łączącej. Wprowadza to napięcie i antycypuje dramaturgię rozwoju.

    Typowe relacje tonalne:

    Gl.p. (w kier.) – pod. (w tonacji D)

    Gl.p. (w moll) – ab.p. (równolegle)

    Oprócz imprez głównych i pobocznych wystawa zawiera strona wiążąca , który tonalnie i tematycznie łączy część główną z wtórną, rozładowuje energię zgromadzoną w części głównej. Główną cechą części łączącej jest niestabilność tonalna. Część łącząca może mieć różną skalę: od rozwiniętych konstrukcji po krótkie ogniwo (Schubert, Symfonia „Niedokończona”, część I).

    Gra końcowa– podsumowuje ekspozycję, ustala tonację partii bocznej. Często opiera się na materiale z tematów ekspozycji, rzadziej na nowym temacie.

    Rozwój

    To jest rozwój i kulminacja akcji muzycznej. Kontrast pomiędzy tematami wystawy pogłębia się lub wygładza. Częściej rozwój opiera się na temacie głównej partii, jako bardziej aktywnej i wewnętrznie skonfliktowanej. Podstawowe techniki opracowywania tematu:

    1) fragmentacja tematu na elementy i ich rozwój tonalny, harmoniczny, fakturowy, rejestrowy, barwowy.

    2) polifonizacja tematu.

    Rozwój może składać się z kilku odcinków, każdy z własną kulminacją (tzw. falami). Ostatnia sekcja, oparta na akumulacji energii o niestabilnej funkcji, nazywa się prekursor Pojawienie się nowego tematu w opracowaniu, który nie został usłyszany na wystawie, nazywa się epizod(Szostakowicz, Symfonia „Leningradzka”, część I).

    Potrącenie od dochodu

    Na tym polega zakończenie akcji muzycznej, w której tematy zbiegają się na zasadzie jedności tonalnej. Repryza formy sonatowej to:

    1) dokładny (Beethoven, III symfonia, 1 część)

    2) dynamiczne – figuratywne przemyślenie tematów wystawy; początek repryzy zbiega się z kulminacją rozwoju (Szostakowicz, VII Symfonia, część I)

    3) lustro (Chopin, ballada nr 1, g-moll)

    4) niekompletne, brak części głównej, która pojawia się w kodzie (Chopin, II Sonata b-moll).

    Kod

    Jego funkcją jest podsumowanie rozwoju, wprowadzenie kontrastu w jedność i potwierdzenie głównej idei. Im silniejszy kontrast w ekspozycji, im bardziej dynamiczny rozwój w rozwoju, tym większa wartość kodu. Koda w formie sonatowej może być podobna do drugiego rozwinięcia. Zwykle kod budowany jest na materiale tematycznym wystawy, rzadziej na nowym temacie.

    Rondo Sonaty

    Jest to forma pośrednia pomiędzy formą ronda a formą sonatową. Schemat : AVA C AB1A, Gdzie AVA– ekspozycja, Z- epizod , AB1A– powtórka. Odcinek środkowy (centralny) można zastąpić rozwinięciem poprzednich wątków. Według definicji V. Zuckermana „sonata rondo to rodzaj ronda składającego się z trzech (czasami czterech) odcinków, w którym odcinki skrajne są tematycznie i tonalnie w tej samej proporcji co boczne części ekspozycji i powtórki formy sonatowej . Odmiany:

    1) jeśli odcinek centralny Z– rozwinięcie tematów ekspozycji, wówczas ten typ zbliża się do formy sonatowej,

    2) jeżeli sekcja środkowa Z- odcinek, a potem - do ronda.

    Znaki formy sonatowej:

    *) kontrast tonalny tematów A I W na początku i ich jedność tonalną na końcu

    *) epizod W- nie konstrukcja pośrednia, ale kontrast do rozdz. n. jako niezależna strona

    Różnica w stosunku do formy sonatowej:

    *) powtórzenie rozdz. na koniec ekspozycji i powtórka

    Znaki ronda:

    *) powtórzenie refrenu co najmniej trzykrotnie

    *) motyw gatunkowo-taneczny

    Różnica od Rondo:

    *) powtórzenie nowego odcinka w nowej tonacji.

    Obszar zastosowania: finały cykli sonatowo-symfonicznych, czasem jako utwory samodzielne. Wprowadzenie nie jest typowe dla sonaty ronda, ale jest możliwe. Beethoven, sonata nr 8, finał, część środkowa – odcinek. Mozart, sonata nr 17, finał, część środkowa – rozwinięcie).

    Formy cykliczne

    Forma cykliczna to forma składająca się z kilku skompletowanych, kontrastujących ze sobą części, połączonych wspólnym designem.

    Istnieją dwa rodzaje form cyklicznych:

    1) zestaw, w którym dominuje kontrast części,

    2) cykl sonatowo-symfoniczny (wokalno-symfoniczny, wokalny, instrumentalny), w którym najważniejsza jest jedność cyklu.

    Zestaw.

    Jest to utwór cykliczny, składający się z szeregu różnorodnych spektakli. Historyczne typy apartamentów:

    1) Starożytny Apartament (partita). XVI-XVIII wiek. Składa się z czterech tańców:

    a) allemanda(taniec niemiecki) – tempo wolne, 4/4, polifoniczne;

    b) dzwonek(taniec francuski) – tempo umiarkowane, 3/4, polifoniczne;

    c) Sarabanda(taniec hiszpański) – tempo wolne, 3/4, faktura akordów;

    d) koncert(taniec angielski) – tempo szybkie, rytm triolowy. Oprócz tańców głównych do suity czasami wprowadzano tańce dodatkowe - gawot, menuet, bure itp. Suitę otwierało preludium czyli toccata. (Bacha, suity angielskie, niemieckie, francuskie).

    2) Apartament VKSH . Główne gatunki: kasacje, rozrywki, serenady (Mozart, „Mała nocna serenada”). Następuje odrzucenie przymusowego tańca i zbliżenie się do cyklu sonatowo-symfonicznego.

    3) Nowy apartament (2 ćwierć XIX w.). Jego cechy: duże znaczenie programowania, łączenie części z określoną fabułą, zwiększanie kontrastu części (Schumann, „Karnawał”). Suita może składać się z głównych numerów muzycznych spektaklu, baletu lub opery (Grieg, Peer Gynt).

    Cykl sonatowo-symfoniczny

    Cykl sonatowo-symfoniczny obejmuje gatunki symfonii, sonaty, koncertu i kwartetu. Klasyczny cykl sonatowo-symfoniczny składa się z 4 części, w tym Allegro w formie sonatowej, części wolnej, menueta (później scherza) i finału. W gatunkach koncertowych i sonatowych menueta nie ma. Kompozytywna jedność części cyklu przejawia się w organizacji tempa całości, w powiązaniach tonalno-harmonicznych, tematycznych i figuratywnych.

    Części cyklu sonatowo-symfonicznego są niejako fazami ujawniania się koncepcji utworu jako całości. Każda część cyklu ma swoje typowe gatunki i formy:

    1 część(sonata Allegro) – forma sonatowa.

    część 2(Andante, Adagio) – forma złożona 3-częściowa, forma sonatowa bez rozwinięcia, forma wariacyjna, czasem rondo.

    Część 3(Menuet) to złożona, trzyczęściowa forma.

    Część 4(Finale) – forma sonatowa lub rondo (rondo sonata).

    Połączenia tonalne: części zewnętrzne zapisane są w tej samej tonacji lub w tej samej tonacji, druga część jest zapisana w tonacji S, w tej samej tonacji lub równolegle. Trzecia część jest w tonacji głównej.

    Formy swobodne i mieszane

    Są to niecykliczne formy muzyczne, które nie wpisują się w typowe schematy form muzyki klasycznej i romantycznej, bądź łączą w sobie cechy różnych form. Formy swobodne różnią się od form mieszanych tym, że w formach mieszanych forma sonatowa łączy się z innymi formami. W formularzach bezpłatnych formularze pakietowe są łączone z innymi formularzami. Formy swobodne kojarzą się z gatunkami rozrywkowej muzyki instrumentalnej (walce Straussa, składanki). Rondalność często staje się zasadą przewodnią. Każdy nowy obraz muzyczny ma formę kompletną. Formularze swobodne są typowe dla esejów posiadających program.

    Swobodne formy epoki baroku - fantazje organowe i klawesynowe oraz gatunki pokrewne. Cechą charakterystyczną form swobodnych 2. połowy XVIII w. jest mieszanina cech homofonicznych i polifonicznych.

    Wzrost znaczenia form swobodnych i mieszanych w XIX wieku (ballady, wiersze, rapsodie) zdeterminowany jest estetyką romantyzmu. Cechuje je wnikliwe przedstawienie kontrastujących wątków, wzrost intensywności rozwoju, transformacji i zbieżności obrazów oraz dynamizacja partii repryzowo-kodowej.

    W XIX-XX w. formy swobodne opierały się na planie, który wpływał na formę (program). Indywidualna „kompozycja formy” stała się zasadą kompozycji w drugiej połowie XX wieku.

    Formy polifoniczne

    1) symulacja, polegająca na opracowaniu jednego tematu.

    2) nieimitacja (kontrastowanie), polegająca na jednoczesnym łączeniu (kontraście) różnych tematów.

    Polifonia powstała w XIV wieku jako rodzaj muzyki kościelnej przeznaczonej na chór a cappella. Główne gatunki polifoniczne: fuga, fuguette, ricercar, wynalazek itp.

    Fuga

    Fuga jest najwyższą formą imitacyjnej polifonii. Główne elementy kompozycyjne fugi: Temat, odpowiedź, kontrast, przerywnik (konstrukcja między tematami w oparciu o rozwój elementów tematów) i stretta (imitacja wprowadzenia tematu jednym głosem aż do jego zakończenia drugim głosem).

    Fuga składa się zwykle z trzech części:

    1 sekcja– ekspozycja. Jest to sekwencyjne wprowadzanie głosów z tematem w stosunku T-D. Pomiędzy II i III prezentacją tematu, a także po całej ekspozycji odtwarzane są przerywniki.

    Sekcja 2– opracowanie opiera się na realizacji tematu w podrzędnych kluczach. Stosowane są przekształcenia motywów i przerywników.

    Sekcja 3– powtórka. Rozpoczyna się powrotem tematu (w tonacji głównej), który odbywa się we wszystkich głosach.

    Repryza w szerokim zakresie wykorzystuje stretta.

    Fugę na jeden temat nazywa się prostą, na dwa tematy podwójną, na trzy tematy potrójną. Fugi podwójne i potrójne występują z ekspozycją oddzielną lub wspólną. Fuga może mieć budowę dwuczęściową: część 1 – ekspozycja, część 2 – wolna.

    Fuguetta – mała fuga o mniej poważnym charakterze. Oparty na prostych rodzajach imitacji.

    Cechy formacji w muzyce wokalnej i chóralnej

    Synteza tekstu i muzyki powoduje, że poszczególne części formy wokalnej są mniej kompletne niż w formach instrumentalnych. Zatem początkowe okresy form wokalnych często kończą się połową kadencji. Często spotyka się niekwadratową strukturę okresów początkowych, która jest dowolna pod względem struktury wewnętrznej.

    Kolejna cecha form wokalnych – ich mała przydatność do opracowania tematycznego – wiąże się z dwoma przyczynami:

    2) o jednolitej strukturze metrycznej i strukturalnej tekstu poetyckiego.

    Jest to jeden z powodów rzadkiego stosowania formy sonatowej w muzyce wokalnej.

    Jednolita struktura tekstu poetyckiego może prowadzić do tego, że w środku zachowana jest struktura konstrukcji ekspozycyjnych, ale ze zróżnicowaniem tonalno-harmonicznym, melodycznym, fakturalnym. Powstaje tak zwany „środek wariantu”.

    Częściej niż w muzyce instrumentalnej wariantowe powtórki spotyka się także w muzyce wokalnej.

    Formy wokalne charakteryzują się przenikaniem różnych zasad formacji, prowadząc do form syntetycznych.

    Wśród specjalnych form muzyki wokalnej istnieją 3 główne typy, które historycznie okazały się bardzo stabilne:

    1) forma dwuwiersza

    2) zróżnicowana forma

    3) poprzez formę wokalną.

    Muzyka jest złożoną i trudną do zrozumienia formą sztuki, ponieważ w odróżnieniu od innych form sztuki nastawiona jest wyłącznie na percepcję słuchową. Istnieją różne punkty widzenia na pytanie, co stanowi treść muzyki:

    1) „Muzyka jest czymś całkowicie wrodzonym, wewnętrznym, nie wymagającym żadnych doświadczeń czerpanych z życia” (I. Goethe).

    2) G. Laroche: „Muzyka odzwierciedla ogólnego ducha epoki”.

    3) E. Hanslick: „W muzyce nie ma treści” (czyli żadnej informacji). „Treść muzyczna to ruch form dźwiękowych”.

    4) B. Asafiew: „Fuga jest królową logiki”.

    5) Przede wszystkim muzyka odzwierciedla emocjonalny świat człowieka. Emocja sama w sobie nie ma znaczenia; świat emocji jest zawsze w ruchu. Zatem podstawą muzyki jest ruch emocji. Według L. Mazela w muzyce powinna panować jedność emocji i myśli, tj. emocje muszą być rozumiane, a myśl odczuwana.

    Rozpoznajemy treści muzyczne za pomocą słuchu intonacyjnego, który jest swego rodzaju „narządem komunikacji”. Słuch intonacyjny identyfikuje 4 stany emocjonalne swojego muzycznego rozmówcy:

    a) Zawołaj - ostro, stopniowo, bez wahania (ruch wznoszący);

    b) Petycja - żałosna, niepewna (ruch w dół);

    c) Gra – żywiołowa i łatwa, mistrzowska (ruch motoryczny);

    d) Medytacja – spokojnie, z umiarem (powrót do tej samej prędkości).

    Dramaturgia muzyczna

    Jest to system środków wyrazu i technik ucieleśniania akcji dramatycznej w dziełach gatunku muzycznej sceny (opera, balet, operetka). Dramaturgia muzyczna opiera się na ogólnych prawach dramatu jako jednej z form sztuki: obecności wyraźnego konfliktu centralnego, objawiającego się w walce sił akcji i reakcji; pewna sekwencja etapów rozwoju koncepcji dramatycznej (ekspozycja, fabuła, rozwój, punkt kulminacyjny, rozwiązanie). Te ogólne wzorce znajdują swoiste odbicie w każdym z rodzajów sztuki muzycznej i dramatycznej, zgodnie z naturą ich środków wyrazu, a rola muzyki wyznacza szereg cech ich kompozycji, odmiennych od konstrukcji dramatu literackiego.

    W trakcie rozwoju historycznego wyłoniły się pewne formy, które służą ucieleśnieniu akcji scenicznej: w operze - recytatyw, aria, arioso, zespoły, chóry. Balet obejmuje tańce klasyczne i charakterystyczne oraz zespoły. Formy te nie pozostają niezmienne. Tym samym dramaturgię operową wzbogacają pewne techniki rozwoju symfonicznego (motywy przewodnie itp.). W utworach gatunków muzycznych i scenicznych widoczne są oznaki wariacji, podobieństwa do ronda i sonaty.

    Pojęcie dramaturgii odnosi się także do dzieł muzyki instrumentalnej. Zatem dramaturgia jest jedną ze specyficznych form symfonizmu (ponieważ metoda symfonizmu jest niczym innym jak metodą dramatycznego rozwoju tematyzmu).

    Gatunki muzyczne i zasady ich klasyfikacji

    Rola gatunku jest istotna w ujawnianiu treści dzieła muzycznego. Gatunek ten z reguły odnosi się do społecznej roli muzyki, warunków bytu i warunków środków wykonawczych. Gatunki to historycznie ustalone typy, rodzaje i odmiany dzieł muzycznych, które łączy się i różnicuje według szeregu cech.

    W muzykologii rosyjskiej problematykę gatunku zajmowali się V. Zuckerman i A. Sokhor. Zuckerman rozróżnia gatunki ze względu na charakter treści – liryczne, narracyjno-epopetyczne, motoryczne, obrazkowe. Sokhor różnicuje gatunki ze względu na warunki wykonania i istnienia - codzienne (codzienne), masowe - codzienne, koncertowe, teatralne. Jest to najogólniejsza klasyfikacja gatunków, w obrębie której można dokonać podziałów (Bobrovsky określa je mianem „gatunków wtórnych”).

    Gatunki można również podzielić na proste i złożone. Proste - piosenka, taniec, marsz. Dzielą się także na mniejsze (pieśni – robotnicze, liryczne itp. Marsze – pogrzebowe, wojskowe itp.). Gatunki proste nazywane są inaczej gatunkami codziennymi, co podkreśla ich cel użytkowy. Złożone gatunki można usystematyzować według środków wykonawczych:

    1) gatunki instrumentalne – muzyka symfoniczna, kameralna, solowa

    2) gatunki wokalne – chóralna, zespołowa, solowa z akompaniamentem

    3) mieszane gatunki instrumentalne i wokalne – kantaty, oratoria

    4) gatunki teatralne – opery, balety, operetki itp.

    Styl muzyczny

    Styl muzyczny (od łacińskiego „rysik” – kij do pisania, czyli sposób prezentacji) to koncepcja estetyki i historii sztuki, która oddaje systematyczność środków wyrazu. W estetyce kategoria stylu pojawiła się pod koniec XVI wieku w związku ze zróżnicowaniem muzyki profesjonalnej, wcześniej przeważnie kultowej. W XVII wieku styl oznaczał cechy gatunku i szkół narodowych. Od XVII wieku dodano szersze znaczenie - styl epoki historycznej (styl polifoniczny i nowy styl - homofoniczno-harmoniczny). W XIX wieku pojęcie stylu nabrało wąskiego znaczenia - indywidualnego stylu pisania kompozytora. W XX wieku, ze względu na niekiedy ostre różnice pomiędzy poszczególnymi etapami twórczości jednego kompozytora, styl wyznacza dowolny okres twórczości autora lub odrębne dzieło.

    Pojęcie stylu muzycznego ma znaczenie wartościujące, wskazując na jedność, organiczne powiązanie środków wyrazu dzieła, relację między tradycją a nowatorstwem w języku indywidualnego kompozytora.

    Forma muzyczna

    Pojęcie „formy” w muzyce ma kilka znaczeń:

    1) jako kategoria estetyczna i filozoficzna, to znaczy muzyczne ucieleśnienie treści lub holistyczna organizacja środków muzycznej ekspresji (melodia, harmonia, rytm, barwa itp.) mająca na celu ucieleśnienie treści. Jest to forma w najszerszym tego słowa znaczeniu.

    2) jako koncepcja muzyczna, to znaczy rodzaj kompozycji, schemat formy według Asafiewa, forma kompozycji (na przykład forma sonatowa, fuga itp.).

    3) jako indywidualny, niepowtarzalny wygląd utworu muzycznego. Asafiew: „Istnieje tylko jeden schemat sonatowy, ale form jego przejawów jest tyle, ile samych form sonatowych”.

    Raport na temat „Gatunki muzyczne”, krótko omówiony w tym artykule, pomoże Ci poznać wiele przydatnych informacji na temat gatunków muzycznych, w tym współczesnych.

    Jakie są różne gatunki muzyczne?

    Gatunki muzyczne określają charakter i styl kierunku muzycznego. Pierwszym gatunkiem, który się pojawił, była muzyka kościelna. Były to matematyka i masa. Później powstał gatunek pieśni świeckiej. W XVII wieku pojawiły się oratorium, opera i kantata. Wraz z rozwojem muzyki kameralnej pojawiły się nowe gatunki, takie jak: pieśń ludowa, romanse, ballada, requiem, wokaliza, serenada, cant.

    Następnie rozwój gatunków muzycznych nastąpił bardzo szybko. Dziś są 4 kategorie:

    • Gatunki teatralne. Obejmuje to balet i operę, musicale, dramaty muzyczne, operetki, wodewile, melodramaty i komedie muzyczne.
    • Gatunki koncertowe. Obejmuje to sonaty, oratoria, symfonie, kantaty, kwartety i kwintety, tria i suity.
    • Gatunki masowe. Należą do nich pieśni, marsze i tańce.
    • Gatunki kultowe i rytualne. Prace nawiązują do obrzędów świątecznych lub religijnych. Na przykład pieśni Maslenitsa, kolędy, zaklęcia, lamenty pogrzebowe i weselne, troparia, bicie dzwonów i kontakiony.

    Gatunki muzyki współczesnej

    We współczesnej muzyce istnieje wiele nurtów i gatunków. Spójrzmy na główne:

    1. Głaz(cięższa muzyka dla percepcji z elementami motywów ludowych):
    • Pop rock
    • Hard Rock
    • Folk rock

    2. Pop

    • House to muzyka grana na syntezatorze.
    • Trance to muzyka z komicznymi i smutnymi melodiami.
    • Disco to muzyka z rytmicznymi sekcjami basu i perkusji.

    3.Rap

    • Alternatywny rap.
    • Rapcore to mieszanka rapu i ciężkiej muzyki.
    • Rap jazzowy.
    • Brudny rap.
    • Rap komediowy.

    4.Muzyka elektroniczna

    • Głęboki dom
    • Dom garażowy
    • Nowa dyskoteka
    • Pełna dusza

    Istnieje również klasyfikacja gatunków takich głównych kierunków, jak:

    1. Muzyka klasyczna. Rozprzestrzeniły się w XVIII wieku. Należą do nich: uwertura (instrumentalne wprowadzenie do spektakli, spektakli lub utworów), sonata (dla wykonawców kameralnych), etiuda (mały utwór do doskonalenia wykonania muzycznego), scherzo (muzyka żywa i w szybkim tempie), symfonię, operę i oratorium.
    2. Muzyka rockowa. Mówiliśmy już o tym powyżej. Na liście gatunków muzyki rockowej znajdują się także Grunge (brzmienie gitary), rock gotycki (muzyka gotycka), rock wikingów (punk rock połączony z muzyką ludową).
    3. . Lista jej gatunków obejmuje liturgię (nabożeństwa bożonarodzeniowe lub wielkanocne), antyfonę (muzyka z naprzemiennymi zespołami chóralnymi), rondel (oryginalna melodia na jednym motywie), proprium (część mszy), ordinarium.
    4. Muzyka świecka. Gatunki utworu obejmują Gilliard (rytmiczny i szybki), balladę, villancico (balladę z tekstem poetyckim).

    Mamy nadzieję, że raport o gatunkach muzycznych pomógł Ci przygotować się do lekcji i dowiedziałeś się wielu ciekawych informacji dla siebie. Możesz zostawić historię o gatunkach muzycznych, korzystając z poniższego formularza komentarza.

    Podręcznik przeznaczony jest dla studentów i nauczycieli szkół pedagogicznych do wykorzystania na lekcjach „Gra na instrumentach muzycznych”. Podręcznik zawiera materiał teoretyczny wprowadzający studentów w główne gatunki muzyczne. Aplikacja zawiera nuty, których uczniowie mogą słuchać i wykonywać na zajęciach.

    Pobierać:


    Zapowiedź:

    Gatunki muzyki

    Przetłumaczone z języka francuskiego słowo gatunek muzyczny oznacza typ, rodzaj, sposób bycia. Słowo to odnosi się do rodzaju utworu, który ma swoje własne cechy wyróżniające, treść, formę i cel. Aby lepiej zrozumieć, czym jest gatunek, przejdźmy do malarstwa. Dobrze wiesz, że jeśli na obrazie jest przedstawiona osoba, obraz ten nazywa się portretem. Jeśli płótno przedstawia naturę, jest to krajobraz. Obraz owoców i dziczyzny nazywany jest martwą naturą. Portret, pejzaż i martwa natura to gatunki w malarstwie. W literaturze jest to opowiadanie, powieść, opowiadanie, esej.

    Muzyka też ma swoje gatunki. Zacznijmy od trzech gatunków muzycznych: pieśni, tańca i marszu. Wspaniały nauczyciel i kompozytor D.B. Kabalewski porównał je do trzech filarów, na których opiera się cała muzyka.Piosenka, taniec i marszstały się częścią naszej codzienności i zlały się z nią tak bardzo, że czasami nie zauważamy ich i nie postrzegamy jako sztuki. Kto z nas, słuchając kołysanki mamy, spacerując w grupie sportowej czy tańcząc na dyskotece, pomyślał, że właśnie grany jest utwór muzyczny? Oczywiście, że nikt. Ale oni są zawsze z nami – śpiew, taniec i marsz.

    W operze, w symfonii i kantacie chóralnej, w sonacie fortepianowej i kwartecie smyczkowym, w balecie, w jazzie, muzyce rozrywkowej i ludowej, jednym słowem, w każdej dziedzinie sztuki muzycznej otrzymamy wsparcie „trzech filarów”.

    Piosenka

    Na długo przed pojawieniem się muzyki profesjonalnej pieśni ludowe wiernie i artystycznie odzwierciedlały typowe cechy narodowego charakteru danego narodu.Narodziny piosenki od dawna kojarzone są z życiem ludzi, ich pracą i życiem codziennym. Piosenka , podobnie jak szloch czy śmiech, odzwierciedlają stan duszy ludzkiej, dlatego są tak różnorodne i liczne. Osobliwością tej piosenki jest harmonijne połączenie słów i muzyka

    Bardzo często do słowa „piosenka” dodaje się słowo „folk”. Każda pieśń ludowa ma wyraźny charakter narodowy, ponieważ ludzie wszystkich narodów i wszystkich kontynentów śpiewają na swój sposób. Trudno pomylić Rosyjska piosenka z gruzińskiego, uzbeckiego, neapolitańskiego czy murzyńskiego.Jak drogocenny kamień, pieśń była przekazywana z ust do ust z pokolenia na pokolenie. Każdy wykonawca wniósł do tego coś swojego, indywidualności. Dlatego często w różnych wioskach śpiewano te same teksty, przy różnej melodii. Istnieją różne rodzaje pieśni ludowych: pieśni pracy, gry, pieśni obrzędowe, pieśni rodzinne, pieśni taneczne okrągłe, pieśni taneczne, pieśni liryczne, pieśni epickie i wiele innych.

    Najczęściej piosenka wykonywana jest z towarzyszeniem instrumentu muzycznego. Wykorzystując tematykę ludową, kompozytorzy tworzą nowe gatunki pieśni, a także dzieła monumentalne: kantaty, oratoria, opery i operetki. Piosenka organicznie wkroczyła w muzykę symfoniczną. A takich przykładów jest wiele.

    Taniec - jeden z najstarszych przejawów sztuki ludowej. W

    Ludzie starali się wyrazić swoje uczucia poprzez rytmiczny lub płynny ruch

    nastroje i myśli. Tak pojawiły się tańce rytualne, które stały się

    nieodzowny atrybut każdego święta. Zachowało je wiele narodów

    I do naszych czasów. Ludzie tańczą, czasami zamieniając swój taniec w sztukę

    - balet. Tańczą, uczestnicząc w ceremoniach lub bawiąc się

    wolne wieczory i święta. Każdy naród ma swojego

    Narodowe tradycje tańca z charakterystyczną dla niego muzyką.

    Taniec francuski kurant (courante - „biegnie”, „prąd”)

    Dworskiego pochodzenia, ale dość szybki, inny

    złożone, misterne figury i odpowiadająca im muzyka.

    Zupełnie inny taniec Sarabanda - powolny, majestatyczny. Urodził się

    w Hiszpanii i powstał w wyniku uroczystego obrzędu żałobnego. Znalazło to odzwierciedlenie w

    Nazwa (po hiszpańsku sacra banda – „święta procesja”).

    Żiga - stary taniec angielskich marynarzy, szybki, wesoły,

    zwykły. Kompozytorzy od dawna łączą te cztery tańce

    do apartamentów.

    W Polsce istnieje od dawna wiele wspaniałych tańców. Bardzo

    Najbardziej znane z nich to polonez, mazurek i krakowiak.

    Najstarszy z nich to polonez . W dawnych czasach nazywano go wielkim lub

    chodzący taniec Jego obecna nazwa pochodzi z języka francuskiego

    polonez („polski”). Polonez – otwarto procesję paradną

    piłki kortowe. Oprócz dworzanina był też chłop

    Polonez, spokojniejszy i gładszy. Ulubiony taniec to był

    mazurek , a dokładniej - Mazury (od nazwy jednego z regionów Polski -

    Mazowsze). Mazurek ludowy o wesołym, dziarskim, ostro akcentowanym charakterze

    Melodia to taniec w parach, w którym nie ma z góry ustalonych postaci.

    Trzeci taniec – Krakowiak różni się od dwóch pierwszych wyraźnym rozmiarem.

    Wszystkie te tańce prezentowane są w dziełach Chopina, słyszymy je

    Opera Glinki „Iwan Susanin”.

    Taniec Polki należy do innego narodu słowiańskiego – Czechów.

    Jego nazwa pochodzi od słowa pulka – „połowa”, jak tańczyli

    jego małe kroki. To żywy i spokojny taniec

    Tańczą w parach w kręgu. Brzmi jak najbardziej ukochany z czeskich tańców

    Opera Smetany „Sprzedana narzeczona”.

    Ciekawe losy austriackiego tańca chłopskiego Ländler. Debel

    Jest to taniec w kręgu, którego nazwa pochodzi od austriackiego regionu Landl

    Na początku XIX w. migrowała ze wsi do miast Austrii i Niemiec. Jego

    zaczęli tańczyć na balach i stopniowo stał się znany i

    ulubiony walc wszystkich.

    W „Rapsodiach węgierskich” Liszta i „Tańcach węgierskich” Brahmsa

    charakterystyczne zwroty melodyczne, ostre, rytmiczne figury. Oni

    natychmiast rozpoznawalny przez ucho, przypominający węgierski taniec ludowy Czardasz.

    Jej nazwa pochodzi od słowa csarda – „tawerna”, „tawerna”.

    Węgierskie tawerny od dawna pełnią funkcję oryginalnych klubów, gdzie

    zebrali się okoliczni mieszkańcy. W nich lub na platformie przed nimi i

    tańczył. Chardas powstał na początku XIX wieku i nie był chłopski

    Środa, ale w mieście. Taniec ten składa się z dwóch części: wolnej,

    żałosny i poruszający, taniec ognia.

    Miasto Toronto położone jest w południowych Włoszech. Podał nazwę

    taniec narodowy tarantela.

    Tańce Hiszpanii są bardzo kolorowe. Khota - ulubiony taniec hiszpański

    Prowincje Aragonia, Katalonia, Walencja charakteryzują się szybkim tempem,

    ostry rytm, który podkreśla stukot kastanietów. To jest gra podwójna

    taniec wykonywany przy akompaniamencie gitary lub mandoliny. Oryginalność

    Glinkę zachwyciła podróż do Hiszpanii. Jego orkiestra

    „Aragońska Jota” została napisana w prawdziwie ludowym temacie.

    Innym popularnym tańcem jest bolero (po hiszpańsku volar - „latać”)

    bardziej umiarkowane, o rytmie nawiązującym do poloneza.

    W Rosji czysto instrumentalna muzyka taneczna nie otrzymała takiej muzyki

    powszechne: Rosjanie od dawna uwielbiają śpiewać i wszystkie tańce - i

    szybkie, wesołe tańce i gładkie tańce okrągłe - zwykle z towarzyszeniem

    śpiewanie. Najpopularniejszy taniec żywy w XIX wieku„Pani” nawet

    Swoją nazwę wzięła od refrenu piosenki „Madam-lady”. Wśród

    tańce innych narodów są Ukraińcom znane Kozak , szybko, dziarsko

    Mołdawiaska.

    Taniec kaukaski zyskał ogromną popularność lezginka Muzyka

    Lezginki - wyraźnym rytmem i energicznymi ruchami - przyciągały

    przykuł uwagę wielu kompozytorów. Burzliwy, pełen żywiołowej siły i

    Namiętności Lezginki słychać w operze „Rusłan i Ludmiła” Glinki, w balecie

    „Gayane” Chaczaturiana.

    Marsz. Francuskie słowo marche oznacza „chodzenie”. W muzyce taką nazwą określa się utwory napisane w czystym, energetycznym rytmie, do którego wygodnie maszeruje. Choć marsze różnią się od siebie, łączy je jedno: marsz jest zawsze pisany równomiernie – dwie lub cztery ćwiartki, aby idący nie stracili nóg. Ale każda reguła ma wyjątki. Posłuchaj piosenki A. Aleksandrowa na podstawie wierszy W. Lebiediewa - Kumacha „Święta wojna”. Jest napisany w trzech częściach, a mimo to jest prawdziwym marszem, w ramach którego żołnierze poszli na front.Marsz jest ważną zasadą organizującą, jednoczącą. To nie przypadek, że wiele rewolucyjnych pieśni pisanych jest w rytmie marszowym. Są to słynne „Marsylianka”, „Internationale”, „Warszawianka”. Króla marszu nazywano radzieckim kompozytorem I.O. Dunajewski. Jest autorem wielu słynnych marszów: „Marsz Entuzjastów”, „Marsz Sportowców”, „Marsz Sportowy”.Istnieje kilka rodzajów marszów: musztry, liczniki, koncerty, pogrzeby.

    Czajkowski. Marsz Drewnianych Żołnierzy;
    Pogrzeb lalki („Album dla dzieci”);
    „Marsz weselny” Mendelssohna;

    Marsze z oper: M. Glinka „Rusłan i Ludmiła”;
    G. Verdiego „Aida”; C. Gounoda „Fausta”;
    F.Chopina. Sonata B-dur;
    L. Beethovena. Finał V Symfonii;
    W. Agapkin. „Pożegnanie Słowianina”;
    W. Aleksandrow. "Święta wojna";
    I. Dunajewski. Marsz z filmu„Śmieszni chłopcy”.

    Określenie gatunku w dziełach muzyki klasycznej.

    Gatunki muzyczne różnią się także sposobem ich wykonywania. Wmuzyka symfonicznato symfonia, koncert, suita.

    Symfonia - utwór muzyczny na orkiestrę, napisany w formie cyklicznej sonatowej, najwyższej formy muzyki instrumentalnej.

    Koncert - utwór na jeden lub (rzadziej) kilka instrumentów solowych i orkiestrę oraz publiczne wykonanie utworów muzycznych.

    pory roku Wenecki kompozytor Antonio Vivaldi – pierwsze cztery koncerty skrzypcowe z jego ósmego opusu, stanowiącego cykl 12 koncertów, jedno z jego najsłynniejszych dzieł, a także jedno z najsłynniejszych dzieł muzycznych stylu barokowego. Napisana w 1723 r., opublikowana po raz pierwszy dwa lata później. Każdy koncert poświęcony jest jednemu sezonowi i składa się z trzech części odpowiadających każdemu miesiącowi. Kompozytor poprzedzał każdy z koncertów sonetem – swoistym programem literackim. Przyjmuje się, że autorem wierszy jest sam Vivaldi. Dodać należy, że paradygmat myślenia artystycznego nie ogranicza się do pojedynczego znaczenia czy fabuły, lecz obejmuje znaczenia wtórne, podpowiedzi i symbole. Pierwszą oczywistą iluzją są cztery wieki człowieka, od narodzin aż do śmierci (w końcowej części zawarta jest jednoznaczna aluzja do ostatniego kręgu piekła Dantego). Równie wyraźna jest aluzja do czterech regionów Włoch, według czterech głównych kierunków i drogi słońca po niebie. Jest wschód słońca (wschód, Adriatyk, Wenecja), południe (senne, gorące południe), wspaniały zachód słońca (Rzym, Lacjum) i północ (zimne podgórze Alp z zamarzniętymi jeziorami). Ale ogólnie rzecz biorąc, treść cyklu jest znacznie bogatsza, co było jasne dla każdego oświeconego słuchacza tamtych czasów. Jednocześnie Vivaldi wspina się tu na wyżyny gatunku i bezpośredniego przedstawienia, nie stroniąc od humoru: w muzyce słychać szczekanie psów, brzęczenie much, ryk rannego zwierzęcia itp. Wszystko to w połączeniu z nienagannie piękna forma, doprowadziła do uznania cyklu za niepodważalne arcydzieło.

    Zestaw - utwór na jeden lub dwa instrumenty, składający się z kilku odmiennych utworów, połączonych wspólną koncepcją.

    W muzyce kameralnejwyróżnia się gatunki: trio, kwartet, sonata, preludium.

    Trio (z łac. tria - „trzy”) - zespół muzyczny składający się z trzech występujących muzyków, wokalistów lub instrumentalistów.

    Kwartet - zespół muzycznyczterech występujących muzyków, wokalistów lub instrumentalistów.

    Sonata - utwór muzyczny składający się z trzech lub czterech części o różnym tempie i charakterze.

    Preludium (z łac. przed i gra) to krótki utwór muzyczny, który nie ma ścisłej formy.

    W muzyce wokalnej- romans, oratorium, kantata.

    Romans - utwór wokalny napisany na podstawie krótkiego wiersza o treści lirycznej, głównie miłosnej; kameralne i poetyckie dzieło na głos z towarzyszeniem instrumentów.

    Oratorium - najważniejszy utwór muzyczny dla chór, soliści i orkiestra. W przeszłości oratoria pisano wyłącznie na tematy z Pisma Świętego. Od opery różni się brakiem akcji scenicznej, a od kantaty większym rozmiarem i rozgałęzioną fabułą.

    Kantata (włoska kantata, od łac. сantare – śpiewać ) to utwór wokalno-instrumentalny na solistów, chór i orkiestrę.

    Do gatunków muzycznych i teatralnychobejmują operę, operetkę i balet.

    Opera - utwór dla teatru, który wykonują artyści – śpiewacy i orkiestra. Ten gatunek muzyczny łączy w jedną całość poezję i sztukę dramatyczną, muzykę wokalną i instrumentalną, mimikę, taniec, malarstwo, scenografię i kostiumy.

    Literacką podstawą opery jest libretto. Często libretto opiera się na jakimś dziele literackim lub dramatycznym. Na przykład opera „Kamienny gość” Dargomyżskiego została napisana na podstawie pełnego tekstu „Małej tragedii” Puszkina. Ale zwykle libretto jest przerabiane, ponieważ tekst powinien być zwięzły i zwięzły.

    Niemal każda opera rozpoczyna się uwerturą – wstępem symfonicznym, który na ogół wprowadza słuchacza w treść całej akcji.

    Muzyka w operze odsłania najskrytsze uczucia bohaterów, ich charakter,

    mówi o swoich przemyśleniach. W przedstawieniach dramatycznych jest to przekazywane

    monologi aktorów. W operze rolę monologu pełni aria (w tłumaczeniu z

    Włoski - „piosenka”). Arie charakteryzują się szerokim śpiewem. Do więcej

    Bohater zostaje ukazany w całości, kilka jego arii zostaje wprowadzonych do opery. W operze P.I.

    Czajkowski „Eugeniusz Oniegin” Leński wykonuje arię „Gdzie, gdzie poszedłeś”, która ukazuje jego przeżycia emocjonalne, podekscytowanie,

    niepewność co do nadchodzącego dnia. Arioso Lensky’ego „Kocham cię, Olga” -

    Mała aria o swobodnej konstrukcji o charakterze lirycznym.

    Kolejnym ważnym elementem opery są zespoły. Podczas jednoczesnego

    Śpiewając kilku solistów, nie tylko słyszymy głos każdego z nich

    Wykonawca, ale i my czujemy piękno takiego wspólnego brzmienia.

    Największym zespołem, bez którego nie może obejść się żadna opera, jest chór.

    W operze ważną rolę odgrywa orkiestra. Nie tylko towarzyszy całej operze,

    ale jest także swego rodzaju bohaterem, ponieważ wykonywana jest muzyka

    orkiestra, odsłania ideę dzieła, odsłania myśli, uczucia,

    Relacje między bohaterami determinują dramatyczny rozwój fabuły.

    Ważnym elementem opery są sceny taneczne. W operze M.I.

    Drugi akt niemal w całości oparty jest na „Iwanie Susaninie” Glinki

    taniec. To osobliwa cecha aroganckiego, pewnego siebie

    zwycięstwo szlachty polskiej. Dlatego na tym balu tańczą poloneza,

    krakowiak, mazurek, prezentowany przez kompozytora nie jako ludowy, ale

    Tańce rycerskie.

    Operetka (z włoskiej operetki, dosłownie mała opera) -

    Spektakl teatralny, w którym występują indywidualne numery muzyczne

    Na zmianę z dialogami bez muzyki. Operetki są zapisane

    Fabuła komiksowa , numery muzyczne są krótsze ogólnie opery

    muzyka operetkowa ma charakter lekki, popularny, ale dziedziczy

    bezpośrednio do tradycji muzyki akademickiej.

    Balet (z włoskiego bal - taniec) - rodzaj występu scenicznego sztuka;

    wykonanie, którego treść zawarta jest w muzyce

    obrazy choreograficzne. Najczęściej podstawą baletu jest

    pewną fabułę, koncepcję dramatyczną, libretto, ale są też

    balety bez fabuły. Główne rodzaje tańca w balecie

    to taniec klasyczny i charakterystyczny. Ważną rolę tutaj

    Odgrywana jest pantomima, za pomocą której aktorzy przekazują uczucia bohaterów, ich

    „rozmowa” między sobą, istota tego, co się dzieje. We współczesnym balecie

    Szeroko stosowane są także elementy gimnastyki i akrobatyki. Balet

    wymaga wytrwałości i wytrwałości od każdej osoby w nią zaangażowanej.

    Dzisiejszy post poświęcony jest tematowi - głównym gatunkom muzycznym. Najpierw zdefiniujmy, co uważamy za gatunek muzyczny. Następnie zostaną nazwane właściwe gatunki, a na koniec nauczysz się nie mylić „gatunku” z innymi zjawiskami w muzyce.

    Więc słowo "gatunek muzyczny" ma pochodzenie francuskie i jest zwykle tłumaczony z tego języka jako „gatunek” lub rodzaj. Stąd, gatunek muzyczny- jest to rodzaj lub, jak kto woli, rodzaj dzieł muzycznych. Nie więcej i nie mniej.

    Czym różnią się od siebie gatunki muzyczne?

    Czym jeden gatunek różni się od drugiego? Oczywiście nie tylko imię. Pamiętaj o czterech głównych parametrach, które pomogą Ci zidentyfikować konkretny gatunek i nie pomylić go z innym, podobnym rodzajem kompozycji. Ten:

    1. rodzaj treści artystycznych i muzycznych;
    2. cechy stylistyczne tego gatunku;
    3. żywotny cel dzieł tego gatunku i rola, jaką odgrywają w społeczeństwie;
    4. warunki, w jakich możliwe jest wykonanie i słuchanie (oglądanie) utworu muzycznego określonego gatunku.

    Co to wszystko znaczy? Cóż, weźmy na przykład taki gatunek jak „walc”. Walc jest tańcem, a to już wiele mówi. Ponieważ jest to taniec, oznacza to, że walca nie gra się za każdym razem, ale właśnie wtedy, gdy trzeba tańczyć (jest to kwestia warunków wykonania). Dlaczego tańczą walca? Czasem dla zabawy, czasem po prostu nacieszenia się pięknem plastyczności, czasem dlatego, że tańczenie walca to tradycja świąteczna (to wpisuje się w tezę o celu życia). Walc jako taniec charakteryzuje się wirowaniem, lekkością, dlatego w jego muzyce występuje ten sam melodyjny wir i elegancki rytmiczny trójtakt, w którym pierwsze uderzenie jest mocne jak pchnięcie, a dwa słabe, latające (to ma związek z momentami stylistycznymi i merytorycznymi).

    Główne gatunki muzyczne

    Wszystko, z dużą dozą konwencji, można podzielić na cztery kategorie: gatunki teatralne, koncertowe, masowo-codzienne i kultowo-rytualne. Przyjrzyjmy się każdej z tych kategorii osobno i wymieńmy główne gatunki muzyczne, które są tam uwzględnione.

    1. Gatunki teatralne (główne z nich to opera i balet; ponadto na scenie wystawiane są operetki, musicale, dramaty muzyczne, wodewile i komedie muzyczne, melodramaty itp.)
    2. Gatunki koncertowe (są to symfonie, sonaty, oratoria, kantaty, tria, kwartety i kwintety, suity, koncerty itp.)
    3. Gatunki masowe (mówimy tu głównie o pieśniach, tańcach i marszach w całej ich różnorodności)
    4. Gatunki kultowo-rytualne (te gatunki, które kojarzą się z rytuałami religijnymi lub świątecznymi - na przykład: pieśni Maslenitsa, lamenty weselne i pogrzebowe, zaklęcia, bicie dzwonów itp.)

    Wymieniliśmy prawie wszystkie główne gatunki muzyczne (opera, balet, oratorium, kantata, symfonia, koncert, sonata - są to największe). Tak naprawdę są najważniejsze i dlatego nie jest zaskakujące, że każdy z tych gatunków ma kilka odmian.

    I jeszcze jedno... Nie można zapominać, że podział gatunkowy pomiędzy tymi czterema klasami jest bardzo arbitralny. Zdarza się, że gatunki migrują z jednej kategorii do drugiej. Dzieje się tak na przykład wtedy, gdy kompozytor odtwarza rzeczywistość na scenie operowej (jak w operze Rimskiego-Korsakowa „Śnieżna dziewczyna”) lub w jakimś gatunku koncertowym - na przykład w finale IV symfonii Czajkowskiego bardzo Cytowana jest słynna piosenka ludowa. Sam zobacz! Jeśli dowiesz się co to za piosenka, napisz jej tytuł w komentarzu!

    LICZBA PI. IV Symfonia Czajkowskiego – finał